《蒙娜丽莎》美学价值在于它在文艺复兴时期充分的体现了人文主义的思想。《蒙娜丽莎》表现了时代的巨大思想蕴含和艺术造诣的惊人深度,因而几个世纪以来,人们对它永恒的魅力怀有持续不减的热情。达·芬奇用他的“蒙娜丽莎”,展示了那个伟大时代的人们新的精神风貌,揭示了人们对新生活的向往、乐观与自信。同时,也表达了他对解脱神的枷锁后的人以及人的美的热情赞颂.蒙娜丽莎的微笑,使这一人物形象具有了无限深广的意境。无论是其自身的和谐的诗意,还是其深厚广博的社会学、历史学涵义,都达到了无与伦比的高度。从这一点来说,蒙娜丽莎的微笑也是一曲千古绝唱。
艺术特色：
1、在构图上，达·芬奇为了加强对人物时代特征，打破了打破了传统的构图方式，突破了对女性的刻画到了腹部。
2、达·芬奇在《蒙娜丽莎》绘画中，成功地运用了“渐隐法”绘画技法。“蒙娜丽莎”人物形象，与背景界限不太明晰，人物轮廓不那么明确，仿佛融人背景之中。
3、画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容，眉宇间透出内心的欢愉。画家以高超的绘画技巧，表现了这位女性脸上掠过的微笑，特别是微翘的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜丽莎的笑容平静安祥而又意味深长。
历史意义：
达芬奇用他的《蒙娜丽莎》展现了那个伟大时代人们新的精神面貌，揭示了人们对新生活的向往、乐观和自信。
同时，它也表达了他对解放上帝束缚后人民之美的热烈赞扬。蒙娜丽莎的微笑给了这个人物一个无限而深刻的意境。
无论是自身的和谐诗歌，还是其深刻而广泛的社会学和历史意蕴，都达到了前所未有的高度。
扩展资料：
创作背景：
《蒙娜丽莎的微笑》创作于1503年，那时已经进入文艺复兴的鼎盛时期了。
那时欧洲中世纪哲学思想是以基督教为基础的，提倡禁欲主义，君权神授。而文艺复兴则是一种思想上，人性上的解放，摆脱宗教思想的控制，主张以人为本，重拾人自身的意义与价值。
《蒙娜丽莎的微笑》的表情，像东方佛教中佛陀的表情一样，是非凡人所能做出来的。"蒙娜丽莎"不是因为了什么而微笑，她只是静静地在那，脸上是自然地出现的一种永恒的、无所谓表情的表情。
《蒙娜丽莎的微笑》的美学意义，主要在于人物形象焕发出的人性的光辉;而在这之前，即使是人的形象，也带有或多或少的宗教气息。的表情，像东方佛教中佛陀的表情一样，是非凡人所能做出来的。
"蒙娜丽莎"不是因为了什么而微笑，她只是静静地在那，脸上是自然地出现的一种永恒的、无所谓表情的表情。
参考资料来源：百度百科-蒙娜丽莎的微笑
作品鉴赏：
《蒙娜丽莎》的姿势，已经升华为一种神圣的符号，它不仅仅是艺术规律问题，不仅仅是对文艺复兴人文思想粗糙大潮的冲击，而是心灵回归者、觉醒者心中的一个崇高细致理想的显现。
《蒙娜丽莎》具有另一种难以说明的象征意义，如佛的坐势、站势、讲道姿势，菩萨的动势，基督的几种象征性姿势：
如两手摊开，一手持十字，一手指天，这有某种非世俗的意味，不是做作，而是不得不是如此，是最不自然最自然，最不简单最简单，最轻松最沉甸甸的样式，你无法赞美它，又无法挑剔它，它就是这样，原始的样子，人们只能沉醉其中，而不能有条理地褒贬它。
一切欺与神秘都集中在《蒙娜丽莎》身上，而令人们产生一种畏惧。《蒙娜丽莎》是一个精力充沛的形象，在该幅作品面前，不能说她是女人肖像，她穿越一切无所不见、又视而不见的空洞目光，想躲避是办不到的，而想迎接那目光同样也是枉然。
奇异的前额，广阔得失去了一个平凡人的味道，弥漫在脸上的那种神奇表情，似笑、非笑使人们无法相信这是一张现实的脸，而它的存在，又无法使人们的怀疑进行得彻底。《蒙娜丽莎》的表情，像东方佛教中佛陀的表情一样，是非凡人所能做出来的。
“蒙娜丽莎”不是因为了什么而微笑，她只是静静地在那，脸上是自然地出现的一种永恒的、无所谓表情的表情。《蒙娜丽莎》的美学意义，主要在于人物形象焕发出的人性的光辉；而在这之前，即使是人的形象，也带有或多或少的宗教气息。
