浅议钢琴演奏教学中的“松”与“通”

　“松”是放松之意。只有在放松的状态下，演奏者才能控制指尖力量并演奏出不同的音色，呈现出作品想要表现出来的效果。当演奏者能够熟练地运用不同的音色来展现作品内涵时，其演奏就会令听者觉得魅力十足，回味无穷。这就是松则通，通则变，变则久的寓意所在。
　　松则通
　　“松”是一种状态，演奏者在演奏之前就必须使全身都处于放松的状态，但是手部是需要时刻准备好的。只有这样，演奏者才能在开始演奏时灵活地运用自身的力量。在全身放松并且全身力量融通的情况下，手部才能将乐曲的曲调变化与情感升华表现出来。演奏者要放松背部、肩膀和手腕、手指，将所有的感觉与力量都集中于演奏的手指上，不要紧张，这样演奏出的声音才最松弛，犹如晶莹剔透的珠子，圆润柔和，富有感染力。若手腕和手臂由于紧张而发紧、僵硬，弹奏出来的琴声必然生硬、没有感情，也就无法感染听众。
　　演奏者在注意放松的同时，还要凝神注意自己的演奏，锻炼自己辨别声音变化的能力。很多人在弹奏时并不注意演奏的效果，他们一般将练习的注意力集中于完成或熟练弹奏歌曲，而很少将经历放在演奏的音色优美程度或者演奏的旋律性上。这样练习久了，演奏者是否能锻炼出音乐的耳朵？靠什么配合手指来操控键盘？作为一名钢琴演奏者，我们要时刻关注自己演奏出的音乐，分辨和感悟琴声的变化，要在完成演奏表演的基础上对作品进行有个性的诠释。演奏者在演奏时，一定要弄清楚音乐曲目当中蕴含的感情与灵魂，并融入自己的理解演奏出来，这样的音乐不仅仅是对音乐的演奏，还包含了对人性的理解与文化的诠释。可以说，耳朵是弹奏时分配和调节力量来揭示作品深意的重要调节器。
　　在演奏的速度上，也要根据作品蕴含情感的前后变化作出调整。钢琴的音色有极强与极弱两个极限。除了力度和速度的把握，对于作品特定意境的技巧与触键的方法也要进行把握。触键方法是通过手臂与手的动作转化完成艺术表现所需要的音响效果，不同层次的变化会产生不一样的效果。演奏者需要根据作品具体的情境选择不同的触键方法。
　　通则变
　　《易经》中从天象变化的规律中总结自然界的变化，让天象变化为人之所用，以达到人定胜天的目的。而钢琴演奏中音色的变化是由于肌肉力量的变化。音乐的一项重要原则是变中求一。从生理上来说，演奏的肌肉群达到协调，在神经系统的指导下，通过肌肉的伸展与收缩发挥力量，演奏出多样的音调。聆听音乐的人都无法忍受单一乏味的音调，这也是电子琴逐步退出音乐舞台的一个重要原因。对于从事钢琴演奏的人来说，会听是一项非常重要的技能。当演奏者演奏某一音乐曲目时，聆听的人会被所演奏出乐曲的情境和演奏者的情绪所左右，耳朵对音乐音质的要求，对作品风格的把握都会产生不同的效果。
　　中国钢琴教学在听力培养这方面，采用的是有些偏激的听觉训练模式，认为钢琴发出的声音越大、越洪亮，演奏效果就越好，音乐就越具穿透力。长期受这种教育观念的影响，演奏者在演奏时才会将注意力集中到错误的方面，比如单一追求音乐声音的响亮。这容易造成听觉上的模糊，使其对音乐的音质要求、作品风格的把握存在误解。若这种习惯渐渐成为自然，日后若想要纠正困难会更大。因此，应改变演奏者的音乐观念，在音乐演奏过程中锻炼听觉观念，形成好的音色观，并在正确的观念引导下进行练习。音乐观念的转变需要做到以下两点：
　　1.听觉的自我构想
　　在演奏者倾听演奏出的旋律时，想象力是最为重要的。对于自我听觉训练有素的演奏者来说，会把从音乐会上、唱片上甚至任何时间听到的引人入胜的声音铭记于心，存储在他们的脑海之中。通过对优秀音响信息的日积月累，他们会不经意地将这些信息运用到钢琴演奏中去，而产生惊人的效果。如博姆的《喷泉》，该曲高低起伏、强弱对比的旋律生动表达出了喷泉的形态——忽高忽低，忽大忽小。若演奏者在生活中没有留心观察过喷泉的形态，演奏中无法体会这种节奏和音色的变化对比，就会令听者觉得平淡无味，没有带入情境之中。
