《花样年华》被称为一部怀旧经典。就影片所讲述的故事本身而言，古老而又普通，没有什么新意，无非就是一个讲述婚外恋的爱情故事；就影片的情节来说，既不曲折也不扣人心弦，可以说简单而又平淡。那么，为什么这样一部故事普通、情节简单的影片能被人们称之为经典？关键就在于导演王家卫在影片中所使用的巧妙而别致的表现手法，通过这些艺术手法为这个普通的故事赋予了一个内蕴深广、新颖脱俗的主题，使这部电影达到了形式与内容的完美结合。一、影片在主题表现上的含蓄美。艺术贵在含蓄，电影艺术也同样具有这个艺术法则。含蓄的表达使得艺术作品的内蕴更加丰富、使得整部作品的主题思想更具有韵味，令人回味无穷。《花样年华》中正是具有这样的艺术特色。导演王家卫用一种隐喻式和象征式的表现手法，为这部电影增加了内在韵味。犹如一首朦胧诗，每一个字包括每一个标点都有它代表的象征意义，也像是一幅写意画，每一个线条隐含喻意。颇具特色的隐喻和象征式的表现手法的运用，使得这部作品在主题思想的表达上显得既含蓄又有深度。影片不仅仅是反映了周慕云和苏丽珍因为各自的爱人出轨的不幸，也不仅仅是反映他们之间的真挚情感，而是映射了那个时代、那个社会，人们的普遍的感情生活和道德观念等内容。（一）隐喻式的表现手法对影片主题的含蓄表达。一部优秀的电影作品，它的主题并不是直接告诉观众的，而是隐含在每一个细节中，要靠观众去体会的。《花样年华》中王家卫用隐喻蒙太奇和重复蒙太奇技巧把影片的主题含蓄而又自然传达出来，在表现男女主人公的情感变化的同时也暗示了六十年代香港社会的真实现状，赋予影片时代色彩和社会意义，提升了影片的艺术价值。例如，影片通过苏丽珍替何老板给何太太（何老板的妻子）和给余小姐（何老板的情人）打电话、买礼物的情节，说明了老板也是在情人和妻子之间来回周旋。结合整个剧情，我们无形中就感受到了六十年代，在香港社会的小资们的真实生活和情感现状。不只是苏丽珍的丈夫和周慕云的妻子“出墙”，很多人和他们一样都在外面有情人，而且都是偷偷摸摸的。《花样年华》中，导演正是运用一些系列隐喻式的表现手法，把影片中的人物情感、时代特征和文化内涵等内容暗含在每一个细节中，在深化主题思想的同时，使其在表达上具有含蓄美。隐喻蒙太奇是表现蒙太奇中的一种艺术技巧。隐喻蒙太奇是“把表现不同形象的镜头画面加以连接，从而在镜头的组接中产生比拟、象征、暗示等作用的蒙太奇”[1]能给人一种既形象生动又耐人寻味的感觉。在《花样年华》中王家卫多次运用隐喻蒙太奇这一手法对影片的细节上的处理，极大地增强了影片的艺术感染力，增加了影片的含蓄美。如影片中 “昏暗的路灯”这一镜头的多次出现，这盏路灯似乎就是苏丽珍寂寞和孤独的内心。丈夫老是不在家，只有她独自一个人每天去小面摊吃饭。犹如街头道路等一样，孤苦伶仃。再如，影片中几次“挂钟”的空镜头的出现，很容易就使观众感受到了时间的流逝，岁月的无情，很具有隐喻意义。还有周慕云离开香港去新加坡时出现在影片中的一棵树的镜头，这个镜头导演用仰视的角度去拍摄，由一片蓝色的天空和一棵细高的小树组成的画面，交待了场景由香港到新加坡的转换和时间上是一九六二年到一九六三年的转换。但是更重要的是，它暗示着周慕云和苏丽珍之间的感情已经越来越远了，他们之间的爱情已经永远的不可能了。《花样年华》中这些隐喻蒙太奇技巧在细节处理上的应用，增加了影片主题的含蓄美，调动了观众的情感和思绪，使观众无形中感受到了六十年代在香港生活的两个已婚男女之间既相爱而不能爱的无奈、伤感的情绪。此外，《花样年华》中反复出现主人公周慕云和苏丽珍各自走过狭窄的楼梯，从家到小面摊和从小面摊到家的画面。这一画面反复出现，表面上是对主人公生活的表述。而实际上王家卫使用的是 “把表现同一内容的镜头画面在影片中反复出现，以突出、强调这一内容象征意义的蒙太奇技巧”[2]，也就是重复蒙太奇技巧。导演之所以要这在故事的开始部分使用这一表现技巧，目的就是要，以他们不断地从楼梯上上上下下、进进出出画面来象征他们孤独、冷清的生活状况，为他的妻子和她的丈夫之间发生婚外情埋下了伏笔，同时也隐喻了他们两个人之间会有故事发生。在这部影片中，另一处巧妙使用重复蒙太奇的地方是，周慕云为了写小说在宾馆里租了一间房子，苏丽珍知道后去宾馆看他时，苏匆匆走上宾馆的楼梯，然后又匆匆地走下宾馆的楼梯的镜头反复出现。苏丽珍上去又下来、下来又上去，上下楼的画面重复很容易就让观众感受到了女主人公激烈的心理斗争。此处暗喻着一种矛盾，实质上对周慕云产生了感情，想去看他，但又因为自己身为人妻，受道德的束缚而避免“跟他们一样”。这里的重复效果，巧妙而贴切的展现了人物的矛盾心理，也折射出了当时社会的道德观念。导演在向观众传达这些思想内容时，不是直白的告诉观众，而是把这一切都隐藏在画面的不断重复中，增加了电影的韵味。（二）明暗和色彩对主题的暗示。影片的明暗和色彩虽然不是表现主题思想的主要元素，但是也有不可忽视的作用。明暗和色彩在《花样年华》中被赋予了特殊的意义，昏暗的色调和女主人公身上不断变化的服装色彩对影片的主题表达起到了一定的暗示作用。在《花样年华》中，王家卫把绝大部分画面都拍得很暗淡，影片中采用这样的色调，暗示了故事中的时代气氛、生活真实和情感主题，造成一种阴暗、低沉、压抑、伤感的氛围。暗调在《花样年华》中的使用给人造成一种怀旧、伤感的思绪。影片中把人物放在昏暗的楼梯、走廊、阴暗的房间和黑暗的街道中……灰暗的画面效果为影片蒙上了一层时代的影子，很容易使人感受到六十年代香港的社会状况和影片中两个主人公的感情遗憾。暗示着周慕云和苏丽珍不可能击破那块“积着灰尘的玻璃”，他们终究不可能越过内心中道德的束缚。而且整部影片基本上以灰暗的色调为背景，使主题显得厚重、深沉、压抑，把观众的思绪带入了一种“悲”的状态，使人预感到了影片“悲”的结果，让人感受到了一个发生在六十年代香港的爱情故事的真实。在这部影片中，最具色彩表现力的就是主人公苏丽珍身上的旗袍。苏丽珍身上的旗袍的不断变化间接的映射着故事情节的发展、人物心情的变化。导演把女主人公的心理变化用旗袍色彩的变化表现出来。就整个影片中女主人公所穿着的旗袍颜色，比如搬家时、在孙太太家里看丈夫打麻将时、和孙太太他们试电饭锅时、嘱咐丈夫给她老板带皮包时，或是去公司上班时，还是其他时候，一般都是以白色加黑色、白色加蓝色和淡黄色加白色搭配的旗袍。这几种颜色搭配的旗袍是苏丽珍贯穿的。这种几种素色的衣服于影片的灰暗色调、周围环境是相协调的。但是片中好几次出现苏丽珍提着饭盒去小面摊买饭时，她都是一身颜色很暗的旗袍，暗示了她的孤独和内心的寂寞；当他们确定自己的爱人发生婚外恋时苏丽珍去宾馆里见周慕云时，她一身红色的旗袍，这一反她穿衣的一贯风格，与她一向喜欢的衣服颜色形成鲜明反差。这里其实是隐喻了她们之间爱情的产生。苏丽珍趁着房东不在去周慕云家时，一袭黄色的旗袍，象征了他们在一起的愉快和温馨。而当苏丽珍决定要跟周慕云走时，她身上的衣服变成了绿色。绿色是富于生机、象征生命的。这就隐喻了苏丽珍下定决心要和周慕云开始新的生活。然而，当它赶到宾馆时，周慕云已经走了，代表希望的绿色在红色的窗帘、红色的床、暗红色的墙壁映衬下，让人感到的是莫大的失落。代表了“色彩是影视画面的抒情符号，能传递感情，表达艺术家所要表达的情绪”[3]。苏丽珍身上不断变化的旗袍色彩，不仅反映了人物心理的微妙变化，而且增强了影片在主题表现上的抒情意味。不断变化的旗袍颜色与暗淡的画面色调形成了鲜明的对比，在灰暗色调的映衬下旗袍的色彩变化更加具有了表现力，隐喻作用更加明显。通过色彩的变化，暗喻了人物心理的变化、情感的变化，间接的而不是直接的深化了主题。暗淡的画面色调，映衬了主题。使得影片的主题表现更加含蓄朦胧。（三）道具的象征意义。在这部电影中，似乎没有多余的东西，每一个镜头、画面，每一段对白、音乐，包括每一件道具在影片中都具有不可代替的象征意味。王家卫没有放过每一个细节对主题的表现作用。影片中的旗袍、绣花拖鞋等道具，既具有民族特色又具有象征意味。不但为影片增添了民族气息，也增加了主题的含蓄性。旗袍是《花样年华》中最具象征意义的道具。苏丽珍身上更换了27次的漂亮的旗袍暗含着多层的象征意义。《花样年华》中导演把旗袍作为一种隐喻道具，无形中向观众传达了故事的信息、人物的情绪变化，起到了塑造艺术形象的作用。“旗袍是中国的传统服装，象征着高贵、典雅”[4]，影片中的女主人公的服装样式都是旗袍。导演王家卫把这样一件代表高贵、典雅的服饰作为女主人公的唯一服装，可谓用心巧妙。在影片中旗袍象征着苏丽珍高贵的个性特点，她一直对自己、对周慕云说“我们不会和他们一样的”，表现了她心中高贵的个性特点。而且旗袍是中国的传统服饰，在一定意义上，旗袍在影片中也是传统思想的象征。正是由于苏丽珍的“高贵”个性，以及受到传统道德思想的影响，使她无法克服自我、冲破道德的束缚去追求自己的真爱。这就是成就了他们“无言的爱情”的主要原因。《花样年华》中出现了四次的苏丽珍的一双绣花拖鞋，在影片中有着重要的象征意义。房东的突然回来，苏丽珍被控在周慕云家里，为了避嫌，她穿着周妻的皮鞋假装成刚下班回家，于是就把他的绣花拖鞋留在了周慕云的家里。周慕云一直把这双绣花拖鞋珍藏，就连离开香港去到新加坡，他也带着这双鞋。这就为赋予这双绣花鞋特殊的寓意。它象征着周慕云对苏丽珍纯洁而真挚的爱，是二人之间美好爱情的象征。后来，苏丽珍去了一次周慕云在新加坡住所，她并没有见周慕云，在周的房间里默默地停留了片刻就走了，临走时她悄悄的带走了那双绣花拖鞋……刻画出了她对自己和周之间没有结果的爱情的无奈心理。周慕云在屋内到处乱翻，却再也没有找到这双绣花拖鞋，它永远的消失了。绣花拖鞋的消失，是他们之间爱情永远不会有结果的象征。
首先王家卫的电影比较诚实,他拍摄出来的是他想要表达的东西,也是他认同和理解的东西.并不象有些电影,一看就感觉很虚,导演也不能理解自己拍的东西. 王家卫的电影里总是充满了一些看似凌乱的物品或名称,比如数字,时间等,他们本身没有意义,用他的话来说是"我比较懒"其实也正是这些随意,不刻意的东西造就了观众对它的记忆. 再有王的电影并不是在拍摄初期就已经对所拍摄的场景结构有完善的定位,很多东西都是边拍边改,比如<东邪西毒>中那个鸟笼等等.但当这些一切加进去的东西最后过了王家卫后,他们就变成了王家卫电影的一部分. 用王自己的话来说:其实导演就是观众,只是他参与拍摄了. 最后他的电影里总是会有一些话或词被后人誉为经典,其实正是因为这些电影的经典而塑造了影片中的经典桥段. 另外他不喜欢为电影去找音乐人创作电影原声,总是拿现成的东西去套,用他的话说还是"我比较懒"他认为音乐是很抽象的东西,他自认和搞音乐的人比较难沟通,比较难表达他的意思,所以做出来的东西也很难让他满意.
