偷偷地突然（玩一天文字字）。启明[开阔明亮的金星]的路边的香读的勤奋（打一个鲁迅选集）。蕾丝文献[] 出售信贷窗口（打辽宁的名字）度过了接下来的文章中，学习。银口[银行窗口] 男人从事了一辈子的改革（打一食品名）。巧克力[重组生“招聘减去1]的能人（??玩一个江西的名称）。尽显[进贤人一败（打医疗字输液[输了就是输水，水是液体]
在衣服上刺绣，有的喜欢用白毛巾包头，用银手镯、耳环、项链等装饰品。惠水县和长顺县的妇女穿着大胸短裤和绣花围兜裤子，头上盖着格子布和手帕。在华西区，姑娘们的衣服和裤子上装饰着“兰干” ，系在腰上，头上戴着手帕。在贞宁的丹瑞克(东拉克，法诺姆)地区，妇女穿大翻领的短连衣裙和百褶裙的大浴盆。夹克的领口、肩牌和袖子都镶有“栏杆”(蕾丝)。大多数礼服都是蜡染布料，白底蓝花，她们过去一次穿好几条裙子，还有黑色蕾丝腰带。结婚前要编辫子，戴花头巾。结婚后，戴上绿布竹壳做的“假贝壳”。罗甸、望谟等地的布依族妇女都穿宽袖衬衫和长裤。青龙、花溪等地的妇女，穿及膝的束腰外衣和长裤，配有花边裙、领口和裤腿，以及花边刺绣的腰围。他们大多数头上戴着蓝色方格头巾，有些脚上仍然穿着细尖向上翻转的绣花鞋，还有一些穿着精致的耳草鞋。都匀、独山、安龙等县部分地区布依族妇女的服饰与汉族妇女基本相同。
欧洲艺术发展的过程也是一部艺术和设计的发展史。下面是我为大家整理的欧洲艺术的影响论文，供大家参考。
摘要：艺术的分期有多种，中世纪艺术在历史上有着其特殊的地位与作用，作为一个时代艺术的定位，欧洲中世纪往往被冠以“黑暗时代”的恶名，那么中世纪艺术究竟有着怎样的命运?是高尚，还是卑微;是进取，还是保守;是自由，还是专制，都是在这一历史时期所产生的疑问，对中世纪的艺术进行一番疏略阐述，或许会对这些疑问得出些结论。
关键词：中世纪 艺术 走向
一、何谓“中世纪”
按照历史学家的大致观点，历史上的“中世纪”(Middle Ages)一般是指日耳曼民族攻占罗马，即西罗马帝国灭亡(公元476年)开始，至15世纪文艺复兴(公元1453年)之后，资本主义萌芽之初为止。这只是一个比较统一的认识，史学界还存在着诸多种关于中世纪历史的界定，但其大致的范围不会脱离此区间。
历史上的中世纪曾长达近一千年，是欧洲历史上(主要指西欧)的一个时代，意大利诗人彼特拉克(公元1304~1374)将历史划分为古代、中世纪和近代，视中世纪为一个无比混乱的中间期。他习惯性地将中世纪这一时期成为“黑暗时期”。那为什么会叫做“黑暗时期”呢?
“中世纪”一词是从15世纪后期的人文主义者开始使用的。在政治上，这段历史也叫做中古史，指的是476年西罗马帝国灭亡到1640年英国资产阶级革命爆发这一时期的历史(与前表述有)。封建制度的形成、发展和解体是这一时期欧洲历史的主线。但是世界各国封建社会的发展是不平衡的，当西欧在5世纪刚刚进入封建社会的时候，中国封建社会的历程已经持续了约1000年。
这个时期的欧洲没有一个强有力的政权来统治，封建割据带来频繁的战争，造成科技和生产力发展停滞，人民生活在毫无希望的痛苦中，所以中世纪或者中世纪的早期在欧美普遍称作“黑暗时代”，传统上认为这是欧洲文明史上发展比较缓慢的时期。
这样看来，似乎中世纪的一切都笼罩在“黑暗”的阴影之下，没有光明，没有喘息，没有呐喊，没有生机，“黑暗”统治着一切，就连艺术这样最为灵活便利地反映精神生活的方式也难以开花结果。事实果真如此吗?
二、中世纪艺术表现思考
提到“中世纪”，人们会想些什么?“中世纪”这个词会使一些熟悉的图景浮现在人们的脑海：哥特式的大教堂，封建城堡，十字军和贵族战争，宗教法庭上燃烧的火焰。从几个世纪前“中世纪”作为划分古希腊罗马和近代历史的名称而开始使用时，就带有一种贬义，它暗指欧洲 文化 历史的毁灭和空白，并一直延续至今。“如果人们想找一个形容词来描述落后、缺乏文化、没有法制，人们就可以使用中世纪这个词。‘中世纪’实际上成了描写一切黑暗和反动的词的 同义词 了。”①那是否在黑暗笼罩下的一切都是暗淡无光的呢?艺术也是如此吗?我们不禁会问。
诚然，中世纪在政治上有其黑暗的一面，表现在艺术上也是如此，但艺术有着更加顽强的生命力，在适应时代要求的同时，它总是能够在黑暗中给人以光明，给人以心灵的慰藉，并有力地推动了历史前进的步伐，成为借鉴历史的一面明镜。中世纪的艺术在这方面表现的尤为突出，虽然因为历史的局限性，它存在着这样或那样的不足之处，但其取得的艺术成就也是前无古人并足以令后世所景仰的，它在世界艺术之林中所占的地位更是举足轻重的。
哥特式教堂的宏伟庄重，拜占庭镶嵌画的优美华贵，罗马雕塑的粗犷沉重，都是对特定时期艺术现象的风格描述，都有其特定的内涵。黑格尔在《美学》中把建筑划分了三类：古埃及的象征主义建筑、古希腊的古典型建筑和中世纪的哥特浪漫型建筑。“浪漫型建筑在材料和建筑构形的科学性、合理性、完善性方面都超过了古典型建筑，也就是说在审美判断力的主导之下，最合宜的材料和最经济合理的构形被组合成无与伦比的人类构造物，并体现了人类最崇高的理想。”②为了表达对基督的崇拜和解脱的愿望，建筑的形式被夸张到无形式的程度，崇高伟大也被扩大到无限量，浪漫型建筑达到了审美判断里的最高层次——崇高和伟大。
拜占庭的镶嵌画既有鲜艳夺目的色彩效果，又有坚实稳固的结构感，在造型上尤其讲究概括，不是通过细节刻画而是通过色彩对比来达到其形象的造型，使主体鲜明突出。可以想象，在光线的照射下，那些互为补色，外型概括的形象在金色背景的衬托下，是如此的绚烂夺目，又是如此的和谐统一。它给予信徒的就是这样一种无尚崇高和神圣的宗教感受。镶嵌画达到了基督教所要求的肃穆矜持与激动人心的永恒，无疑是具有独特风格与形式的拜占庭艺术的最好表现。
罗马雕塑的复兴证明了艺术家的无穷无尽的 想象力 和创造力，无论是欧坦教堂山花壁面的人物造型，还是高大的柱头装饰，都显示出了逼真生动、自由大胆、变化多端的效果。
政局动荡，社会混乱，必然会对经济、艺术等领域产生不小的影响，但我们知道，艺术发展总有它的不平衡性，无序状态下的艺术也未必不能开出绚烂的花朵。正如中国古代的魏晋之风，欧洲中世纪的艺术园地也别具一格。在那一时期所创造的艺术成果和形成的艺术风格是那段时期特有的精神财富，甚至它的影响遍及世界各地及至现代。如果要说它的某些弊端的话，我想大概是宗教意识在艺术上给人的一种精神压迫，这种精神约束力在整个中世纪时期是一直存在的。
欧洲中世纪的教会有着无比强大的力量来操控着社会事务，中世纪初基督教的支派天主教会帮助日耳曼人建立和巩固政权，教会的势力随之壮大。“灵魂救赎”、“人间互爱”等思想主张不但适用于奴隶主，同样适用于封建主，有利于维护封建统治。基督教的基本教义成为封建贵族阶级的宗教，成为其统治服务的工具。
中世纪的西欧在最初主要是自然经济占主导地位，生产力低下，科学技术无法应用于生产。在社会上，群众受到教会和封建贵族的压迫，被剥夺了受 教育 的机会，教会推行的愚民政策流传开来。教会“可以从政治、经济、文化、教育、思想等各个方面，通过各种不同的手段和途径控制群众，施加其影响，这就使宗教神学必然成为占统治地位的官方意识形态，群众思想不可避免地会受到宗教神学的深刻影响，他们的思想感情是受宗教熏陶的，是由宗教滋养的。几乎人人都成了虔诚信徒，完全屈服在教会权威之下，成了正统教义和教会权威的奴隶。这种状况严重阻碍了生产的发展和社会的进步。”③至此我们可以理解艺术在中世纪被打上宗教烙印是现象。
历史的发展总有它的高潮和低谷，以至于后来14、15世纪天主教的神学思想受到了来自“异端”分子的攻击，他们并不认为人活着要有禁欲的必要，他们要求解除天主教困扰在他们头上的精神枷锁。伴随着资本主义的萌芽，反教会的斗争也愈演愈烈，终于在16世纪中期出现了文艺复兴和宗教改革，这些运动主张在思想和文化上冲破封建的牢笼和教会的精神束缚，给予人自身真正的尊严和价值，恢复人的自由意志，肯定人在现世所应享的幸福，这使得欧洲又迈上了一个新的台阶，开启了一个新的时代。
这也从另一个方面说明了艺术在中世纪所遭受的苦难，但也仅仅是限于艺术精神上而言，在形式上看来，中世纪的艺术并没有承担过多的罪责。我们应该记住艺术精神对自由性，同时也不忘艺术形式的多样性。
3.结 语
中世纪已经离我们远去，但历史留给我们的遗产是丰富多彩的。宗教的神圣光环已经在中世纪的上空褪去，艺术也早已走下那高不可攀的神坛，它变成了大众得以品评的盛宴。我们姑且不用去考量那段时期的艺术究竟是伟大还是渺小，是光荣还是卑拙，因为艺术的走向不是单单艺术本身的事情，它牵扯到太多的关系。在这里，我们只需细细地品味它那独特的味道，感受其深邃和震撼的力量，或许也能体会出些艺术的精神和启示。
注释：
①【苏】A.古列维奇，庞玉洁、李学智译.中世纪文化范畴.杭州:浙江人民出版社.1992年版.第1页.