　　同时，要准确把握音乐曲目想要表达的内容，即将乐曲的旋律同生活中熟悉的声音联系起来。以贝多芬第十七号钢琴奏鸣曲为例，该曲描述的是暴风雨从临近到结束的一系列过程。演奏者在演奏前，就要感受那种暴风雨即将来袭的沉闷与压抑的氛围，在演奏中融入情感，使听者像身临其境一般感受到。这种演奏效果需要合理分配手部力量来实现。
　　2.检测自我倾听
　　自我倾听是演奏者要注意倾听自己演奏出来的效果，这对培养良好的听觉有着非常重要的作用。很多学习钢琴演奏的同学认为自己演奏出来的效果已经达到了作品的要求，事实却并非如此。这其中一部分原因是自我倾听能力方面的不足，要想改进这个问题，首先就要养成良好的听觉习惯，并学习去倾听自己的演奏。
　　在演奏之前，要在脑海当中想象弹奏的效果，这是源于内心的想象。在实际弹奏时，要时刻关注自己所演奏出来的音乐，用心控制手指的力度与节奏感。若还是无法分辨出自己演奏音乐的好坏，可以用设备将自己演奏的乐曲记录下来，反复倾听，寻找问题。这样便会发现自己演奏过程中出现的如连贯性问题、感情投入不足、强弱对比不鲜明等。这是因为演奏者在演奏过程中听自己的弹奏是处于一种主观审视的状态，而录制下来再听则是站在客观的角度上进行分析。可见我们自己听到的声音与他人是不同的。如何将这二者统一起来，就需要演奏者反复练习并加以琢磨。
　　变则久
　　当演奏者能够灵活支配弹奏的肌肉系统时，就可以潜心研究音乐曲目的内涵，在演奏时也可以融入自己的理解，如对于节奏、速度等方面的把握，使演奏出的乐曲更加生动和美妙。
　1.速度、节奏和风格要素
　　每一首钢琴曲目的旋律都具有不同的特点，不同的节奏与速度的组合可以表达不同的情绪。一般来说，不同时期的音乐曲目风格都不尽相同，这要求对不同时期的作品进行演奏时就要采用不同的速度与节奏。如巴洛克时期的作品，有着华丽的装饰音，但是听者一般为教堂或者皇室贵族，其音乐曲目的风格自然略显拘谨，音乐曲目的曲调一般比较平稳。而古典主义时期的作品有着严格的速度模式，因此都比较规整。而到了浪漫主义时期，自由速度是这一时期作品主题 ，这一时期音乐曲目的音色魅力发挥到了极致。不同的曲目需要配合不同的节奏来展现音乐的律动性，将曲目完整地描绘出来。踏板的运用能够使音色的变化范围增广，在钢琴演奏中要正确运用踏板来帮助演奏取得更好的音色效果。
　　为了体现不同时期的音乐曲目的风格，对于音色的选择显得至关重要。演奏者首先要熟悉音乐曲目的音乐风格，而声均和音色是体现音乐风格的主要元素。演奏者在演奏前，首先要考虑曲目的调性，其次要把握曲目的曲式结构，通过音色变化来展现和声的色彩，用不同的音色展现音乐作品的“艺术形象”。
　　2.积累自我感性经验
　　我们能听到各种各样来自自然界的声音：小鸟的鸣叫、潺潺的流水声、风吹竹叶的沙沙声……音乐者要从自然中体会和感知声音，这能够帮助我们把握音乐的灵魂。比如《浏阳河》，波浪式的婉约旋律，加上歌词的诠释，使听者仿佛正看见浏阳河缓缓流动的河水。我们平时加强从自然界中感悟声音，那么理解音乐作品会变得容易很多。在头脑中产生对声音的想象，在弹奏中也容易融入进去而引发听者共鸣。可以说，在钢琴演奏中对音色的追求，不仅是对演奏技术的追求，更是对演奏者艺术人生的更高追求。
　　结语
　　音乐可以感化人的心灵，是最接近心灵的语言。钢琴演奏者要拥有一对懂得聆听的“耳朵”，将自己听到的和领悟到的作品灵魂同自己的理解结合在一起，才能够弹出充满魅力和引人入胜的作品，才能赢得听者的共鸣。要寻找合适的“取音”之道锻炼自己支配力量的能力，当力量能够合理运用，则各种音色都能熟练掌握，才能够在音乐弹奏中融入更深层次的理解，弹出优秀的作品。
　　参考文献：
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　　作者单位：陕西学前师范学院音乐系 陕西西安