阿 飞 正 传 1991年第三十六届亚太电影展中，王家卫凭借《阿飞正传》 摘走了最佳导演奖，从此家卫风格被很多人推崇。 这是一部反映六十年代的怀旧影片，颓废，空虚，似乎让人搞不清楚人活着到底是为了什么。有人觉得，王家卫其实是用六十年代斑驳的镜子照出了九十年代灵魂疲惫的影子。 在我看来，这部影片最有特色的地方在于它的画面和对白，而它受到推崇的原因则是导演选择了优秀的摄影，组织好了他想达到的画面效果，又找到了最优秀的演员，很好的诠释了对白和情节。所以，我要从画面和对白来分析本片。 [说明：方括号中的话是分析影片后整理出的潜台词。] 这部电影的色彩和感情基调都像旧照片一样：阴暗的公寓小屋，一张不太整齐的床，随地散落的衣物，烟灰缸，百叶窗……在这样的环境中，主人公也是颓废的，似笑非笑的表情，对感情的无所谓，毫无顾忌的放逐自己，伤害别人，也伤害了自己。 故事一开始，镜头跟在张国荣身后，一阵响亮空旷的皮鞋与地面碰撞的声音，把我们带到了第一个场景——小卖店，这是张国荣和张曼玉相识的地方。画面中斑驳脱落的墙皮，主人公有些摇曳的身体，一开场就定好了全片的路线——不羁、衰败。这时，画面中穿插了一个钟表即将指向三点的镜头，这是一处伏笔。因为不久之后，观众们就听到了张国荣那一段最经典的台词：“一九六零年四月十六日下午三点之前的一分钟，你和我在一起，因为你我会记得那一分钟，由现在开始我们就是一分钟的朋友，这是一个事实，你不容否认的，因为已经过去了。” 原来，他每次都是三点来这里。(这也使我想到了怎样通过镜头来表现习惯，还不会让观众觉得累赘。)自此，张国荣与张曼玉成为朋友。 当暗淡的黄绿色画面中出现夏威夷慵懒的吉他声的时候，我们会看到一片与影片内容不太相符的景象——浓密的热带丛林，其实，这是影片的一条线索，贯彻始终。正是这一幅夏威夷景象使主人公有借口放纵自己，也正是这个地方引发了所有的故事…… 接下来，我们就来到了影片的第二个场景，也是主要场景之一——张国荣的家。 我们可以发现室内布置比较零乱，但主人公的个人形象却丝毫不乱，也许这也是那个社会中那一类人的普遍现象。就好像结尾处当梁朝伟出现在那个极其狭窄的阁楼中，认真的修剪自己的指甲，整理自己的发型一样。 在影片进行到很短的时间之后，张国荣和张曼玉的感情就结束了。因为张曼玉提到了一个会锁住张国荣自由的问题——结婚，在张国荣看来，这件事是在计划和安排他的生活，可是他是一只没有脚的鸟，从天空飞过，无拘无束这样被安排好的生活他没有办法接受，所以只有结束了。在结束的时候，张曼玉慢慢的穿好衣服，她的留恋我们可以看得出来，可在就要出门的时候，她却说了一句很决绝的话“我以后都不会再回来了。” 我们可以看到在导演表现这一段故事时，用了不同的画面结构：起初，在这个场景中有一段较长的镜头都是给主人公面部特写，不仅可以通过演员的精彩演技来刻画主人公的性格特点和心理活动，还可以使画面看起来很紧凑，尤其不经意间闪过的正在工作的电扇，更让我们觉得空气很闷，话题也不太顺畅。之后，事情以分手告终，镜头推远，构图也变的透气了，前后两种鲜明的对比使画面看起来松紧有致。 然后他回到了养母的家，这是影片中第一次出现他回家的情形，家中有一个佣人。物品的陈设，家里的环境都显的很阔绰，这也说明了为什么张国荣可以在外面也住着比较奢侈的房子。 养母喝的很醉，张国荣从卫生间把她扶到了床上，之后又一个动作就是用手擦去了养母嘴边的污物，然后又抹到了被子上。这个动作让人觉得有些奇怪：伸手去擦，说明他关心养母，可是又顺手抹到了被子上就有些不解了。正常情况下，我们应该是去洗手，而不是毫不在乎的弄脏自己的家。这个问题到养母第二次在影片中出现时，我们就会明白了。张国荣去找那个让养母伤心的男人，并把这个看上去高大英俊的男人打的跪地求饶，只得交出来的一对耳坠。 在这里他认识了跳肚皮舞的舞女——咪咪（刘嘉玲）。打人的时候，张国荣看起来很疯狂，甚至拿出了铁锤，砸坏了更衣室的玻璃和洗脸池。镜头就在这个小空间里随着张国荣移动，野蛮的动作凶狠的声音让人觉得很“痞”。可打完之后，他却走到镜子前很沉着的整理起了头发，还优雅的对身后的咪咪说：“你可以去换衣服了。”这些细节让我们又多认识了张国荣扮演的这个角色。 接着，耳坠这个小道具又派上了用场。张国荣看出咪咪很喜欢这对耳坠，就抛给了她，可是只有一只。于是她跟着张国荣回家了。这样，她就成为了我们看到的第二个女主角，开始在张国荣家生活。 在这段故事中，有一段情节很有趣，就是张国荣征服了刘嘉玲之后心情很好的跳舞，画面中他在镜像和场景中交替出现，画面流畅，轻松。 不久，养母第二次出场，为我们解开了很多疑问。原来只有她知道张国荣的生母是谁，可她却把这个秘密守了十多年都不说。在他们的对话当中，我们看到的不是母子关系，而是憎恶敌对的关系，也明白了原来张国荣对生活的态度都源于自己的亲生父母。所以，养母这个角色可以称得上是本片的线索人物。我们还会发现，养母说的是上海话，而张国荣说的却是粤语，这似乎隐含了一个内容——养母是从上海移居到香港的。 咪咪想养张国荣，这对于张国荣来说又是在计划他的生活，他无法接受，这段感情也这样结束了，张国荣也从此再咪咪的世界中消失了。 之后，养母终于不再隐瞒这个秘密了，张国荣知道了所有的事情，决定放弃所有去找自己的亲生父母，却没有见到，在离开的时候，他也不回头，因为他知道自己的家人一定在身后偷偷的看着他。既然他们不给自己机会，那自己也不会让他们有机会看到…… 有一堆很有意思的关于王家卫电影的词：街、小店、钟表、吉他、冷饮、树、短裙、梳子、雨、打电话、灯、阁楼、床、火车、长椅、雨林、车、厨房、柜台、制服、孤单、相逢、交错、疏离、寂寞、沉默、自语、交谈、依靠、凝视、接触、向往、捍卫、不知所谓。这些词语的拼凑，可以让我们看到一个很独特的王家卫风格。 王家卫的电影反反复复在讲一个词——拒绝，“如果你不想被拒绝，最好的方法是先拒绝别人，我们在这部影片中也可以发现这一点。他拒绝了很多，也终于空空的离开了人世。
电影艺术赏析论文范文精选篇2 浅谈《红高粱》中色彩艺术的运用与赏析 [摘 要] 当前，影视作品已经成为人们视觉审美最为重要的一部分，它是一种视觉艺术，图像是其造型语言，而色彩是其造型语言中最重要的组成元素之一。影视作品的画面质量直接影响着观众的视觉享受，而人的视觉感受在人的感官中最为强烈。电影《红高粱》是最能反映张艺谋早期风格的一部经典作品。电影中一个个油画似的场景，勾勒出了一个以红色为基调的“红高粱”世界，歌颂黄土高坡上的中华儿女抗日生活的电影，用来祭奠那些激荡在无边无际的如火如荼的高粱地里的灵魂。 [关键词] 《红高粱》;色彩艺术;人性;魅力 高粱，象征着狂野的、自然的人性，它们在风中劲舞，自生自灭，是世间生命万物的象征。《红高粱》对红色渲染达到了无以复加的地步。红高粱，红褂，红裤，红轿子，在烈日的灼烧下通红的汉子背，以及影片最后染满整个银幕的鲜血，既象征了面对恶势力的践踏，以最本质的方式进行反抗的原始生命力，也使整个电影充满了诗情画意。《红高粱》，以浓烈的色彩、豪放的风格，歌颂了中华儿女激扬亢奋的民族精神，叙事和抒情结合得恰到好处、写实与写意联系得相得益彰，把电影语言的独特魅力发挥得淋漓尽致。该部电影充满了神奇的色彩，它颂扬了人性的本质及生命的不可抗拒，对大自然色彩的运用也达到了登峰造极的境界。 一、电影《红高粱》的色彩艺术效果 《红高粱》中所营造出的以红色为基调的画面以及恢宏的氛围，部分来自于作者自身所注入的感情，部分则来自于客观事物烘托的意境，情境自然结合，“情与景会，意与象通”。这正是影片创作的基础，同时也是观众喜欢的魅力所在。在这部电影意境的营造方面，色彩发挥了至关重要的作用。色彩在电影创作中有助于情感的表达，它主要依赖于人们的联想来获得，即人们通过色彩而获得的感受。 人物的内心深层次的刻画能够烘托其复杂的心理活动及其性格特点。而要想在限定的较短时间里，有限的场景中来形象、细致刻画一个人的内心活动，那就需要能够让观众看到一个恰到好处的视觉载体，而美术色彩艺术的巧妙作用就恰好可以充当这一载体。张艺谋导演就是巧妙地把色彩艺术运用到《红高粱》这部影片中，形象刻画了影片中人物的内心世界。他通过美术色彩的多样变换，为观众准确、清晰展现了片中角色的内心活动及所要表达的思想内容。 该部电影中红色基调的大量运用，不仅对观众产生了强烈的视觉冲击，也传达出了影片所承载的象征意义。人物通过色彩掺入了复杂的感情，使影片人性化。《红高粱》这部电影通过运用大量的色彩来营造一种红色中国的意境，进而捕捉观众的眼球，以达到产生共鸣的效果。影片中铺天盖地的红色，极具象征意义。每处场景的色彩、色调无不把片中人物的特点刻画得淋漓尽致。从最初象征生命力、如火如荼的红高粱、红袄、红鞋、红盖头，到最后布满银幕的血红色，这些色调极具感染力，经导演的精心设计与故事情节结合得天衣无缝，为全片定下了恢弘壮烈的基调。 二、电影《红高粱》的色彩赏析 画面与音乐，作为构成电影的两大元素，在电影中发挥着举足轻重的作用。色彩是电影语言的一部分，恰当使用色彩，可以表达不同的情感及感受，有助于电影情绪的准确表达，渲染影片的风格气氛。同时，音乐在电影中也发挥着不可或缺的作用，而且具有很强的情绪性。音乐是电影中声音的一种特殊的表现形式，影响着影片的气质，深化其主体，强化观众的心理活动。一部成功的电影，出色的电影音乐是必不可少的。 夺得多项大奖的电影《红高粱》，算不上张艺谋最经典的作品，却是最激情的一部。影片自始至终，都致力于表现出感性生命的躁动。《红高粱》不仅是一部好作品，更是一部很好看的电影。 电影《红高粱》改编自莫言先生的中篇小说，讲述了20世纪二三十年代一伙纯朴的农民的狂野生活以及他们浴血抵抗日本侵略者的故事。影片经过演员的成功演绎，颂扬了生命的奔放，敢爱敢恨，大生大死的人生。故事情节跌宕起伏，令人难以预料。节奏松弛有度，画面、色彩、光线及其视觉形象热烈、活泼。该影片突破了传统的抗日战争题材，在《红高粱》中，自由奔放、气势恢宏的生命跃上了银幕。与同时代的影视作品相比，战争画面明显减少，而且不涉及任何政治色彩。影片结束时，战斗场面十分写意，虽然不如传统国产战争影片中的场面宏大，人物也不多，但画面却更多了几分震撼。日食、红霞映衬下的世界，嘹亮的歌谣响彻天地，如血海汪洋的火红高粱地…… 《红高粱》在观众心中留下了深深的战争烙印。影片成功在于纯美，颂扬了爱就真爱、恨就真恨、敢爱敢恨、大生大死、气势恢宏的生命。 和大多数的中国人一样，张艺谋导演对鲜艳的红颜色是情有独钟，红色自然成了电影《红高粱》的主色调。正如大家所了解的，在中华民族的传统文化中，红色被视为喜庆和美满的象征，后来红色逐渐被人们赋予了积极、向上、正义、革命的内涵。而且，在美术绘画领域，红色也是彰显个性与烘托氛围的一种常用手段。 影片《红高粱》一开始，映入人们眼帘的就是如血海汪洋般的火红色，影片女主角“九儿”那象征喜庆的大红的嫁妆：红盖头，红褂，红裤，红鞋;还有那大红的花轿;还有那火红的高粱地，以及在高粱地里让观众心情为之荡漾的野合。这些火红的画面一开始就给观众带来了强烈的视觉冲击，给人们内心带来了一次红色的洗礼。虽然整部影片的色调多是红色的，但并没有让观众感觉这是打破常规的矫揉造作，而是很自然接受了高粱本就是火红色的。另外，影片还把那种放荡不羁、肆无忌惮、自由激情和那欢乐愉悦氛围与红色的主色调巧妙地结合起来，在红色基调的衬托下，“爷爷”和“奶奶”的凄美爱情故事姗姗而来。 整部电影由“爷爷”与“奶奶”的相遇、相知、相爱、互助的情感构成。他们通过与世俗观念的抗争，最终走到了一起，最后浴血奋战反抗日本侵略者。影片结尾，女主人公“九儿”和其他汉子们全都死了，“爷爷”和“爹爹”静静站在那里，一动不动，相互凝视着对方，在血红色的太阳光下相互凝望着，很久很久，直到天空中日食出现时，天空突然暗淡了下来，紧接着出现的还是一种血红色。张艺谋导演巧妙把美术色彩在这部影片中用到了极致，画面唯美，故事感人，无限放大了人物的形象，更是对中华儿女的高度歌颂与赞美。影片歌颂了这片荒凉的土地，这段不畏世俗，令人崇敬的爱情故事，并深深颂扬了这块土地上的那种无拘无束的野性，更表达了对中华儿女不畏强暴、浴血奋战到底的优良品质。全片表达的就是对原始生命勃勃生机的崇拜之情。 在整部电影中，作者还是保留了大量的个人的风格及其自己主观的认知.影片较多固定于同一个镜头，来刻画人物的变化过程，吸引观众把心沉下来认真观看。影片多通过近景来刻画“奶奶”，当“爹爹”在酿酒缸里蹦来蹦去，不停地喊着“娘”时，“奶奶”脸上露出了会心的笑容。然后，“奶奶”注意到了远处的一个身影，侧影映在他身上，衬托出罗汉瘦小的身躯。太阳金色的光环绕在他周围，暗示着暴风雨即将来临。“奶奶”焦急地追赶过去，“爷爷”一脸不解，逆光从其身后射来，凸显他更加忧郁，好想看到了什么似的，仿佛危机正在来袭，就像光似的压在他身上，继而鬼子的掠夺呼之而出。 电影《红高粱》巧妙地将故事情节串连在一起，一个个油墨泼成的画面，扣人心弦。整片的高粱地被血色残阳染成了血红色，那是被鲜血染成的高粱地，那是象征着凄凉的残阳，是“爷爷”“爹爹”失去爱妻、母亲后心口的伤疤，是作者对高粱地上中华儿女的歌颂。一块高粱地被践踏了，但是还有如血海汪洋的高粱在疯长着，它象征着中华民族不屈的生命力，生生不息的文明，也是“爷爷”身上那股野性。“爷爷”身上的野性是原始的、野兽的疯狂，是中华男子汉所共有的特殊品质，更是中华儿女不畏强暴，奋力反抗的基础。影片呼吁人们追求真善美，追求勃勃生机的人生。 三、电影《红高粱》的画面鉴赏 色彩具有象征性。人们在各种色彩掺杂的世界里生活着，培养了很多视觉经验。这些经验与外来刺激相呼应，而情感则在其中慢慢升华，深刻地表达着人们的信念和思想，激起了人们的思绪。 出身于摄影师的张艺谋，电影画面及色彩一直都非常唯美，如有神相助。电影《红高粱》中的画面中红色为影片的主色调。在中国，红色既代表着喜庆、美满，也代表着革命。影片中最熟悉的画面就是那片火红的高粱地，郁郁葱葱的高粱高过人头，密得让人喘不过气来。秋风袭来，掀起层层波浪，一阵阵清脆的摇摆声;还有就是那血色残阳的画面，“九儿”出嫁，当花轿来到十里坡时，遇到了日本鬼子，最后死在了鬼子的刺刀下。那天的日食把整个世界都染成了血红色，“娘，娘，上西南，高高的大路，足足的盘缠，娘，娘，上西南……”影片结束时，嘹亮的歌谣响彻天地人间，无边的高粱地如血海汪洋，“九儿”躺在血泊中，安详地死去了。暗红的鲜血把太阳染成了血红色，血红的太阳燃烧着，把整个世界都烧成了红色……这就是影片的结尾 张艺谋对色彩特殊的审美价值运用恰到好处，为观众呈现了一个血红的世界。电影《红高粱》既有唯美的观赏性，更有很强的思想性，它的成功与色彩特殊的审美价值的准确把握息息相关。 影片中红色为主要基调，色彩对于人们的审美观有着特殊的视觉效应，它可以勾起人们悠远的遐想，成功唤起人们的视觉体验。 影片中还有很多唯美的画面：“九儿”出嫁时的红鞋、红袄、红裤及红盖头，甚至花轿都是红的;汉子们被烈日晒得发亮的古铜色皮肤以及他们肆无忌惮的光头;日食时血色汪洋的红，高粱地里令人喘不过气来的绿…… 四、结 语 在《红高粱》中，导演张艺谋把视觉享受与造型艺术结合得淋漓尽致，几乎每一个镜头都可看作是唯美的水墨画。造型艺术也被运用到了登峰造极的地步。在此之前，还从未有人能够如此把画面拍摄如泼墨般肆意自如，而且色彩还极为浓厚。那血色残阳的红色，既愉悦了人们的视觉享受，又象征了一种不屈的生命力，一种要爱真爱、要恨真恨、敢爱敢恨、敢作敢为、淋漓奔放、肆意自如的人生态度。两者成功结合在一起，使人恋恋不舍，回味无穷。 [参考文献] [1] 尹秀茶.对生命的渴求与赞美――《红高粱》欣赏[J].作家，2008(08). [2] 辛宇杰.浅谈语言与文化的关系[J].华章，2011(07). [3] 黄巽斋.汉字文化丛谈 [M].长沙：岳麓书社，1998. [4] 贺友龄.汉字与文化[M].北京：警官教育出版社，1999. 猜你喜欢： 1. 电影艺术鉴赏论文 2. 电影赏析论文范文 3. 电影音乐赏析论文范文 4. 关于电影论文范文 5. 艺术鉴赏论文范文参考
