嗯嗯 怎么样啊？？e小调第五交响曲是俄国代表性作曲家柴可夫斯基（1840-1893）留下来的六首交响曲中的一首，它之后就是广为人知的第六交响曲《悲怆》。这首曲子于1888年在彼得堡初演。作曲家独有的忧郁和甜美的曲风交错穿插，使得整部交响曲内容丰富多彩，第二乐章里圆号独奏部分充满了温暖的憧憬，这段旋律很出名。而作者自身对于宏大的“命运主题”的呼喊则在序曲部分以单簧管演绎出来，在之后也不断回旋体现。 〖赏析〗： 第一乐章(下载) 行板，转朝气蓬勃的快板 奏鸣曲形式。行板，e小调，4／4拍子的序奏开头，单簧管呈现凝重，阴沉的旋律即为本交响曲的中心旋律，它在四个乐章中都会露面。一般都这一中心旋律视为“命运”，但它只是微弱，暗淡地暗示着某种不可预期的凶兆。进入主部以后，转成生气蓬勃的快板，富有节奏的旋律，据说是取材自波兰的民谣 第二乐章(下载) 略带有自由感的如歌行板，D小调 12／8拍子 三段体。乐章的主旋律甜美而兼有肃穆，伤感，充满期盼与憧憬。双簧管演奏的副旋律中注入了温柔而具有抚慰力量的女性光辉。 第三乐章(下载) 中庸的快板 A大调 3／4拍子，三段体。摒弃了传统的谐谑而使用圆舞曲乃是柴可夫斯基的新尝试，以艳丽的旋律为中心的梦幻式圆舞曲，给听众 一种飘渺的感觉 第四乐章(下载) 终曲，庄严的行板转活泼的快板，回旋奏鸣曲形式。序奏为E大调，4／4拍子，实际是全曲“中心旋律”的大调形式，开始是弦乐合奏，接着在弦乐器以三连音装饰下，管乐合奏庄严地呈现。此乐章庄严，雄壮，仿佛在高唱“战胜悲哀”的凯歌一般，又以人类的力量最终战胜了命运而告终。 列宁格勒爱乐交响乐团（前苏联） 这是俄国历史上最悠久、实力最强的管弦乐团。它的起源可以追溯到18世纪的圣彼得堡宫廷乐团，但是他们举行公开演出却是从本世纪才开始的。1917年，在俄国著名指挥家库塞维斯基担任指挥时，曾以“国立爱乐乐团”之名开始活动。1938年，前苏联著名指挥家穆拉文斯基就任该团的音乐监督，此后的40多年，该团声誉渐高，成为"穆氏的亲兵"而进入黄金时代。 列宁格勒爱乐交响乐团的演奏风格充满激情、富有力度感，充分反映出彼得堡这个古老城市的文化特性，在合奏上显示了俄国式洗练的特色。该团最擅长演奏本民族音乐家如柴科夫斯基、肖斯塔科维奇等人的作品，其解释令人信服而表现生动。该团还特意配置了两套水平同样高超的人马，当乐团旅行演出时，必有一套人马留守在"大本营"中。 〖闲话〗： [还债]柴科夫斯基e小调第五交响乐－－ 穆拉文斯基指挥列宁格勒爱乐乐团 前面说的很详细，不多废话了！呵呵！戈版传上来了。别老追着我。 这个与戈版的不是同一个录音，以前没认真听，没留意到。原来戈版的是单声道的。 哈哈！同样是伟大的作品，同样是伟大的指挥，同样是优秀的乐团，演绎哪个更优秀我没对比过。起码录音就把戈版的打败，哈哈，爽！ 不好意思，暂时没图，流放回来后发现音响又坏，电脑又有毛病。连照相机也不知道LP大人仍哪里了。大家莫怪！ [ Last edited by 戈壁落日 on 2005-9-1 at 20:29 ]
近些年，我国在各个方面都取得了辉煌的发展成就，所以随着社会经济的迅速发展，人们的生活水平随之提高，同时艺术水平也有所提高。传统的艺术水平已经不适合现代人对艺术追求的口味，因此为了满足现代人对艺术水平的要求，传统的艺术水平必须迈向艺术的更高境界。人们对单簧管有了更大进步的认识，为了使得单簧管带给观众更大的乐趣，必须深入研究单簧管的教学方法和提高学生演奏能力的培养方法，这也是现代艺术发展的必然要求。一、单簧管乐器简介单簧管的组成成分包括嘴子、小筒、管身和喇叭，其本质是一种木管乐器。其中嘴子是由芦竹制成的单簧片，而通过小筒和管身之间自由的伸缩功能来调节声音。由于单簧管的音域范围比较广泛，而且不同的音区都具有独特的音色，所以一直以来都被称作是木管乐器中的戏剧女高音，在乐队中发挥着不可替代的作用。单簧管所要求的技术比较高，必须经过坚持不懈的辛苦练习，方可充分发挥其优势。二、单簧管教学的目的意义（一）单簧管教学拓宽了音乐表现的范围以往大多数人习惯仅用自己的歌声来展现音乐表现力，但是人的歌唱声音毕竟存在着很大的局限性，从而使得音乐表现的范围受到一定的限制。如果能把人的歌唱声音和各种乐器配合使用，将会体会到更多的音乐表现的喜悦，同时也有利于把音乐表现力推向更为广阔的境界，呈现一个更为丰富的音乐世界，所以说乐器是音乐更为重要的表现形式之一。（二） 单簧管教学有助于培养学生的音乐素质用单簧管来演奏音乐，只要是凭借它的演奏力度变化来呈现更为丰富的音乐，通过这样的表现方式可以更透彻地表现出音乐作品本身的中心思想，更有力地产生音乐的感染力。如果在单簧管教学中注重培养学生的演奏技巧，注重提高学生的演奏能力，学生才有可能奏出乐曲本身的性质、风格、情趣等。三、单簧管教学中培养学生演奏能力的策略（一）单簧管教学要注重歌唱性为了做好有关单簧管教学的工作，音乐老师首先应该从实际出发，需要将学生的各个方面都考虑进去，比如学生本身所具备的的音乐素质，当地学校的音乐条件及其学生的家庭情况等都应该考虑到位。虽然音乐演奏方法和平时说话的技巧有出入，但其本质要求都是要使演奏出来的音乐和说出来的话更明了，更透彻，这样就能展现音乐自然的生动性。注重把学生有声或者无声的歌唱与乐器的演奏融合到一块，时刻把演奏与学生的歌唱活动紧密联系，有助于提高单簧管教学的效率。（二）培养学生细腻的音乐听觉音乐艺术的主要表现形式就是借助声音来进行形象塑造和感情交流。想要明确鉴别演奏者的声音是否是一种优质的艺术，使用听觉是每个演奏人员以及听众所必需的。评断一个表演者是否优秀也是看其是否具有敏锐的听觉以及内心的歌唱能力，所以说，在我们教学过程中，培养一个人的审美能力主要是看其耳朵。如果一个表演者在演奏的过程中能借助听觉判断乐曲的旋律以及节奏快慢变化，音调音色的改变，这样的表演者也就具备判别单簧管演奏效果的能力。若是演奏者不用自己的听觉进行演奏，那么他也无法将音乐的布局以及设计与双手和触觉器官协调合作。但是，如果一个演奏者具备很好的听觉能力，那么他也就能很敏锐地感觉到音乐的整体结构。（三）因材施教，注重个性教学在单簧管的教学工作中要特别注意要因材施教，不能过于死板。通过各种渠道关注各种音乐作品的精髓，善于发现不同种族，不同流派在音乐作品上的异同点，然后结合自己的看法赋予音乐作品具备的独特性质，着力提高学生们对个性演奏的认识，发挥个性教学的优势，从而为学生大胆创新奠定基础。（四）培养学生的演奏兴趣将开音符的高音部分分离，将但节奏的因素提炼出来进行练习，把音符作为每一种节奏性的鼓点，采用拍手或者使用小木棍拍打的方式将节奏表现出来，从这种表演中体会单节奏的特点以及乐趣。在具有对音乐点子的领会以后，将曲子在单簧管上演奏，就会很震撼人们的心灵。在演奏过程中也是具有技巧的：通过对节奏感的掌握、力度的掌控、清楚的分析方向、采用合理的触键方式等等。在培养演奏者意志的过程中，首先就是对演奏者进行思想教育，准确定位演奏者的学习动机，使学生意识到单簧管一方面是学习，一方面是娱乐。其次就是采用丰富的训练方式，将学生的身心吸引到训练当中，渐渐地进入到学习状态。四、结语为了更好地促进单簧管教学顺利进展，同时也为了让单簧管登上更高的台阶，老师们首先必须注重自身教学能力的提高，完善自己的教学方法，更快更好地适应新时代的教学需要和达到现代教学的标准。其次在教学中要善于运用个性的教学方法对学生进行个性化培养，让学生充分吸收消化所传授的知识，促进师生共同进步，提高单簧管教学的效率。