②李卫、费凯著.建筑哲学.上海:学林出版社.2006年.第357页.
③陈曦文.世界中世纪史研究.北京:人民出版社.2006年版.第208-209页.
参考文献：
[1]中央美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室.外国美术简史.北京:中国青年出版社.2007年版.
[2]郑敬高.欧洲文化的奥秘.上海:上海人民出版社.1999年版.
[3]陈乐民.欧洲文明十五讲.北京:北京大学出版社.2004年版.
[4]庄锡昌.西方文化史.北京:高等教育出版社.1999年版.
内容摘要：艺术和文化上的发展变化，必然会在人们的服装风格上反映出来，尤其是女装的风格总是与一个时代以及这个时代的文化艺术紧密联系在一起的。
关 键 词：哥特式艺术风格 巴洛克艺术风格 洛可可艺术风格 新古典主义艺术风格 女装风格
每个时期都有不同的艺术风格流派，它们表现在建筑、美术、音乐、文学及染织艺术等各个艺术领域，对人们的社会生活、精神生活产生影响。在欧洲的艺术史上哥特式艺术风格、巴洛克艺术风格、洛可可艺术风格、新古典主义艺术风格占据着举足轻重的地位，同样地影响到同时期的服装风格。
一、四大艺术风格的特点
哥特式艺术风格 “哥特式”原本是起源于一种极具特色的建筑风格——笔直的立柱，高挑的天顶，多尖的拱门，这些均可见于中世纪的一种以尖顶大教堂，特点为尖拱、小尖塔、垛墙、飞扶壁和彩色玻璃镶嵌等典型元素。这种风格影响到整个欧洲，反映在不同的艺术领域，如绘画、 雕刻 、装饰、音乐等艺术形式上。其特点是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征。
巴洛克艺术风格 巴洛克代表了路易十四的精神。它具有气势雄伟、生气勃勃、色彩艳丽、线条优美、富丽豪华的风格。它把人类精神从古典主义的枷锁中解放出来，使其沉溺于无边无际的、令人神往的梦幻之中。它一开始主要针对17世纪意大利的建筑风格。后来，巴洛克风格影响到建筑、美术、音乐、文学及染织艺术各个领域。巴洛克艺术风格最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派。
洛可可艺术风格18世纪的法国仍是西欧的文化艺术中心，由于沙龙文化在法国的蓬勃兴起，使女性成为了男性世界注目焦点，形成了一种不同于巴洛克时期那种庄重豪华、拘泥虚礼的宫廷文化的文化形态，那就是洛可可艺术风格。洛可可风格的鼎盛时期是路易十五时代，它主要是指路易十五时代的一种室内装饰风格：C形、S形曲线或漩涡状花纹的装饰风格。另一个特色则是甜美轻快、精巧华丽，而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。这种特色影响到当时的服装，甚至以“洛可可”一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。
新古典主义艺术风格 新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期，其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的“庄重与宁静感”之题材与形式，并融入理性主义美学。
二、四大风格对同期女装风格的影响
哥特式风格 哥特式风格深深地影响了中世纪法国服装的服饰审美及服饰创造。受建筑风格的影响，哥特式服装风格主要体现在服饰形象是高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角，在面料上表现出与哥特式教堂内彩色玻璃的效果是一致的光泽和鲜明的色调。裙饰多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。尖尖的埃宁帽就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。
巴洛克风格 由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，“巴洛克风格”代称17世纪欧洲的服装款式。其着装特点是大量的使用蕾丝、花边，并配以奢侈豪华的装饰，如丝绸带、大扣子、 刺绣 、珠宝等，所以这种风格的时装和配饰表现出来的尽是奢华和古典的面貌。
裙子是巴洛克女装的重点。衣裙特点是松垂、多褶、曳长，比文艺复兴时期柔和、自然、大方、富有浪漫气息，更显出女性自然的妩媚。女性除了外边的罗布以外，还要穿三条不同颜色的裙子(即衬裙、内裙和外裙)，以取代裙撑架。下裙穿多层肥大而多褶的裙子，使下体显得鼓大，以增添体积感和层次感。服装上不论是整体造型还是局部造型，都是更多地强调曲线，展露出女士特有的性别魅力。
洛可可风格 作为一种服装的风格，洛可可风格的特点是极致的优雅和精致，它打破了文艺复兴以来左右对称的模式，创造出一种非对称的，带有轻快、优雅的运动感的，自由奔放而又纤细、轻巧、华丽、繁琐的装饰样式。
女性服装内穿束身马甲，裙撑架再度兴起，此时裙撑架的形式为前后扁平、左右对称，要在裙撑外穿一条华丽的衬裙，外穿罗布，一般前开，领口成一个大的U字型，上面露出紧身的胸衣，胸衣自上而下按大小顺序排列着一排缎带蝴蝶结，罗布下面也成A字型打开。衬裙外露，衬裙和罗布上也都装饰着曲曲弯弯的皱褶飞边、蕾丝、缎带蝴蝶结和鲜花。袖长到肘部，袖口也有三层的蕾丝花边。
新古典主义风格 1790年到1820年， 新古典主义思潮兴盛，使女装向古希腊、古罗马那种自然样式倾斜，以自然简单的款式，取代华丽而夸张的服装款式。Robe chemise就是这一时期的典型样式。这是一种白色棉布制作的宽松的衬裙式连衣裙，连衣裙的腰际线提升到胸部下面，使人体的比例更加好看，胸部的内侧有护胸层，取代了紧身胸衣，解除了对女性身体的束缚。袖子很短，露出手臂;裙子很长，一直垂到地上，使女性着装又一次回归到淡雅、自然之美。
三、四大艺术风格对现代女装风格的影响
当今时装界，欧洲古典的艺术风格流派仍然是很多服装设计师们的灵感来源，设计师们高举复古风的旗帜,在许多细节设计上都回归到了几个世纪之前。
Gucci就曾以哥特式风格为灵感设计的系列服装，非常性感。黑色摇滚女郎，带有上个世纪30年代好莱坞女星的味道：裤子为宽裤脚，剪裁紧身、修长，配搭绑带、高跟鞋，性感中带个性，使得女郎带有哥特式的神秘色彩。
巴洛克风格也被时装设计大师们所宠爱。YSL设计师Tom Ford以巴洛克风格为灵感来源，把法式蕾丝、领结、宽袖，重新演绎成现代服饰。他所采用的材质，展现出既成熟又性感的女人形象。绑带是设计中的细节重点，常常出现在上衣、裙子、鞋子上，还有宽袖口、领结，以及以黑色为主调，华丽的绣花，古典的收腰外形，不禁令人遥想几百年前的法国宫廷圣罗兰女人的万种风情。
D&G2008年春夏礼服系列，是时装界回归洛可可风格的一个高潮。印花布料和夸张的裙撑、打折的花边、繁复的缀饰、低胸衬裙的造型设计以古典优美的X形轮廓为中心并强调裙及袖的层次和质量。在色泽选择上，将草绿、粉红、鹅黄等富丽堂皇的色彩一一呈现，顿现轻巧而华丽。
2008年雅莹和2008—2009秋冬专场发布会以新古典主义为灵感来源。其服饰将女性形体间的极佳比例完美呈现，通过立体剪裁、抽褶、滚边等勾勒出极具视觉效果的空间感，并配以夸张的蝴蝶结、复古的宽腰带和金属饰物。饰物色彩上以黑金、米黄为主体色，略施点缀玫瑰红和暗橘、墨绿等色，从而显出经典的华丽与高贵。
结语
欧洲艺术风格不仅仅有这四类。多样的文化必然会造就社会多彩多姿的艺术形式，而服饰更是时代的一面镜子，它不仅反映出人与自然以及社会的关系，且折射出一个时代的氛围和人们的精神面貌。
参考文献：
[1]华梅.西方服装史[M].中国纺织出版社，2002.
