会计专业毕业设计毕业论文参考题目序号 题 目1 论内部控制2 论内部控制3 WTO对我国会计制度的影响研究4 网上银行管理信息系统初探5 商业银行风险管理研究6 我国遭受反倾销的现状:原因及对策7 论金融经济的风险防范8 WTO对我国商业银行发展战略转变研究9 WTO对我国企业发展战略转变研究10 WTO对我国会计制度的影响研究11 WTO对我国企业发展战略转变研究12 加强会计电算化管理,促进网络财务的实现13 论我国稳健货币政策14 论内部控制题 目美国会计危机与会计准则的制定会计电算化的应用 上市公司会计信息失真的原因、危害及治理对策企业对应收帐款的处理意见浅谈会计失真企业信用评估上市公司股利政策分析试论当前财务会计报告的改革与发展金融工程债转股浅谈涉外企业的财务核算问题浅议企业内部控制关于国有商业银行不良资产处置若干问题的思考论知识经济对财务会计的影响论财务管理在企业运营中的作用与意义对发展我国会计电算化工作的探讨关于合并会计报表若干问题的探讨关于会计诚信有关问题的研究 析风险投资上市公司利润操纵分析与实证浅谈中外合资企业财务信息化建设内部会计监督制度的加强与完善 浅谈会计信息的披露 论会计行业与会计人员的监管关于会计诚信有关问题的研究浅析中小企业财务管理现状浅论内部控制上市公司财务指标的分析和调整建立一套会计系统的思考论加强物流管理,提高企业效率会计信息的市场管制论应收账款融资优化公司治理结构下的企业会计内控制度公司清算的审计和会计问题盈余管理初探分析性复核的运用企业内部控制设计浅析影响我国管理会计应用的环境因素成本控制若干问题的探讨 论银行会计的内部控制论商业银行法律制度真实的财务数据对企业经营的重要性居民投资方式的研究论会计人员的后续教育
公共艺术专业就业方向:
公共艺术学生就业可挑选与城市整体规划和工程建筑有关的工作中,如各个市政工程城建局、交通出行部门、工程建筑部门、整体规划部门、各种规划院等政府部门部门,还能够挑选和从业设计方案、科学研究、课堂教学、管理方法等工作中。
公共艺术专业能够学得造型艺术造型设计的写作能力素质和对智能化城市的基本建设公共基础设施工作能力,这针对在未来应聘求职道上成功迈向岗位的必须品。
公共艺术专业的发展前景相对来说是较为普遍的,大学毕业生关键对于设计方案、政府部门、文化教育等部门开展工作中,比如留校执教、城市规划设计院等部门。
公共艺术专业发展前景:
公共艺术业的发展前景也是相对而言较为普遍的,大学毕业生可以到本地或是别的地区的政府部门整体规划部门开展工作中,或是到相关的教育培训机构。
例如各种设计类学校中的艺术学校或是设计学校从业教育科学研究或是管理方法的工作中,公共艺术业的大学毕业生必须充分发挥自主创新和实践能力。
我的毕业论文题目是英语六级作文,现求几个问题的答案,每个问题一百多点字就可以 悬赏分:5 - 离问题结束还有 7 天 17 小时1、论文应达到的目的 2、本论文课题任务的内容和要求(包括原始数据、技术要求、工作要求等)3、对本论文课题成果的要求〔包括毕业设计论文、图表、实物样品等〕 范文1.本毕业设计(论文)课题应达到的目的: 论文的写作过程是实现专业培养的目标的重要手段,其目的是培养同学综合运用所学的知识将会计制度更加现实化和社会化,使所学的知识由感性上升到理性,提高同学们运用所学知识分析问题,解决问题,概括问题的能力,为在复杂的社会大舞台中更好的发展。 本论文分析了稳健原则在上市公司资产和会计管理的运用,稳健原则与其他原则的的冲突,使学生对谨慎原则有更进一步的认识。从而是学生对自己的发展方向有个了解,并确立自己的目标。 2. 本毕业设计(论文)课题任务的内容和要求(包括原始数据、技术要求、工作要求): 本课题《浅谈稳健原则对上市公司的适用性及其实际应用》分析研究稳健原则在上市公司的实际应用及其适用性问题,对促进上市公司的健康发展有着重要意义。本文从稳健原则稳健原则定义和存在前提入手,比较系统的分析了稳健原则存在的必要性,使管理者对稳健原则有了进一步的了解,重点阐述了稳健原则在上市公司资产核算和会计管理中的应用,介绍了稳健原则在上市公司的实际应用情况,为管理者作出正确决定提供了依据。 毕 业 设 计(论 文)任 务 书 3.对本毕业设计(论文)课题成果的要求〔包括毕业设计论文、图表、实物样品等〕: 毕业论文选题新颖,符合相关的稳健原则的理论,观点明确,层次分明,逻辑性强,举例充分,文章能表达新事物,以及在新情、严密。 论文要按规定的格式按A4纸打印,符号统一,打况下的新事物的发展规律,运用新思维、找到新思路,有自己独到的见解。语言要准确、简练印规范;参考文献清楚明确。
环艺论文题目,那要看选题方向了啊,是室内设计还是公共艺术设计啊,是理论研究还是具体的案例实施啊
随着信息时代化发展,公共艺术品普遍出现在了城市中,甚至成为了城市的思想或是城市的标志,公共艺术也随之得到了认可。在不同的文化背景和历史条件下,不同地区的公共艺术得到了不同的发展。公共艺术在国内属新兴的艺术类设计,设立时间相对较短,国内对公共艺术相关方面的研究涉及较少,还没有形成系统的研究体系。在物质生活满足的条件下,人们对文化生活的需求也越来越高,而公共艺术恰恰可以满足人们对审美的需求,将艺术融入生活,我们对艺术的追求远不止这些,从室内装潢到公园绿地无一不在运用公共艺术,由此可见公共艺术的前景广阔。论文通过对中西方的公共艺术发展史浅析公共艺术发展现状与未来趋势。
学术堂精选了十五个艺术设计类毕业论文题目,供大家参考:1、论帕斯长诗《太阳石》的回环结构与瞬间艺术2、论"空灵"范畴的审美机制与艺术呈现3、南京牛首山佛顶宫的公共艺术与场所精神4、城市生态人居环境设计中的人文艺术思想5、室内环境艺术设计中的装饰创新探究6、汉代乐舞题材画像石的艺术特色研究7、论舒伯特艺术歌曲的钢琴伴奏特点及演奏处理8、马头琴钢琴伴奏艺术浅析9、歌唱舞台表演艺术的舞台台风探析10、古诗词艺术歌曲的审美及演唱初探--以歌曲《关雎》为例11、穆索尔斯基歌剧《鲍里斯·戈杜诺夫》的现实主义艺术特征刍议12、声乐艺术嗓音的训练13、中国艺术歌曲在高校声乐教学中的应用14、借助社会艺术教育资源促进贫困地区中小学艺术教育发展路径研究15、初中音乐课堂中民歌艺术的传承与教学分析
全球公共艺术设计前沿学分总学时32h王鹤 ,天津大学已学人数:0章节视频绪论 -序章2天 全球公共艺术简介第一章-信手拈来——现成品公共艺术设计创新12天 追本溯源——现成品公共艺术的历史渊源 百舸争流——现成品公共艺术的发展 自修——现成品公共艺术造型逻辑日益完善 外联——现成品公共艺术与环境关系日益紧密 爆发还是沉默?——现成品公共艺术的发展趋势 向过去道别——再没有艺术家以现成品为主要造型手段 可待成追忆——现成品公共艺术更多以怀旧为主要功能 瞬间成永远——现成品公共艺术的临时性特征越来越明显 中国式的诘问?——张江艺术花园“∧”第二章-影像的幻术——二维公共艺术设计创新12天 我从画中来——二维公共艺术的历史渊源 渐入佳境——二维公共艺术的发展 不空中空——剪影正负形 有板有眼——插接与折叠 推拉工具——厚度拉伸 不甘命运摆布——二维公共艺术建设趋势总结 坚守——传统基础上不断改良 抗争——逐渐探索跨界新形式 新生——在巨型公共艺术中重新找到自我 为我所用——中国成都太古里的二维公共艺术第三章-怀旧情怀与前瞻未来——像素化公共艺术设计创新9天 并不简单的小点——像素化艺术的历史渊源 在怀旧认同中畅想未来——像素化公共艺术建设趋势总结 胸怀——像素化公共艺术具有开放的框架 禀赋——像素化公共艺术能够兼顾怀旧与前瞻 成就——像素化公共艺术善于融入建筑环境 艰难求索——中国像素化公共艺术“像素立方体”第四章-星河光转——能动公共艺术设计创新12天 永不停歇的梦想——能动艺术的历史渊源 站在巨人的肩膀——能动公共艺术的发展 考尔德的奠基——能动公共艺术的艺术化阶段 乔治•里奇的建构——能动公共艺术的工业化阶段 纷纷试水——能动公共艺术的科技化阶段 泛化、转化和引申——能动公共艺术建设趋势总结 能动概念日渐泛化 能动主力逐渐转化 能动概念逐渐引申 与世界肩并肩——中国能动公共艺术《凤凰》第五章-镜中世界——反射型公共艺术设计创新12天 曲“镜”通幽——反射型公共艺术的历史渊源 匠人精神——日本反射型公共艺术的早期探索 深厚积淀——欧洲反射型公共艺术的早期探索 锐意进取——美国反射型公共艺术的早期探索 古老东方的思辨——反射型公共艺术的发展 对碎片化世界的回应——反射型公共艺术建设趋势 内敛——反射型公共艺术尺度可能渐趋缩小 务实——反射型公共艺术临时性和实用性逐渐增强 发散——反射型公共艺术材料日渐多样 引领时尚——中国反射型公共艺术上海新天地广场境面反射装置第六章-顺时而动——生态公共艺术设计创新15天 赤子之心——生态公共艺术的早期探索 枝繁叶茂——生态公共艺术的发展 以刚克刚——力求以科技解决问题的生态公共艺术 以柔克刚——运用原生态材料的生态环境公共艺术 倔强的牛虻——警示公众注意的生态环境公共艺术 未有穷期——生态环境公共艺术建设趋势 短暂——临时性作品数量增加,回收材料日渐占据主流 坚强——永久性作品重视坚固材料,注意提高维护性 成长——警示型和科技型生态公共艺术分化日益明显 为时不晚——中国生态环境公共艺术“cola-bow”第七章-为了明天——植物仿生公共艺术设计创新12天 千树万树——植物仿生公共艺术的渊源 步入正轨——植物仿生公共艺术的发展 跨过卢比肯河——2000-2010年的植物仿生公共艺术 起承转合——2010年前后植物仿生公共艺术的进展 润物细无声——植物仿生型公共艺术建设趋势 轻——基础材料逐渐重视轻质量、高强度与可回收性 真——形态上越发逼真,进一步融入都市环境 活——发挥自身优势,更多采用互动技术以实现社会效应 强——功能越发强化且实用,推广普及门槛降低 净——夜间照明逐渐基于清洁能源 辨——技术哲学层面还需深入思考 来日方长——中国植物仿生公共艺术成都太古里部分作品第八章-数字原住民的精神图腾——声光互动公共艺术设计创新14天 殊途同归——声光互动公共艺术的渊源 有光为证——声光公共艺术的早期发展 声光互动公共艺术的源头之二——互动公共艺术的早期发展 飞向无垠——2010年以后声光互动公共艺术的最新发展 移步换形——与人的位置互动 举手投足——与人的动作互动 心随声动——与人的其他互动途径 给未来的自己——声光互动公共艺术建设趋势 更多元的未来——互动媒介结合程度日益紧密 更发达的未来——互动手段科技含量日益提高 更壮观的未来——互动作品规模日渐大型化 更耐人寻味的未来——互动的艺术效果还有待观察 弯道超车——中国声光互动公共艺术《声波》展开全部课程简介 1. 对比教学:公共艺术范围广泛,因此重点通过与雕塑、设施、建筑、景观等相关艺术门类对比,帮助学习者深化对公共艺术概念的认知。2. 案例教学:公共艺术是一门动态中的实践艺术,通过大量最新案例的深度细致解读,帮助学习者了解世界各国近年来在此领域不断探索的最新成果。