扩展资料：
创作背景：
1、人文背景
文艺复兴是盛行于14世纪到17世纪的一场欧洲思想文化运动。在中世纪晚期发源于佛罗伦萨，后扩展至欧洲各国。欧洲源自对基督教统治下中世纪的批判，产生了世俗价值观念。
人的观念在达·芬奇等艺术家的观念里居于核心的地位，《蒙娜丽莎》也展现了神性和人性的光辉，肯定了人从自然状态脱离而存在的意义。
2、草稿背景
在《蒙娜丽莎》创作之前，就有一幅，《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》油画：《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》出自达·芬奇，其创作时间远远早于《蒙娜丽莎》油画作品。
《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》绘画，人物的面色清新红润，不沾岁月痕迹，有着与蒙娜丽莎非常相似的长相、服饰、手势和神秘笑容，只是更为年轻。有专家还曾利用碳定年法对《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》进行了测定，结果显示，该幅画创作于15世纪。
3、创作过程
《蒙娜丽莎》油画：该作品经过了四个创作阶段：第一层，是一幅对未知对象的肖像草稿，从轮廓可以看出，有较大的头、鼻、双手和较小的嘴唇；在第二层里，达·芬奇用一幅《佩戴珍珠发饰的肖像画》覆盖了最初的草稿。
第三层，是1503年创作的《丽莎·格拉迪尼肖像》，帕斯卡认为这才是蒙娜丽莎的原貌，也是他所认为的“另一幅女人的画像”。画中的蒙娜丽莎眼睛看向左边，面带微笑，这是当时标准的肖像画模样。第四层，是《蒙娜丽莎》油画作品：脸微微向右转了过来，就连目光也是向右的。
《蒙娜丽莎》创作时间，大约从1503年至1506年。该幅画创作于达·芬奇人生的转折点，即从服务了17年的米兰斯佛扎宫廷，回到了佛罗伦斯。很有可能在那段时间里，达·芬奇赢得了政治家马基维利的支持，他主要从事军事工程，利用业余时间创作绘画作品。达·芬奇画完《蒙娜丽莎》之后，便投入到了亚诺河改造计划。
参考资料来源：百度百科-蒙娜丽莎的微笑
《蒙娜丽莎》是意大利著名画家达.芬奇在1503年到1507年间创作的，它代表达.芬奇的最高艺术成就。成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。 画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
呵呵 可以直接选择一个方面写 我原来就是这样写的……一下例文 祝你好运蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》 。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。蒙娜丽莎的手也被称为世界上最美丽的手。但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举办“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。关于《蒙娜丽莎》还有一个传说。公元前817年，古埃及有一个叫哈歌布苏的女祭祀，非常美丽，可以预测未来。她为了给法老祈福并获得永生，她自愿被做成木乃伊，葬在胡夫金字塔的石棺中。2003年，考古队开启了她的石棺，可里面什么也没有！他们还发现，墓室墙上的古老文字，是女祭祀给自己留下的预言：她在300年后会复活，然后会有一个来自芬奇镇的画家莱昂纳多把她的微笑画下来，难道这正是达·芬奇画中的蒙娜丽莎？！这种说法很离奇，但愿在不久的将来，真相会让我们释怀。这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟,《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。