从第一束光照耀混沌世界的那一刻起，色彩的历史即已展开。 尽管近代以来的人们被告知：色彩只是眼睛玩弄的魔术，物体是没有色彩的，当日光照射到一个物体的表面上时，这个物体按照其分子结构吸收某些波长而反射出另一些波长，这些被反射出来的波长在人的眼睛里就被感知为某种色彩。但是人们更愿意相信，色彩最深层的奥秘甚至连肉眼也看不见，而只能为心灵所感受。 爱因汉姆在论及色彩时说："说到表情作用，色彩又胜过形状一筹，那落日的余晖以及地中海碧蓝色彩所传达的表情，恐怕是任何确定的形状也都望尘莫及的?quot; "人们在传统上把形状比作富有气魄的男性，把色彩比作富有诱惑力的女性，实在是并不奇怪的。……形状和色彩结合对于创造绘画是必需的，正如男人和女人的结合对于繁殖人类是必需的一样。 色彩赋予形体以灵魂，正如声音赋予语言以情感。自远古开始，在很多领域里，色彩被编码以后成为通讯工具，这是色彩象征意义的开始。在人的视觉世界里，色彩是情感的象征。色彩的作用是强烈的，因为它在现实主义--真实地再现自然之外，还承担着将现实纯化和强化的功能，它能传达着人的情绪与心理状态，是人的内心世界外化的表现，是指涉精神世界的无形之物的符号。色彩本身不能脱离形体成为一门独立的艺术，但却是所有作用于视觉的艺术中的重要元素。在回溯色彩的历史时，我们能看到那些业已消逝的感情倾向。 第一批在色彩上使人类形象具有个性特色的画家产生于文艺复兴初期，他们已经认识到色彩能带给造型艺术更多的可能性。从乔托、扬o凡o爱克、弗兰西斯卡到提香、格列柯和伦勃朗，画家们从再现人与物的固有色逐步走向用不同的色域进行抽象和概括，以适应表现主题的需要。在巴洛克时代，静止的空间被归结于带有运动节奏的空间，色彩也不仅仅是表现客现世界，而成为韵律连接的抽象手段。因为说到底，色彩是用来创造深度幻觉的。从十九世纪开始，色彩迎来了它的另一个高潮，首先是歌德、龙格、叔本华和谢弗勒尔等人的色彩理论相继出炉，在此基础上敏感的画家们对大自然的充分研究导致了印象派的产生，色彩达到一个全新的表现阶段，留下了《日出印象》、《大碗岛上的星期日下午》等惊世的杰作。而此后的野兽派和表现主义对色彩的关注达到了前所未有的高峰。 相对于绘画来说，色彩进入电影的时间只有短短几十年，因为电影艺术手段的丰富与技术的进步紧密相连。而正如马赛尔o马尔丹所说："电影色彩的真正发明应该从导演们懂得了下列事实的那一天算起，即色彩并不一定要真实（即同现实完全一致），必须首先根据不同色调的价值（如黑与白）和心理与戏剧含义（冷色和暖色）去运用色彩?quot; 一． 彩本身在电影中存在的合理性问题 最初毕加索想用彩色绘制他的名画《格尔尼卡》，但最后只是用了黑白两色。在美术史中，图形与色彩的争论古已有之，这种争论无疑也延续到了电影创作中。人们担心色彩只是一种着色手段，徒有其表，或者太过重视这种形式而脱离了叙事。这在色彩进入电影的二十年中一直是理论界和创作界争论的话题。 在六十年代，一些电影家毫不怀疑地把色彩看作是运动的对立物，费里尼曾称?quot;色彩即静止。"马赛尔o马尔丹也曾说："所有生理和心理方面的试验都证明，我们更多感受的是色彩的价值，而不是色彩本身，……何况在许多情况下，强烈和刺眼的色彩（先不谈其虚假性）是会吸引我们的注意力，使我们感到不快的。简而言之，观众的眼睛是会真正盯视各种颜色的。我们不难看到观众自发地鼓掌赞美迸射出绯红、青蓝和紫红等色的日落景象；黑白片在美学上的威望要远远超过蹩脚的彩色片。总之，色彩是加重了影片的绘画感（使电影向绘画靠拢），但是，也因此而加重了影片的静态感。因为由于色彩魅力与感觉，影片显得缓重了，而这就必然会使故事产生一种呆板感，这同色彩吸走了注意力这一现象是不可避免地相联系的，但是导演又不敢去破坏色彩的魅力?quot;他还认为，彩色在音乐片、喜剧片、惊险片、西部片和一些非现实主义影片中的运用是成功的，但是另外一些影片则不宜使用彩色，如战争、死亡、暴力、恐怖及心理题材的影片。 在波布克的《电影的元素》一书中，他只用了短短的四段文字谈论色彩问题，并且总是与光和照明问题混淆在一起："所有的光都有自己的彩色，彩色情调照明的潜力只是在近年来才被认为堪与黑白相媲美，如果不是更丰富的话。在运用彩色情调照明时必须加以准确控制，因为彩色本身即能引起情绪反应?quot; 他们所表达的是其它电影家们共有的忧虑，即色彩以漂亮的影像抑制叙述。这与现代绘画的倾向刚好相反，当时的画家们都在试图运用色彩摆脱叙述性的再现。如果说色彩会吸引注意力、吸走叙事，那么我们不应该忘记，吸收与反射恰恰是界定色彩的唯一根据，被色彩吸走而留下的那一部分恰好构成影片的区别性特征。正如人们所说，任何形而上学都是隐喻的物理学。二． 色彩的句法 人们都知道，黑色、白色、红色、黄色、蓝色的感觉是无法加以约简的。在色彩的心理试验中证实了，有某些基本的色彩，如红、黄、蓝，在凡是能知觉到色彩的场合都会出现。这样一些基本色彩互相之间不发生关系，即它们不会统一在由一个共同的单一色相所组成的等级序列中，它们分别代表着不同的性质，把它们并置在一起也不会产生张力，因为它们既不会相互吸引也不会相互排斥。然而在任意两个基本色，如红色和黄色之间却可以组成一个色彩等级序列。那些微妙的混合色彩，看上去就象从基本的色彩组成的等级序列中派生出来?quot;变调"或"变体"。这此基本色永远只能独立地出现在某个位置上，位于一个色彩序列的开端或结尾，因此在构图中永远不可能用它们作为过渡色，它们只能作为静止点和基调为各种混合色提供一个坚实稳定的参照架构，而那些不固定的紫色、绿色、橙色看上去似乎处在一种永不停歇的流动之中。 法国化学家谢弗勒尔曾提出一部关于色彩的语法，将光谱中的七种色彩当作字母，从这些色彩的关系中区分出三种对比类型：同性性对比、连续性对比和混合性对比。令人惊奇的是，他的竟然与后来的索绪尔研究语言的方法如此近似。同时性对比涉及人们在同时看到两种或多种颜色时所产生的变化，这对一些画家产生过重大影响，它主要不是一种和谐规律，而是一种结构或拓朴学，其重点在于并置的色彩所具有的关系。连续性对比则包含了眼睛对一个或数个色彩物体相继停止注视时，眼睛显现出其各种颜色的互补色的现象。混合性对比在某种程度上是前两者的综合：视网膜在看到一种颜色后，会在下一时?quot;看到"这种颜色的互补色，如果这一时刻外界又有新的颜色呈现，那么眼睛所感受到的将是上一种颜色的互补色与新颜色混合的结果。谢弗勒尔举例说：如果布商连续向买主展示十四块同样的红布，那么后面的六七块会被认为不如前面的好看，因为眼睛在连续看了七八块红布后，会自动呈现其补色绿色，这种绿色会影响对后面的那些红布的色彩体验。因此，最好的方法是，在看了七八块红布后，给他们看一些绿布，让眼睛恢复到正常状态。 实际上，同时性对比在绘画与电影中也常常被体验为后两种对比，因为眼睛在接触一幅画面时，总是从画面的一处移动到另一处，色彩依次出现在视网膜上，相互融合或抵消，这仍然是一种历时的体验。可见，连续性对比和混合性对比可以为电影家们提供从时间上配置色彩的规则，也构成一种色彩融合的生理模式。经验证明，最美的色彩乃是运动中的色彩，因为视觉场中一个运动的物体更明亮、色彩更鲜艳。这一切都在电影中有所体现：美术师如何选择色彩来构成节奏，摄影师如何掌控摄影机运动的方向和速度，直至剪辑师如何来结构一场场的戏。 在电影中，单一色彩的表意功能并不完整。色彩只有进入到结构层面才具有审美价值，只有在各个局部色调的相互关系（或者我们也可以称之为语境）中我们才能正确地理解它的意义。爱森斯坦说：除非我们能够感觉出贯穿整个影片的色彩运动的’线索’，否则我们就很难对电影中的色彩有所作为。 三． 电影作品中的色彩感受 著名摄影师斯托拉罗曾说："色彩是电影语言的一部分，我们使用色彩表达不同的情感和感受，就像运用光与影象征生与死的冲突一样。我相信不同色彩的意味是不同的，而且不同文化背景的人对色彩的理解也是不同的。 约翰内斯o伊顿在他的《色彩艺术》中指出，色彩美学可以从印象（视觉上）、表现（情感上）和结构（象征上）三个方面进行研究。色彩作为一种视觉元素进入电影之初，只是为了满足人们在银幕上复制物质现实的愿望，正所?quot;百分之百的天然色彩"。直至安东尼奥尼的《红色沙漠》的出现，这部电影被称为第一部真正意义上的彩色电影，因为"安东尼奥尼象一个画家那样处理色彩，他使用了不同技巧来分离与构成色彩，以期创造出一种特殊的现实，一种与主要人物朱丽娅娜的心理状态一致的现实。"黄色的浓烟、蓝色的海、红色的巨型钢铁机械和房间，绿色的田野显示出安东尼奥尼对工业文明的理性思考。他对色彩的处理恰如冷抽象画家蒙德里安。 这种用色彩来表现人物心理世界的方法被一些电影家们屡次成功地使用。如文德斯的《柏林苍穹下》，影片一开始是摄影机在柏林上空的一个大俯拍，这是天使的视角，用黑白影像来表现这个巨大的工业都市，同时也表现出天使与凡人在感觉上的隔阂，直到天使爱上马戏团里表演空中飞人的女郎，决心放弃天使的身份成为一个凡人，周围的世界突然有了色彩。 斯托拉罗曾花了很长时间研究色彩对人的视觉和心理产生的影响，他研究如何用色彩把人物的情绪和情感形象化，他认为当人处在黑暗或蓝色中时就需要休息，而处在光线或黄色中时就有了活力。他在《巴黎最后的探戈》中对色调的处理给人留下了深刻的印象，整个影片弥漫在扑朔迷离的黄色中，这是热情、欲望和疯狂的象征。在《旧爱新欢》中，斯托拉罗为每一个场景都设计了明确的色彩倾向，男主角的房间是绿色，女主角的房间是粉红色，客厅是白色，当两人吵架时，可以看到画面中绿色和粉红色呈现出强烈的对比。在《末代皇帝》中他用明亮的红与黄拍出了中国皇宫的金碧辉煌，给人以华丽隆重的视觉感受。此后在贝尔托鲁奇的《遮蔽的天空》和绍拉的《探戈》中，他延续了这种华美浓郁而异域情调的视觉风格，让人想起象征主义的大师莫罗。 象征无疑是表达影片意义的高度凝练而富有潜在的方式，在伯格曼的《呼喊与细语》里，那房间的红色令人印象深刻，仿佛是人的心脏，穿白袍的女人像来往于心室心房之间。正是在这内心般的空间里，艾格尼斯和她的姊妹们同受煎熬。 基耶斯洛夫斯基同样是一位善长象征地运用色彩的导演，他注重用不同色的光投射在人脸上以产生层次丰富的变化。《三色》之中数《蓝色》对影片的基调色最强调，蓝色的游泳池，蓝色的棒棒糖纸，缀着蓝色水晶珠子的灯饰，能一施笔墨的地方都不放过。然而漆成蓝色的房间显然最惹眼，并且他也多次渲染不同的光映在朱丽叶特·比诺什脸上的效果，表达她深陷于失去丈夫和女儿的悲痛中无法自拔的内心。《红色》中亮丽的女大学生瓦伦婷出现在红色的大幅广告牌上，基斯洛夫斯基按排了一位法律系的学生的重复出现，他住在瓦伦婷对街，但他们并不相识。每次他出场总会有一片红色在画面一角显露，一辆红色的轿车，一扇红色的门面，抑或一角红色的屋檐。我们通常是通过瓦伦婷的视角看到他匆匆进出的身影，他们周围的红色仿佛在暗示一份机缘近在咫尺。《薇罗尼卡的双重生命》整个运用了金黄色影调，光影斑驳，象征着一个女孩的细腻敏感的心理空间，影片整体都用了金黄色的滤色镜，所以看起来整个影调很温暖，是一种很平和的温暖，虽然它讲述的是一个忧伤的故事。法国的薇罗尼卡在屋子里被对面房子小男孩反射的耀目的红色光影唤醒，红光投射在她脸上，美伦美奂。克拉科夫的薇罗尼卡在雨中跑过水洼，逆光的镜头渲染出她出尘的美丽。晕黄的影子里薇罗尼卡在空灵的歌声中姗姗走来，她的书散落满地，正是那个两人相遇的经典场面。薇罗尼卡主观视点的镜头述尽了存在主义的意蕴。急速运动、旋转，时空的面具开始模糊，她们默默对视，人在命运面前无能为力，人此在的荒诞，都在广场上薇罗尼卡茫然无助的表情和仓皇奔跑的人们身上散溢出来。 大卫·林奇的电影常常带有魔幻的成分，《蓝丝绒》里杰弗里偷窥多萝茜，她穿着蓝色的丝绒睡袍，涂着蓝色的眼影，红唇熠熠，显得神秘而诡异，那只被割下来的爬着蚂蚁的耳朵，与死人久久地身处一室……在大卫·林奇之前也许没有导演曾那样冷酷地表现过受虐和畸形的情欲。 象这样执迷地用色彩来表达象征意义的作品还有黑泽明的《梦》，库布里克的《发条桔子》和《闪灵》等。然而近年来也有作者不满足于仅仅在象征的层面上使用色彩，他们直接尝试用色彩来编码。 在格林纳威的影片《厨师、窃贼，他的妻子和她的情人》中色彩是被编码了的，这种符码化通常包含一种整体性：蓝色--停车场，绿色--厨房，红色--餐厅，白色--卫生间，黄色--医院，金色--藏书间。在一些访谈中格林那威已谈到了这些颜色的隐喻意义。可是色彩在运作时整个跟误察错看有关。例如，影片开始时艾伯特骂乔治娜穿什么黑衣服，她说穿着蓝衣服。事实上在餐厅里她穿的是红的，而在白色的卫生间她的衣服又变白了，还带着黑色的羽饰（她看起来象是《去年在马里安巴》里的德尔芬o塞丽）。这种"运作"跟雷奈另一部片子《天命》里的色彩编码相反，在《天命》里克劳德和索尼亚的厨房是黑白相间的，而卧室、床单、酒以及跟写东西的克利夫o朗安（吉尔居饰）有关的所有东西都是红的。在格林那威这里玩笑是迈克尔在餐厅是棕褐色，在卫生间也一样。而且在影片最后，里夏尔说了一大通话，为东西是黑色要价较高，说是因为"吃黑的食物就象是消费死亡"，而被煮熟的迈克尔依然是棕褐一片。在格林那威的《一个Z和两个O》里，动物园里的各种外来动物以表示色彩编码和隐喻色彩斑澜的巨嘴鸟和极乐鸟，代表被肯定的生活，而黑白条条的斑马，代表死亡和不可思议之物；在《画师的合同》里，奈维尔的黑白色的素描，相对于被画物的华丽色彩，其功能意义亦是一样的。可是在《厨师、窃贼，他的妻子和她的情人》中，格林那威仿佛是自言自语：很好，我将把色彩予以编码，这会把懒惰的观众过来让他们轻易地混入叙事，然后我会破坏这种编码，开个把玩笑，和他们逗逗乐子。塔伦蒂诺的《落水狗》显然也有这种倾向，一伙"职业的贼"策划了一起抢劫，彼此之间不知道对方的姓名、来自何处，他们所在的仓库和车内都被刻意地涂成了白色，他们之间互相的称呼是"褐先生"、"蓝先生"、"金先生"、"白先生"、"橙先生"和"粉红先生"。 如果有足够的视觉积累，或许我们应该专门研习电影中色彩运用的风格史，而在这里我只能用斯托拉罗的话作为结束："打从原始洞穴的第一幅壁画、埃及人的第一幅画，或弗兰西斯卡开始，人们就借由特殊的风格以不同的方式来表达带有情感的故事工图像。我深信，无论何时，当你做一项设计，拍一张照片，或拍一部电影时，不管你有意无意，它都代表着两千年的历史累积?