3. 实践教学:公共艺术创作方法简单易学,课程通过轻松诙谐的现成品运用等途径,鼓励学习者大胆尝试创意设计,表达自己的主张,了解设计流程。展开全部教学大纲绪论 序章绪论全球公共艺术简介公共艺术是动态的存在,进入2010年后在移动互联、新材料、基于文化创意转型的城市再生等大背景下,像素化、植物仿生等新兴公共艺术形式异军突起,发展日新月异。如何帮助同学们把握公共艺术这一影响深远的变化,并以此为窗口了解世界前沿艺术、科技、社会思潮,正是《全球公共艺术设计前沿》这门课程开设的初衷。第一章 信手拈来——现成品公共艺术设计创新现成品的使用是当代公共艺术与传统雕塑区别最显著的设计方法之一。将寻常可见的工业现成品放大尺度,使其在公共空间中具有了新的意义。奥登伯格等艺术家创作了《晾衣夹》等众多经典作品。2010年以后,围绕现成品公共艺术的形式探索与创新仍在继续,呈现出诸多新颖的发展趋势。追本溯源——现成品公共艺术的历史渊源从20世纪60年代起,以奥登伯格为代表的美国波普艺术家在公共空间中将复制现成品的公共艺术创作方法发扬光大,在很大程度上为这一领域原则、规律的产生奠定了基础。百舸争流——现成品公共艺术的发展20世纪60年代末,美国的“百分比计划”开始大规模实行,以考尔德为肇始,众多美国艺术家的作品从美术馆内走向广阔的户外空间,走向美国联邦资金建设的诸多海外使领馆。奥登博格很快抓住了这一机遇,他的现成品公共艺术实践延续了此后的三十余年,其中的形态演进规律虽不是非常明显,因为这些作品的形态往往受到甲方的要求或所在环境的制约。爆发还是沉默?——现成品公共艺术的发展趋势奥登伯格之后的现成品公共艺术的发展去向并不明朗,但有这样的几点趋向已经非常明显。中国式的诘问?——张江艺术花园“∧”公共艺术概念进入中国已经很久了,相关实践也一直在推进当中。上海张江艺术花园中的“∧”就是典型案例,作者以典型的波普主义手法,塑造了一个大型的易拉罐,打开的易拉罐用吸管支撑在地面上,保持着倾斜状态。作者在这里也希望表现快餐对儿童的不利影响这一社会问题。同时在易拉罐后部安排了梯子,儿童可以攀爬,并从吸管中滑下来 ,以起到滑梯的作用。第二章 影像的幻术——二维公共艺术设计创新二维公共艺术是利用绘画、剪影、厚度拉伸等方式,赋予二维图像以三维体积的公共艺术设计方式。这种方式不同于传统形式的浮雕,它糅合了绘画、视觉传达等领域的成果,是世界范围内公共艺术设计方法的重要类型。二维公共艺术免去了复杂的三维体积塑造过程,为众多画家、摄影师、平面设计师提供了进入公共艺术领域的渠道,进一步彰显了公共艺术的跨学科与开放特征。同时这种艺术形式普遍具有视觉效果突出、鲜明,节省占地等优点,但同时也带来必须限制观赏角度的局限。我从画中来——二维公共艺术的历史渊源在二维公共艺术的发展中,印第安纳和哈林做出了巨大的贡献,说他们奠定了二维公共艺术的基础毫不为过。渐入佳境——二维公共艺术的发展进入20世纪80年代后,二维公共艺术在公共艺术中的应用得到越来越多画家、风景园林设计师等领域人士的认可。在这一阶段,剪影正负形的基本准则已经确立,并开始探索与一系列功能之间的关系,在如何更好适应环境上也有了新的突破。二维公共艺术也变得更具包容性,其主要类型包括了剪影正负形、插接与折叠以及厚度拉伸。不甘命运摆布——二维公共艺术建设趋势总结从二维公共艺术的发展历程以及近年来的实践可以判断,二维公共艺术的设计创新体现出三个显著趋势,分别是尺幅巨大化、形式综合化和应用受局限。为我所用——中国成都太古里的二维公共艺术成都太古里的公共艺术运用常见的、简单的艺术形式,表达了深刻并具有普遍性的主题意义,呼应所在地区主要人群特点,理解起来无障碍。又适应所在环境形态特征与功能属性,与交通流线穿插,又具有国际化特征,总体效果十分成功。第三章 怀旧情怀与前瞻未来——像素化公共艺术设计创新像素,英文对应为Pixel。从定义上看,像素是基本原色素及其灰度的基本编码。作为构成数码影像的基本单元,我们通常以像素平方英寸(Pixels per inch,简称PPI)来表示影像分辨率的大小,也就是衡量图像质量和清晰度的关键标准之一。像素点用矩阵排列或拼合成图像,这种图像也称位图,与后来的用数字公式表示的矢量图有根本不同。并不简单的小点——像素化艺术的历史渊源虽然像素化艺术使用的是当今的形式元素。但这种用大量类似特性元素通过组合,以形成一定距离上的整体视觉观感的方法却并非历史上的首创。1884年年轻艺术家乔治•修拉第一幅正式作品《阿斯尼埃尔的沐浴》,唯一的不同,在于画家创造这一视觉效果的方式。所有的这一切都是用一个个小纯色点组成的,而非在画板上调和好后再画到画布上。在怀旧认同中畅想未来——像素化公共艺术建设趋势总结发展到今天,像素化与其说是一种艺术形式,不如说是一种文化现象,遍及平面设计等各个领域。这一文化现象的繁荣有其大背景,即数字化和人的固有怀旧心理,它既属于当下,又属于未来。因此,像素化公共艺术的应用前景日益广阔,主要有三点原因。艰难求索——中国像素化公共艺术“像素立方体”像素化公共艺术在世界范围内都兴起不久,因此在国内的应用案例还不多。在完全意义上的公共艺术领域,目前国内比较有代表性的案例来自我国台湾省一个名为“像素立方体”(Voxel scape)的实践。第四章 星河光转——能动公共艺术设计创新为艺术作品赋予动感是艺术家一项古老的希冀。发展到今天,能动已经是当代公共艺术区别于传统雕塑最显著的特征之一。进入21世纪后,在公共艺术技术含量提高的大背景下,能动公共艺术逐渐出现概念泛化和主力转向的趋势,带有能动叶片的部分作品逐渐归入生态公共艺术中,电动、程控成为能动公共艺术的的主流,其2017年以后的发展趋势值得拭目以待。永不停歇的梦想——能动艺术的历史渊源首先需要看到,今天的能动公共艺术概念不是凭空出现的,而是有着深厚的历史渊源。因为使三维艺术具有动感是从古至今一代代艺术家的梦想,我们从未来主义的《在空间里连续性的独特形式》以及构成主义的《第三国际纪念碑》三件作品的形态演进可以清晰看出这一点。站在巨人的肩膀——能动公共艺术的发展首先需要看到,今天的能动公共艺术概念不是凭空出现的,而是有着深厚的历史渊源。因为使三维艺术具有动感是从古至今一代代艺术家的梦想,我们从希腊化时期的《萨摩色雷斯胜利女神》、未来主义的在空间里连续性的独特形式》以及构成主义的《第三国际纪念碑》三件作品的形态演进可以清晰看出这一点。泛化、转化和引申——能动公共艺术建设趋势总结在2010年以后的世界经济、文化发展大背景下,能动公共艺术受限体现出与其他设计创新类型公共艺术同样的演变趋势,即受到科技发展越来越深的影响和介入,技术上渐趋复杂,技术含量日益增加。与世界肩并肩——中国能动公共艺术《凤凰》2014年天津经济技术开发区(TEDA)建区三十周年之际,需要完成新的纪念碑。新纪念碑选址北海路和第二大街交口,均位于交通环岛之上,这对纪念碑的尺度、形态都提出了特殊的要求,法国艺术家梅泰的方案有其鲜明的特性,首先是出色的整体视觉效果,梅泰仔细考察了天津的自然环境,从海藻等海生植物上汲取了灵感,在造型上突出了开发区蓬勃向上的积极面貌,与世界能动公共艺术的发展水平站在同一起跑线。第五章 镜中世界——反射型公共艺术设计创新借助发达的材料冶炼与加工工艺,立体造型艺术的材料就具有了反射周边事物的神奇能力。特别是不锈钢抛光后闪亮无比,大大增加其可观性。不锈钢的强反光性恰当运用会产生镜面效果。进入21世纪以来,这一艺术形式在尺度上、材料上、与环境和人的关系上都出现了几近天翻地覆的变化,表现形式日益多样化,成为21世纪第二个十年以来最值得关注的公共艺术形式之一。曲“镜”通幽——反射型公共艺术的历史渊源从20世纪70年代以来,在世界范围内兴起了一股依赖高度抛光的不锈钢和其他金属工艺实现与环境紧密联系的公共艺术中创作浪潮,日本、欧洲和美国分别进行了不同程度和角度的探索,成为我们今天追溯反射型公共艺术的主要源头。古老东方的思辨——反射型公共艺术的发展作为与《云门》齐名的公共艺术,卡普尔的另一代表作《天镜》2001年4月27日方才落成,共耗资90万英镑,他根据剧场外的环境空间尺度,将尺寸定为6米直径,自重10吨,全部以高度抛光的不锈钢制成。一侧凹面,一侧凸面,实时反射着周边环境,这在当时是创新之举。在《天镜》中,卡普尔将印度的哲学思想与现代工业技术相结合,在现代城市环境中大放异彩,说明艺术作品的人文属性依然占有不可取代的地位。对碎片化世界的回应——反射型公共艺术建设趋势通过对反射公共艺术发展脉络的梳理,以及对近年来最新案例的分析,可以发现其在未来的发展明显具有三点趋势。引领时尚——中国反射型公共艺术上海新天地广场境面反射装置近年来最接近世界反射型公共艺术发展趋势的国内作品是2014年,由荷兰建筑事物所UN Studio在上海新天地商场门前完成的“镜廊”。“镜廊”在形式上融合了建筑、雕塑、景观等,既有空间可供体验,又有视觉图像可供欣赏,打破原有艺术形式局限。“镜廊”比较注重与人和环境的交流融合,形式运用得当,充分地反映了国际范围内反射公共艺术逐渐向着临时性、小型化和实用性发展的趋势。第六章 顺时而动——生态公共艺术设计创新自从公共艺术作为一种可辨识的艺术形态诞生以来,对环境的关注以及对生态性的追求就成为其最鲜明的特征之一。众多艺术家针对生态观念和低碳材料在公共艺术创作中的运用展开了一系列探索。这些探索类型广泛,规模不一,但总体特征是重视运用具有天然属性的材料,更强调对自然的被动适应而非主动改变。从20世纪70年代起,欧洲、美国、日本等地的艺术家就从不同角度探索了生态公共艺术的建设。赤子之心——生态公共艺术的早期探索在漫长的历史中,生态环境问题并不是人类艺术创作的主要题材之一。自从工业革命以来,伴随经济发展而来的环境问题才引起人们重视。现在所强调的环境问题,主要指生产、生活所造成的污染和对资源的滥用。环境问题不但破坏自然的生态平衡,而且影响到社会的发展,甚至威胁到人类的生存。因此,要求制作过程无污染,不浪费资源,即循环利用,与自然发展相结合的生态设计理念开始出现在生产、生活的各个领域。从这时起,公共艺术设计才开始广泛重视到这一问题。枝繁叶茂——生态公共艺术的发展近年来,随着社会、科技、经济的发展,在20世纪后期行之有效的生态公共艺术创作方式开始显露弊端,作品状态和所选基础材料的非永久性,制约了传统生态公共艺术在人流密集的城市环境中推广的可能性,进而将这些作品与所在地的经济、社会发展割裂开来。因此,世界范围内公共艺术由于新技术的介入和新观念的成熟,分化出了三条主要的发展路径:分别是单纯关注技术、注重原生态材料与警示公众注意。未有穷期——生态环境公共艺术建设趋势从最新生态公共艺术建设显露的趋势可以看出,基于此,具体的建设趋势可以归纳三点。为时不晚——中国生态环境公共艺术“cola-bow”塑料是当今社会应用最广泛的石化制品,在极大程度上方便了现代人的生活,但却是一种很难自然降解的材料。