音乐是通过有组织的、在实践上流动的音响所形成的艺术形象或意境，来表达人们的情感，反映社会生活的艺术。下文是我为大家搜集整理的关于音乐学论文写作的内容，欢迎大家阅读参考!音乐学论文写作篇1 浅谈中国传统音乐文化中的人文精神 从哲学的角度上来说，艺术来源于生活，因此我国传统文化为传统音乐文化提供了适宜的发展沃土。而中华民族传统文化的最显著特征就是富有“天人合一，以人为本”的人文精神。通过对中西方艺术的比较和分析能够发现，西方的艺术大多是建立在立体化思维基础上，但我国传统艺术则主要是建立在线的思维基础之上，在传统音乐中的具体展现就是单一旋律思维是音乐思维的基本形式。但是站在艺术的角度上来考虑的话，这种思想即“真、善、美”三者的统一。传统音乐正是具备真善美三类因素的艺术形式，借助于文化现象呈现出欣赏主体的面前，通俗来说就是音乐魅力的所在。 一、传统思想影响下的音乐人文精神 纵观我国传统音乐文化的发展历程我们能够了解到，其存在和发展的脚步在很大程度上都要依赖于政治上的需要，需要以当时所处的历史环境为依托，受外部环境影响较大，就像很多传统音乐文化都深深的被儒家和道家思想所左右。 直到今日，在我们平时的日常生活中，我们依然无时无刻的不在接受着儒家文化和道家文化的影响，这些思想的渗透方式是无声无息的，往往在我们不自居的情况下就会接受这种文化的熏陶和感染。并且传统音乐文化中具有很多思想内涵，这些都是儒家所倡导的“仁”反映的思想，儒学的基本特征是仁、义、礼、智、信，是把理想的道德和伦理意识作为衡量处世做人的价值标准，主张利人利己，强调爱人，对等，互利和诚信等原则。因此，传统音乐文化中的人文精神更能通过“爱人者人亦爱之”的儒家思想得以展现，渗透了“不独享其享，不独子其子，使老有所终，壮有所用，幼有所长”的道德理念。且在距离感上更加接近自然，在无形中使传统音乐受到了自然的熏陶和感染。 由于受到传统文化的影响，使得我国传统音乐文化在很大程度上与传统文化之间存在较大的关联性，讲究声音“中正和平”，强调“礼乐治国”与“和而不淫”。但是贯穿于传统音乐发展始终的思想理念却一直都是“天人合一”，这也是多少年来我们一直所追求和达到的，即人际关系和天人关系的统一，这在很长一段时间内都代表了我国传统音乐的主流文化。早在春秋时期的五行音乐思想中就曾认为“天有六气，降生五味，发为五色，征为五声”，在其思想观念中认为只有使音乐平和才能够促使阴阳调和、人心和乐，如果声不平的话则会造成阴阳不调以及民离神怒的问题。 就像《吕氏春秋》一样，正是根据阴阳家和道家思想的综合借鉴，以五音配五时，十二律配十二月构成宇宙图式，在其主旨上更加注重对自然统一的追求，并且在音乐文化方面也一直主张平和、适中，从某种角度上来说以天人合一为主要内涵的传统音乐就是从此时期开始得以形成。而直到《乐记》的出现，在其人文精神上更加强调音乐能够做到以气和天和人进行沟通，促使天人之间能够进行互相感应，进而做到改变自然事物，影响到社会政治方面的相关决定。到此阶段标志着以天人感应为主要人文精神的传统音乐文化开始走向成熟。这在一定程度上体现了传统音乐在人文精神上具有自身的独到性，能够从一个侧面发现出相应的品质光辉。 此外，道家文化之所以能够在历史的长河中得以保存并发展下来，并在过去的数百年乃至数千年中一直影响着我国的传统音乐文化，其中必然存在着许多可取之处。从我国历代文化知识分子的文化心理上看，老庄哲学中存在着浓厚的虚无思想，这种思想曾引导无数文人隐居山林，逃避纷扰的社会，以谋求心理上的平衡。然而，老庄哲学中体现出的泛神论以及相对自由观念又在一定程度上同儒家的“入世”存在着精神上的关联。所谓儒道互补，这构成了我国文人雅士世代相传的机制。 在我们平时的日常生活中，我们无时无刻的不在接受着道家文化的影响，这些思想的渗透方式是无声无息的，往往在我们不自居的情况下就会接受这种文化的熏陶和感染。而这种思想观念不仅对我国传统音乐文化具有深刻影响，更在很多方面成为了人们处理日常事务的基本立场和原则，成为了全民族共同的心理状态和性格特征。而从另一方面的层次上来讲，这些思想文化进过历史的发展和沉淀，已经能够适应各种文化阶级的需要，成为一种具有比较稳定地文化结构。并直接作用到传统音乐文化中人文精神的形成上。曾经有一段历史时期的传统音乐比较倾向于庄子的“静”，认为这种特质可以用来培养“知”，启发“慧”，在这样的条件下使得道家思想在当时的音乐艺术中得到较为广泛的应用。并且在对人性的解释上，庄子和其他思想之间也存在一定共通之处，认为人应当被动的回归自然，不应具备自身的主动性，只有这样才能使人性跟好的保存。 二、结语 研究中国传统音乐文化中的人文精神除了具有重要的文学和艺术价值之外，还具有一定的社会价值。剖析我国传统音乐文化中的人文精神在实质上是从独特视角上去对传统音乐文化进行重新的认识，通过相应的分析来得出展现出其对于传统社会的影响意义，更能够折射出对当代社会和艺术的借鉴作用。在传统音乐文化中的思想观念中，或许自然才是能够与人性最好结合的载体，因此通过传统音乐的人文精神和思想内涵来表达自己希望“真、善、美”的统一愿望。 音乐学论文写作篇2 浅析影视音乐的形式和特征 音乐是所有艺术中最为抽象的艺术。但是，音乐又是与人们的情感最为接近的艺术，甚至可以说音乐属于生理和心理领域，它从潜意识影响我们的情感。由于人类所具有的共同情怀，使音乐成为超越种族、国家、地域的国际性情感语言。 作者简介：周晓春，成都理工大学广播电视编导专业毕业，现任成都理工大学广播影视学院航空系教务办主任，担任《名片赏析》、《公文写作》等课程教学工作。 [中图分类号]：J642.43 [文献标识码]：A [文章编号]：1002-2139(2013)-8--01 前言 音乐是通过有组织的、在实践上流动的音响所形成的艺术形象或意境，来表达人们的情感，反映社会生活的艺术。但是，影视作品中的音乐，决不能离开可视的屏幕形象，它只能作为影视艺术的一个辅助元素而存在，并且只有与影视的其他元素有机地结合在一起才能具有影视音乐的独特价值。音乐的物质材料是悦耳的乐音，它主要是通过声波作用于人的听觉;而电影的物质材料是优美的画面，它主要是通过影像作用于人的视觉。 影视音乐就像星星和月亮，本身是一个存在物，但离开了影视剧就失去了作为影视音乐的存在价值。所有的成功和所有的艺术魅力都取决于影视剧本身的艺术魅力和价值。就像月亮、星星，失去了太阳，就失去了所有的魅力和遐想。 一、影视音乐的形式 1.画内音乐与画外音乐 画内音乐与画外音乐这一对关系，是自有声电影出现后就随之产生的。画内音乐又叫有生源音乐或客观音乐，它是在画面内可以看得到声音来源的音乐，比如剧中人歌唱、弹琴(当然，音乐片不在此例)，或者画面中的收音机、录音机、扩音器等传出的音乐。影片《马路天使》的开场戏就是男主人公陈少平所在的乐队为别人的婚礼吹吹打打，在鼓乐声中，展示了大上海的都市风貌，也交代了小陈和报贩老王、歌女小红的关系，把观众较快地带到影片的规定情境里。画内音乐真实性较强，容易得到观众的认同，在用纪实风格拍摄的影片中，画内音乐运用得比较多。 画外音乐，是指在画面上见不到声音来源的音乐，绝大多数影视音乐都是画外音乐。画外音乐主要体现编导者的思想意图，所以也被称为主观音乐。 影片中的画内音乐和画外音乐是可以互相转化的。有些影片的主题音乐是用画内音乐的形式呈示的，如英国影片《简?爱》，女主人公与男主人公罗切斯特第一次见面，应罗切斯特的要求弹奏了一段钢琴，她所弹奏的这段旋律也就成为全片的音乐 主题。 2.片头音乐与片尾音乐 片头音乐：用于片头字幕的音乐。它的作用包括呈示出影片主题音乐，展示影片风格，用音乐语言概括全片基调，把观众引入到影片之中。 片尾音乐：用于影片片尾的音乐，它与片头音乐呼应，是对影片思想内容、艺术风格和基本情况的回顾和总结，以使观众对影片进行联想和回味。 片头音乐和片尾音乐通常都是影片中较长的，而且是相对完整的音乐段落。由于一般影片对片头音乐和片尾音乐在艺术上要求较高，也要求他们在曲式结构上相对完整，并且还会要求具体的对准画面上的某一部分的动作、情绪等，所以作曲家对片头音乐和片尾音乐都很重视，尽量在这里完整地展现自己的乐思。人们经常把片头音乐当做迎客音乐，把片尾音乐当做送客音乐。 3.影视音乐的特征 音乐是听觉的艺术，我们用“语言”这样的文学术语很难准确地表达音乐艺术的特点，在此只是借用这些词汇的约定俗成的含义和人们的联想来描述音乐。 一般来说，应该要求各种艺术形式的语言都是雅俗共赏的，但对影视音乐来说，在雅与俗的两端中，我们要求它偏向于俗的方面。对于绝大多数观众来说，他们看影片的目的主要是观赏与娱乐，而且去电影院看电影，也只是看一次而已(当然那些具有号召力的影片是一个例外，世界上就有一项纪录是专门为看美国影片《乱世佳人》而设的，据说这项纪录还在不断被打破)。要求一部电影音乐作品在观众看过一次电影后就能受到感染，能够记住，甚至于让观众为了听影片中的歌曲和音乐再去看这部电影，这实际上是一个很高的、难以做到的要求。 影视音乐，指影视作品中的一切音乐和歌曲，是影视作品的重要组成部分。作为音乐艺术的一种新体裁，影视艺术既有音乐艺术的共性，又有影视音乐自身的特殊性。其特点主要表现在以下几个方面： (1)影视音乐是影视作品中的一个重要构成因素 影视音乐不是独立的音乐作品，也不是只为了说明画面内容的被动因素，而是影视综合艺术中一个不可缺少的表现手段。因而影视音乐必须按照影视作品所规定的形象、情景、矛盾冲突和风格来创作，只有这样才能为表现影片的主题、人物和情节服务，与整部影视作品融为一体。 影片《勇敢的心》表现了苏格兰民族英雄威廉?华来士和苏格兰人民英雄反抗外族压迫的伟大历史。在人物的个性塑造和表现战争的壮阔场面上具有强大的震撼力。这部影片在音乐的运用上，手法比较多样，既注意到铺垫史诗性情怀，又注意对具体场景的表现。最突出的一点就是对苏格兰风笛音乐的运用，无论是在具体场景上还是在赋予它更深的含义上都做得恰到好处。 (2)影视音乐具有间断性 影视音乐不同于独立的音乐作品，独立的音乐是一气呵成的，而影视音乐在整部作品中要受到影视总体结构的制约，特别是影视蒙太奇的制约。在时空跳跃大的蒙太奇段落，影视音乐时隐时现，表现出间断性。也就是说，影视画面持续不断地展现，而音乐则根据剧情需要，以分段穿插，间歇间现，跳跃进行的方式逐步展开，并受到镜头时间的严格限制，其精确度常常以秒计算。如影片《洛丁山》中，《When you say noting at all》这段音乐的运用，就是以分段形式在不同的时间段来表达不同人物的心情和渲染影片气氛的。 (3)影视音乐的不完整性 影视音乐与影视作品的关系，就如同交响乐的某一声部和整部交响乐的关系一样。交响乐的某一声部有其存在的价值，但又不能到音乐会上演奏;而影视音乐中的一个和弦或一个音部也有其存在的价值，却也不能在影视音乐中完整地表现出来。也就是说，影视音乐不一定追求结构的完整。另外，影视音乐不像交响乐那样变化起伏，而是表现出一定程度的单纯性、松散性、灵活性。如影片《放牛班的春天》与影片《不能说的秘密》，都是采用以多首不完整音乐形式相串联的方式来展现影片的主题的。 猜你喜欢： 1. 音乐系毕业论文范文 2. 浅谈小学音乐教学论文范文 3. 关于音乐的毕业设计论文样本 4. 音乐系本科毕业论文 5. 音乐开题报告范文
音乐是一种情感艺术,音乐本身是美的化身,代表着美好的祝愿、向上的精神以及对美的描述和传达,不同风格的音乐能在不同的条件下会使欣赏者获得不同的心理体验。下文是我为大家蒐集整理的关于的内容，欢迎大家阅读参考!
