一、写出这个词语的意思（词语的本意）二、词语本意之外的引申意义，在生活、学习、工作中的应用如何····三、对待这个词语应持的态度：是肯定还是否定？还是一分为二地去判断？是赞赏的态度还是鄙夷的态度？····················
同学，你这是需要写开题报告好写，别急
一). 建筑材料的不同,体现了中西方物质文化、哲学理念的差异。 从建筑材料来看，在现代建筑未产生之前，世界上所有已经发展成熟的建筑体系中，包括属于东方建筑的印度建筑在内，基本上，都是以砖石为主要建筑材料来营造的，属于砖石结构系统。诸如埃及的金字塔，古希腊的神庙，古罗马的斗兽场、输水道，中世纪欧洲的教堂……无一不是用石材筑成，无一不是这部“石头史书”中留下的历史见证。唯有我国古典建筑(包括邻近的日本、朝鲜等地区)是以木材来做房屋的主要构架，属于木结构系统，因而被誉为“木头的史书”。中西方的建筑对于材料的选择，除由于自然因素不同外，更重要的是由不同文化，不同理念导致的结果，是不同心性在建筑中的普遍反映。西方以狩猎方式为主的原始经济，造就出重物的原始心态。从西方人对石材的肯定，可以看出西方人求智求真的理性精神，在人与自然的关系中强调人是世界的主人，人的力量和智慧能够战胜一切。中国以原始农业为主的经济方式，造就了原始文明中重选择，重采集，重储存的活动方式。由此衍生发展起来的中国传统哲学，所宣扬的是“天人合一”的宇宙观。“天人合一”是对人与自然关系的揭示，自然与人乃息息相通的整体，人是自然界的一个环节，中国人将木材选作基本建材，正是重视了它与生命之亲和关系，重视了它的性状与人生关系的结果。 (二).建筑空间的布局不同，反映了中西方制度文化、性格特征的区别。 从建筑的空间布局来看，中国建筑是封闭的群体的空间格局，在地面平面铺开。中国无论何种建筑，从住宅到宫殿，几乎都是一个格局，类似于“四合院”模式。中国建筑的美又是一种“集体”的美。例如；北京明清宫殿，明十三陵，曲阜孔庙即是以重重院落相套而构成规模巨大的建筑群，各种建筑前后左右有主有宾合乎规律地排列着，体现了中国古代社会结构形态的内向性特征，宗法思想和礼教制度。与中国相反，西方建筑是开放的单体的空间格局向高空发展。以相近年代建造、扩建的北京故宫和巴黎卢浮宫比较，前者是由数以千计的单个房屋组成的波澜壮阔，气势恢宏的建筑群体，围绕轴线形成一系列院落，平面铺展异常庞大；后者则采用“体量”的向上扩展和垂直叠加，由巨大而富于变化的形体，形成巍然耸立、雄伟壮观的整体。而且，从古希腊古罗马的城邦开始，就广泛地使用柱廊、门窗，增加信息交流及透明度，以外部空间来包围建筑，以突出建筑的实体形象。这与西方人很早就经常通过海上往来互相交往及社会内部实行奴隶民主制有关。古希腊的外向型性格和科学民主的精神不仅影响了古罗马，还影响了整个西方世界。同时，如果说中国建筑占据着地面，那么西方建筑就占领着空间，譬如罗马可里西姆大斗兽场高为48米，“万神殿”高米，中世纪的圣索菲亚大教堂，其中央大厅穹窿顶离地达60米。文艺复兴建筑中最辉煌的作品圣彼得大教堂，高137米。这庄严雄的建筑物固然反映西方人崇拜神灵的狂热，更多是利用了先进的科学技术成就给人一种奋发向上的精神力量。 (三) 建筑的发展不同,表现了中西方对革新态度的差别 从建筑发展过程看，中国建筑是保守的。据文献资料可知，中国的建筑形式和所用的材料3000年不变。与中国不同，西方建筑经常求变，其结构和材料演变得比较急剧。从希腊雅典卫城上出现的第一批神庙起到今天已经2500余年了，期间整个欧洲古代的建筑形态不断演进、跃变着。从古希腊古典柱式到古罗马的拱券、穹窿顶技术，从哥特建筑的尖券，十字拱和飞扶壁技术到欧洲文艺复兴时代的罗马圣彼得大教堂，无论从形象、比例、装饰和空间布局，都发生了很大变化。这反映了西方人，敢于独辟蹊径，勇于创新的精神。 (四).建筑价值的不同，显现中西方审美观念的异殊。 从建筑的价值来看，中国的建筑着眼于信息，西方的建筑着眼于实物体。中国古代建筑的结构，不靠计算，不靠定量分析，不用形式逻辑的方法构思，而是靠师傅带徒弟方式，言传手教，靠实践，靠经验。我们对于古代建筑，尤其是唐以前的建筑的认识，多从文献资料上得到信息。历代帝王陵寝和民居皆按风水之说和五行相生相克原理经营。为求得与天地和自然万物和谐，以趋吉避凶，招财纳福，在借山水之势力，聚落建筑座靠大山，面对平川。这种“仰观天文，俯察地理”是中国特有的一种文化。古代希腊的毕达哥拉斯、欧几里得首创的几何美学和数学逻辑，亚里士多德奠基的“整一”和“秩序”的理性主义“和谐美论”，对整个西方文明的结构带来了决定性的影响，一切科学和艺术，它们的道路都被这种理念确定了命运。翻开西方的建筑史，不难发现，西方建筑美的构形意识其实就是几何形体；雅典帕提隆神庙的外形“控制线”为两个正方形；从罗马万神庙的穹顶到地面，恰好可以嵌进一个直径米的圆球；米兰大教堂的“控制线”是一个正三角形，巴黎凯旋门的立面是一个正方形，其中央拱门和“控制线”则是两个整圆。甚至于象园林绿化、
呵呵 可以直接选择一个方面写 我原来就是这样写的……一下例文 祝你好运蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》 。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。蒙娜丽莎的手也被称为世界上最美丽的手。但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举办“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。关于《蒙娜丽莎》还有一个传说。公元前817年，古埃及有一个叫哈歌布苏的女祭祀，非常美丽，可以预测未来。她为了给法老祈福并获得永生，她自愿被做成木乃伊，葬在胡夫金字塔的石棺中。2003年，考古队开启了她的石棺，可里面什么也没有！他们还发现，墓室墙上的古老文字，是女祭祀给自己留下的预言：她在300年后会复活，然后会有一个来自芬奇镇的画家莱昂纳多把她的微笑画下来，难道这正是达·芬奇画中的蒙娜丽莎？！这种说法很离奇，但愿在不久的将来，真相会让我们释怀。这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟,《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。
位于巴黎市中心的赛纳河北岸（右岸），是巴黎的心脏,始建于1204年，历经700多年扩建重修达到今天的规模。占地约198公顷，长680米，分为新老两部分，老的建于路易十四时期，新的建于拿破仑时代。宫前的金字塔形玻璃入口，是华人建筑大师贝聿铭设计的。。它的整体建筑呈“U”形，占地面积为24公顷，建筑物占地面积为公顷，全长680米。是世界上最著名、最大的艺术宝库之一，是举世瞩目，艺术殿堂和万宝之宫。同时，卢浮宫也是法国历史上最悠久的王宫。 王宫最初始建于12世纪初，从15-18世纪历经4次改建和扩建。中院的东立面是古典主义风格，最为人们推崇。法国总统密特朗请美国华裔建筑师贝聿铭设计金字塔形透明屋顶。藏品中有被誉为世界三宝的《维纳斯》雕像，《蒙娜丽莎》油画和《胜利女神》石雕,像更有大量希腊、罗马、埃及及东方的古董，还有法国、意大利的远古遗物。陈列面积万平方米，藏品万件。曲折历史 卢浮宫有着非常曲折复杂的历史，而这又是和巴黎以至法国的历史错综地交织在一起的。人们到这里当然是为了亲眼看到举世闻名的艺术珍品，同时也是想看卢浮宫这座建筑本身，因为它既是一件伟大的艺术杰作，也是法国近千年来历史的见证。这里曾经居住过50位法国国王和王后，还有许多著名艺术家在这里生活，他们有的在这里寿终正寝，有的被谋杀，死于非命，血溅卢浮宫。 卢浮宫始建于1190年，当时只是菲利普·奥古斯特二世皇宫的城堡。在十字军东征时期，为了保卫北岸的巴黎地区，菲利普二世于1200年在这里修建了一座通向塞纳河的城堡，主要用于存放王室的档案和珍宝，同时也存放他的狗和战俘，当时就称为卢浮宫。查理五世时期，卢浮宫被作为皇宫，因而使它成为完全不同的一座建筑物了。在以后的350年中，随着王室贵族们越来越高的寻欢作乐的要求，他们不断增建了华丽的楼塔和别致的房间。然而在其后的整整150年间，卢浮宫却并无国王居住。 16世纪中叶，弗朗西斯一世继承王位后，便把这座宫殿拆毁了。他下令由建筑师皮尔莱斯科在原来城堡的基础上重新建筑一座宫殿。弗朗西斯还请当时著名的画家为他画肖像，他崇拜意大利派的画家，购买了当时意大利最著名的画家法埃洛的绘画。包括《蒙娜丽莎》等珍品。 弗兰西斯一世的儿子亨利二世即位后，把他父亲毁掉的部分重新建造起来。亨利喜爱法国文艺复兴时期建筑艺术的装饰，对意大利式的建筑并不感兴趣。他沿袭了父亲的嗜好，但却没有他父亲一样的审美观。 亨利四世在位期间，他花了13年的功夫建造了卢浮宫最壮观的部分――大画廊。这是一个长达300米的华丽的走廊，走廊非常长，亨利在这里栽满了树木，还养了鸟和狗，甚至在走廊中骑着马追捕狐狸。 路易十四是法国历史上著名的国王，他被称为太阳王。他登基时只有5岁，在卢浮宫做了72年的国王――法国历史上最长的时代。路易十四把卢浮宫建成了正方形的庭院，并在庭院外面修建了富丽堂皇的画廊。他购买了欧洲各派的绘画，包括卡什代、伦勃朗等人的作品。他一生迷恋艺术和建筑，致使法国的金库空虚。 路易十六在位期间，爆发了著名的1789年大革命，在卢浮宫“竞技场”院子里建立了法国革命的第一个断头台。1792年5月27日，国民议会宣布，卢浮宫将属于大众，成为公共博物馆。这种状况一直延续了6年，直到拿破仑一世搬进了卢浮宫。拿破仑在这座建筑的外围修建了更多的房子，并增强了宫殿的两翼，还在竞技场院里修建了拱门，拱门上的第一批雕刻马群是从威尼斯的圣马可教堂上取下来的。 拿破仑以前所未有的方式装饰卢浮宫，他把欧洲其他国家所能提供的最好的艺术品搬进了卢浮宫。拿破仑不断地向外扩张，并称雄于欧洲，于是几千吨的艺术品从所有被征服的国家的殿堂、图书馆和天主教堂运到了巴黎。拿破仑将卢浮宫改名为拿破仑博物馆，巨大的长廊也布满了他掠夺来的艺术品。在卢浮宫里，拿破仑的光彩持续了12年，一直到滑铁卢战役的惨败。 对拿破仑来说，每一幅天才的作品都必须属于法国。这样的观点是德国人、意大利人、西班牙人和荷兰人所不能接受的。拿破仑失势后，他们来到卢浮宫，约有5000件艺术品物归原主。但由于法国人的外交手段及法国人的说服力，仍然有许多他掠夺的艺术品被留在了卢浮宫。 拿破仑三世是一位野心勃勃的皇帝，他是卢浮宫建造以来所遇到的投资最多的“建筑人”，5年内的建筑比所有的前辈在700年内修建的还要多。3个世纪以前想到的宏伟的设计图留给了拿破仑三世来完成，当它竣工后，卢浮宫变成了皇家庆祝活动的场所，富丽堂皇是拿破仑三世修建任何东西的特点。这样，直到拿破仑三世时，卢浮宫整个宏伟建筑群才告以完成，前后将近600年。 卢浮宫的场馆各馆简介据统计，目前卢浮宫宫殿共收藏有40多万件来自世界各国的艺术珍品。法国人将这些艺术珍品根据其来源地和种类分别在六大展馆中展出，即东方艺术馆、古希腊及古罗马艺术馆、古埃及艺术馆、珍宝馆、绘画馆及雕塑馆。其中绘画馆展品最多，占地面积最大。卢浮宫区有198个展览大厅，最大的大厅长205米。显然，用一天两天的时间根本无法欣赏全部的稀世珍品。因此，如果你要参观卢浮宫，得先制订一个计划，逐个参观六大展馆，切忌仓促地走马观花。如果时间充裕的话，可细细品味；如果时间较紧的话，可选择有代表性的艺术展品观赏。 