色彩艺术在电影表现技巧中的审美价值 [摘要]本文从单色在电影视觉艺术中给人的直接感受，色彩在对比中赋予电影视觉艺术的强烈感染力以及在夸张的色彩设计中创造独特的作品寓意，进而充分体现色彩在影视艺术中的审美价值。 [关键词]色彩；视觉艺术；审美价值；和谐 [注：该文章转自[中国论文服务网 www.lunwenw.com] 原文链接：电影《赤壁》的审美价值类别及民族精神 摘要 吴宇森的《赤壁》在延续其“暴力美学”基础上，传递了丰富的审美价值类型，并在追求艺术效果的同时，颠覆了过去对历史人物的善美评判。电影《赤壁》在艺术表现上的审美价值类型，主要体现在：场景的壮美与声效的优美，男性的阳刚与女性的阴柔，叙事的冲淡与情感的纤浓，进而指出影片颠覆过去对历史人物的善美评判，暗合了民族精神——团结。 关键词 审美价值；类型，民族精神；《赤壁》 [注：该文章转自[中国论文服务网 www.lunwenw.com] 原文链接：
摘要】随着科技的日益发展，观众的日益挑剔，无论是在现实主义风格的影片中，还是在形式主义、表现主义风格的影片中，色彩变成了无可取代的电影艺术语言，既传递情感，又表现思想，既烘托气氛，又体现风格。色彩成就了中外电影人的梦想，提升了观众的审美层次。色彩是影象时代和历史进程中的催化剂，有了它，电影世界及世界的电影才有了看不尽的主题。【关键词】视觉语言 情感主题 色彩基调表现1927年，电影艺术由无声跨进了有声时代，使电影艺术更富有现实感和感染力。1935年。彩色技术首次在美国马摩里安执导的电影《浮华世界》中运用，使电影由黑白两色到彩色。不但给观众带来了全新的视觉享受，更为电影艺术增添了新的魅力。一、电影色彩简史回顾20世纪三四十年代，彩色技术在电影中得到进一步完善，能够灵活、有区别地用彩色反映现实，但受绘画的影响。摄影主张对现实对象进行艺术加工、修饰和改造，强调视觉造型形象的象征性和寓意性，追求画面气氛和意境，使银幕图像更接近绘画的要求。五六十年代，电影观念发生巨大变化，人们开始追求真实可信的银幕效果，加之这一时期，电影移动摄影的广泛应用，充分发挥了“照相本性”，彩色胶片的大量生产，为电影丰富的色彩表现提供了条件，促使电影艺术向“再现现实、接近生活”方面发展。自七八十年代始，电影技术已经成熟。表现手段日臻完善，中国电影人也开始认识到色彩的重要性，电影的色彩观念也随之进入了中国电影人的视野，并很快被付诸于实践。1979年，电影《小花》和《生活的颤音》率先对电影色彩的运用进行了有意识的探索。《小花》全片共有12个回忆性的黑白片断插入彩色片中，导演意图通过画面色彩上的对比和交叉来完成影片的叙事。《生活的颤音》同样在艺术形式上敢于突破，导演几乎把当时能看到的比较新鲜的电影技巧都用了个遍。例如现实和回忆交叉的叙事方式，升格摄影和定格等。这两部影片都使用了黑白片和彩色片交替的手法。既表现了人物的意识活动，也在剧作结构上作了一次尝试。当今。信息、科技高速发展，知识不断更新，电影艺术也在顺应着时代的潮流。满足着人们的需求与渴望。色彩也在为电影艺术的进步发挥着不可替代的作用。二、色彩的情感作用著名摄影师斯托拉罗曾经说过：“色彩是电影语言的一部分，我们使用色彩表达不同的情感和感受。就像运用光与影象征生与死的冲突一样。”张艺谋也曾经在接受记者采访时说：“我认为在电影的视觉元素中，色彩是最能唤起人的情感波动的因素。……我自已认为。从生理上说，色彩是第一性的，能马上唤起人的情绪波动。”的确，色彩是最具有感染力的视觉语言。色彩作为电影艺术造型的一个重要的视觉元素，除了能还原景物的原有色彩，同时。还能传递感情，表达情绪：色彩不但可以表现思想主题，刻画人物形象，体现时空转换、创造情绪意境，烘托影片气氛，更是构成影片风格的有力艺术手段。当然，由于人们对不同色彩有不同的生理、心理反映，这也就形成了色彩的情感作用。比如：红色——红色是太阳和火焰的色调，象征着温暖、热量，是爱情、热情、冲动、激烈等的感情象征。红色给人的视觉感受是热烈而活跃，具有蓬勃向上的感觉。红色是最强有力的色彩，在电影中偏爱红色。把红色的表现推向极致的当数我国著名导演张艺谋。他的影片《红高梁》中红红的高梁酒。《菊豆》中的染坊。《大红灯笼高高挂》中的大红灯笼，甚至《秋菊打官司》中那一串串挂在墙头上的红辣椒，都构成了一种视觉张力，象征着一种热情的生命活力。红色还象征着躁动、革命。在电影《活着》中。红色被作为影片突出的饰物和象征性的幕景。红色的皮影戏、挂着大红灯笼的赌场、红色的标语、红色的毛主席画像、红袖章、红宝书等在影片中十分醒目。在中国的民俗中。尤其是在我们的传统节日——春节中。红色是主色调，象征着喜悦、吉祥、庆典。黄色——黄色给人以明朗和欢乐的感觉，常常被用来象征幸福和温馨。黄色因明度高，容易从背景中显现出来。具有引人注目、吸引观者视线的力量和条件。在我国历史传统中，以黄色为神圣、权贵、至高无上的皇权的标志。意大利导演贝尔纳多·贝尔托鲁齐，使他的电影《巴黎最后的探戈》(由维托里奥·斯托拉罗摄影)弥漫在扑朔迷离的黄色中，这是热情、欲望和疯狂的象征。在他导演的电影《末代皇帝》(由维托里奥·斯托拉罗摄影)中，又用明亮的红与黄拍出了中国皇宫的金碧辉煌，给人以华丽隆重的视觉感受。蓝色——蓝色在心理上形成一种冷的感觉，所以象征着寒冷。兰色还包含着抑郁和忧伤的成分。歌德在《色彩理论》中曾经谈到，蓝色是一种能量。它处于负轴，最纯粹的蓝色是一种夺人的虚无，是蛊惑与宁静这对矛盾的综合体。最能感受到蓝色调的是法籍波兰电影大师基耶斯洛夫斯基的“三色”电影之一《蓝色))。影片笼罩在忧郁的蓝色之中，蓝色的游泳池，蓝色水晶样迷离的玻璃串灯饰，既为女主人公营造了一个独特的心理背景，又给观众带来了视觉的愉悦和极强的艺术感染力。张艺谋的影片《千里走单骑》中有大量展现原生态天空的镜头，那种纯粹青透的湛蓝有一种震人心魄的美丽，延续了一种回归质朴与本真的风格，以水面无波、平铺直叙的方式，反映了亲情的厚重深沉之美。绿色——绿色是自然生命中最生意盎然的色彩，也是红色的对比色，有一种平静、稳定、希望的感觉，是一种最适宜人眼睛的色彩。绿色象征着和平，代表着春天。在武侠大片《十面埋伏》中，天与地、人与物，整个画面凝合成一片壮观的绿色海洋。那片绿看得让人心动，让人神往。黑色与白色——黑色与白色是无彩色，和其它有彩色一样，也起到表达感情的作用。黑色往往使人联想到死亡、忧愁，易产生失望、黑暗、阴险、罪恶的感觉：白色使人联想到光明、清晰、神圣，易产生纯洁、淡雅、稳定的感觉。但因黑色和白色是所有色彩中明度最低和最高的色彩，所以黑色的情绪又具有低沉、凝重、庄严等感觉，白色具有虚无、冷淡、和平等感觉。但由于个人或国家或民族不同的文化传统、生活习惯和观念，也会形成差异的情感作用。例如白色在西方是纯洁爱情的象征，婚纱是白色的：而在我国则常常以白色为孝服，西方参加葬礼穿的是黑色服装。在我国传统戏剧中，红色是忠良的标志，黑色表示正值威严，白色则表示是奸诈刁滑，传统戏剧脸谱都按此规律描绘。暗黑色在影片《英雄》中，表现了秦王朝的威严与冷酷。前苏联的著名导演安德列·塔尔可夫斯基的《潜行者》，所有的空间都以黑色为基调的，就像一座凋零的废墟，就连潜行者身上的着装，也是一身黑。黑色
《一代宗师》是王家卫导演2013年的作品。这部电影看似是一部武打剧，实则是一部文艺片。整部电影值得回味的地方很多，不过秦公子今天，只想就其中的两条线来做探讨。
这两条线分别是：宗师线，和，爱情线。宗师线是这部电影的皮，而爱情线，则是这部电影的魂。
01
先来说说宗师，关于谁才是真正的宗师，是这部片子上映之后讨论最多的话题之一。
有人说是宫宝森，也就是宫二的父亲，也有人认为是叶问，还有人说，一线天也算得上。秦公子以为，“宗师”二字，“宗”代表渊源，“师”代表传承，能将一门武功传承下来，并且发扬光大，是成为“宗师”的前提，但仅此还不够。
我们回到片中，电影的时代背景，主要是在民国时期，这也是近代，中华武功的最后一个黄金时代。从后来的那部《一代宗师》的纪录片中，我们知道，导演王家卫为了致敬，并尽可能还原民国时期各门各派的武功，他花费数年时间，深入祖国各地，探访了大量的民间传人。而这部剧的演员们也都不是花拳绣腿，或者直接请替身代劳，他们全部拜在名师门下，苦练武功数载。从这个意义上讲，前面提到的宫宝森、叶问、一线天，都有徒弟、有传人，都具备成为宗师的潜力。
但是，从影片本身的推演上来看，章子怡饰演的宫二，在电影最后，给出了导演对宗师的真正定义：见自己，见天地，见众生。有人说，这不就是把“修身、齐家、治国、平天下”换了一个说法吗？秦公子以为，表述不同，道理相似。修身治国，一般指的是读书人的目标；而宫二所言，则针对的是习武之人。不过话说回来，文、武皆为表象，在中国人骨子里的集体主义和家国文化的熏陶之下，所有有识之士的终极梦想，都是苍生和谐，天下太平。
以此标准来看，真正达到宗师境界的，只有叶问一人。我想很多人会说，宫宝森不算吗？秦公子以为，尚不能算。见自己，见天地，他都做到了，但见众生，他并没有做到，至少，做的还不够好。为何？片中有两个地方给出了交代。
其一，在与叶问比武，实际上是比思想的时候，宫宝森提及叶云表的一句话，“拳有南北，国有南北吗？”，来向叶问发难。叶问则以“其实天下之大，又何止南北，勉强求全，等于固步自封，在你眼中，这块饼就是一个武林，对我来讲，是一个世界。所谓大成若缺，有缺憾才能有进步，真管用的话，南拳又何止北传呢？”。一个武林，一个世界，两种境界，宫老爷子输的心服口服。
其二，叶问去拜访本山大叔饰演的宫宝森的师兄时，本山大叔有一段关于面子与里子的精彩论述，能够看出，宫老爷子是面子，本山大叔是里子。本山大叔自称是鬼，实际上就是自嘲干了里子的事。但，他们两个人的一切努力，只是为了自家的荣誉，为了自家的武功能够发扬光大，后继有人。只可惜，这些，仍然只停留在武林层面。
反观叶问，少了一份争强好胜的狠劲，一切讲究顺其自然。但同时，又不失家国情怀，比如尽管40岁之前衣食无忧，但日寇犯华时，他拒绝当汉奸，拒吃日本米。为了生计，他南下香港避难，然后开了拳馆，最终将咏春推向全世界。
王家卫回忆说，在李小龙去世20年后，他在阿根廷一个报刊亭的一本杂志上看到了李小龙的照片。那种杂志，只有年轻人才愿意看。所以他想知道，如此影响世界的一个人，他的师父应该是什么样子的？这才有了后来的《一代宗师》这部电影。
当然，宫老爷子在与叶问过招之后，已然摒弃了家族小义，通晓了民族大义，其思想已经升华。他体面地隐退，并把名声送给叶问，尽显大师的风范，但毕竟那个时候的他，已经暮年，而叶问，则正当年。
秦公子试着总结一下，何谓宗师？有德、有才，有爱之人，方可谓之宗师。当然，是博爱的爱。
02
接下来，咱们好好聊一聊《一代宗师》里面的爱情线，爱情的爱。秦公子认为，爱情，才是这部电影的魂。
在表达中国人的爱情观方面，秦公子以为，王家卫和李安是两座其他人无法企及的高山。李安咱们以后单独分析，今天先聊聊王家卫的《一代宗师》。
有人用云和剑，代表东方人和西方人不同的表达方式，一个含蓄，一个直接。如果秦公子泛泛地说，《一代宗师》里面的爱情戏，正是中国人含蓄地表达爱情的代名词，定然不能让大家满意。
秦公子的观点是，同样是委婉，王家卫的表现手法与其他人的最大区别在于：看破不说破，如同中国画的留白一样，永远给观众留有一线遐想的空间。这种细若游丝、似有若无的感情戏，与那种平铺直叙一竿子到底、非爱即恨、甚至用力过猛的商业戏，是两种完全不同的观感。
影片最后，为悦己者容的宫二，全剧唯一一次化上了精致的妆容，尤其是那张红唇，令人印象深刻。她向叶问表达了爱意，可我们的叶先生依然没有正面回答，而是以宫父的一句话作为回应：“念念不忘，必有回响，有灯就有人，希望有一日，我可以再见宫家六十四手。”
看到这里，秦公子估计很多人的心都碎了，那漫长的镜头，哀伤的音乐，显着压抑，透着绝望。
仔细回味，我们会发现，贯穿《一代宗师》全剧，始终撩拨、提吊着我们内心的，是一根细线，那就是：明明相互爱慕，也有委婉表达，但永远浅尝辄止，始终迈不出那一步。
如同宫二所说：喜欢人不犯法，可我也只能到喜欢为止了。就让你我的恩怨，像盘棋一样保留在那儿。
叶问则全剧唯一一次肯定了自己的情感，他们之间，不是恩怨，是缘分。他说：人生如棋，落子无悔。我们之间本来就没有恩怨，有的，只是一段缘分。
当然，秦公子以为，叶先生其实是表达过两次爱意的，只是做地比较隐蔽。他借口想再次印证宫家六十四手，与远在东北的宫二鸿雁传书，但穿插的镜头，却全是两个人在金楼交手时，擦鼻尖而过，肌肤之亲的慢镜头回放。后来，东北战事吃紧，他的东北之行去不了了，准备好的大衣也卖了，但他留了一颗大衣的扣子随身带着，直到后来在香港见到宫二时送给了她。
嘴里说的是，一直想看宫家的六十四手，而实际上，这是他能够光明正大地接触宫二的唯一理由。
有人说，叶问是有夫人的，所以，他对宫二的感情只能发乎情，止乎礼。但秦公子想提醒的是，那个年代，并不是一夫一妻制。叶问的克制，也许并非全部源于君子之道。
从追求爱情的角度来说，秦公子觉得，中国的男人不及女人。中国人有句老话，叫红颜祸水；中国历代的鬼怪故事里，也都是女鬼、女妖有情有义，敢爱敢恨；反倒是所谓正人君子、穷苦书生，个个薄情薄义，翻脸不认人。
这样的人设，虽然是故事，但潜意识里，反应了中国男人和女人在爱情里面的地位和观念，女性比男性主动，但传统观念认为女人主动是不好的，所以能给她们的名分就只能是鬼或妖，专门负责勾引男人；而男性，自信心严重不足，明明心里想，但偏偏嘴不说，等着女人自投罗网。