艺术特色：
1、在构图上，达·芬奇为了加强对人物时代特征，打破了打破了传统的构图方式，突破了对女性的刻画到了腹部。
2、达·芬奇在《蒙娜丽莎》绘画中，成功地运用了“渐隐法”绘画技法。“蒙娜丽莎”人物形象，与背景界限不太明晰，人物轮廓不那么明确，仿佛融人背景之中。
3、画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容，眉宇间透出内心的欢愉。画家以高超的绘画技巧，表现了这位女性脸上掠过的微笑，特别是微翘的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜丽莎的笑容平静安祥而又意味深长。
历史意义：
达芬奇用他的《蒙娜丽莎》展现了那个伟大时代人们新的精神面貌，揭示了人们对新生活的向往、乐观和自信。
同时，它也表达了他对解放上帝束缚后人民之美的热烈赞扬。蒙娜丽莎的微笑给了这个人物一个无限而深刻的意境。
无论是自身的和谐诗歌，还是其深刻而广泛的社会学和历史意蕴，都达到了前所未有的高度。
扩展资料：
创作背景：
《蒙娜丽莎的微笑》创作于1503年，那时已经进入文艺复兴的鼎盛时期了。
那时欧洲中世纪哲学思想是以基督教为基础的，提倡禁欲主义，君权神授。而文艺复兴则是一种思想上，人性上的解放，摆脱宗教思想的控制，主张以人为本，重拾人自身的意义与价值。
《蒙娜丽莎的微笑》的表情，像东方佛教中佛陀的表情一样，是非凡人所能做出来的。"蒙娜丽莎"不是因为了什么而微笑，她只是静静地在那，脸上是自然地出现的一种永恒的、无所谓表情的表情。
《蒙娜丽莎的微笑》的美学意义，主要在于人物形象焕发出的人性的光辉;而在这之前，即使是人的形象，也带有或多或少的宗教气息。的表情，像东方佛教中佛陀的表情一样，是非凡人所能做出来的。
"蒙娜丽莎"不是因为了什么而微笑，她只是静静地在那，脸上是自然地出现的一种永恒的、无所谓表情的表情。
参考资料来源：百度百科-蒙娜丽莎的微笑
《蒙娜丽莎》是意大利著名画家达.芬奇在1503年到1507年间创作的，它代表达.芬奇的最高艺术成就。成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。除了微笑之外，就此幅画来说，更重要的是表达了达.芬奇作画时的情感及所处的社会背景。首先是微笑的神秘，有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达?芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。绘画作为一种重要的艺术形式，它的主要特点表现在它是通过可以直接看见艺术形象这一点比一般的文字艺术更易于被观众接受，但它又有只能表现一个相对静止的瞬间的局限性，优秀的绘画作品善于选择人物或者事件最富有概括性和表现力的瞬间，使这固定不变的瞬间展现出可以穿越时空的美，散发永恒的魅力。达。芬奇就是敏锐地抓住蒙娜丽莎一刹那间微笑的表情描绘出她坦然的神态。你看她那轻盈的微笑，这种非人工所为的线条和韵味，让人不由的想起“风乍起，吹皱一池春水”的诗句来。达.芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达?芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图,透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。在作画时，勾起了达?芬奇对生母阿尔别的回忆，似乎从丽莎的身影中看到生母的形象，丽莎成了阿尔别拉的神秘化身。因此，大师在画丽莎时，是用真诚而纯洁的情感去描绘的，他用对母亲和情人的双重情感来尽情描绘此人的肖像。