东方艺术馆 东方艺术馆建于1881年，共有24个展厅，3500件展品。这些展品主要来自西亚和北非地区，包括叙利亚、黎巴嫩、巴基斯坦、伊朗等国。这些展品出自十分久远的年代，如公元前2500年的雕像、公元前2270年的石刻、公元前2000年烧制的泥像等。其中带翅膀的牛身人面雄伟雕像（公元前8世纪）最为有名，曾在杜尔·沙鲁金（现为伊拉克赫尔沙巴德）守卫过亚述国王萨尔贡二世的宫殿大门。这些巨大的牛身人面像来到法国经历过一段曲折的历史。1843年，法国人保罗－埃米尔·博塔发现了这些雕像，冒着各种危险将它们运到巴黎。其中两个雕像于1847年陈列在卢浮宫内的世界上第一个亚述博物馆中，第三个雕像在浅盐湖的船舶失事中幸免于难，于1856年运到巴黎。第四个雕像则沉入湖底，是用石膏塑像替代的，第五个雕像是惟一的一头头部转向参观者的公牛。在“东方古文博物馆”第四厅，有一件我们比较熟悉的文物：《汉谟拉比法典》，该法典出自公元前2000年左右的巴比伦，共282条，以锲形文字刻在一块黑色玄武岩上。玄武岩高米，中部为282条法令全文，上部的人物像是坐着的司法之神向站着的汉谟拉比国王亲授法律，国王则右手致答谢，以示对神授的法律表示尊敬。 古埃及艺术馆 古埃及艺术馆建立于1826年，早于东方艺术馆，共有23个展厅，收藏珍贵文物达350件。这些文物包括古代尼罗河西岸居民使用的服饰、装饰物、玩具、乐器等。这里还有古埃及神庙的断墙、基门、木乃伊和公元前2600年的人头塑像等。 古希腊与古罗马艺术馆 古希腊与古罗马艺术馆建成的时间更早，大约在1800年向公众展出，其藏品更多，大约有7000余件。古希腊与古罗马艺术馆的藏品以法国王室的收藏品为基础。拿破仑率领的法军在意大利获胜后，劫获了许多意大利的古代艺术品，将之运回法国充实卢浮宫。后来，法国又从各方面不断丰富里面的收藏品。雕塑在该馆内占有主导的地位，雕塑品包括大理石、铜、象牙等。在古希腊和古罗马艺术馆中，有两件备受世人赞美的最瞩目的不朽作品，一是“萨姆特拉斯的胜利女神”，二是爱神“维纳斯”。“萨姆特拉斯的胜利女神”创作于公元前3世纪，高米，站在一座石墩上，是座无头无手的雕像，1863年从萨姆特拉斯岛的神庙废墟中发掘出来。该雕像尽管已失去了手和头，但看得出她正迎风展翅，昂首挺胸，向世人宣告一场战争的胜利。根据研究，这是雕塑家为纪念希腊罗地岛的一场胜利海战而制作的。胜利女神迎风微微前倾身躯，健美的胸部披着薄薄的长袍，体魄健壮而又不失轻灵，富有质感。女神虽然失去了头部和双臂，但在人们的眼里它仍是完整完美的。现在，胜利女神每天受到成千上万人的瞻仰，成为已知雕像中表现热情奔放与动态的最完美的作品。“维纳斯”对于人们来说更加熟悉了。她身高米，创作于公元2世纪。她是希腊的美神，不知倾倒了多少崇拜者，她的周围每天挤满了观众。她半裸着身躯，极为端庄、自然，被认为是表现女性美的最杰出的作品。“维纳斯”能收藏在卢浮宫是很偶然的。1820年，希腊爱琴海米洛岛上的一位农民在挖土时发现了一尊美神。消息传出，正好有一艘法国军舰泊在米洛港，舰长得知消息后立即赶到现场，想买下，却没有现金。结果，“维纳斯”被一位希腊商人买下，并准备运往君士坦丁堡。眼见宝物就要失去，法国人不甘心，立即驱舰前去阻拦。双方发生了混战，结果使珍品遭到损坏，雕像的双臂被打碎。双方争执不下，后由米洛地方当局出面解决，由法国人用钱买下雕像，贡献给法国国王。就这样，“维纳斯”被运到法国，在当时立即引起轰动。绘画馆 卢浮宫绘画馆所收藏的绘画之全、之珍贵是世界上各艺术馆不能比拟的。绘画馆共有35个展厅，2200多件展品，其中三分之二是法国画家的作品，三分之一来自外国画家，14~19世纪的各种画派的作品均有展出。比较杰出的作品有：富凯的《查理七世像》（15世纪）、达·芬奇的《岩间圣母》（16世纪）、拉斐尔的《美丽的园丁》（16世纪）、勒南的《农家》（17世纪）、里戈的《国王路易十四像》（18世纪）、路易·达维德的《拿破仑一世在巴黎圣母院加冕大典》（19世纪）、德拉克鲁瓦的《肖邦像》（19世纪）、安格尔的《土耳其浴室》（19世纪）等。 有所有绘画作品中，最为杰出、最受人瞩目的自然是达·芬奇在1503年完成的不朽杰作《蒙娜丽莎》。《蒙娜丽莎》被置放在卢浮宫二楼中间的一个大厅中，外面用玻璃罩着，显然是特别的保护。玻璃罩周围射出的柔和的灯光，足以使观众看清画面的各个细节。《蒙娜丽莎》又称《永恒的微笑》，被认为是西欧画史上首幅侧重心理描写的作品。蒙娜丽莎端庄俊秀，脸上含着深沉、温和的微笑。那微笑有时让你觉得温文尔雅，令人陶醉；有时仿佛内含哀愁，似显凄楚；有时又略呈揶揄之状，虽则美丽动人却又有点不可接近……更妙的在于，在这幅名画之前，不论你从哪个角度看，她那温和的目光总是微笑地注视着你，生动异常，仿佛她就在你身边。 雕像馆 雕像馆成立于1817年，共有展厅27个，展品1000多件，多为表现宗教题材的作品，部分为表现人体和动物的作品。在这里可以看到着色髹金的木刻《基督受难头像》、《十字架上的耶酥》、《圣母与天使》、意大利的雕塑《圣母与孩童》、17世纪的《童年时期的路易十四》，18世纪的名人像《伏尔泰》，19世纪的群塑《舞蹈》等。 珍宝馆 珍宝馆原来是雕像馆的一部分，后来由于珍藏品增多，1893年便独立组成展馆。最初，珍宝馆的展品主要是大革命时从王室没收而来的珍宝。后来，博物馆组织人马到处收购，加之有人捐赠，展品便大大丰富，现在有展品6000多件。其中有重达137克拉的大钻石，有镶满宝石的王冠，还有镀金的圣母像、历代王朝王室的家具、装饰用具等。 建筑结构 卢浮宫博物馆闻名天下，不仅仅在于她的展品之丰富、之珍贵，更在于博物馆本身便是一座杰出的艺术建筑。 据统计，卢浮宫博物馆包括庭院在内占地19公顷，自东向西横卧在塞纳河的右岸，两侧的长度均为690米，整个建筑壮丽雄伟。用来展示珍品的数百个宽敞的大厅富丽堂皇，大厅的四壁及顶部都有精美的壁画及精细的浮雕，处处都是呕心沥血的艺术结晶，让人叹为观止。参观这座艺术殿堂也够得上一次难以忘怀的美好享受。 在卢浮宫几百年的历史发展过程中，最初一直是比较分散的建筑群，并没有像今天这样形成一个整体。这种情况到1981年后得到了改变，1981年9月，弗朗索瓦·密特朗在当选为法兰西共和国总统后举行的一次记者招待会上许诺：“让卢浮宫恢复原来的用途”，这指的是让财政部搬出“黎塞留侧翼”。 “黎塞留侧翼”建于1852~1857年间，长195米，宽80米，是卢浮宫的一个组成部分，自1871年以来一直由财政部占据。1989年7月当时的财政部长爱德华·巴拉迪尔在再三请求下方才离开这赏心悦目的地方。 “黎塞留侧翼”的收回及开放，一下子使卢浮宫增加了万平方米的展览面积、3个庭院和165个新展厅，共展出艺术品万件，其中3000件是从存放室取出的，卢浮宫博物馆的展品由此大大增加。 “金字塔” 密特朗总统对卢浮宫博物馆做出的另一贡献是邀请著名的美籍华裔建造师贝聿铭为博物馆设计新的入口处。贝聿铭先生经过深思熟虑，提出建造一个“金字塔”的方案。这座“金字塔”为卢浮宫博物馆，也为巴黎市增加了新的耀眼的光彩。有了这座“金字塔”，观众的参观线路显得更为合理。观众在这里可以直接去自己喜欢的展厅，而不必像过去那样去一个展厅而要穿过其他几个展厅，有时甚至要绕行七八百米。一个现代的博物馆，后勤服务设施一般占总面积的一半。过去卢浮宫博物馆只有20%的面积用于后勤。有了这座“金字塔”，博物馆便有了足够的服务空间，包括接待大厅、办公室、贮藏室以及售票处、邮局、小卖部、更衣室、休息室等，卢浮宫博物馆的服务功能因此而更加齐全。
我只知道区别 中国建筑中具有审美价值的特征形式和风格。自先秦至19世纪中叶以前基本上是一个封闭的独立的体系，2000多年间风格变化不大，通称为中国古代建筑艺术。 19世纪中叶以后，随着社会性质的改变，外国建筑，特别是西方建筑的大量输入，中国建筑与世界建筑有了较多的接触和交流，建筑风格发生了急剧变化，通称为中国近现代建筑艺术。 中国古代建筑艺术 中国古代建筑艺术在封建社会中发展成熟，它以汉族木结构建筑为主体,也包括各少数民族的优秀建筑,是世界上延续历史最长、分布地域最广、风格非常显明的一个独特的艺术体系。中国古代建筑对于日本、朝鲜和越南的古代建筑有直接影响，17世纪以后，也对欧洲产生过影响。 艺术特征 和欧洲古代建筑艺术比较，中国古代建筑艺术有3个最基本的特征: ①审美价值与政治伦理价值的统一。艺术价值高的建筑，也同时发挥着维系、加强社会政治伦理制度和思想意识的作用。 ②植根于深厚的传统文化，表现出鲜明的人文主义精神。建筑艺术的一切构成因素，如尺度、节奏、构图、形式、性格、风格等，都是从当代人的审美心理出发，为人所能欣赏和理解，没有大起大落、怪异诡谲、不可理解的形象。 ③总体性、综合性很强。古代优秀的建筑作品，几乎都是动员了当时可能构成建筑艺术的一切因素和手法综合而成的一个整体形象，从总体环境到单座房屋，从外部序列到内部空间，从色彩装饰到附属艺术，每一个部分都不是可有可无的，抽掉了其中一项，也就损害了整体效果。 这些基本特征具体表现为： 重视环境整体经营 从春秋战国开始，中国就有了建筑环境整体经营的观念。《周礼》中关于野、都、鄙、乡、闾、里、邑、丘、甸等的规划制度，虽然未必全都成为事实，但至少说明当时已有了系统规划的大区域规划构思。《管子·乘马》主张，“凡立国都，非于大山之下，必于广川之上”，说明城市选址必须考虑环境关系。中国的堪舆学说起源很早，除去迷信的外衣，绝大多数是讲求环境与建筑的关系。古代城市都注重将城市本体与周围环境统一经营。秦咸阳北包北坂，中贯渭水，南抵南山，最盛时东西达到二三百里，是一个超级尺度的城市环境。长安（今陕西西安）、洛阳（北魏）、建康（今江苏南京）、北京（明清）等著名都城，其经营范围也都远远超过城墙以内；即使一般的府、州、县城，也将郊区包容在城市的整体环境中统一布局。重要的风景名胜，如五岳五镇、佛道名山、邑郊园林等，也都把 环境经营放在首位；帝王陵区，更是着重风水地理，这些地方的建筑大多是靠环境来显示其艺术的魅力
呵呵 可以直接选择一个方面写 我原来就是这样写的……一下例文 祝你好运蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》 。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。蒙娜丽莎的手也被称为世界上最美丽的手。但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举办“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。关于《蒙娜丽莎》还有一个传说。公元前817年，古埃及有一个叫哈歌布苏的女祭祀，非常美丽，可以预测未来。她为了给法老祈福并获得永生，她自愿被做成木乃伊，葬在胡夫金字塔的石棺中。2003年，考古队开启了她的石棺，可里面什么也没有！他们还发现，墓室墙上的古老文字，是女祭祀给自己留下的预言：她在300年后会复活，然后会有一个来自芬奇镇的画家莱昂纳多把她的微笑画下来，难道这正是达·芬奇画中的蒙娜丽莎？！这种说法很离奇，但愿在不久的将来，真相会让我们释怀。这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟,《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。