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难忘的大学生活即将结束，大家都知道毕业生要通过最后的毕业论文，毕业论文是一种比较正规的检验学生学习成果的形式，毕业论文应该怎么写呢？以下是我收集整理的音乐毕业论文，希望对大家有所帮助。
摘要：高雅音乐教育与思想政治教育二者之间既要相互联系，服务于教书育人这一共同目标，又要相互借鉴，取长补短，要让大学生在接受思想政治教育的同时，把普及高雅音乐作为加强高校学生思想政治教育的重要抓手。因此，要用高雅音乐促进学生的综合素质提升，通过让高雅音乐走进校园和与校园文化的融合，发挥高雅音乐在高校思想教育中的作用。
关键词：高雅音乐 高校思想教育 作用
大学生担负着中华民族崛起的重任，是现代化建设的脊梁，加强大学生思想政治教育关系到大学生健康成长，更关系到中国未来的繁荣。高雅音乐以其音乐作品的创作者、表演者所倾注和渗透的思想情感、政治态度、伦理道德，可以极大地增强思想教育的吸引力和感染力，潜移默化地激发大学生追求正义事业、美好事物和进步思想，在润物细无声中不知不觉教育大学生。高雅音乐教育由于有着丰富细腻感情、增强心理健康以及他学科所不能比拟的特殊功能，以古今中外优秀声乐、器乐曲目进行高校学生爱国主义、集体主义、社会主义思想政治教育，顺应了大学生主体性的发展特点，同时也为思想政治教育找到了新的立足点。音乐毕业论文范文因此，高雅音乐在大学生思想政治教育中能起到独特的、不可替代的作用。
一、高雅音乐与思想政治教育的关系
高校思想政治教育的实效性是通过“晓之以理”来实现的，即通过逻辑严密、有说服力的观点，生动形象的恰当举证，使大学生明白善恶正邪，是非曲直。而高雅音乐教育属于美育的范畴，是一个“动之以情”的教育过程，是通过具体感性的审美对象诱发受教育者的审美能力，使受教育者在自由自在的审美体验中，充分发挥主观能动性，在情感共鸣中获得个体心灵的满足与升华。如，贝多芬的《命运交响曲》它抒发着贝多芬对幸福、美好生活的渴望和追求，显示出人民战胜黑暗的坚强意志和必胜信念。在思想政治教育过程中，象《命运交响曲》这样具体可感的形象以及生动活泼的艺术形式、情感的感染都是服务于思想政治观念的确立的，即“动之以情”是方法和手段，“晓之以理”才是目的和意义，前者是为后者服务的。而美育过程始终体现着强烈的情感活动和具体可感的艺术形象，在审美感受中，受教育者获得审美体验、感动、顿悟的时候，也获得了收益，“动之以情”既是美育的过程，也是美育的目的。
二、高雅音乐在高校思想政治教育中的现状及困境
三、发挥高雅音乐在高校思想教育中作用的措施与对策
1．用高雅音乐促进学生的综合素质提升
2．让高雅音乐走进校园
3．让高雅音乐融入校园文化
高雅音乐教育的功能效应与校园文化的育人功能存在一致性。高雅音乐教育的普及和加强，不仅能够有效地活跃高校校园文化气氛，增强其凝聚力、感染力，而且还具有强大的.感召力和内驱力，能够把学校发展目标转化为个体自觉行动，从而有效地发挥校园文化育人功能。
在校园文化中促成完善的价值体系形成不仅是高校教育的一项重要内容，也是发展校园文化的基本要求。高雅音乐教育的影响有很强的潜存性，我们应努力创造一个优美的客观环境，使学生在美好的生活环境中，不断接受陶冶和滋养，为树立正确的人生观、价值观打下良好基础。音乐毕业论文比如，学校通过建立各类师生文艺团体，在校园舞台上展示艺术成果；组建大学生艺术团合唱队、铜管乐队、交响乐团等使学生提高技能，提升身心素养；组建各类文艺社团，如吉他协会等，广泛吸收有兴趣爱好的同学，各类活动都在潜移默化地提升着大学生的音乐审美能力。作为审美教育的高雅音乐教育启发审美主体对自身存在价值和生命意义的思考，把审美主体的生命热情调动到极致，自觉追求生命的自由，追求更高的人生理想和人生价值。
参考文献
[1]吴国玲．在高校积极倡导高雅音乐[J]．大家，2010，（10）
[2]杨晶．对当代大学生加强高雅音乐教育的必要性思考[J]．出国与就业，2011，（8）
[3]林雄文．生活因为你而更精彩——大学生《交响音乐赏析》课程的价值与意义[J]．大舞台，2010，（8）
[4]李婵．浅谈音乐教学中的德育渗透[J]．南方论刊，2010，（z1）
钢琴踏板的运用--我的毕业论文 “踏板被人称为钢琴的灵魂。”从鲁宾斯坦的这一名言我们不难看出钢琴踏板的运用在钢琴演奏中占有非常重要的地位。不论是水平粗浅的初学者，还是蜚声海内的钢琴大家，在演奏中无一不会不使用到踏板，但是关于踏板使用方面的文献却寥若晨星。在钢琴教学，尤其是初、中级程度的钢琴教学过程中，很少有教师对学生系统的教授钢琴踏板的使用技巧，只是在需要学生使用踏板时才会零碎的作出一些指导。而这样导致的诸如：只顾踩踏板而不及时放、为追求所谓的“气势”“热闹”而胡乱的使用踏板、更有甚者将踏板作为技术缺陷，力度不足的掩饰等毛病。有鉴于此，我在总结了前人的经验的基础上结合我多年来在钢琴学习上的一些心得对钢琴踏板的运用做一番探讨，有不足和疏漏之处还望予以斧正。 一．踏板的基本功能 钢琴踏板的使用是弹奏方法中一项必不可少的内容。踏板使用得好坏，直接影响到弹奏的声音、色彩和风格。因此在谈钢琴踏板的使用技巧之前，有必要先简介一下钢琴踏板的最基本的功能。 1、右踏板是延音踏板，一踩下去，钢琴里的制音器全部打开，所有弹到的音就会延长。当脚一抬起来，制音器又压在琴弦上，音的延长就中止。 2、左踏板是弱音踏板(ulna cord) 在一般家用立式钢琴上，踩下左踏板，琴槌整个往前挪一些，离琴弦的距离就缩短了，声音相应就弱了。在演奏用的三角钢琴上，一旦踩下左踏板，则是整个键盘向右稍挪动。在三角钢琴上原来每个琴槌应击中三根弦，踩了左踏板以后，整套琴锤就会稍向左侧移动，这时琴槌只能击一根弦了。这样声音不但弱多了，而且产生了不同的音色变化。所以有时乐谱上标明"一根弦"或"三根弦"就是表示用左踏板式是放开左踏板。由于左踏板在演奏琴上能作出这样的力度和音色的变化，它的作用就不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。左踏板往往被比作“旋乐演奏者的弱音器”。 3、中踏板最经常地的被称做延长音踏板（sostenuto）。在立式钢琴上，它会使击弦机上方一块厚绒降下来，挡在琴槌与琴弦之间，这样弹出来的声音就小得只有自己听得见，屋外的人则听不见，这是为了不影响别人，没有演奏上的意义。而在演奏用三角钢琴中的作用与在立式琴上的作用完全不同。这个踏板的作用有点象巴罗克时期乐队里的通奏低音。用来支持旋律声部的流动，换句话说，如果钢琴的高音声部极为复杂，但是左手的跨度又很大，必须弹奏低音（控制和声节奏）需要将低音延长，如此一来，钢琴家就不能两头兼顾（因为没有第三之手），这时候，左踏板的优势就极为明显了！它的作用就是在这是发挥了出来。钢琴家踩住这个踏板，再弹低音，这个低音就会被持续（而不象右踏板那样使整架钢琴当时发出的音都延长）然后，在这个低音的支持下，就能很从容的弹奏较高声部的曲调。所以，这踏板就是解放左手，有目的的减低弹奏难度的踏板。 二．踏板运用的基本技巧 首先有必要补充一下一些踏板技术动作的基本要领 1．脚的位置 脚的位置在使用踏板的时候是非常重要的，因为在演奏当中脚的错误位置会妨碍脚和手之间的敏感的相互作用，尤其是在同一时间用同一只脚使用两个踏板的时候，如有时需要这样用中踏板和左踏板时。