[2]臧迎春. 中西方女装造型比较[M].轻工业出版社，2001.
有关欧洲艺术的影响论文相关 文章 ：
1. 中西方当代艺术对人们现实生活的影响探究论文
2. 浅谈中西美术与图腾艺术论文
3. 浅谈中西方艺术教育的本质差异论文
4. 试论文艺复兴时期美术的意义论文
5. 浅析煤雕艺术的当代启示论文
6. 关于艺术设计专业论文
一、选题选题是论文写作关键的第一步，直接关系论文的质量。常言说：“题好文一半”。对于临床护理人员来说，选择论文题目要注意以下几点：（1）要结合学习与工作实际，根据自己所熟悉的专业和研究兴趣，适当选择有理论和实践意义的课题；（2）论文写作选题宜小不宜大，只要在学术的某一领域或某一点上，有自己的一得之见，或成功的经验．或失败的教训，或新的观点和认识，言之有物，读之有益，就可以作为选题；（3）论文写作选题时要查看文献资料，既可了解别人对这个问题的研究达到什么程度，也可以借鉴人家对这个问题的研究成果。需要指出，论文写作选题与论文的标题既有关系又不是一回事。标题是在选题基础上拟定的，是选题的高度概括，但选题及写作不应受标题的限制，有时在写作过程中，选题未变，标题却几经修改变动。二、设计设计是在论文写作选题确定之后，进一步提出问题并计划出解决问题的初步方案，以便使科研和写作顺利进行。护理论文设计应包括以下几方面：（1）专业设计：是根据选题的需要及现有的技术条件所提出的研究方案；（2）统计学设计：是运用卫生统计学的方法所提出的统计学处理方案，这种设计对含有实验对比样本的护理论文的写作尤为重要；（3）写作设计：是为拟定提纲与执笔写作所考虑的初步方案。总之，设计是护理科研和论文写作的蓝图，没有“蓝图”就无法工作。三、实验与观察从事基础或临床护理科学研究与撰写论文，进行必要的动物实验或临床观察是极重要的一步，既是获得客观结果以引出正确结论的基本过程，也是积累论文资料准备写作的重要途径。实验是根据研究目的，利用各种物质手段（实验仪器、动物等），探索客观规律的方法；观察则是为了揭示现象背后的原因及其规律而有意识地对自然现象加以考察。二者的主要作用都在于搜集科学事实，获得科研的感性材料，发展和检验科学理论。二者的区别在于“观察是搜集自然现象所提供的东酉，而实验则是从自然现象中提取它所愿望的东西。”因此，不管进行动物实验还是临床观察，都要详细认真．以各种事实为依据，并在工作中做好各种记录。有些护理论文写作并不一定要进行动物实验或临床观察，如护理管理论文或护理综述等，但必要的社会实践活动仍是不可缺少的，只有将实践中得来的素材上升到理论，才有可能获得有价值的成果。四、资料搜集与处理资料是构成论文写作的基础。在确定选题、进行设计以及必要的观察与实验之后，做好资料的搜集与处理工作，是为论文写作所做的进一步准备。论文写作资料可分为第一手资料与第二手资料两类。前者也称为第一性资料或直接资料，是指作者亲自参与调查、研究或体察到的东西，如在实验或观察中所做的记录等，都属于这类资料；后者也称为第二性资料或间接资料，是指有关专业或专题文献资料，主要靠平时的学习积累。在获得足够资料的基础上，还要进行加工处理，使之系统化和条理化，便于应用。对于论文写作来说，这两类资料都是必不可少的，要恰当地将它们运用到论文写作中去，注意区别主次，特别对于文献资料要在充分消化吸收的基础上适当引用，不要喧宾夺主。对于第一手资料的运用也要做到真实、准确、无误。五、论文写作提纲拟写论文提纲也是论文写作过程中的重要一步，可以说从此进入正式的写作阶段。首先，要对学术论文的基本型（常用格式）有一概括了解，并根据自己掌握的资料考虑论文的构成形式。对于初学论文写作者可以参考杂志上发表的论文类型，做到心中有数；其次，要对掌握的资料做进一步的研究，通盘考虑众多材料的取舍和运用，做到论点突出，论据可靠，论证有力，各部分内容衔接得体。第三，要考虑论文提纲的详略程度。论文提纲可分为粗纲和细纲两种，前者只是提示各部分要点，不涉及材料和论文的展开。对于有经验的论文作者可以采用。但对初学论文写作者来说，最好拟一个比较详细的写作提纲，不但提出论文各部分要点、而且对其中所涉及的材料和材料的详略安排以及各部分之间的相互关系等都有所反映，写作时即可得心应手。六、执笔写作执笔写作标志着科研工作已进入表达成果的阶段。在有了好的选题、丰富的材料和详细的提纲基础上，执笔写作应该是顺利的，但也不可掉以轻心。一篇高质量的学术论文，内容当然要充实，但形式也不可不讲究，文字表达要精炼、确切，语法修辞要合乎规范，句子长短要适度。特别应注意的是，一定要采用医学科技语体，用陈述句表达，减少或避免感叹、抒情等语句以及俗言俚语，也不要在论文的开头或结尾无关联系党政领导及其言论或政治形势。论文写作也和其他文体写作一样，存在着思维的连续性。因此，在写作时要尽量排除各种干扰，使思维活动连续下去，集中精力，力求一气呵成。对于篇幅较长的论文，也要部分一气呵成，中途不要停顿，这样写作效果较好。
《芭蕾教学法 》巴景侃 《西方芭蕾史》
你可以找这个。 《中国舞蹈史》作者：王宁宁，江东，杜小青等 讲述了多元发展的中国古典舞二、从“希望”中崛起的中国现代舞三、对人性的张扬与表达 请采纳
俄国芭蕾吸收了意大利、法兰西和丹麦三大学派的精华，在本国民族文学艺术的民主主义传统的基础上，结 合俄罗斯演员的形体特点，创立了俄罗斯芭蕾教学体系。在这个体系的创立阶段，约翰松和切凯第作出了杰出的 贡献。约翰松（ 1）人物简介原籍瑞典，1841年起担任彼得堡马利亚剧院的主要演员，以舞蹈洒脱、动作风格优美而著称。：1869年起专 门从事教学工作。在俄国进行表演活动达20多年之久，长期观察分析过俄罗斯演员和学生，所以能准确地抓住 俄国学生的特点，加上他是布农维尔的高足，熟悉丹麦学派，具备为俄罗斯学派奠定基础所必不可少的条件。（ 2）主要成就培养出盖尔特、尼•列加特、克舍辛斯卡娅、普列奥勃拉仁斯卡娅、巴甫洛娃等著名舞蹈家。彼季帕也常常 到他的班上进修，并从他的练习组合中汲取养料，用于自己的编舞实践中。（ 3）主要思想反对意大利学派片面追求高难动作的纯技术观点，但仔细借鉴吸收他们的舞蹈技巧，充实自己的课堂教学 内容。既反对把示范变成强制学生仿效的模式，而又强调教师必须亲自示范。（ 4）教学法特点对学生因材施教，要求极其严格；在发挥学生的天生优异条件的同时更加注意克服他的缺陷，培养他摆脱舞台上的任何困境的能力；把技术当作表现手段而不是目的本身.经常改进教学方法和创造性地对待教学。为了保持学生的鲜明的个人特色，往往不惜放弃古典学院派的严格规范。课程类型多样，不重复。切凯第（1） 人物简介幼年在意大利佛罗伦萨舞蹈学院学习，老师是勃拉齐斯的学生列普利。1870年进入“拉•斯卡拉”剧院。 以后又到过丹麦、荷兰、挪威、德国、奥地利等国。1892年被聘为马利亚剧院的排练者，后又兼任教师。他还 曾与彼季帕和伊凡诺夫合作，编导《》第一、三幕的舞蹈。（ 2）主要成就1911-1921年他担任佳吉列夫芭蕾舞团的教师兼排练者，对西欧芭蕾的复兴起了很大的作用。好几代俄罗斯芭蕾演员，其中包括巴甫洛娃、卡尔萨文娜、瓦冈诺娃、里法尔、莫尔德金等都出自切凯第 的门下。（ 3）“切凯弟体系”切凯第结合实际情况专门为俄国学生制定了一套很有特点的教学法，后来由英国舞蹈理论家西里尔•波蒙 特和伊济科夫斯基合作整理，1922年在伦敦刊印出版，书名是：《按照切凯第方法讲授古典戏剧舞蹈的理论与实 践的教材》，这就是通常称之为“切凯弟体系”的标准教科书。该体系的特色是对芭蕾主要动作进行分类、系统地整理，对每一个动作的性格和规格要点作出了比较细致 的讲解。直到现在，这项工作仍在进行，切凯第体系对英国乃至世界古典芭蕾有着巨大的影响。