据《纽约时报》报道，阿联酋阿布扎比卢浮宫分部“价值”亿美元，与亚特兰大的合作项目中美方的投资也达亿美元。 “我们为保存和展示我们丰富的艺术遗产而担心，难道我们非得用艺术品来作流通交换吗？”三位法国顶尖艺术史学家在法国当地报纸《LeMonde》上联合撰文抱怨，像拉斐尔这样的珍贵艺术品都被送到了“可口可乐之城(可口可乐总部位于亚特兰大)，只是为了亿美元”。作者们同时抱怨法国政府与阿布扎比的合作项目是一件“送给石油之国的外交礼物”。而在法国的奢侈品市场中，来自海湾国家的消费不可小觑，财大气粗的海湾国家也是空中巴士的最大潜在买家。 卢浮宫总监昂瑞·劳瑞特告诉当地媒体《LeMonde》，如果项目合作顺利，阿布扎比将从卢浮宫借得各个历史文明时期的展品，并有权暂时借用卢浮宫的名称。“不必为这些文化异常的举动寻找理由。”但法国当地报纸《解放》在社论中毫不客气地批评道，“石油很昂贵，所以空中巴士也可以卖得更快些。” 事实上，卢浮宫很早开始出借艺术作品，其中包括与卢浮宫深度合作的亚特兰大艺术博物馆，他们之间的深度合作项目也远远超出了博物馆的展品出借。许多艺术界人士担心卢浮宫将疲于奔命，品牌含金量下降。在阿布扎比的计划中，阿拉伯联合酋长国计划耗资270亿美元在无人居住的小岛上建立起联合文化区域，希望能吸引5个世界顶级艺术博物馆进驻，以把该处转变为旅游胜地。法国一家著名的艺术网站创办人收集了1400个反对签名，“政府正在以抢劫的方式利用艺术品推动法国的对外贸易和外交热度。” 但法国国家博物馆服务中心总监弗朗西丝·玛丽阿尼－杜勒辩称，法国有义务分配它的各种艺术财富，“我们的艺术作品应该在全世界流通。” 谢谢康辉神游假期
卢浮宫博物馆（Musée du Louvre）是位于法国巴黎的著名艺术博物馆。博物馆所在的卢浮宫是原法国王宫，位于巴黎市中心塞纳河边。卢浮宫拥有的艺术收藏达40万件，包括雕塑，绘画，美术工艺及古代东方，古代埃及和古希腊罗马等7个门类。卢浮宫最早作为博物馆向公众开放是在1793年11月8日，法国大革命期间。 卢浮宫始建于12世纪末，最初是用作防御目的的城堡，后来经过扩建、修缮逐渐成为一个金碧辉煌的王宫。目前，卢浮宫整个建筑群和广场及草坪总共占地45公顷，展厅面积大约为138000平方米，卢浮宫收藏了人类艺术古代部分的精华，有著“人类文明发展的总索引”之誉。 而就卢浮宫本身来说，她就是一件伟大的艺术品，整个的卢浮宫是一个有著美丽花园的新古典式宫殿，主体建筑带有长廊，廊柱间有精美的雕刻作为装饰，显得古朴端庄，精致典雅。卢浮宫目前已经成为世界三大博物馆之一，其艺术藏品种类之丰富，档次之高堪称世界一流。其中最重要的镇宫三宝是世人皆知的：《米洛的维纳斯》，达芬奇的《蒙娜丽莎》和《萨莫特拉斯的胜利女神》。其他著名作品还有：《狄安娜出浴图》、《丑角演员》、《拿破仑一世加冕礼》、《自由之神引导人民》、《编花带的姑娘》等。现在的卢浮宫入口处，是美籍华人建筑家贝聿铭先生设计的，造型好似埃及的金字塔，顶部尖尖而底部阔大，用多块透明玻璃拚凑而成，目的是采光。我们沿着这个玻璃金字塔的台阶从地平面走至地下，地下的大厅出乎意料地宽阔而明亮。从大厅的一角，沿着楼梯上上下下曲里拐弯地一走，就进入了卢浮宫的展览大厅。卢浮宫里的雕塑大厅，也是一间连着一间，这些大厅组成了一条直线，间与间之间都有拱形的天花板相连。站在一系列大厅的这一边，向前面望去，气派庄严而又辉煌。
The Louvre, in its successive architectural metamorphoses, has dominated central Paris since the late 12th century. Built on the city's western edge, the original structure was gradually engulfed as the city grew. The dark fortress of the early days was transformed into the modernized dwelling of François I and, later, the sumptuous palace of the Sun King, Louis XIV. Here we explore the history of this extraordinary edifice and of the museum that has occupied it since 1793. The Louvre: A Rich Past, An Ambitious Future "Open to all since 1793": From the outset, the Louvre has embodied the concept of a truly "universal" institution. Universal in the scope of its collections, it is also universal in its appeal to some 6 million visitors every year: a 21st-century museum rooted in 200 years of innovation. The Mission of a Great Museum The principle responsibility of the Louvre is to conserve, protect, restore, and develop France's national art treasures, from the early royal collections to the most recent acquisitions. In carrying out this task, the museum’s scientific and academic staff displays steadfast commitment and universally recognized priceless artworks housed in the Louvre are held for the benefit of present and future generations. Hence the vital importance of the museum's mission to make these works available to the greatest number of people possible, from France and all over the world. To do this, it is our job to ensure that every visitor enjoys the best facilities possible. But it is also essential to promote cultural access: to do as much as we can to help each visitor to approach, understand, and enjoy the works they have come to see. With this in mind, we are committed to extend the range of information available at the Louvre in languages other than French, to further develop the museum's wide range of educational resources and activities, and to make our buildings and collections more easily accessible—in every sense—to people with disabilities and to new audiences. A National and International Presence The Musée du Louvre and its associated institutions (the Musée Eugène Delacroix and the Tuileries gardens) work hard to provide the best possible service for our visitors. We are also increasingly involved in efforts to encourage access for people who might feel—for whatever reason—that museums are "not for them."In France, the organization of traveling exhibitions and loans are central to this initiative. Another important project is the plan for a regional branch of the Louvre in the town of Lens, in the Nord-Pas de Calais region (scheduled for 2008). The museum's northern branch will feature innovative displays of works from the national collections, including its own semi-permanent collection, and an ambitious program of temporary Louvre’s role as an international center for cultural heritage is, I believe, equally important. The museum loans works to over one hundred institutions worldwide every year. In addition, the Louvre has encouraged the creation of the American Friends of the Louvre and the Grand Louvre au Japon: two bodies working to support the museum and promote its activities to their respective publics. The Louvre has also formed innovative partnerships with “emerging” museums abroad, such as Atlanta's High Museum of Art in the United States. In the Middle East, we are actively involved in important archaeological excavations. A 21st-Century Museum The cut-off point for the Louvre's collection is 