艺术发展的过程论文

艺术发展的过程论文

摘要:自古以来，中国音乐就注重“善”与“美”的结合，追求“诗”与“画”的意境。 关键词:诗画 情感 音乐 中国民族音乐源远流长，它以独特的精神内涵与流动特性融入到传统文化的各个部类，以其独特的功能作用于中国传统文化之中，其中包括绘画的气运及诗歌的意韵。在中国古代，音乐是最被重视、并且获得高度发展的艺术，甚至可以说是各门艺术的中心和源泉，而其中最主要的就是诗和画了。 中国人常用“诗情画意”一词来表达美的境界，这个词形象地说明了中国民族音乐注重情趣和意境，强调“善”与“美”的结合，向善中求美。“诗中有画、画中有诗”是说抽象的文字可以表达抽象的情趣。诗词是用文字来表达人的情感和动人的意境，而绘画则是用图画来描绘美丽的图景。中国绘画中有“工笔”、“写意”两大类，工笔画细致入微、精雕细刻，追求的是“形似”;写意画是用笔放纵、造型概括，追求“神似”。而“传神”一直是中国画的最高追求。 正是受这种意境的影响，中国音乐有其独特的美学思想和艺术境界。音乐艺术本身就是一个文学、诗歌、历史、美术的综合体。它所映现的也正是历史发展过程中人类物质和精神力量达到的程度、方式和成果。 任何艺术都是在主观和客观相互关系之间建立起来的，徐复观先生在《中国画与诗的融合》一文中说:“绘画不仅仅是再现自然，但终究以再现自然为基调，所以它常常是偏向于客观的一面。画因为是以客观自然为基调，所以就定画的机能是‘见’。诗则是表达感情，所谓‘诗以言志’以言志喂基调，所以常常是偏向于主观的一面。”钟嵘《诗品》以开始便说“气之动物，物之感人”，而诗人必定是“善感”的人，可以说，画是“见的艺术”;诗则是“感的艺术”，那么音乐作为表现人类情感的一门艺术，所包含着的非语言、非概念、非思辨所能传达、说明、代替、穷尽的某种情感的、观念的、意识和无意识的意味，同样也是那样朦胧而丰富，宽广而不确定。到后来谈到“因为中国文人能有意识地在诗中发现出画的题材，并由此再进一步用作诗的方法来画，从而提高了画的意境，使之得以在精神上进一步将两者融合在一起。用画来说明诗的‘远’的意境，则是诗与画的相互启发，循环无端了”。在我看来中国艺术中岂止诗与画能做到“互相启发，循环无端”书法与诗画，书法与篆刻，音乐与书法，音乐与诗画。扩而大之，华夏艺术正是如此生生不息，得以流传的。 因而要很好地表现中国音乐，就要把握好中国自古以来一直追求的这种意境。而我们可以借鉴其他跟音乐紧密相连的艺术形式，来更好地表现音乐。如诗与画。在演奏和欣赏一些诗情画意的古代曲目时，我们可以结合诗与画的特征来演奏和欣赏它。