《西游记》中，唐僧一生不曾主动爱过谁，但是往他身上扑的女人无数。为什么吴承恩先生要这么写，秦公子认为，这是中国男性潜意识里，面对爱情时不自信的一种集体心理投射，想要女人主动。
回过头，我们再来看《一代宗师》里面的爱情，我们就能理解，王家卫想要表达的，正是中国式爱情的那种感情寂灭的美感，虽然表达得有些虐心。
所以，秦公子说，王家卫的电影，特别是人物和台词，是一件构思精巧、打磨精细的艺术品，他的电影，只能品，不能看，如同中国人喝茶，要慢慢喝，想大口下去，大块朵颐的，怕是看不下去。
套用某站上一位网友的话，王家卫的电影，适合三刷、四刷，每一遍都有新的惊喜；而好莱坞的商业片，看完就只想看下一部。秦公子力挺该网友。
当然，《一代宗师》的精彩，远不止这两条线，比如色彩、服装、音乐，等等，都有可圈可点之处，但秦公子今天最想分享的，就是这两条线。
这是秦公子三刷这部电影之后的一些感受，也期待你分享自己独特的看法。咱们下期再见~
白松与樟子松最大区别，简便识别有两方面，一是 白松，树质偏白色，质地脚软有弹性；而樟子松质地比白松质地稍硬一些，树的纹路为曲线形，白松为直线；樟子松树质 偏黄色与白松在色差方面有很大的不同。
白松的品种主要有芬兰云杉，也叫芬兰松，这个种的节比较但是他的节巴比较小个，不会出现樟子松那样的大节巴，，还有油脂较少容易上漆。目前芬兰松主要产自芬、德国、瑞典等欧洲国家！东莞市 东大木业是一家大规模经营芬兰松的企业！经营的产品规格齐全，价格优惠
中国著名青年卡通形象设计师、漫画家、同时也是风水师；江西九江出生、祖籍重庆、土家族；”自幼爱好绘画，大学毕业后开始独立创作。被誉为“偶像实力派漫画家”、“设计界的王家卫”、“迪士尼风格领军人物”、“动漫交际人才”等等，擅长创作卡通兔子而闻名圈内，为超过30家国内外500强企事业单位创作商业动漫在国内声誉极高；依靠学了六年周易而给许多人做预测及观风水而在北京小有名气。2006年创作了火爆国内大街小巷的电动公仔“摇头驴”。作品《小兔东尼》获得2007 — “中国十大网络动漫形象”，2008年在武汉高新产业区成立了东尼文化传播有限公司，作品改编并开拍动画片预计2012年登陆央视，从而成为中国内地前三位根据作品改编为动画片的漫画家。作品《恐龙宝宝》与“十一五”国家课题“钱学森大成智慧教育总课题”组合作。作品《兔公爵》携手众多时尚名人打造“全球首个卡通品牌内衣”；并与北京海岚星生物科技有限公司合作开发同名胶原蛋白肽美容保健品。2010年9月协同好莱坞《钢铁侠2》一并登陆香港潮流杂志《MILK》；他是中国第一位连载漫画在著名英语报刊—《英语周报》的漫画家，他也是著名书画家、发明家、易学家、佛学家殷凤珍弟子，同时也是著名小小汽车画家何培宁的师傅。2014年开始打造少女卡通潮牌——美琳和爱莎，两只超可爱的双胞胎 兔子，一出来便和悦酷蛋糕合作，并在8月正式推出塑料公仔全国销售，10月与国内知名家纺品牌推出四件套也备受期待；白松说一定要努力把美琳和爱莎打造成中国的Hello Kitty。
作为中国最突出的一位风格化导演，王家卫的所有影片都有着一些一以贯之的风格，从工作方式（比如不提前写剧本）到电影语言的运用（手提摄像机的摇晃感、快速频繁的剪辑），从“御用演员”的偏好到电影精神主题的统一。这篇论文主要探讨的就是王家卫电影中独特的精神风格。如果说基耶洛夫斯基喜欢把他的主人公人物置于某种“处境”之中，那么王家卫则倾向于营造一种状态。这种状态包含着某种特定的的气氛、心理、精神、语言风格甚至某些影像风格。王家卫电影的独特气质很大程度上就在于对这种“状态”的不断营造和反复阐释，他将他所有电影的全部人物，都置于这种状态之中。这种状态包含着某种特定的的气氛、心理、精神、语言风格甚至某些影像风格。每一个人都在期冀，有所追求、有所寄托、有所等待，但一切又是如此飘忽不定，与期冀相伴的，也有更多失望、拒绝、两手空空。不管是《东邪西毒》中盲武士的死，还是《阿飞正传》中无腿小鸟的比喻，亦或是《春光乍泄》中永远追寻不到的远方的大瀑布，一切的一切都象征着永远的漂泊。
成功并非偶然,积累很重要,作文800字 偶然进入蚌中一粒沙，若无蚌之日日磨砺，也不会成为温润赛玉的珍珠；偶然遗于石缝一树种，若无韧如磐石之志，亦不能长成黄山上气势如虹的迎客松！ 正如——众只道是《格林童话》出版是偶然，就不知格林兄弟满心努力尽血汗！ 没有一种偶然的成功，不是用“必然”的毅志绘就；没有一种偶然的成功，不曾被“必然”的汗水沾染！ 君知否？华人名导王家卫，成就事业的偶然。青葱之年他便打工于电影公司剧本创作，郁郁不得志而度日如年，后困机缘巧合，恰有一小成本电影邀不到导演，他的毛遂自荐才成就了一段佳话。然若其无满腹的才华和过硬的电影技术，这样的“偶然自荐”又怎能成就其日后留名影史的光耀？偶然的背后是必然，我们又怎看得见他积年累月钻研电影艺术的辛酸！ 君可知，因《三杯茶》而垂名的摩尔森似偶然成名一凡人耳！事业不振，家庭不和的摩尔森只是偶然旅行至中东地区，这一为告别苦闷的举动却让他的爱心播种在那片仇恨美国人的土地！《三杯茶》中详尽地记录着这个美国人在中东地区为这个落后的世界奉献的点点滴滴。看似偶然的契机，仍是必然的铺陈，若非摩尔森心怀对其他民族悲悯、怜爱之情，又怎会愿意让爱在他乡盛放出灿烂之光！ 众只云梵高成功是偶然，却不见那个终日于阿尔小镇拥抱阳光并付出身心的青年；众只知体操王子童非成功是偶遇名师指点，却不知年少时的他在老师门前为求一见而不停地翻着跟斗；众只道周杰伦偶然被人提携而渐成为华语天王，却忘记当年的他日夜写歌，将梦积累成厚厚一叠歌词卷…… 总有一种成功被误读成“偶然”，然而其背后总氤氲着“必然”的辛酸！ 没有一种成功只倚仗着“偶然”，通向它的路上一定有“必然”的血汗！ 没有一种成功只青睐着“偶然”，成功往往铺堑着一块又一块努力的金砖！ 偶然的成功？ 请用必然的毅志绘就！ 点评： “偶然与必然”，不少考生从作文试题材料中提炼出这个观点，并作为自己作文的论点。本文是这类作文中的佼佼者。 偶然存在于必然之中，这个“必然”是什么呢？文章能否阐述充分呢？这些都在挑战着作者。本文前半部分，“君知否”“君可知”列举事实，运用繁例；“众只云……”排比三个点例。后半部分，三个排比段，用比喻的形式来揭示“偶然”背后“必然”的艰辛，揭示成功由“偶然”与“必然”组成的奥秘。 以积累为论点的议论文不少于800字 “有一分劳动就有一分收获，日积月累，积少成多.”鲁迅的这句名言带给了我深刻的启迪：成功源自于积累. 杰克·伦敦依靠自修与点滴的积累才促使他成为一个大文豪，恰恰印证了“积薄而为厚，聚少而为多”的这句古训名言，正是因为杰克·伦敦不断地积累才让他走向铺满鲜花的康庄大道，让他走向了成功. “积沙成塔，集腋成裘”这是一条最原始的谚语，但却铸就了几代人的成功.看来量的积累可以取得质的飞跃，试问，纵观古今，文坛之名士，哪一个不是依其积累才走向的成功？ 莫泊桑，曾写出了许多脍炙人口的文学名著，这都要归功于他不断地积累，每天，他都很早地出去采集素材，他将这一天所见到有趣的事，感人的事都记录了下来，并将其一一整理运用在文中，使他的文章更生动，这样如此大的成就，皆因是积累一切琐碎细微的事物才走向的成功，由此可见，成功在于积累. “聪明在于勤奋，天才在于积累”一个人成功的关键，在于一点一滴的积累，这是句耐人寻味的千古良训. 李贺是我国古代著名诗人，他清新飘逸的诗句皆在于点滴的积累，当他在与好友游玩时，遇到优美的诗句便抄在纸上，回家后又字斟句酌.积累是与成功紧密相连的，他可以决定一个人的修养，让你变得睿智而又博学. 成功的背后便是平常的点滴积累，唯有善于积累，做什么便都会得心应手，在生活中亦是如此. 我从来不屑于积累，但我却为此付出了较高的代价，在我自信满满地去参加语文作文培训班时，我自以为读的书很多，还能绰绰有余，会让他们刮目相看的，但是上课后，我被他们问得一怔一怔的，完全跟不上他们的思路，当老师提问我时，我急得满头大汗也想出什么所以然来，我恍然大悟：不注重平时的积累，就不会成功. 一朵花绽放一个春天，是因为积累了阳光；一滴露珠折射出多彩的世界，是因为它心中蓄满了彩虹；积累，让成功不再遥远！ 以"积累的重要性"为题目的语文作文 一滴水固然渺小，但成千上万滴水凝聚成的力量却可以“穿”石。 这一现象告诉我们要学会日积月累，积累看似渺小的力量，日后将会化做巨大的能量。 积累并不是一件一蹴而就的事情，它就像细密的针线活，要一针一针地慢慢缝好。 有些同学可能会厌恶考试，在考前只能拼命复习，但你们要知道，考试就是对平时所积累的知识的测验，如果没有长时间的积累，光是“临时抱佛脚”，是解决不了问题的，即便成功，那也是暂时的幸运。这就足以证明积累的重要性。 积累可以将生活中的经验加以总结，从而帮助我们更顺利地学习、生活。 那么，如何日积月累以达到从量到质的变化呢？ 首先，我们自身不能小觑渺小的力量。 当年秦始皇没有意识到两个农民领导的起义可以推翻自己的霸权；而现在的蝼蚁筑穴甚至可溃一条江堤。渺小的力量凝聚起来是强大的，可怕的。 我们只有正视这些看似渺小的事物，懂得在生活中积累的重要作用，懂得积少成多，水滴石穿的力量。 其次，我们要有一颗恒心。 有位哲人说过：“毅力是人类灵魂的最高统治者。”没错，毅力让包括人类在内的世界万物得以生生不息，蓬勃繁衍，创造了历史的辉煌。 愚公之所以能搬动大山，离不开他那坚定不移的信念和坚持不懈的决心。只有那一颗充满毅力的恒心，才能日夜把那小小的水滴砸向石头，若是某一滴水半途而废，则无法成就“石穿”。 这便可见得恒心的重要性。 但是，不小觑渺小的力量和有一颗恒心我们就能积累力量吗？我们还需要懂得积累适合自己的、正确的经验。 若是不在意把错误的东西渐渐积累，那将演变成难以变更的坏习惯，危害自己的生活。所以，我们还需要一双慧眼，选择正确的经验加以积累，以成大器。 总之，小小的水滴之所以能穿石，是因为力量的日积月累。我们在平时的生活过程中，要学会拥有一颗恒心和一双慧眼，积累渺小的力量，让它不断升华，变化成巨大的能量，才能“滴水穿石”。 积累的重要性作文950字 积累的重要巴甫洛夫在《给青少年的一封信》中，强调积累知识的重要性，他把知识的积累比作鸟儿飞翔的空气。 牛顿说过：“我之所以看得比别人远些，是因为我站在巨人的肩膀上。”牛顿固然有谦虚的成分，但他却说出了一个事实，没有先前科学巨人十年如一日的观测计算，就不会有他后来的惊人发现。 任何一门学问都离不开积累，没有积累就谈不上发现与创新，也就没有创造。哲学上说没有量变的积累，就没有质变的飞跃。 积累，好像无数的细沙与石子，没有它们的存在哪有万丈高楼的耸立；积累，好像涓涓不息的溪流，没有它们的汇聚，哪有大江大河的奔腾咆哮；积累也好像一个个的文字符号，没有它们的组合，哪有鸿篇巨制的诞生。积累是源泉，积累是力量，只有踏踏实实的积累，才有后来实实在在的收获。 只有点点滴滴的努力，才有后来轰轰烈烈的成功。积累需要勇气，需要智慧，更需要毅力。 古今中外，许多重要的科研成果，无不经历了一个从量变到质变，先积累后创造的过程。王羲之经过了“临池学书，，池水尽墨”的积累，才写出了笔走龙蛇的《兰亭阁序》；李时珍经过亲尝白草的积累，才编成了祖国的医学宝典《本草纲目》；马克思经过了二十年的资料收集整理思考，才写出了享誉全球的《资本论》；歌德经过了六十载的“笔耕”，才写出了举世闻名的《浮士德》。 凡此种种，都告诉我们一个道理：“合抱之木，生于毫末；九层之台，起于垒土”。没有经过量的积累，就妄想一步登天，一蹴而就，是不可能的。 然而在现实生活中，许多人却常常忽视积累的重要，整天做着白日梦，妄想天上掉馅饼。例如有些同学，平时不肯吃苦，不做努力，却幻想考试的时候一鸣惊人，天下哪有那么容易的事。 现在社会上炒得最红的莫过于各类选美大赛和方兴未艾的“超级女生”。不错，有些歌手暂时已经名声在外，大小舞台频频亮相。 但仅有漂亮的脸蛋和媒体的炒作是远远不够的，如果没有踏实的声乐功底和厚实的的人文素养，很快也会成为明日黄花。这样的例子并不鲜见。 “ 泰山不辞细壤，故能成其大，河海不择细流，故能就其深。” 是的，只有积累，才能有未来的飞跃；只有积累，才能在创造的花园里开出瑰丽的花朵。 以积累为话题的作文 800 领悟成功需要积累 作家就是要写作，写作，再写作。 只有在不断写作中，才能知道什么写得好什么写得不好。面对辽阔的世界，怎样用一笔概括，面对一粒沙子，怎样展开一个世界。 “读书破万卷，下笔如有神”杜甫的诗句，也可以用写作来套用，写作上万卷，下笔顺如神。 我们在台下听钢琴家演奏优美的曲子，如醉如痴，如歌如泣，如风如雨，如爱如恨，交错有序，音律活跃，真是枚不胜举。 然而，钢琴家在演奏前，日夜锻炼着，有辛酸，有泪水，有烦躁，有气，有恨，一切所谓的挫折，他（她）都得面临，每一天必抽一定的时间来炼琴，也许为了生存或生活，但是多的是出于兴趣和梦想，那就是让自己可人们享受到音乐的力量和激励。为了辉煌的时刻，付出岁月的艰辛。 我们站在达芬奇的名画《蒙娜丽莎》面前，我们惊讶，我们遐想，我们震撼，我们追忆，我们喜悦，我们思索，我们发问等等。对蒙娜丽莎的微笑产生五彩缤纷的想法，为什么呢？因为画家画得达到了极致。就犹如民间流转的故事，画龙不敢点睛，一旦点了眼睛龙就飞走了，画了九龙点了八条龙就飞走八龙，只剩下不点睛的龙。当然只是对画家的赞美，画得太神奇且美丽，就像真的有龙那样。 然而，达芬奇在画这幅名作之前，作的画不知有多少呀，有一个成为佳话的故事，就是他画蛋。