1848—a crucial year in French and world history—but the museum is by no means an institution of the past. Since 1989, when the Grand Louvre project doubled our gallery space, we have continued to forge ahead with new plans and have developed an innovative and highly effective Web site, a veritable "virtual museum" to complement the palace building and its have extended a whole-hearted welcome to contemporary art, with temporary exhibitions, and a program of events and installations throughout the museum, facilitating the essential dialogue between the "Old Masters" and living , the Louvre continues to develop and refurbish new spaces, drawing on the latest concepts in architecture, museum design, and museum-based education. In particular, this involves the new Department of Islamic Art (scheduled to open in January 2009), the Cour du Sphinx, and the 18th-century collection of the Department of Decorative Arts. The museum is actively seeking sponsors to help realize these ambitious implement and carry forward its many projects, the Louvre has modernized its management structure and secured a contractual agreement with the French Ministry of Culture and Communication ensuring autonomous control of its human and financial resources, on the condition that it attains the objectives of a public is the multifaceted museum—vast, yet intimate and open to all—that I invite you to discover.
例文1： 还记得10年前，大学老师组织全班同学去上海一家博物馆看展览。博物馆里的藏品很精彩，大家纷纷举起相机选角度、拍细节。这时几个保安走了过来，我和同学们有些惊慌地收起了相机，没想到保安冲我们笑笑，抬手一指：“那个好看，你们快去拍!”那一刻，真有一丝受宠若惊的感觉。10年过去了，当手机渐渐代替了相机，当人们逐渐有了逛博物馆的习惯，在博物馆里是否应该拍照又成为了社会议论的热点。近日，英国国家美术馆打破了多年的禁令，开始同意观众在场馆里拍照。《每日电讯报》艺术版主编Sarah Crompton就此事撰文，批评博物馆的这项政策，“允许展厅拍照的政策迎合了匆匆过客，却背叛了所有渴望凝望和沉思的观众。”针对在博物馆里是否允许拍照这个话题，大家有着不同的观点。部分观众认为，在关闭声音及闪光灯的前提下，博物馆作为公共空间，当然应该允许拍照。也有人认为，即使关闭闪光灯，拍照对文物还是会有损伤，也会给其他观众带来不便，博物馆的网站上可以放一些高清的图片供有需要的人下载。可是，由于种种原因，网上的图片往往精度欠佳，展览的画册又价格昂贵，对于有研究需要的人来说，也许更希望通过自己的相机去记录。其实，在大多数博物馆已经允许拍照的今天，拍还是不拍，并不仅仅是政策问题，而是个人选择的问题。如果我们在博物馆里观察一会儿，不难发现有3种观众，一是走马观花，匆匆而来又匆匆而去，奔到“镇馆之宝”前拍下一张，再比个剪刀手把自己和文物来张自拍，发上朋友圈“到此一游”;二是带着特定的研究目的，对着一件作品选取多个角度，拍完全景拍细节，带回家去细细欣赏;三是干脆不带相机，驻足流连，或安静观赏或热烈讨论，看完了心满意足地离开。当我们来到博物馆，举起相机按下快门之前，是否应该先问问自己，我属于哪种观众呢?例文2：拍照也是参观王川(江苏镇江市文联副主席、画家)前几天，我刚刚从莫高窟博物馆回来，在那里，我因为拍照的事与他们发生了交涉。洞窟里不让拍，我理解，复制品也不让拍。我说是研究用，不行;要写稿，也不行;关了闪光灯也不行;就是不让拍，结果生了一肚子气。当然不仅是国内，国外也是如此。允许拍照的博物馆是大多数，但不让拍的也不少。卢浮宫是允许的，哪怕你对着《蒙娜丽莎》拍都行，可奥赛博物馆就不行，里面正在举办《梵·高大展》，就是不准带相机，只允许在展厅外的咖啡馆遥拍远景。马德里的普拉多美术馆也不行，哪怕正在举办“哥雅专题展”。华盛顿的国家画廊和纽约大都会里，拍照都没问题，可一个规模比它们小的加拿大安大略美术馆就严格得多，只要一拿出相机，就等于是犯了法，立刻就要收回去。逼得我只能画速写。似乎并不是世界上所有的博物馆或美术馆都不准拍照，不准拍照的标准是随意定的。开罗的埃及国家博物馆不准拍，但印度和希腊的国立博物馆完全开放，不管你拍多少张也没问题。要说展品的珍贵，有哪里敢和这几个国家相比，可人家就有海量任你拍!冬宫准拍，但特列恰科夫画廊就不准拍。居然在尼泊尔的博物馆里，规矩要严得多，管理员如同监狱看守员，时时刻刻注视着你，只要你一举起相机，立刻就说NO!一般说来，有的博物馆开放拍照，但临时展厅里的展览不允许拍照，甚至还要另行收费。有的规定，雕塑、青铜器、家具等硬家伙的馆里允许拍照，但绘画馆和文献馆里不准拍照，当然更不准用闪光灯。有的国家制定了特殊的规定，要拍照就要去买照相票，付了钱的人和没付钱的人混在一起，都大模大样地照拍不误，谁能分得清?而且国外允许拍照的博物馆多，国内允许拍照的博物馆少，大的博物馆反而允许拍，一些小的博物馆却不允许拍，真是怪事!因为个人的喜好，也因为职业的需要，我每到一处博物馆里去，除了仔细看那些稀世的珍品之外，都需要对展品拍照。虽然说有画册出售，有CD出售，但总不如我自己选取的角度，就像我从不听讲解员的讲解一样，我会根据自己的需要来拍一些细部，一些别人不注意的地方，很多印刷品上却没有。当然，不允许我们拍照的理由，是因为那些举着相机进去，随意在名画前留影的外国和中国大妈们，是那些把看展览当成是逛公园的游客们，是那些无处不照的拍客们，她们图的是到此一游，是与名作的合影。再严格的规定，也难以抵挡住她们的窥探和手机，寻机就拍。不仅拍照，还有不停闪烁的闪光灯。任何精明的管理员也难以把一个研究者和普通的游客分清。为了拍照的事，我没有少生气。要是因为有拍客的存在，就不允许观众拍照，要是因为有画册在卖，就不能拍照，那无异是把孩子和洗澡水一起泼出去。尽管和大妈们拍照的动机不同，我也不是一个从俗的人，但我却是坚决反对在博物馆里不准照相的规定。既然有博物馆的存在，那么参观和拍照就是同等的权利，我们没有理由去剥夺观众的这一权利，只要他们能够遵守规则，不去破坏展品。因为拍照也是参观。另外，如同影片的分级，或许买票拍照也是一个办法?例文3：观众需要在场感彭德(西安美术学院教授、批评家)照片、画册和传媒都比较充分地揭示了一个展览，但是对于观众来讲，他需要一种在场的感觉，因为照片是外在于他的，观众追求这种在场的感觉很合理。我们曾经到国外有些美术馆，拍照都是不允许的，主要有两个原因：一是闪光灯对油画有损坏;二是有些作品涉及版权，用照片会拍得很细，在没有完全进行宣传的时候担心被抄袭和模仿。我认为可以采取这样一种方式，博物馆、美术馆给观众提供下载展览图像的机会，事先把作品全部拍好，观众用手机可以很快把相关信息拷贝过去，要建立这样一种机制。很多观众除在场的要求以外，对作品本身也很关注，特别是美术圈的观众，他们确实需要比较清晰的作品图片，如果展览馆能无偿地提供，就会解决这个矛盾。作为一名美术工作者，我希望在不用闪光灯的前提下，所有的美术馆、博物馆都能畅通无阻自由地拍。有些观众是艺术家的粉丝，他们不一定认识这位艺术家，艺术家更不可能知道他们，但是他们喜欢这位艺术家，如果这位艺术家在场，又在作品的旁边，有些观众就特别愿意和他合影，或者以他为背景。这种心理应该考虑，如果展览把这些热情的观众拒之门外，好像有点不太尽人情，这是我在美国和欧洲参观美术馆的一个感觉。中国的美术馆刚刚起步，应该更开放一些，通过宽容的方式引起普通民众对美术的爱好，引发他们的关注，在提高观众素质之前，允许或鼓励观众参与美术活动，我觉得更重要。建议每个展览或各个展厅都可以请些义工，由画家来支付他们的费用，由他们配合美术馆来管理现场，这样会使参观变得有序，也不会出现一些意外的事情。多些参观者美术馆会显得有人气，现在有很多展览第一天开幕式可能还有一些人，第二天就门可罗雀，这个效果就不太好。专业诉求：不许拍照尊重他人：不要拍照陈履生(中国国家博物馆副馆长)关于博物馆能否拍照的问题，从目前世界上来看，多数博物馆、美术馆是可以拍照的，但也有相当一部分的博物馆和美术馆是不能拍照的。我认为让拍照有让拍照的道理，不让拍照也有不让拍照的道理，很难在一个专业的范围之内做出一个统一的规定。因为所有博物馆的管理者基于自己博物馆的情况，也是基于自己对于观众要求的不同回应，所以，它们会从专业的角度去考量博物馆、美术馆能否拍照的问题。博物馆是干什么的?博物馆的功能是怎样的?显然我们三言两语不能把它说得很全面，但是，可以肯定地说博物馆不是吸引无数的人来此拍照的场所，像公园那样。博物馆是来看展览和欣赏展品的，因此在博物馆中，我希望观众驻留在自己所欣赏的历史文物和艺术品前面，而不是把历史文物和艺术品作为自己留影的一个背景。就拍照自身来说，现在绝大多数的博物馆都有自己的官方网站和相应的出版物。官方网站上所公布的图像要远远高于自己所拍的照片，尤其像美国国立的史密森学会下属的几家最重要的博物馆都公布了数以百万藏品的高清图片，供学术研究来使用。像油画、还有隔着玻璃柜所展示的重要文物，非专业人士或用普通手机拍的图片，质量是远远不能和博物馆方面公布的这些图像的品质相比。因此，不管是学什么样的专业，或者有什么样的喜好，到了博物馆都应该把主要精力驻留在自己所欣赏的作品面前，而不要把珍贵的机会和宝贵的时间浪费在对焦和取景构图上，或者花费在消除各种反光的寻找之中。当然就拍照自身的伦理而言，首先不应该影响别人观看。我经常有这样的经历，当我要去看一件作品的时候，而恰恰正好有人在拍照;为了尊重拍照的人我必须要躲开，让他拍照。这就是给其他的观众带来了很大的不便，对他人会有所影响。因此，博物馆除了有特别的专门需求之外，一般的公众没有必要花费宝贵的时间和珍贵的机会浪费在拍照上。