浅谈中国民族音乐的发展及特点
中国是一个多民族的国家，拥有56个民族。在社会的不断进步与发展中，各族人民通过长期的生活实践创造了丰富多彩的民族音乐。民族音乐是我国音乐文化的根本，它特点显著、风格迥异，可称之为我国音乐宝库中的一枝奇葩。
一、中国民族音乐的概念
中国民族音乐是指用中国传统的乐器以独奏、合奏形式演奏的民间传统音乐。它既包括汉族音乐和少数民族的音乐，也包括民间音乐和专业创作的音乐，同时也涵盖了传统音乐和现代音乐。狭义来讲，中国民族音乐可分为五大类别，即：民间歌曲、歌舞音乐、说唱音乐、戏曲音乐和民族器乐。
二、中国民族音乐的发展
中国民族音乐有着悠久的历史，早在几千年前，就产生了歌舞。我们的祖先在捕捉到猎物后，手舞足蹈的庆祝，这就是最原始的歌舞。在夏、商、西周到春秋、战国、奏汉这一时期内，民族音乐经历了由原始乐舞到宫廷乐舞的转变。魏、晋、南北朝正处于于国家政治动荡时期，由于人民的迁移，所以带来了少数民族的音乐以及外国音乐，这就使中国的传统音乐加入了很多外来的因素，包括乐器、乐曲及音乐理论等。辽、宋、金、明、清时期，政治相对稳定，所以音乐文化基本定型，这一时期的代表音乐形式就是戏曲艺术。建国以后，中国民族音乐的发展突飞猛进，随着革命的胜利以及农业的开展，出现了大量的民族乐曲，如《扬鞭催马运粮忙》等作品就是这一时期最有代表性的作品。在这一时期，剔除了民族音乐的一些旧观念，融入了西洋乐曲中新的元素，令人耳目一新。
三、中国民族音乐的特点
中国的民族音乐基本上采取五声调式或七声调式，并且基本上都是单旋律的，很少运用和声，所以唱起来朗朗上口。在创作上，大多都是劳动人民在长期的生产和生活实践中创作的，体现的是劳动人民的生活，所以流传非常广泛。概括起来主要有一下几个特点：
1.中国民族音乐的即兴性
即兴性是中国民族音乐最常见的一种创作方法，也是中国民族音乐的特点之一。比如阿炳的《二泉映月》，阿炳当时双目失明，靠在街边乞讨为生，这首作品正是他在乞讨时即兴演奏的作品，是发自内心的情感体现。又比如刘天华的二胡曲《良宵》，当时几位音乐家在除夕夜前夕相聚，刘天华顿时产生灵感，一气呵成而创作的。可见，即兴性对于中国民族音乐来说是非常重要的一种创作手法。
2.中国民族音乐创作的口头性和集体性
中国民族民间音乐主要是劳动人民根据生活和成产劳动的口头创作，主要以口头形式进行传播。比如号子，人们在劳动中，为了统一步伐、排忧解闷等，口头创作了这类歌曲，号子起到了指挥动作、协调动作的作用，一人领唱，众人合唱，大大增加了劳动热情，也提高了劳动效率。经过历代的口传心授，也经过了无数人的加工和改编，给我们留下了宝贵的音乐财富，这体现了中国劳动人民集体智慧的结晶。
3.中国民族音乐所表现的乡土性
中国民族音乐表现出很强的乡土性，虽然同属中国，但各地区的地理环境、文化习俗、语言等都有很大的差别，所以音乐有很强的民族乡土性。每个地区和民族都有自己的音乐特色，常表现在调式、节奏、节拍上。比如新疆音乐，新疆被称之为“歌舞之乡”，所以它的音乐带有很强的律动，在切分音符的节奏下，加之手鼓、冬不拉这些特色的乐器，一起展现了新疆音乐的特点，使人们眼前一亮，仿佛到达了新疆那篇迷人的国土。又比如 *** 音乐 *** 昂扬、奔放粗犷。体现了中国民族音乐具有强烈的乡土性和地域性的特点。
4.中国民族音乐在流传中的变异性
前面提到了民族音乐的即兴性和乡土性等特点，这种口传心授的传播方式使民族音乐在流传中具有一定的变异性。主要表现在两个方面：一个方面是地域性变异。一支民间曲调在异地流传时，会因唱词方音的变化而导致旋律的变化，也会因各地人们性格特征的不同而发生曲调情绪上的变化。另一方面是体裁间相互交叉、渗透的变异。有些民间小调吸收了说唱音乐的表现手法，增强了叙述故事、展开情节的表现能力。
比如歌曲《绣荷包》，流行与全国多个地区。流传于四川的《绣荷包》表现了很强的四川音乐特色， *** 味很强烈;流传于陕北的《绣荷包》则带着些许伤感，但旋律优美动人;还有流传于云南的《绣荷包》旋律流畅抒情，像云南优美如画的风景。又比如歌曲《茉莉花》也是全国各地都流行的民歌，但却有很多的变体，有些是同曲异名，还有些是同名异曲。这些都体现了中国民族音乐在流传中变异性的特点。
除了以上四个特点以外，中国民族音乐还具有人民性和功能性的特点。广大人民在创作中把对生活的喜怒哀乐都通过民族音乐体现出来，表达了内心的情感，所以具有人民性的特点，听众是最多最广泛的。其功能性也是最强的，在不同场合、不同地点都有着不同的功能。在劳动中、茶余饭后、节日庆典中，都有着不同的作用。
中国民族音乐文化博大精深，体现了炎黄子孙的智慧和创造力，是中国音乐文化的奇葩。了解中国民族音乐的发展及特点，可以提高音乐的鉴赏能力，同时也为弘扬和继承中国音乐文化做出微薄的贡献。
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笛子的起源非常古老。很久以前，我国就有关于“笛子”的记载。 《风俗通》记载为汉武帝时丘仲制笛。马融《长笛赋》则说是出自羌，本四孔，京房加一孔、 《说文》在诠释“笛”字时说：“笛，七孔篇，羌笛三孔。”《乐府杂录》的记载更干脆： “笛，羌乐也。”杜佑的《通典》中也有“汉灵帝好胡笛”的记录……从这些材料看来，关于笛的起源问题，已不能详号、笛这一管乐器的来历，尽管有很多说法，其中比较有代表性的说法是汉朝时张骞通西域后，从新疆、中亚细亚一带传入。笛在外国起源同样很古老，最值得我们注目的是公元14至15世纪间，西班牙殖民者将秘鲁等地的固有文化做了最彻底的摧毁、在这以前，秘鲁本地的印第安人建立了“印加王国”，印加人有高度发达的文化，考古学家在出土的印加文物中发现，印加人拥有各式各样的乐器，其中就有很多笛子，而且还有由不同材料(如兽骨和陶土）精工制造的笛、从地理环境看，这些笛和其他乐器，都是印加人的创造，不大可能由另外什么地方传来。由此看来笛确实是一个极古老的民间乐器。
音乐不同于其他的艺术表现形式，它在时间中展开，又在时间中消失，是直接表达人类情感的抽象艺术。下文是我为大家搜集整理的关于音乐学博士论文的内容，欢迎大家阅读参考! 音乐学博士论文篇1 浅析基层群众文化活动中音乐创作的创新策略 群众文化音乐创作包含较多，例如音乐改编、舞曲的编制、歌曲音乐串烧、为活动创作主题歌曲等音乐创作活动。但是在基层群众文化活动音乐创作的实际工作中，因为一些原因使得音乐创作者在音乐的创作的过程中出现了许多的问题，这些问题不解决就会影响群众文化活动中音乐创作工作的顺利开展。 一、现阶段群众文化音乐创作的现状 1.音乐创作的质量与风格差异显著 因群众文化的主体为群众，群众文化中的音乐艺术创作者也大多为普通的人民群众或是音乐创作的业余爱好者，不同创作者的音乐专业知识、受教育程度、个人音乐素养及文化素质存在差异，导致了群众文化工作中的音乐创作质量及作品水平差异显著，参差不齐，一定程度上对群众文化的音乐创作工作带来了较大的负面影响。另外，虽然我国现阶段的群众文化音乐创作中呈现了较为繁荣的局势，但能够真正在广大的人民群众间起到号召力的歌曲少之又少，在对这些歌曲进行创作时，音乐创作者不但要耗费相当大的精力与时间，还要为这些歌曲的上市投入一定的财力，逐渐脱离了音乐创作本身具有的乐趣和意义。 2.缺乏专业音乐创作人才 基层群众文化音乐创作工作面对广大的群众，为提高音乐创作效果，需要专业的音乐创作人才及专业设备。专业的音乐创作人员可以根据活动主题及具体要求，在确保音乐符合活动要求的前提下进行独立的音乐创作;音乐创作人员在创作音乐的过程中需要专业的设备。专业人员及专业设备是确保音乐创作活动顺利进行的前提条件，但基层的文化馆单位因为自身规模限制以及经济因素的影响，缺乏专业的人才及设备，进而影响了音乐创作工作的顺利展开。 3.资金不足 虽然现在政府大力的支持基层群众的文化活动，但还是跟不上群众文化活动的多变性。在资金不足或完全没有资金的情况下，是很难完成创作的，基层群众人员会因为资金的缺乏而买不起专业书籍或是上不起专业课程，从而阻碍了作品的创作。 二、解决文化活动中音乐创作问题的主要策略 1.完善音乐创作所需的硬件 基层群众文化活动中音乐创作所需要的硬件是指音乐乐器：钢琴、吉他、小提琴、二胡、笛子等等或者是电脑设备声卡、软件等。再加上专业老师的指导，能使大家更快的去学习并完成音乐创作。同时由专业人士带动，更能调动大家想要学习的欲望和学习氛围，再加上乐器的使用，使得整个音乐创作过程中其乐融融。现如今也有许多人采用电脑制作的方式来创作音乐，电脑制作相比传统的方法来说轻便快捷易于整理，但却缺乏了集体的合作意识，在整首曲子大概创作完成之后还需要去录音棚试音，这时应该有专业的录音棚或者录音室来供大家试听自己的歌曲。现代化的创作方式比传统方法要更费资金，如果在资金不足的情况下，使用传统的音乐创作方式会更加得体。 2.做好基层文化活动音乐创作前的基层调研工作 为解决基层群众的音乐、文化水平差异对基层文化活动音乐创作带来影响的问题，基层的文化组织和音乐创作人在进行活动音乐创作前，应该在辖区内先开展仔细的调查研究工作，详细了解各种群众对音乐和文化的需求。同时做好文化活动的策划工作，找到适合大部分人音乐认知的切入点，作为音乐创作的出发点，创作出符合大部分群众喜欢的音乐作品。同时在活动结束后，可以再进行第二次调研工作，找到本次创作工作中的优点和不足之处。这种调研工作既包括了与居民的直接对话交流，也可以是通过社区问卷、网络调查等各种间接的调查形式。最后将调研的结果进行汇总，以便在下次创作工作中提高创作水平。 3.引进专业音乐资源 专业的音乐创作人员是基层群众文化音乐创作的主力，但也是基层文化组织中比较缺乏的资源。传统的工作模式中，解决这个问题的方法就是上级文化部门指派专业音乐人才，这种方法造成音乐人才来源单一而且基层单位没有选择的权利。为了有效地解决这个问题，部分基层文化组织开始利用社会资源选择专业的音乐创作人才，比如：在文化活动中使用音乐志愿者，这样不但可以宣传志愿活动，还能提高音乐创作的质量;除此之外，还需要加大专业设备的投入力度，基层文化组织除了利用上级拨款外，也可以利用社会资源力量，最常见的就是与企业、学校及社会等进行文化共建，实现音乐资源共享，进而促进音乐创作工作的顺利开展。 4.群众文化音乐创作应做到共性和个性的融会贯通 在处理群众文化音乐创作的共性及个性关系上，群众文化音乐创作应从以下几方面入手：首先，在群众文化音乐创作所依赖的生活化土壤中培养提炼新灵感，突破原有的艺术创作限制及瓶颈。其次，大胆运用本民族的音乐形式及音乐风格，在继承的基础上着力创新，提升群众文化音乐创作的魅力。第三，在群众文化音乐创作技法的使用上，要加以缜密思考，选取最成熟最具特色的技法表达方式。 三、结语 总之，群众文化音乐创作在丰富群众文化生活中意义重大，作用显著。在群众文化音乐创作实践中，一方面要重视数量与质量，另一方面为避免群众文化创作陷入误区，应注重在创作形式、创作思想、创作内容上加以创新发展，使群众文化音乐成为助推我国精神文明建设的重要力量。 音乐学博士论文篇2 浅析中国流行音乐中的民族音乐元素 流行音乐是一种以盈利为目的音乐类型，因其形态丰富、风格多样而迅速被西方人们所喜爱。