中外舞蹈鉴赏类毕业论文文献包含哪些？掌桥科研学术指南分享海量文献资源，提供学术指南！本文是为大家整理的中外舞蹈鉴赏主题相关的5篇毕业论文文献，为中外舞蹈鉴赏选题相关人员撰写毕业论文提供参考。1.【期刊论文】中外优秀体育舞蹈选手表演风格差异性评述期刊：《体育科技文献通报》 | 2021 年第 002 期摘要：体育舞蹈富有的大众化、社会化及市场化驱使其成为近年来发展迅速的综合性国际体育项目,并加速了我国体育舞蹈事业的发展.作为舶来品的体育舞蹈虽受中国化元素洗礼形成了独树一帜的表演风格,但由于体育舞蹈本质的西方化使中外选手的表演风格大相径庭.因此本文基于体育舞蹈的风格特点,以国内外四对知名优秀选手为研究对象,从基本技术、音乐选材、套路编排、情感表达分析其表演风格的差异性,力图将表演风格融入体育舞蹈的核心,进一步提高选手的表达能力.关键词：体育舞蹈；表演风格；差异性链接：.【期刊论文】应用型本科院校舞蹈鉴赏课“互联网+”教学模式构建与实践期刊：《艺术评鉴》 | 2021 年第 007 期摘要：舞蹈鉴赏在高校音乐教学中已成为不可缺少的一项课程,鉴于舞蹈技能和基训需要一定的基础,不仅舞蹈专业要通过舞蹈鉴赏观摩学习,音乐中非舞蹈专业如音乐教育、音乐表演也需要通过舞蹈鉴赏课学习一些舞蹈的基础知识,从而提升自身的艺术素养。尤其对于应用型本科院校来说,舞蹈鉴赏课虽然看似不属于应用型教学的范畴,但却是课程体系中不可或缺的一部分,舞蹈的学习并不能单纯依靠技能,更需要的是手脑并用,只有理论与实践共同进行才能促进学生思考能力的提升。关键词：舞蹈鉴赏课；“互联网+”；高校；教学模式链接：.【期刊论文】中职学生舞蹈鉴赏能力的培养期刊：《科教文汇》 | 2021 年第 001 期摘要：我国教育体制的改革,对学生综合素质的培养提出了更高要求,因此,在中职舞蹈教学的过程中,培养学生的舞蹈鉴赏能力至关重要.该文主要围绕在中职舞蹈教学中如何提升学生的舞蹈鉴赏能力展开分析和论述,首先介绍了当下中职舞蹈教学中存在的问题和不足,随后提出了加强中职舞蹈教学中学生舞蹈鉴赏能力培养的有效途径.关键词：中职舞蹈教学；舞蹈鉴赏能力；存在问题；有效途径链接：.【期刊论文】课程思政融入舞蹈鉴赏的探讨——以革命题材芭蕾舞剧《红色娘子军》为例期刊：《教育教学论坛》 | 2021 年第 022 期摘要：在新的时代背景下,高等教育人才培养已迈向了新的高度,在知识体系建设方面出现了创新型的构建模式,在素质教育方面逐步出现了体系式的变化.同时在思想政治教育方面,也同步出现了新的要求.作为一名高校教师,要能够对目前思想政治教育模式及教育体系进行创新,提出改革意见或建议.立足于目前高校"舞蹈鉴赏"课程的教学现状,针对如何在课堂中有效融入课程思政进行了分析,并对教学内容、课时分配以及育人效果等方面尚存的问题,提出相对有效的解决方法.通过深入挖掘教材内容,开展相关课程实践以及利用"互联网+",优化课程思政入舞蹈的环境,使得思想政治教育润物无声地融入"舞蹈鉴赏"课程当中,提升学生的舞蹈思想素质,升华艺术情感.关键词：课程思政；舞蹈鉴赏；文化自信链接：
《芭蕾教学法 》巴景侃 《西方芭蕾史》
芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。下面我为您收集整理了 芭蕾舞 的鉴赏论文，喜欢的朋友们可以看看哦!
要学会欣赏芭蕾艺术，同样也要多少了解一些芭蕾基本知识，多看几场演出，或多听一些录音，多看一些录像，那样你也可能会成为芭蕾舞迷。那么芭蕾到底有哪些基本特征呢?这里我们可以把它们简单地归纳为开、绷、直、立、轻、准、稳、美八个字，这八个字可以说是每个芭蕾演员的基本功，是必须掌握的技巧，也是我们欣赏芭蕾外在和内涵美时必须明白和了解的要领。
开。是指腿的外开性，也就是要把腿从大腿根处向外转开到最大限度。这既是芭蕾的基本美学特征，也是人们从人体构造出发逐步研究出来的科学成果。人的腿向外转开后可以大大增加它的空间活动范围，能做出在正常情况下根本做不出来的许多动作。比如，在上身保持与地面垂直的情况下把腿向旁抬到
而在正常情况下腿只能抬到90°，芭蕾中有五个脚的基本位置，它们都是以上开为前提的
因此许多芭蕾演员“染上”了一种职业病，走路有点像卓别林，脚向外撇，呈大八字。
绷。是指要绷脚，最好使脚面能凸出来，以增加脚形的美和脚的表现力。同时绷脚的练习能增加脚腕关节的力量和灵活性。比如在跳跃动作中两只脚在离开地面时都要绷得非常直，非常尖，使整条腿的线条显得非常漂亮，非常流畅。这与体操和跳水运动员的脚的要求是一样的。
直。是指主立的腿(支撑腿)和伸出的腿(动力腿)的膝盖要伸直。换句话说是把两条腿的肌肉拉长到最大的限度。以芭蕾最常见的舞姿——第一阿拉贝斯克为例 右腿支撑腿)要尽量向外转开，膝盖伸直，左腿抬到后面90°，也要尽量向外转开，膝盖伸直，伸直膝盖主要是为了使芭蕾中的许多舞姿达到舒展、长线条、完美的视觉造型。这里所说的伸直，还可参阅第二、三、四阿拉贝斯克舞姿的插图，
立。是指身体要直立、挺拔，并把身体重心准确地放在两条腿或一条腿的重心上。要求演员收腹、展胸，绝对不能撅臀部或驼背。演员身体形态或身体重心的不正确都会影响各种舞蹈动 作和技巧的准确完成。
轻。是指跳舞要轻盈、自如。比如在做跳跃动作时，推地和落地最好不要听到什么声音。同时舞起来要轻松自如，即使演员很用力、很累，也尽量不要让观众看到和感觉到。
准。是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求。比如芭蕾中手臂的移动是有严格规定的路线的。即使在做高难度的技巧时也要求演员的手臂严格按规定的路线走动，绝不能乱了方寸，乱动胡挥。又如芭蕾男演员经常做的空中转两圈 的技巧，它要求演员从准确的五位起跳，完成空中720°转体后又要准确地落到五位上。这也就是我们常说的做动作要干净、准确。
稳。是指动作要做得稳健扎卖。比如芭蕾中有许多旋转动作要求演员在旋转时保持好稳定性，结束旋转时也要稳稳地停在一个舞姿上。如果演员转动时东倒西歪，停的时候也没有停稳，那这个旋转动作不但不是美的，而且是失败的。又如女演员需要经常在单腿脚夹舞姿上停一会儿，那么如果她还没有停稳就掉下来，也会破坏观众美好的印象。
美。是指跳舞要美，一举一动，每个舞姿造型，每个动作的过程都要美。芭蕾是时间和空间的艺术。它既像时间艺术——音乐那样受时间的制约，又像空间艺术——雕塑那样占有一定的空间。同时它又是一种视觉艺术，有很强的观赏性。因此可以毫不夸张地说芭蕾是一门对美要求最高的艺术，也是人类迄今所创造的最美的艺术。要在最美的艺术中达到比较高的境界当然不是一件轻而易举的事。从这个意义上来说芭蕾也是一门非常残酷的艺术。人们一般都认为跳舞很开心，蹦蹦跳跳，轻松快活，实际却不然。由于芭蕾对演员的身体要求很高，所以选材非常严格。我国的芭蕾专门学校一般招收
9～11岁的孩子入学，要求他们身体匀称、细长、头小、颈长，软度好，外开性好，脚面高，四肢长，腿形漂亮，臀部小，外貌可爱，漂亮等等。甚至要了解他们的父母身材高矮、胖瘦来作为预测学生今后成长的参考。即使每年在全国范围内的招生也很难找到20个理想的苗子。
芭蕾是技术性很强的艺术
任何艺术都有它自己的技术、技巧，然而芭蕾的技术、技巧被世人公认为难度最高，也是最难练的。比如芭蕾女主角经常要完成的原地