同时，我认为对历史文物和艺术的尊重，最重要的是表达在对这些历史文物和艺术品的欣赏和解读之上，而不是留影。因为各个博物馆里面珍贵的文物、重要的艺术品也都有很多的图片和画册出版。以雷诺阿的《煎饼磨坊的舞会》为例，它是奥赛博物馆的藏品，大大小小的画册里面都有这件作品的图片，即使奥赛博物馆允许拍照，95%以上的人是用业余的手机，或者用普通的相机去拍，它的清晰度和成像等等难以和出版的画册和印行的图片相比，甚至都难以和纪念品商店所卖的明信片的品质相比，那何苦要自己去拍呢?而且这些名作前面都是人头攒动，与其挤在人头攒动的相机包围之中，不如放下自己的相机耐心地欣赏哪怕是一个局部，其收获都要远远比获取一张低品质的图像要好。所以，像奥赛博物馆等一些其他博物馆不许拍照，每一位观众都有平等观赏参观的机会，这是符合博物馆的价值观的。因此，我非常欣赏奥赛博物馆等一些不许拍照的博物馆的这一决定。当然对于奥赛博物馆不许拍照，我也有自己的一个意见，比方说，我几次去奥赛博物馆想研究其建筑空间和相关的一些专业问题，因为它毕竟是一座老火车站改造而成的，不允许拍照，对于像我这样的专业研究者来说就很不便。当然我们有专业方面的特别通道，可以获得拍照的机会。但即使获得拍照的机会，我也不会把宝贵的时间用在拍那些展品之上。所以，对于不同的馆对于能否拍照作出不同的决断，最重要的是博物馆的管理者要对自己馆的观众和藏品有所了解和认知、对博物馆价值观的塑造等要有自己的立场。我不赞同人云亦云，也不赞同像法国的博物馆协会那样让公众去投票。可以想象的是，公众投票几乎是90%以上是允许拍照，因为各有所需，毕竟相当一部分人进入博物馆之后是茫然的，相当一部分人进入博物馆之后对于那些过去曾经在书本上看到的经典名作保留着一分最初的冲动，所以，他们会以习惯动作去获取图像作以留存纪念，这是可以理解的。对于普通公众的这种做法，作为专业单位应该给予适当的引导，要告诉公众如何参观博物馆，如何在那些名作前面驻留而不是去获得一张留影。像中国国家博物馆这样观众量一天平均超过两万人数的博物馆来说，我们的公众素质实际上是良莠不齐，在纪念中法建交50周年展览中，因为拍照的观众之间的相互影响而形成了肢体冲突，打飞了拍照的手机并撞击在画框上，差点影响到展品的安全，这就导致了我们在第二天作出了不许拍照的决定。当下，博物馆这样一个公共文化场所不是公园，不是一些普通的一般性的公共文化场所，是一个专业性很强的专业单位，在这样一个专业单位中应该建立起自己的专业诉求。我们既要保证观众有很好的参观秩序，又要保证展品的安全，当然这还不包括刺眼的闪光灯对于一些比较敏感的材质的影响。就公民的文明程度和他的文明素质来看，拍照中所引起的纠纷、拍照中有可能对他人形成的干扰、拍照中有可能引起的肢体冲突等等，都可能酝酿成为展厅中的一件重要的事故，或者会造成博物馆中藏品的伤害。比方说在比较狭窄的空间中，特别是国外的很多博物馆中是没有护栏的，为了获取一个很好的角度，可能在不知不觉中往后退了一步或者几步的时候，就有可能会伤害到后面的展品，也有可能在获取角度的时候，影响到其他的观众。在博物馆、美术馆中，不必求其统一的是否能够拍照或者不能拍照的准则，每一个馆可以建立自己的专业准则，根据自己的专业准则制定出一个观众必须要遵守的基本原则，这就是让你拍照，你可以拍也可以不拍;但是，不让你拍照的时候，你绝对不能拍照，这是对博物馆的尊重，对博物馆价值观的尊重，对文物和艺术品的尊重，也是对其他观众的尊重。例文4：美术馆要更人性化潘嘉来(浙江省美术评论研究会副秘书长)如果说顾客是商家的上帝，那么观众就是美术馆的上帝。美术馆、博物馆的所有工作就是要为各层次的观众提供优质的服务，把满足观众的合理需求放在美术馆、博物馆工作的首要位置，在包括展示、讲解和复制(拍摄)藏品各方面做出便利化的安排，使馆藏艺术品和文物的社会效益最大化，这是美术馆、博物馆作为公益事业的性质所决定的，也是国家投巨资建设美术馆、博物馆的初衷。反省自问，我们在这一领域确实还有不少改进的空间，例如国内很多美术馆、博物馆都有禁止拍摄展品的规定，笔者以为这样的规定是没有道理的。国内观众接触优秀美术作品和珍贵文物原件的机会是比较少的，参观者在不损坏展品的前提下，为了进一步学习、研究而拍摄(复制)展品的要求是完全正当、合理的，馆方不但不应该禁止，而是应当尽最大可能提供便利。这方面国外一些美术馆、博物馆做得较好，例如法国的卢浮宫。在卢浮宫只有禁用闪光灯的标志，如果你的相机上装有闪光灯，工作人员会很礼貌地上前做出说明，除此之外观众的拍摄是完全没有障碍的，各时期的美术作品包括常见于西方美术史专著的世界名作都是可以自由拍摄的。不仅如此，馆内还有更为贴心的设计，一是主要场馆大多很好地利用了自然光照明，柔和的光线从高高的透明天顶射下，很均匀地布满整个展厅。二是几乎所有作品都是祼装，不加玻璃镜框等隔离物，这样观众就能够在最接近自然的状态下观看作品，获得最佳的观赏效果，翻拍照片的色彩还原也是最接近原作的。这两项人性化的设计充分体现了他们对观众的信任和尊重，把观众的感受放在了最核心和最重要的位置上。国内大型美术馆多数是近些年兴建起来的，但很多方面没有能够吸收国外美术馆的成功经验，是很遗憾的。比如场馆内大量使用人工光源，改变了艺术品原有的色彩，把展品用玻璃镜框和玻璃幕墙隔离起来，给观看带来人为的障碍。还有的把展厅搞得像山洞一样黑暗，容易引起困倦和疲惫。这样的安排不符合自然规律，降低了展出效果，同时又耗费能源，得不偿失。究其原因还是没有能够站在观众的立场上来思考问题。供参考，满意请采纳
卢浮宫 位于巴黎市中心的赛纳河北岸（右岸），是巴黎的心脏,始建于1204年，历经700多年扩建重修达到今天的规模。占地约198公顷，长680米，分为新老两部分，老的建于路易十四时期，新的建于拿破仑时代。宫前的金字塔形玻璃入口，是华人建筑大师贝聿铭设计的。。它的整体建筑呈“U”形，占地面积为24公顷，建筑物占地面积为公顷，全长680米。是世界上最著名、最大的艺术宝库之一，是举世瞩目，艺术殿堂和万宝之宫。同时，卢浮宫也是法国历史上最悠久的王宫。 王宫最初始建于12世纪初，从15-18世纪历经4次改建和扩建。中院的东立面是古典主义风格，最为人们推崇。法国总统密特朗请美国华裔建筑师贝聿铭设计金字塔形透明屋顶。藏品中有被誉为世界三宝的《维纳斯》雕像，《蒙娜丽莎》油画和《胜利女神》石雕,像更有大量希腊、罗马、埃及及东方的古董，还有法国、意大利的远古遗物。陈列面积万平方米，藏品万件。曲折历史 卢浮宫有着非常曲折复杂的历史，而这又是和巴黎以至法国的历史错综地交织在一起的。人们到这里当然是为了亲眼看到举世闻名的艺术珍品，同时也是想看卢浮宫这座建筑本身，因为它既是一件伟大的艺术杰作，也是法国近千年来历史的见证。这里曾经居住过50位法国国王和王后，还有许多著名艺术家在这里生活，他们有的在这里寿终正寝，有的被谋杀，死于非命，血溅卢浮宫。 卢浮宫始建于1190年，当时只是菲利普·奥古斯特二世皇宫的城堡。在十字军东征时期，为了保卫北岸的巴黎地区，菲利普二世于1200年在这里修建了一座通向塞纳河的城堡，主要用于存放王室的档案和珍宝，同时也存放他的狗和战俘，当时就称为卢浮宫。查理五世时期，卢浮宫被作为皇宫，因而使它成为完全不同的一座建筑物了。在以后的350年中，随着王室贵族们越来越高的寻欢作乐的要求，他们不断增建了华丽的楼塔和别致的房间。然而在其后的整整150年间，卢浮宫却并无国王居住。 16世纪中叶，弗朗西斯一世继承王位后，便把这座宫殿拆毁了。他下令由建筑师皮尔莱斯科在原来城堡的基础上重新建筑一座宫殿。弗朗西斯还请当时著名的画家为他画肖像，他崇拜意大利派的画家，购买了当时意大利最著名的画家法埃洛的绘画。包括《蒙娜丽莎》等珍品。 弗兰西斯一世的儿子亨利二世即位后，把他父亲毁掉的部分重新建造起来。亨利喜爱法国文艺复兴时期建筑艺术的装饰，对意大利式的建筑并不感兴趣。他沿袭了父亲的嗜好，但却没有他父亲一样的审美观。 亨利四世在位期间，他花了13年的功夫建造了卢浮宫最壮观的部分――大画廊。这是一个长达300米的华丽的走廊，走廊非常长，亨利在这里栽满了树木，还养了鸟和狗，甚至在走廊中骑着马追捕狐狸。 路易十四是法国历史上著名的国王，他被称为太阳王。他登基时只有5岁，在卢浮宫做了72年的国王――法国历史上最长的时代。路易十四把卢浮宫建成了正方形的庭院，并在庭院外面修建了富丽堂皇的画廊。他购买了欧洲各派的绘画，包括卡什代、伦勃朗等人的作品。他一生迷恋艺术和建筑，致使法国的金库空虚。 路易十六在位期间，爆发了著名的1789年大革命，在卢浮宫“竞技场”院子里建立了法国革命的第一个断头台。1792年5月27日，国民议会宣布，卢浮宫将属于大众，成为公共博物馆。这种状况一直延续了6年，直到拿破仑一世搬进了卢浮宫。拿破仑在这座建筑的外围修建了更多的房子，并增强了宫殿的两翼，还在竞技场院里修建了拱门，拱门上的第一批雕刻马群是从威尼斯的圣马可教堂上取下来的。 拿破仑以前所未有的方式装饰卢浮宫，他把欧洲其他国家所能提供的最好的艺术品搬进了卢浮宫。拿破仑不断地向外扩张，并称雄于欧洲，于是几千吨的艺术品从所有被征服的国家的殿堂、图书馆和天主教堂运到了巴黎。拿破仑将卢浮宫改名为拿破仑博物馆，巨大的长廊也布满了他掠夺来的艺术品。在卢浮宫里，拿破仑的光彩持续了12年，一直到滑铁卢战役的惨败。 对拿破仑来说，每一幅天才的作品都必须属于法国。这样的观点是德国人、意大利人、西班牙人和荷兰人所不能接受的。拿破仑失势后，他们来到卢浮宫，约有5000件艺术品物归原主。但由于法国人的外交手段及法国人的说服力，仍然有许多他掠夺的艺术品被留在了卢浮宫。 拿破仑三世是一位野心勃勃的皇帝，他是卢浮宫建造以来所遇到的投资最多的“建筑人”，5年内的建筑比所有的前辈在700年内修建的还要多。3个世纪以前想到的宏伟的设计图留给了拿破仑三世来完成，当它竣工后，卢浮宫变成了皇家庆祝活动的场所，富丽堂皇是拿破仑三世修建任何东西的特点。这样，直到拿破仑三世时，卢浮宫整个宏伟建筑群才告以完成，前后将近600年。 卢浮宫的场馆各馆简介据统计，目前卢浮宫宫殿共收藏有40多万件来自世界各国的艺术珍品。法国人将这些艺术珍品根据其来源地和种类分别在六大展馆中展出，即东方艺术馆、古希腊及古罗马艺术馆、古埃及艺术馆、珍宝馆、绘画馆及雕塑馆。其中绘画馆展品最多，占地面积最大。卢浮宫区有198个展览大厅，最大的大厅长205米。显然，用一天两天的时间根本无法欣赏全部的稀世珍品。因此，如果你要参观卢浮宫，得先制订一个计划，逐个参观六大展馆，切忌仓促地走马观花。如果时间充裕的话，可细细品味；如果时间较紧的话，可选择有代表性的艺术展品观赏。 东方艺术馆 东方艺术馆建于1881年，共有24个展厅，3500件展品。这些展品主要来自西亚和北非地区，包括叙利亚、黎巴嫩、巴基斯坦、伊朗等国。这些展品出自十分久远的年代，如公元前2500年的雕像、公元前2270年的石刻、公元前2000年烧制的泥像等。其中带翅膀的牛身人面雄伟雕像（公元前8世纪）最为有名，曾在杜尔·沙鲁金（现为伊拉克赫尔沙巴德）守卫过亚述国王萨尔贡二世的宫殿大门。这些巨大的牛身人面像来到法国经历过一段曲折的历史。1843年，法国人保罗－埃米尔·博塔发现了这些雕像，冒着各种危险将它们运到巴黎。其中两个雕像于1847年陈列在卢浮宫内的世界上第一个亚述博物馆中，第三个雕像在浅盐湖的船舶失事中幸免于难，于1856年运到巴黎。第四个雕像则沉入湖底，是用石膏塑像替代的，第五个雕像是惟一的一头头部转向参观者的公牛。在“东方古文博物馆”第四厅，有一件我们比较熟悉的文物：《汉谟拉比法典》，该法典出自公元前2000年左右的巴比伦，共282条，以锲形文字刻在一块黑色玄武岩上。