正确的方法是脚应放在能使最大的压力点来自脚趾和脚的交界处的位置上。不要太靠近钢琴，脚尖几乎顶着琴板，用脚心踩踏板，这样不灵便；也不要偏远，只用脚趾踩踏板，这样不塌实。 2．脚的动作 脚跟不要离开地面，以脚踝为主要动作部位，用前脚掌将踏板踩下去、放起来。放掉时，脚掌可以一直不离踏板，如果为了放得干净也可以稍离一点点。 下面我们开始探讨一下踏板使用的一些基本技巧 由于我们常用的是右踏板，而另外两个踏板的使用比较少见。因此我在这一部分内容里主要对于右踏板的使用技巧进行分析。(附表 ) 1． 踏板，又称节奏踏板或重音踏板，在这个技巧中踏板与一个和声同时被踩下去，在下一个和声前一刹那被放掉，然后再和下面新的和声发声的同时踩下去。适用与强调节奏特点的乐曲中，可以产生增强音量，获得浑厚共鸣的效果。在肖邦《前奏曲》OP．28 NO．20中由于整首乐曲都是柱式和声连接，属于一种进行曲风格，如果使用音后踏板就会使得旋律变得过于连贯，而失去乐曲本身的那种类似沉重步伐的效果，因而在踏板法的选用上要使用直踏板，一个和声一换。（本身乐谱上也有标记要使用直踏板）（谱例 肖邦 《前奏曲》OP．28 NO．20） 舞曲风格的乐曲踏板的使用在于表现舞蹈风格的特点，如《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》中4个小节构成一个乐句，前3小节踏板踩在节奏重拍上，而第4小节踩在节奏弱拍上这是和蒙古舞蹈的舞步相一致的(《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》) 2． 音踏板 我们常说的“切分踏板”和“跟随踏板”，两者和“连音踏板”都是一回事，即连奏中的更换踏板。“切分”的意思是，弹奏连奏中的第2个音时，手往下时，脚往上（而后再踩下），类似切分音的节奏。跟随的意思是，脚跟着第2个音弹下后重新踩下的。——目的都是一个，连上两个音，又不使前后音相混。它是最常用的踏板技巧，它的最简单的应用是出现于当两个音或和弦要用一个无缝的，又不被模糊的连奏连接起来时。如果想要清楚的换好踏板，没有以前的和声的遗留，并在声音中没有裂缝，以下的步骤是必要的： （1）弹奏，并用踏板抓住第一个和弦。 （2）接着当弹奏下一个和弦时，抬起踏板。 （3）听新的和弦的声音。在锤子重新打击琴旋的一刹那，制音器应该已经制止了原来和声的声音。 （4）当手指继续按住琴键时，重新踩下踏板。再仔细听，要肯定没有以前的和声被留在新换的踏板中。 （5）每个新的和弦重复以上过程。 在格里格的《致春天》OP.43 NO.6中右手的和弦是在模仿春风在吹拂的效果，如果使用直踏板那么就无法表现这种意境，但是如果使用如图示中的方式来踩踏板的话可以使的右手的和声进行更加连贯。（格里格 《致春天》OP.43 NO.6） 当然在不可能把低音的每个新变化保持足够长的时间，以保证踏板的清楚更换的时候是可以把踏板提前抬起的。如在肖邦《夜曲》OP.27 NO.1中象谱例中所标识的那样,既可以使和弦在衔接时声音不会有明显的间断,也不会由于将踏板踩到新和弦出现后所带来的声音浑浊的效果。（谱例） 3． 抖动踏板，又称颤音踏板。是利用脚在踏板上快速的，相当浅的踩动（附表） 这种踏板的使用主要是为了追求特殊的音色，或降低声音的亮度。 在肖邦《奏鸣曲》OP.35的最后乐章中，为表现一种“坟墓上的风”的效果，就必须使用抖动踏板，来表现它的轻薄的、不规则的模糊感。 4． 全踏板，半踏板这是基于踩踏板的深浅而言的。全踏板即将踏板踩到底，是音响获得持续而连贯的效果。半踏板当乐曲的和声背景上保持一个低音时，而上面的和声出现混浊，用很小的动作，把踏板放起一半，然后迅速踩下，以获得既使低音长久，又使高音纯净的效果。还有将踏板踩1/4 1/3 1/2 3/4 等用法来使钢琴产生各种各样的音色变化，从而使音乐更加完美，音色更加丰满。这对演奏者对音乐内容的正确理解及脚下的工夫深浅与灵敏的听觉要求很高了。 5． 有一种跟脚没有太大关系的“手指踏板法”： 每一个断奏的音下键到底不放并且不需脚踏板的帮助从而使击弦机不归位——弦的震动持续，和踏板的效果一样而且不会与其他音符浑浊成一团，这多在谱面的连线处且尤其是没有踏板的地方（比如赋格）使用 要注意：保持不放的下的过程和触键的位置对音色有很大的影响。 三．踏板的运用 对于如何选用踏板我们应当基于以下几点考虑 1和声的变化 乐曲中随着和声的变换而变换踏板，这是一个比较基本的常识。演奏者在演奏时要对乐曲的和声变换有所了解，以选择正确的踏板使用方法，如果对乐曲的和声没有做出恰当的分析，那么所选择的踏板使用方法就有可能不恰当，造成声音混乱，破坏演奏的效果。因此正确而恰当的和声分析是关系到踏板的使用是否正确的根源。使用时必须在和声的每一个新的变化之前的一瞬间放掉踏板，然后在弹新的和声的瞬间精确的踩下踏板。如果采用适当的速度，声音就不会有明显的间断。因为和声的音响会填满踏板更换之间的空隙，使和声清楚连贯。尤其是演奏古典乐派和浪漫派的作品中，这种更换踏板的方法增强了和弦的效果，不免了声音的浑浊。如柴科夫斯基的《四月》中每小节换一次和声，踏板也每小节换一次。
这个我比较擅长的，有资料。。。题目选好以后，你可以找相关资料，资料收集好以后，然后整理一下，感觉还不错的，打印出来，因为在电脑上看很累。打印好以后，你就看资料，看别人是如何写的，有那些新观点，思路，你可以在每份资料上面标上号码，便以区别。
如何发给你？
之前也是为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。 还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家： 从乐器研究到表演研究——丝绸之路上的抱弹类鲁特及其演奏传统 应尚能声乐表演艺术研究 论音乐美学在声乐学习中的应用价值 声乐教学理论与声乐艺术创新发展——评《声乐教学艺术新研究》 经典诗词诵读与声乐表演专业互促融合的实践教学研究 唱法融合在声乐表演人才培养中的意义 刍议戏曲表演技巧在民族声乐演唱教学中的应用 浅析声乐歌曲美声演唱的技巧与情感表达——以《啊,我的虎子哥》为例 浅谈对声乐表演艺术的理解与认识 舞台表演艺术对民族声乐的作用分析 基于合唱的小学音乐训练探究 以就业为导向的高职声乐分级教学研究 浅谈高校声乐教学中传统音乐文化的融入 谈建国初期的声乐教育及其成果 声乐演唱的跨界现象分析 神州音乐学人 浅谈视唱练耳学习对声乐表演的作用 当代影视歌曲对中国民族声乐的影响 戏曲文化融入高校民族声乐教学的路径探索 应用型人才培养模式下地方高职声乐教学改革的探究 浅谈声乐艺术的二度创作 声乐演唱技巧在合唱中的实践 试析声乐演唱中的审美想象与情感表现 声乐演唱中音乐素养对美声唱法的重要性分析 简析高校声乐教育中创新实践人才培养 互联网与网络多媒体在声乐教学中应用 高职高专声乐教学中学生可持续发展能力培养探讨 高师声乐教学中唱歌风格个性化培养研究 谈民间歌剧在高校民族声乐教学中的应用 中国民族声乐演唱在“科学性”基础上如何体现“民族性”——以雷州方言表演唱《人龙魂》为例 新时代背景下声乐专业学生就业前景探析——夯实专业技能,让学生走向更广阔的人生舞台 传统声乐教学中多媒体技术的应用研究 升腾艺术之翼 共绘发展蓝图——谈美声声乐艺术教育与区域音乐文化发展 基于大提琴演奏的声乐表演教学探究——评《高校声乐教学与音乐教育研究》 声乐表演审美特征及其艺术实践研究 “讲、学、演”三位一体高校声乐课教学模式研究 声乐表演的艺术风格 探析声乐演唱中的情感表达与演唱技巧 高校声乐专业多种风格演唱教学模式探讨 声乐表演的形体语言与美学意义研究 高校艺术教育中声乐表演与舞蹈的关系探究分析 关于声乐教学过程中提升学生心理能力的思考 管窥高师民族声乐教学改革的必要性与实施办法 试析高校声乐表演教学中的情感调控 在高校声乐教学中如何培养学生的表演意识和能力 民族声乐演唱中形与神的关系处理研究 高校声乐重唱与表演结合下的学生培养模式应用 阿卡贝拉在中职合唱教学中的作用与实践初探 鞠躬尽瘁、死而后已——黄友葵声乐教学思想初探 声乐教学漫谈——培养学生重视音乐素养 民族声乐教学中向戏曲学习和借鉴的探究 中越跨界壮—岱/侬族群“乜末”仪式歌唱与表演的符号隐喻 巴托克为什么能成功？