古典艺术的历史与发展论文3000字

关于艺术的起源问题一直被学术界称为"斯芬克斯之谜",这主要是因为人们对人类早期的历史和艺术方面的资料所知甚少.尽管如此,历史上的许多学者还是在这一领域进行了不懈的探索和努力,从不同的角度提出了各种关于艺术起源的学说.这些学说从不同的角度揭示了人类艺术发生的某些条件和根据,对学习艺术和进行艺术教育有着重要的价值.虽然这些关于艺术起源的学说必然涉及到人类艺术的方方面面,但其中关于美术起源问题的论述通常都是这些学说的重要方面.以下我们就来简要介绍、评析一下历史上几种主要的关于人类艺术（美术）起源的学说.
　　1、模仿说
　　这是一种关于艺术起源问题的最古老的理论,始于古希腊哲学家.这种学说认为：模仿是人类固有的天性和本能,艺术起源于人类对自然的模仿.在古希腊哲学家看来,所有艺术都是模仿的产物,美术艺术如此.亚里士多德认为："艺术模仿的对象是实实在在的现实世界,艺术不仅反映事物的外观形态,而且反映事物的内在规律和本质,艺术创作靠模仿能力,而模仿能力是人从孩提时就有的天性和本能."继古希腊哲学家之后,文艺复兴时期的达
芬奇、法国启蒙思想家狄德罗、俄国作家车尔尼雪夫斯基等人都不同程度地继承和发展了这一学说.这种理论直到十九世纪末仍然具有极大的影响.
　　今天,用模仿说作为艺术起源的动力的美学家已经不多了,因为事实上有很多现象,如人类的史前洞穴壁画是很难用模仿的冲动去解释的.但模仿说仍有它一定的价值,它揭示了人类一种比较原始的心理倾向,这种倾向与艺术是相通的.一方面,对客观事物的模仿也是一种对事物的把握方式,它使人从中看到自己的智慧和能力,从而引起人心理上的快乐和满足.另一方面,不管原始人由于什么原因创作和制作了原始艺术,这些原始艺术本身（如史前洞穴壁画上的动物轮廓）却无疑是由模仿得来的,也就是说,模仿即使不成为动因,也至少是一种必不可少的手段.正因为史前造型艺术都基于模仿的手段,我们才能认识到这些形象所模仿的原型是什么动物.我们从今天所发现的原始艺术作品中也不难看出,模仿是大部分原始艺术创作和制作的主要方法.而其它方法,如表现和象征的方法也都是从模仿之中发展演变而来的.
　　2、游戏说
　　游戏说认为艺术起源于游戏,它是包括美术在内的艺术发生理论中较有影响的一种理论,其代表人物是德国著名美学家席勒和英国学者斯宾塞,人们也因此把游戏说称为"席勒－斯宾塞理论".席勒在《美育书简》中,通过对游戏和审美自由之间关系的比较研究,首先提出了艺术起源于游戏的观点,认为艺术是一种以创造形式外观为目的的审美自由的游戏."自由"是艺术活动的精髓,它不受任何功利目的的限制,人们只有在一种精神游戏中才能彻底摆脱实用和功利的束缚,从而获得真正的自由.游戏说还认为,人的审美活动和游戏一样,是一种过剩精力的使用,剩余精力是人们进行艺术这种精神游戏的动力.人是高等动物,它不需要以全部精力去从事维持和延续生命的物质活动,因此有过剩的精力,这些过剩精力体现在自由的模仿活动中就有了游戏与艺术活动.斯宾塞和席勒一样,也认为游戏是过剩精力的发泄,它虽然没有什么直接的实用价值,却有助于游戏者的器官练习,因而它具有生物学意义,有益于个体和整个民族的生存.
　　游戏说强调了游戏冲动、审美自由与人性完善间的重要联系,对于我们理解艺术在审美方面的发生具有重要价值.它揭示了艺术发生的生物学和心理学方面的某些必要条件,如剩余精力是艺术活动的重要条件,艺术的娱乐性和审美性等,揭示了精神上的自由是艺术创造的核心,对我们理解艺术的本质是富于启发的.但它把艺术看成是脱离社会实践的绝对自由的纯娱乐性活动,且偏重从生物学的意义上来看待艺术的起因,过分强调了艺术与功利的对立,有绝对化和片面性的弊病.
　　3、表现说
　　这种学说认为艺术起源于人类表现和交流情感的需要,情感表现是艺术最主要的功能,也是艺术发生的主要动因.持这一理论的主要有英国诗人雪莱、俄国文学家托尔斯泰等,还有欧美的一些现当代美学家.在这种学说看来,原始人所有的艺术只有一个最主要的推动力,那就是他们通过各种艺术来表达他们的情感,从而促成了艺术的发生和发展.如托尔斯泰认为："艺术起源于一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人,于是在自己心里重新唤起这种感情,并用某种外在的标志表达出来."这些外在标志就是用动作、线条、色彩、声音以及言词所表达的艺术形象,通过这些艺术形象的传达,使别人也能体验到同样的感情.这样,作者所体验到的感情感染了观众或听众,这就是艺术活动.
　　如果说人类的科学主要是与理性、认知相联系的话,人类的艺术就更多地是和感性、情感等联系在一起.表现和交流情感的确是艺术的一个重要特征,因此表现情感也是推动艺术发生和发展的重要心理动力.但是人类表达情感的方式是多样的,语言、情感都能表达情感,而且艺术也不仅仅是表达情感的工具,因此这一学说并不能完全说明艺术起源的全部原因.
　　4、 巫术说
　　巫术说是西方关于艺术起源的理论中最有影响、有势力的一种观点.这种理论是在直接研究原始艺术作品与原始宗教巫术活动之间的关系的基础上提出来的,最早由英国著名人类学家泰勒在他的《原始文化》一书中提出.这种观点用实用性来解释艺术的起源,认为在原始人心目中,最初的艺术有着极大的实用功利价值.按照这种理论,原始人所描绘的史前洞穴壁画中虽然有许多在我们今天看来是美丽的动物形象,但他们当时却是出于一种与审美无关的动机,即巫术的动机.如许多旧石器时代晚期的洞穴壁画和雕刻,往往是处在洞穴最黑暗和难以接近的地方,它们显然不是为了给人欣赏而制作的,而是史前人类企图以巫术为手段来保证涉猎的成功.还有些动物身上画有或刻有被长矛或棍棒刺中和打击过的痕迹,按照巫术说的观点,这是因为原始部落有一种交感巫术的存在,原始人认为任何事物的形象与实际的该事物都有一种实在的联系,如果对事物的形象施加影响,实际上也就是对这个事物施加影响,在动物身上画上伤痕也就意味着他们在实际的涉猎当中可以顺利地打到猎物.原始东西壁画中这些身上有被刺中或击伤痕迹的动物形象,成为支持艺术产生于巫术学说的有力证据.

巫术说对于我们理解原始艺术,特别是原始美术发生的动力,以及这些艺术在当时条件下非审美的性质具有重大意义.但巫术说把精神动机视为原始艺术发生的唯一动机,忽略了隐藏在精神动机后面的动因,即人类的物质生产活动,因而也不能完满地解释原始艺术的真正起源.
　　5、劳动说
　　在我国文艺理论界占据主导地位的理论,是认为艺术起源于生产劳动.19世纪末叶以来,在欧洲大陆许多民族学家与艺术史家中,就广为流传艺术起源于“劳动”

的理论.希尔恩在《艺术的起源》中就曾经列出专章来论述艺术与劳动的关系；俄国普列汉诺夫在《没有地位的信》中,通过对原始音乐、原始歌舞、原始绘画的分析,以大量人种学、民族学、人类学和民俗学的文献证明,系统地论述了艺术的起源及其发展问题,并且得出了艺术发生于劳动的观点.恩格斯指出,“首先是劳动,然后是语言和劳动一起,成为两个最主要的推动力,在它们的影响下,动物的脑髓就逐渐地变成了人的脑髓”.