不仅如此，他还把她作为一种理想，一种美的象征，作为人类世界的欢乐和光明来描绘，他要把自己的美感和体验，用画笔传达给所有的人。文艺复兴的到来使神从神坛上走下来，成为有血有肉、有情有欲的人。达.芬奇是处于欧州文艺复兴时期，文艺复兴之前是宗教统治时代。西欧人经历了一千多年残酷蒙昧的封建统治和基督教禁欲主义的精神摧残，早已丧失了思想自由和幸福生活的权利。现实生活的一切喜怒哀乐都被视为触犯上帝的天条。所以在中世纪的画像中，圣母，耶稣也好，普通人也好，总是那样呆板，僵硬，面部毫无表情。直到文艺复兴时代的到来，一切才发生了变化，使丧失已久的笑容又回到人间，特别是回到获得解放的妇女们的脸上。那笑容里充满着新时代新人物的自信和乐观，洋溢着他们对未来，对真善美的渴望。达.芬奇是意大利文艺复兴美术最杰出的代表人物，也是整个欧洲文艺复兴运动最重要的代表人物之一。恩格斯在赞扬文艺复兴时代的“巨人”时列举的第一个就是他。他作为与时代休戚相关的艺术家，敏锐地感受到这一点，并天才地表现了这一点。他一扫过去肖像话上那郁郁寡欢，象幽灵一般的阴影，绘出了自由明朗的笑容。他用艺术形象向欧洲中世纪压抑人性的神学统治和禁欲主义宣布：人从禁欲主义小解放出来，它不再是徒有形质，没有七情六欲的模具，人能够向人微笑了！所以，《蒙娜丽莎》具有了强烈的时代精神，蒙娜丽莎的微笑不仅成为这幅肖像画的重要特征，而且成为文艺复兴时期女性美的典型，生动地体现了一个新时代的精神美。《蒙娜丽莎》如亮丽的玫瑰刺破了午夜的黑暗与沉寂，过人们的心注入一缕芬芳与希望，成为画家可以放开手脚倾心颂扬真善美的象征，成为西欧人结束了漫长中世纪痛苦生活的标志，如恩格斯所说“这是人经受煎熬而取得的最伟大的进步的转折点。”这正是《蒙娜丽莎》历史意义所在。
笑原来也可以这么“神”的！
呵呵 可以直接选择一个方面写 我原来就是这样写的……一下例文 祝你好运蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》 。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。蒙娜丽莎的手也被称为世界上最美丽的手。但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举办“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。关于《蒙娜丽莎》还有一个传说。公元前817年，古埃及有一个叫哈歌布苏的女祭祀，非常美丽，可以预测未来。她为了给法老祈福并获得永生，她自愿被做成木乃伊，葬在胡夫金字塔的石棺中。2003年，考古队开启了她的石棺，可里面什么也没有！他们还发现，墓室墙上的古老文字，是女祭祀给自己留下的预言：她在300年后会复活，然后会有一个来自芬奇镇的画家莱昂纳多把她的微笑画下来，难道这正是达·芬奇画中的蒙娜丽莎？！这种说法很离奇，但愿在不久的将来，真相会让我们释怀。这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟,《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。
如果你是自己毕业用最好自己写。
我觉得先一个大范围概括再知集中一个人的辉煌成就来突出会好点。本人比较喜欢达芬奇，因为他的作品给我一中神秘感，希望能帮到你。 （概括） 首先，是人的发现。在中世纪，理想的人应该是自卑、消极、无所作为的，人在世界上的意义不足称道。文艺复兴发现了人和人的伟大，肯定了人的价值和创造力，提出人要获得解放，个性应该自由。(1)重视人的价值，要求发挥人的聪明才智及创造性潜力，反对消极的无所作为的人生态度，提倡积极冒险精神。(2)重视现世生活，藐视关于来世或天堂的虚无飘渺的神话，因而追求物质幸福及肉欲上的满足，反对宗教禁欲主义。在文学艺术上要求表达人的感情，反对虚伪和矫揉造作。