2013年,由槃达建筑事务所(penda)设计的公共艺术非永久性装置“cola-bow”落成于北京大学生设计展门外。这件作品由大量可口可乐瓶组成。设计方希望唤起公众对塑料污染的重视,鼓励市民将回收塑料瓶作为日常习惯的环保行为来加以推广。探索城市雕塑、公共艺术建设与管理的绿色发展是一个影响中国未来几十年社会、经济、文化全面发展的关键环节。第七章 为了明天——植物仿生公共艺术设计创新近年来,欧美公共艺术领域出现了一个引人注目的新趋势,一种尽可能模仿植物外观和组织结构,体现生态、低碳特征的公共艺术大行其道。从早期的《信号灯树》为人们熟知,逐渐成为各路艺术家创作的热门,到2010年英国墨西河畔的《未来之花》成为成熟标志,相关案例在2010年后快速增加,成为一种值得引起高度关注的文化现象。千树万树——植物仿生公共艺术的渊源1998年由法国艺术家皮埃尔·维维安(Pierre Vivant)在伦敦完成的《信号灯树》(The Traffic Light Tree)应当是利用植物造型表达生态主题的仿生型公共艺术较早的实践案例。作者创作《信号灯树》的初衷是代替原处一棵因污染死去的法国泡桐,可以说具有很强切的环境保护意味。完工后的作品其基本形态都与旁边的树木十分相近,视觉效果统一,同时带有人工特征的信号灯又能与都市的摩天大楼融合到一起。步入正轨——植物仿生公共艺术的发展虽然在公共艺术领域借鉴植物仿生学的成果相对比较晚,但发展较快,仅仅十余年间,对植物的模仿就从单纯的形态仿生向复杂的非形态仿生发展,由早期《信号灯树》对植物外在形态的借鉴,深入到对植物系统的能量转化与环境适应特性的模仿,开始融入太阳能和风力发电的创想。润物细无声——植物仿生型公共艺术建设趋势2010年前后,植物仿生型公共艺术与临时功能性建筑的成功结合反映出复合碳纤维等材料工艺的进步和复兴城市社区的特殊需求,在未来势必有更大的发展空间,也必将成为生态公共艺术的主流之一。《太阳花》等新一代植物仿生公共艺术能够实现将太阳能采集的电能除自用外输入电网,就是依赖智能电网技术的突破。同样,大多数植物仿生型公共艺术在夜景照明中能够实现低能耗,也离不开LED光源的普及。新一代技术的成熟与廉价,加之设计思想日益成熟,无论是基础设施供应商还是艺术家个人,都能比较恰当地处理植物形态、功能、工艺之间的平衡,使作品有更大的几率付诸实施。通过对具有典型性和代表性的案例重点分析,根据对植物仿生型公共艺术发展历史的梳理,结合当前社会、经济、技术、思潮发展的宏观趋势,可以为植物仿生型公共艺术的发展总结出六点趋势。来日方长——中国植物仿生公共艺术成都太古里部分作品由于植物仿生型公共艺术在欧美国家成熟相对较晚,因此中国在这一领域的成果也远不如其他环境类型或设计创新类型的作品。近年来比较有代表性的,还要数成都太古里项目中的《自然》和《大花》等作品。总体而言,植物仿生型公共艺术的推广对整个社会的科技水平与基础设施的智能化程度都提出了较高要求。第八章 数字原住民的精神图腾——声光互动公共艺术设计创新声光互动公共艺术是世界公共艺术大家族中最新的成员,特指以声、光为主要手段与公众展开互动的新型公共艺术。当代声光互动公共艺术融合了传统雕塑、照明、设施等多方面要素,体现着当代社会科技重要性日益提高以及对人越来越重视的大背景,重点对应在数字化时代成长起来,并有很强自我意识的千禧一代。其具有较为清晰的源头,分别是声光公共艺术与互动公共艺术。殊途同归——声光互动公共艺术的渊源如果我们仔细梳理声光互动公共艺术的发展脉络,会发现它是由声光公共艺术和互动公共艺术在不同背景下分别发展起来,并在特定时期逐渐合并的结果。飞向无垠——2010年以后声光互动公共艺术的最新发展进入21世纪第二个十年后,随着科技的进步与观念的更新,声光与互动两大类公共艺术逐渐呈现合流之势,越来越多的艺术家走出传统上利用物质塑造形体的表现方法,转而依赖声、光等媒介与观众互动,提升作品的感召力,获得了巨大成功。给未来的自己——声光互动公共艺术建设趋势通过声光互动公共艺术的诞生、发展与近年来的演变可以归纳出其在今后一段时期四点显著的建设趋势。弯道超车——中国声光互动公共艺术《声波》声光互动公共艺术的出现既依赖于技术的进步,也与公众对公共艺术创意思维的接受度有关,还取决于维护和保障的力度。《声波》由Penda建筑完成,位于襄阳中华紫薇园入口,是目前中国大陆将省广互动功能较好融合后打造的新形态公共艺术之一。收起考核标准课程总分100分平时成绩 分章节测试成绩 分见面课成绩 40分期末成绩 30分论坛成绩 0分
公共艺术发展趋势?诞生于20世纪60年代的公共艺术自20世纪90年代初期进入中国以来,公共艺术在西方公共艺术的理论和实践基础上,在消费主义文化兴起的社会背景和国家城市发展与乡村振兴的政策导向下,发展得如火如荼。但由于对公共艺术的公共性本质认识不深,同时缺少制度化的管理和对本土文化的正确认识,中国的公共艺术实践也面临着诸多问题。基于此,李雷的《公共艺术与空间生产》一书在详细梳理西方公共艺术的发展之径与未来趋向后,借助国内外的众多案例,对公共艺术在中国城市、社区和乡村等公共空间中的生产进行深入调查与症候解析,旨在为中国公共艺术的未来发展提供更多的可能性。除了实践的指导意义之外,该书从理论层面呈现出公共艺术生产的三个显著转向,尤其值得关注。其一,从艺术家的“独角戏”到公众的参与性。李雷在该书中提出公共艺术在西方和中国的出场后,明确了其历史变迁及概念。对于公共艺术的概念界定,他认为公共艺术不能等同于“公共空间中的艺术”,二者的差别在于是否具有公共性,即艺术意愿的表达、艺术接受、审美鉴赏活动是否平等、开放和共享。公共艺术是一种社会空间的生产过程,在此过程中,艺术从传统的私人性生产转变为公共性生产,艺术的自律性被社会性所制约,艺术家的个人创作过程被公众的参与过程部分遮蔽,公共物理空间被精神空间所塑造。公共艺术既具有多元性的结构,又是一个整合性的艺术创造。所以,如果说传统艺术是艺术家的“独唱”,那么公共艺术则是公众共同参与的“大合唱”。前者的创作过程和成果是封闭的、独立的和私人的,后者则将艺术品从封闭空间中解放出来,与自然环境、人文环境和社会环境相融合。马钦忠在《公共艺术基本理论》中提到:“人类历史上每一重要时段的特征都是落实在某个空间存在物的唯一性和不可重复性来确证的,空间的物标识了时间的承递。”此话虽意在强调空间的重要性,但也说明了时间对塑造空间意义及其精神的重要性。公共艺术不仅需要彰显出时间赋予一个地区的内在品质和精神格调,也要在公众的参与中不断进行加强和完善。其二,让艺术回归大众日常生活。日常生活审美化和艺术生活化的趋势,将艺术置入一个更大的社会场域之中,这意味着艺术离布迪厄所谓的权力场越来越近,其自主性随之而消解和降低。李雷援引列斐伏尔、福柯及布迪厄等人的空间理论,来揭示公共艺术在空间生产中面临的诸如行政权力话语、资本权力话语和精英文化话语等的权力博弈与拉锯,而大众的声音话语则普遍遭到忽视。在历史上,欧美国家通过直接将文化艺术划为个人社会权利的必要组成部分来实现各种话语权力的平衡。由此,艺术在公共空间的生产过程中慢慢实现向文化民主的迈进。河清在《艺术的阴谋:透视一种“当代艺术国际”》中认为,如果你认可了这样一部艺术史,实际上就是认可了其写作者的“话语权”和文化权力,同时也或多或少放弃了你自己的文化判断和文化权力。在公共艺术的空间生产中,对平衡各方包括行政、资本、精英和大众话语权力的理想诉求,就是对被隐藏在话语权背后普通大众的生活境遇与审美趣味的关注,并赋予其对艺术的部分决策权与参与权。恰如李雷在书中所言,公共艺术的公共性不仅表现在“公共艺术与公共空间的融合性”,还体现在“创作主体的多元性与合作性”和“创作成果的开放性和共享性”。这些都使得艺术回归大众日常生活,它打破了阶层区隔,让某一特定的审美价值和趣味暴露在大众的面前并接受评判,大众在参与、合作、审视和评价的过程中,直接或间接地实现了他们在文化艺术上的权力。其三,由艺术的内在完善到社会责任。李雷在书中选取并分析了城市、社区和乡村三个不同公共空间中的公共艺术实践,并富有创见地将从城市到乡村的公共艺术发展称为当代艺术的“逆城市化”,这种在地理空间上的逆向发展,实则反映了公共艺术的社会责任感与道德感,也揭示了公共艺术对改变社会状况和人类生活的重大意义。如美国费城的贫民窟到“怡乐村”的巨大转变,日本的“越后妻有大地艺术祭”不仅给当地人带来了丰厚的经济回馈,也重塑了人与自然、人与人之间的关系,在改善人们生活的同时,提升了当地的乡土文化自信。艺术实践要以人民为中心。相比于传统艺术对社会阶级的区隔以及对自身内部完善的强调,公共艺术则积极融入人民生活,并努力找寻与外部空间和文化环境的融合之径。针对当下自然生态环境恶化等现实问题,公共艺术的社会责任得到了突显,如艺术介入“乡村振兴”“美丽乡村”建设和“精准扶贫”等社会性整体议题。这表明社会生活作为艺术的现实来源,人民群众作为艺术的生产者与接受者,公共艺术的社会责任是其应有之义。公共艺术在空间的生产中将人类的物质空间、心理空间和社会空间重新捆绑,并在时间中建构起一个意义场所或精神场所,人们的生活和历史,人与社会、人与自然等的关系在其中得到体现和见证。公共艺术在现代科技、消费观念等影响下会有越来越多的表现形式,但中国公共艺术在未来发展方向上,即本土化、制度化、数字化和生态化,依然有很长的路要走。二、什么是公共艺术的公共性?公共性的含义,公共艺术是以大众需要为前提的艺术创作活动是在政府部门及专业人员指导下开展的大众文化运动。艺术的核心观念是对于公共性的诉求,让大多数人更自由,平等的分享艺术成果,它也是艺术历史发展的延伸。公公性意味着交往,沟通。三、公共艺术设计考研有必要吗?公共艺术很有专业考研的必要。你一定要去提高自己,所以你必须去考研,这样,经过你后天的努力,你就可以去更好的学校去就读,你的学历就会更好,未来找工作,就简单了很多。最重要的是,在薪酬方面,作为一个研究生,你会发现,你的工资高了很多。第一个就是美术学,美术学专业是艺术学的二级学科之一。美术学专业为美术史论、美术教育领域培养教学和科研、美术评论和编辑、艺术管理和博物馆等方面的高级专门人才,学生毕业后能从事美术教育、美术研究、文博艺术管理、新闻出版等方面的工作。第二个就是设计学。设计专业需要有美感训练,而不是美学训练。现在学院里的设计课,往往都会教很多所谓美学原理。例如:平衡定律、比例、对比、许多老师与学生往往将这些原理以范例,特别是对外国作品的案例学习,而忽略了两点。四、公共艺术特点?公共艺术的特性包括:历史性、功用性、表现性。公共艺术专业是指在学科综合专业基础和公共艺术专业方向基础课学习内容的基础上,分别对各种公共艺术理论知识、实践知识进行研究和学习,涵盖公共艺术本体形态、艺术形式、创作形式、创作观念、方法、技巧及审美意识等综合内容
环艺设计毕业论文参考文献