32个挥鞭转。她在单腿脚尖上要连续转32圈，另一条腿要连续做32次挥鞭似的动作。在转的过程中脚尖着地面积只比5分的硬币稍大一点，而且一点也不能移动地方，还要做得很规格，很美。这个技巧的难度之大可想而知了。
芭蕾的技术、技巧包括旋转技术、跳跃技术、脚尖技术、控制技术、双人舞托举技术等。一个出色的芭蕾舞蹈家要全面掌握这些技术，同时还须具备很高的艺术素质，如音乐感、舞蹈感、表演感，不能只顾技术而忘了艺术，也不能强调艺术而没有技术，在完成高难度技巧时还不能留有紧张的痕迹，这实在是很难很难的。我们在欣赏芭蕾舞时也可以注意到演员完成技术、技巧的熟练程度和水平，并依此来评价他们技术和艺术素质的高低。很显然，如果演员做动作失误多，那么他的技术水平不过硬，或者演员动作完成得很好，但跳得很木，又不会表演，那么他的艺术素质就比较差，缺乏艺术细胞。这些问题一般观众在欣赏中是比较容易发现并做出正确的判断的。
芭蕾是一门多媒体和综合性的艺术
芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。这在很大程度上能帮助我们欣赏和理解它。许多芭蕾舞剧是根据文学名著或神话故事、传说改编的，而这些文学名著或故事大家也都比较熟悉。因此观众较容易看懂这些舞剧的戏剧情节。即使是自己不甚熟悉的舞剧，演出之前在剧场一般都可以买到节目单或说明书，我们只需花三五分钟看看说明书也就可以大致了解舞剧的内容。
另外，舞剧的布景和灯光也可以帮助我们了解剧情发生的环境和时间。比如，剧情是发生在茂密的森林中还是在美丽的花轩里，是在舒适的家中还是在硝烟弥漫的战场上，是在清晨还是在深夜，是现代还是古代等等。演员的服装和 化妆 也能提示我们人物形象是中国人还是外国人，是王子还是农民，是黛玉还是鸣凤等等。而舞剧音乐中各种人物的主题旋律和情绪变化，更是能为我们提供丰富的感性材料，启示我们更深刻地理解剧情的发展、人物的情绪起伏变化和他们之间的关系。《天鹅湖》中的王子有他自己的音乐主题旋律，白天鹅奥杰塔也有她自己的音乐主题旋律。当我们听到这些旋律时就会知道他们即将出场。而这些主题旋律时而温柔抒情，时而焦急不安，时而高亢悲壮。通过这些变化我们就能捕捉住主人翁内心情绪的变化，把握住戏剧情节的脉络。又如《天鹅湖》第四幕中有一场叫《风暴》。作曲家通过急速起伏的音乐创造出风暴的氛围，舞台上的布景和灯光更增添了这种危急的气氛，有如我们置身于天鹅湖畔的暴风雨之中与王子和奥杰塔一起经受一场严峻的考验。这样通过视觉和听觉的各种感受，我们便能更加深刻地理解和体会这一悲剧性的场面。
正因为芭蕾是一门多媒体的、综合性的艺术，所以，从某种程度来说它与音乐、美术相比就更容易理解和欣赏。因此，我们的青年朋友大可不必把芭蕾视为一种高深莫测、神秘飘渺的艺术望而却步。
芭蕾是长于抒情拙于叙事的艺术
任何事物，包括艺术都有它的长处和短处。芭蕾(包括其他舞蹈)是最能表现情感、善于抒情的，但它又是最不能直接表现某种思想或者直接叙述一个故事的艺术。比如我们无法用舞蹈直接说出“我热爱自己的祖国”这一极简单的思想，而只能通过舞蹈把对故乡土地的眷恋，对祖国山山水水、一草一木的深情间接地表达出来。这也许是人们在欣赏它时会感到有些吃力的原因。我们每个人在欣赏芭蕾时就如同听音乐、看戏剧、读文学作品那样，也都可以来参与它的创作过程。一个芭蕾作品首先要由 编导 进行创作，即经过一度创作。舞蹈演员要通过排练和演出在实现 编导 意图的基础上进行二度创作。而当编导和演员把作品展现在观众面前时我们便进入三度创作阶段，即在接受从舞台上传递的信息的同时借助于自己的生活 经验 感受和想像力尽情地自由发挥。重要的在于参与，重要的在于你得到了一次艺术享受、美的熏陶和精神上的满足。我们用不着强求自己成为一个无所不知的芭蕾舞迷，不过我们也相信只要你能多看几次芭蕾舞就一定会迷上它，因为芭蕾是最美、最崇高、最富有魅力、最能让你心旷神怡的艺术!
舞蹈的开题报告范文
开题报告是学位论文的一个总体规划和设计，是学位论文工作的重要环节，下面是我搜集整理的舞蹈的开题报告范文，欢迎阅读参考。
论文题目： 浅谈芭蕾舞剧天鹅湖中群舞的功效
(一) 天鹅湖的创作背景
一部芭蕾史，上下五百年。在这漫长的历史中，《天鹅湖》是自15世纪文艺复兴以来芭蕾艺术的集大成者。同时，它也是当今世界上改编版本最多、演出场次最多、观众人数最多、传播范围最广的一部芭蕾舞剧。《天鹅湖》因其如泣如诉的爱情童话、诗情画意的舞蹈段落、沁人心脾的交响音乐、圣洁典雅的天鹅形象，代表着古典芭蕾的最高成就。
在世界芭蕾舞蹈的历史中，俄罗斯芭蕾起步较晚，而且看起来好像是被统治者作为一种“先进的白色文化”，强行从西欧引进一样的不情愿。不过，俄罗斯人一旦建树起自己在文化艺术方面的精神家园，就充分地体现出本民族特有的大气磅礴、凝重深厚、气势昂扬、热情四射的意蕴，更开创出一片崭新的天地。尽管迟至16世纪初才形成统一的俄罗斯国家，1721年才定名为俄罗斯帝国，1922年才由15个加盟共和国组成苏联，但是他们左顾右盼、东西借鉴的外国遗产更为丰富多彩，发扬自己民族传统的精神更为执着，作为世界大国的霸气在文艺方面体现得更为强悍。不管从哪个层面上来看，俄罗斯的文化艺术都发育得非常健全，其中的芭蕾艺术，尤其是古典芭曹，颇为令人瞩目。
(二) 天鹅湖的发展历程
芭蕾舞是西方文化艺术皇冠上一颗璀璨的明珠，一部芭蕾史，上下500年。在灿若星辰的经典剧目中，古典芭蕾舞剧《天鹅湖》可以说是家喻户晓。从古典芭蕾到现代芭蕾经过了一百年时间的洗礼、社会的变迁，审美需求的变化，《天鹅湖》也发生了巨大的改变，一部是古典的经典之作，一部是现代的惊人作品，它们同样经历了百年发展与变化，让人们从中看到了一百年间芭蕾发展、变化的轨迹。
“古典芭蕾”是芭蕾发展史上的“鼎盛时期”，在舞蹈技术、编导技法以及演出形式等方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等舞剧的产生，成就了一批芭蕾人才和经典作品。芭蕾舞剧《天鹅湖》，故事取材于德国古老的童话，作品经过多次改编，直到1895年，在俄罗斯杰出的音乐家柴柯夫斯基和编导彼季帕与伊万诺夫的共同努力下，终于散发出惊人的光彩。剧中强烈表现的生与死、善与恶、信任与背叛的主题与音乐融洽地交织在一起，互相辉映。终于成为了世界芭蕾舞经典的、最具代表性的剧目。
20世纪初，当“古典芭蕾”在俄罗斯达到鼎盛时期后开始下滑时，其内部有一批不满于保守现状的精英们开始摩拳擦掌。他们在自己的国家无法实现芭蕾改革的种种理想，只能随着俄国芭蕾经纪人谢尔盖佳吉列夫，以“俄国芭蕾舞团”的名义向巴黎进军，用大批清新别致的新作品，为整部芭蕾史开拓出了一个“现代芭蕾”的崭新纪元。
英国动画冒险舞蹈团于1996年推出新编舞剧《天鹅湖》，由清一色的男演员出演所有的天鹅。此剧一经推出就在伦敦引起轰动，之后陆续在美国洛杉矶和纽约等地上演，其新颖的构思、充满阳刚和活力的表演一下子抓住了成千上万的观众的心、演出盛况空前，经久不衰。马修伯恩的《天鹅湖》可以说是最大胆、最出格的一个版本。这个新编舞剧表现现今时代的故事，天鹅全部是男性担任，音乐虽然是柴柯夫斯基的原曲，但人们所熟悉的古典芭蕾人物形象已荡然无存，呈现在观众眼前的是全新的现代城市背景。
这出《天鹅湖》上演后引起了巨大反响，在几年里获得了英国和美国的无数奖项，新版《天鹅湖》能够取得如此巨大的成功最主要的原因在于保持了音乐的精髓。伯恩保留并发挥了经典《天鹅湖》成功的秘诀，那就是对天鹅形象的抽象化，只穿羽毛短裤的男舞者裸胸赤足，用健美的肢体来表达“天鹅”的神韵。即使有这番标新立异，它仍然在情节上尊重原创，在情感上忠实于音乐，是一出不折不扣创新版的《天鹅湖》。