有关欧洲艺术的影响论文

欧洲艺术发展的过程也是一部艺术和设计的发展史。下面是我为大家整理的欧洲艺术的影响论文，供大家参考。

摘要：艺术的分期有多种，中世纪艺术在历史上有着其特殊的地位与作用，作为一个时代艺术的定位，欧洲中世纪往往被冠以“黑暗时代”的恶名，那么中世纪艺术究竟有着怎样的命运?是高尚，还是卑微;是进取，还是保守;是自由，还是专制，都是在这一历史时期所产生的疑问，对中世纪的艺术进行一番疏略阐述，或许会对这些疑问得出些结论。

关键词：中世纪 艺术 走向

一、何谓“中世纪”

按照历史学家的大致观点，历史上的“中世纪”(Middle Ages)一般是指日耳曼民族攻占罗马，即西罗马帝国灭亡(公元476年)开始，至15世纪文艺复兴(公元1453年)之后，资本主义萌芽之初为止。这只是一个比较统一的认识，史学界还存在着诸多种关于中世纪历史的界定，但其大致的范围不会脱离此区间。

历史上的中世纪曾长达近一千年，是欧洲历史上(主要指西欧)的一个时代，意大利诗人彼特拉克(公元1304~1374)将历史划分为古代、中世纪和近代，视中世纪为一个无比混乱的中间期。他习惯性地将中世纪这一时期成为“黑暗时期”。那为什么会叫做“黑暗时期”呢?

“中世纪”一词是从15世纪后期的人文主义者开始使用的。在政治上，这段历史也叫做中古史，指的是476年西罗马帝国灭亡到1640年英国资产阶级革命爆发这一时期的历史(与前表述有)。封建制度的形成、发展和解体是这一时期欧洲历史的主线。但是世界各国封建社会的发展是不平衡的，当西欧在5世纪刚刚进入封建社会的时候，中国封建社会的历程已经持续了约1000年。

这个时期的欧洲没有一个强有力的政权来统治，封建割据带来频繁的战争，造成科技和生产力发展停滞，人民生活在毫无希望的痛苦中，所以中世纪或者中世纪的早期在欧美普遍称作“黑暗时代”，传统上认为这是欧洲文明史上发展比较缓慢的时期。

这样看来，似乎中世纪的一切都笼罩在“黑暗”的阴影之下，没有光明，没有喘息，没有呐喊，没有生机，“黑暗”统治着一切，就连艺术这样最为灵活便利地反映精神生活的方式也难以开花结果。事实果真如此吗?

二、中世纪艺术表现思考

提到“中世纪”，人们会想些什么?“中世纪”这个词会使一些熟悉的图景浮现在人们的脑海：哥特式的大教堂，封建城堡，十字军和贵族战争，宗教法庭上燃烧的火焰。从几个世纪前“中世纪”作为划分古希腊罗马和近代历史的名称而开始使用时，就带有一种贬义，它暗指欧洲 文化 历史的毁灭和空白，并一直延续至今。“如果人们想找一个形容词来描述落后、缺乏文化、没有法制，人们就可以使用中世纪这个词。‘中世纪’实际上成了描写一切黑暗和反动的词的 同义词 了。”①那是否在黑暗笼罩下的一切都是暗淡无光的呢?艺术也是如此吗?我们不禁会问。

诚然，中世纪在政治上有其黑暗的一面，表现在艺术上也是如此，但艺术有着更加顽强的生命力，在适应时代要求的同时，它总是能够在黑暗中给人以光明，给人以心灵的慰藉，并有力地推动了历史前进的步伐，成为借鉴历史的一面明镜。中世纪的艺术在这方面表现的尤为突出，虽然因为历史的局限性，它存在着这样或那样的不足之处，但其取得的艺术成就也是前无古人并足以令后世所景仰的，它在世界艺术之林中所占的地位更是举足轻重的。

哥特式教堂的宏伟庄重，拜占庭镶嵌画的优美华贵，罗马雕塑的粗犷沉重，都是对特定时期艺术现象的风格描述，都有其特定的内涵。黑格尔在《美学》中把建筑划分了三类：古埃及的象征主义建筑、古希腊的古典型建筑和中世纪的哥特浪漫型建筑。“浪漫型建筑在材料和建筑构形的科学性、合理性、完善性方面都超过了古典型建筑，也就是说在审美判断力的主导之下，最合宜的材料和最经济合理的构形被组合成无与伦比的人类构造物，并体现了人类最崇高的理想。”②为了表达对基督的崇拜和解脱的愿望，建筑的形式被夸张到无形式的程度，崇高伟大也被扩大到无限量，浪漫型建筑达到了审美判断里的最高层次——崇高和伟大。

拜占庭的镶嵌画既有鲜艳夺目的色彩效果，又有坚实稳固的结构感，在造型上尤其讲究概括，不是通过细节刻画而是通过色彩对比来达到其形象的造型，使主体鲜明突出。可以想象，在光线的照射下，那些互为补色，外型概括的形象在金色背景的衬托下，是如此的绚烂夺目，又是如此的和谐统一。它给予信徒的就是这样一种无尚崇高和神圣的宗教感受。镶嵌画达到了基督教所要求的肃穆矜持与激动人心的永恒，无疑是具有独特风格与形式的拜占庭艺术的最好表现。