紧张而又充实的大学生活即将结束,毕业前都要通过最后的毕业论文,毕业论文是一种有计划的、比较正规的检验学生学习成果的形式,那么应当如何写毕业论文呢?下面是我为大家收集的环艺设计毕业论文参考文献,欢迎大家借鉴与参考,希望对大家有所帮助。
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环境艺术设计专业的 毕业 设计是该专业学生毕业之前最重要的课程,而影响毕业设计的一个因素就是论文题目,题目起着至关重要的作用。下文是我为大家整理的关于环境艺术设计专业的毕业论文题目的内容,欢迎大家阅读参考! 环境艺术设计专业的毕业论文题目(一) 1. 明清吉祥纹样在茶室空间设计中的应用 2. 屏风隔断艺术在现代室内空间中的应用 3. 餐饮空间设计中人性化设计的应用与发展 4. 地域 文化 在室内设计领域中的应用 5. 论室内空间设计中的过渡空间设计 方法 6. 论屏风设计元素在现代办公空间中的运用 7. 论橱窗设计手法与意境营造 8. 从视觉角度分析室内装饰材料的表现与应用 9. 现代办公空间的人性化设计 10. 点、线、面在住宅空间设计中的运用 11. 中式风格酒店设计中的配饰设计 12. 论展示设计中地域特色形式的表达 13. 现代休闲娱乐空间室内光环境的人性化设计 14. 论行为心理元素影响下的酒店接待空间设计 15. 论网络时代的办公空间设计 16. 论商业橱窗设计中的动态展示方法 17. 论中国装饰元素在室内设计中的应用 18. 论自然采光与人工照明在室内设计中的合理运用 19. 论现代室内设计中的流动空间设计 环境艺术设计专业的毕业论文题目(二) 1. 论欧式新古典风格室内软装饰设计的应用 2. 论审美构成元素与室内空间设计 3. 论可持续装饰材料在室内空间设计中应用 4. 论 布艺 软装在家居设计中的运用 5. 论 DIY 手工艺术品在现代室内装饰中的应用 6. 唐代装饰纹样在现代室内设计中的应用 7. 论新中式家居中传统装饰元素的运用 8. 论装饰陶瓷艺术品在室内设计中的应用与发展 9. 论肌理设计元素在室内设计中的应用 10. 论室内公共空间中装置艺术品的运用 11. 住宅空间中的卫浴空间设计 12. 论KTV室内空间的设计方法与实践应用 13. 论办公空间设计中情感设计元素的表达与应用 14. 论室内空间设计的文化功效与设计意识 15. 传统民居室内装饰与陈设艺术研究 16. 论LOFT文化元素在展示空间设计中的应用 17. 壁画在公共环境中的研究与运用 18. 论室内设计中的绿色设计理念 19. 论当代都市夜店娱乐空间设计元素的运用 20. 论中国传统室内设计元素与现代简约设计的融合 环境艺术设计专业的毕业论文题目(三) 1. 论室内空间设计中的人性智能化与生态化的交互 2. 论低碳时代经济型酒店室内设计要素 3. 论展示设计中的情感化设计 4. 论室内空间形态设计的分析与应用 5. 商业空间室内设计中的可变性设计 6. 论会所类餐饮空间设计中意境的表现 7. 论后现代设计思想对商业空间设计的影响 8. 论品牌专卖店展示空间的设计特征 9. 论企业形象设计元素与办公空间设计的融合 10. 论酒店空间设计中的动态化设计元素 11. 度假酒店设计中的公共空间设计 12. 论餐饮空间设计中的情景式设计方法 13. 度假酒店室内空间的地域性特色塑造 14. 论商业展示空间设计中品牌形象塑造 15. 论当代商务酒店设计中空间尺度表现与运用 16. 论现代室内设计中软装饰的发展和运用 17. 论中国 传统文化 下室内空间的装置艺术设计 18. 论绿色设计理念在室内设计中的应用 19. 论纤维艺术材料美在建筑空间中的表现 20. 陶瓷壁画在建筑室内设计中的应用 猜你喜欢: 1. 艺术毕业论文题目大全 2. 环境艺术设计专业毕业论文 3. 有关环境艺术设计专业论文 4. 艺术设计类毕业论文题目 5. 环境艺术设计专业的毕业论文 6. 环境艺术设计毕业论文
室内设计创新之路 室内设计如何创新,是一个长期的热门话题,它主要针对当前建筑室内设计创作中存在的一些问题,如忽视室内环境特点和要求,忽视建筑形式与内部空间的整体性,盲目照抄照搬、盲目追赶潮流、盲目进行材料堆砌、盲目听命于甲方老板、盲目追求效益的倾向而提出来的。 一切艺术创作的创新问题都是一个永恒的课题,因为没有创新就没有发展,所谓标新立异、推陈出新,都是指在继承过去设计创作成果的基础上,开拓新思路、发掘新的艺术表现形式,寻找新题材。在建筑创作范畴,还要探索新结构、新技术领域、开拓新的材料来源。我国现阶段的室内设计,由于受社会经济和文化发展阶段的制约,还没有形成既结合国情,又具有鲜明时代感的设计风格趋向,普遍出现照抄照搬西洋或中国古代建筑样式或装饰部件的情况,这就是社会上公认的以拼凑代替设计的现象。说明我们缺乏建筑室内设计专业基础知识和基本建筑文化素养。 其具体原因是: 1) 对建筑室内环境的意义缺乏理解,缺乏正确的建筑环境意识和念。 2) 社会整体建筑文化发展的落后(或称繁荣中的危机)。 3) 建筑设计、施工管理机制不完善。 从社会观察中发现一些问题十多年来,我国室内设计从无到有,出现空前活跃之发展势头,对于开创广大人民与过去完全不同的生活环境和工作环境发挥了巨大作用,在设计创作中也出现不少好作用。但由于室内设计作为一种专门的学科和专业,刚刚建立,人才培养还没有跟上形势,行业的兴起更是基础薄弱。出现上述情况是基于根本的设计观念模糊: 1. 对环境认识的模糊 认为室内设计是在已有建筑空间中进行表面装修和布置家具、悬挂装饰灯具和布置其他装饰品。把室内设计看成单纯的视觉条件的改善。即是从简单的装饰要领出发去认识室内设计,把建筑室内空间内涵与建筑设计割裂开来。实际上,室内设计是建筑设计的一种延续,它们都是属于建筑设计范畴的。 室内环境的设计究竟包含哪些东西,这是值得进一步弄清的问题。室内设计主要指在现代建筑条件下,创造合理完善的建筑室内环境,以满足人们不断增长的物质和精神生活需要。当今室内设计越来越受到重视,是由于它具有很强的社会基础和充分反映时代的需要。 室内设计是现代科技和文化艺术的综合产物,对于室内设计的研究,受到若干新兴科学发展的影响,如行为科学、环境心理学、环境物理学、环境艺术和现代室内设计工程管理等。这门学科最广泛地包罗人的各种生活和生产活动内容,反映了人们相互交往关系和人与自然的关系。室内设计应充分体现人的价值特征,必须以人为主体确立设计依据,研究人的生理和心理特征,寻找和它们相适应的环境形态结构。研究室内环境问题,要研究人的多种生活体验,研究人的感觉、知觉、习惯、智能和各种生活活动规律以及人对于室内环境的各种反映等。 室内设计又是一种文化活动过程,是社会文明的一种标志。建筑室内空间往往以自身形象(包括空间形式、节奏和秩序)和相关的装饰手段来反映时代和社会特征,不同的室内空间表现不同的环境气氛和具有不同的艺术感染力。(通过视觉、听觉、嗅觉、弱觉等来完成) 如果不从以上室内环境意识的观念出发,社会造成设计思想的混乱。 2. 在社会文化变革,建筑文化变革中出现的模糊观念。改革开放,使中国文化受到外来文化的冲击,这 种冲击表现为大量西方科技、文化被引进,在文化艺术领域里,典雅的、通俗的、理性和非理性的思潮在无选择的传播。总的说来,对于我们拓展视野、更新文化观念、繁荣艺术创作,起到重要推动作用。建筑(包括室内设计)作为文化的表现形式(或载体)在外来建筑思潮影响下,使我们在追求时尚的社会心理之下,普遍表现为求新、求异,或追求多样化。这种倾和和我们比较熟悉的后现代主义恰好不谋而合。我们讲的拼凑现象,在很大程度上是这种倾向的有意无意的表现。这是当前典型的室内设计的社会模式。后现代主义是一种建筑思潮,由于其形式和内涵的多样性和通俗性,而成为一种雅俗共赏的时尚建筑形式。后现代主要针对现代建筑存在的某些问题提出的另一种颇具哲理性的创作方法,它对于当代建筑的发展具有积极意义。但是社会上对多种建筑形式的生搬硬套,或者照抄一些后现代建筑师作品的某些细部,实际上它的建筑内涵十分浅薄,有的甚至与后现代的基本思想的混乱表现之一种,其直接原因是建筑理论研究与设计实践脱节。 3. 市场经济冲击下出现某些社会扭曲现象,严重影响了设计创作的正常发展。现阶段市场经济发展带 来的不公平竞争,使室内设计创作面临许多新问题,其中主要是设计成果的商业价值与文化价值的冲突。有的人为了单纯追求效益而盲目顺应甲骨文方要求。某些暴发的老板没有文化素养,在他的设计下出现华而不实,谈不上什么文化品味的东西,一些奇而不美的低劣设计普遍出现,严重损害了建筑的功能和价值。严格说,这是丧失设计者的社会责任,甚至是出卖职业道德,这是一个难以解决的社会问题。 4. 室内设计材料使用的模糊观念在不少室内设计工程项目中出现盲目使用高档材料的倾向。有的人自 知设计没有什么内容,便用大量高级材料去掩盖设计上的缺陷,这也是当前设计创作中有代表性的倾向。 建筑空间是由一定实质材料的界面所组成,选用不同材料的结构和围护构件,按照材料,基本性能和力学规律围合成的室内空间,具有满足使用功能和人的审美要求双重特征。运用不同材料,在室内出现不同形式的空间界面(如蓬波杜中心的金属结构天棚、居室中的木屋架等)在室内产生各种形式的线、面、体等空间构成要素,这是材料与结构对室内环境产生的综合影响。某些新材料构件的应用,如大型玻璃隔断,使室内空间出现通透感,大大丰富了室内空间层次变化,这些都改变了传统建筑形式和它的设计方法。所以从某种意义上讲,室内空间的整体形象是材料,结构和空间共同体现的一种综合性艺术形象。 另一方面,材料因为体现了本性才获得价值,材料的质地和肌理可以加强空间环境效果,并使它的基本形象更具有意义,所以任何材料的运用都应体现其本质,如建筑材料中的木材料的运用都应体现其本质,如建筑材料中的木材被认为是最具有人性特征的材料,人们都愿意接近并喜爱它生动的纹理和天然光泽,在使用时有意去表现它。砖是一种普通材料,但在当代建筑师心目中仍然把它看做一种富于自然品格和表现力很强的材料,国外不少低层住宅、办公室和一些文化类建筑室内,普遍采用清水砖墙,在现代环境中不断更新其材质和表现特性,砌筑方法,开发其新的肌理,使它发挥更大潜力。 对于室内装饰材料的研究,除了掌握其功能特点外,主要应研究材料本身的素质和艺术表现力,以及人的视觉、心理反应等。 室内设计的各种意图,必须通过材料的合理运用来完成,可以用在室内环境中的材料很多,但要达到合理运用则比较困难,我们应当学会主动驾驭材料,最大限度发挥材料各自的优势,而不能盲目乱用,甚至无原则的高级材料堆砌。对于高级装饰、装修材料的使用,应重点突出,体现高材精用的原则。 目前,很多工程中,不分重点地将一类高级材料,如花岗石、不锈钢、高级硬木、镭射玻璃等到处乱用,以为这才能体现他的所谓装修档次,这实际上是把使用高贵材料和提高环境质量两件完全不同的事混为一谈。 这种指导思想,离开室内设计基本方向和原则,不仅造成严重经济损失,而且使室内环境给人一种不伦不类暴发户的印象,或者说是把室内设计简单化、庸俗化。 麻烦采纳,谢谢!