改革开放以来因为欧美文化的影响，我国流行音乐创作人也越来越多，但是其中不乏“口水歌”的出现。所以我国流行音乐必须开始本土化的发展，这就需要借鉴我国传统的民族音乐，让我国的流行音乐更加具有审美性。在这种结合实践中，我们不仅看到了很多优秀的作品，也看到了未来流行音乐发展的新方向。 一、民族音乐作品元素在流行音乐中的运用 我国民族音乐的珍贵之处不仅是韵律上的优美，还有精神的传承。在几千年的历史发展中，民族音乐依然屹立不倒，不仅没有被时代所抛弃，还在历史长河的冲刷下显得更加璀璨耀眼。而我国流行音乐要想具有一定的特色，融入一些民族音乐元素是最有效的方法，在流行音乐的创作中将二者相结合，做到“推陈出新”，一定会给观众们一种耳目一新的感觉。 在这其中，首先就是对传统民族音乐的改编和结合。比如，宋祖英的《浏阳河》就被曾格格和冯晓泉改变为《小河淌水》;对传统民族曲目的“老歌新唱”，比如韩红老师的《北京的金山上》等;运用流行的现代化唱法，更多的融入Hip-Hop、Rap、Blues、Jazz以及R&B[2]，在这基础上传唱民族元素的代表性歌手有：周杰伦、许嵩等，许嵩[3]的《清明雨上》《庐州月》《半城烟沙》都充满着深厚的民族元素，听起来娓娓动听、洋洋盈耳。 二、民族乐器元素在流行音乐中的运用 我国对于乐器的创造要追溯到远古时期，后经殷商的进一步创造而得到发展，和这些各具特色的乐器一起流传下来的便是不同的演奏形式。在社会发展的今天，不应该一味的只去追求西方的音乐，而是应该将目光放在民族乐器的使用上。在我国，极具特色的乐器有很多，最为常见的有埙、磐、古筝、琵琶、二胡、古筝等，这些乐器表现力各不相同，极具特色。 所以，对于流行音乐与民族音乐的融合，乐器的使用是必不可少的，这将是一种发展的必然趋势。因为民族乐器中所表达的独特性，会让歌曲整体变的个性十足。比如王勇在进行《往生》的创作时就加入了古筝、柳琴等民族乐器，而后成为了我国摇滚乐的代表之作;花儿乐队在《化蝶飞》这首歌曲的创作之中，就是利用我国著名的民族器乐《梁山伯与祝英台》来完成的;还有吴克?t的《将军令》，歌曲的取材就是来源于戏曲《将军令》中，在原戏曲中对于大小锣和钹的使用都给予保留，这样将二者相结合古今韵味皆在，也能够更加被观众所接受甚至喜爱。 三、戏曲艺术元素在流行音乐中的运用 戏曲作为我国民族音乐元素的一大类型，绝对可以称得上是最重要的一部分，在现代流行音乐中融入一些戏曲的元素也会发生很多奇妙的反应。 比如说著名的作曲家姚明，他就是个土生土长的北京人，对他来说京韵大鼓信手拈来，所以你在听《前门情思大碗茶》和《故乡是北京》时，就可以听出那充满京味儿的曲调;刘欢的《情怨》、王力宏的著名歌曲《花田错》，还有赵传的《粉墨登场》就是摇滚乐和京剧的有机结合;再比如前几年流行的《新贵妃醉酒》，副歌就是京剧的旋律再结合李玉刚的花旦扮相，古色古香立刻尽显。因此，戏曲艺术对于流行音乐来说是灵感的资源库，利用合适，就可以让歌曲的风格特点得到很好的强化。 唱腔也是戏曲中一个丰富的系统，现在的流行音乐也有很多在借鉴这种唱腔，比如朱德荣在《梦北京》中，就有一段京剧唱段，利用京剧来表达“梦北京”这个主题十分的巧妙。还有《反过来走走》，在这首孙燕姿的歌曲中，开场就使用了京剧唱腔，瞬间让人耳目一新，之后的演唱加说唱更让人觉得歌曲充满了戏剧化。 四、民族音乐元素在流行音乐文创作中的作用 我国的民族文化一直都是将文字作为发展的载体，我国从古至今的全部文化大部分都是通过文字来见证的，这是我国中华民族的审美观念、价值取向以及生活态度。音乐作品是否能成称得上优秀，文本内容也是评鉴的重要部分。所以，在现代的流行音乐和民族音乐元素的融合中，不仅是音律的融入更是，民族性特征的融合，让听众能在音乐中找到一些民族归属感。可是这说起来异常简单，要做也是相当不好拿捏尺寸的，如果融合的文本过于普通，反而不会受到听众的喜爱，相反可能会产生一种厌烦的感觉。因此，流行音乐创作人在进行两者结合的创作中要注意从大众的角度出发，在文本的选择上一定要具有特色且典型性强。 比如张也老师在创作《枉凝眉》[5]时，就是将元曲和我国四大名著中的《红楼梦》相融合;对于中国古典诗词的运用比较好的歌手就是JAY了。他的《菊花台》，《红尘客栈》都是将歌曲最大限度的古典化，最后形成他自己的一种独特的中国风，并深受青年们的喜爱;歌后王菲《水调歌头》也是由苏轼的同名的词句所改编的。 五、未来民族音乐与流行音乐的相融合发展 (一)民族音乐和流行音乐的相互依存发展。 在我国2009年的春节联欢晚会上，宋祖英与周杰伦的“英伦组合”就将民族音乐和流行音乐的首次碰撞。在相关的调查中，此节目成为了当年春节联欢晚会中收视率最高的节目之一。这也从侧面反映了流行音乐与民族音乐的融合会是一个双赢结果。传统民族音乐需要发展，现代流行音乐需要创新。两种音乐相互依存，共同发展，不仅能让我国的流行音乐逐步迈入世界级别，还能保证我国传统民主音乐也能长久的发展和继承下去。 (二)融入民族音乐元素的流行音乐在未来的商业性。 所谓的流行就是大众，这种音乐不受地域和题材的限制。而音乐可以帮助人们在特定的场合转换心情。现代社会的飞速发展也为流行音乐带来了无限的商业性。就比如近几年异常火爆凤凰传奇，这个组合非常受欢迎。其中最著名的就属《最炫民族风》了，这首歌的风靡程度较高，更成为了广场舞大妈的：“心头爱”，不仅如此，就连国外也会将这首歌曲当成健美操训练的背景音乐。下载量和播放量的数据更是惊人。这异常火爆的光环背后和民族音乐的融入是分不开的，将其融入到流行音乐中，确实把我国流行音乐的发展空间扩大了。这也需要音乐创作人在进行歌曲的创作时，也注意自身历史知识的累计。相信不久的未来，我国流行音乐一定会有更加美好的明天。 六、总结 综上所述，民族音乐元素可以很好地在流行乐上得到多种多样的发挥，完全可以把民族音乐中的优美旋律与民族文化运用在流行音乐中。但要注意的是，把握好尺度，不能为了用而用。不能随意扭曲或者修改民族音乐中的精髓，在不同音乐风格上发挥不同的作用，这种就不只是在形式上的模仿。让民族音乐元素在流行音乐中恰当的发挥作用，我国的流行音乐才能够更加具有民族性、特殊性以及审美性。 猜你喜欢： 1. 音乐系毕业论文范文 2. 对博士学术论文的学术评语 3. 音乐学毕业论文范文 4. 博士毕业论文评语集锦 5. 博士论文评语大全
丰富多彩的拉丁美洲音乐 拉丁美洲指的是美国以南直到南美洲最南端的广大地区。面积相当于两个欧洲，包括墨西哥，中美洲，加勒比，南美洲四个部分，古代印第安人曾在这里创造了灿烂辉煌的玛雅、阿兹台克、印加三大文化。音乐在当时也得到了较高的发展。玛雅人的器乐与歌唱、舞蹈紧密地结合在一起，他们用敲击乐器较多，如用半个葫芦制成放在水盆中敲击的水鼓和用坚硬的长豆荚相互敲击的乐器，还有能吹出鸟鸣声的管乐器等。阿兹台克人则经常使用木鼓、竹笛、海螺和葫芦制成的摇铃。在印加人的音乐中，以排箫和竖笛著称，据说当时曾有多达百人的竖笛乐队为舞蹈伴奏。在印加贵族子弟的教育中，音乐是很重要的一部分。无半音的五声音阶是印第安人普遍采用的音阶。 经过300多年的殖民统治后，拉丁美洲的音乐文化发生了巨大的变化。由于大量欧洲（尤其是地处伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙）的音乐文化传播到了整个拉丁美洲。同时，来自非洲的黑人奴隶也带来了非洲的音乐艺术。长时期种族间的混血，也形成了各种新的混合民族。拉丁美洲的文化正是欧洲文化、印第安文化和非洲文化经过长期的碰撞、冲突、渗透、吸收后融合而成的一种统一而又多元的文化。它源于这三种文化而又不同于原有的文化，以崭新的面貌出现在世界上。从宏观的角度看，拉丁美洲音乐也是欧洲音乐、印第安音乐、非洲音乐的混合体。但由于混合的类型、层次、成份、程度各不相同，就形成了十分丰富、多种多样的音乐风格。如今，拉丁美洲音乐正以其色彩的丰富。节奏的独特，旋律的美妙，和声的浓郁，吸引着广大的音乐爱好者。它那无比的热情，充沛的活力，神奇的风貌，使世人为之瞩目。正如拉丁美洲伟大的革命家古巴诗人何塞·马蒂所说的：“这是一片用音乐和大自然秀丽景色装点的和谐和富有艺术的国土”。 拉丁美洲的音乐文化大致可分为三种类型：即印第安人音乐；以黑人音乐为中心的非洲--美洲音乐；以土生白人、混血人音乐为代表的拉美民间乐。 印第安人音乐大致可分为两类：一类是处于孤立偏僻地区印第安人的音乐，如亚马逊热带丛林区的印第安人。由于处于较原始的状态，其音乐比较简单；又如厄瓜多尔希法罗人的音乐只采用了三个音。巴西卡马尤拉人的音乐也比较简单，但却拥有世界上最长的管乐器--由两根植物茎（一长1.6米、一长2.2米）捆绑在一起的乐器，他们的音乐与舞蹈是紧密相连的，而且往往是在各种仪式、庆典上才表演。这些，对于研究音乐的起源和发展是很有用的。另一类是发展得较高的印第安人的音乐，如秘鲁、玻利维亚、厄瓜多尔等国的安第斯高原音乐，它是印加传统音乐的继承和发展。他们演奏的排箫、竖笛音乐很有特点，在表现高原印第安人的风情方面十分出色。庄严的太阳神颂歌，忧郁抒情的亚拉维情歌，欢快活泼的瓦衣诺舞曲，都是他们的创造。美妙动人的民间花腔女高音唱法一安第斯高原唱法是世界民间音乐中的瑰宝。印加古都库斯科被称为“美洲考古之乡”，每年6月24日是著名的太阳祭节日，在隆重的庆典上可以见到传统的印地安人音乐歌舞表演。玻利维亚高原的普诺也被誉为"美洲大陆民间歌舞之乡"。 黑人音乐亦称美洲--非洲音乐。这种音乐主要分布于加勒比海和巴西以及秘鲁、哥伦比亚、委内瑞拉的沿海地区。苏里南的原始森林中，逃亡的黑人奴隶和加勒比海的海地保存了较纯的非洲音乐。在巴西的巴伊亚地区和古巴、特立尼达多巴哥等国的黑人音乐，则受葡萄牙、西班牙文化的影响较多。美洲--非洲音乐的特点是节奏在音乐中起主导作用，切分很强烈，常采用多线条节奏，呼应式的歌曲，乐段结构不方整，使用欧洲乐器多，且偏爱敲击乐器。加勒比海流行的钢鼓乐就是黑人的创造。这是一种用汽油桶制作的旋律性敲击乐器。这种来自汽油桶的美妙音乐震惊了世界。巴西的桑巴、伦都和古巴的伦巴，加勒比海的卡立普索、曼波、恰恰恰以及秘鲁的马里涅拉、冬德达等舞曲，都是较典型的美洲--非洲音乐歌舞体裁。 拉美民间音乐指的是：主要受到欧洲音乐强烈影响的土生白人、印欧混血人的音乐。这类音乐直接来源于伊比利亚半岛，但在几百年的漫长岁月中己适应了拉丁美洲的风土人情，产生了变异。它基本保留欧洲音乐体系的基础（包括调式、和声、节拍、乐段结构等），但它那热情洋溢的风格，激荡人心的气氛，已根本不同于伊比利亚半岛的民族音乐了。这种音乐的特点是带有淡淡的怀乡、忧愁的色彩，重唱形式多，唱法放松，音色柔和抒情，采用3/4及6/8节拍多，乐段结构较方整，采用吉他很多。来自西班牙的竖琴在拉美也流行很广，但乐器音色变得嘹亮明快、"竖琴之国"巴拉圭还发展了用竖琴伴奏的独唱、重唱等形式。具有小吉他形状和曼陀林音域的恰朗戈（五弦琴）、蒂波里（三弦琴）、瓜德罗（四弦琴）等弹拔乐器都是欧洲音乐文化与印第安音乐文化巧妙结合的硕果，现已成为拉美音乐中不可缺少的乐器。在墨西哥还发展了一种溶吉他、小号、小提琴、低音吉他为一体的马里阿奇乐队音乐，特色鲜明，很受欢迎。 墨西哥的松，智利的库艾卡，阿根廷的探戈，秘鲁的秘鲁园舞曲等都是典型的拉美民间音乐歌舞体裁。