罗马雕塑的复兴证明了艺术家的无穷无尽的 想象力 和创造力，无论是欧坦教堂山花壁面的人物造型，还是高大的柱头装饰，都显示出了逼真生动、自由大胆、变化多端的效果。

政局动荡，社会混乱，必然会对经济、艺术等领域产生不小的影响，但我们知道，艺术发展总有它的不平衡性，无序状态下的艺术也未必不能开出绚烂的花朵。正如中国古代的魏晋之风，欧洲中世纪的艺术园地也别具一格。在那一时期所创造的艺术成果和形成的艺术风格是那段时期特有的精神财富，甚至它的影响遍及世界各地及至现代。如果要说它的某些弊端的话，我想大概是宗教意识在艺术上给人的一种精神压迫，这种精神约束力在整个中世纪时期是一直存在的。

欧洲中世纪的教会有着无比强大的力量来操控着社会事务，中世纪初基督教的支派天主教会帮助日耳曼人建立和巩固政权，教会的势力随之壮大。“灵魂救赎”、“人间互爱”等思想主张不但适用于奴隶主，同样适用于封建主，有利于维护封建统治。基督教的基本教义成为封建贵族阶级的宗教，成为其统治服务的工具。

中世纪的西欧在最初主要是自然经济占主导地位，生产力低下，科学技术无法应用于生产。在社会上，群众受到教会和封建贵族的压迫，被剥夺了受 教育 的机会，教会推行的愚民政策流传开来。教会“可以从政治、经济、文化、教育、思想等各个方面，通过各种不同的手段和途径控制群众，施加其影响，这就使宗教神学必然成为占统治地位的官方意识形态，群众思想不可避免地会受到宗教神学的深刻影响，他们的思想感情是受宗教熏陶的，是由宗教滋养的。几乎人人都成了虔诚信徒，完全屈服在教会权威之下，成了正统教义和教会权威的奴隶。这种状况严重阻碍了生产的发展和社会的进步。”③至此我们可以理解艺术在中世纪被打上宗教烙印是现象。

历史的发展总有它的高潮和低谷，以至于后来14、15世纪天主教的神学思想受到了来自“异端”分子的攻击，他们并不认为人活着要有禁欲的必要，他们要求解除天主教困扰在他们头上的精神枷锁。伴随着资本主义的萌芽，反教会的斗争也愈演愈烈，终于在16世纪中期出现了文艺复兴和宗教改革，这些运动主张在思想和文化上冲破封建的牢笼和教会的精神束缚，给予人自身真正的尊严和价值，恢复人的自由意志，肯定人在现世所应享的幸福，这使得欧洲又迈上了一个新的台阶，开启了一个新的时代。

这也从另一个方面说明了艺术在中世纪所遭受的苦难，但也仅仅是限于艺术精神上而言，在形式上看来，中世纪的艺术并没有承担过多的罪责。我们应该记住艺术精神对自由性，同时也不忘艺术形式的多样性。

3.结 语

中世纪已经离我们远去，但历史留给我们的遗产是丰富多彩的。宗教的神圣光环已经在中世纪的上空褪去，艺术也早已走下那高不可攀的神坛，它变成了大众得以品评的盛宴。我们姑且不用去考量那段时期的艺术究竟是伟大还是渺小，是光荣还是卑拙，因为艺术的走向不是单单艺术本身的事情，它牵扯到太多的关系。在这里，我们只需细细地品味它那独特的味道，感受其深邃和震撼的力量，或许也能体会出些艺术的精神和启示。

注释：

①【苏】A.古列维奇，庞玉洁、李学智译.中世纪文化范畴.杭州:浙江人民出版社.1992年版.第1页.

②李卫、费凯著.建筑哲学.上海:学林出版社.2006年.第357页.

③陈曦文.世界中世纪史研究.北京:人民出版社.2006年版.第208-209页.

参考文献：

[1]中央美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室.外国美术简史.北京:中国青年出版社.2007年版.

[2]郑敬高.欧洲文化的奥秘.上海:上海人民出版社.1999年版.

[3]陈乐民.欧洲文明十五讲.北京:北京大学出版社.2004年版.

[4]庄锡昌.西方文化史.北京:高等教育出版社.1999年版.

内容摘要：艺术和文化上的发展变化，必然会在人们的服装风格上反映出来，尤其是女装的风格总是与一个时代以及这个时代的文化艺术紧密联系在一起的。

关 键 词：哥特式艺术风格 巴洛克艺术风格 洛可可艺术风格 新古典主义艺术风格 女装风格

每个时期都有不同的艺术风格流派，它们表现在建筑、美术、音乐、文学及染织艺术等各个艺术领域，对人们的社会生活、精神生活产生影响。在欧洲的艺术史上哥特式艺术风格、巴洛克艺术风格、洛可可艺术风格、新古典主义艺术风格占据着举足轻重的地位，同样地影响到同时期的服装风格。