环境艺术乃是绿色的艺术与科学,是创造和谐与持久的艺术与科学.城市规划、城市设计、建筑设计、室内设计、城雕、壁画、建筑小品等都属于环境艺术范畴.下面是学术堂整理的环境艺术毕业设计论文题目:1、环境艺术设计教学新模型及教学控制体系研究2、中国风水与环境艺术3、青岛近代别墅建筑及其环境艺术研究4、珠江三角洲村镇住区环境艺术设计研究5、中国传统建筑中的吉祥文化及其在现代环境艺术设计中的应用研究6、软装饰材料在室内环境艺术设计中的应用研究7、在民间艺术中探寻现代环境艺术的传承与再开发8、城市地下公共空间环境艺术研究9、论城市视觉环境艺术与可持续发展10、古树文化与环境艺术设计11、环境艺术设计与精神生态12、《全国中文艺术设计类期刊等级鉴定研究--环境艺术部分》13、中国传统装饰要素的文化分析及其在现代环境艺术设计中的运用14、环境艺术与壁画装饰15、论地域特征与环境艺术设计的内在关系
公共艺术是一种可以让大家共同欣赏的艺术。
公共艺术发展趋势?诞生于20世纪60年代的公共艺术自20世纪90年代初期进入中国以来,公共艺术在西方公共艺术的理论和实践基础上,在消费主义文化兴起的社会背景和国家城市发展与乡村振兴的政策导向下,发展得如火如荼。但由于对公共艺术的公共性本质认识不深,同时缺少制度化的管理和对本土文化的正确认识,中国的公共艺术实践也面临着诸多问题。基于此,李雷的《公共艺术与空间生产》一书在详细梳理西方公共艺术的发展之径与未来趋向后,借助国内外的众多案例,对公共艺术在中国城市、社区和乡村等公共空间中的生产进行深入调查与症候解析,旨在为中国公共艺术的未来发展提供更多的可能性。除了实践的指导意义之外,该书从理论层面呈现出公共艺术生产的三个显著转向,尤其值得关注。其一,从艺术家的“独角戏”到公众的参与性。李雷在该书中提出公共艺术在西方和中国的出场后,明确了其历史变迁及概念。对于公共艺术的概念界定,他认为公共艺术不能等同于“公共空间中的艺术”,二者的差别在于是否具有公共性,即艺术意愿的表达、艺术接受、审美鉴赏活动是否平等、开放和共享。公共艺术是一种社会空间的生产过程,在此过程中,艺术从传统的私人性生产转变为公共性生产,艺术的自律性被社会性所制约,艺术家的个人创作过程被公众的参与过程部分遮蔽,公共物理空间被精神空间所塑造。公共艺术既具有多元性的结构,又是一个整合性的艺术创造。所以,如果说传统艺术是艺术家的“独唱”,那么公共艺术则是公众共同参与的“大合唱”。前者的创作过程和成果是封闭的、独立的和私人的,后者则将艺术品从封闭空间中解放出来,与自然环境、人文环境和社会环境相融合。马钦忠在《公共艺术基本理论》中提到:“人类历史上每一重要时段的特征都是落实在某个空间存在物的唯一性和不可重复性来确证的,空间的物标识了时间的承递。”此话虽意在强调空间的重要性,但也说明了时间对塑造空间意义及其精神的重要性。公共艺术不仅需要彰显出时间赋予一个地区的内在品质和精神格调,也要在公众的参与中不断进行加强和完善。其二,让艺术回归大众日常生活。日常生活审美化和艺术生活化的趋势,将艺术置入一个更大的社会场域之中,这意味着艺术离布迪厄所谓的权力场越来越近,其自主性随之而消解和降低。李雷援引列斐伏尔、福柯及布迪厄等人的空间理论,来揭示公共艺术在空间生产中面临的诸如行政权力话语、资本权力话语和精英文化话语等的权力博弈与拉锯,而大众的声音话语则普遍遭到忽视。在历史上,欧美国家通过直接将文化艺术划为个人社会权利的必要组成部分来实现各种话语权力的平衡。由此,艺术在公共空间的生产过程中慢慢实现向文化民主的迈进。河清在《艺术的阴谋:透视一种“当代艺术国际”》中认为,如果你认可了这样一部艺术史,实际上就是认可了其写作者的“话语权”和文化权力,同时也或多或少放弃了你自己的文化判断和文化权力。在公共艺术的空间生产中,对平衡各方包括行政、资本、精英和大众话语权力的理想诉求,就是对被隐藏在话语权背后普通大众的生活境遇与审美趣味的关注,并赋予其对艺术的部分决策权与参与权。恰如李雷在书中所言,公共艺术的公共性不仅表现在“公共艺术与公共空间的融合性”,还体现在“创作主体的多元性与合作性”和“创作成果的开放性和共享性”。这些都使得艺术回归大众日常生活,它打破了阶层区隔,让某一特定的审美价值和趣味暴露在大众的面前并接受评判,大众在参与、合作、审视和评价的过程中,直接或间接地实现了他们在文化艺术上的权力。其三,由艺术的内在完善到社会责任。李雷在书中选取并分析了城市、社区和乡村三个不同公共空间中的公共艺术实践,并富有创见地将从城市到乡村的公共艺术发展称为当代艺术的“逆城市化”,这种在地理空间上的逆向发展,实则反映了公共艺术的社会责任感与道德感,也揭示了公共艺术对改变社会状况和人类生活的重大意义。如美国费城的贫民窟到“怡乐村”的巨大转变,日本的“越后妻有大地艺术祭”不仅给当地人带来了丰厚的经济回馈,也重塑了人与自然、人与人之间的关系,在改善人们生活的同时,提升了当地的乡土文化自信。艺术实践要以人民为中心。相比于传统艺术对社会阶级的区隔以及对自身内部完善的强调,公共艺术则积极融入人民生活,并努力找寻与外部空间和文化环境的融合之径。针对当下自然生态环境恶化等现实问题,公共艺术的社会责任得到了突显,如艺术介入“乡村振兴”“美丽乡村”建设和“精准扶贫”等社会性整体议题。这表明社会生活作为艺术的现实来源,人民群众作为艺术的生产者与接受者,公共艺术的社会责任是其应有之义。公共艺术在空间的生产中将人类的物质空间、心理空间和社会空间重新捆绑,并在时间中建构起一个意义场所或精神场所,人们的生活和历史,人与社会、人与自然等的关系在其中得到体现和见证。公共艺术在现代科技、消费观念等影响下会有越来越多的表现形式,但中国公共艺术在未来发展方向上,即本土化、制度化、数字化和生态化,依然有很长的路要走。二、什么是公共艺术的公共性?公共性的含义,公共艺术是以大众需要为前提的艺术创作活动是在政府部门及专业人员指导下开展的大众文化运动。艺术的核心观念是对于公共性的诉求,让大多数人更自由,平等的分享艺术成果,它也是艺术历史发展的延伸。公公性意味着交往,沟通。三、公共艺术设计考研有必要吗?公共艺术很有专业考研的必要。你一定要去提高自己,所以你必须去考研,这样,经过你后天的努力,你就可以去更好的学校去就读,你的学历就会更好,未来找工作,就简单了很多。最重要的是,在薪酬方面,作为一个研究生,你会发现,你的工资高了很多。第一个就是美术学,美术学专业是艺术学的二级学科之一。美术学专业为美术史论、美术教育领域培养教学和科研、美术评论和编辑、艺术管理和博物馆等方面的高级专门人才,学生毕业后能从事美术教育、美术研究、文博艺术管理、新闻出版等方面的工作。第二个就是设计学。设计专业需要有美感训练,而不是美学训练。现在学院里的设计课,往往都会教很多所谓美学原理。例如:平衡定律、比例、对比、许多老师与学生往往将这些原理以范例,特别是对外国作品的案例学习,而忽略了两点。四、公共艺术特点?公共艺术的特性包括:历史性、功用性、表现性。公共艺术专业是指在学科综合专业基础和公共艺术专业方向基础课学习内容的基础上,分别对各种公共艺术理论知识、实践知识进行研究和学习,涵盖公共艺术本体形态、艺术形式、创作形式、创作观念、方法、技巧及审美意识等综合内容
随着信息时代化发展,公共艺术品普遍出现在了城市中,甚至成为了城市的思想或是城市的标志,公共艺术也随之得到了认可。在不同的文化背景和历史条件下,不同地区的公共艺术得到了不同的发展。公共艺术在国内属新兴的艺术类设计,设立时间相对较短,国内对公共艺术相关方面的研究涉及较少,还没有形成系统的研究体系。在物质生活满足的条件下,人们对文化生活的需求也越来越高,而公共艺术恰恰可以满足人们对审美的需求,将艺术融入生活,我们对艺术的追求远不止这些,从室内装潢到公园绿地无一不在运用公共艺术,由此可见公共艺术的前景广阔。论文通过对中西方的公共艺术发展史浅析公共艺术发展现状与未来趋势。
当代艺术其实就是要研究特定 文化 背景下的文化现象,而当代艺术本身就是一种需要深究的文化艺术现象。下面是我为大家整理的视觉艺术研究论文,供大家参考。
【摘要】符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。
【关键词】视觉艺术;符号;转换;再生
著名符号学家安伯托?艾柯(Umberto Eco)说:“人是符号(sign)的动物。”1人类籍由符号来表达内心世界,传递信息。将日常所思通过一定的语言形式,包括声音、视觉、肢体行为将一个整合的概念传达给对方。符号学(Semiotics)是一种关于符号和运用符号,包括观看符号的理论。符号学并不是一种历史性的学科,而是一种阐释性的学科,但它能够在历史的探索中被加以有效地整合。符号学集中关注构成和表征的问题,将“文本”看作是产生意义的符号的特定合成。这是一种不带霸权和强制要求的有限度的视角。2
艺术的起源不论从模仿说、巫术说、劳动说的角度出发我们都可以看作是人类符号化的开始。原始人用肢体捕捉动物的动作,用声音模仿动物的鸣叫,用矿物质将动物的形态描绘在崖壁上,手舞足蹈用简单的语言交流,于是就有了最初的舞蹈符号、音乐符号、美术符号、语言符号。随着社会分工的日益复杂化,人类社会不断进步与发展,符号内容也就变得越来越复杂化、微妙化,同时也在自然科学、人文科学和社会科学各个不同的领域得到了广泛深入的运用。
视觉艺术作为一门研究经由肉眼产生联想的人文科学,符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。作为一套工具,符号学提供一系列我发现可以深入细致分析艺术作品的有用思想和观念。当这些思想和观念可能由心理分析、叙述和修饰理论引发产生时,它们就产生与传统艺术史并不发生矛盾的洞察力。事实上,这些思想和观念常常能够使学生在运用主体间的可使用的 方法 上更为精确,并使阐释更具有系统性。3
一、视觉艺术符号的分类
在符号与其所指涉的对象(即其指向与涉及的事物和领域)的关联上,目前在符号理论研究领域普遍认为可以将符号区分出以下三种不同的类型,同时也是符号的三个层次:4
1、图象符号(ICON):图象符号是通过模拟图形与对象之间的相似而构成的,图象符号是一个直接感知的过程,在图象学中属于写实的范畴。如肖像画、照片等,当我们面对这样的作品的时候通常都能够得到比较直观的感受,比如说“画面上有什么内容。”
2、指示符号(INDEX):指示符号与所指涉的对象之间具有的因果或是时空上的关联。如“指示牌、路标”。从广泛的角度来说,设计艺术中的视觉流程法则也属于指示性符号的范畴,由于生理的特点,眼睛在浏览的时候会表现出一种时间性、方向性与选择性,也就是说视线会沿着画面重心,即最佳视域,向某一个方向有选择性的移动,体现出视觉的流动性特征。
3、象征符号(SYMBOL):象征符号与所指涉对象之间无必然的或是内在的联系,通常是指约定束成的结果,它所指涉的对象以及有关意义的获得,是由长时间多个人的感受所产生的联想集合而来。同时符号的象征性也是是符号学里最深层次的特性,是符号产生与对象思维过程中相关内涵的延伸以及联想。比如线条的曲折、色彩的冷暖、材质的软硬都会给人以相应的情感体验。
二、视觉艺术符号的理解
人类的意识过程,其实是一个将世界符号化的过程,思维无非是对符号的一种挑选、组合、转换、再生的操作过程。因此可以说,人是用符号来思维的,符号是思维的主体。那么我们又如何从符号学的视角和运用符号学的工具去解读图像,符号如何能够使我们从我们已经认知的事物中疏离出来,以便理解某些新的事物?在这里,我想就当代油画家张小刚的作品《男青年》按照符号学的原理进行分析。
张晓刚《男青年》布面油画
1、生成图象意识
要对视觉符号进行阐释有时候是一个非常复杂的过程,需要结合上心理学的以及历史学的概念进行理解。