——兼谈我国音乐教育存在的问题 应尚能声乐表演艺术研究 能量的聚合与辐射——从北京国际电子音乐节看中国电子音乐创作样态的发展 再谈音乐表演专业论文写作问题及对策——兼及音乐表演理论学科建设与发展 秦腔旦角表演风格分析 阎宝林的合唱训练与舞台表演艺术 音乐美学之欣赏圆号曲目 论音乐美学在声乐学习中的应用价值 桂北高师舞蹈教育的发展——以桂林师范高等专科学校2009-2019年为例 浅谈运用情绪增强舞蹈表演效果的方法 简析中国钢琴作品在高校钢琴教学中的意义及运用 非物质文化遗产视角下龙川马灯舞的保护与传承研究 广东汉剧剧目创新与发展探索 艺术院校音乐专业学术评价研究 一个梦想 三点思考：新时代中国歌剧、音乐戏剧发展的创新与超越 沈秉廉儿童歌舞剧《五蝴蝶在花园里》研究 应用型本科院校音乐专业舞蹈课程教学改革研究 中国流行音乐节的发展特点与商业价值 高校音乐表演专业校企合作人才培养的实践研究 唱法融合在声乐表演人才培养中的意义 歌剧《江姐》人物的音乐形象塑造 音乐剧舞台呈现形式之魅力——以音乐剧《阿拉丁》中茉莉公主唱段《These Palace Walls》为例 “萌”的表现性实践：社交媒体中90后女性青年的身体表演和媒介使用 论音乐剧唱段的演绎思维——基于戏剧表演的视角 欧洲歌剧的发展及其传承探究——以意大利歌剧为例 戏剧表演艺术对音乐舞台表演的影响分析 灯光在舞台表演艺术中的呈现价值探讨 肢体语言艺术在合唱指挥中的运用探讨 浅析影响男声四重唱舞台表现的因素 浅谈对声乐表演艺术的理解与认识 多元文化背景下多媒体音乐的艺术特征 音乐教育在舞蹈专业培养中的必要性 浅析无伴奏合唱中的训练技巧 高校钢琴教学中学生即兴伴奏能力提升策略探究 高胡伴奏在粤剧表演中应用技巧 钢琴艺术指导基本素养分析 探析古筝演奏艺术中的古典美 主要栏目 从《东京梦华录》看宋代市民音乐与宫廷音乐的融合 湖南民歌的域外传播研究 只有民族的,才是世界的——多元音乐视域下动漫音乐融入学前教育研究 高校音乐表演专业的教学改革浅探 尝试监测背景下音乐课体验式课堂活动的开展 基于合唱的小学音乐训练探究 基于具身认知范式的音乐表演教学研究——以肖邦《降b小调第二谐谑曲》教学及舞台实践为例 浅谈高校声乐教学中传统音乐文化的融入 声乐演唱的跨界现象分析
选题是音乐学 毕业 论文的基础环节，在一定程度上决定着音乐毕业论文的质量。下面是我带来的关于音乐学毕业论文题目的内容，欢迎阅读参考!音乐学毕业论文题目(一) 1. 浅谈初中 音乐欣赏 教育 中审美能力的培养 2. 音乐教育与素质教育的关系研究 3. 浅谈音乐教育中的欣赏教学 4. 浅谈音乐教育中创造能力的培养 5. 如何开发学生在音乐实践活动中创新能力 6. 浅议音乐教学中的课堂语言美 7. 让民族音乐之花在学生心中开放 8. 音乐表演中的美学原则 9. 音乐创作中的灵感与审美 10. 深化中小学音乐教育改革之我见 11. 中小学音乐课的意境教育探索 12. 浅谈少儿钢琴教学 13. 谈音乐记忆能力的训练与培养 14. 唐代燕乐繁荣之原因 15. 早期音乐教育与 儿童 思维发展 16. 论美育中的音乐教育 17. 我国戏曲音乐的发展 18. 如何搞活音乐课堂提高教学质量 19. 论音乐与情感 20. 试论歌曲演唱的二度创作 音乐学毕业论文题目(二) 1. 谈乐曲的节奏美 2. 浅谈合唱训练 3. 谈合唱指挥的教学原则 4. 论怎样提高中学音乐教师的钢琴即兴能力 5. 如何提高学生的钢琴演奏的表现力 6. 舞蹈教育与素质教育 7. 试论舞蹈中人体动作的造型性 8. 谈声乐教学中的呼吸训练 9. 论呼吸在歌唱发声的运用 10. 声乐学习理论与实践的结合 11. 浅谈美声唱法 12. 浅谈声乐作品的二度创作 13. 论歌唱中的咬字吐字 14. 多媒体技术与音乐教学 15. 西洋唱法与民族唱法 16. 歌唱与情感 17. 声乐教学中真假声结合的混合声训练 18. 谈普通学校音乐教育学的研究范围 19. 音乐教育学的研究对象及研究 方法 20. 心理学与儿童音乐教育 21. 音乐才能的形成、结构、测试 22. 美声唱法的学派与风格 23. 歌唱的呼吸与发声 音乐学毕业论文题目(三) 1. 歌唱的共鸣与语言 2. 论儿童发展与音乐学习 3. 儿童音乐趣味的培养 4. 儿童歌唱技能的培养 5. 儿童表演技能与音乐运动觉能力的培养 6. 歌唱心理状态的重要性 7. 浅谈合唱指挥对歌词主题思想的研究 8. 歌词声韵的研究 9. 歌词形式特点的研究 10. 科学的发声状态在歌唱中的作用 11. 关于声乐作品的艺术表现 12. 真声位置在歌唱中的运用 13. 歌唱的吐字与发声 14. 哈欠状态在歌唱中的运用 15. 混合声在歌唱中的运用 16. 歌唱语言中字音之间的衔接 17. 歌唱中气息的控制与功能的发挥 18. 母音在歌唱练习中的运用 19. 混合共鸣在不同声区中的运用 20. 生活语言与歌唱语言 21. 歌唱语言的艺术特征 22. 歌唱的艺术表现对声乐作品的再创作 23. 歌唱的艺术中声与情的关系 24. 儿童的早期音乐创作能力的开发 25. 儿童音感训练的时践与方法 26. 儿童的绝对音感的训练方法 27. 歌唱与声音控制 猜你喜欢： 1. 音乐学毕业论文 2. 音乐学毕业论文范文 3. 音乐学毕业论文获奖范文 4. 音乐系毕业论文参考 5. 本科音乐专业毕业论文选题
给你个提纲：1 导语 二胡的起源 二胡的特点 历史悠久的民族乐器 演奏方便，灵活易学，易普及 表现力丰富， 但，转入正题：二胡是一个非标准音阶乐器，这就提出了一个关于二胡 音准的问题。2 关于音乐 乐音与噪音 音乐的三要素 音律 节奏 强弱 其中，音律是音乐的灵魂3 关于二胡音乐 二胡特点 重叙导语中的有关论述 重点阐明二胡音乐的美 二胡涵盖于音乐艺术，必须遵循音乐的规律，主要是音律4 二胡音准的重要性 音准是音乐属性的要求 音准更能体现二胡的特色 音准有利于增强乐曲的表现力 准音与非准音的适当对比，更能表现一些特色意境，使音乐更丰富多彩 ……5 结语
音乐毕业论文开题报告范文
在我们平凡的日常里，越来越多的事务都会使用到报告，不同种类的报告具有不同的用途。在写之前，可以先参考范文，以下是我帮大家整理的音乐毕业论文开题报告范文，欢迎大家分享。
论文题目：
古典吉他演奏中国民族音乐的实践
选题的依据和意义，研究的主要问题，拟达到的目的：