一、四大艺术风格的特点

哥特式艺术风格 “哥特式”原本是起源于一种极具特色的建筑风格——笔直的立柱，高挑的天顶，多尖的拱门，这些均可见于中世纪的一种以尖顶大教堂，特点为尖拱、小尖塔、垛墙、飞扶壁和彩色玻璃镶嵌等典型元素。这种风格影响到整个欧洲，反映在不同的艺术领域，如绘画、 雕刻 、装饰、音乐等艺术形式上。其特点是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征。

巴洛克艺术风格 巴洛克代表了路易十四的精神。它具有气势雄伟、生气勃勃、色彩艳丽、线条优美、富丽豪华的风格。它把人类精神从古典主义的枷锁中解放出来，使其沉溺于无边无际的、令人神往的梦幻之中。它一开始主要针对17世纪意大利的建筑风格。后来，巴洛克风格影响到建筑、美术、音乐、文学及染织艺术各个领域。巴洛克艺术风格最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派。

洛可可艺术风格18世纪的法国仍是西欧的文化艺术中心，由于沙龙文化在法国的蓬勃兴起，使女性成为了男性世界注目焦点，形成了一种不同于巴洛克时期那种庄重豪华、拘泥虚礼的宫廷文化的文化形态，那就是洛可可艺术风格。洛可可风格的鼎盛时期是路易十五时代，它主要是指路易十五时代的一种室内装饰风格：C形、S形曲线或漩涡状花纹的装饰风格。另一个特色则是甜美轻快、精巧华丽，而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。这种特色影响到当时的服装，甚至以“洛可可”一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。

新古典主义艺术风格 新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期，其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的“庄重与宁静感”之题材与形式，并融入理性主义美学。

二、四大风格对同期女装风格的影响

哥特式风格 哥特式风格深深地影响了中世纪法国服装的服饰审美及服饰创造。受建筑风格的影响，哥特式服装风格主要体现在服饰形象是高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角，在面料上表现出与哥特式教堂内彩色玻璃的效果是一致的光泽和鲜明的色调。裙饰多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。尖尖的埃宁帽就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。

巴洛克风格 由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，“巴洛克风格”代称17世纪欧洲的服装款式。其着装特点是大量的使用蕾丝、花边，并配以奢侈豪华的装饰，如丝绸带、大扣子、 刺绣 、珠宝等，所以这种风格的时装和配饰表现出来的尽是奢华和古典的面貌。

裙子是巴洛克女装的重点。衣裙特点是松垂、多褶、曳长，比文艺复兴时期柔和、自然、大方、富有浪漫气息，更显出女性自然的妩媚。女性除了外边的罗布以外，还要穿三条不同颜色的裙子(即衬裙、内裙和外裙)，以取代裙撑架。下裙穿多层肥大而多褶的裙子，使下体显得鼓大，以增添体积感和层次感。服装上不论是整体造型还是局部造型，都是更多地强调曲线，展露出女士特有的性别魅力。

洛可可风格 作为一种服装的风格，洛可可风格的特点是极致的优雅和精致，它打破了文艺复兴以来左右对称的模式，创造出一种非对称的，带有轻快、优雅的运动感的，自由奔放而又纤细、轻巧、华丽、繁琐的装饰样式。

女性服装内穿束身马甲，裙撑架再度兴起，此时裙撑架的形式为前后扁平、左右对称，要在裙撑外穿一条华丽的衬裙，外穿罗布，一般前开，领口成一个大的U字型，上面露出紧身的胸衣，胸衣自上而下按大小顺序排列着一排缎带蝴蝶结，罗布下面也成A字型打开。衬裙外露，衬裙和罗布上也都装饰着曲曲弯弯的皱褶飞边、蕾丝、缎带蝴蝶结和鲜花。袖长到肘部，袖口也有三层的蕾丝花边。

新古典主义风格 1790年到1820年， 新古典主义思潮兴盛，使女装向古希腊、古罗马那种自然样式倾斜，以自然简单的款式，取代华丽而夸张的服装款式。Robe chemise就是这一时期的典型样式。这是一种白色棉布制作的宽松的衬裙式连衣裙，连衣裙的腰际线提升到胸部下面，使人体的比例更加好看，胸部的内侧有护胸层，取代了紧身胸衣，解除了对女性身体的束缚。袖子很短，露出手臂;裙子很长，一直垂到地上，使女性着装又一次回归到淡雅、自然之美。

三、四大艺术风格对现代女装风格的影响

当今时装界，欧洲古典的艺术风格流派仍然是很多服装设计师们的灵感来源，设计师们高举复古风的旗帜,在许多细节设计上都回归到了几个世纪之前。

Gucci就曾以哥特式风格为灵感设计的系列服装，非常性感。黑色摇滚女郎，带有上个世纪30年代好莱坞女星的味道：裤子为宽裤脚，剪裁紧身、修长，配搭绑带、高跟鞋，性感中带个性，使得女郎带有哥特式的神秘色彩。

巴洛克风格也被时装设计大师们所宠爱。YSL设计师Tom Ford以巴洛克风格为灵感来源，把法式蕾丝、领结、宽袖，重新演绎成现代服饰。他所采用的材质，展现出既成熟又性感的女人形象。绑带是设计中的细节重点，常常出现在上衣、裙子、鞋子上，还有宽袖口、领结，以及以黑色为主调，华丽的绣花，古典的收腰外形，不禁令人遥想几百年前的法国宫廷圣罗兰女人的万种风情。