当我们在欣赏一件视觉艺术作品时,我们首先会在思维中形成一个表象,即作品中有什么内容,是具象符号还是抽象的符号。如,当我们在接触到当代油画家张小刚的作品《男青年》时,首先意识到的是一个男青年,带着眼镜,脸上一块红色的疤,灰蓝色的调子,一块红色的疤痕这些图象性的符号。 2、探询图象的象征性意义
得到以上信息后我们接下来会想知道隐藏在艺术家(即符号创作者)创作意图中的“更深层次的”,或派生出的意义。如果我们说一件作品具有一种更深层的意义,我们通常指的是作品传达了一种我们在最初观察中还无法确定的潜在的观念,以即是符号的象征意义。当然需要找到艺术家的意图我们必须对艺术家本人以及他所处的时代背景有一个基本了解。
我们现在就来试着探询阐释艺术家想要传达的观念信息。我们知道张小刚出生在上个世纪50年代末期,他经历了新中国成立后最动荡的历史时期,特别是“”在他们那个年代的人身上都产生了深远的影响。
那么现在我们回到画面(符号)本身,留着小平头的男青年,干净白皙的肌肤,一幅标准文弱书生的派头。我们知道眼镜是有知识、有文化的人的象征,中山装是那个年代的通用着装。灰兰色的背景衬托阴郁、孤独与冷漠的气氛。面颊上被生生揭开的一块,形状如肩章的伤疤显得尤其冷艳。结合上面的分析,我们也可以将它理解为那个热情火红时代的鲜红烙印。目光被吸引到左下角,略显呆滞,嘴唇微启似在观看一个什么令人震惊的场面,又面无表情,一种孤寂、压抑的情感得到充分的表现。所有的一切符号都在追忆一个时代的伤痕主题,这除了是一种回忆,同时也折射了现实社会人与人之间的冷漠。
视觉艺术符号的创作者在产生一个理念之后,综合自己对象征性符号的理解把握,选择合适恰当的视觉手段,将理念传达出来。然后接收对象即观众再通过自己对象征语言的掌握与理解,把接收到的视觉信息在思维中转换再生。(下转第99页)(上接第98页)当然,鉴于个体情感特质、生活 经验 、知识结构的差异,一件作品最终还原到观众思维中的形态是各有不同的,所以有了“一千个读者便有一千个哈姆雷特”之说。当一个人看见一幅绘画,表现的是关于一只果盘的荷兰静物画时,这个图像在其他的事物中)就是关于某种别的事物一个符号,或表征。观看者在她或他的脑海中形成有关该事物的一个意象,她或他就会把这个意象与该事物联系起来。心理的意象,而不是形成这个意象的个人,就是解释符。这个解释符指向一个客体。该客体对每一个观看者来说是不同的:对一个人来说它可以是真实的水果,而对另一个人来说也可以是别的静物画,对第三个人来说可以是一笔巨款,而对第四个人来说也可以是“17世纪的荷兰”,等等。而该绘画所表现的客体因此基本上是主观的和由接受者决定的。
视觉艺术本身就是关于符号的表达方式,创作者借由它向观者传达自身的思维过程与结论,达到叙述的目的;换言之,观者也正是通过创作者的作品,与自身经验加以印证,最终了解创作者所希望表达的思想感情。显而易见,作为中间媒体的视觉艺术作品,这时就充当着创作者思想感情符号,而这个符号所需表达的信息是否可以被观者准确的、快速的、有效的接受与认知,就成了创作作品成功与否的标志。这正是由创作者在创作的思维过程中对符号的挑选、组合、转换、再生把握的准确有效程度所决定的。
参考文献
[1]李幼燕著《理论符号学导论》,社会科学文献出版社,1999年6月版。
[2]米克·巴尔:《观看符号/解读绘画——运用符号学理解视觉艺术》载于《世界美术》2007年第1期。
[3]巴尔·布列逊:《符号学与艺术史》1991年。
[4]常宁生《艺术史的图象学方法及其运用》载于《世界美术》2004年第一期。
内容摘要:一部视觉艺术史的发展史也就是色彩的发展史。从上古的色彩崇拜到古典时期的色彩模仿,从浪漫主义时期对色彩的解放到印象主义对光和色的迷恋,在艺术史上,每一次对色彩的再认识和再阐释,总会引起视觉艺术的巨大变革,从而产生新的视觉艺术现象和理论话语。
关 键 词:色彩随类赋彩固有色民间色彩光印象
所谓色彩,在普遍意义上讲是人对色彩的感觉。对色彩的 爱好 和对色彩的选择,具有极大的主观性,所以不应把某种色彩标准绝对化,应承认多样的和发展着的色彩标准,从不断变动的色彩观中认识它们各自的特点,研究它们各自的异同之处,把握它们的内在联系,从而在色彩世界中达到“万物皆备于我”,而不是被束缚在一个狭隘的范围之内。偏爱是容许的,但偏执和偏见却无益于艺术的发展。
固有色——永恒美丽的理想色彩
太古之民把色彩作为一种手段,其目的在于将描画对象从背景中显现出来,即从空间背景中分离出物象,所以他们只认识红和黑,因为红色最引人注目,黑色与亮底色对比最大,因而在他们看来红是美的,黑也是美的,所以红黑搭配是美的。诉诸于艺术表现,他们将自然的一切色彩通归结为红与黑。河姆渡新石器时代的木器即以红、黑为装饰;世界各地的彩陶以红、黑为装饰;原始的洞窟壁画大都采用红黑二色……对黑红配置的喜好沿袭至今,这在一些民族的服饰中表现尤为典型,中国的藏族服装、彝族服装等都以红色为主色。
人在实践中丰富了感觉,增加了对外在事物的认识,并且在早期艺术活动中抓住物象永恒的、持久的固有色,寻求它们在空间的恰当联系。这样,人们发现了色彩的静态美,这样便有了对色彩永恒价值的追求,有了固有色的理念。
艺术离不开模仿,德谟克利特和亚里士多德都认为,艺术的力量就是模仿。达·芬奇甚至说:“……假如你在用自己的艺术模仿自然界所产生的形式的全部特质时不是一个万能大师,那么你就不能成为一个好画家。”固有色的色彩观正是产生于对自然的永恒和凝固的色彩美的模仿。
固有色观念曾长期主导美术创作,在西方,文艺复兴的作品最具代表性。在中国可以举出唐代人物、宋代花鸟和许多杰出的民间艺术作品。他们在固有色的表现和色块空间安排上都达到了极高的成就。运用固有色的经验可概括为以下几个方面:
一、色彩配伍。例如文艺复兴大师常采用的玫瑰红、天蓝、银灰,中国民间艺术常采用的朱红、群青、大红、石绿、金黄,这些色彩配伍具有对立统一的美。
二、色彩衔接。中国民间口诀有“工间绿,花簇簇;青问紫,不如死”等等。固有色的不同衔接方式会形成千变万化的色彩观感。
三、纯度对比。这种对比是调整色彩间相对关系的重要手段,其强弱得体,宾主分明,达到色彩在空间中的力度平衡。
四、明度对比。在二维平面上制造三维效果,所用手段就是明暗对比,精到独特的明暗对比不仅使图像具有立体感,还使画面具有了厚重感。
五、面积对比。面积对比更使色彩在体量上有轻重之变,在空间上有互补之美,从而产生鲜明的色彩节奏。
从远古起,艺术的移情说就伴随着模仿说,固有色为模仿自然来服务的同时,也还有浪漫主义的表现一路,他们不以模仿为补色目的,却以“画画无正经好看就中”为旨归。他们抽出固有色的单纯性、凝固性,以固有色的空间平衡为手段,驱便于工作色彩率意为之,以求理想的色彩效果,如苗族 刺绣 、民间剪纸、蔚县剪纸、绵竹门神就是以固有色观念而作浪漫派处理的色彩典范。
光印象——瞬息即逝的自然色彩
光学发现了色的物理本性,揭露了色与光的内在联系及色光的分解与混合现象;生理学发现了人类的色觉的本质,从而得以了解色衰与补色的关系,全色要求的基础。这些发现给艺术色彩学以伟大启发,由此而产生了印象派色彩观。于是画家用色追寻光,追寻光的颤动、光的流逝、光的迷离恍惚,从固有色的永恒和凝固中走出来,走向空间和时间的流动,得到的是瞬息即逝的光印象。
可以说,印象主义的色彩观和色彩技法,既是光学成就的产物,也是西方艺术传统的产物。只是这些传统到了印象派画家那里更系统化、理论化了,并且以此确立了它在艺术史中的地位。印象主义认为色即是光,因此:
一、凡视觉可感受的物象都是光照射的结果,凡有光必有色,物的色决定于光源色、环境色(反射色)和色彩间的对比。即色彩随光源和环境而变,并且在画面上是相对而存在的。
二、以日光光谱色代替古典的调色板。
三、追求光谱的金色效果,并往往引用光谱的色彩组合。
四、补色关系对于印象主义画家是不可或缺的手段。例如在大自然中日光与天穹光便是一对天然补色。
五、以光的混合代替颜料混合,因而采取色彩细碎分割和并置的手法,使色彩更加“响亮”。
六、在色彩并置时常施以明度相近的,非准确的冷暖并置。这就是同时对比的手法。此时相同的色各自将对方推向自己的补色,以增强双方的色价,同时各自失去稳定性,而获得光的颤动性,呈现一种有生气的活力,于是达到色的非物质化,成为颤动的光。歌德曾经说过:“同时对比决定了色彩美学的实用价值。”
印象主义使色从其所联结的物体中解放出来,排除物的固有色,由此绘画进入一个新的境界。印象派是光的崇拜者,光的虔诚宣教者,他们开启了一个灿烂的世界,但是他们追随光的同时却失去了艺术曾经具有的精神力量和阐明世界的象征内容而停留于事物的物质表层。
表现色——回到主观的现代色彩
实践表明,获得光的华丽外衣,是以牺牲质的内在精神为代价的,这个矛盾在技巧上直接表现为 素描 与色彩的矛盾,当表现特别需要素描的时候,色光的变幻不能不退居次要地位。古典主义,新古典主义,拉斐尔前派便是这样;当表现特别注重色光的时候,素描不得不退居次要地位,印象派便是如此。毕萨罗教导青 年画 家勒贝尔说:“多注意形体的色彩,而不要太看重于素描刻划,太准确的素描索然无味,而且不能给人以整体印象……”这正是印象主义者在素描和色彩之间的取舍。
雷诺阿在他的印象主义实验取得非凡成功的同时感到印象主义的危机,于是游意大利向前辈大师学习,他拜倒于拉斐尔画前,并高度赞赏安格尔油画的单纯宏伟。他研究了拉斐尔之后终于感到自己忽略了素描,从意大利归来后,他致力于牺牲色彩以使形体单纯化,加强素描,回到古典的作画方法,取消画面偶然的光,于是他开始了自己的“古典时期”。他的作品“伞”和他在那不勒斯所画的裸女就是开始回归古典和固有色观的记录。
印象派之后诸家正是看到了印象主义色彩观局限于表面的光色变化而忽略其不变的内部结构,所以他们走上了与印象主义相反的道路。首先是塞尚,这位现代艺术的开山者力排事物的闪动模糊的外表,致力于表达所谓不变的真实和内在的结构。就色彩而论,塞尚不同于印象主义的是使之色彩秩序化,经过组织,使色彩变得更规则,更简练,但更强烈,因此更具有安定感、明晰感,从而达成视觉形象的非同寻常的强度。他的艺术观和他的艺术实践深刻地影响了其后的画家,如马蒂斯由塞尚得到启发,抛弃印象派画家的“魅力、光亮和明快”,追求绘画的“稳固性”,认为在一切构成画面的色彩中必须建立一个平衡,因此表面的感觉必须加以提炼,正是提炼了的感觉构成画面。康定斯基说:“内在因素,即感情必须存在,否则艺术作品便是赝品。内在因素决定画面的形式。”毕加索概括说:“我不是模仿自然,而是面临自然——并且利用自然。”塞尚之后诸家竞相与印象主义的客观主义反其道而行之,强调主观意志的作用,因此着意于形式美、抽象美的追求,走向表现主观。在色彩上自然同时从客观色彩走向主观色彩了。
但是现代主义是接过印象主义的手中武器而走向其对立面的,印象主义发现了自然的色彩,现代主义将这些发现秩序化、凝固化、强力化。或者说印象主义捕捉感性的色彩,现代主义挖掘理性的色彩,现代艺术将色彩的主观性及其精神价值提到了前所未有的地位,并且完善于主观的个人感情与客观的色彩规律之结合。
参考文献:
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运用特点:
1、参与性
公共艺术尊重公众的社会权利,保留每个参与者的意见。它属于一种开放性、民主性的艺术创作。
2、互动性
互动性体现在艺术、艺术家、公众之间的相互交流、沟通、选择、影响等等。而且这种互动的位置也是平行的关系,它充分考虑公众的意见和建议,有时候公众的意见能决定艺术家原来的设想和创作。
3、问题性
公共艺术设计是发现问题、针对问题、提出问题、解决问题的一个过程,它起到了警觉社会、改善社会的作用。
4、观念性