一个鸡蛋粗看是圆的，或是偏园型的，但是入画的时候，却可以用不同的角度作画，使鸡蛋有千种万种的姿态。用几何学的观念，一个园可以分出许多的面，因为一个园也可以当作地球或星球那样。达芬奇从辛苦的锻炼画蛋中领悟作画的本领和意境。从此不断的开发一条光明之路。 古代有一个著名的书法家用一个湖泊来炼笔，这可想而知，他日夜锻炼笔墨的辛酸。 现在的运会将儿们，为了实现自我和为国争光的那时刻，他们曾洒下多少汗水和泪水。 曹雪芹花了10年写成《红楼梦》，如今却有上千万人砖进红学里。 司马迁花18年的岁月写成他的《史记》，并且在艰苦的环境里，让你震撼。 李时珍用27年的时间写了他的《本草纲目》，给医学留下光辉的一页。 哥白尼撰《天体运行论》用了30年，这样的精神就可以鼓舞你的人生。 马克思奋斗了40年写成《资本论》，今天中国把它捧为真理对待。 雨果写的《悲惨世界》用了30年，是人们精神的粮食。 歌德用60年的光阴来写他的《浮士德》，光光为他的耐心和写作精神就敬佩。 作家就是在写作中更生新的生命。写作就是生活，写作就是思想，写作就是精神。 没有不写作的作家，就犹如没有不弹琴的钢琴家，没有不画画的画家，没有不写字的书法家，没有不运动的运动将儿。 以"积累的重要性"为题目的语文作文 一滴水固然渺小，但成千上万滴水凝聚成的力量却可以“穿”石。这一现象告诉我们要学会日积月累，积累看似渺小的力量，日后将会化做巨大的能量。 积累并不是一件一蹴而就的事情，它就像细密的针线活，要一针一针地慢慢缝好。有些同学可能会厌恶考试，在考前只能拼命复习，但你们要知道，考试就是对平时所积累的知识的测验，如果没有长时间的积累，光是“临时抱佛脚”，是解决不了问题的，即便成功，那也是暂时的幸运。这就足以证明积累的重要性。积累可以将生活中的经验加以总结，从而帮助我们更顺利地学习、生活。 那么，如何日积月累以达到从量到质的变化呢？ 首先，我们自身不能小觑渺小的力量。当年秦始皇没有意识到两个农民领导的起义可以推翻自己的霸权；而现在的蝼蚁筑穴甚至可溃一条江堤。渺小的力量凝聚起来是强大的，可怕的。我们只有正视这些看似渺小的事物，懂得在生活中积累的重要作用，懂得积少成多，水滴石穿的力量。 其次，我们要有一颗恒心。有位哲人说过：“毅力是人类灵魂的最高统治者。”没错，毅力让包括人类在内的世界万物得以生生不息，蓬勃繁衍，创造了历史的辉煌。愚公之所以能搬动大山，离不开他那坚定不移的信念和坚持不懈的决心。只有那一颗充满毅力的恒心，才能日夜把那小小的水滴砸向石头，若是某一滴水半途而废，则无法成就“石穿”。这便可见得恒心的重要性。 但是，不小觑渺小的力量和有一颗恒心我们就能积累力量吗？我们还需要懂得积累适合自己的、正确的经验。若是不在意把错误的东西渐渐积累，那将演变成难以变更的坏习惯，危害自己的生活。所以，我们还需要一双慧眼，选择正确的经验加以积累，以成大器。 总之，小小的水滴之所以能穿石，是因为力量的日积月累。我们在平时的生活过程中，要学会拥有一颗恒心和一双慧眼，积累渺小的力量，让它不断升华，变化成巨大的能量，才能“滴水穿石”。 沉淀与积累议论文800字 沉淀与积累议论文酒越陈越香，学问亦是如此。 一学就懂，只说明觉悟高；一学就会，也只说明其聪慧通达。倘若不适当积累其所懂所会乃至所不懂所不会，恐怕此等学识，也如那一缕青烟，随风而散罢了。 纵观古今，文坛之名学名士，哪一个不是依其积累素要，再加酝酿成良文，而靠其闻名于世。古人的名垂青史，流芳百世；如今的亦是如此，这难道还不说明积累的重要性？ 书法史上的“二王”，也就是晋代的大书法家王羲之和他的儿子王献之。 他们凭借着精湛的书法技艺，颇负盛名，他们的成果无不是一点点的积累与磨练而成。王献之书法练得烦了，请求父亲讲一道练字秘诀；王羲之指着装满水的七口大缸言道：“水尽功自成！”献之用完水，方知积累与磨练唯成功之道也。 蒲松龄的一圣举：摆下茶摊，行人若能提供与他鬼神故事，就可免费喝茶休息。这一圣举助其收集了大量有关神鬼之说的素材，真可谓花尽心血，才有了今天所见的《聊斋志异》；这部作品本身更是以揭示黑暗的社会生活为要，发挥了其本身的作用。 “搞学问就像滚雪球，越滚越大，不滚就化”，这是一个怀着对科学的无限热爱与忠诚的中国科学院古脊椎动物与古人类研究员贾兰坡先生的至理名言，也为他光辉的一生缀上点点星火。北京周口店猿人遗址的发掘震惊了世界，在有战争的背景下，贾兰坡记录了周口店发掘资料，不料在“文革”中毁弃一空；正如他所说的，他依然凭借着对科学的热爱与真诚再次谱写了一个科学家的忠诚与敬业 冰冻三尺非一日之寒。 学习不是一次性的行为，而是一次长途的跋涉；求知要靠积累，而积累要在专与勤。它不是一时、一地抑或一朝一夕就能完成的，它是对我们恒心与毅力的最大考验。 人生之路颇多坎坷，求知生涯也苦汁良多；做一个有学问有求知欲的人，首要任务应属积累，不管是积累经验、渠道、“水分”、材料等等，其必是通往成功的唯一道路！。 积累的重要性作文950字 积累的重要 巴甫洛夫在《给青少年的一封信》中，强调积累知识的重要性，他把知识的积累比作鸟儿飞翔的空气。牛顿说过：“我之所以看得比别人远些，是因为我站在巨人的肩膀上。”牛顿固然有谦虚的成分，但他却说出了一个事实，没有先前科学巨人十年如一日的观测计算，就不会有他后来的惊人发现。 任何一门学问都离不开积累，没有积累就谈不上发现与创新，也就没有创造。 哲学上说没有量变的积累，就没有质变的飞跃。积累，好像无数的细沙与石子，没有它们的存在哪有万丈高楼的耸立；积累，好像涓涓不息的溪流，没有它们的汇聚，哪有大江大河的奔腾咆哮；积累也好像一个个的文字符号，没有它们的组合，哪有鸿篇巨制的诞生。积累是源泉，积累是力量，只有踏踏实实的积累，才有后来实实在在的收获。只有点点滴滴的努力，才有后来轰轰烈烈的成功。积累需要勇气，需要智慧，更需要毅力。古今中外，许多重要的科研成果，无不经历了一个从量变到质变，先积累后创造的过程。 王羲之经过了“临池学书，，池水尽墨”的积累，才写出了笔走龙蛇的《兰亭阁序》；李时珍经过亲尝白草的积累，才编成了祖国的医学宝典《本草纲目》；马克思经过了二十年的资料收集整理思考，才写出了享誉全球的《资本论》；歌德经过了六十载的“笔耕”，才写出了举世闻名的《浮士德》。凡此种种，都告诉我们一个道理：“合抱之木，生于毫末；九层之台，起于垒土”。没有经过量的积累，就妄想一步登天，一蹴而就，是不可能的。 然而在现实生活中，许多人却常常忽视积累的重要，整天做着白日梦，妄想天上掉馅饼。例如有些同学，平时不肯吃苦，不做努力，却幻想考试的时候一鸣惊人，天下哪有那么容易的事。现在社会上炒得最红的莫过于各类选美大赛和方兴未艾的“超级女生”。不错，有些歌手暂时已经名声在外，大小舞台频频亮相。但仅有漂亮的脸蛋和媒体的炒作是远远不够的，如果没有踏实的声乐功底和厚实的的人文素养，很快也会成为明日黄花。这样的例子并不鲜见。 “ 泰山不辞细壤，故能成其大，河海不择细流，故能就其深。” 是的，只有积累，才能有未来的飞跃；只有积累，才能在创造的花园里开出瑰丽的花朵。 以积累为话题的作文800字 领悟成功需要积累 作家就是要写作，写作，再写作。 ？？只有在不断写作中，才能知道什么写得好什么写得不好。面对辽阔的世界，怎样用一笔概括，面对一粒沙子，怎样展开一个世界。 ？？“读书破万卷，下笔如有神”杜甫的诗句，也可以用写作来套用，写作上万卷，下笔顺如神。 ？？我们在台下听钢琴家演奏优美的曲子，如醉如痴，如歌如泣，如风如雨，如爱如恨，交错有序，音律活跃，真是枚不胜举。 ？？然而，钢琴家在演奏前，日夜锻炼着，有辛酸，有泪水，有烦躁，有气，有恨，一切所谓的挫折，他（她）都得面临，每一天必抽一定的时间来炼琴，也许为了生存或生活，但是多的是出于兴趣和梦想，那就是让自己可人们享受到音乐的力量和激励。为了辉煌的时刻，付出岁月的艰辛。 ？？我们站在达芬奇的名画《蒙娜丽莎》面前，我们惊讶，我们遐想，我们震撼，我们追忆，我们喜悦，我们思索，我们发问等等。对蒙娜丽莎的微笑产生五彩缤纷的想法，为什么呢？因为画家画得达到了极致。 就犹如民间流转的故事，画龙不敢点睛，一旦点了眼睛龙就飞走了，画了九龙点了八条龙就飞走八龙，只剩下不点睛的龙。当然只是对画家的赞美，画得太神奇且美丽，就像真的有龙那样。 ？？然而，达芬奇在画这幅名作之前，作的画不知有多少呀，有一个成为佳话的故事，就是他画蛋。一个鸡蛋粗看是圆的，或是偏园型的，但是入画的时候，却可以用不同的角度作画，使鸡蛋有千种万种的姿态。 用几何学的观念，一个园可以分出许多的面，因为一个园也可以当作地球或星球那样。达芬奇从辛苦的锻炼画蛋中领悟作画的本领和意境。 从此不断的开发一条光明之路。 ？？古代有一个著名的书法家用一个湖泊来炼笔，这可想而知，他日夜锻炼笔墨的辛酸。 ？？现在的运会将儿们，为了实现自我和为国争光的那时刻，他们曾洒下多少汗水和泪水。 ？？曹雪芹花了10年写成《红楼梦》，如今却有上千万人砖进红学里。 ？？司马迁花18年的岁月写成他的《史记》，并且在艰苦的环境里，让你震撼。 ？？李时珍用27年的时间写了他的《本草纲目》，给医学留下光辉的一页。 ？？哥白尼撰《天体运行论》用了30年，这样的精神就可以鼓舞你的人生。 ？？马克思奋斗了40年写成《资本论》，今天中国把它捧为真理对待。 ？？雨果写的《悲惨世界》用了30年，是人们精神的粮食。 ？？歌德用60年的光阴来写他的《浮士德》，光光为他的耐心和写作精神就敬佩。 ？？作家就是在写作中更生新的生命。写作就是生活，写作就是思想，写作就是精神。 ？？没有不写作的作家，就犹如没有不弹琴的钢琴家，没有不画画的画家，没有不写字的书法家，没有不运动的运动将儿。
因为王家卫在香港的家庭是特别的厉害的，父母可以说掌管了娱乐圈的半壁江山，所以特别的狂。
相关资料：从产业特征看韩国电影振兴韩国电影振兴现象产生的社会背景经济领域，韩国接受了资本主义的经济体制，自60年代以后，经济得到了飞速的发展。1997年亚洲金融危机之后，金大中政府采取一系列务实性对策，不仅迅速从金融危机的阴影中走出来，经济发展还出现了新的局面。韩国成功地从一个农业国进入现代化国家，创造了所谓“汉江奇迹”。现代化是和都市化、工业化、教育的普及、职业分工的专业化、通信的发达等经济发展现象紧密地联系在一起并和特定的社会政治变革联系在一起的。在这个过程中，韩国城市的发展显著，都市化率从1950年的21.4%，发展到1995年的81.3%。政治领域，80年代韩国进入政治解冻期，1980年的光州事件和1986年的民主运动(注：以大学生为核心发起的两次民众民主运动，抗议军人专制政权，曾得到韩国社会各界响应，但最终被军政府血腥镇压。前者亦称光州民众斗争，后者亦称六月抗争。)使韩国独裁政府恶名昭著。1988年通过国民投票实现了向民主政权的过渡；1993年文人政府上台；接着1998年出现了堪称韩国政治史上具有划时代意义的“在野党交接政府”(注：1997年12月18日金大中在总统竞选中获胜，标志了韩国建国起第一次“政权交替”，在野党第一次成为执政党，少数党第一次战胜多数党。)的政治发展进程。长期以来在韩国社会上争论不休的政治不稳定进入90年代开始销声匿迹，整个社会慢慢进入民主化、多元化的发展进程中。政治、经济格局的变化不仅导致家庭结构的变化，而且引起了整个社会生活方式的变化。中产阶级形成并稳步扩大，文化消费在消费支出中所占比例逐渐上升。有线电视的开通、录像市场的扩大、卫星电视的前景，一方面争夺着电影观众，一方面因播放高品位电影节目而培养了观众，且它们都是以电影为核心的影像产业，这使得政府和大企业开始注意电影市场的价值。大众文化开始盛行。流行音乐乐队等开始流行，消费人群年轻化，产品包装要求提高，对大众偶像的消费需求增强。在现代韩国社会的变化过程中，青年群体又占着十分重要的位置。他们是经济现代化的主力军，在社会意识方面则是历史变革的动力。截至1995年的统计，14-24岁的青少年人口略超过900万，占总人口的20.2%。韩国政府的世界化政治战略和提倡国际竞争力的经济战略，使得整个社会普遍认为，韩国的未来命运掌握在“一个背包就能周游世界，懂电脑，会利用先进通讯设备，处变不惊，有坚强毅力，主张男女平等”的“新世代”身上。(注：金镇旭(韩)：《80年代至90年代的韩国电影》，北京电影学院硕士毕业生论文，第27页。)特别是大学生(占青少年总人口的约54.5%)(注：君冢大学(日)、吴鲁平(中)、金哲秀(韩)：《东亚社会价值的趋同与冲突》，中国社会科学文献出版社2001年，第44页。)，他们在80年代经济繁荣的环境下成长起来，有机会享受1988年奥运会以后的经济富裕和政治稳定。他们将成为韩国电影的主要消费者。在造成韩国电影振兴繁荣景象大的社会背景中，有一个因素不得不指出：韩国民众强烈的爱国心和罕见的民族凝聚力。韩国电影票房的奇迹，与韩国观众对本土电影非理性的热爱，蜂拥而上的参与行为是分不开的。许多影片如《生死谍变》、《共同警备区》的上映，媒体一律不能有批评声音，普通百姓如果不去看会被认为是“不够爱国”。当政府放宽“电影进口限额制度”时，电影人立刻示威游行，而韩国大众媒体一律给予最大的支持，结果迫使政府对电影人和民众做出妥协。笔者认为，造成这种民族特质的原因有多种：一、有史以来，韩国即为单一民族国家，没有像中国、美国等民族大融合的历史；他们认为自己的血脉最纯洁，最干净，在韩国最常见的标语是“身土不二”(注：“身土不二”是一个比较宽泛的概念。笔者根据所阅资料整理出以下两层意义：其一，它是热爱本民族的象征，对生养自己的土地抱有依恋与敬畏的复杂情感。