男版《天鹅湖》的幕布设计得颇为别致，幕布上画着“Swan酒吧”的砖墙，看上去十分厚重，然而灯光一打便立时成为透明薄纱。而原剧中群天鹅优雅舞蹈的竖琴音乐，在男版《天鹅湖》中用一群天鹅休憩的片段。灯光变暗，刚才气势汹汹攻击王子的天鹅们已经安静下来，进入梦乡;王子登场，望着无垠的月色，美丽的天鹅，完全心醉神迷。
女版的'《天鹅湖》“鲜明的仙凡场面”与男版《天鹅湖》的舞美相比则是另一个看点。故事发生的地点，服装和布景的色彩，不同幕次间的基调和节奏诸方面，均富于鲜明的对比。其中的一、三幕都是宫廷场面，前者是花园，后者是舞会，都是火红热闹、充满人间烟火气的现实世界;二、四幕是天鹅湖畔，都是朦胧月色下扑朔迷离的虚幻世界。灯光设计上，通过高科技的手段，更加渲染了对比鲜明的仙凡场面，使宫廷的华美舞会场景与天鹅湖畔朦胧凄美的场景转换更加炫目。
经过了一百年的洗礼《天鹅湖》发生了巨大的变化，这不仅印证了时代的变迁，同时也证明芭蕾舞编导的创编思维的进步。如果说彼季帕和伊万诺夫的《天鹅湖》是19世纪末的一个经典之作，那么英国编导马修伯恩的男版《天鹅湖》就是20世纪末一个颠覆经典的“经典”。与以往的女版《天鹅湖》相比，马修伯恩的《天鹅湖》是当下时代背景和社会环境下的必然产物，他顺应了时代的发展与审美的变化。这也是推动芭蕾发展的必要因素之一。作为又一新版的《天鹅湖》，马修伯恩的《天鹅湖》是成功的，它没有“古典芭蕾”原有的那份与生俱来的高雅，也没有那过于迷人的古典童话故事。他突破了华丽而又代表着纯洁的芭蕾服饰，赤裸着上身，把一切都放在了现代的故事背景中。从1885年到1996年，一百多年来芭蕾史的辉煌可谓是璀璨不灭的，经典芭蕾舞剧《天鹅湖》无论是在世界其他国家还是在中国都是观众耳熟能详的作品。女版《天鹅湖》可以说是第一个成功的版本，也是古典芭蕾的经典之作。然而在百年之后，马修伯恩的新编之作男版《天鹅湖》的成功更加说明了《天鹅湖》这个剧目本身对观众的吸引力以及观众审美需求的变化，马修伯恩的《天鹅湖》可以说是现代社会和文化的必然产物。“天鹅”的成功变身和剧情的大胆设计让观众的眼前一亮，耳目一新。两版《天鹅湖》的成功不仅仅是证明了芭蕾的发展，还更加说明了当代社会人们思维和需求的变化与进步。
(三) 本课题的研究对象
群舞是一种舞蹈形式，一般指3人以上表演的多人舞。从表演的性别上可分为男子群舞、女子群舞和男女大群舞，从内容构成上可分为情节性群舞和抒情性群舞，群舞也可以是一个独立的舞蹈作品。而笔者的选题是芭蕾舞剧《天鹅湖》中群舞的功效，其中还包括了舞剧段落的分析以及芭蕾的发展史等等研究。笔者之所以会选择《天鹅湖》这部舞剧，是因为这部舞剧对笔者来说意义非凡，笔者第一次观看天鹅湖全剧时是在中专二年级的时候，老师带着我们到北京大学百年纪念礼堂，观看中央芭蕾舞团演出的《天鹅湖》，那时的笔者还不清楚芭蕾舞剧到底是什么概念，只是知道“四小天鹅”就是芭蕾舞，穿着脚尖鞋立起来就是芭蕾了。而当笔者真正观看了《天鹅湖》全剧时，笔者就被他深深吸引，一直到今天《天鹅湖》
仍然是笔者最喜欢的一部舞剧。就算是不从事艺术的人，对于“天鹅湖”的名字也算是如雷贯耳了，虽然真正看过这部舞剧的人没有多少，但是这足以证明它在人们心中的地位，“天鹅湖”就是芭蕾的代名词。本文主要研究第二四幕中的群舞。
(四) 本课题的框架和研究方法：
本文绪论将是研究的背景，其中包括了芭蕾舞蹈史，对于天鹅湖作品的简单介绍，分析芭蕾舞的特定审美等等。文章的主轴部分主要是对于天鹅湖中二幕和四幕的群鹅舞段和三幕中的代表性的舞段等等群舞舞段进行分析，分析的内容将包括：群舞的作用，群舞舞段的动作设计，动作的细节和表现力，舞段在全剧中所处的地位等方面，通过这些分析得出群舞舞段对于整部舞剧诗意氛围的构成，丰富舞剧风格元素等方面的功效。本文主要采用科学分析法对文章进行研究。
结语
在19世纪的芭蕾舞剧史上，1895年首演于圣彼得堡的《天鹅湖》可谓达到了辉煌的顶峰，同时又开启了20世纪世界芭蕾历史的崭新篇章。原因不仅仅在于这个版本留下了许多优秀的舞蹈片段，还因为在整个20世纪里，所有致力于芭蕾舞剧《天鹅湖》复排、改编的编导们都以它为基础:或是发扬光大，或是背道而驰，或是把它的成功经验同现代的编舞技法联系起来，从而为整个世界大舞台，创造出一道又一道的美丽风景。凭借更新的观念和独特的创意，1895年版的《天鹅湖》无可争议地成为古典芭蕾的扛鼎之作、舞蹈艺术的至尊经典。即便是在对它大肆批评和完全否定的年代里，人们也无法抹杀它对《天鹅湖》史、芭蕾舞史所做出的卓绝贡献。因此，1895年不仅是《天鹅湖》的重生之日，也使全世界每一位芭蕾观众能对它耳熟能详、如痴如狂。
参考文献
1.钱世锦 《世界经典芭蕾舞剧欣赏》湖南：湖南文艺出版社，2002年
2.朱立人 《西方芭蕾史纲》上海：上海音乐出版社，2001年
3.肖苏华《中外舞剧作品分析与鉴赏》上海：上海音乐出版社，2009年.
4.肖苏华 《芭蕾之梦》北京：中国工人出版社，1994.年
5.隆荫培 徐尔充 欧建平《舞蹈知识手册》上海：上海音乐出版社，1999年
6.欧建平 《世界艺术史——舞蹈卷》北京：东方出版社，2003年
7.金元浦 《美学与艺术鉴赏》北京：首都师范大学出版社，1999年
8.金秋 《外国舞蹈文化史略》北京：人民音乐出版社，.2003年
9.于平 《舞蹈欣赏》台北：五南图书出版社，2002年
10.(美)瓦尔特索雷尔 《西方舞蹈文化史》北京：中国人民大学出版社，1996年
11.(法)弗拉基米尔费多洛夫斯基，马振聘译《俄罗斯芭蕾秘史》上海：东方出版中心，2009年
lake (DVD) 演出：俄罗斯圣彼得堡马林斯基剧院，2006年
lake (DVD) 演出：美国芭蕾舞剧院，2005年
14. 现代芭蕾舞剧《天鹅湖》(男版)
15. Chantrell, Glynnis, ed. (2002). The Oxford Essential Dictionary of Word Histories. New York: Berkley Books. ISBN 0-425-19098-6.
16. Craine, Deborah; MacKrell, Judith (2000). The Oxford Dictionary of Dance. Oxford University Press. ISBN 9780198601067.
17. Darius, Adam (2007). Arabesques Through Time. Harlequinade Books, Helsinki. ISBN 9519823247
18. Gordon, Suzanne (1984). Off Balance: The Real World of Ballet. McGraw-Hill. ISBN 0-07-023770-0.
19. Kirstein, Lincoln; Stuart, Muriel (1952). The Classic Ballet. New York: Alfred A Knopf.
20. Lee, Carol (2002). Ballet In Western Culture: A History of its Origins and Evolution. New York: Routledge. ISBN 0-415-94256X.