我为大家整理了一篇关于竹笛演奏艺术的论文，感兴趣的可以参考我整理的论文哦。
竹笛演奏艺术有2000多年的发展历程，主要以线性思维为主，在单音的天地里追求变化，音色作为基本元素，就成为竹笛演奏中极其重要的表现手段。但仅有好的音色是不够的，演奏者还应具有良好的综合素质和丰富的内心情感。如何发出好的音色，主观上取决于演奏者要有正确的吹奏方法及在不同音乐表现中所酝之内心情感。俗话说“声情并茂”，我们要重视音色与情感之间具有的相互依存、相互制约的辩证统一关系，使音色与情感达到完美的结合。
一、竹笛演奏中音色的掌握
明代徐上瀛所著《溪山琴况》中，提出琴演奏的音色标准：“润”如水、“圆”如珠、“洁”如玉、“坚”劲有力、“轻”而不虚、“重”而不躁等。吹笛同抚琴，演奏的基本音色就是用符合竹笛发音原理及人体生理运动规律的演奏方法，发出既符合美的声音基本规范，又符合竹笛基本音响特性——纯净、明亮、圆润、甜美、丰满而有穿透力的声音。好的音色，要经过长期的练习之后，才能达到一定的熟练程度甚至是自觉性的条件反射。例如，演奏中口型的控制、气息的运用、手指的配合等，它们之间相互制约、相互关联。只有经过刻苦的练习，才能满足在演奏乐曲时各种音色及情感充分表现的需要。
首先，要熟练掌握口型与呼吸的正确方法。口型的控制主要依靠唇部肌肉和面部肌肉伸缩力的大小。面部肌肉要放松，口型似含蓄的微笑，口腔达到自然放松。与其相配合采用胸腹式混合呼吸的方法，即胸腹同时扩张，最大量地吸气，气归丹田，而后，将气流以适当的直径、宽度、速度及角度吹出。恰当地使用口型与呼吸，才能使不同音区的发音达到平稳、结实、嘹亮、不虚不浮的理想效果。
其次，舌的运用也是竹笛演奏的要点之一，舌在口腔内的位置与发音的高低有直接关系，靠后靠下适于吹奏低音，靠前靠上适于吹奏高音。
再次，气、唇、指、舌各部分能够熟练掌握时，配合的`平衡性、统一性是对演奏技法更高层面的追求。如气流吹出，对笛管施力，人的身体与笛体合起来也是一个上下的纵重心轴，其前后左右都应是平衡的。各环节的运用相通相连，身体各部分与笛管相融，最终做到支点放松，力点集中，纵横对称，气身贯通。这样，对音色才能自如控制，达到圆、亮、厚的标准。
二、竹笛演奏中的情感表达
“凡音者，生人心者也，情动于中，故形于声;声成文，谓之音”①。情感是人在认识世界和改造世界的过程中，由于对客观现实对象和现象持有不同态度，而产生出各种各样的内心体验。而这些体验又是以人的感官对事物个别属性的反映即感觉为基础的。人们常把音乐称为情感的艺术，在演奏者内心情感调动下，发出的音响流动能够激起听者的情绪活动，产生共鸣。音乐虽然不是情感，却是情感的最佳载体。在音乐中，情感被直接模拟，这种情感的源头，来自于演奏者的内心感觉和想象。
根据不同的情感表现需要，通过一定的演奏手法而奏出不同色彩的乐音，它不仅能表现情绪的紧张与松弛、激动与平静，而且还能表现情绪的积极、增力和消极、减力的变化，因而饱含了不同的感情因素。
如乐曲《秦川抒怀》(马迪作曲)引子的第一句，表现西北人民坚强、豪迈、刚毅、倔强的性格特征时，要采用“刚”的音色，音头清晰有点，保持较强力度，具有穿透力和震撼力。技术上要求丹田鼓劲较足，重心靠前，力量传递直接，呼吸速度加快，气流加大，手指多用打音、叠音配合。相反，在演奏乐曲《向往》(曲祥作曲)第一段慢板时，则要采用“柔”的音色表现委婉、细腻的情感。音头较软而润，一般用中弱或中强的力度，具有流动性和抒情性。技术上要求重心相对靠后些，力量传递较慢，呼吸速度平和，气流较缓。采用柔和的音色，更适合表现憧憬的思绪。
当乐曲表现饱满情绪和敦厚形象时，演奏的音色则要浓厚、丰满，共鸣充分，立体性强，富于张力和动感。其技术上要求使气流成束，胀满笛管，使笛管充分振动，支点位置靠后，重力相对较大，有时加以气颤音，使持续感加强，弧度感加大。乐曲《三五七》(赵松庭编曲)引子的演奏宜采用此种音色。
在表现回忆的情感和幽静的意境时，薄淡的音色更为适合，其特点是频响范围窄，无须丰满浑厚和太多的立体感，更侧重清淡、平和。技术上要求发力位置靠前，重力相对减少，口风变小，气流较缓，方向略微向前、向上，手指无过多修饰。
此外，有些乐句、乐段需要表现空远、虚幻的意境，那么，就要采用标准音色以外“虚”的音色或泛音来演奏，气流要求小而浅、缓而轻，呼气方向靠前、靠上，音头不甚清晰，音腹振动不很充分，给人若有若无、虚无缥缈的感受。
“琴者一器，声色无穷”②，音色的变化无穷无尽，我们在演奏中应以情感表达为法，以情感音色为用。音色变化是情感表达的基础，而无论什么样的音色变化，都要以艺术表现的需要、情感的需要为轴心，使竹笛演奏艺术在横向的线的形态中获得变化和发展。
注释：
①中央音乐学院中国音乐研究所.中国古代乐论选辑[m].北京：中央音乐学院中国音乐研究所，1962：71.
②赵晓生.钢琴演奏之道(修订本)[m].北京：世界图书出版公司，2000：394.
音乐学专业毕业论文开题报告
开题报告的综述部分应首先提出选题，并简明扼要地说明该选题的目的、相关课题研究情况、理论适用、研究方法。以下是一篇关于音乐学专业毕业论文开题报告，仅供参考!
论文题目： 关于鲁道夫·甘茨《钢琴手指练习—为现代和特殊而作》的探究
一、选题背景
随着西学东渐的深入，生活水平的提升，我国目前学习钢琴的人数越来越多。各类培训机构日益增多，年轻的钢琴老师也在逐年增加，钢琴变得越来越普及。绝大多数学生以及年轻的钢琴老师的手指练习却只停留在钢琴启蒙阶段，没有得到应有的重视。目前我国钢琴手指练习利用率虽高但是效果不甚明显，借鉴国外教材数量上有一定局限性。其次，我国钢琴指法练习的理论成果还没有形成体系，使得钢琴的学习者在使用手指练习册方面没有自觉性，或是在手指练习中找不到适合自身的、适合不同时期各个曲目的应对方式。同时，因为钢琴手指练习法种类和方式五花八门，使得国内外钢琴学习者在指法练习上难以找到适合自身的手指练习法，而本文通过对鲁道夫·甘茨的《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》的研究分析，来告诉钢琴练习者如何找到适合不同特点的去进行有针对性的科学且系统的手指练习的方法。
二、研究目的和意义
钢琴的演奏是一项复杂的思维和实践活动，有其本身严密的逻辑系统顺序和认识发展规律。一个合格的钢琴演奏人才不是短短几年就能培养出来的，必须根据钢琴教学的特点，通过系统、正规、循序渐进的教学过程，扎扎实实地由浅入深，由易及难地反复训练积累，逐步提高。俗话说“基础越厚实，上面盖的楼就可以越高”，就是这个道理，本文结合自己多年的学习体会以及教学经验，根据不同钢琴学习者的自身条件，可以说不同的人的身材比例、四肢的灵活程度都不一样，所以所具备的演奏条件也并不一样。身体条件的差异，都会或多或少的存在手指上力量不匀、不够灵活、配合困难、相互牵制又不独立的情况。所以钢琴学习者在手指练习方面要保持经常的锻炼才能有效克服演奏中出现的各种技术上的困难。无论是作为听众或者是演奏家都知道，精彩的音乐诠释需要演奏者全身心投入的演奏，细致、细腻地刻画出作曲家对于音乐形象、音乐情感，而这一切都需要无与伦比的技巧，可以说，如果没有非凡的技巧，音乐的表现就几乎为零。而基本技术包括了钢琴演奏中所遇到的所有技术问题，渗透于所有伟大音乐作品的每一个句子中，每一句句子都需要钢琴演奏者的精雕细琢，以此呈现出完美的感觉。手指是演奏钢琴直接触及琴键的部位。用著名钢琴家涅高兹的话来说，在钢琴演奏中，手指是“前线的战士”，是“声音的制造者”，是“钢琴弹奏的直接创造者”和“钢琴家意志的执行者”。法国著名钢琴家玛格丽特·朗则这样来强调手指的意义，她说：“要能够清晰明了，意义清楚，表情丰富地说出音乐要说的话，钢琴家应有会说话的手指。” 而要拥有这样的手指必须要有良好的手指基础训练，手指的力量、灵敏、速度以及基本的指触方式和控制能力是钢琴技巧最重要的环节，是钢琴演奏基础的基础钢琴学习者必须用大量的时间进行基本技术的训练，对于手指、臂、腕等生理机能的潜力，都能得到非常好的发掘，为日后的进一步学习奠定极其坚实的基础。
技术训练是任何一位从事钢琴演奏者在学习生涯中必不可少的部分，而基本的技术训练每一份努力，都将得到相应的回报。我的导师曾经对我说过：“在正式练琴之前，手指练习是极为重要的!!!”这好比参加奥运会的运动员，在大赛之前都要有相应的热身运动一样。在我们日常的练琴中，合理分配练琴中作品与“热身训练”是非常重要的，如果每天有四个小时的练琴时间，那么前一个小时的基本手指练习的“热身”是极为重要的。有了热身手指彻底活动开了，余下的练琴效率会得到大大的提升，甚至花两个小时就可以达到三个乃至四个小时的练琴效果。从业余的考级中我们看到音阶、和弦、琶音技术是必不可少的考试项目，作为专业院校学生技术考核中也同样会考这样的项目。无论是专业还是业余演奏得人技术训练对于任何层次的人都是非常重要的，技术训练是不同层次人群必不可少的武器。但是在很多业余学生从不或很少进行技术训练练习，有些人只是为了应付钢琴考级才应考级要求弹奏相应的几个调的技术练习，更有甚者对调性感全无，只了解从什么音到什么音的位置。更别提这种技术练习中对自己会有什么作用?只为了应付考试，而在平常的学习及练琴中就放弃这个部分了。这部分对基本功的忽视的人群所造成的不良后果就是技术生硬、进步缓慢、练琴效率极低。而不少令人感到“进步神速”的学生却在技术练习上下苦功夫，他们的苦练所带来的甜头就是在更进一步在这里下功夫，这种良性循环使他们取得了飞跃，并且一直不断的进步着，也同时获得相应的成就。许许多多的钢琴家更是从小起直至整个演奏生涯当中从没停止过一天的基本技术的练习。在这一切证明之后，难道你还能怀疑钢琴基本技巧训练的重要性吗?那么，到底需要多少时间进行这一训练呢?答案是在你能够承受的范围中越多越好。针对技术训练的教材很多，从不同时期、不同地域都有。在我国使用最广泛的针对技术练习的主要是法国的'教材《哈农》、上海音乐学院陈庆丰教授的《钢琴音阶琶音和弦》、法国科尔托的《钢琴技术的合理原则》、施那贝尔的老师、奥地利的施密特《钢琴手指练习》，这些在通常的钢琴教学中这些教材被人们广泛所使用。笔者论文中介绍的鲁道夫·甘茨的《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》不仅仅涵盖以上教材中的侧重点，而且还立足二十世纪音乐语汇创造出新的训练方法。二十世纪存在着许多新的语言，因此我们再训练中有不同于其他音乐风格的特征，因此选用一本合适于技术练习的教材对演奏有着非常好的帮助。
三、本文研究涉及的主要理论