体现在微观的经济领域上，韩国出产的商品上多印有“身土不二”，尤其是农副产品一律如此，其意类同于中国的“提倡国货”。其二，它从人与土地(自然)的关系应和谐共处而延伸成为一种民族文化精神，与我国的“天人合一”有相通之处。“身土不二”不仅是韩国传统，还是自70年代起由政府发起的“新生活运动”的具体内容，包含有城市民族化、乡村现代化的意味。)；二、20世纪屈辱的被侵占、被分裂的历史，使现代韩国人具有强烈的独立意识和民族自尊心；三、地理生存环境——如金大中所说，韩国为美、日、中、俄四大列强所包围，本身又是山多地少、资源匮乏的小国(注：李立绪：《韩国启示录——韩国经济危机实录》，企业管理出版社1998年，第385—386页。)；四、经济领域内的“汉江奇迹”所赋予的自信心；五、韩国儒教传统影响(注：中国儒教传统中，有以道德之有无来作“华夷”之辨的言论，韩国儒教继承了这种说法，甚至在某些历史阶段，把受西洋沾染的中国也视为夷。)。了解这种民族特质或者说民族文化心理现象，对于解释某些韩国电影现象是非常必要的。这种民族文化特质不是始自90年代的电影振兴现象，而是一以贯之于包括韩国电影在内的韩国民族文化当中。“从20世纪中叶以后的情况就可以看出：在朝鲜战争的危机中生存问题成为绝对的问题，从60年代到70年代，国家成为支配性的生产主体，以‘民族文化’为中心形成了‘国家主义意识形态’。相应地，韩国的现代化就意味着‘独裁下的开发’，接下来就出现了到70年代与80年代为止仍旧是‘政治问题’独占主导性言论的现象。换言之，60年代以后，文化主要是在‘理念上’被消费，而没有确保其大众性这种状况。“从这点上来看，应该说韩国文化论作为‘大众性消费品’而被生产和消费的条件具备是从20世纪80年代后期开始至进入90年代这一时期。在民主化取得某种程度的成就后，‘政治言论’的影响力下降，人们有了一点可以说说‘文化’的空闲和‘自信感’。国际化的迅速进行同时也成为一种压力，因而对自我与他人关系的设定也越发显得重要。”(注：权淑仁：《大众性韩国文化论的生产与消费》，《当代韩国》2000春季号，中国社会科学文献出版社2000年，第61页。)汉城大学比较文化研究所权淑仁教授在《大众性韩国文化论的生产与消费》一文中，探讨作为大众文化研究的“韩国文化论”缺失的原因。笔者借用这段话是想说明：韩国电影作为“大众性消费品”具备被生产和消费的条件是从20世纪80年代后期开始至90年代这一时期。韩国电影振兴现象的出现，正在于政治、经济、文化等外围环境的成熟，和电影产业内部制作、发行、放映诸环节的合理营造——其中电影制作人对类型片的有意识的推进和发展又是极其重要的一个方面。大资本的介入改变韩国电影产业格局电影资金传统上有两大来源，但进入90年代，制片投资发生了两次大变化，极大程度地影响了电影产业及电影形态。1.产业背景自50年代至90年代初，韩国电影工业基本上是以美国好莱坞电影消费市场为演变主导的。1986年韩国电影市场开放进口外国影片，迅速成为继日本之后的亚洲第二大市场，一年即发行400部以上影片。其中100部影片为本土影片，300部是进口影片。其中仅好莱坞和香港两地的娱乐片即占70%多(注：全阳骏(韩)：《韩国：电影工业、美学、新潮流》，李莲英译，《新亚洲电影面面观》，焦雄屏编，台湾远流出版公司1991年，第101页。)。80年代，韩国大电影公司将利润由对本土电影的投资全面转向进口好莱坞电影。政府虽然制定了“电影放映限额制”，但好莱坞利用美韩贸易谈判的机会，强制韩国政府采取自由化的电影政策。美国电影公司不须经过垄断进口的韩国电影公司，长驱直入韩国市场。忠武路(注：忠武路是汉城市中心的一个地名，上世纪20年代韩国电影开始以来，主要电影制片公司和主要电影院都集中于此，既是韩国电影的摇篮，在90年代中期之前也是韩国电影制作方的代名词。)是自20年代以来韩国电影制片公司的主要集中地。半个多世纪以来，他们以中小资本对抗好莱坞电影，勉强维持生产。电影资金的两大来源，一是地方发行人的预付款，二是录像版税。80年代末期的“电影自由化”政策打破了20家电影公司垄断本土电影的局面，一时间有一百家电影公司成立，活泼多姿，自由竞争，但规模既小，秩序全无，根本无力回天。韩国的电影文化也深受好莱坞电影模式影响。忠武路电影街制片模式下的商业片，多运用好莱坞的叙事策略，来服膺儒家思想，一方面取悦观众，一方面不触犯严格的电影审查制度。类型基本是通俗情节剧、古装历史剧、B级动作片和软性色情片。2.大企业涉足电影业财阀体制是韩国经济发展中的一大特色，现代、大宇等等大企业在韩国政府的支持下，对韩国经济的高速发展曾起到十分重要的作用。政府同样支持它们对文化事业的扩张。90年代初期每年都有一部绝无仅有的高票房电影，1991年是李明世执导的《我的爱，我的新娘》，1992年是金义锡执导的《结婚的故事》，1993年是创造了100万观众人次的《西篇记》。这三个由新导演创造出的票房神话，赋予了大企业信心。他们相信只要方式得当，投资电影一定可以盈利。韩国大财团纷纷投资电影业。他们首先买断版权，继而染指影院的运营、制作、流通、配送等相关环节，参与步骤比较有序。如三星、大宇、鲜京都从录像带的营销开始，在较短时间内掌握了大部分主要国外电影公司的录像带版权，在制作领域，他们则首先以购买韩国电影的录像带版权的方式来参与。大企业为迎接多媒体时代而忙于兴建新剧场或租赁已有剧场。三星、大宇、鲜京和壁山等大企业在大城市里买入主要电影院，或是建立新的复合电影院，来形成连锁的放映系统。以1997年为例，刚刚成立电影事业公司的现代集团就租赁了汉城名宝剧场的5个电影馆。有的大企业则通过与国外的电影公司联手来进军电影业。第一制糖公司向美国的梦工场投资三亿美元，得到其出品影片的亚洲地区版权；并和香港的嘉禾电影公司合作，在韩国设立了JACOM电影制作公司。大企业的介入对于只有好的创意却没有足够资金的新导演和独立制片人来说，无疑相当于雪中送炭。以前忠武路制片体系中“论资排辈、熬年头”的惯例被打破，那些从电影学校毕业或者留学归来的新导演，获得了一显身手的机会，怀才不遇的副导演、商业广告的导演们也有了意想不到的机会。李光熏由此导演了《封大夫》——1995年票房最高的国产影片；李民勇导演了《炎热的下午》——一部风格独特的女性主义影片。1994-1996年间，大企业在电影业的投资蓬勃发展，完全激活了电影市场(也为日后的不稳定埋下隐患)。电影制作体系迅速分化，出现了四种不同的电影制作体系：原有忠武路制片方式，独立制片人制，大企业直接制作方式以及独立电影。不少年轻的导演和制作人脱离了忠武路制作系统，建立了以导演为中心的独立制片人制度，如朴光洙制片、企划时代、张宇锡制片等公司。大企业都喜欢票房价值高的电影，注重迎合年轻一代观众的兴趣，对这样的电影不仅投入资金，并且要造成良好的土壤，使制作以创意为主的新电影的独立制片人能够扎下根来。他们既制作出了相对高投资的商业电影，也促使独立制作方式的低成本电影向商业领域迈进。这三年间电影面貌为之一新，既有大制作、高票房的动作喜剧片《两个警察》(Ⅰ、Ⅱ姜禹石)、浪漫喜剧片《封大夫》(李光勋)、以特技制作闻名的《银杏木床》(姜齐奎)、科幻片《木槿花开》，也有票房评论双丰收的低成本之作《时间长久持续》(金应寿)、《猪掉进井里的那一天》(洪尚秀)、《鳄鱼》(金基德)、《恐怖分子》(金永斌)、《千年的爱》，也有艺术电影如《黑土地白百姓》(裴庸均)、《花瓣》(张善宇)，女性电影如《像犀牛角一样一个人走》(吴丙哲)、《炎热的下午》(李民勇)、《妈妈有了男朋友》(金东斌)。大企业的进入，最重要的后果是，直接促成了韩国制片人制度的形成。3.风险投资进入电影业1997年亚洲金融危机爆发后，大企业自身难保，对电影的投入迅速减少，很多大企业纷纷退出电影业。只有三星是个例外，在1998年投资了6部影片，获得相当大的成功。金融危机后，财阀集团在国民经济中的地位逐渐下降，政府积极扶植中小企业。尤其是在风险投资中小企业的政策引导下，中小企业逐步开始取代财阀集团在国民经济中的主导地位。以高科技密集为特征的风险投资中小企业给韩国以往比较臃肿与僵化的产业结构注入新的活力1997年11月，通商事业部宣布电影业及相关产业属于风险投资产业。这意味着电影融资比较容易，并且可以享受减免税等优惠待遇。风险投资公司迅速占据了大企业撤资后的空缺。他们带来全新的投资概念，同时引导独立制作公司制作题材更集中的片子，并加强营销概念，电影市场日趋专业化。日信创投是忠武路上最知名的投资公司。它不仅作投资还充当投资管理者的角色。它的收益分配比例相当优惠：5∶5，而一般大企业都是6∶4。仅在1996年到1998年间，他们投资的电影就有《银杏木床》《上网》《哈利路亚》《八月圣诞节》《安静的家庭》《驱魔录》。电影政策及电影文化对电影的影响1.电影政策电影审查制度韩国电影审查制度形成于20年代日占期。八九十年代严格的审查制度严重阻碍了电影的健康发展。1996年10月4日，法庭宣布电影公映伦理委员会的审查违反宪法。这结束了70多年的电影审查制度，同时提出了新的迫切问题：建立等级分类制度。1998年，围绕新的电影法(1994年制定的《电影振兴法》)，年轻一代和保守派的分歧越来越大，问题焦点在于等级外电影专用馆和电影振兴委员会的设立。对于韩国电影来说，目前的等级分类制度毕竟提供了更宽广的题材空间和表现空间。《两个警察》系列揭露警察的违法勾当，《美丽青年全太一》批判70年代的军事独裁体制，《花瓣》揭示了80年代群众遭到镇压的“光州事件”。1999年有两部影片《黄头发》和《谎言》(张先禹)，因暴露镜头被禁，引起广泛争议。但是影片经修改勉强通过审查后，却在市场上获得巨大成功。电影放映限额制度朴正熙的军政府在1966年开始施行限额放映制度，本意是过滤掉西方的某些影响，但在以后的数年中，它却成了保护民族电影的一张安全网——政府立法规定每家电影院每年至少放映146天(具体天数后有变化)的本国电影，这就是所谓“电影季节制度”(Screen Quarter System)，本文译为“电影放映限额制度”。90年代中期以后，韩国国内几度出现主张缩小甚至取消电影放映限额制度的论调。1998年12月2日，韩国外交通商部提议，参照与美国的双边投资协议，从2002年起将106天的限额降至92天。电影界担心，如果这项提议获通过，好莱坞洪水猛兽般的商业大片将逐渐淹没本土电影。由此爆发了一场知名导演、明星发起的电影界大规模游行示威。1999年6月电影界又两次举行示威活动。韩国政府被迫让步，暂定在本土电影占有市场40%的份额之前，维持限额制度。尽管限额放映制度一定程度上损害韩国电影业的利益——韩国的电影放映量从1993年的640部降至1997年的502部，生产量从1993年的63部降至1997年的59部。但作为一种意识形态性极强、国家民族特性浓厚的特殊文化产品，电影应独立于自由贸易协定之外，似乎在美国以外的国家已达成一种共识。经济政策调控为振兴民族电影，韩国政府在90年代至少三度启动政策调控。90年代初期为鼓励大财团进入电影界制定了减免税收的电影振兴政策。1997年后实行抵押版权融资制，比如1998年，国有的电影振兴公司为10部电影作抵押版权融资，共提供30亿元韩币。这10部电影其中就有林权泽参加戛纳电影节的《春香传》。第三种举措同样重要，即是在1997年将电影业列入风险投资行业。2.电影文化的普及前文已简要提到，90年代上半期大众文化及其他娱乐媒介对电影的双重影响。流行音乐、电视剧等大众流行文化日益繁盛，观众普遍的文化素质提高，明星制初步建立等等，对电影呼唤与支持的一面毕竟大于抢夺电影观众的一面。从1995开始，韩国电影文化迎来充满活力的时期。借纪念电影诞生100周年的机会，进入90年代后一直在上升的热情终于爆发出来。1995年3月大钟奖电影节上放映了7部国外艺术电影。同年11月，电影制作公司“白头大杆”设立艺术电影专业馆，放映了前苏联电影《牺牲》、伊朗电影《何处是我朋友的家》、《橄榄树下的情人》等国际一流的艺术电影。仅仅《牺牲》一片，在一个月内就吸引了两万名以上的观众。电影发行商开始注意“艺术电影”商业化的可能。这一年，王家卫的《东邪西毒》等三部影片在韩国上映，每部电影的观众人次都达到十万以上。同时期开始，电影史上的经典影片通过有线电视进入了千家万户。借助于这些积极的市场引导与开发，以前只熟悉好莱坞和香港商业片的观众，对电影的印象和理解开始改变。大众媒体开始积极报道电影新闻和介绍电影知识。就在这一年，电影月刊《KINO》和电影周刊《CINE21》创刊，他们把韩国和国际电影界的最新消息以一种雅俗共赏的方式介绍给韩国民众。《KINO》目前已经成为韩国最权威的电影杂志。90年代中期以后在韩国掀起的电影热演变成一种电影文化热，韩国各大学相继开设了四十多个与电影相关的专业。大学里的电影讲座挤满了来自不同专业的学生。韩国国立综合艺术学院设立了电影学校，购买了完备的电影制作设备。电影节在短时期内韩国还举办了釜山和富川两个大型的电影节以及数十个小型电影节。其中釜山电影节至今已举办6届，成为亚洲最重要的国际电影节之一。釜山国际电影节创始于1996年，由釜山艺术学校、中央大学二校的电影系提议，在釜山电影界和釜山市政府的支持下获成。1996年10月的第一届釜山国际电影节就达到18.4万观众人次的良好效果。(注：金东虎(韩)：《亚洲电影发展的后盾——记釜山国际电影节》，(韩)《高丽亚那》杂志2000年春季号，中文版，第24页。)