D&G2008年春夏礼服系列，是时装界回归洛可可风格的一个高潮。印花布料和夸张的裙撑、打折的花边、繁复的缀饰、低胸衬裙的造型设计以古典优美的X形轮廓为中心并强调裙及袖的层次和质量。在色泽选择上，将草绿、粉红、鹅黄等富丽堂皇的色彩一一呈现，顿现轻巧而华丽。

2008年雅莹和2008—2009秋冬专场发布会以新古典主义为灵感来源。其服饰将女性形体间的极佳比例完美呈现，通过立体剪裁、抽褶、滚边等勾勒出极具视觉效果的空间感，并配以夸张的蝴蝶结、复古的宽腰带和金属饰物。饰物色彩上以黑金、米黄为主体色，略施点缀玫瑰红和暗橘、墨绿等色，从而显出经典的华丽与高贵。

结语

欧洲艺术风格不仅仅有这四类。多样的文化必然会造就社会多彩多姿的艺术形式，而服饰更是时代的一面镜子，它不仅反映出人与自然以及社会的关系，且折射出一个时代的氛围和人们的精神面貌。

参考文献：

[1]华梅.西方服装史[M].中国纺织出版社，2002.

[2]臧迎春. 中西方女装造型比较[M].轻工业出版社，2001.