鲁道夫·甘茨从小就接受到良好的音乐教育，他早年求学于苏黎世音乐学院与 Friedrich Hegar(弗兰德里奇·黑格尔)学习大提琴，然后又与 Robert Freund(罗伯特·弗里德)学习钢琴，他又同时在洛桑音乐学院与 Charles Blanchet(卡雷斯·布兰切特)学习作曲。在 12 岁时就被公众成称为大提琴家，在 16 岁时也被称为钢琴家。1896 年 3 月 20 号，在洛桑首演拉赫玛尼诺夫升 C 小调前奏曲，6 月 24 号，演奏贝多芬第三钢琴协奏曲，同时获得艺术家文凭。在 1897-1898 年期间，他在法国东南部的一个城市斯特拉斯堡拜在 F. Blumer(F·布拉莫)学习钢琴，在 1899 年鲁道夫·甘茨参加在柏林的专业钢琴课程并跟随 Ferruccio Busoni(费鲁奇奥·布索尼)学习钢琴。1901 年至 1905 年鲁道夫·甘茨去了美国并以教授身份加入芝加哥音乐学校任芝加哥音乐学院钢琴系主任。1905-1908 年，鲁道夫甘茨在美国与加拿大讲座多次。1921 年至 1927 年出任圣路易斯音乐总监并且担任圣路易斯管弦乐团指挥之后他便往返于美国、欧洲相继巡回演出。1929 年任芝加哥音乐学院负责人，1933 年成为芝加哥音乐学院校长，他邀请了阿诺尔德·勋伯格来任教，但是勋伯格的健康原因不适合他在芝加哥生活。他在 1938 至 1949 年期间，他与纽约爱乐乐团和旧金山交响乐团一同成功举办了年轻艺术家系列音乐会，同时他还是芝加哥音乐学校的钢琴系主任。1954年虽然他从芝加哥大学退休，但是直到 90 多岁，他仍兢兢业业的为学生授课。
四、本文研究的主要内容及研究框架
(一)本文研究的主要内容
在钢琴的历史发展长河中，大体分为三个时期：巴洛克时期，古典时期、浪漫时期、现代音乐。每个时期的乐曲风格虽然都有很大差异，但是乐曲的发展总是在总结前人的经验加以创新得来的，所以对于技术上的要求确实是承前启后的，而且难度系数也是越来越高。本文以鲁道夫·甘茨的《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》为切入点，以此本钢琴手指练习教材的“现代”和“特殊”两个关键词作为文章为两大亮点，整合每个章节的练习侧重点和各种不同技术所对应的钢琴作品的适用性进行综合分析，用来阐述其编排的科学合理性以、利用价值以及使用方法。
(二)本文研究框架
本文研究框架可简单表示为：
五、写作提纲
摘要 3-4
ABSTRACT 4-5
第1章 绪论 7-11
1.1 研究目的背景、方法及思路 7-10
1.1.1 研究目的 7-9
1.1.2 研究背景 9
1.1.3 研究方法 9-10
1.1.4 研究思路 10
1.2 国内外研究现状 10-11
第2章 鲁道夫·甘茨生平 11-15
2.1 求学和工作经历： 11
2.2 演出经历 11-12
2.3 音乐创作与著作 12-13
2.4 录音 13
2.5 教学成果 13-15
第3章 鲁道夫·甘茨《钢琴手指练习》成书背景及简介 15-21
3.1 成书背景 15-17
3.1.1 教学考虑 15
3.1.2 现代音乐发展的需要 15-17
3.2《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》简介 17-21
3.2.1 慢练的重要性 17-18
3.2.2 指法的选择 18-21
第4章 《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》的技术要点分析 21-57
4.1 针对书名中“特殊”的诠释 21-49
4.1.1“人有我特”——关于手指的独立性训练 21-35
4.1.2“人无我有”——个性化的训练指导 35-49
4.2 针对书名中“现代”的诠释 49-57
4.2.1 关于“现代八度”的技术训练 50-52
4.2.2 “音簇”技术 52-53
4.2.3 “现代三和弦”的练习 53-55
4.2.4 双调性音阶 55-57
结语 57-58
参考文献 58-60
六、本文研究进展(略)
七、参考文献
[1] RUDOLPH GANZ 《A MUSICAL PIONEER_JEANNE COLETTE COLLESTER》
[2]Charles Louis Hnon,John W.(COP) Schaum:《Hanon-schaumAlfred MusicPublishing》
[3]MASTERCLASS:《How to make Hanon''s piano exercises workfor youInternational Piano》
[4][美]Ingrid Jacobson Clarfield.Burgmuller, Czerny &Hanon—《PianoStudies Selected for Technique and Musicalitys Alfred Music Publishing》
[5]Jim Samson “Virtuosity and the MusicalWork. The TranscendentalStudies of Liszt”,University of Cambridge.2003[6]哈农.《哈农钢琴练指法》[M].湖南文艺出版社，1999
[7]卞萌.《中国钢琴文化之形成与发展》[M].华乐出版社，1996
[8][匈]约瑟夫·迦特.《钢琴演奏技巧》[M]人民教育出版社，2000
[9][法]哈农.《哈农钢琴练指法》[M].百花文艺出版社，2004
[10][美]乔治·考切维斯基.《钢琴演奏的艺术》.人民音乐出版社，2010
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关于毕业论文选题，一般学校是会分配题目到院里，再由院里分给各个导师，导师再分给学生：也有直接院里的题目分给导师再到学生。这样的弊端会有些耽误时间，特别出现有些不负责任的导师就会很烦恼。当然自主选题也是可以的。有想法的学生有可能在很久之前就已经想好题目，早早进行筹备中了。但是大部分学生还是要由导师分配题目。下面是一些音乐类的毕业论文题目，一起来看看。1. 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达2. 试论多媒体在声乐教学中的运用3. 释析巴罗克(古典/浪漫)时期声乐作品的风格特征4. 试论声乐教育的评价体系5. 怎样运用歌声传达情感6. 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲7. 歌唱艺术中的情感体验与表现8. 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求9. 中国古代声乐没血发展初探10. 童声训练的原则与方法11. 声乐教学中应注意名族问题12. 歌唱心理调控在人声训练中的作用13. 民族声乐歌唱方法探析14. 美誉与音乐教育15. 试论童声合唱的训练方法16. 音乐新课标下的课堂教学方法研究17. 中小学音乐教育与合唱活动18. 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育论19. 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考20. 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用21. 二十世纪中国学校音乐教育发展研究22. 合唱在中小学素质教育中的作用23. 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养24. 论中学音乐课堂教学方法的多样性25. 析理查.斯特劳斯交响诗《唐.吉坷德》中的引子的主题内涵26. 论赵元任声乐作品的民族性鱼延长表达以上就是关于音乐类毕业论文选题的相关内容，希望对大家有所帮助，想要了解更多内容，欢迎关注本平台!
音乐不同于其他的艺术表现形式，它在时间中展开，又在时间中消失，是直接表达人类情感的抽象艺术。下文是我为大家搜集整理的关于音乐学博士论文的内容，欢迎大家阅读参考! 音乐学博士论文篇1 浅析基层群众文化活动中音乐创作的创新策略 群众文化音乐创作包含较多，例如音乐改编、舞曲的编制、歌曲音乐串烧、为活动创作主题歌曲等音乐创作活动。但是在基层群众文化活动音乐创作的实际工作中，因为一些原因使得音乐创作者在音乐的创作的过程中出现了许多的问题，这些问题不解决就会影响群众文化活动中音乐创作工作的顺利开展。 一、现阶段群众文化音乐创作的现状 1.音乐创作的质量与风格差异显著 因群众文化的主体为群众，群众文化中的音乐艺术创作者也大多为普通的人民群众或是音乐创作的业余爱好者，不同创作者的音乐专业知识、受教育程度、个人音乐素养及文化素质存在差异，导致了群众文化工作中的音乐创作质量及作品水平差异显著，参差不齐，一定程度上对群众文化的音乐创作工作带来了较大的负面影响。另外，虽然我国现阶段的群众文化音乐创作中呈现了较为繁荣的局势，但能够真正在广大的人民群众间起到号召力的歌曲少之又少，在对这些歌曲进行创作时，音乐创作者不但要耗费相当大的精力与时间，还要为这些歌曲的上市投入一定的财力，逐渐脱离了音乐创作本身具有的乐趣和意义。 2.缺乏专业音乐创作人才 基层群众文化音乐创作工作面对广大的群众，为提高音乐创作效果，需要专业的音乐创作人才及专业设备。专业的音乐创作人员可以根据活动主题及具体要求，在确保音乐符合活动要求的前提下进行独立的音乐创作;音乐创作人员在创作音乐的过程中需要专业的设备。专业人员及专业设备是确保音乐创作活动顺利进行的前提条件，但基层的文化馆单位因为自身规模限制以及经济因素的影响，缺乏专业的人才及设备，进而影响了音乐创作工作的顺利展开。 3.资金不足 虽然现在政府大力的支持基层群众的文化活动，但还是跟不上群众文化活动的多变性。在资金不足或完全没有资金的情况下，是很难完成创作的，基层群众人员会因为资金的缺乏而买不起专业书籍或是上不起专业课程，从而阻碍了作品的创作。 二、解决文化活动中音乐创作问题的主要策略 1.完善音乐创作所需的硬件 基层群众文化活动中音乐创作所需要的硬件是指音乐乐器：钢琴、吉他、小提琴、二胡、笛子等等或者是电脑设备声卡、软件等。再加上专业老师的指导，能使大家更快的去学习并完成音乐创作。同时由专业人士带动，更能调动大家想要学习的欲望和学习氛围，再加上乐器的使用，使得整个音乐创作过程中其乐融融。现如今也有许多人采用电脑制作的方式来创作音乐，电脑制作相比传统的方法来说轻便快捷易于整理，但却缺乏了集体的合作意识，在整首曲子大概创作完成之后还需要去录音棚试音，这时应该有专业的录音棚或者录音室来供大家试听自己的歌曲。现代化的创作方式比传统方法要更费资金，如果在资金不足的情况下，使用传统的音乐创作方式会更加得体。 2.做好基层文化活动音乐创作前的基层调研工作 为解决基层群众的音乐、文化水平差异对基层文化活动音乐创作带来影响的问题，基层的文化组织和音乐创作人在进行活动音乐创作前，应该在辖区内先开展仔细的调查研究工作，详细了解各种群众对音乐和文化的需求。同时做好文化活动的策划工作，找到适合大部分人音乐认知的切入点，作为音乐创作的出发点，创作出符合大部分群众喜欢的音乐作品。同时在活动结束后，可以再进行第二次调研工作，找到本次创作工作中的优点和不足之处。这种调研工作既包括了与居民的直接对话交流，也可以是通过社区问卷、网络调查等各种间接的调查形式。最后将调研的结果进行汇总，以便在下次创作工作中提高创作水平。 3.引进专业音乐资源 专业的音乐创作人员是基层群众文化音乐创作的主力，但也是基层文化组织中比较缺乏的资源。