如：彼特拉克的《歌集》，薄伽丘的《十日谈》。(3)重视科学实验，反对先验论；强调运用人的理智，反对盲从；要求发展个性，反对禁锢人性；在道德观念上要求放纵，反对自我克制；提倡“公民道德”，认为事业成功及发家致富是道德行为。(4)提倡乐观主义的人生态度。这些不可抑制的求知欲和追根究底的探求精神，为创造现世的幸福而奋斗的乐观进取精神，把人们从中世纪基督教神学的桎梏下解放出来，资产阶级正是在这种精神的指引下创造近代资本主义世界的。 其次，文艺复兴打破了宗教神秘主义一统天下的局面，有力地推动和影响了宗教改革运动，并为这个运动提供了重要的助力。文艺复兴提倡重视现世生活，反对权威，在当代人中间唤起了对天主教会及神学的怀疑和反感。文艺复兴中的人文主义者通过文学、艺术等形式讽刺、揭露天主教会的腐败和丑恶。 第三，文艺复兴打破了以神学为核心的经院哲学统一的局面，为以后的思想解放进步扫清了道路，使各种世俗哲学兴起。其中有英国的经验论唯物主义(培根)。它也推动了政治学说的发展，马基雅维利为后来启蒙运动奠定了基础，霍布斯、洛克等一大批思想家，发展起“自然权利”、 “社会契约”、“人民主权”以及“三权分立”等理论。 第四，否定了封建特权。在中世纪，封建特权是天经地义，门第观念根深蒂固。文艺复兴则使这些东西在衡量人的天平上丧失了过去的重量。人的高贵被赋予新的内涵。彼特拉克说：“真正的贵族并非天生，而是自为的。”在当时意大利的社会生活中，才干、手段和金钱代替了出身门第，成为任何出身的人爬上社会高层的阶梯。 第五，破除迷信，解放思想。文艺复兴恢复了理性、尊严和思索的价值。虽然文艺复兴在哲学上成就不大，但是它摧毁了僵化死板的经院哲学体系，提倡科学方法和科学实验，提出“知识就是力量”，开创了探索人和现实世界的新风气。人们坚信自己的眼睛和自己的头脑，相信实验和经验才是可靠的知识来源。这种求实态度、思维方式和科学方法为17到19世纪的自然科学的大发展打下了坚实的基础。 第六，文艺复兴时期创造出大量富有魅力的精湛的艺术品及文学杰作，成为人类艺术宝库中无价的瑰宝。中世纪，圣经传说充斥艺坛，窒息了艺术的生命。文艺复兴则不但把圣母变成人间妇女(拉斐尔)，把图像化为对人体的歌颂，而且开始了日常生活和现实人的直接描写。解剖、透视等科学也第一次结合于艺术。西欧近代现实主义艺术从此发端。 这场广泛持久的思想文化运动，在意识形态领域中，冲破了封建专制和宗教神学思想对人的束缚，解放了人的思想，为资本主义的发展创造了必要的思想文化前提。 （细化） 达芬奇 (Leonardo Da Vinci 1452-1519)作为文艺复兴时期作卓越的代表人物，他的成就和贡献是多方面的。达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇——芬奇镇。他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学。达芬奇是意大利文艺复兴时期最伟大最著名的巨匠，他不仅是一位天才的画家，并且是大数学家、科学家、力学家和工程师，是一位多才多艺、全面发展的人。他有着多方面的才能，对人类作出过多方面的贡献。他不仅会画画，雕塑，建筑房屋，还会发明武器，设计过世界上第一个飞行机、他又是一个医学家、音乐家和戏剧家，而且在物理学、地理学和植物学等其它科学的研究上也很有成就。他道德高尚，举止温雅，且体格健壮，力量过人，据说他一只手就能轻易地折断马蹄铁。他左右手都会写字、作画，他用左手写的字是反向的，人们只有在镜子里才能看懂。 “这是世界美术史上最美的一只右手；这副脸庞，只要见过一次，就永远离不开我们的记忆。”（《蒙娜丽莎》）“这是人类绘画的极品，这幅画的巨大成功致使以后的画家没人敢再涉足这个题材。”（《最后的晚餐》）“这是画家62岁时的自画像，寥寥数笔，就为后人留下了素描艺术史上的典范之作。”（《达芬奇自画像》） 在同时代的人看来，达芬奇就像一位充满传奇色彩的魔术师，有万能天才的美誉。