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浅谈艺术设计发展风格演变的过程

一个国家不同时代的艺术设计风格，
总是从传统中汲取营养，与时代的需求发
生共鸣，产生新的经得起历史的检验设计
形态，同样也会成为未来的传统，并在这
种循环中不断变化发展。我国自加入
WTO 以来，经济全球化、文化国际化的
趋势越来越明显，各民族间的文化影响日
益加大，科学技术发展，新旧文化观念的
冲突，都影响着环境艺术设计风格的变化
发展，没有民族特色的艺术设计作品难以
在世界立足。如何将现代文化观念与传统
文化结合促进环境艺术设计风格的发展，
成为当代设计艺术家关注的焦点。
一、构建具有民族特色的现代环境艺术设
计风格离不开对传统文化的继承和发展
环境艺术设计风格是指设计艺术家在
创作上总体表现出来的独特的创作个性与
鲜明的艺术特色。通过艺术形式表现为对
时代文化观念的理解，反映社会大众的审
美理想和价值取向。环境艺术设计风格的
形成除了受到设计艺术家个人的性格、气
质等内在心理特征和独特的人生道路、生
活阅历等主观方面的原因影响外，更重要
的是受到深刻的客观社会因素影响。客观
社会因素就包含了国家的民族文化特色、
时代精神、民族特性等多方面，它们共同
影响艺术家个体的性格、气质形成，进而
影响艺术设计家设计风格的价值取向。环
境艺术设计风格的形成与发展反过来还积
极或消极影响着人类文化进步，与民族精
神和民族文化相联系且相辅相成。
环境艺术设计是处理人、空间、环境
之间相互关系，最终为人类提供和谐环境
的一门学科，从其产生发展都受到人类文
化的影响。人类文化的发展总是在继承和
创新中进行，中国传统文化经过上下五千
多年历史的积淀，其蕴涵丰富的哲学思
想、社会历史文化观念和底蕴，它影响着
中国社会经济、政治、艺术等方面的发展，
推动人类社会的不断进步。中国传统文化
的丰富养料为中华民族特色的艺术风格形
成、变化、发展都发挥重要作用，推动中
国环境艺术设计风格发展。中国传统文化
包含物质要素（社会经济、生产技术）、精
神要素（包括先秦哲人的“天人合一”的
道家思想，“中庸”之道的儒家思想、中国
古代的审美理念和审美追求）、表现形式
要素（语言、姿势、表情、动作、声音、图
形、标志）等，共同作用并影响着环境艺
术设计风格的形成和发展。
中国传统文化中物质要素是环境艺术
设计风格发展的基础。每个时期的社会经
济、生产技术条件制约着环境艺术设计建
造的规模、建造技术、新材料开发使用等。
中国古代民居建筑、皇家园林建筑充分利
用和发挥封建社会时代的物质条件和手工
业技术，创造了具有中国民族文化特色的
木建筑结构形式和古典园林风格。环境艺
术设计风格中高技派、光亮派、白色派、新
洛可可派、超现实派、解构主义派以及装
饰艺术派等流派的发展，在继承或反传统
基础上突出当代工业技术成就，崇尚“机
械美”，在环境中暴露梁板、网架等结构构
件以及风管、线缆等各种设备和管道，并
在建筑形体和环境艺术设计中加以炫耀，
强调工艺技术与时代感。社会经济和生产
技术的发展总是在以往基础上积淀、批
判、创新发展的，环境艺术设计风格自然
受此发展过程的影响，并通过自身的表现
形式反映这一过程浓缩的民族文化精神。
环境艺术设计风格总是沉积文化的成
分，并反映时代的民族文化精神。中国古
典园林堪称世界园林之巅，展现了深厚的
中国传统文化“隐逸精神”和文人审美思
想。例如拙政园的园主是明嘉靖年间的御
史王献臣。由于朝中权贵倾轧，官场失意，
王献臣回乡后用原来大宏寺的一部分基地
建造了一座园林。晋代潘岳的《闲居赋》中
有一段话：“庶浮云之志，筑室种树，逍遥
自得。池沼足以渔钓，舂税足以代耕。灌
园浇蔬，以供朝夕之膳；牧羊酤酪，以俟
伏腊之费。孝乎惟孝，友于兄弟。此亦拙
者之为政也。”王献臣取其意，自我解嘲地
把园名称之为“拙政园”。显然拙政园成为
中国传统文化——隐逸文化之载体。又如
同里的退思园建于清光绪年间，园主是安
徽兵备道任兰生。光绪十一年（1885年），
任兰生遭人弹劾，罢职还乡，花了10万两
银子建造宅园，取《左传》“进则尽忠，退
思补故”之意，命名为退思园，由造园名
家袁龙设计。为了不露富，建筑格局突破
常规，改纵向为横向，自西到东，西为宅，
中为庭，东为园。任兰生只住了两年，后
又复官上任。园内建筑或题咏都表现出园
主人归隐与入世相杂的复杂心理，它也是
封建士大夫比较典型的一种心态。因此，
中国古典园林更为重要的是，包含对人
生、对世界的深刻理解以及对情感归宿的
执著追求。根植东方文化土壤的我国园林
进一步阐释文化及文化精神是艺术设计风
格形成的根基。现代环境艺术设计在完成
人的功能需求基础上，更加关注人的精神
需求和生成需求，传统文化中的“天人合
一”演绎到现代环境艺术设计风格的生态
文化、绿色文化、自然观等设计理念，说
明了现代环境艺术风格发展和文化一样具
有很强的继承性，现代环境艺术风格发展
离不开传统文化。现代环境艺术设计风格的民族特色，
是由本民族的地理环境、社会状况、文化
传统、风俗习惯等多种因素决定的，体现
本民族的审美理想和审美需求。艺术设计
的民族风格离不开民族的文化心理结构。
从中西的建筑、文学、戏剧、音乐、绘画
等各类的比较中，可以得出不同艺术风格
源自不同的文化基础。总之，环境艺术设
计风格就是要体现出本民族的精神、性格
和气质，体现出民族的文化、风俗和习惯，
体现出民族的审美理想和美学传统。
不少现代设计师自觉地在自己的设计
中融入了传统的因素。英国设计师吉尔设
计的新英文字体就是基于传统字体的造
型。丹麦的雅科布森和芬兰的阿尔托在其
建筑设计和家具、灯具、餐具设计中，努
力做到在工业化中反映手工业，在现代化
中反映民族传统和地域传统。
二、构建具有中国传统文化特色的现代环
境艺术设计风格
1.吸取传统文化哲学思想精髓融现代
观念构建我国现代环境艺术设计审美理
想。
我国是有丰富文化传统的文明古国。
我国的传统文化博大精深，集儒、道、佛
之大成，并对周围国家和地区的思想观念
影响极大。我国的文化注重人与人的关
系，崇尚“仁义” 和“礼乐”，注重家庭
伦理，提倡调和持中，即在人身上体现出
的和谐，注重人和环境的关系，崇尚“天
人合一”的自然和谐观。
“天人合一”是人本哲学和美学的完
美结合，是中国传统文化的基本精神，主
张人与自然要建立起亲密和谐的共存关
系，讲究审美主体与客体的默契和形式内
容的和谐，重人情、重感受、重表现、重
意境，以美为最高准则，怡情于志，强调
美、善的结合，注重审美的认识和教化的
作用；求“气韵生动”即“象外之象、味
外之味、韵外之致”，深深地渗透到中国艺
术的创作实践中，形成具有独特中国文化
特色的环境艺术设计风格。在我国的传统
审美系统中，禅宗意识有其极重要的地
位。我国的禅宗，渗入了浓烈的审美成分，
具有深厚的审美追求的内涵，成为审美追
求的创构，培养了设计师独特的审美观，
因而，形成了“禅意”风格的当代众多设
计艺术流派。
在现代环境艺术设计中，除了考虑设
计师个人审美理想外，还必须要考虑到人
们的审美特点，有意识地从传统审美韵味
中吸取其精粹，合理应用在现代设计的思
维之中，这样才能设计出具有浓郁民族精
神的、意境深邃的设计作品，才能形成独
特审美情趣的艺术风格。
2.培植现代文化与我国传统文化和谐
共生的文化土壤，构建我国现代环境艺术
设计风格形成的文化氛围。
我国现代环境艺术设计处在文化国际
化时代，文化的国际性催生了新的审美理
想、审美观念和审美需求等，改变了现代
环境艺术设计的文化环境，同时传统文化
仍然影响着人们的思维方式，在设计中自
然运用到传统的因素，这就需要培植现代
文化和传统文化和谐共生的文化土壤，才
能促进具有中国民族文化特色的现代环境
艺术设计风格的形成。现代文化具有鲜明
的时代特征，传统文化具有强烈的民族特
征，用辩证的观点看待和处理二者的关
系，就能让二者融为一体，共同促进我国
现代环境艺术设计风格的形成。
3.创新发展中国传统文化，构建丰富
中国环境艺术设计源泉。
传统并不是固定不变的，传统是发展
的。包豪斯格罗庇乌斯说过：“真正的传统
是不断前进的产物，它的本质是运动的，
吴彪重庆文理学院美术系讲师，武汉理工大学艺术
与设计学院在读硕士研究生，主要从事环境艺
术设计方向研究
龙厚强重庆文理学院美术系讲师，主要从事油画艺术
方向研究
不是静止的，传统应该推动人们不断前
进。”日本设计理论家佐口七朗认为:“继
承发展一切优秀的传统，不是融于古物之
中，而在于继承保全作为传统精神的创作
者的理念，即创造。”设计师创造的设计文
化，是在继承传统文化的基础上，对设计
文化不断接受、不断选择和不断优化的过
程。设计师个人的创造力在设计审美文化
中起着重要作用，推动现代设计的发展，
同时也传播传统文化，使我国现代艺术设
计源泉长流不断。
传统文化永远是艺术设计不竭的源
泉，民族的文化传统、审美心理等在设计
上的体现形成艺术设计风格，环境设计艺
术从功能内容到审美形式、从技术设计到
艺术设计都体现艺术设计的民族风格。我
国的环境艺术设计风格既要有民族风格又
要有时代风格，有助于传统环境艺术意境
运用于现代设计中，以达到古为今用、继
承与创新的目的，才能使中国创造在世界
立于不败之林。
参考文献：
1.郑曙扬《新旧碰撞的启示—现代设计理念与传统
文化情结》《装饰》1999
2.彭吉象《艺术学概论》北京大学出版社 1994
3.林振武《浅谈室内设计的风格流派和发展趋势》 《广
东建材》 2005.9
4.《品味中国古典园林中的文化》人民日报海外版 2003
5.章利国《现代设计美学》河南美术出版社 1999