选题的依据和意义：有着悠久的历史传统中国民族音乐，是中华民族传统文化的重要组成部分。古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。被认为是吉他艺术的最高形式。古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。近年来，不少国内外的吉他演奏家都为古典吉他改编过中国民族音乐，其中不少作品取得了很高的艺术成就享誉国内外，不仅为古典吉他的曲目风格拓宽了方向，也为中国民族音乐的传播起到了积极的作用。顺应这种形式，需要总结古典吉他演奏中国民族音乐的实践，并探索其中的规律，为将更多的中国民族音乐改编为古典吉他曲和创作带有中国民族音乐特色的古典吉他曲提供参考。
研究的主要问题：
（一）中国民族音乐的特点和风格。
1、中国民族音乐的形态。
2、中国民族音乐的种类和特点。
（二）古典吉他的特点。
1、古典吉他的音色，和声等特点。
2、古典吉他的演奏技巧特点。
3、古典吉他不同民族曲目风格的列举。
（三）分析古典吉他演奏中国民族音乐的实践。
1、列举古典吉他演奏中国民族音乐的乐曲。
2、分别对乐曲改编前后的各种特点进行分析，对比，从而剖析古典吉他演奏中国民族音乐的可行性和特点。
3、依据分析探讨古典吉他演奏中国民族音乐的实践规律。
拟达到的目的：通过总结古典吉他演奏中国民族音乐的实践，并探索其中的规律，为将更多的中国民族音乐改编为古典吉他曲和创作带有中国民族音乐特色的古典吉他曲提供参考。进而促进古典吉他曲目风格的发展，并通过古典吉他演奏的中国民族音乐促进中国民族音乐的传播。
研究方法、研究步骤：
方法：
1、到图书馆或上网查询相关资料，并下载曲目和曲谱。
2、总结归纳与同学交流，并视奏相关曲目。
3、由论文指导老师指导并与同学讨论。
步骤：
1、收集与题目相关资料。
2、与论文指导老师交流进行论文写作的展开。
3、归纳总结研究结果，撰写论文。
研究工作进展计划：
20xx年3月收集论文资料，开始写初稿。
20xx年4月-5月完成论文初稿，接受中期检查。
20xx年5月修改、完成论文定稿。
20xx年6月完成论文《古典吉他演奏中国民族音乐的实践》的撰写。
一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：
音乐表演是音乐存在的活化机制，无论在任何音乐行为方式中，音乐表演都使整个音乐活动处于激活状态。表演可使作品得到介绍、传播、完善、获得长久的生命力。音乐表演的目的不是引起有声调声觉的声波运动，而是通过内在的情感动态形式的注入，引起深层心理体验，赋予无生命的形式以生命的活力，给人以人性的体验。音乐表演的二度创造，就是通过表演者对音乐的理解、投入感情，再次赋予音响的动态结构以生命的形式，即充满着丰富情态意味的音乐运动。
二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：
主要内容：
音乐是一种表演艺术，在表现方式上与非表演艺术很不相同。而音乐表演艺术则不同，他必须通过表演这个环节，才能把艺术作品传达给欣赏者，实现艺术作品的审美价值。而音乐表演中根据艺术表现的需要，使表演者的对于投入的情感能做到呼之即出，挥之即去，达到挥洒自如、变化有序的境界，真正成为音乐表演所需要的情感。他有表演的真实情感作为种子，同时它又是经过提炼，升华了的与音乐中的情感内涵融为一体的。应该说，只有这种艺术化了的情感，才是音乐表演所需要的。
主要问题：
1、什么是音乐表演艺术及意义。
2、音乐的表现与精神性内涵。
3、音乐表演的二度创造本质——情感体验。
4、音乐表演的情感体验——投情。
5、音乐表演—赋予情感以生命。
6、音乐表演中审美情感的体验。
7、对于音乐表演者的技巧与表现统一的要求。
三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：
步骤：
1、大量阅读古筝方面的文献和著作;
2、找出有价值的课题;
3、依据论题精确寻找相关资料;
4、论文撰写;
5、在老师的知道下进行修改;
6、定稿并准备论文答辩。
措施：
1、在图书馆和上网查阅相关资料文献;
2、真理原有资料;
3、请教知道老师，与同学交流探讨本论题。
进度安排：
1、XX年11月-12月初：查阅相关的资料;
2、XX年12月中旬：确定选题;
3、XX年12月底：写开题报告并准备开题答辩;
4、XX年1月-3月：开始正文协作，完成初稿;
5、XX年3月-4月：修改完善文稿;
6、XX年5月：论文答辩。
四、主要参考文献：
[1]王次沼著:《音乐美学通论》人民音乐出版社
[2]修海平,罗小平著:《音乐美学基础》上海音乐出版社
[3]苏珊郎格:《情感与形式》中国社会出版社
一、开题报告的主要内容。
通常情况下，学士学位论文的开题报告中涵盖了以下内容：拟选题目、选题依据与研究意义、选题的研究现状、拟研究的主要内容和思路、研究的创新点及重难点、研究进程安排、主要参考文献。
1.拟选题目。
拟选题目，即作者要研究的核心问题。特别需要注意的是拟选题目和研究方向不同。研究方向是选定专业中的某一领域作为研究范围，而拟选题目需要对研究范围加以限定，明确要回答的具体问题是什么。也就是说，拟选题目是在研究方向的基础上对某一问题的针对性研究。如“小学音乐课堂教学的有效性”是一个研究方向，如果在此基础上拟定论文题目的话，就要对其进行进一步的限定，如“如何以学生为主体实现音乐课堂教学的有效性---以小学三年级为例”.该论文题目与研究方向相比，加入了“以学生为主体”、“以小学三年级为例”两个限定词之后，其研究对象、研究范围通过研究要回答的问题在题目中一目了然地呈现出来。
在论文题目的选择上，“一个好的选题必须遵循两大标准：专业标准和问题标准。何谓专业标准？
即一个选题必须在该生所攻读的专业范畴之内，必须是本专业公认的研究问题。何谓问题标准？即一个选题必须是一个值得研究的好问题。”[1]彭玉生提出了“好问题”的四个评判标准：“具体、集中、原创、意义。”[2]
2.选题依据与研究意义。
选题依据陈述的核心是为什么选这个题目，出于何种考虑选择此研究对象，并说明研究对象的典型性和特殊性。研究意义可以理解为研究目的，需要说明：通过研究回答什么问题，选择什么方法展开研究，其研究对音乐实践或音乐理论有何现实指导意义。
选题依据和研究意义是从两个不同层面对论文选题展开陈述，二者不可混为一谈。实际陈述中要求做到具体、客观，具有针对性，语言表述具有密切的逻辑联系。切忌语言表达的空洞、抽象。如某音乐学专业学生的学位论文论题“浅析京剧类节目在央视春晚的生存现状”的选题依据陈述如下，较好地达到了上述要求。
京剧作为中国传统文化的精粹，蕴涵着深厚的文化底蕴和艺术内涵。京剧艺术号称“唐三千宋八百”.从1983年央视春节晚会首次举办以来，央视春晚逐渐发展成向全世界展现我国民族音乐文化的重要窗口。京剧在首届春晚中占据着举足轻重的地位，并成为历届春晚的保留节目。可是随着时间的流转，京剧在春晚节目中呈现出：时间与比例减少，剧目选择范围狭窄，演唱演员与演出方式的固定性、程式性体现不完善等发展趋向，体现了京剧在央视春晚的地位不容乐观。梅葆玖先生认为振兴京剧应在细节和实处着手。他说：“我不反对歌舞类节目多一些，以迎合80后、90后的观众。但在民族的大节日、大晚会上，就应该给国家最传统、最正规的节目一个展示的机会，哪怕在黄金时段唱10分钟也好啊”.