传统的工作模式中，解决这个问题的方法就是上级文化部门指派专业音乐人才，这种方法造成音乐人才来源单一而且基层单位没有选择的权利。为了有效地解决这个问题，部分基层文化组织开始利用社会资源选择专业的音乐创作人才，比如：在文化活动中使用音乐志愿者，这样不但可以宣传志愿活动，还能提高音乐创作的质量;除此之外，还需要加大专业设备的投入力度，基层文化组织除了利用上级拨款外，也可以利用社会资源力量，最常见的就是与企业、学校及社会等进行文化共建，实现音乐资源共享，进而促进音乐创作工作的顺利开展。 4.群众文化音乐创作应做到共性和个性的融会贯通 在处理群众文化音乐创作的共性及个性关系上，群众文化音乐创作应从以下几方面入手：首先，在群众文化音乐创作所依赖的生活化土壤中培养提炼新灵感，突破原有的艺术创作限制及瓶颈。其次，大胆运用本民族的音乐形式及音乐风格，在继承的基础上着力创新，提升群众文化音乐创作的魅力。第三，在群众文化音乐创作技法的使用上，要加以缜密思考，选取最成熟最具特色的技法表达方式。 三、结语 总之，群众文化音乐创作在丰富群众文化生活中意义重大，作用显著。在群众文化音乐创作实践中，一方面要重视数量与质量，另一方面为避免群众文化创作陷入误区，应注重在创作形式、创作思想、创作内容上加以创新发展，使群众文化音乐成为助推我国精神文明建设的重要力量。 音乐学博士论文篇2 浅析中国流行音乐中的民族音乐元素 流行音乐是一种以盈利为目的音乐类型，因其形态丰富、风格多样而迅速被西方人们所喜爱。改革开放以来因为欧美文化的影响，我国流行音乐创作人也越来越多，但是其中不乏“口水歌”的出现。所以我国流行音乐必须开始本土化的发展，这就需要借鉴我国传统的民族音乐，让我国的流行音乐更加具有审美性。在这种结合实践中，我们不仅看到了很多优秀的作品，也看到了未来流行音乐发展的新方向。 一、民族音乐作品元素在流行音乐中的运用 我国民族音乐的珍贵之处不仅是韵律上的优美，还有精神的传承。在几千年的历史发展中，民族音乐依然屹立不倒，不仅没有被时代所抛弃，还在历史长河的冲刷下显得更加璀璨耀眼。而我国流行音乐要想具有一定的特色，融入一些民族音乐元素是最有效的方法，在流行音乐的创作中将二者相结合，做到“推陈出新”，一定会给观众们一种耳目一新的感觉。 在这其中，首先就是对传统民族音乐的改编和结合。比如，宋祖英的《浏阳河》就被曾格格和冯晓泉改变为《小河淌水》;对传统民族曲目的“老歌新唱”，比如韩红老师的《北京的金山上》等;运用流行的现代化唱法，更多的融入Hip-Hop、Rap、Blues、Jazz以及R&B[2]，在这基础上传唱民族元素的代表性歌手有：周杰伦、许嵩等，许嵩[3]的《清明雨上》《庐州月》《半城烟沙》都充满着深厚的民族元素，听起来娓娓动听、洋洋盈耳。 二、民族乐器元素在流行音乐中的运用 我国对于乐器的创造要追溯到远古时期，后经殷商的进一步创造而得到发展，和这些各具特色的乐器一起流传下来的便是不同的演奏形式。在社会发展的今天，不应该一味的只去追求西方的音乐，而是应该将目光放在民族乐器的使用上。在我国，极具特色的乐器有很多，最为常见的有埙、磐、古筝、琵琶、二胡、古筝等，这些乐器表现力各不相同，极具特色。 所以，对于流行音乐与民族音乐的融合，乐器的使用是必不可少的，这将是一种发展的必然趋势。因为民族乐器中所表达的独特性，会让歌曲整体变的个性十足。比如王勇在进行《往生》的创作时就加入了古筝、柳琴等民族乐器，而后成为了我国摇滚乐的代表之作;花儿乐队在《化蝶飞》这首歌曲的创作之中，就是利用我国著名的民族器乐《梁山伯与祝英台》来完成的;还有吴克?t的《将军令》，歌曲的取材就是来源于戏曲《将军令》中，在原戏曲中对于大小锣和钹的使用都给予保留，这样将二者相结合古今韵味皆在，也能够更加被观众所接受甚至喜爱。 三、戏曲艺术元素在流行音乐中的运用 戏曲作为我国民族音乐元素的一大类型，绝对可以称得上是最重要的一部分，在现代流行音乐中融入一些戏曲的元素也会发生很多奇妙的反应。 比如说著名的作曲家姚明，他就是个土生土长的北京人，对他来说京韵大鼓信手拈来，所以你在听《前门情思大碗茶》和《故乡是北京》时，就可以听出那充满京味儿的曲调;刘欢的《情怨》、王力宏的著名歌曲《花田错》，还有赵传的《粉墨登场》就是摇滚乐和京剧的有机结合;再比如前几年流行的《新贵妃醉酒》，副歌就是京剧的旋律再结合李玉刚的花旦扮相，古色古香立刻尽显。因此，戏曲艺术对于流行音乐来说是灵感的资源库，利用合适，就可以让歌曲的风格特点得到很好的强化。 唱腔也是戏曲中一个丰富的系统，现在的流行音乐也有很多在借鉴这种唱腔，比如朱德荣在《梦北京》中，就有一段京剧唱段，利用京剧来表达“梦北京”这个主题十分的巧妙。还有《反过来走走》，在这首孙燕姿的歌曲中，开场就使用了京剧唱腔，瞬间让人耳目一新，之后的演唱加说唱更让人觉得歌曲充满了戏剧化。 四、民族音乐元素在流行音乐文创作中的作用 我国的民族文化一直都是将文字作为发展的载体，我国从古至今的全部文化大部分都是通过文字来见证的，这是我国中华民族的审美观念、价值取向以及生活态度。音乐作品是否能成称得上优秀，文本内容也是评鉴的重要部分。所以，在现代的流行音乐和民族音乐元素的融合中，不仅是音律的融入更是，民族性特征的融合，让听众能在音乐中找到一些民族归属感。可是这说起来异常简单，要做也是相当不好拿捏尺寸的，如果融合的文本过于普通，反而不会受到听众的喜爱，相反可能会产生一种厌烦的感觉。因此，流行音乐创作人在进行两者结合的创作中要注意从大众的角度出发，在文本的选择上一定要具有特色且典型性强。 比如张也老师在创作《枉凝眉》[5]时，就是将元曲和我国四大名著中的《红楼梦》相融合;对于中国古典诗词的运用比较好的歌手就是JAY了。他的《菊花台》，《红尘客栈》都是将歌曲最大限度的古典化，最后形成他自己的一种独特的中国风，并深受青年们的喜爱;歌后王菲《水调歌头》也是由苏轼的同名的词句所改编的。 五、未来民族音乐与流行音乐的相融合发展 (一)民族音乐和流行音乐的相互依存发展。 在我国2009年的春节联欢晚会上，宋祖英与周杰伦的“英伦组合”就将民族音乐和流行音乐的首次碰撞。在相关的调查中，此节目成为了当年春节联欢晚会中收视率最高的节目之一。这也从侧面反映了流行音乐与民族音乐的融合会是一个双赢结果。传统民族音乐需要发展，现代流行音乐需要创新。两种音乐相互依存，共同发展，不仅能让我国的流行音乐逐步迈入世界级别，还能保证我国传统民主音乐也能长久的发展和继承下去。 (二)融入民族音乐元素的流行音乐在未来的商业性。 所谓的流行就是大众，这种音乐不受地域和题材的限制。而音乐可以帮助人们在特定的场合转换心情。现代社会的飞速发展也为流行音乐带来了无限的商业性。就比如近几年异常火爆凤凰传奇，这个组合非常受欢迎。其中最著名的就属《最炫民族风》了，这首歌的风靡程度较高，更成为了广场舞大妈的：“心头爱”，不仅如此，就连国外也会将这首歌曲当成健美操训练的背景音乐。下载量和播放量的数据更是惊人。这异常火爆的光环背后和民族音乐的融入是分不开的，将其融入到流行音乐中，确实把我国流行音乐的发展空间扩大了。这也需要音乐创作人在进行歌曲的创作时，也注意自身历史知识的累计。相信不久的未来，我国流行音乐一定会有更加美好的明天。 六、总结 综上所述，民族音乐元素可以很好地在流行乐上得到多种多样的发挥，完全可以把民族音乐中的优美旋律与民族文化运用在流行音乐中。但要注意的是，把握好尺度，不能为了用而用。不能随意扭曲或者修改民族音乐中的精髓，在不同音乐风格上发挥不同的作用，这种就不只是在形式上的模仿。让民族音乐元素在流行音乐中恰当的发挥作用，我国的流行音乐才能够更加具有民族性、特殊性以及审美性。 猜你喜欢： 1. 音乐系毕业论文范文 2. 对博士学术论文的学术评语 3. 音乐学毕业论文范文 4. 博士毕业论文评语集锦 5. 博士论文评语大全
音乐学,是研究音乐的所有理论学科的总称。音乐学的总任务就是透过与音乐有关的各种现象来阐明它们的本质及其规律。下文是我为大家搜集整理的关于音乐学研究论文的内容，欢迎大家阅读参考! 音乐学研究论文篇1 浅析类型化音乐节目对主持人的要求 源自美国的类型化音乐广播在塑造频率的整体形象、规定主持人的解说篇幅等方面令人耳目一新，在这种新节目形态下，频率的整体风格被记住，而主持人的个性在凸显频率风格中被越来越淡化。听众对广播的感觉方式从一个个节目的细节式体验变成了对频率整体的把握，他们不再有耐心去等待、搜索某一个特定节目，而希望一个频率的播出内容是恒常的、稳定的，广播节目的伴随功能越来越突出。 以鞍山音乐广播为例，强调类型化特点，重点放在音乐本身的欣赏上。各节目虽然标称为“音乐晨风”、“音乐飞扬”、“音乐阳光”、“音乐漫步”等名字，但并没有严格意义上的不同，只是在不同的时间选择了节奏和韵味不同的歌曲作为区分。频道的宣传广告是：“爱音乐，爱生活”，就是让音乐与听众随时相伴。类型化音乐电台要求主持人的语言更加精练，节目更规范，整体性特点显得与众不同。它以其音质清晰、轻松时尚、浪漫亲和、青春动感的节目风格，音乐资源丰富迅捷、内容及形式善变的节目特点，独具特色的节目优化组合，将精练的语言与音乐融为一体。那么，作为类型化音乐广播的主持人要如何面对自己的工作呢? 一、让音乐来唱主角，压缩主持人空间 音乐是最古老的语言，用它可以进行无国界的情感交流。音乐本身比主持人的话语来得更有意思。那么主持人要做的是在保持频率整体风格的前提下，融入个人主持风格，做好曲目间的自然过渡，简短精彩的歌曲点评。为了确保专业化频率的整体风格，考虑到现代人生活节奏加快，听众不喜欢听主持人太多说话，主持人的语言每小时限定在3分钟内。鞍山音乐广播的收听人群为15～45岁年龄段、喜好音乐、文化素养较高的听众。其中都市人群为主要收听群，所以节目的设置也与都市人的生活结合紧密，遵循人们的生活、心情等规律，歌曲的选择充分配合听众的收听环境，它依靠节奏的变化，就像朋友陪在身边，来完成收听，最终把整体频率风格表现出来。 二、主持人必须加强时间观念 类型化音乐广播的主持人起的是穿针引线的作用。用精练的语言，巧妙地串接起歌曲之间的联系是每位主持人首先要明确的。为达到音乐与话语的平衡，类型化音乐广播对二者比例做出了严格的规定，鞍山音乐广播对每一个小时的节目内容作了精准而细致的定位与安排，规定主持人在每小时的节目中“开口”6次，而每一次的“开口”时间限定在30秒，只能在上一首歌曲的尾奏和下一首歌曲的前奏之间，并严格要求主持人的语言不允许和歌手的声音混播。类型化广播的串词还要求在最短的时间内把最流行、最贴近的内容和听众分享，时间短了，但主持人的责任并没有减轻。这就要求主持人的专业素质更高，概括能力更强，语言表达更准确，对歌曲的悟性更深。如此一来，受众可以最大限度地完整欣赏歌曲，而不会受到主持人过多的语言干扰，从而保证了频率在全天“音乐不间断”的顺畅播出中确立自身独特的风格，并有效地树立起自己的频率品牌。 三、主持人说话要有对象感，重视陪伴性 要了解是哪些人在收听类型化音乐广播，他们的年纪有多大，这个群体有着怎样的特质，他们的价值观是什么，他们对我们的广播节目有怎样的想法，等等。仍以“鞍山音乐广播”为例：音乐播出思路是“经典+流行”，以中文为主，以欧西作为点缀。主持人随时把握这一音乐思路，及时调整自己每一次主持“开口”的内容。