在现代人眼中，令人惊异的是，他仅用十二幅完整的作品就奠定了最伟大的画家的地位。 人们一般认为，艺术不是科学。但是按照达芬奇的界定，艺术，尤其绘画，不但是一种科学，甚至是“所有科学之后”。 达芬奇既能发现事物表面迷人的美感，又不丧失物理学者与解剖学者的视角。他同时具有科学家的观察力与艺术家的表现力，是艺术史上第一位对人体和动物的比例做过系统研究的艺术家。他研究解剖长达40年之久，还亲自解剖了三十几具各种年龄的尸体。他不但熟悉人体外部的比例，而且了解人体的内部构造，因此笔下人物的比例、结构、动态都十分准确，无懈可击。这幅著名的人体解剖素描把完美的人体造型包含在一个圆形和正方形中，被认为是最成功的设想。 达芬奇对几何比例与构图十分着迷。《蒙娜丽莎》除了那永恒的神秘微笑外，还创造性地解决了半身肖像的构图问题。三个多世纪以来，西方那些卓越的半身像无一不受这幅画的影响。他还丰富和发展了前人的金字塔型构图，《岩间圣母》中群像以圣母的头部为顶点，形成的等腰三角形，如金字塔般稳定而和谐。与其他作品一样，《最后的晚餐》以几何图形为基础设计画面，体现出数学的对称美。有人评价这幅画是科学与艺术成了婚，而哲学又在这种完美的结合上留下了亲吻。 达芬奇最大的艺术贡献是运用明暗法使平的画面呈现出空间感和立体感。在文艺复兴初期，画家一般都用线条来表现透视，单线平涂，色彩较单调。而达芬奇研究光影学，首创明暗渐进法，用光线和阴影的技巧来描绘人物、景致，使之呈现逼真的立体感。一直到印象派出现的几百年内，无人能够逾越达芬奇建立的三度空间绘画体系。由他首创的明暗法使这一时期的绘画为之一变，艺术史家普遍认为它是绘画艺术的一个转折点。他的艺术成就直接影响了后来的米开朗其罗、拉斐尔等艺术大师。从《最后的晚餐》起，西方绘画才真正进入了文艺复兴的鼎盛时期。 达芬奇画的人物像 达芬奇还进一步归纳整理了解剖、透视、明暗和构图等零碎的技法知识，并从科学的角度进行审视。在他的《论绘画》手稿中，最初是想记录下对物理世界客观描述，但不久就转而注意到透视、比例、几何与光学，之后是解剖学与机械学，最后则是探索宇宙本身的机械功能问题。《论绘画》是后人从达芬奇十八本笔记中抽取出来编撰而成的，有人称它是整个艺术史上最珍贵的文献。 尽管有的时候，对科学的兴趣浓厚到使他不愿提笔作画，但绘画毕竟是他最初的事业。达芬奇就像研究别的学问一样，努力把绘画当成一种科学，终其一生都在孜孜不倦的探索中。在同时代的人看来，达·芬奇就像一位充满传奇色彩的魔术师，有万能天才的美誉。在现代人眼中，令人惊异的是，他仅用十二幅完整的作品就奠定了最伟大的画家的地位。 人们一般认为，艺术不是科学。但是按照达芬奇的界定，艺术，尤其绘画，不但是一种科学，甚至是“所有科学之后”。 达芬奇既能发现事物表面迷人的美感，又不丧失物理学者与解剖学者的视角。他同时具有科学家的观察力与艺术家的表现力，是艺术史上第一位对人体和动物的比例做过系统研究的艺术家。他研究解剖长达40年之久，还亲自解剖了三十几具各种年龄的尸体。他不但熟悉人体外部的比例，而且了解人体的内部构造，因此笔下人物的比例、结构、动态都十分准确，无懈可击。这幅著名的人体解剖素描把完美的人体造型包含在一个圆形和正方形中，被认为是最成功的设想。 达芬奇对几何比例与构图十分着迷。《蒙娜丽莎》除了那永恒的神秘微笑外，还创造性地解决了半身肖像的构图问题。三个多世纪以来，西方那些卓越的半身像无一不受这幅画的影响。他还丰富和发展了前人的金字塔型构图，《岩间圣母》中群像以圣母的头部为顶点，形成的等腰三角形，如金字塔般稳定而和谐。与其他作品一样，《最后的晚餐》以几何图形为基础设计画面，体现出数学的对称美。有人评价这幅画是科学与艺术成了婚，而哲学又在这种完美的结合上留下了亲吻。 达芬奇最大的艺术贡献是运用明暗法使平的画面呈现出空间感和立体感。在文艺复兴初期，画家一般都用线条来表现透视，单线平涂，色彩较单调。而达·芬奇研究光影学，首创明暗渐进法，用光线和阴影的技巧来描绘人物、景致，使之呈现逼真的立体感。