3.选题的研究现状。
选题的研究现状是对本论题已有的研究成果的总结、综述，即文献综述。从搜集到的资料中找出与本论题密切关联的有意义、有价值的文献资料，如论文、期刊文章、专著等进行总结、评述，其目的是让研究者在充分认识和理解前人的研究思路和研究成果的基础上，探寻和明确本论题可以进一步研究的方向，找出已有研究成果对当下研究的启迪和指导。
由此看来，文献综述是确保论题具有可行性和实际研究意义的前提，是论文质量与水平的重要保障。
要做好文献综述，不仅需要注意搜集资料的全面性、完整性，更要把握其中的“综”与“述”的关系。
文献综述中的常见问题是对搜集到的所有资料进行记“流水账式”的面面俱到的记录，缺乏对资料的判断、筛选和大胆评论。需要明确的是：“综”是对已有的研究成果有目的、有层次的归纳整理，“述”是对归纳整理的文献进行大胆、深入的评述。“综”是“述”的前提，“述”是在“综”基础上的提升。“述”可以是肯定的，也可以是否定的，要做到有理有据，切忌无话找话，流于形式。
4.研究的'主要内容和思路。
拟研究的主要内容和思路是在继承前人的已有研究成果的基础上，陈述研究者计划从哪些方面对此问题进行研究，如何展开研究，具体步骤是什么。
当研究者对以上问题有了清晰的把握，并通过文献综述明确了前人已有研究成果，那么，拟研究的主要内容和思路将在论题的逻辑推理过程中清晰、具体的展现出来。
从形式上来说，开题报告中拟研究的内容是研究问题的具体化，而论文提纲是研究内容最为直观的陈述方式。“撰写提纲是作者思路定型的过程，是作者对全文的总设计，是作者思路外部形态的一种体现。”[3]89通常情况下，论文提纲包含：标题与副标题、中心论点、分论点、层次段落与所用的材料。提纲的常见形式有：简略提纲和详细提纲。在开题报告的“拟研究的主要内容”这一环节中，建议以详细提纲的形式进行陈述。内容详实的论文提纲有助于研究者明确思路、贯通文脉；有助于开题过程中指导教师全面了解研究者的思路，并提出合理建议。
5.研究的创新点及重难点。
创新点是衡量一篇论文学术含量和水平的重要因素。“从内容上看，创新性的音乐论文应该是在所研究的课题范围内对某些旧观念的否定，并提出新的见解，在实地调查和分析的基础上有新的发现和新的进展，并能把一些分散的材料进行系统化处理，用新的观点、新的见解加以论证而得出新的结论。”[3]35简单说来，创新点的陈述突出的是与前人的研究相比，研究者用什么方法，从什么切入点，或使用什么论据进行研究得出结论。相对于硕士或博士论文，学士学位论文对创新性的要求较低。特别是结论的创新对本科阶段的学生较难，但研究方法、研究思路、论据等某一个方面的创新，在论文写作过程中是可以实现的。
研究的重点、难点是与研究者的研究思路、拟研究的主要问题密切相关的，研究者在明确研究思路和具体研究内容的基础上，根据本人对论题的认识和把握，找到个人思路中的重点、难点，并进行详细的陈述。
6.研究进程安排。
对于本科阶段的学位论文，研究进程设计的主要目的是让学生从时间上明确论文工作的整体安排，促进学生在时间和精力上有足够的投入，以确保学位论文顺利完成。
7.主要参考文献。
参考文献是衡量一个论题学术价值的重要因素，也是考查论题选题依据、研究意义、研究内容、创新性的重要依据。没有参考文献或参考文献不全的开题报告犹如无源之水，既无法对论题的可行性做出推理分析，也无法在继承前人研究基础上推动对论题的研究。开题报告中参考文献的呈现应特别注意各个学校对其格式、形式的具体要求。
二、各项内容之间的逻辑关系。
在清楚了开题报告的基本内容之后，还需要明确各项内容之间的逻辑关系。开题报告中的七项主要内容中，除研究进程安排、主要参考文献以外，其他五项内容：拟选题目、选题依据与研究意义、选题的研究现状、拟研究的主要内容和思路、研究的创新点及重难点存在着内在逻辑关系。
拟选题目，也就是论题，处于内在逻辑关系的中心，选题依据与研究意义是研究者对论题的典型性、特殊性及研究目的的把握，选题的研究现状是研究者对前人研究成果的总结、评述，拟研究的主要内容和思路是研究者在继承前人研究成果的基础上对论题的进一步深入研究，创新点和重难点是深入研究的具体呈现。在选题的研究现状与选题依据、研究意义、主要内容和思路的对比中，才能突显和说明研究者的创新。反之，研究者只有在全面搜集资料和掌握、借鉴前人已有研究成果的基础上，才可能在自己的研究中有所突破和创新，并形成研究内容中的重难点。
对开题报告各项内容的内在逻辑关系的把握，有助于学生在开题报告的写作中建立逻辑思维，用整体的观念对待开题报告。
以上是笔者根据近几年的《论文写作》课程教学实践积累，对音乐学专业学士学位论文开题报告的一点思考。当然，要写好开题报告，除了建立对开题报告内容及其逻辑关系的正确认识之外，还需要教师和学生在思想上高度重视开题报告的撰写，在学生的写与教师的改中，伴随着整个学士学位论文工作的展开不断修改、完善，真正实现开题报告对学士学位论文写作的意义。
参考文献：
[1]傅利民。音乐论文写作基础[M].上海：上海音乐学院出版社，2004.
[2]陈明道。音乐学：历史、文献与写作[M].北京：人民音乐出版社，2004.
[3]李虻，姚兰。音乐论文写作[M].重庆：西南师范大学出版社，2007.