广播是一个“不具独占性”的媒体。也因为这个媒介特色，所以无论在国内外，移动收听广播的听众比例和汽车增长量都呈正比关系，树立“伴随性”理念，在保证让受众能完整欣赏歌曲的前提下，绝不能自以为是，喧宾夺主，而应在语言内容上以音乐话题为主，适当加入天气、交通或娱乐方面的服务信息，不仅让听者惬意地欣赏歌曲，还能获知一些有用的生活信息。主持人语言状态的亲切感来自于主持人与听众的感情交流“零距离”和听众对主持人的熟悉程度。所以，主持类型化的音乐节目，无论是在内容、语气还是情感上都要有分寸的拿捏。一个小时虽然只有短短的几段话，但却涉及到人生观念、人生态度、家庭、感情各个方面，想做到“说的比唱的好”很不容易，想让大家通过自己的表达有所收获，更是需要下功夫的。 四、主持人要形成独特的个性魅力 很多受欢迎的节目就是内容贴近性强，更主要的是主持人个性独特。类型化音乐广播的节目内容一般由系统挑选，然后有专门的音乐总监确定，主持人没有选歌的权力，且节目中开口时间被固定，对于类型化主持人来说，要达到这样的境界并不是很容易。都是主持音乐节目，都是在有限的时间里将一首首歌曲串联起来，而听众就独独喜欢你的主持，就觉得那首歌曲由你串联后味道就不一样，这就是主持个性的体现，是类型化主持人必须努力的方向。此外，户外活动是主持人个性集中展示的另一平台。以常州音乐台为例：他们成立自己的乐队;表演音乐剧和话剧;对主持人进行拉丁舞、流行唱法、乐器等方面的培训。这些活动有两个共同点：一是找准了受众的兴趣点之后，依靠团队整体合作，其结果不是“火”某一个人，而是“火”了一个团队，“激活”了整个频率。二是巧妙地隐藏了主持人生活或工作的常态，主持人无需本色面对听众，需要突出的是扮演的角色，附加了人物故事和全新概念的出场，无疑是对广播主持人的职业神秘感的有效保护。在追寻与众不同中展示广播的优雅与生动，在主持人个性培育中制造清新与欢畅，才是声色俱佳的新时代广播应有的格调。 类型化音乐广播听众忠诚的是频率，而不是频率中的某个栏目。一个频率节目的内容和风格高度统一，能让喜欢这一频率的听众随时听到自己想听的节目，主持人与节目融为一体，突出频率类型化特色，就能解决节目的指向性收听和持续收听的问题，这也是类型化广播追求的最高目标。 音乐学研究论文篇2 浅析爵士钢琴作品《含苞茉莉》的音乐 我国作曲界诞生了一批新生力量，平均年龄在25岁以下，以各大音乐院校的在校生为主，这一点从2007年上海“圣卡罗杯”钢琴创作比赛可以看出。比赛的一、二等奖获得者都是中央音乐学院、上海音乐学院的学生，年轻人获奖更能体现出作品的创意和锐气。其中有一首爵士钢琴作品《含苞茉莉》获得了优秀奖，作者张弦当时年仅17岁，还是上海音乐学院附中的一名学生，是获奖者中年龄最小的。该作品创新的爵士风格令在座的老一代作曲家们耳目一新，作者的灵感源自我国的民歌《茉莉花》和欧美爵士乐。 这首作品有一种鲜明浓郁的爵士乐风格，在中国现当代的钢琴作品中是十分新鲜的，让人印象深刻。众所周知，“爵士乐是美国的古典音乐，它代表了美国音乐文化的灵魂和美国民族音乐的精髓，它是民族大融合通过乐队组合形式表现的一种特有的音乐语言。”① 全曲篇幅不长，一共123个小节，在结构上共分为四个部分，第一和第三部分为柔版(Adagio)，第二和第四部分为快板(Allegro)，清晰规整、层次分明。 第一部分(1―25小节)，作者在这个柔板标上了四分音符等于70的速度，尤其在开始的四个小节，4/4+4/5+4/6 的不规则节拍以很慢的速度演奏，同时配合自由的同音轮指和长音的延长标记，情绪上缓慢摇摆，不仅突出了爵士乐的即兴性质，而且具有类似于中国作品引子部分的散板气质。第五小节的旋律声部直接就亮出了民歌《茉莉花》的主要动机“mi-sol-la-dol-la-sol”，显示了该作品的主题核心材料和音乐内容，接下去的20个小节可以分为三个乐段，每个乐段的旋律声部分别重复了三次上行小三度的mi-sol，而爵士乐常用的切分和附点节奏也贯穿在织体部分，整首音乐听起来绵延摇摆，形成了一种自由随性的即兴风格，同时还能隐约“嗅到茉莉花的芬芳”。 第二部分(26―74小节)，这是个快板部分，和前一部分的音乐截然不同，最突出的特点就是规整的节奏律动，气氛热烈活泼，表现了舞蹈性的音乐，呈现出一种层层递进的发展态势，从音乐材料的变化、演奏力度的逐步加强和节奏的逐渐分裂细碎，听起来一气呵成、干净利索，并且形成了作品的第一次高潮。我们必须注意的是它的左手部分，这是由几种固定的低音律动组成的，也正是爵士钢琴演奏的特点之一，即布鲁斯音乐风格中的“布吉――伍吉”奏法。作品从26小节至39小节都采用了八分附点和均等十六分节奏交替的写作手法，并且音高保持不变，重点烘托了右手的旋律乐句。40小节至49小节的低音则以均等的八分节奏为主，右手配以弱起的重音，节奏变得急迫起来。之后的几个小节则左右手节奏同步，用了ff的力度共同将音乐推向高潮。自59小节开始，不规则节拍出现，并且以八分单位拍为主，几乎是一小节一变，间隔由三个八度四分音符重音支撑起低音的骨架，走向了结束。 第三部分(75―87小节)乐曲回到了Adagio，情绪变得柔和，民歌《茉莉花》的旋律再次响起，并且变得清晰，从第79小节开始的中声部中，我们甚至能听到完整的第一句，但作者笔锋一转，紧接着在第82小节写出了bE，转换到了爵士乐的色彩，巧妙动听，没有和声停留的紧密衔接就过渡到了第四部分。 第四部分(88―123小节)同样是一个快板，可以分为三个部分：88-93小节，94-99小节，101-112小节以及余下的11个小节。该段是作品的重点部分，爵士钢琴的风格十分鲜明地凸显出来，好像一段热情奔放的舞蹈。左手的低音部分出现了很多连续的八度大跳，形成了个性鲜明的“大跨度低音”，从而突出右手的旋律。自第113小节开始，和第61、68小节一样的左手八度四分音符的强奏，再次把热烈的气氛拉得宽广，之后的两个手八度上行和交替快速下行似华彩的滑音，使音乐走向完满的和声终止。 无论是从音乐创作构思，还是从音乐所表现的中国传统文化内容来说，《含苞茉莉》无疑都是十分成功和出彩的，可弹性与可听性兼备，虽然创作手法还稍显稚嫩，但是对于中国现代钢琴音乐的创作领域来说，年轻一代作者的锐气势不可挡，有想法、有新意，而这种蓬勃的朝气应该也是组委会把出版的获奖作品集命名为《含苞茉莉》的用意所在。 注释： ①王珉.美国音乐史[M].上海：上海音乐出版社，2005. 猜你喜欢： 1. 音乐学毕业论文 2. 中国音乐教育研究论文 3. 音乐系毕业论文范文 4. 关于音乐教育研究论文 5. 音乐学毕业论文题目 6. 音乐学论文范文
幼儿音乐教育论文范文3000字
论文题目： 幼儿音乐教育课程游戏化教学探究
摘要： 伴随着社会经济的发展，人们对幼儿教育的重视程度越来越高，与此同时，幼儿教育的形式也越来越多样化。音乐课程游戏化即任课教师有所计划地在教学过程中多采用游戏的形式进行授课。音乐课程游戏化使得音乐课程的授课能通过游戏的形式呈现，让幼儿在乐趣中学习、在玩乐中吸收知识。本文以幼儿音乐课程游戏化为切入点，对课程游戏化的论点深入剖析。
关键词： 幼儿;音乐;课程;游戏
游戏，具体而言即人类与某些动物共同享用的行为方式，反映着与之相应的社会现实生活。成年人和幼儿都会游之戏之，但游戏在成人与幼儿的生活中所扮演的角色、所赋予的意义、所起的作用皆有不同。游戏，于成年人而言是制度化的，是有所谓的游戏规则的;而于幼儿而言，游戏则是非制度化、没有所谓的规则束缚的，简单的快乐的即是游戏。
一、音乐课程游戏化的重要性
在孩子的教育当中，音乐课程是必不可少的，而游戏化的音乐课程更是不可或缺的。音乐课程游戏化除了能开发幼儿音乐能力以外，对幼儿智商和情商的培养更是有所帮助。
(一)音乐课程游戏化能使幼儿愉快学习
喜好游戏是孩子的天性，也是幼儿与周遭环境互动的一般形式。作为幼儿的一般活动，游戏关系着幼儿身体和心理的发展需要，并且，游戏也反映着幼儿生理心理发展的客观需求。音乐课程游戏化，依照幼儿对游戏的一般需求，给幼儿的音乐学习创造多彩、自由、愉悦的学习环境，让幼儿能快乐地在游戏中认知音乐，深入感受到学习音乐的快乐。
音乐课程游戏化，应该以孩子本身为出发点和落脚点，观察孩子是否自由地学习音乐，是否尽情地展现他们的个性，以及是否快乐。成人应该设计可以满足孩子每种内在需要的环境，并剔除不利于成长的因素，寻找有助于幼儿成长的途径，发现并培养幼儿的潜能。利用音乐课程游戏化，开发幼儿的学习兴趣，提高幼儿的音乐能力，此外针对音乐课程内容的游戏性、组织形式的多样性等进行相关研究。(二)音乐课程游戏化能开拓幼儿思维
幼儿园的音乐课程游戏化，是对幼儿大脑多方面开发和发展的重要途径。音乐课程游戏化促使幼儿运用自己的肢体去认知音乐，用自己的内心去感受音乐，并在游戏的整个过程中去享受音乐。音乐游戏具有较强的灵活性和开发性，符合幼儿学习音乐的生理和心理需求，由此，幼儿阶段是早期音乐教育的重要阶段。有目的、有感情地聆听音乐是幼儿学习音乐的主要动机，在聆听中抓住音乐的相关信息是幼儿学习音乐的基础。许多幼儿在婴儿阶段即拥有敏锐的听力，且由于本能，幼儿也能对音乐快速做出反应，以此看来，音乐游戏对幼儿而言，是必不可少的教育手段。
由于幼儿喜欢玩动、遵从兴趣、思维具体形象，所以将音乐教育以游戏的形式呈现，则能与幼儿的学习、生活融为一体。音乐课程游戏化可以开发幼儿学习音乐的兴趣，提高幼儿的创新能力，挖掘幼儿的探索精神。幼儿音乐教育在学校教育中扮演者重要的角色，音乐任课教师应当了解幼儿学习音乐的心理动机，从而更好地去建设幼儿音乐学习的最佳心理结构。
当前，幼儿园音乐课程游戏化的探索剖析是非常有必要的。从现在的一些幼儿园教学状况可以看出，音乐教学形式过于单一，音乐游戏的形式颇少，音乐课程与游戏之间的相关性甚少。
二、音乐课程游戏化的教学理念
音乐课程游戏化不单单只是一种游戏，它不仅包含了音乐游戏中的特殊因子，而且还包括了游戏的特征。从幼儿的心理特点出发，幼儿的音乐教学应该是有趣多彩的过程，结合游戏的趣味灵活，应能让儿童有足够的玩耍、娱乐和学习的时间。幼儿教育者应当全面了解游戏在儿童发展中的作用，注重音乐游戏内容的趣味和形式的多样，以确保游戏在幼儿教育中的重要位置。随着社会的不断发展，越来越多的专家、学者都在关注和研究音乐教育，音乐教育在基础教育中的地位日益增长。从幼儿到成人，每个不同年龄段都有独特的心理特征。现代音乐教育应该依据不同成长阶段的心理特征，设计与之相应的音乐教育内容和方式。
(一)组织形式的灵活性和多样性
在探究音乐课程内容游戏化的时候，还要特别注意组织形式的灵活性和多样性，采用合适的方法和组织形式去搭建幼儿音乐学习的最佳心理结构。使用与幼儿生理心理发展特点相适应的方式，使得幼儿在多样式的游戏化教学中，欢乐地认知音乐，积极主动地投身到教学游戏中。音乐课程游戏化教学方式是各种各样的，不单包含唱、跳、演奏等，它的教学渐趋多元化。例如：故事《毛毛虫和大公鸡》，讲述了大公鸡发现草地上的毛毛虫兴奋不已，想把它们当作美餐，聪明的毛毛虫想出一个办法恳求大公鸡把他们养肥了再吃。大公鸡把它们带回家，精心照顾它们，一段时间后的早晨发现毛毛虫不见了，原来毛毛虫变成蝴蝶飞走了，他的心情难过极了。大公鸡由原来的得意到最终的伤心。分析故事情节后我们可以把这段故事分为四个篇章，第一篇章：遇见大公鸡;第二篇章：小青虫快长大;第三篇章：蚊子赶跑了;第四篇章：小青虫变蝴蝶。并配以合适的音乐、角色表演、戏剧表演等多种艺术表现形式来呈现这一故事情节。游戏化的音乐教学应该有感情丰富的语言、情节多层的故事配乐、充沛情感的音乐、美妙撩人的韵律、趣味百变的造型以及在音乐背景下各种新颖创新活动，让幼儿在游戏化的活动中最大程度地感受音乐艺术的美妙，最大程度上提高自身的音乐艺术能力，增强音乐气质，为日后在音乐道路的发展起铺垫作用。