一直到印象派出现的几百年内，无人能够逾越达·芬奇建立的三度空间绘画体系。由他首创的明暗法使这一时期的绘画为之一变，艺术史家普遍认为它是绘画艺术的一个转折点。他的艺术成就直接影响了后来的米开朗其罗、拉斐尔等艺术大师。从《最后的晚餐》起，西方绘画才真正进入了文艺复兴的鼎盛时期。 达芬奇还进一步归纳整理了解剖、透视、明暗和构图等零碎的技法知识，并从科学的角度进行审视。在他的《论绘画》手稿中，最初是想记录下对物理世界客观描述，但不久就转而注意到透视、比例、几何与光学，之后是解剖学与机械学，最后则是探索宇宙本身的机械功能问题。《论绘画》是后人从达芬奇十八本笔记中抽取出来编撰而成的，有人称它是整个艺术史上最珍贵的文献。 尽管有的时候，对科学的兴趣浓厚到使他不愿提笔作画，但绘画毕竟是他最初的事业。达芬奇就像研究别的学问一样，努力把绘画当成一种科学，终其一生都在孜孜不倦的探索中。 二、“宁愿在探索中失败” 《岩间圣母》 他已经画出了一幅足以同《最后的晚餐》相媲美的巨型壁画，但最后关头却因为一个低级错误毁于一旦。 他盼望着像鸟儿一样扇动起飞翔的翅膀，但片刻间就摔碎了飞行的梦想。他要雕塑世界上最大的前蹄腾空的铜马雕像，但由于浇铸方面的困难两年后不得不将其改成步行的姿势。 被恩格斯称为文艺复兴时期“巨人中的巨人”的达芬奇，在人类知识的诸多领域都取得了非凡的成就。同时伴随着他的，也有鲜为人知的辛酸、磨难与失败。但是，他宁肯在探索中失败，也不愿无所用心，安然享乐生活。他一生都在实践着这种人生哲学。 在绘制可以与《最后的晚餐》相媲美的巨型壁画《安加利之战》时，他亲手研制新型颜料和外层涂油。壁画已经气势磅礴、栩栩如生地站在墙上，但墙上的涂料却迟迟不干，他有些迫不及待地想试验自己配制的外层涂油，于是让助手抬来两个大火盆放在壁画下烘烤，结果油料被烤化了。他用两个火盆把八个月的辛劳毁于一旦。 在壁画变成五颜六色的小溪淌下来后不久，他又满不在乎地开始了飞行试验。51岁的达芬奇就像一个狂热的少年，把自制的巨鸟搬到山顶。年轻的学徒抓住巨鸟的木架向山下飞去，可没多远就跌落下来。这个飞行器是靠手臂与双腿的肌肉来驾驶的，不过他忽略了人体自身所无法克服的重量问题：鸟类用于飞行的肌肉要占全身重量的二分之一，而人却仅有五分之一。但是，如果对他飞行探索的失败过于苛求，就等于在责备用风筝引来闪电的富兰克林为什么没能发明电灯。当时，教会思想主宰着世人的一切观念。比如几乎所有人都相信地球是平的，而接近赤道的海洋一定热得像烧开的水。 他曾被任命为宫廷建筑师，雕塑世界上最大的骑士青铜雕像，设计中马的前蹄要腾空跃起。他用蜡像模型试验了无数次，工棚地上堆起十几厘米厚的残肢碎片。最困难的是，必须将重达10吨的金属溶液快速注入铸模中，同时还要考虑到不均匀的冷却问题。当时的技术条件显然无法支持这种设想。两年的期限到了，他无法使马站立起来，最后只好改成步行的姿势。在他死后100年，西班牙人继续尝试这一技法，才建立起一座马上骑士的纪念碑。 异想天开的灵感能让他抓住别人抓不住的东西，可他又常常半途而废。也许是为了追逐永远在飞的思想，他不得不时常停下手头的工作。当时羊毛纺织业在意大利很发达，而纺织作坊里最容易磨损的是织布针。他在笔记本上画满了各种磨针的机器，经过反复比较，终于确定了最理想的一种。但是他随即产生了织布机的设想，于是又沉浸在织布机和滚珠轴承机的发明设计中。遗憾的是，这些设计图只是躺在了草稿纸上，最终没有变成机器，而他又转向了其它研究。 达芬奇的大多数著作和手稿都没有发表，直到他逝世后多年才被人们发现。科学史学家丹皮尔这样评论道：“如果他当初发表他的著作的话，科学本来一定会一下就跳到一百年以后的局面的。” 旷世奇才达芬奇为后人留下了充满智慧的财富。他那具有先知灼见的才华和永不满足的探索精神，在几个世纪之后看来，仍然令人叹为观止。 