《芭蕾舞集教学论研究》你可以看看。 《芭蕾术语词典》
你这篇中国知网也好万方数据也好都有例子！甚至百度文库都有！==================论文写作方法===========================论文网上没有免费的，与其花人民币，还不如自己写，万一碰到人的，就...【每天都有】写作论文的简单方法，首先大概确定自己的选题，然后在网上查找几份类似的文章!通读类似的文章，对这方面的内容有个大概的了解！参照论文的格式，列出提纲，补充内容，实在不会，把这几份论文综合一下，从每篇论文上复制一部分，组成一篇新的文章！然后把按自己的语言把每一部分换下句式或词，经过换词不换意的办法处理后,网上就查不到了,祝你顺利完成论文!
探讨芭蕾表演中美感意识的形成与体现芭蕾由于有着不可摧毁的审美定势、严格的舞蹈规范、一套完整、科学的训练体系，以及所有动作符合美学审美的张力感，成为美丽的象征，被奉为“舞蹈艺术的皇冠之珠”。 文章旨在对舞者在芭蕾表演中外部动作研究的基础上，对美感意识的形成与体现是如何贯穿着外部动作表现力的研究。 ——题记 “芭蕾”是法文“ballet”一词的音译，是欧洲古典舞剧的统称。芭蕾起源于文艺复兴时期的意大利，后来传入法国。路易十四国王的提倡和皇家舞蹈学院的精心整理使芭蕾形成了一套体现古典主义审美理想的舞蹈动作和舞姿规范。而自19世纪，被世人称为“第一个在脚尖上跳舞的人”的法国芭蕾皇后玛丽·塔丽奥妮的出现之后，为芭蕾舞艺术带来了一场飞跃性的革命，并使足尖舞几乎与芭蕾画上了等号，成为舞蹈艺术中最完美的艺术表现形式之一。它所具有的特性构成了其形式美，达到了其他艺术所无法比拟的美学境界。芭蕾舞是一种虚拟程式性很强的艺术，要求规范化，动作姿态也有一定的程式和规格。“开、绷、直、立”被称为芭蕾的四大技术原则。作为一种视觉表演艺术，足尖舞的出现使芭蕾增强了舞姿的雕塑感及对空间的冲击力，延伸了肢体线条并强化了舞者的轻盈与柔美感，使之具有了超凡脱俗的幻觉和幽灵般的动感，将人类带入到一个亦实亦虚的、充满幻想的超脱世界。 一、芭蕾美感意识的形成 意识，即人类特有的、能够反映客观存在的、最高级的一种思想形式。美感是由审美对象身上客观存在的美在审美主体心中所引起的喜悦、欣赏心理及对其做出审美评价的心理过程。而美感意识，在此即是指芭蕾舞表演艺术家在审美活动中各种心理现象的综合。吕艺生教授的《舞蹈学导论》中说到，自芭蕾诞生以后，经过长时间的规范，形成最基本的腿部外开即脚的五个位置以及后来脚尖技术。作为芭蕾审美标志，这两者使芭蕾建立了最不易被推翻的审美定势，芭蕾的审美是不可摧毁的。这要归功于芭蕾具有完整的一套舞蹈规范，即合乎舞蹈动作审美规律的标准、法式、规格，它带有模范性和典范性。也正由于有了这些，才产生了芭蕾舞的形式美。 此外，还有一个容易被人忽略的方面，即芭蕾舞蹈动作中的张力美对芭蕾美感意识的形成有很重要的作用。如欧建平老师在《西方舞蹈鉴赏》中写到倡导形式论芭蕾美学的美国哲学家和舞蹈理论家戴维·麦克尔·列文是这样评论的：“重量与无重量间的张力应是芭蕾艺术的核心，当这个核心适当地被孤立，被展示，即被释放时，它的自身便完全可以具有细腻的表现力。”他极力主张芭蕾从自身的运动规律“重量与无重量间的张力”这个“芭蕾艺术的核心”出发，并去独立展示和释放这个核心，那动作本身的细腻变化和对比的表现力便在其中了。就像人体运动力学这样解释张力：若将人体看作一个力学系统，则人体内部各部分相互作用的力称为人体内力，如肌肉张力、韧带张力、关节约束力等，其中肌肉张力是人体内力中的主动力。张力在芭蕾舞足尖技术中的作用如下，脚尖向下与地面顽强地对抗，寻找一种穿透力，在它的作用下，身体向地心引力不断挑战，用力向上提升，以减轻身体对腿和脚的压力，使其能够在空中自由舞动，在获取有力量的支撑力的同时，又有意识地拉长了腿部的线条；与此同时，四肢以身体中段为核心，像太阳光线一样以不可阻挡的力量竭力地向四面八方放射延伸，最大限度地占有舞台空间，加强对空间的冲击力。如果运用这种意识训练出来的肌肉呈长线条的，充满力量，富有柔韧性，那么就应该具备应付具有高难度的芭蕾舞舞步和技巧动作的能力。反之,如果舞者缺乏运用这种肌肉张力的意识,所展示在观众面前的动作就是松散、笨重、机械而又缺少生命力的。由此可见，要想达到芭蕾足尖艺术这种与其他艺术所难以比拟的动感魅力的形式美，就要在舞蹈训练及表演过程中特别强调张力的运用，它是芭蕾舞艺术的核心，是构建芭蕾美感意识的重要因素。 各门艺术之间的审美意识是相通的。在探讨芭蕾动作张力感时，笔者发现，它恰巧与美术形式效应中的张力学说相符合。在美术形式效应中，芭蕾动作张力感被看作是一种极为重要的性质。它是这样被解释的：运动感有两种形式，一种是通常所指的某一物的位置移动，另一种是从不存在物体运动的地方观察到的运动，这就是张力。它产生的方向总是同中轴线的趋向一致，表现为定向运动的扩张感，是具有倾向性的张力。比如欧洲的哥特式建筑，典型的尖顶直插青天，强化了高耸入云、引向天国的意境。这是从审美的视觉心理效应的角度上说的。芭蕾中的足尖舞，以脚尖面积为支点支撑起整个身体，正是从视觉上强化了双腿修长的感觉。整个身体能量内聚上提，加强了身体的挺拔向上的感觉，绷直的脚尖使原本带有自然状态的松弛、弯曲的腿部线条拉长、延伸到想象中更远的空间，从而获取更修长飘逸、优美典雅的舞姿。那种轻盈、敏捷和对空间的冲击力，为芭蕾开创了一种新风格，形成了崭新的审美标准。例如在古典芭蕾舞中最典型的，最能体现古典芭蕾优美线条和风格的舞姿，立足尖的主力脚动作，就是要有一种顽强的上升感，是依靠脚踝的弹推，膝关节的屈伸以及胯部位的托提，合力完成将承受身体重量的脚推立到脚尖上的动作，但这绝不意味着大功告成，而是感觉在已形成的舞姿上不断持续地顶足脚背，寻找脚尖向下的穿透力，膝关节的伸展力，及胯部包括髋、臀、腰和腹部的肌肉群收紧向上的提拔力。充满张力的高高扬起的后腿以优美的线条向后有力地伸展，呼吸带动双臂微微扬起，纱裙随之飘舞，刹那间舞姿上的停顿，实现了人类对自然的超越，把人们带入了如梦如幻的境界。这恰恰是与美术形式效应中的张力相吻合。 艺术的基本属性就是美。舞蹈作为一门时间性和空间性的艺术，与其他表演艺术的最大不同是，它是一种人体动作的艺术。动作是其最基本的元素，动作性是其非常重要的基本特征，它是使舞蹈具有美感形式的最基本的条件和主要因素。芭蕾舞于18世纪末和19世纪初形成一种独立的、完整的艺术形式，创造了足尖舞技巧，发展了各种腾空跳跃、打击和旋转技巧，并产生一套完整的训练方法。与我国戏曲中的舞蹈“曲、圆、收”、民间舞的“三道弯”的审美标准有很大的区别，“开、绷、直、立”成为芭蕾美学中的技术原则。挺拔优雅的舞姿，轻盈飘逸的跳跃，婷婷袅袅的脚尖旋转，极富生命力的张力感等，有这些美感意识的形成，才使得芭蕾的艺术魅力能够给予人们更强烈的审美感受。 二、芭蕾美感意识的体现 在获得以上芭蕾美感意识的过程中，舞者先是以审美主体的身份，对芭蕾舞艺术的美学原则、动作等有较深刻、透彻的分析和理解，形成一种整体的美感意识，然后舞者再由审美主体转化、过渡到审美客体，通过自身作为表演艺术的物质材料与手段，即表演者的身体和动作，对其表演作艺术美的净化，使之成为有意味的美的形式，引发观众获得审美满足，这就是美感意识的体现。