玄武岩高米，中部为282条法令全文，上部的人物像是坐着的司法之神向站着的汉谟拉比国王亲授法律，国王则右手致答谢，以示对神授的法律表示尊敬。 古埃及艺术馆 古埃及艺术馆建立于1826年，早于东方艺术馆，共有23个展厅，收藏珍贵文物达350件。这些文物包括古代尼罗河西岸居民使用的服饰、装饰物、玩具、乐器等。这里还有古埃及神庙的断墙、基门、木乃伊和公元前2600年的人头塑像等。 古希腊与古罗马艺术馆 古希腊与古罗马艺术馆建成的时间更早，大约在1800年向公众展出，其藏品更多，大约有7000余件。古希腊与古罗马艺术馆的藏品以法国王室的收藏品为基础。拿破仑率领的法军在意大利获胜后，劫获了许多意大利的古代艺术品，将之运回法国充实卢浮宫。后来，法国又从各方面不断丰富里面的收藏品。雕塑在该馆内占有主导的地位，雕塑品包括大理石、铜、象牙等。在古希腊和古罗马艺术馆中，有两件备受世人赞美的最瞩目的不朽作品，一是“萨姆特拉斯的胜利女神”，二是爱神“维纳斯”。“萨姆特拉斯的胜利女神”创作于公元前3世纪，高米，站在一座石墩上，是座无头无手的雕像，1863年从萨姆特拉斯岛的神庙废墟中发掘出来。该雕像尽管已失去了手和头，但看得出她正迎风展翅，昂首挺胸，向世人宣告一场战争的胜利。根据研究，这是雕塑家为纪念希腊罗地岛的一场胜利海战而制作的。胜利女神迎风微微前倾身躯，健美的胸部披着薄薄的长袍，体魄健壮而又不失轻灵，富有质感。女神虽然失去了头部和双臂，但在人们的眼里它仍是完整完美的。现在，胜利女神每天受到成千上万人的瞻仰，成为已知雕像中表现热情奔放与动态的最完美的作品。“维纳斯”对于人们来说更加熟悉了。她身高米，创作于公元2世纪。她是希腊的美神，不知倾倒了多少崇拜者，她的周围每天挤满了观众。她半裸着身躯，极为端庄、自然，被认为是表现女性美的最杰出的作品。“维纳斯”能收藏在卢浮宫是很偶然的。1820年，希腊爱琴海米洛岛上的一位农民在挖土时发现了一尊美神。消息传出，正好有一艘法国军舰泊在米洛港，舰长得知消息后立即赶到现场，想买下，却没有现金。结果，“维纳斯”被一位希腊商人买下，并准备运往君士坦丁堡。眼见宝物就要失去，法国人不甘心，立即驱舰前去阻拦。双方发生了混战，结果使珍品遭到损坏，雕像的双臂被打碎。双方争执不下，后由米洛地方当局出面解决，由法国人用钱买下雕像，贡献给法国国王。就这样，“维纳斯”被运到法国，在当时立即引起轰动。绘画馆 卢浮宫绘画馆所收藏的绘画之全、之珍贵是世界上各艺术馆不能比拟的。绘画馆共有35个展厅，2200多件展品，其中三分之二是法国画家的作品，三分之一来自外国画家，14~19世纪的各种画派的作品均有展出。比较杰出的作品有：富凯的《查理七世像》（15世纪）、达·芬奇的《岩间圣母》（16世纪）、拉斐尔的《美丽的园丁》（16世纪）、勒南的《农家》（17世纪）、里戈的《国王路易十四像》（18世纪）、路易·达维德的《拿破仑一世在巴黎圣母院加冕大典》（19世纪）、德拉克鲁瓦的《肖邦像》（19世纪）、安格尔的《土耳其浴室》（19世纪）等。 有所有绘画作品中，最为杰出、最受人瞩目的自然是达·芬奇在1503年完成的不朽杰作《蒙娜丽莎》。《蒙娜丽莎》被置放在卢浮宫二楼中间的一个大厅中，外面用玻璃罩着，显然是特别的保护。玻璃罩周围射出的柔和的灯光，足以使观众看清画面的各个细节。《蒙娜丽落》又称《永恒的微笑》，被认为是西欧画史上首幅侧重心理描写的作品。蒙娜丽莎端庄俊秀，脸上含着深沉、温和的微笑。那微笑有时让你觉得温文尔雅，令人陶醉；有时仿佛内含哀愁，似显凄楚；有时又略呈揶揄之状，虽则美丽动人却又有点不可接近……更妙的在于，在这幅名画之前，不论你从哪个角度看，她那温和的目光总是微笑地注视着你，生动异常，仿佛她就在你身边。 雕像馆 雕像馆成立于1817年，共有展厅27个，展品1000多件，多为表现宗教题材的作品，部分为表现人体和动物的作品。在这里可以看到着色髹金的木刻《基督受难头像》、《十字架上的耶酥》、《圣母与天使》、意大利的雕塑《圣母与孩童》、17世纪的《童年时期的路易十四》，18世纪的名人像《伏尔泰》，19世纪的群塑《舞蹈》等。 珍宝馆 珍宝馆原来是雕像馆的一部分，后来由于珍藏品增多，1893年便独立组成展馆。最初，珍宝馆的展品主要是大革命时从王室没收而来的珍宝。后来，博物馆组织人马到处收购，加之有人捐赠，展品便大大丰富，现在有展品6000多件。其中有重达137克拉的大钻石，有镶满宝石的王冠，还有镀金的圣母像、历代王朝王室的家具、装饰用具等。 建筑结构 卢浮宫博物馆闻名天下，不仅仅在于她的展品之丰富、之珍贵，更在于博物馆本身便是一座杰出的艺术建筑。 据统计，卢浮宫博物馆包括庭院在内占地19公顷，自东向西横卧在塞纳河的右岸，两侧的长度均为690米，整个建筑壮丽雄伟。用来展示珍品的数百个宽敞的大厅富丽堂皇，大厅的四壁及顶部都有精美的壁画及精细的浮雕，处处都是呕心沥血的艺术结晶，让人叹为观止。参观这座艺术殿堂也够得上一次难以忘怀的美好享受。 在卢浮宫几百年的历史发展过程中，最初一直是比较分散的建筑群，并没有像今天这样形成一个整体。这种情况到1981年后得到了改变，1981年9月，弗朗索瓦·密特朗在当选为法兰西共和国总统后举行的一次记者招待会上许诺：“让卢浮宫恢复原来的用途”，这指的是让财政部搬出“黎塞留侧翼”。 “黎塞留侧翼”建于1852~1857年间，长195米，宽80米，是卢浮宫的一个组成部分，自1871年以来一直由财政部占据。1989年7月当时的财政部长爱德华·巴拉迪尔在再三请求下方才离开这赏心悦目的地方。 “黎塞留侧翼”的收回及开放，一下子使卢浮宫增加了万平方米的展览面积、3个庭院和165个新展厅，共展出艺术品万件，其中3000件是从存放室取出的，卢浮宫博物馆的展品由此大大增加。 “金字塔” 密特朗总统对卢浮宫博物馆做出的另一贡献是邀请著名的美籍华裔建造师贝聿铭为博物馆设计新的入口处。贝聿铭先生经过深思熟虑，提出建造一个“金字塔”的方案。这座“金字塔”为卢浮宫博物馆，也为巴黎市增加了新的耀眼的光彩。有了这座“金字塔”，观众的参观线路显得更为合理。观众在这里可以直接去自己喜欢的展厅，而不必像过去那样去一个展厅而要穿过其他几个展厅，有时甚至要绕行七八百米。一个现代的博物馆，后勤服务设施一般占总面积的一半。过去卢浮宫博物馆只有20%的面积用于后勤。有了这座“金字塔”，博物馆便有了足够的服务空间，包括接待大厅、办公室、贮藏室以及售票处、邮局、小卖部、更衣室、休息室等，卢浮宫博物馆的服务功能因此而更加齐全。
浮躁总是向往梭罗的瓦尔登湖，那是一种脱离尘嚣的宁静与自然。于是，瓦尔登湖渐渐演变为一种不被名利所诱惑的心境，一种始终让自己的心灵花园树木葱茏的绿色，始终告诫着自己拒绝浮躁。一部《泰坦尼克号》成就了最初的卡梅隆，当铺天盖地的荣誉和巨大的名声落在这个青年导演头上时，他却忽然蛰伏起来，以几十年的策划推出了轰动全球的《阿凡达》。在如今这个浮躁的社会里，卡梅隆的智慧是一种启迪，那些年轻的女作家，下班路上看见一个谈禅的乞人，便赶紧回家写散文，一周之内便匆匆投了稿。那些高校里的教授们忙忙碌碌申报课题又忙忙碌碌在结题报告上画下最后一个句号。画廊里的艺术学院毕业生一天就能完成一副画作却一年也卖不出去。这时，请想想卡梅隆的智慧。匆匆之间的灵感一现催生的作品，大多只会如细小蜉蝣，昙花一现。只有将心灵置于静湖之中，将浮躁拒之门外，心无杂念，才能使自己的梦想日渐丰满，最终绽放绚烂之花。拒绝浮躁，不仅是个人的发展观，更是一个社会的发展观。从“著名”的血癌村，到寸草不生的荒山，太多血淋淋的现实摆在眼前，催促着人们拒绝浮躁，拒绝急功近利，以一颗纯静的心灵构建美好社会。拒绝浮躁，并不是剥夺人们的梦想，而是以一种脚踏实地的态度、一颗淡然平静的心面对梦想。拒绝浮躁，是一种自持的生活态度，是一种追求瓦尔登湖那般宁静的心灵。拒绝浮躁，现代作家路遥将自己关在煤洞数年，在寂寞中耕耘着精神家园，创作出《平凡的世界》；拒绝浮躁，荷兰画家凡·高以一辈子的孤寂生活，忘情地投入到富有激情的艺术创作中，最终锻铸成一位令人仰止的伟大艺术家。“小隐隐于山，大隐隐于市”，在草早的凡尘俗世中若能拒绝浮躁，向往绿色，心境便能愈发空灵，精神便能愈发超脱。“始知锁向金笼听，不及林间自在啼。”面对喧嚣的尘世，矜持者始终保持着一份高贵的疏离，那一份恬静怡人，始终拒绝浮躁，清明在心，成为一道绿色的风景线。
热，有自然界的，有人类社会的；有的可敬，有的可怕可鄙……请以“热”为话题，写一篇不少于800字的议论文。迁就平庸不应当成为热潮 蒋晓梅迁就平庸是我们不少人多少年来崇尚的“美德”，也正因为如此，在今天这个红尘喧嚣的社会中，迁就平庸一时竟成为热潮。美其名日完善。一个演员的戏演得蹩脚，我们会说她很“努力”。一个画家作品很拙劣，我们会说“他孜孜不倦”。一个运动员比赛成绩很不像话，我们会说：“他已经尽力了”。看一句很典型的话叫：“这年头谁都不容易。”因为不容易，所以没什么可怨的，没什么可批评的。是吗？不然！在一个为平庸辩护的社会中，我们注定看不到好电影，好的电视作品。正因为迁就平庸，中国的电影很少看能在奥斯卡上获奖的。正因为迁就平庸，铺天盖地的韩剧占据了大部分电视频道，掀起一股“哈韩”热。在一个为平庸辩护的社会里，我们注定看不到好的画，读不到好的诗，纯文学的刊物的没有生存的土壤。当然，也就少不了有机会为竞技场上的胜利者欢呼，我们大都生活在“理解万岁”的自欺欺人的幌子下。甚至，连那些鼓吹“谁都不容易”的文章也成了人人习惯吞咽的粗鄙快餐，践踏我们的思维，降低我们的口味和标准。一句话，因为迁就平庸成为热潮，我们生活在一个低质量的文化环境中。平庸者当然有平庸的权利，但平庸着的声音不应成为时代的主流，一夜而起的歌星、演星、球星，一朝为钱为名而生的作家画家，平庸的大军如今把我们重重包围了，他们永远是嘉宾，新闻焦点。但是他们奉献给社会的又是什么呢？他们有何理由受到爱戴？这个世界如果没有强者出现，弱者就会冒充强者，那才是世界的悲哀。一种迁就平庸的文化是注定要走向衰亡的，我们已经处在这种危险的处境里，某一项竞技的失败也许只是局部的失败，但是，当类似的问题始终得不到改变，始终不被尖锐地提出，那么失败将是一连串的了。我们不应该向劣质事物和人物致敬。哪怕再“不容易”，我们也决不迁就。迁就平庸不应当成为一股热潮。不应当被当作“宽容”一样称赞！简评：“热”的现象不都是好的，也不都是坏的。习作者以敏锐的眼光颇有深度地给我们剖析了现在社会中追逐平庸的时风，给人一副清楚剂，是一篇突破了“平庸”的好作文。一份真情，一份热 林小磊人们常说送人玫瑰手有余香，但根据热传递的规律，是不会有类似的反馈作用的。然而，总会有许多人将“体热”传递到社会的每个角落。在嘈杂的都市生活中，人们渐渐地被人性冷漠所侵蚀。有人却将世俗鄙弃，用他独特的方式去发出一份余热，给所有需要他的孩子们，他就是著名业余歌手丛飞。也许丛飞的日子并不多了，但他那份热将永远留在这悠远的大地上，留在时空的隧道上。倘佯人海，饥饿、孤独、窘迫总会让许多人迷失方向。当地铁中的老人向我们伸出枯燥的双手时，谁会忍心看到他们被潮湿与阴冷所包围而不结予帮助，撒下一份余热呢？山区孩子们对知识的渴望激起了一批又一批的大学生，放弃优越的生活条件，只身来到偏远的山区。温暖了孩子们的心也温暖了山里人们的心，这份热源像股股暖流改变着现在的天气，影响着未来的天气。并非只有血缘关系的人才能将自己身体的一部分捐给他人。田世国固然值得崇拜，但毕竟那是生他养他的母亲。广东一女士最近在南京进行骨髓移植，将自己的骨髓捐给了一位素不相识的患者。