跟我说说具体情况
1903年10月18日，在北京创办军乐队的英国人赫德写信说，其乐队中的第一单簧管演奏者，一位很有前途的青年被保定的军乐队以四倍高薪聘走，这说明中国人演奏单簧管至今已有100多年的历史。[1] 1922年10月，北京大学音乐传习所成立后，单簧管演奏家穆志清先生曾前往任教。[2]经数十年的努力，到20世纪下半叶，我国单簧管艺术得到迅速发展，取得了令人瞩目的成绩。不但有一些演奏家在国际比赛中获奖，①单簧管作品也在国际比赛中夺冠。②从60年代初起，国人开展了对单簧管艺术的研究，在报刊上发表了不少文章。笔者通过搜集、整理这些文献，回顾了单簧管艺术在我国发展的历史，也发现了一些问题。为促进单簧管艺术在我国发展，不揣冒昧草成此文，希望得到大家的批评指正。 一、 历史文献――从无到有，渐入佳境 笔者在1962年至2004年的我国大陆各类报刊上共搜集到77篇有关的单簧管文献，根据内容可分为作品介绍与分析、演奏技巧与教学、单簧管艺术史、乐器制造与技术四类，各类篇数及所占比例见下表。 在属于作品介绍与分析的11篇文章中，8篇介绍欧洲古典作品，只有3篇介绍中国作品。单簧管演奏界的老前辈张仁富先生在他不足700字的短文《简评三首单簧管独奏曲》中介绍了《苏北调变奏曲》（张梧编曲）、《回旋曲》（辛沪光作曲）和《抒情曲》（杨庶正作曲），指出单簧管演奏技术已有惊人的发展，“希望作曲家和演奏家之间更好建立创作上的友谊和联系，同时进行大胆创作”。[3]席伟泷先生在介绍陈其钢的一首单簧管独奏曲时说：“《晨歌》在旋律风格上保持了中国民族传统音乐的某些调式调性因素，并在此基础上有所创新，形成了独特的旋律发展手法，使得音乐清新、明快且富有生气。还在乐器的性能上做文章，极大地发挥了单簧管与钢琴的表现特色。”他认为《晨歌》对我们有所启迪，其创作手法可以“运用于类似的现代音乐作品，尤其是具有中国民族风格的现代音乐作品中”。[4] 研究演奏技术的文献共36篇，占总数的46%。20世纪后半叶，国外的单簧管演奏家们已探索和介绍了循环换气、双吐、复音、颤音、滑音等新技法，但在上述36篇文章中，除刘波编译的《单簧管新音响》[5] 介绍复音演奏法、韦郁佩译的《复吐音与单簧管乐器》[6]（注）2篇文章外，其他文章都没有触及任何新技法，只是介绍呼吸、运指、舌奏等最基本的技法。 在第三类文献中，李华山先生的《单簧管艺术史》较全面地介绍了单簧管艺术在西方的发展，这篇文章不仅介绍了乐器制造工艺的发展、作曲家对它的运用，还评价了各个历史时期的主要作品。作者还特别提及了我国作曲家胡壁精的单簧管协奏曲《帕米尔之音》，指出它“很有特色，旋律很美，是一首很好的、受人喜爱的单簧管独奏作品”。[6] 在研究乐器制造与技术的16文献中，席伟泷、姜存发的《单簧管哨片研究》最突出，其研究方法达到了相当高的水准。文中通过电子显微镜拍摄的哨片纵断面照片和对演奏效果频谱的测试数据，证明芦竹经过防腐处理后制成的哨片音色更纯正、寿命也更长。作者还指出：浙江萧山和安徽凤阳出产的芦竹质量很好，但当地无人从事种植。[7] 这些文献按年代分期的结果如表二所示： 张仁富的短文《简评三首单簧管独奏曲》不仅是在20世纪60年代发表的唯一的文章，也是上个世纪发表的唯一介绍中国作品的文章。10年之中只有一篇文章发表出来，说明那时单簧管艺术在我国尚处在起步阶段，演奏技术与教学、艺术史、乐器制造与技术方面的研究尚未开展起来。 70年代比60年代有所进步，发表的6篇文章中，除了一篇译文谈论演奏技法，其余5篇都是谈乐器制造与技术的，主要探讨如何制造哨片、嘴子等部件。因为当时正处在“xxxxx”时期，几乎不可能对单簧管作品进行介绍与分析，更没有条件研究单簧管艺术史，所以在这两方面“交白卷”并不奇怪。这一时期发表的文章总数已比60年代增加了许多，说明通过单簧管演奏家和制造家的努力，单簧管艺术这一时期在我国还是有所发展的。 随着改革开放，单簧管艺术也迎来了春天。8 0年代共发表24篇文献，是70年代的4倍。其中5篇有关单簧管艺术史论文的发表，填补了我国在这方面的学术空白。在80年代发表的论文中有11篇研究演奏技术与教学的内容，占论文总数的45%以上，而且从数量上超90年代。其中大部分文章介绍呼吸、运指、舌奏等最基本的技法，说明当时大家比较注重基本演奏技法的探讨和教学。有关乐器制造与技术论文的数量比70年代也有所增加；但作品介绍与分析方面的论文数量和60年代相比却没有增加。 从表面看来，90年代发表的论文总数低于80年代，除作品介绍与分析方面的论文数量有所增加之外，其他类别的论文数量都有所下降，如乐器制造与技术方面的论文从7篇减到了2 篇。但这一时期的论文质量却比80年代有大幅度的提高。如前面提到的《单簧管哨片研究》一文便是90年代发表的，这篇文章的学术价值较高，引起国内外音乐学界的广泛注意。作品介绍与分析文献的从80年代的一篇增加到4篇，但其中没有一篇介绍中国作品，这是一个缺憾。 在21世纪的头4年中发表的论文数量不但超过20世纪90年代，也超过了上世纪发表论文最多的80年代。探讨演奏技法与教学方面的论文所占比例达到了55%以上，说明这是大家的关注的热点。可以预计，21世纪的头10年，单簧管文献发表的数量会达到历史最高点，如何在数量增加的同时保证和提高文章的质量是我们面临的问题。 二、 学科发展――植根传统，放眼世界 我国单簧管艺术在20世纪80年代之后发展很快，研究领域不断拓宽，令人鼓舞。但笔者通过阅读文献看出，我们在单簧管学术研究方面也存在着一些问题，如果不能及时解决，势必会影响单簧管艺术在我国的发展。 任何一门艺术在一个国家、一个民族中的发展都不可能脱离她的传统文化土壤。卞萌在《中国钢琴文化之形成与发展》一书中认为：近百年来钢琴艺术之所以能够在中国得到迅速的发展和茁壮成长，是因为中国人民把外来的“钢琴文化这一种子，播种在自己独特的民族传统文化的土壤里。”[8]要促进单簧管艺术在我国的发展，我们也必须把它播种在我国传统文化、特别是传统音乐文化的土壤之中，然而在20世纪，我们在这一方面做得相当不够。为了在21世纪把单簧管艺术植根在我国传统文化的土壤中，我们必须做大力提倡创作、推广中国作品，学习传统音乐，及时总结经验，并尽快建立我国的单簧管教学体系。 我国钢琴界的老前辈胡伯亮教授在谈到建立中国钢琴学派这个重要问题时曾经指出：“要多多写出为中国人所接受、所欢迎的好作品来”。卞萌则认为：“有了优秀的中国作品，才能有自己的钢琴演奏方面的中国特点，才能建立起自己独特的演奏特色来，否则建立中国钢琴学派就是一句空话”。[9]虽然50多年前，张仁富先生就希望作曲家和单簧管演奏家建立创作上的友谊和联系，中国作曲家也为单簧管创作了不少作品。(13( 已发表的单簧管文献中几乎只介绍和分析外国作品，很少介绍我国作品的现象，反映出演奏家们对中国作品兴趣不大的事实。与外国经典作品相比，现有的中国作品可能存在这样那样的问题，在写作技巧方面亦可能不够成熟。但演奏家们应当积极支持和鼓励我国作曲家在这方面进行尝试和努力，更应大力提倡演奏中国作品，促使更多更好的中国作品问世，只有积累一定数量的中国作品，单簧管艺术才有可能在我国得到进一步的发展。张仁富先生在半个世纪前提出的建议，至今仍有极其重要的现实意义，演奏家急需增强与作曲家的友谊和合作，为能有好作品问世创造条件。 由于单簧管是外来乐器，所以有不少人认为学单簧管的人只要学好西方人的技巧就可以了，他们不需要也没有必要学习我国的传统音乐，而在我国传统音乐中也没有什么可以供他们学习和参考的技术与方法。事实证明这种观点是完全错误的。 众所周知，20世纪后半叶单簧管演奏技法在西方有了很大的发展，而其中一些技法（如循环换气法）则是从东方学习到的。据王汉华先生研究：“最早使用循环换气法的当属我国的唢呐艺人。50年代初，我国笛子演奏家赵松庭成功地将这一技巧运用于笛子。国外的一些管乐演奏家也竞相学之，获得了一定的成功。”[10] 王汉华的文章早在1983年就发表了，而且那时,唢呐、笛子等民族乐器演奏家已经普遍掌握了这种方法，但我国大多数单簧管演奏家对它几乎全然不知。