公共艺术不是简单的形式主义,而是一种思想的体现。不是艺术家强加在公共空间内的一个艺术品,是全民参与并与环境相协调的艺术品,这件艺术品能影响到公众对于某个问题的看法和追求社会的意义。
5、多样性
公共艺术可以存在于户外也可以存在于室内空间,另外还能以多种艺术形态来表现。
6、地域性
由于社会发展的不均衡,各个地方的政治、经济、文化都有一定的区别和特定的问题,所以根据不同的地域会产生不一样的公共艺术设计。
意义:
公共艺术是一个城市成熟发展的标志。它增加了城市的精神财富,在积极的意义上表达了当地身份特征与文化价值观,它毋庸置疑地体现着市民们对自己城市的认同感与自豪感,因此也进而成为艺术与文化教育中必不可少的环节。
扩展资料
公共空间的最大特征是开放性,即公共空间艺术活动场所的开放性以及由此产生的对场所公众的开放性。它对处于此空间当中的所有观众都具有开放性,公众可以与之交流,提出意见和建议。
从文化层面来看,公共艺术尊重自然原生态及重视其产生的异质性生态文化经验就是对文化脉络的一种最根本的延续,也是其公共性在更广义上的延伸。当我们的一部分公共艺术从业者还在乐此不疲地挑拣秦皇汉武留下的文化符号、生搬硬套地克隆皇宫别苑时,是否应着眼于更广阔的层面,更深入地挖掘民族文化的内涵。
公共艺术是城市的思想,是一种当代文化的形态。简而言之,公共艺术指的是由艺术家为某个既定的特殊公共空间所创作的作品或者设计。 公共艺术是一个城市成熟发展的标志。它增加了城市的精神财富,在积极的意义上表达了当地身份特征与文化价值观;它毋庸置疑地体现着市民们对自己城市的认同感与自豪感,因此也进而成为艺术与文化教育中必不可少的环节。可以说,拥有良好公共艺术的城市,才是一座能够思考和感觉的城市。 当然,公共艺术的存在意义远不止于此,它能够通过改变所在地点的景观,突出某些特质而唤起人们对相关问题的思考与认识,表达社区或城市的历史与价值。在这个意义上来说,公共艺术具有一种强大的力量,它改变了城市的面貌,能够长时间地影响着公众的精神状态与对周遭世界的认知;它也会成为城市身份的标识,在塑造城市的独特性格方面发挥极其重要的作用。
从人类艺术的诞生时,就没有离开过“装饰”这个名词。人类的艺术起源与原始的装饰有着某种不可割舍的关系。著名的美术史学者沃尔夫林就认为“美术史主要是一部装饰史”。装饰在原始社会是人们所创造的艺术的审美核心。各种彩陶纹样成为各种装饰美、形式美的标本。装饰是一种有意味的形式。它不但是审美的形式,而且有更深层次的含义。它包含着特定的社会感情和文化意识。它不仅是“装饰性”的,从秩序、线条、形式、色彩等方面带给人们以审美愉悦,而且是“文化性”的,从文化、理想、象征、历史等方面满足人们更深层次的需要。沃林格在《抽象与移情》中说到:装饰艺术的本质特征在于:一个民族的艺术意志在装饰艺术中得到了最纯真的表现。……装饰艺术必然构成了所有对艺术进行美学研究的出发点和基础。⑴装饰对于现代设计同样具有十分重要的研究意义。从装饰的角度出发,可以清晰的看到现代设计的发展脉络。贡布里希在其著作《秩序感》第二版序言中写有这样的句子:“大胆地说,我的目的是为了解释。本书在副标题中宣布的‘装饰艺术的心理学研究’是为了建立和检验主标题中宣称的理论:有一种‘秩序感’的存在,它表现在所有的设计风格中,而且,我相信它的根在人类的‘生物遗传之中’”。⑵现代设计是工业化文明的产物。现代设计是为现代人、以及现代经济、现代社会的生活方式提供服务的艺术活动。在现代主义设计运动的过程中,有一些重要的设计运动,这些设计运动每次都与装饰的扬弃有一定关系。或者是运用装饰,或者是抛弃装饰,很大程度上都是围绕装饰对现代设计作新的发展。一 现代主义及后现代主义的特征“闲云潭影日悠悠,物换星移几度秋”。在历经威廉 莫里斯倡导的工艺美术运动(Crafts and Arts Movement)之后,20世纪西方设计领域相继出现了两大流派:即现代主义及后现代主义。现代主义设计的基础是功能主义,主张形式遵循功能(Forms Follow Function)。德国现代主义设计大师D 拉姆斯阐述现代主义设计的基本原则是“简单优于复杂,平淡优于鲜艳夺目;单一色调优于五光十色;经久耐用优于追赶时髦,理性结构优于盲从时尚。”这种风格引领了世界范围内的设计主潮。以致战后被称为国际主义风格。1919年包豪斯(Buahus)的成立,奠定了现代主义设计的基础。它主张以理性主义为出发点,以人类认识自然与改造自然为前提,强调一种以客观的物性规律来决定和左右人的主观的人性的规律。许多现代主义者,从德国的贝伦斯、格罗佩斯到美国的米斯、赖特、法国的柯布西耶都以重视功能,造型简洁,反对多余装饰,奉行“少即多”的原则作为自己从事设计和创作的依据。后现代主义首先出现在建筑领域,是发端于现代主义内部的逆动,特别是对现代主义理性的反叛。在20世纪50年代现代主义日渐衰落的情况下,后现代主义的文化思潮开始逐渐盛行。受60年代大众文化的影响,后现代主义表现出对现代主义风格中纯理性主义倾向的批判,后现代主义风格强调设计应具有历史的延续性,但又不拘泥于传统的逻辑思维方式。探索创新造型手法,讲究人情味,追求个性化。在设计中常把夸张变形的,或是古典的元素与现代的符号以新的手 法融合到一起,即采用非传统的混合、叠加、错位、裂变及象征、隐喻等手段,以期创造一种融感性与理性,集传统与现代,揉大众与行家于一体的即“亦此亦彼,非此非彼,此中有彼,彼中有此”双重译码的设计风格,重现历史文脉,文化内涵及对生活的隐喻。设计在线.中国二 后现代主义的出现“江山待有人才出,各领风骚数百年”。被现代主义设计奉若神明的经典原则“功能决定形式”,“使用与功能无关的形式等于犯罪”。后现代主义对现代主义关于功能与形式的关系提出了质疑,而以形式多元化,模糊化,不规则化,非此非彼、亦此亦彼、此中有彼、彼中有此的设计文脉,来代替现代主义设计中的理性主义、现实主义及功能的合理性与逻辑性。强调时空的统一性与延续性、历史的互渗性、及人性的主导作用。后现代主义追求设计以人为本的人本主义原则,一切以人的存在为中心。设计作为一种创造性活动,设计的不仅只是物品,而且还是一种生活方式,文化观念。在很大程度上现代主义设计过于遵循功能决定形式的设计原则,严重忽视了人的情感和审美需要。同时也改变了设计的初衷:“设计是为人创造更合理的生活方式”,致使现代主义设计走向衰落。在对于设计的核心问题上现代主义强调“合理性”而后现代主义则强调 “合情性”。后现代主义把自己的理论建立在融功能与形式于一体的审美体系上,认为美是合规律性与合目的性的二者统一的自由形式,现代主义强调前者,走向极端冷酷的客观派,使人的主观体验和感受遭到严重忽视。后现代主义针对这一点强调人的目的性的重要性,认为设计是人的意志的自由表现。现代主义设计在30 年代末迁移美国之后,与美国所谓的“富足”社会相结合,进而演化成一种国际主义风格。而这种国际主义风格严格遵循功能主义、减少主义(less is more)的原则,为了达到形式上的减少甚至漠视功能。原本在欧洲忧国忧民的现代主义设计思想被美国的富足抽掉了,只剩下一个躯壳,日益走向形式主义道路。也就逐渐失去了往日的勃勃生机。其貌似高尚的理想主义、乌托邦色彩被怀疑。他的垄断的近乎独裁的单调风格受到挑战。其次在历经两次大战之后,造成了世界范围内的生活贫困与物质匮乏。人们在没有满足物质需求的同时是无法追求精神享受的。造型简洁,没有多余装饰的现代设计产品不仅适宜于大批量生产,而且大大降低了生产成本,使多数人能够承担。而战后随着各国经济的恢复,人们的物质生活不断得到满足。物 质文明的高度发达,在人们对物质需求渴望得到满足的同时,也营造着精神上的极度匮乏与空虚,这就需要“个性化”、“人性化”的产品来抚慰和平抑人们难以企及的心灵渴望。这时,人们对产品的要求已不仅仅停留在对功能的满足上,而是追求精神上的愉悦:即满足审美价值和文化价值。由于现代主义所奉行的原则与时代的不适应性,致使冷酷无情、千篇一律的设计惨遭遗弃。物竞天择、适者生存。现代主义设计完成了它在特定时期的历史使命后逐渐淡出历史舞台。设计在线.中国三 后现代主义与现代主义的关系“青山遮不住,毕竟东流水”。现代主义设计是时代的产物,带有一定的时代烙印。它所奉行的“功能决定形式”、“少即多”(less is more)的原则早已深入人心。它不仅改变了一代人的生活方式,而且改变了一代人的思想观念和审美意识,对时代的贡献可谓是功不可没。但随着生产力的发展,物质生活的丰富、人们的文化水平、审美意识也在不断提高,以及对高技术高情感的崇拜,使人们对那些理性的、冷漠的设计失去了兴趣。无论是战前现代主义或是战后的国际主义,作用一种一脉相承的设计风格,被认为是取消美感。破坏人类完美的生态环境的帮凶。它利用简单的机械方式把原来与传统自然融为一体的都市环境变成为玻璃幕墙和钢筋混凝土的森林,恶化了人类生活环境,破坏了传统的美学原则。正如鲁迅先生在概括文化更新换代时期的最大人生悲剧感时曾说“最大的悲哀莫过于人醒来之后无路可走”。现代主义作为除旧布新的文化思潮,恰恰把一代人从睡梦中唤醒,却又无力为他们指出切实的现实的出路。人们对现代主义失望之余,一个以现代主义为攻击目标的文化现象开始出现了。后现代主义是现代主义、国际主义设计的一种装饰性的发展。其中心是反对米斯 凡 德罗的“少则多”(less is more)减少主义风格,主张以装饰手法达到视觉上的丰富。提倡满足心理需求,而不是仅仅以单调的功能主义为中心。设计上的后现代主义大量采用各种历史装饰,加以折中处理,以打破国际主义风格多年来的垄断。20世纪60年代美国建筑家罗伯特 文丘里(Robert Ventury)出版的《建筑的复杂性与矛盾性》一书被视为后现代主义的最早宣言(图3)。在书中他首先肯定了现代主义对人类文明进程做出的伟大贡献,同时,他又指出现代主义已经完成了它在特定历史时期的使命。过时的现代主义将成为设计的思想桎梏。一切都变成平庸无奇,千篇一律的空白设计。而风格混乱、含义模糊的文脉主义、隐喻主义和装饰主义将引导后现代主义设计的发展方向。(图4)二十世纪六十年代发端于建筑界的后现代主义设计思潮于七十年代突出体现出来,七十年代中期建成的西班牙建筑家安东尼 高迪设计的巴塞罗那“圣家族”教堂(图5)和“米拉”公寓(新艺术运动风格)一个是用彩色瓷片帖面的一对玉米棒子,一个是有波浪外形的四层公寓,其中看不出一点理性和逻辑,以及七十年代建成于澳大利亚的悉尼歌剧院(有机功能主义)的扇蚌式建筑,这种含混的、杂乱的、毫无章法的设计语言,随心所欲的设计风格颇受人们的非议。八十年代建于纽约的美国电报电话总部大厦(图5),则成为后现代主义建筑中规模最大,最负盛名的经典之作。建筑领域的后现代主义带动了其它领域的后现代主义设计运动。在众多的后 现代主义设计思潮中,高技派和孟菲斯、解构主义及新现代主义都成为挑战现代主义设计的演绎内容。高技派风格实际上是功能主义的某种延续,但又不满足过于对功能依赖和对精神的普遍冷漠,在设计中炫耀崇尚“机械美”强调工艺技术与时代感。(如法国蓬皮杜国家文化与艺术中心)设计作为一种文化与时代背景紧密相连。无论其结构、造型,还是色彩,装饰风格都会深深地打下时代的烙印。与之同时,从设计中也可以理解一个时代和当时人们的愿望、理想、梦幻及其文明程度。后现代主义设计表明了人们对现代主义的发展前景产生了怀疑。世纪末普遍的怀旧情绪,以及新的人文背景下产生的复杂情感,代替了纯粹的功能性的审美要求。所有对现代的进步、信仰、理智和人类意识能力都已失落;人们对于类似绝对真理的信仰表示了质疑;对自己的未来感到渺茫、暗淡,而徘徊、彷徨。不禁会问:“我从那里来,我是谁,我又将到何处去”。人们渴求对人性的更大自由和彻底解放,而后现代主义的产生使这种对自由的渴望降临人间,人们可以根据个性和爱好去选择属于自己的物品。