关于艺术创作的过程的论文

谈谈艺术创作的过程   
 
 
    艺术创作是一个复杂的过程，可以分为艺术体验、艺术构思和艺术表现三个阶段。这三个阶段表现为连续的和不可分割的整体。    艺术体验，是艺术创作的准备阶段。它是创作主体在审美经验的基础上，充分调动情感、想象、联想等心理要素，对特定的审美对象进行审视、体味和理解的过程。通常情况下艺术体验包含三部分：材料的储备和审美经验的积累；审美发现和审美领悟的发生；创作欲望的萌动及动机的生成。艺术创作是我们对客观生活的主观认识和能动创造，是主客体的遇合和主客观的统一。只有积累了大量的生活素材，我们才能从中生发出独特的感受激发出强烈的感情，提炼出深刻的思想，创造出鲜活的形象，从而真实的放映生活的本质。在艺术创作过程中我们不是被动的而是主动的，社会生活是艺术创作的逻辑起点，我们要进行创作，就要深入生活，积累生活素材。如果没有生活的原材料，我们是不可能凭空加工，生产出艺术作品的。如元四家之冠的黄公望在年逾古稀之时，还常“云游在外”，以山川为师，随身带着纸笔，时时对景写生，长达数年之久，才创作出著名的《富春山居图》。石涛说：“搜尽奇峰打草稿也。”这些都是饱含创作艰辛的经验之谈画家达·芬奇认为艺术家应当“自然的儿子”，不要当“自然的孙子”，就是要直面生活在大自然之中，寻求创作的源泉，而不要与自然成“隔代”的间接关系。他为了创作《蒙娜丽莎》，表现那富有魅力的一笑，他运用解剖知识，研究笑的规律，还有大自然的微妙变化。在长期的感受与积累中，他终于从微风吹拂的流涟的湖水中受到了启发，创作了举世谜人的微笑，表现了高贵端庄的娴静之美。。    艺术构思，是指艺术创作者在艺术体验的基础上，以特定的创作动机为引导，通过各种心理活动和特定的艺术思维方式，对原始素材进行加工、提炼、组合，在头脑中形成艺术意象的过程。艺术意象是艺术创作者的审美情感与客观事物相融合的产物。它是艺术创作的中心环节和关键一步。在艺术构思中最重要的确定题材和主题。题材是主题的载体有了优秀的材料才可能更好的表达深刻的主题。主题是题材的灵魂。在创作中，这两者互动互进，辩证统一。确定了主题和题材后，还要提炼情节，更好的展示作品的内容，还要考虑用恰当的结构将他们构造成有机的艺术整体，提升作品的艺术水准。艺术构思的方法是多种多样的，有典型化 简约化  变形化  夸张化 陌生化。法国印象派大师莫奈，曾对一个稻草垛不惜花巨大的精力观察与研究，他根据朝、夕、明、晦、春、夏、秋、冬等不同光照时间进行反复地写生，研究不同的光色变化，终于创作了15幅不同色调的《稻草垛》。这一切都是“外师造化，中得心源”的结果。没有训练有素的眼力和灵敏的心灵，是无法创作出这微妙变化与差别的作品的，也无法去捕捉美丽的光和色。   艺术表现，是指艺术创作者选择并运用特定的艺术语言，将自己艺术构思中已经基本形成的艺术意象最终呈现为物态的存在，使之成为具体可感的艺术形象或艺术情境。它必须遵循形式服从内容和形式美的双重原则。脱离内容的艺术形式是没有价值的。艺术构思是“形之于心”，艺术表现则是“形之于手”。巧妙的构思不等于就有精美的作品。因为艺术构思是一个充满艰辛的心里运作过程。艺术表现则是更为坚辛的实际操作过程。艺术表现不仅是艺术构思的的实现过程也是艺术构思的深化 充实 修正和提高的延续过程。艺术技巧是 实现艺术构思的手段，在艺术表现中起者举足轻重的作用。
      我们可从中领略绘画创作的甘苦与追求。正如宗白华先生所说：“人生有限，而艺境之求索与创造无涯。”愿我们以此来勉励自己，使每个人的艺术思维之花常开，纷芳留香。