我想尽管严冬曾经威协过你，你依然要相信：冬天来了，春天还会远吗？春天来了，你还要惧怕寒冷，紧锁心门吗？这份热，它悄无声息的在天地之间弥漫。它不会偏心，它源源不断，把它所拥有的给了它包容下的每一个精灵。人类因为有了这些精灵，更加显得有灵气。一切事物都带着饱满时热情来到这方净土上。酝酿一个生命需要多少热，谁也不知道，一个生命能够放出多少热，也没有人能知道。一份真挚的情谊，却给了我们完美的答案。今年这个严冬是否会让你感觉有一些温暖呢？简评：热，是温暖，是真情，是我们在这个社会中多少有些冷漠所急需的。人类正是因为有真情，才让我们看到世间的美好，所以我们应该多写这类的文章才换醒心灵麻木的人们。热带高三 三（12） 崔娟娟棒棒糖的滋味早已弥散在时空隧道里，时间仿佛指缝间的流沙，书桌里再也容不下连环画和零食的空间了，班主任严厉的眼神警示我们高三来了，他来得仓促而又突然，在抬头低眉间，我早已置身于高三的暖炉中，来不及脱掉棉袄和手套，我被烘得大汗淋淋，原来高三属于热季。那天，送来了高三师长们，我们成为“准高三”学生，玉兰花浪漫地开了一季。明年这里不再有我们的身影，我们也会像他们一样在玉兰花盛开的季节离开，今年夏天特别热，六十几个人的温度把教室的电风扇都薰热了，汗把头发浸湿了，捋去汗水，一切仍得继续。抬头透过窗户看到在夏日暮色的弥漫的大操场，在夕阳的黄昏下渐次延展穿越微微发烫的地面，天空有寂静的鸟群飞过，高三的夏日灼灼逼人，激起了我们的兴奋与热情，这个兰花浪漫的夏季好热，这个夏日深埋心底的理想种子它正在拔节生长，竭尽全力汲取养分，它要长成一棵参天大树，它自信地说：“让烈日来得更猛烈些吧！”在高三途中颠簸而行，峭壁深涧时时而见，这条路上我们走得大汗淋淋，也许一不留神便会坠入无底的深渊，害怕自己忘记理想，害怕自己失去斗志，那股自信的绿树时常被风吹弯被雪覆盖。我犹豫了，心也开始随着燥热的天气浮动，越是浮躁越觉得闷热，高三真的好热好热。时间似水流淌着，寒风吹走了那落满头发和睫毛的桂花花瓣，在季节的交替中高考越来越近了，今年的寒冬会冷吗？本已准备好的棉袄，在这个看似寒冷的冬天并没有发挥多大的作用，每天为了学习忙得焦头烂额，顾不得外面气温是否零下，只知道为了一道做不出的题常流汗，为了那不及格的分数而燥热，手套早已尘封在书桌底部，手指拿着笔在本上不停地舞动，难怪今年手上的冻疮也少了，十二月的教室仍然暖烘烘，那是热情的力量，激情的泉源，六十四颗向上的精神带动着的心脏热烈地跳动，发散的热量，汇聚的热能，温暖了整个高三教室。高三没有寒冬，高三是一个属于希望的六月的夏天，属于每一位拼搏学子放飞理想的动感地带。简评：高三的学子人在高三，心怀理想，胸有激情。这篇习作富有诗意的语言和昂扬奋发的进取意识让我们感受到高三确实是一方热带。“校园流行语”之我见 周素进眼下，在大中小学校园里，学生们拥有自己的一套话语系统，用来在校园、生活中交流，不少人一般还就难理解其中含义，如“正点”、“美眉”之类，人们把这种语言称为“校园流行语”。我认为这是语言的垃圾。在学校，我经常听到有点像江湖黑话的所谓流行话。老师说，语言是进行人际沟通的媒介，每个词语有其固定的意思，决不能因一味贪新，猎奇而忘了其中的不健康成分。有些校园流行语低俗无聊，曾听说，一些同学把好友请客叫做“吃大户”，背后称校长“老板”，班长则为“领班”，有的文理不通。我班一些同学就经常嚷嚷“很受伤”，这难道是语言上的突破或进步？校园流行语虽然不是什么“洪水猛兽”，但大多是垃圾文化，什么“油条”了，反映了说者思想水平的低下和个人审美的低级趣味。仔细回味一下眼下风行校园的流行语多是粗糙的，未经过精加工的语言，表现出的也多是一种玩世不恭、游戏人生的态度，对中学生的成长并没有什么好处。流行语在一些“新新人类”口中层出不穷，且变化多端。“标新立异”固然是我们这个年龄段的多数中学生所追求的，但语言上的“标新”总是遵循一定规律吧？至少要避免低级粗俗。否则，对于人生观，世界观没有完全形成的中学生来说，消极影响是显而易见的。校园流行语作为一种纯粹的休闲搞笑固然不错，但一味的模仿，泛滥就显得很庸俗，失去了中学生原本的个性特色和青春风采。我们应更渴求渊博的知识，深刻的涵养，更向往一种挥斥方遒，指点江山的书生意气。“天才——天生的蠢材”，“神童——神精病儿童”等等这样痞气十足的校园流行语，能推动汉语的进步才怪呢！最后，请我们的同学行动起来，远离粗俗的“校园流行语”，净化校园语言环境。简评：流行的并不都是最好的，这篇针对时下校园里出现的流行语过于平庸的现象给以一分为二的剖析，虽然还有些实例不足，但对一个高中生来说已经难能可贵了。
拒绝浮躁浮躁作为现代人的一种流行病，是缘于人们觉得人生短促，世事纷繁，自己作为匆匆过客，必须活得紧张而又明白，才有意义。然而，这种明白只能是自以为明白，其实是地地道道的糊涂。浮者，根基不牢也；躁者，耐性不足也。浮躁之人，由于对人生信念不明晰，对生活真谛不了解，尽管整日忙忙碌碌，实际上还是莫名其妙。从本质上来说，浮躁正是一种无所适从的生活状态。 有人用“浮躁”一词来概括今天的心态世相，仔细想来，确是一针见血。君不见人世间有多少真善美被浮躁之人轻视，有多少价值观被浮躁之人错位，有多少清澈纯净的心泉被浮躁之人淡漠。浮躁，这个可恶之物，使多少人对虚荣、利益按捺不住，使人生失去根基，使人的激情退化，情感失态，缺失对美的追求。我们不能在告别物质贫穷的同时，走向精神的贫穷。因此，我们在建立物质家园的同时，必须注重建立精神家园，以达到物质与精神的平衡和谐。人们在红尘滚滚、物欲横流的现实中，一定要拒绝浮躁，审视本心，内守精神，崇尚文明，给心灵一片和谐滋润的绿地。拒绝浮躁，要做到三点：一靠正气定力。正气来自心正，心正则有定力。有了这种定力，面对经济转轨、社会转型、竞争激烈、信息爆炸的多元世界，面对诱惑多多的情势，就不会着急上火、神不守舍，甚至疲于奔命。任凭风浪起，任凭诱惑多，就是不走神，始终做到志存高远，淡泊名利，宠辱不惊，远离浮躁。二靠涵养静气。这是一种气质、一种修养、一种境界，也是东方智慧之一。诸葛亮《诫子书》上说：“夫君子之行，静心修身，俭以养傅。非淡泊无以明志，非宁静无以致远。”这是诸葛亮激励后人的千古名句，每每读之，总是发人深省。在紧张的时空中，面对有形无形的压力，静下来，可使头脑清醒，深谋远虑，鉴天地之精微、察万物之规律，把握大势，“运筹于帷幄之中，决胜于千里之外”。三靠知识支撑。知识是战胜愚昧的最有力武器，更是涵养静气的摇篮。无论多忙，都要及时“充电”，忙里偷闲，挤出时间，多读点书。越是博学的人，越是视野开阔，越是做事心中有底，主心骨不变。越是读书多、知识面宽广的人，越是气质高雅。“腹有诗书气自华”者鄙视庸俗，抵制诱惑。“读书出佛”，这是拒绝浮躁，清净、安静人生之要诀。
[《浮生六记》之读后感]前些日子上古文课，老师偶然提及《浮生六记》，讲到文章是如何的生动有趣，笔触是怎样的细腻独到，顿时心向往之，《浮生六记》之读后感。于是，立即去拜读了一番。《浮生六记》是一本追怀往事的书。文章写得坦率真实。不论是哪一章，都有浓厚的生活气息和人文情怀。而且作者的思想史很自由的，尤其是文章第一章就写夫妇生活的《闺房记乐》，而且写得那么大胆自然。这在当时是很难得的。首先从书的题目来看《浮生六记》大概是去了李白“事如春梦了无痕”的意思吧。然而只要是用敏感的心灵细细体味，再久远的事情也会依稀重现。大概人生总是不得完美。借生命的重温可以获得些许暖意。清乾隆年间，一位不那么有名的书生沈复，用简约的俊逸的文字，回忆自己的纯真少年和忧患中年，记录那段时光里所经历的闺房之乐，坎坷之愁，闲情之趣，浪游之侠，读后感《《浮生六记》之读后感》。。。。。。处处流露不随人是非的浪漫情怀和独特的审美眼光。读了这本书，不得不羡慕其中的女主人公，芸娘。沈复得双眼始终瞄向自己的妻子芸娘，这位中国文学史上最可爱的女人。她的聪慧，襟怀，气概和痴情，不得不让读者“阅而心醉”。是看“一身素淡”何其娴雅，口授成诵，何其颖慧，顾盼神飞，何其缠绵，太湖纵目何其豪迈。与红楼梦大观园中的女儿相比，芸娘比黛玉柔和，比宝钗淡雅，比探春体贴，比湘云豪爽，比妙玉多一份人间烟火。于当今的时尚女郎相比，芸自是多了一份内涵，淡雅，一份矜持。却不料这样一位佳人中道凄然长逝，空流下两行痛泪。“父亲的理想女人是,《浮生六记》的芸娘。他爱她能与沈复促膝谈诗爱她的憨性，爱她的爱美。（林太乙（林语堂之女））读完《浮生六记》，最大的感触就是，休闲，一点也不觉得累人，伤神。每每独到其中的一些片段还会于坐着产生共鸣。例如“夏蚊成雷，私拟作群鹤舞空”这是多么的会享受生活，多么惬意的比喻呀。还有其中关于插花的想法，让人不觉赞叹。总之《浮生六记》是以篇笔致生动，细腻，简约的美文。其中还印着姑苏古城的文化底蕴，透着江南才子的精神气质，裹着追忆往事的神秘面纱，是的语言精致自然。正如俞平伯先生所言《浮生六记》俨然一块纯美水晶。《浮生六记》的确是一本值得一读的书，文字也不生涩，简单，阅读起来也很有趣。
天将本心酬浮生——读《浮生六记》清秋夜雨，灯影映窗红。读三遍《浮生六记》，怔怔之久，感动着前人的一段恩爱悲欢。 罕有文人的爱情传说可以感动我。比如，李隆基杨玉环的悲剧华彩只令我惋惜，李清照赵明诚的颠沛流离只使我可怜，蒋鹿潭黄婉君的貌合神离只让我心疼，冒襄董小宛的九年恩好只叫我难过…… 但，我感动于沈复与陈芸的爱情。我赞慕着他们的平常生活的诗情画意，我倾心于他们的真挚恩爱至死不渝，我仰望着他们一生平凡却心胸磊落，心无羁绊，超然脱于尘俗。 沈复，字三白，清乾嘉年间苏州人，出生于衣冠之家，父亲幕僚一生，先是生活小康，尔后家道中落。虽是平民百姓，没有功名，却是个多才多艺的知识分子。家计清贫，有段时间甚至是饥寒交迫，他和妻子陈芸却志趣高尚，情投意合，始至不渝。他们吟诗，作画，郊游，聚友，烹肴，兴趣昂然，意兴飞逸。 而后来，终于因为封建礼仪家教之害，历尽坎坷，最终天人永隔。芸死后，三白“从此扰扰攘攘，又不知梦醒何时耳”。 若不是贡生杨苏补于冷摊购得他的手稿《浮生六记》并于光绪三年（1877）付梓，后世则无人知晓世上曾有沈三白其人、其事。 而那时，《浮生六记》只残剩了四记，后二记已无踪影。 《浮生六记》，分为《闺房记乐》，《闲情记趣》，《坎坷记愁》，《浪游记快》，后两记疑是伪作《中山记历》和《养生记逍》。这是一本自传体散文集，四记穿插相联，所记所叙虽然都是日常琐事，平淡无奇，然情真意切，一点没有忸怩作态，更无学究之气，惟是灵秀冲淡，读来如一缕嫣然清风徐徐拂面。 翻开《闺房记趣》，沈三白描绘了一个清丽灵妙的女儿形象：“其形削肩长项，瘦不露骨，眉弯目秀，顾盼神飞，唯两齿微露，似非佳相。一种缠绵之态，令人之意也消。” 这是他年少时初见陈芸的情景。 那夜，芸给他吃自制的腌菜暖粥，吃的正香时，芸堂兄挤身而入，戏谑笑道：“我要吃粥你不给，原来是专门给你夫婿准备的！” 呵呵，当时沈陈二人就脸红了。读此处我亦莞尔微笑，美满姻缘一粥引之。 此后便是两人成亲，一段最幸福美好的时光。我一遍遍地被他们的真爱感动着。他们的爱情并不惊天动地，也非旷世绝恋，更非千古名唱。我只是为他们最平常最细微的日常生活中点点滴滴而深深感动。 夫妻饮茶谈诗论词，芸曰：“杜（甫）诗锤炼精绝，李（白）诗潇洒落拓；与其学杜之深严，不如学李之活泼。” 春光，三白欲携芸远出郊游，芸巧扮男装，见人问则以表弟对之。呵呵，竟无人识辨。 夏日，芸头戴茉莉花，三白戏谑说佛手为香之君子，茉莉为香之小人，何以亲小人而远君子，芸亦笑说：“我笑君子爱小人。” 夫戏妻谑，笑俗为雅。 