(二)游戏化的教学内容
幼儿园音乐教学内容中，音乐游戏所具备的游戏特征最为明显，但除此之外，唱歌、韵律活动、乐器演奏等方面也具备一定的`游戏特征。如：“洋娃娃和小熊跳舞”这首歌曲，可以采用游戏的形式，赋予相应的角色扮演、场景再现等使之具体表现歌曲的意境。还有一些较为常见的传统游戏歌曲“猜谜歌”、“手绢歌”、“跳格子歌”等，都可以采用各种游戏的形式，使孩子在欢快的游戏中展现自己;在愉悦的游戏中增强音乐能力、表演能力和创新能力;在快乐的游戏中收获参与游戏的乐趣。
幼儿阶段是采用早期音乐教育的最佳阶段，幼儿园音乐课程游戏化渗透于音乐教学的整个过程，有效地提升幼儿的音乐素养和相关能力。在游戏化教学中要着重教学内容制作的情节化和意趣化。利用音乐教学游戏化形式，让幼儿学习音乐教学中所囊括的知识，达到音乐课程内容的游戏化。
(三)激发幼儿学习音乐的兴趣
兴趣是一种正面的认知倾向和情感状态，是激发幼儿认知、思维和创造的内部驱动力。带着兴趣学习，幼儿能够较大限度地掌控自己的注意力，并且能够带着快乐情绪参与整个学习的过程。兴趣的产生，并不是与生俱来的，一般是由某些外部因素刺激而来的。从这个观点看来，关于幼儿学习的兴趣培养则要予以重视。积极的音乐教育能够主动激发幼儿自身学习的积极性、主动性和对音乐游戏活动的兴趣。在兴趣培养方面，首先要提高幼儿教育者发现幼儿兴趣的能力，善于在活动中识别幼儿的兴趣所在。教育家陈鹤琴说过，“大多健康的儿童无论是游戏散步或工作，他们本能地爱唱歌，表现出音乐的律动。”幼儿拥有学习音乐的潜力，而教师则要及时发现幼儿对音乐的兴趣，保护好幼儿兴趣的萌芽并且给此幼芽营造适合成长的环境，使其安稳地成长。而教师对幼儿的教育并不仅仅是用理性去教授，也要用感性去带动，即是要用自己适当的情感和情绪表现方式去带动幼儿。另一方面，幼儿的注意力非常易于转移，也就表明，幼儿的兴趣一般都是暂时的、短暂的。如何让幼儿保持较为稳定的学习兴趣，这是培养幼儿兴趣的重中之重。在音乐课程游戏化教学过程中，要采用游戏的手段，将学习的重点和难点转变为幼儿玩乐的高潮点，有效地刺激幼儿的学习兴趣。兴趣需要持续不断，若想让幼儿在愉悦中学习，教师则需要不断地加强幼儿学习音乐的兴趣。
(四)培养提高幼儿的音乐能力
音乐能力即对音乐各部分的认识和情感反应的综合能力，包含了识别音乐、音响、音色、节奏、旋律等能力以及音乐审美能力，在参与演唱、演奏、音乐创作等方面活动时，就需要音乐感、节奏感等能力的整体配合。由此观之，音乐能力是以音乐素质为基石，利用教育培养和实践活动为渠道，从而得以提升的能力。
音乐能力的开发提高需渗透在整个课程游戏化过程中。一日生活皆课程，在生活各环节我们都可以用音乐引领，例如：入厕、洗手可以播放欢快的音乐使幼儿随音乐做动作，培养幼儿的音乐表现力;进餐时可以播放舒缓的钢琴曲，提升幼儿的欣赏能力;在午休环节可以播放摇篮曲，让幼儿伴随音乐入睡。幼儿的音乐能力一般会受到心理发展水平、知识水平、理解能力、生活经验、音乐修养等方面的限制。因而，对幼儿来言，利用听觉来感受音乐，并借以一定的想象力，能更好地去体验音乐所要表达的意境和感情，从而更加地形象具体。
音乐教育可以全方面地开发幼儿的各种能力。而幼儿音乐能力的开辟最好是在幼儿成长过程的初期。研究所得：人的潜能是获得内在能力所必备的条件，因而，越靠近0岁，这种潜能就越大，内在能力也就越高，不过，随着人的成长，这种能力则会快速地消失。由此观之，幼儿教育者在此的重要性不言而喻。充分地开发幼儿的潜能，使之不被时间的推移而淹没，是幼儿教育者的工作职责。音乐课程游戏化则是幼儿教育者更好地履行工作职责的必要工具。
三、结语
节奏是音乐的基础，是舞蹈的灵魂。音乐课程游戏化，着重幼儿在音乐节奏感方面的培养。培养幼儿的节奏感，最佳的方法即是利用语言节奏、动作节奏和音乐节奏，加以与音乐本身密切地 糅 合，最终得到视觉、听觉、触觉的综合感知，收获锐利的节奏感。音乐课程游戏化教学最好还能结合其他科目，比如：在幼儿学习歌曲或故事时，加上美妙的音乐及音响效果，可激发幼儿的学习兴趣，提高幼儿的表现能力。
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音乐教育的出现是因为社会关系在交过过程中所需要的。音乐作为一个表达思想情感的手法，包括了教学和研究。下面是我给大家推荐的音乐教育论文2500字，希望大家喜欢!
《音乐与爱的教育》
摘要：21世纪成功的音乐课堂是一个充满了爱的课堂，这需要音乐老师热爱音乐·热爱教育·关爱学生，运用一切积极的教育手段，只有这样才能更好地让学生感受到音乐的美，才能更好地展现出音乐的魅力，让学生在每一节音乐课堂中都能够感受到这才是爱的教育。
关键词：音乐;爱的教育;尊重;课堂主人
中图分类号：G633.95 文献标志码：B 文章编号：1674-9324(2012)09-0047-02
在人们的心目中，音乐老师在舞台上都是热情奔放、能歌善舞、吹拉弹唱样样精通的老师，给每位观众留下深刻美好的印象。那现代的音乐教育需要什么样的音乐老师呢?他们怎样才能带动和教育好我们的学生呢?
除了具备扎实的基本功之外，爱的教育也是十分重要的，它是音乐教育成功与否的关键。在人类的历史长河中，爱的力量是最强大也是最伟大的。它为人类在社会发展中起了积极重要的作用，也是人类得以生存和发展的条件之一。
每位优秀的音乐教师都应具备爱的品质：热爱他的音乐事业、热爱他的教育事业、热爱他的每一位学生。虽然他们在表达爱的方式上不尽相同，但都因为有了爱的教育，人们才会对音乐更加热爱，也更加热爱他们的生活。可以说：爱是音乐教育的基础。
音乐教师首先就是爱音乐。因为他们热爱音乐，所以他们才会去学习音乐并立志从事音乐教育，可以说他们已经视音乐为自己生命中不可缺少、最为重要的一部分，如果他们不热爱音乐，不热爱音乐教育，很难想象他们将怎样来激起学生对音乐的兴趣和热爱。而学唱歌曲在中学音乐课堂上是不可缺少的教学环节，如果老师自己都不喜欢这首歌曲，没有热情来演唱它，试问一下，有几位学生能在下面兴致盎然地唱歌呢，这种尴尬就可想而知的了，长此以往，音乐课堂很可能就成了学生的噪音课堂了。如果发生了这种情况该怎样处理呢?中学生们有着自己年龄上的心理特性，我要怎样带动激发他(她)们呢?热情的示范演唱、带唱是我发现最有效的方法。记得我刚刚进入上饶县中学工作，因为我们上的科目是音乐欣赏课，里面有很多耳熟能详的歌曲，为了能让课堂取得更好的教学效果，我从网上下载了歌曲给同学们听赏，并让学生一起跟唱，学生唱的开心我上的轻松，我为每次的课堂感到窃喜，就这样教了好一阵子，可我发现学生的兴趣渐渐变得越来越淡了。后来有一天教室停电不能使用多媒体教学，于是我就临场发挥，自己坐在钢琴前面自弹自唱了当时要上的歌曲，由于以前就熟唱过这首作品，加上自己也很喜欢它，更多的是学生的高呼“老师来一首。”，于是我激昂地唱了这首《长江之歌》，唱完之后掌声雷动，同学们大呼过瘾，说能亲耳听到自己的老师现场演唱才是最亲切最激动的，都跃跃欲试，我于是趁热打铁，同学们都跟着我积极主动地大声唱起来。在边弹边唱的过程中我还会伴随音乐用肢体语言，尽量让每位学生的每一个身体细胞都融入到音乐中，激起了学生对音乐的热爱，使他们都融入到音乐当中，取得了意想不到的良好效果。在同学们崇敬的目光中我有点沾沾自喜，但更多的是惭愧和警醒。从此以后，在课堂上碰到需要教唱的歌曲我都会尽量自己范唱带唱了。
其次是热爱音乐教育。这是在热爱音乐的基础上产生和发展过来的一种爱。当音乐教师真正热爱音乐时，自然会产生与学生一起来分享音乐的欲望。记得刚进校教书不久，我看了一部电影《红河谷》，里面的主题音乐是用钢琴演奏出来的，旋律优美动人，当晚我就把它的旋律记录下来，第二天上课就在班上自弹自唱起来，学生顿时围了上来，我趁机教他们怎样来欣赏这首作品，学生听得如痴如醉，对我真是崇拜之极。通过自己的教学，让学生也学会欣赏和感受到音乐的魅力，直接传承发扬了音乐，让学生获得音乐文化的真谛。
音乐教师具备的第三种爱，是爱学生。它是建立在前两种爱的基础上的一种更深层次的爱。任何音乐教师如果想把他所掌握的音乐知识传授给他们的学生，那他就必须爱他的学生，全面去了解学生的性格，培养学生的个性，开发学生的创造力，这样才能更好地运用各种方式和手段，将自己所学到的音乐知识最大程度地教给学生，从而让学生的身心通过音乐学习得以全面的发展。
要想让学生感受到教师的爱就必须把爱在课堂中直接表达出来，这对于威严的中国教师可不是很容易就能做到的，从古至今，中国的教师只是传道授业的解惑者，很少在课堂上流露出对学生的爱，更别提直接表达了，于是养成了很多教师上课板着脸，一本正经的上课模式。随着教育改革的不断深入和进步，现代教育需要加强对学生的爱，其实很简单：在教学中，教师只要站在学生的立场上，以平等的态度对待他们，并设身处地的为他们着想，在课堂教学中要多用“我们”一词，把每个学生都拉进课堂的情境中，与每个学生互动，遇事多用商量的语气，语言中字里行间地充满真挚的情感和爱意，让每位学生感觉到自己是课堂上的主人，感觉到老师对他们是非常尊重的，我相信取得理想的教学效果就成为轻而易举的事情了。记得在2008年的某天下午第一节课堂上，我上课的内容是欣赏人民出版社出版的音乐鉴赏第十八单元第三十四课《走进新时代》，其中有一环节是教唱并排练合唱歌曲《走进新时代》，我请同学们分三组讨论并把他们的排练想法逐一告诉我，然后一起商讨研究，第一组告诉我怎样把四个声部衔接演唱好，第二组告诉我怎样处理音乐的情绪变化，第三者则告诉我队形该怎样排列，怎样根据歌曲来变化肢体语言，就在大家进行的非常投入之时，一个男学生突然闯进来，不好意思地说因为午睡过头而迟到了，我看着他，微笑地说：你来的正好，我这确少一个指挥呢，过来吧，我们一起指挥排练。看到我信任的目光和坚定的话语，他最终出色地完成了这次排练，课后这位学生感动地说：“自己在老师同学和家长心目中一直就是个差生，没想到你不但没有批评我，还那么信任我，老师，我会永远记住你对我的爱，争取做一个有用的人才。”。2011的高考，他以优异的成绩考取了上海音乐学院指挥系。
音乐的爱还可以延伸到课堂以外，由于大多数学校的班级每周只开了一两节音乐课，大大降低了音乐教师与同学们的交流，为了弥补这种不足，在条件允许的学校可以在课余时间组织一些音乐活动，比如每周抽出一两次课余时间，组织学生参加一些音乐课外活动(组建校合唱队、民乐队、管乐队和舞蹈队等)，既提高了学生的音乐素养，又增强了师生感情，同时让学生通过对音乐的学习更多感受到教师对他们的爱。为他们美好的人生增添更多的亮点。
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