在诸多亚洲国家的电影节中，釜山电影节与众不同的战略值得重视。第一是它最初就定位于“非竞赛性电影节”，避开了与其他电影节(如国际一流电影节和同时间的东京国际电影节)之间不必要的竞争，而专注于作为亚洲电影展台和展映国际最优秀电影的作用。第二是它推出的两项特别计划。“新浪潮电影”及其扶持制度：选择亚洲新导演的第一二部作品展映，把它们推向国际舞台，并为保障这些影片在韩国境内的发行放映，给予发行商3万美元的资助；釜山振兴计划(PPP计划，开始于1998年第三届釜山电影节)：为有电影制作计划的亚洲导演和世界级的发行公司、制片人、赞助商创造合作机会，促成合作投资或共同制作或对影片后期制作提供赞助。香港的陈果、台湾的林正盛、日本的筱崎诚、中国大陆的贾樟柯、张元、王小帅等导演都从PPP计划中获益。釜山电影节对亚洲电影新人的成长，作出了切实的贡献。釜山电影节不仅为韩国电影和亚洲艺术电影提供了制作机会、拓展了电影市场，还和众多的国际电影节达至沟通，使韩国电影大批进军国际展台。仅1999年就有80部韩国电影计150次在73个国家和地区参展，其中包括戛纳电影节和柏林电影节。此外，釜山电影节本身产生了相当可观的经济效益，为釜山影视业的发展提供了重要契机。釜山市政府选择影视业为战略产业，组建釜山电影委员会，推动了釜山文献电影馆、数家多功能影院的相继建成，陆续筹建影视信息城、主题公园、动画片中心，并对与釜山相关的电影行政和财政的支持。(注：金东虎(韩)：《亚洲电影发展的后盾——记釜山国际电影节》，(韩)《高丽亚那》杂志2000年春季号，中文版，第29页。)其中包括以釜山为影片背景的《朋友》。总体来说，电影节最根本的作用在于它成为韩国大众文化生活中的一个“事件”。与报刊、电视、流行音乐等大众传媒一起，它们构筑了韩国电影振兴现象得以发生、发展的意识形态背景。3.纪录片与短片的繁盛短片和纪录片的发展，是90年代韩国电影界一个异乎寻常的重要现象。截至1999年，韩国年产短故事片300多部，并通过国内外各种电影节上映。纪录片80年代韩国曾出现一批源自大学校园的电影团体，他们标榜“独立”和“进步”，既反对官方和商业电影，也反对实验电影和作者电影，而是试图与进步的文化团体、工人阶级联合起来，拍摄纪录片，并以录像带的流通来代替商业电影发行。政治动荡的80年代末，他们在政治活跃团体、进步工会、学生会等群众团体的支持下，制作出了一批反映韩国社会矛盾的影片。“电影制作所”(1987年成立)和“劳动者制作团”(1989年成立)是其中最为重要的两个地下电影团体。前者拍摄的《理想国》(16mm，110分钟)，第一次以剧情片方式处理光州事件；1990年的《罢工前夕》(16mm，100分钟)则是以忠实刻画工人运动为内容的剧情片，成为独立电影的里程碑。因政府禁映，该片通过校园和工会礼堂自办放映，而警方甚至出动直升机投掷催泪弹来驱散观众。“劳动者制作团”则是进步纪录片的突破，他们制作了十数集每集1小时的《新闻电影》，专注于韩国工人运动的最新话题。事实上，这些电影团体建立了校园、工厂放映和录像带流通的独立发行渠道。如果说80年代的独立影片内容上着眼于工人运动，政治导向上具有强烈的反政府性，价值取向偏于集体价值、共同空间优先个人、日常空间。那么自90年代开始的独立电影则远为多元和复杂，尝试着以多种方式去反映丰富的社会生活。在纪录片方面，边英珠的《嗫嚅三重奏》(1994-1999)用二战期间沦为日军慰安妇的妇女证词来揭露性暴力和军国主义问题；李庆顺的《蒲公英》(1999)表现一位父亲在民主化斗争中痛失爱子的悲伤和勇气；洪亨淑的《本名宣言》(1998)描写一位旅日韩侨的流浪经历；朴基福的《别管我们》(1999)则以离家出走的少年和家庭暴力为素材，描写体制和反体制势力都漠然无视的社会边缘阶层。这些纪录片普遍不再以旁白或采访来引导观众，而代之以客观纪录的方式来试图还原生活本身。导演金东元自80年代末一直追踪城市开发区拆迁户的居住权问题，已拍出《上溪洞奥林匹克》(1988)、《杏堂洞的人们》(1995)和《另一个世界》(1999)三部曲。《另一个世界》拍摄了拆迁户争取到开发区居住权之后的生活，关心的焦点从特权化的意识形态转向日常生活的政治学，其关注的核心问题乃是现代社会中人与人之间的认识与沟通。笔者认为，不了解这些信息，就不可能充分认识韩国电影振兴现象，不可能细致读解韩国的类型片，如作者化的黑帮片《绿鱼》、《搏动》。短片短片的繁荣是90年代另一个重要的电影现象。80年代的年均产量不超过50部，而90年代却达到300部以上(注：南仁英(韩)：《差别美学，日常生活的政治学——评90年代韩国电影短片和纪录片》，(韩)《高丽亚那》杂志2000年春季号，中文版，第30—35页。)，其中大部分出自电影专业学生和业余电影爱好者。90年代初由三星公司出资举办的汉城短片电影节，既是短片的盛会，也是商业电影公司挖掘新人的地方。(2002年4月三星出资在北京举办了DV短片电影节。)90年代后期，韩国短片电影节增多，主要有独立电影论坛、独立短片电影节、釜山亚洲短片电影节等，很多韩国短片还参展戛纳等大量国际短片电影节，获得了较好的成绩。韩国90年代的纪录片和短片具有三个层面的重要意义：1.为主流电影业提供新的电影人才和活化电影氛围，一定程度上直接催生了韩国电影振兴现象并刺激其发展；2.在题材和表现领域上有效弥补了商业影片不敢涉足的领域，与主流商业片互为补充，并成为新的电影美学的催化剂；3.使电影产业和社会文化、艺术保持着良好的互动关系，平衡着电影作为产业、艺术和意识形态的三重功效，是韩国电影能够健康发展的深层原因之一。仅供参考，请自借鉴希望对您有帮助
论文没那么快写好的，有了那么多资料自己整理一下就可以了阿。求人不如求己了。
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浅析印刷产业的定价问题 -------------------------------------------------------------------------------- 发布时间： 2007-11-27 14:43:02 产业定价 产业价格主要是通过市场上的购买者和消费者之间的互动来形成的，他们每一周都要做出成千上万个购买决定，因此我们有必要去了解印刷产品和服务的成本价格、销售价格以及客户的购买价格在实际市场上的总体情况。这些数据均来自于美国劳动统计局公布的生产者价格指数（PPI）。在这里，我们总结了三个时期的指数，分别为2003到2004年，2004到2005年以及2005到2006年6月。 从分析中可以看出2006年上半年，物价变化的幅度已经接近或超过去年一年的总体水平，其中涨幅最大的为纸张价格，总共增长了7.1%，达到了通过膨胀增长率的两倍。 印刷油墨价格的增长速度虽然还没有超过通货膨胀，但它的增长幅度也比前几年有了明显的提高，虽然它的价格在前几年里也一直保持增长。但是在印刷行业所处的商业环境下，即便是微小的成本变化，也会对企业造成重大的影响。 降低材料成本的一个方法就是用电子文件替换印刷物品，并在生产过程中实施数字工作流程。由于计算机技术的使用成本正在不断下降（为什么没有人来关注一个这个领域的产能过剩问题？），因此人们应该尽可能地来利用这项技术。计算机技术的应用能够帮助印刷企业提高生产力，降低生产成本。 但是上面所说的解决办法并没有让印刷行业感到放松。由于几乎没有一家印刷企业能够根据通货膨胀的情况（通货膨胀率在3.0%～3.5%之间）来提高自己的价格，所以它们只能眼睁睁地看着进货成本的飙升。这种情况的出现有以下几个主要因素：首先就是原本应该流向印刷领域的资金现在却流向了其他领域。印刷需求减少迫使更多的印刷厂降低自己的价格，即便是在原材料成本上涨的情况下也不例外。这并不是一件令人高兴的事情，因此对很多印刷厂来说，降低价格是一种被逼无奈的选择，而不是一种享受。印刷厂定价能力的缺乏造成了它们利润的下降。 毫无意义的成本转移 假设大概有25%的商业印刷收入来自于纸张成本（这是一个概数，并不准确），而在纸张价格所取得的增长幅度中，又有25%来自于纸张成本的增长。那么现在我们以2006年的统计数据为例来计算一下，7.1%（纸张价格的增长服务）的25%就是1.8%，这在商业印刷价格的增长幅度中占了2.1 个百分点。而在2005年，纸张价格的增长幅度为6.8%，6.8%的25%是1.7%，这一数字相当于生产者价格指数增长总数的2.0%。但是，问题并不像我们看起来的这样简单。印刷厂的其他成本也在上涨，例如：能源、材料、医疗保健、金融、运输和员工工资等。还有一些项目的成本有所下降，例如计算机和通信成本等。 员工工资在印刷总成本中所占的比例大约为25%。私有行业的员工工资在2004、2005和2006年的增长幅度分别为2.7%、2.5%和2.8%。这一增长速度甚至高过了印刷价格的增长速度。利益成本每年的增长率为5%左右。 普通印刷产品销售的利息只有2%左右，但是我们要了解一下最低银行利率的改变。我们很容易就能找到银行利率的变化，2003年是4%，2004 年是5.24%，2005年是7.25%，现在是8.25%。但是利率从4%增长到5.25%并不仅仅意味着它增长了1.25%，而是意味着人们要多付出 31%的利息。而从4%增长到7.25%和8.25%则是付出更高的利息。 企业应该如何应对这种情况？他们已经削减了所有可以拖延或避免的花费。这是一个与通货膨胀的测量有关的问题；价格可以改变，但随着价格的改变，人们的需求也会改变。这也正是很多公司调整产品内容和市场关系的原因。在短时间内，印刷企业也许不会做出这些调整，除非它们突然进入调整期。 更换和选择也是一个问题。印刷厂和印刷购买者可以从很多种纸张中进行选择，而且也可以改变印刷品的尺寸和规格，这都会对印刷的最终成本产生影响。印刷业在用成本叠加法和预算工资法核算印刷成本时往往会忽略这些问题，而且在受到竞争影响对成本进行调整时，也没有对这些问题加以重视。印刷厂也许想把增加的所有成本都转移给客户，但如果它们采用的方法或形式不恰当，就会在降低成本的同时使生产效率也下降了，这就是我们在定价过程中最不愿意看到的情况。 人们也许已经忘记了，十年以前的印刷业可以说是一个暴利行业，当时市场对印刷服务的需求量不断增长，印刷价格也随之不断攀升，而生产成本却很低。现在印刷企业的情况与那时正好相反。虽然有一段时间人们能够通过更换和选择来降低成本，但是现在，印刷企业已经没有别的路可走了。 很多印刷购买者都减少了对印刷品的使用，转而使用电子媒体了。比如说：很多书刊的页数都下降了，印刷客户也调整了印刷或重印的频率。 有证据表明，这一切都在改变。在今年2月，我曾经用Google搜索过以“PDF”结尾的网页，最终找到了3.15亿个相关页面，而在六个月之后，我再次搜索的时候，已经能够找到6.84亿个相关页面了。其中很多网页都与小册子和已经印刷或需要重复印刷的项目有关。 还要强调的是，价格是由买家和卖家共同决定的，而不是由成本决定的，生产商之所以不能获得长期的利润，主要是因为他们常常处理不好价格和成本的关系。 有趣的是，虽然数字印刷的生产者价格指数在下降，但不是因为人们所能想到的那些原因。首先，数字印刷设备并没有从计算机技术价格的下跌中得到好处，它的定价也随着固定成本的降低而下降了。但是数字印刷的价格还是比较高，要想与传统胶印技术抗衡，它的价格还需要进一步下降。采用数字印刷技术的企业正在不断增加，因此价格的下跌已经不再是一个简单的问题了。 努力挣扎 有些印刷厂的主要客户是出版社和广告公司，因此它们会选择将增加的成本转移给客户。比如说，很多印刷厂都将价格提高到了历史最高点。报社也根据通货膨胀的情况调整了自己的定价。整个印刷行业都在努力挣扎，印刷企业所增加的价格主要取决于它们销售新媒体而不是印刷品的能力，其中，广告的价格已经没有上涨空间了。书刊出版社对于定价问题似乎处理的比较好，但实际上它对某些书刊的定价还是有些高。 广告公司和期刊出版社的价格没有随着通货膨胀的变化而变化。广告代理商要面对企业削减财政预算的状况；杂志出版社在短时间内也不能提高广告页面的价格。虽然刊例价目表的价格没有变化，但实际上杂志出版社已经让广告客户为增加的成本买单了。 价格就是市场向参与者提供产品需求和供应量信息的一种途径。毫无以为，印刷行业的成本正在上升，而且这些成本被转移出去的可能性几乎为零。没有人能够阻止成本上的涨和需求量的下降。虽然印刷购买者已经调整了自己的印刷数量、印刷频率和产品页数，但很多在上世纪九十年代安装的印刷机对不能满足人们对当今印刷品的生产要求。这也就是说，很多最新的产品都是在老式印刷机上进行生产的，因而不能达到最理想的效果和最大的收益。如果让一台印刷机来印刷它不善长的活件，那么它就不可能为企业创造利润。 彻底解决大问题 这就是印刷企业需要彻底改变经营模式的根本原因。围绕着利润进行小的改动和维修并不是正确的办法。要想彻底摆脱困境，就要下大力气进行投资和评估。 有迹象表明，印刷行业已经取得了一定的进步，最近两个月报告的发货量已经比去年同期有所增加。在对印刷企业进行改革的时候不能畏首畏尾，而是应该找准原因，对症下药。也许只有这样，我们这个行业才能继续蓬勃发展下去。资讯来源： 必胜印刷网 发布人：中国印刷网 【查看评论】(已有 0 条评论) 相关文章
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