设计在线.中国四 现代主义与后现代主义的比较“冰起于水而寒于水,青出于蓝而胜于蓝”。后现代主义是起源于现代主义内部的一种逆动,是对现代主义纯理性的反叛,终日面对冷漠呆板的设计人们已感到厌倦,它表达了人们对于具有人性化,人情味产品需求的心声。现代主义与后现代主义在风格上更是两个极端,但在诸多方面互有异同。例如哈桑在《后现代主义转向》中对二者的部分进行了如下比较:哲学上:现代主义是以理性主义、现实主义作为哲学基础,而后现代主义则是以浪漫主义、个人主义为哲学基础。思想上:现代主义强调对技术的崇拜,功能的合理性与逻辑性,后现代主义则推崇高技术,高情感,强调以人为本。方法上:现代主义遵循物性的绝对作用,标准化,一体化,产业化和高效率、高技术。后现代主义则遵循人性经验的主导作用,时空的统一性与延续性,历史的互渗性及个性化、散漫化、自由化。设计语言上:现代主义遵循功能决定形式,“少就是多”,“无用的装饰就是犯罪” (洛斯语);后现代主义遵循形式的多元化、模糊化、不规则化,非此非彼,亦此亦彼,此中有彼、彼中有此的双重译码,强调历史文脉、意象及隐喻主义和“少令人生厌”(less is bore)。被现代主义奉为经典的名言“功能决定形式”, “少就是多”的原则,忽视了社会的进步和人们的需求,达 卢齐说:“材料和装饰是组成产品的细胞”。功能主义反对装饰是因其以理性的逻辑的态度对待设计,而今,时代已不同于以前,人与世界的关系变得更复杂,人们的审美情趣,生活品位变得更高。因而,现代主义设计所遵循的功能主义、减少主义原则日渐受到挑战和质疑。设计在线.中国五 后现代主义风格特点“人事有代谢,往来成古今”现代主义风格引领设计潮流已近一个世纪。从威廉 莫里斯为“红屋”设计的家具、到麦金托什设计的直背餐椅、从赖特的“流水山庄”、到格罗皮斯的包豪斯校舍(图6)、勒 柯布西耶的萨沃伊别墅(图7)。都充分体现了现代主义的设计风格。然而,现代主义在完成它特定的使命后走下了历史的神坛,后现代主义成为主流设计。究竟后现代主义有什么样的特点,大致有以下几个方面。[注1]其一:注重人性化、自由化、后现代主义作为现代主义内部的逆动,是对现代主义的纯理性及功能主义、尤其是国际风格的形式主义的反叛,后现代主义风格在设计中仍秉承设计以人为本的原则,强调人在技术中的主导地位,突出人机工程在设计中的应用,注重设计的人性化、自由化。其二:注重体现个性和文化内涵后现代主义作为一种设计思潮,反对现代主义的苍白平庸及千篇一律,并以浪漫主义、个人主义作为哲学基础,推崇舒畅、自然、高雅的生活情趣,强调人性经验在设计中的主导作用,突出设计的文化内涵。其三:注重历史文脉的延续性,并与现代技术相结后现代主义主张继承历史文化传统,强调设计的历史文脉,在世纪末怀旧思潮的影响下,后现代主义追求传统的典雅与现代的新颖相融合,创造出集传统与现代,融古典与时尚于一体的大众设计。其四:矛盾性、复杂性和多元化的统一后现代主义以复杂性和矛盾性去洗刷现代主义的简洁性、单一性。采用非传统的混合、叠加等设计手段,以模棱两可的紧张感取代陈直不误的清晰感,非此非彼,亦此亦彼的杂乱取代明确统一,在艺术风格上,主张多元化的统一。后现代主义作为一种文化思潮在人的思想意识中不断扩张、渗透,与人们生活的各个方面发生着联系。但现代主义的衰落并不意味着它的消亡;现代主义设计之后任何运动,基本上都是对现代主义的修正,而不是简单的推翻和否定。后现代主义设计运动作为一个一度先声夺人的设计运动,虽然大量运用装饰主义达到光彩夺目的灿烂效果,但这个设计运动的核心内容依然是现代主义、国际主义的框架,只不过在外表加上一层装饰主义的外壳。后现代主义设计的思想基础是脆弱的,它只是对现代主义形式、内容的批判,而不是对现代主义思想的挑战,是从形式上对现代主义进行修正。但它在很大程度上依然接纳了现代主义的思想,包括采取各种方式来与摆脱现代主义的乌托邦色彩和程式化,但却没有,也不可能完全摆脱现代主义。在某种程度上可以说后现代主义其实是新装饰主义的发展新阶段。任何一种风格和主义只不过是解决问题后的自然副产品而已。对当代设计的认识和了解,特别是对现代主义、后现代主义的理解我们应该深刻的理解和把握它们的精神实质和文化内涵,而不是盲目崇拜和肤浅的运用。现代主义和后现代主义的并存,有它的合理性,我们在批判的继承历史的同时,应与当今时代特征相结合。对代任何设计风格及流派都要善于“取其精华,去其糟粕”做到善古融新、与时俱进。可以参照一下 希望有你的答案
有关设计理念的 论平面设计中的空白意象 论文摘要 空白可被视为意象表达的一类特殊形式,将空白意象引入平面设计中,研究其在平面设计中的表现和作用可以更好的传递作品深意,挖掘作品内涵。 “意象”一词是中国古代艺术创作中一个非常重要的理论概念,一直被人们广泛使用,它是一个拥有多元涵义的统一体。尽管在不同的学科有不尽相同的蕴意,但有一点却是共同的,那就是必须呈现为“象”。意象赖以存在的要素是象,即物象。物象是意象的基础,但意象却不是物象的客观的机械模仿。 意象是客观物象经过创作主体独特的审美活动而创造出来的物化的艺术形象,是“融入了主观情意的客观物象,或者是借助客观物象表现出来的主观情意。” “意”是无形的、抽象的,如同融入水中的盐,无形而有味。“意”必须借助语言或图形符号的“形象”才能表达出来。意象即“表意之象”、“意中之象”,是主体与客体、心与物、意与象的有机交融和统一,是主观情思与客观物象相融合的产物。在一个意象中。人们看得见的是“象”,而品味出来的是“意”。 “意象”一词最初萌芽于《周易》。《周易》又称《易经》,是我国古代著名的哲学著作,儒家把它冠为“六经”之首。其中的系辞是对《周易》的整体概述,阐释了《周易》的哲学意义。使《周易》逐渐升华为中国传统文化的根源和一切学术思想的源泉。它最早阐述了“意”和“象”的关系以及“象”的特殊表意功能《周易·系辞》这样表述: 子曰:“圣人立象以尽意,设卦以尽情伪,系辞焉以尽其言,变而通之以尽利,鼓之舞之以尽神。” “立象以尽意”不仅阐明了“象”与“意”的关系,也明确了“立象”的目的是为了“尽意”。“象”以“尽意”为存在根据。这里的“象”不是自然的物象,而是卦象,即“寓意之象”、“意中之象”的符号。“象”具有极大的表意功能:“尽意”、“尽情”、“尽言”、“尽神”。 中国古代早期的意象都是作为一种抽象至理的载体被使用的,那时的“意”是一种表象之意,运用的是象征的手法,它的指涉基本上只是停留在哲学领域之内,只能算是一般意义上的观念意象。刘勰是在我国文艺理论领域中第一个提出意象概念的人。他在《文心雕龙·神思》中说:“独照之匠,窥意象而运斤。此盖驭文之首也,谋篇之大端。”他强调了内心意象在艺术生产过程中的重要性,把它提高到“驭文之首也,谋篇之大端”的高度。刘勰的意象观产生了深远的影响,唐人多在此基础上使用意象概念。司空图在《诗品·缜密》中说“意象欲出,造化已奇”,指的也是“内心意象”。宋代以后,以及明清学者往往把意象当作艺术形象来看待,意象的古意渐渐隐去,意象的意义开始泛化。 意象是人类心灵中自由衍生与驰骋的大千气象,它是一种自然美妙而无羁绊的真情洋溢。当代的艺术创作从传统文化中汲取养分,呈现出蓬勃的生机,但无论用哪一种形式表现,“意象”都仍是现代设计语言中的潜语言成分,都与“意”密切相关,都渗透了设计者的理念、意念、情感等诸多“意”的因素。 传统的意象观与现代设计理论相结合,形成了独具时代特色的设计意象。作为艺术创造活动的设计意象,是把以感受形式出现的表象当作创作的前提条件,然后再对这种看似纷繁复杂的表象进行解析、综合。但这并不是简单的理性逻辑层面上的观照。也不是简单的对事物感性形态进行概括出抽象的普遍内容,而是根据设计的需要在表象中寻找与主体情感、直觉、认知和人生体验相对应的同构元素,并借以构筑设计意象。 平面设计中的各种图形符号常作为意象的载体出现在画面中,传达内在的一些含义,引发观者的一定联想。除去植物意象、动物意象、景物意象等一些常见的意象表现形式外,还有一类特殊的意象表现形式,即空白意象。 [next] 空白即“虚”,反之为“实”。虚即虚无,实指实有。在平面设计中,可将空间分为实空间和虚空间。其中实空间是组成画面空间的实体部分,虚空间则是指除此之外的其余部分。虚空间并不是背景,更不是设计中多余的部分,它也是画面形象的重要组成之一。平面设计中的空白是设计作品的“以白当黑”,“言外之意”。这种空白,看似无形之境,实乃设计者的匠心独运,笔虽未到。而意已至。所以,空白即意象。正如清代笪重光《画鉴》昕说:“虚实相生,无画处皆成妙景。” 中国传统艺术并不像西方美学那样讲究理性的认知和推理。而更多的是以感性的方式来领悟自然,体味人生。在中国画论中,墨色、彩墨属于色,白色画纸本身的白也属于色。所以,画家极其重视“留白”,以虚实相生的处理手法形成一种特殊的意境形式。山水画中的天、云、水等等。往往不着墨色,只留纸面,以虚当实,寥寥数笔,意尽形全。但观者却能在画面中“实”的反衬下,获得对这种“虚”的感受,从而达到以有限寓无限和空白处即画的效果。 如南宋画家马远的《寒江独钓图》,整幅画面中只画了一叶扁舟漂浮于水面,一位老翁坐在船头,独自垂钓。四周除了几笔波纹,画面大面积为空白,但确有力地表现了江面的空旷及寒意。萧条的气氛,更加集中地衬托出渔翁凝神贯注于一线的神气。也给观赏者提供了驰骋想象的余地。这幅画面中的空白不是白纸,而是画中之白。虚中有实。是一种特殊形式的图形符号。正如清张式在《画潭》中所云:“空白,非空纸。空白即画也。”在画家眼中,画中的空白可以是天,是地,是云。是水…… 中国画对于虚实、空白的处理手法,在现代平面设计版式编排中得到了很好地发挥。在《清流》的编排设计中,借鉴了中国画空白的艺术元素符号,并将其与现代设计语言相融合,以大面积的空白充斥版面,结合画面中心几条正在畅游的金鱼,将其余的空白部分巧妙地转化成水面。带给观者和谐宁静之感,更拓展了画面“清流”的意境。这里的“白”表现的是没有具象的虚空,它们能和画面外部的空间连成一片,具有视觉和心理上的双重延伸性。 现代平面设计以传达信息为主要目标。设计作品往往需要在短时间内引起观众的注意,给人们留下深刻的印象。仅靠直接的表述往往显得单调乏味。而且意象的意是难以穷尽的,因此恰当地运用“虚”与“实”的对比才能达到很好的艺术效果。有时只有在“虚”的衬托下才能更好地凸显“实”。虚在这里并不是“虚空”,而是蕴含了“景”的“虚”。暗含了“情”的“虚”。在一套张家界的旅游宣传册设计中就成功地运用了以“虚”托“实”的手法。设计者用传统笔墨的表现技法勾勒出了宝瓶等一些器物的外形,再将张家界美丽的自然风光安排其中,除去右上角一些必要的文字说明外,画面其余部分就是大面积的空白,只在靠近器物外形处看似随意地描绘有两只飞鹤或几朵祥云,这种大面积地留白方式除了营造出一种缥缈的情境之外,还很好地烘托出了创作的主体物。 有时设计作品中的空白处理就如同文学作品中的省略符号一样,能够造成人们视觉和心理上的沉思。并由此引发一定的联想。如为大家所熟悉的苹果电脑的标识设计,右边的一处空缺,看似破坏了图的完整性,实则恰与背景融合,打破了形的拘束,带给人们更多的联想和想象的空间。此时的空白已成为形象的组成部分,是形象的延续与衍生。 平面设计中的空白,是一种“虚空间”。是画面中存在的一种“气场”,画面中各构成要素正是被这种无形的“气场”协调统一在一起,从而表现出一种完整性。这一元素如果运用的巧妙的话,可以成为设计中最突出、最令人瞩目的地方。它所传达出来的信息有时甚至实体的元素还有丰富的多,深刻的多。对画面版式留白所产生的虚空间的合理运用应受到更多设计者的关注。因为它能最大限度地激起观众的艺术想象力,从而更好地去挖掘和体味作品中所潜藏的深“意”。[next]