每一个舞者如果没有加强对芭蕾舞美感意识的训练，那就只能被称为是一个缺少灵魂的舞蹈机器、舞蹈匠人，而无法达到芭蕾足尖所营造的那种如梦如幻的艺术境界，完美地向人们展示芭蕾所具有的独特的形式美。这必须要通过艰苦的训练，学会用身体去掌握芭蕾动作形式美的规律，以及对整个身体的控制力，获得稳定、灵敏、向上提拔的力量，使我们的身体能够协调运转，以获得最大的创造美感的自由度。 芭蕾表演是舞者身心的整体表演，在内外结合的技术上必须要把内在生命的动力和外在的舞姿、动作、技巧的表现中的作用、技法相互联系并融合在一起。大部分芭蕾舞基训动作从把杆到中间，从控制到跳跃、旋转等技巧，其目的之一就是训练身体的柔韧性、稳定性、灵敏性等力量。每一次的蹲、绷脚，每一次的跳跃和旋转都要做到身体的极限，为舞台表演做好充分准备。 在表演中，芭蕾的美感意识要自始至终地贯穿其中。芭蕾人体的“外开”，是人对身体自然的对抗，不仅是技术与功能问题，也成为审美意识的重要部分。“外开”完全违背人体自然规律，将髋关节、膝关节和踝关节各自向外旋转90度，脚的五个基本位置也都处于绝对外开状态。这样做的目的是可以让整条腿的幅度从前后运动扩展到任何方向的最大限度的运动，使舞蹈变得更加轻松优雅。同时，最重要的是通过“外开”将人体自然状态的曲线与弯曲隐藏在观众看不到的角度中，使人体翘起的臀部，圆润的小腿肚和突出的脚后跟等部位在观众的视线中消失，将人体自然曲线尽量拉长变为直线，将腿部的比例尽可能地延伸到最长。肩关节和胸部关节的柔软与外开，使手臂和身体连成一气，给人以优雅、轻盈、和谐、流畅、柔和的感觉，整个身体充满张力感，完美地体现出芭蕾审美意识。 作为芭蕾审美显著标志的足尖舞中，芭蕾舞美感意识的体现对舞者来说就意味着更进一步地加大了对身体训练的难度和要求。在做技术动作的时候，要调动所有主观上对足尖技巧的美感意识，将这种属于非视觉的心理内容，通过具体的技术动作，进行物态化的体现，创造出可视的、完美的艺术形象。立起脚尖时，肌肉要为抵抗重力的阻力做带有爆发性的提升、收紧，同时吸气；落地时整个身体继续保持向上的提升力以对抗重力在此时所起的加快加重的向下的自然动力作用。整个身体要感觉在尽量延缓落地的速度。一切似乎都在身体肌肉和呼吸的高度控制中悄然无声地完成，这样才能体现出一个优秀芭蕾舞演员的技能及艺术涵养。如果在足尖的训练过程中能不断地加强每次轻盈的立起和有控制地落下，这种在不同状态下所需要的不同的肌肉控制力的意识，就可以在获得扎实的足尖基本功的同时，掌握对动作的艺术修饰能力，以便更好地炫耀华丽的技巧，展示芭蕾足尖舞的动作形式美。芭蕾舞中的脚是极富有表现力的。在舞蹈中的它总是处于兴奋的状态，可以随时随地地立起脚尖，把身体送往空中。这时就要充分利用地面的反作用力，通过蹲，合理地运用全身的力量，把身体重量通过柔韧的脚腕及坚实、稳固的掌骨到达脚尖，吸气、提胯，只有这样，力量才能畅通，给人以举重若轻的感觉。由于足尖的运用，大大缩小了身体的支撑面积，使人产生强烈的视觉心理效应：灵动、惊异、超脱、引人瞩目，由此，使芭蕾舞成为最有效的艺术表现手段之一。 作为一名舞者，要想达到艺术巅峰，除了要对身体进行符合专业需要的严格训练，还必须要有高标准的美感意识，才有助于使动作更加规范、严谨，使身体在动作过程中具有艺术的感染力和生命力，以及具备体现芭蕾那种具有超凡脱俗的幻觉和轻盈飘逸的美感意识的能力，最终达到体现完美的艺术表现的目的，以满足人们对芭蕾艺术的审美意识的不断更新、变异。 参考文献： [1] 运动生物力学.高等教育出版社，1988年3月版.第205页. [2] 王令中著.视觉艺术心理.人民美术出版社，2005年8月.第95页. [3] 朱立人.芭蕾术语辞典.上海音乐出版社，2003年.第2页. 作者单位：上海戏剧学院舞蹈学院
《芭蕾教学法 》巴景侃 《西方芭蕾史》
你好，如果是化纤冒充，无异味，色泽雪白，就问题不大。顶多就是盖起来闷点。以下方法一、二可以鉴定出是否是蚕丝。方法三可以鉴定出是否是桑蚕丝。前提：从任何角落里抽取蚕丝（而不仅仅是检测口的蚕丝），不然，检测口的蚕丝未必代表是整床的蚕丝了。 方法一：从任何角落里抽取蚕丝（而不仅仅是检测口的蚕丝），放在84消毒液力，几秒钟融化，代表是蚕丝，否则非蚕丝。很好玩很有效的方法。 方法二：用火烧。蚕丝燃烧后会有头发的味，离开火苗，马上熄灭。 方法三：视觉和触觉了。桑蚕丝是珍珠白，有光泽。用手一摸，桑蚕丝黏手，而柞蚕丝不黏手。蚕丝是自然界中集轻、柔、细为一体的天然纤维，素有"人体第二皮肤"的美誉，被业界称为"纤维皇后"。其主要成分为纯天然动物蛋白纤维，其构造和人类的皮肤是最相近的，有87%是一模一样的，内含多种人体必须的氨基酸，有防风、除湿、安神、滋养及平衡人体肌肤的功效。蚕丝滑爽、透气、轻柔、吸湿、不剌痒及抗静电等特点使其成为制作贴身衣物的上乘料子，而以蚕丝作为内质的蚕丝被更具有贴身保暖、蓬松轻柔、透气保健等得天独厚的品质和优点。古时候的达官贵人、皇亲国戚的被子，用的都是蚕丝被。所以，蚕丝被是盖起来最舒服的被子。蚕丝编辑桑蚕丝真丝的一种，由桑蚕吐出的丝织成。桑蚕丝是天然的动物蛋白质纤维，是丝绸织造最主要的原料。光滑柔软，富有光泽，有冬暖夏凉的感觉，磨擦时有独特的“丝鸣“现象，有很好的延伸性，较好的耐热性，不耐盐水浸蚀，不宜用含氯漂白剂或洗涤剂处理。柞蚕丝以柞蚕所吐之丝为原料缫制的长丝，称为柞蚕丝。不同之处与柞蚕丝不同的是，桑蚕丝色泽白里带黄。随着近代蚕桑养殖技术大幅提高，加工工艺日益完善，人们对“纯天然”产品的追求，使“昔日王谢堂前燕，飞入寻常百姓家”，桑蚕丝被已经成为任何人都可以购买、享用的优质床品。产地桑蚕丝“蚕丝之乡"：浙江嘉兴桐乡“丝绸之府”：湖州“蚕丝被生产基地”：嘉兴浙江湖州，苏州太湖流域简称苏蚕，震泽被称为苏州蚕丝被之乡。中国茧丝绸之乡：江苏海安中国茧都：江苏东台富安“蚕丝被之乡”：江苏吴江震泽蚕丝被（简称苏蚕），四川保宁府（现阆中市）东桑西移项目基地-----陕西安康、平利、宁陕、旬阳、石泉等地“桑蚕之乡---四川三台”广西——新崛起的桑蚕丝养殖、桑蚕丝产品制作基地，国家“东桑西移”工程项目建设基地。广西宜州市正全力打造蚕茧丝绸示范产业基地，其蚕桑产量已经连续七年居中国县域第一，名副其实的中国桑蚕之乡，素有“中国桑蚕看广西，广西桑蚕看宜州”之美誉。随着科技的发展、劳动力成本的提高，广西成为了新崛起的“北棉南蚕”的重要养殖及桑蚕丝被制作基地、国家“东桑西移”工程项目建设基地。桂人养蚕并制作成蚕丝被已经有多年的历史，据文献记载，在盛唐时期，蚕丝被已经成为宫廷贡品。到了明清时期，蚕丝被已在上流社会中得以流行。与柞蚕丝不同的是，广西生产的桑蚕丝色泽白里带黄。随着近代蚕桑养殖技术大幅提高，加工工艺日益完善，人们对“纯天然”产品的追求，使“昔日王谢堂前燕，飞入寻常百姓家”。 桑蚕丝被已经成为任何人都可以购买、享用的优质床品。
你可以选择蚕丝被或者羽绒被，这两种被子都是比较轻，也比较暖和的，很适合在冬天使用。
蚕丝周商时期就有了，蚕丝被在春秋战国时期就开始在宫庭使用 杭州么为纺织公司， 专业做蚕丝被
什么被子又轻又暖和。蚕丝被又轻又暖和。蚕丝被很轻，但又很暖和，所以我盖的就是蚕丝被。蚕丝被非常暖和，但特别轻。