读着读着，我忍不住羡慕沈三白，他有着那么美妙高超的妻，更情不自禁连声赞叹陈芸，芸于日常细琐之事，也处处透露着灵慧巧妙，体现着匠心独裁，诗情画意。这是多么颖慧的可爱的女性啊！ 夫妻二人同亲戚扫墓山中，芸捡回一堆峦纹白石，拿回家，在宜兴长方盒中叠成一峰，若临水石矶状。自己动手种植白萍，石上植茑萝。到深秋，岩间茑萝悬壁，水中白萍大放，好一幅“流水落花之间”，却不见斧凿痕迹。 三白小酌，不喜多菜。她用二寸白磁碟六只，自制“梅花盒”。启盒视之，如菜装於花瓣中，一盒六色，二三知己可随意取食，食完再添。 书楼夏天太晒，芸用数根黑柱横竖搭错，中间以旧布条裹缝。既可遮拦饰观，又不费钱。 三白和朋友于外观花，发愁饭菜冷热。芸灵机一动，从城中雇来馄饨担子，推来烹茶暖酒热饭。酒肴俱熟，坐地大嚼，各已陶然。众曰：“非夫人之力不及此！”大笑而散。 瞧，好个秀外慧中的芸娘！她的聪明贤淑说不尽啊！难怪林语堂先生极力地赞美陈芸，“集古今各代女子的贤达美德”，说她是“中国文学中最可爱的女人”。 然而，我很奇怪的是，这样一位见识高超，有自己独到审美观的芸娘，却渐渐失去了夫家人的喜欢。 细读全书，方自明了。芸虽思想高超，却在处理人事方面，仍有欠缺。大家庭的弊害尽人皆知，小夫妻的恩爱往往成为遭妒之由。沈家的家教礼仪很严肃的，父母，兄弟媳妇都住在一起。初始，芸娘处处小心翼翼，后来渐渐放松了，在公开场合也和三白并起并坐，当然就有人看不顺眼，慢慢起了闲话。 有一年，三白随父亲在外任职，沈父说芸能笔墨，就代沈母写信。后来家中有了些闲言，沈母以为芸写信不清楚，就不让她写。沈父怒道：“想汝妇不屑代笔耳！” 芸怕沈母不高兴，便不解释。 三白在真州任职寄住时，弟弟启堂向邻居借钱，叫嫂子芸娘做担保。邻居索要，芸写信告诉三白此事，启堂反而怪嫂子多事。沈父也误以为是芸自己借钱却毁谤小叔子，又拆信见信中称姑（沈母）为令堂（你妈），翁（沈父）为老人（老头），更是勃然大怒，斥责芸大逆不道。芸怕伤启堂感情，竟不作解释。 读到此处，我既是同情她，又不免要责怪她，或许私下称呼“令堂”、“老人”便罢，于文字信中却实在不该。而对借钱之事不作解释，怕兄弟失和，想委曲求全，我也不赞同，该解释的就要解释，何必左右顾盼。超然大度的芸娘，独在家事上唯唯诺诺！可见封建家教之害人啊！ 三白是个识情重义的人，也正因如此，反令自己陷入困顿。他帮朋友做保借钱，朋友却卷款而逃，不知所向。债主找上门来，扰攘终日。沈父怒不可遏：“我本衣冠之家，如何欠得小人之债！”此事难以释然，的确无可奈何。如此三五事，终于将三白和芸娘一同遣出家门，寄居于友人家萧爽楼。 移居萧爽楼两年后，沈父又接他们回家。然而，家道逐渐衰落，又加上纳妾憨园之事，芸经受打击身体衰弱，家人厌烦，她不得不悄悄随友人去乡下调养。而这一去，她竟病愁难融，终客死他乡！ 读到《坎坷记愁》中，芸乘夜舟去乡下，与儿子逢森告别，逢森忽大哭叫：“吾母不归矣！”，后竟真成永诀！那一幕，直叫人扼腕悲叹，惨然泪下！ 而憨园之事，是我最不可理解的——芸娘居然要主动给三白纳妾！ 我真的不知道芸娘是怎么想的。难道是太爱三白，于是尽其所爱以爱之？ 当她向三白提起纳妾事时，三白先是一脸茫然，然后极力反对。而芸居然兴冲冲地拉着三白跑去探视一个她看好的歌伎，名字叫憨园。反复推却不成，三白只好准备纳憨园妾。可是后来另一有钱势人将憨园纳走。芸痛悔不已，而姑翁尽责：“勾结娼家，败坏门风！” 唉，芸为三白纳妾实是庸人自扰，无聊之举，后人未必认为她这是大方宽容。何况，她与三白的感情深厚，志趣相投，而三白又不是富豪，一般的伎女懂什么才情风雅呢？ 憨园之事，让我联想到清朝《水云楼词集》作者蒋鹿潭与其妾黄婉君的爱情悲剧。黄婉君也是个歌伎，蒋年近五十时纳为妾，虽然家境贫困，倒还算和谐。可惜后来蒋借钱未果，愁病交加，投水自杀了，一帮诗人朋友也没放过婉君，以“贫苦不安于室”为理由，逼她自杀徇夫。唉，看来，爱情需要物质基础，穷才子难以企望完美的爱情。 中国文坛里，有许多饥寒交迫的文人，如杜甫、柳永等等，则是这群寒士的头人。沈三白一生，坎坷太多。有段时间他甚至已到山穷水尽的状态，腰间挂着干饼，鞋湿泥泞，露宿野庙，四处借钱。而他在贫困逆境中仍豁达乐观，忍辱负重，不屈不挠地对待生活，实是寒士中的佼佼者！ 不管是游幕经商，还是奔波劳碌时，他依然兴冲冲地，在困顿中保持着乐天，阅历了无数山水风光。过绍兴，游西湖，上寒山，阅徽州，登腾王阁，入广东，出函谷关，后一记甚至还记载去了台湾。浪游之愉，不一乐乎！他意兴飞逸地绘画《噗山风木图十二册》，石湖看月弹琴吹笛，与友人指点山水，评议风光，激扬胸怀，于众人赞叹之风光盛处，清醒地独出已见。 我满怀欣喜地读着《浪游记快》，心中一遍遍感叹着，看吧，尽管生活坎坷多磨，这依旧是多悠然自得的浪游！现代人的生活是多么地寂寞单调，身在困顿中已是疲惫不堪，何能够如三白那般超脱，笑看苦难，不亦快哉！ 《浮生六记》文字如珠玉般清洁雅致，无论是在平静的顺境，还是身置坎坷逆境，我读出他们的艰苦，也读出他们金石般的意志，更读出了他们高尚超拔的精神品质。 芸娘对珠宝不在乎，往往大方送人，倒是对破书残画极珍惜。收集残书卷为“断简残编”；收集字画破损为“弃余集赏”。读此处，深深叹服芸娘，不爱红妆，只专心爱惜文艺，追求着更高的精神境界。 拮据陋室，依旧有着恬淡幽闲，在最平常的柴米油盐中，营造“夜半涛声听烹茶”的小情趣。连一块臭豆腐，居然也吃出至情至性，便是一种深厚的文化了。经过这种文化的陶冶，连苦难和沧桑都会显出平和的美丽。只是这种文化，我们几乎已难企及。 于贫寒生活中，一直保持陶然其乐之心；于喧嚣尘世中，始终不失豁达宁静之心。 “乡下七月，与芸于柳荫下垂钓。购菊花植遍，九月花开，陶然其乐。芸喜曰：‘他年当与君卜筑于此，买绕屋菜园十亩，课仆妪，植瓜蔬，以供薪水。君画我绣，以为诗酒之需。布衣菜饭可乐终身，不必作远游计也。’” 看他的文字，知道他是真正脱却了名缰利锁的人，记乐记趣真能见到乐从何来，趣由何出。夫妇二人把心力精神悉数放在自然万物、山籁林泉与及对对方兰心慧性、解颐妙语的发掘上，反而不在意现实物质生活的享受。 “七月七日长生殿，夜半无人私语时。”唐明皇与杨贵妃的华丽爱情离我们普通人太遥远，我们只有遥望羡叹。而三白与芸娘的爱情却如此活泼真切地让我眼眶湿润。他们对生活的热爱，对幸福的解悟，于何时何地，都那么纯净明亮。俞平伯先生说：“《浮生六记》像一块纯美的水晶，只见明莹不见衬露的颜色，只见精微，不见制作的痕迹。” 沈三白冲淡灵动的文字，娓娓道来人生之趣、乐、愁、快，于最平常的生活中，解悟了平凡幸福的真昧。 宁静以致远，淡泊以明志。千年来，有几人可如此？ 而三白与芸娘，真正达到了如此境界！ 我想，在这尘烟嚣张的俗世之中，依窗点灯，随着沈三白清澈的书香笔迹，去发现点点滴滴的平常幸福，于热闹场中忽开冷眼，于坎坷愁境中豁然开朗，也是一种禅意呢。 后 记：写完这篇文章，我突然找不到合适的题目，就如当时写蒋鹿潭一样，瞪目相看，竟有些不知所云。 中国古代文人的爱情传奇，绝大多数是悲剧。如范蠡与西施隐居太湖、梁祝化蝶等等，多是世人对其不幸的同情，来幻化成美好的结局。 世人的眼目多是关注着著名的传奇，而如沈复陈芸这样布衣人家的爱情，若不是记述于书，恐怕鲜于人知。尽管他们的爱情那么超拔脱俗，终究是渺小平凡的人家。 但，也正是这样的平常人的爱情，深深打动了我。于最细微无常之处，流露着对生活的热爱，对人生美丽境界的追求。 我想起《金刚经》里的一句：“心无所住。”心之广大，无边无际，反而不在乎何地停留。 沈陈的爱情便如此，不论身在何处，一样保持着最纯净的心灵，从容豁达。 所以，我将题目作为《天将本心酬浮生》，无论浮生如何坎坷、哀苦， 本心明澈，是无所住。
安全与生命 （演讲稿） 诗人问：“是生存，还是死亡”； 哲人说：“艰难和困惑是生命的本身”； 我即思而言：是安全！是安全捍卫着我们的生命，是安全在维护我们生存的权利，是安全在为我们注入无限的力量。 是啊！有什么能比安全和生命更为重要，对于刚刚过去的一年，对所有的中国人、对我们在座的每一位，绝不是值得举杯相庆的日子，在2003年的11个月里，我国死于各类工业安全事故的人数竟高达12万人！这个天文数字难道不让我们觉醒，不让我们震惊吗！ 是啊！有什么能比安全和生命更为重要，看一看，没有了安全，仅在去年的年底，重庆特大井喷事故，剧毒气体弥漫四周，吞没234条生命，近千人住进医院，近万人吸染毒气，六万人变成灾民，大量牲畜中毒而亡；辽宁铁岭发生的烟花爆炸，死38人,伤50余人。如果说，作为天灾的伊朗大地震瞬间吞没了一座古城和近三万条生命再次显现了人类在难以预测的自然灾难面前的脆弱；那么，重庆井喷、氯气泄漏、飞机失事和其它那些满是血和泪的事故，则是纯粹的人祸！！！ 看着电视画面中一幕幕的惨祸惨景，我神伤了；看着那事故中的弱小孩童，我哽咽了；看着那事故现场伸出的粘满灰尘需要援助的手，我流泪了！是的，是那些无视安全的无良之人，是那些可悲可叹的安全事故，强取豪夺，取人性命，平时高唱的“以人为本”到哪里去了？是的，正是这些惨痛的事故，让千万个家庭失去了欢笑的权利，让无数个母亲、和妻儿在哭泣号啕，这些惨痛的事故，无一不突现出无良肇事者对生命的蔑视、无一不暴露出无知违章人对制度的淡漠。黑暗给了我们黑色的眼睛，我们要用她来寻找光明，从事故中知道安全可贵，从事故中总结安全教训，是事故留给我们的唯一利益。 母亲给予我们以生命，所以母爱的伟大由古至今众君皆吟，而安全，捍卫着母亲赐予我们的生命，就像一把巨大的保护伞，无声无息地为我们遮挡着狂风暴雨。的确，安全与生命息息相关，连在一起，不可分离。作为一名化工生产行业的职工，我深深地知道：安全，是我们永恒的主题。“高高兴兴上班、平平安安回家”是每位职工共同的希冀，安全与个人、与家庭、与企业更有着千丝万缕的联系。 “智者是用经验防止事故，愚者是用事故总结经验”，这是我们耳熟能详的安全格言。因为事后补救不如事前防范，为此我们定期召开安全会议，学习文件，交流经验，谈安全问题，做安全汇报，从他人的教训中吸取经验，用于我们日常的工作中。有了警惕，不幸的事故就会躲开，有了防范，不幸的事故才会远离。因此在日常工作中，我公司有严密的安全检查制度，做到领导时时检查、教育，员工时时学习，刻刻注意。 正所谓：与人玫瑰，手有余香。平日里我们付出种种艰辛，用我们的耐心、细心和诚心，换取生产的安全运行。我们自豪，我们骄傲，我们会一如既往，关注安全，关爱生命。
要将英语口语学标准，最关键就是外教水平，纯正欧美口音(非东南亚)才是最好，否则学错口音要改正就更困难了 一定要多试听来比较！学习英语口语我喜欢跟老师直接对话 感受他们的语音、语感 提高自己的水平，我有参加过ABC天卞英语的口语辅导，感觉.好.挺不错的 现在觉得要学好就是要多开口说!呵呵，你们也开始写啦？我们刚确定好导师，你喜欢看美国那些情景喜剧吗？要么写个论中西方幽默的差异吧，我把我们的选题告诉你吧，你挑一个，我也是英语专业的1.杭州公共标语的中英翻译英语中的性别歧视英语中的日语外来词师生互动在英语教学中的重要性学习者情感因素对英语学习的影响商务谈判中的文化因素试探美元背后的智慧之眼从杭州餐厅坎菜单翻译文化对美国幽默的影响10论英汉习语的文化语境与翻译11纽约与杭州的路标比较1第二语言习得重视朗读1多元智力理论在中学英语教学中的应用1浅析《呼啸山庄》中希克里夫对凯瑟琳的爱与恨1杂志新闻与电视新闻语言的区别1中英习语互译体现的文化影响1论被动语态句子的翻译1论中英谚语互译1电影名称的中英文翻译0翻译中的常见错误1浅析《浮生六记》英文译本中采用的翻译技巧洛丽塔：一场虚实跳跃的舞蹈浅析文学翻译中的创造性叛逆商务英语在浙江经济发展中的角色商务谈判中英语的使用技巧