直到1998年，由国际单簧管协会（ICA）主办的单簧管艺术节在北京举行，当该协会主席斯普瑞博士（Dr.Robert-Spring）用这种源于中国的“新技法”演奏罗西尼的《引子、主题与变奏》时，我国的许多演奏家才第一次听到它的实际演奏，有的与会者甚至感慨地说：“这种方法我们过去连想都没敢想过！”。如果在50年代，能有一位单簧管演奏家不耻下问，向民间艺人或民族管乐器演奏家学习，我们可能早就掌握了这种技法，外国人则要来向我们学习这种方法了。循环换气法的“出口转内销”说明我们在努力学习国外先进经验、扩大与国外同行交流的同时，忽视了对本民族传统音乐、传统演奏技法的学习，也没有重视与国内民乐界同行的交流。如果我们在这一方面不能有所改进，单簧管艺术就永远不可能在我国传统音乐文化的土壤中植根，永远不可能在中国得到长足的发展。 目前，我国民族管乐界经过长期研究和实践，根据原来只用在长音上的循环换气法原理，发明了在吐音上应用循环换气法的方法，并已经在竹笛和唢呐等乐器上运用和推广。我们应当尽快地向他们学会这种换气法，不要让它再来一次“出口转内销”。 因为发展单簧管艺术，必须借鉴国外的经验，所以介绍单簧管在欧洲发展的历史是必要的，但更应当总结我们自己的经验。这包括了总结单簧管在我国发展的历史和总结我国制造单簧管的历史经验两方面的内容。现在，学生们还能从老师那里听到一些单簧管艺术在中国的早期发展史，如果我们如果不开展这项研究，把“口传”的记录下来，再过十几年，补写这段历史都将成为不可能的事。一种乐器在一个国家的发展，与该国制造此种乐器能力、规模和技术都有密切关系。钢琴和小提琴艺术在我国的迅速发展如果没有制造业的发展和制造技术的提高是不可想象的。目前单簧管制造及其技术的研究在我国是一个十分薄弱环节，我们应当加强这方面的研究，及时总结已有的经验，才能对单簧管艺术在我国的发展有所促进。 1980年，国际著名单簧管演奏家唐纳尔德?韦斯特莱克先生应邀访问我国时曾经认为“中国的语言很美,充分具备形成一个引人注目的中国单簧管学派的基本条件",他还预言中国“必将培养出震惊世界乐坛的艺术大师”。[12] 建立具有中国特色的单簧管学派应当是我国单簧管界的一个远大的目标，为了实现这一目标，必须建立起中国独特的教学体系。因为教学是发展器乐艺术的中心环节，如果不对教学进行研究，教学质量不可能提高，后继乏人，根本就谈不上发展，更没有可能去建立学派了。据统计，仅在1979年到1990年间，中国钢琴界便发表了80多篇有关钢琴教学的论文，[11]理论研究的深度和广度极大地促进了钢琴教学的发展，为我国选手攀登世界钢琴艺术的高峰和建立我国特有的钢琴学派打下了坚实基础。在涉及演奏技术与教学的单簧管文献中介绍演奏技术的多，讨论教学问题的少。加强对单簧管教学的研究是我们面临的一项重要任务。 在21世纪，我们如果能够将单簧管艺术植根于有数千年历史的民族文化土壤中，建立具有中国特色的单簧管学派的伟大目标一定能够实现。 参考文献 [1] 陶亚兵《中西音乐文化交流史稿》［M］，中国大百科全书出版社，1994，第210页。 [2]汪毓和《中国近现代音乐史》（第二次修订板）［M］，人民音乐出版社，2002，第95页。 [3] 张仁富《简评三首单簧管独奏曲》［J］，《人民音乐》，1962年9期第10页；席伟泷、陈其钢的《单簧管曲晨歌》［J］，《交响》2001年9期。 [4] 尼・拉姆齐《复吐音与单簧管乐器》［J］，《外国音乐参考资料》，1983年4―5期第183页；《单簧管新音响》［J］，《黄钟》，1991年第1期。 [5] 李华山《单簧管艺术史》［J］，《齐鲁艺苑》，1987年第1期第45页。 [6] 席伟泷、姜存发《单簧管哨片研究》［J］，《黄钟》，1991年第2期。 [7]张仁富《简评三首单簧管独奏曲》［J］，《人民音乐》，1962年第9期第10页。 [8]席伟泷、陈其钢的单簧管曲《晨歌》［J］，《交响》，2001年第9期。 [9] 王汉华《“音不间断换气法”在管乐演奏中的运用》［J］《音乐艺术》，1983年第3期第50―53页。 [10]王端玮《与单簧管专家威斯特莱克的一席谈》［J］，《音乐艺术》，1982年第1期第81页。 邸晓嫣 杭州师范学院音乐艺术学院讲师 （责任编辑 张宁）
一、在小学音乐教学中，采用对比法教学，可以让学生明白音乐的表现力，增强对音乐重要性的认识 小学音乐教学中，一味的说教音乐有多么的重要，学生是难以理解和接受的，采用对比法教学效果就会比较好。比如在上音乐欣赏课《彼得与狼》时，可以先导入动画片《猫和老鼠》中的一小段，第一种播放法是没有声音的画面，第二种是有声音的画面，让学生在看完以后说说他们a的感受。很多学生会争着说，画面配上了声音看起来就有趣而生动，把滑稽的猫、机灵顽皮的老鼠表现得淋漓尽致，而没有声音的动画片虽然也表现出猫和老鼠的性格特征，但是不够生动有趣。这时可以进一步引导学生加深对音乐的表现力的认识就能达到较好的教学效果。学生们会认识到不同的乐器可以生动地表现出不同的音乐形象，进而加深对音乐表现力的初步认识。在接下来的教学过程中，可以达到让学生的体验更深刻，为上好《彼得与狼》打好铺垫。 二、采用视听结合法，以吸引学生的注意力，感受音乐的情绪，了解音乐对不同角色的表现力 在上音乐欣赏课时，只是单纯的依靠学生认真听音乐，教师讲解，学生的注意力是坚持不了多长时间的。采用视听结合法进行教学，把学生的联想进一步深化到具体形象，再应用一些辅助手段，就可以帮助学生集中注意力。在上欣赏课交响童话《彼得与狼》时，就可以应用视听结合的方法。首先播放卡通片《彼得与狼》，要求学生认真听每个角色出场时的音乐，感受不同的音乐情绪，了解卡通片中都出现了那些角色。这样使学生对整首曲子有个完整的印象，对故事情节有一定的了解。学生从头到尾都会看得津津有味，这时问到卡通片中都有哪些角色时，学生一般都能踊跃举手回答问题。 三、采用视听结合法，重在帮助学生掌握重点，突破难点 上欣赏课《彼得与狼》时，可以将片中的每个角色出场时的音乐片段剪切下来，同时配上该片段的演奏乐器，重点将学生的注意力吸引到塑造每一个音乐形象时的主旋律上来，并带领学生配和着音乐片段逐个认识塑造每个音乐形象的乐器的名称、类别、音色，以及该片段音乐的情绪、每个角色的性格特点等等。在此基础上，还可以通过 “对号入座”的游戏，测试学生的听力，帮助学生掌握重点、突破难点，让学生进一步提高听辨每个音乐形象主旋律、乐器音色的能力。 四、引导学生的联想和想象力，激发学生的创造力和表现力，提高对音乐的欣赏能力 在《彼得与狼》这一欣赏课中，一般主要采用多媒体教学，虽然可以很好地吸引学生的注意力，但也有一些不足之处。如在播放了卡通片《彼得与狼》后，它会局限学生的思维能力，使学生创新不足，只停留在简单的模仿阶段。此时需要教师拓展学生的思维能力，为学生在生活体验和欣赏音乐之间架起联想和想象的桥梁。在角色表演的环节中，学生都会积极参与，如在播放“彼得”出场时的音乐时，上来表演的学生都只是模仿卡通片中彼得的动作，表演成了简单的模仿。这时，就要采用多种方式，引导学生的想象和联想空间。比如可以对表演的学生说，你表演的彼得是卡通片中的彼得，模仿的非常的好，假如现在老师是导演，要拍一部新的《彼得与狼》，请你们演其中的角色，你会怎么演呢？不要模仿，要有自己的风格。就这样，再次播放音乐时，学生们都会发挥他们充满童趣的联想和想象力，会把他们心中不同的彼得都充分表现出来：有背着书包蹦蹦跳跳的，有踏着滑板车飞奔而来的，还有跳着街舞出场的，等等。在接下来表演其他角色时，就已经打破了开始的思维模式，学生的创新能力大为提高，音乐的领悟能力也得到进一步增强。这时问同学们有什么收获？学生们都能从不同的方面和角度纷纷表达自己的收获：有的说，我认识了小提琴、长笛、单簧管、双簧管等乐器和他们的音色；有的说，我要学习彼得遇事要冷静、机智勇敢地克服困难；还有的说，以前我没有觉得音乐有那么美妙，乐器有那么强的表现力，等等。是的，音乐是美妙的，美妙的音乐需要我们音乐教师在可爱的小学生的心中播下学会欣赏音乐的种子，美化学生们的心灵，健全学生们的身心。