三、“阻碍我的只是时间不够” 达芬奇画的人物像 他怀有神灵般漫无边际的梦想，却只拥有凡人的生命和力量；他设想过千百个计划，但只完成了少数几个；他最大的抱负是发现一切、研究一切、创造一切，然而只有那些线条、色彩组成的艺术为他带来永恒的赞誉。 达芬奇的生命是一条没有走完的道路，路上洒满了未完成作品的零章碎页。他说：“我不曾被贪欲或懒散所阻挠，阻挠我的只是时间不够。”他想做工程师、军事家、音乐家、数学家、哲学家、建筑师，但世人认为他只是一名画出了永恒微笑的画家。 达芬奇曾以军事工程师、建筑师、画家、雕刻家和音乐师的身份为米兰公爵工作了十七年之久。他当时是最受欢迎的宫廷司仪官，负责组织宫廷节日庆典，独自担当了相当于中央电视台春节晚会的总导演、主持人、编剧、作曲、服装设计师和舞美设计师等多种角色。 从留给后人的十二幅绘画作品和七千多页手稿、设计图可见，达芬奇对科学的兴趣要比对绘画大得多。他在科学研究上的成就决不亚于他的艺术成就。 在天文学方面，他观察天体，曾作出“太阳是不动的”结论，早在哥白尼之前就否定了地球中心说，并幻想过如何去利用太阳能。他认为月亮本身并不发光，只能反射太阳的光辉。 在物理学方面，他发现了液体压力，提出了连通器设想，还发展了杠杆原理，推导出作用力与臂长的关系。他关于物体惯性的描述后来为伽利略的实验所证明。他还否定了制造“永动机”的可能性。 达芬奇对解剖学和生理学十分着迷。他研究解剖最初是为了让艺术造型更加准确，后来却发展成了一个独立的科学研究领域。他在解剖学上的最大贡献是创造了一套图解，这种样式至今仍被广泛应用着。他最先采用蜡来表现人脑的内部结构，是设想采用玻璃和陶瓷制作心脏和眼睛的第一人，他甚至绘制过婴儿在母体中的发育图。达芬奇研究过心脏和血液循环系统，发现心脏有四个腔，并画出了心脏瓣膜，这是有史以来第一幅有关动脉硬化的解剖图。 达芬奇的研究和发明还涉及到军事和机械领域，他设计了飞行机械、直升机、降落伞、机枪、坦克、潜水艇、双层船壳战舰、起重机、纺车、机床、冲床、自行车等等。他在数学和水利工程领域等方面也作出过重大贡献。 达芬奇还是一位杰出的思想家。他坚信科学，常常流露出对宗教的怀疑和厌倦。他曾写道：真理只有一个，它不是在宗教之中，而是在科学之中。他提出以自然造化为师，鼓励人们向大自然学习。他认为认识起源于实践，知识的获得是依靠直接的观察和经验。他的实验工作方法经伽利略从实践上加以发展，后来由英国哲学家培根从理论上予以总结，成为近代自然科学最基本的研究方法。为伽利略、开普勒、牛顿等人的发明创造开辟了道路。 艺术史家曾评论说：只有一个达芬奇走在时代之前，他是包罗万象、精湛无比的天才，永不满足的孤独的探险家；他的思索的触角远远超越了他的时代，有的竟然能够和我们的时代会合。 后人对达芬奇研究想法的实践 之所以说是对达芬奇“研究想法”的实践，是因为在其所处的年代，达芬奇的研究只能体停留在“想法”阶段，没办法前进到“成果”阶段。但他的一些想法已被现代人成功的实现了。 一、达芬奇“设计”降落伞 英一男子成功仿制 南非报章28日报道，一名英国男子使用按照15世纪发明家达芬奇设计草图制造的降落伞，在空中下降2120米的高度，证明这款金字塔形的降落装置运作良好。降落伞在空中缓慢飘落，直至900米高度，他割断与降落伞的联系，用现代降落伞完成着陆的动作。他表示，虽然使用15世纪发明家设计的降落装置可以安全降落，但他无法操作它来准确选择着陆点。 达芬奇1485年设计的降落伞草图，过去从未有人照此做出实物，因为专家怀疑它的可行性。降落伞由油布、绳索和6根1米长的木棍组成，重量达到180公斤。 二、挪威建成达芬奇设计的桥 10月31日，在北欧的寒风细雨中，挪威王后和500多名各界来宾为一座造型独特的大桥剪彩。直升机在人们头顶盘旋，起重机缓缓掀起了足有4.8万平方英尺的白布，一座100米长、8米高的木桥展现在大家面前，三个浅色的木拱如同三只被射手用力向后拉的硬弓，牢牢地支撑着桥身。令人难以置信的是，这座桥的设计者竟是500年前的达芬奇。也正因如此，桥被命名为“蒙娜丽莎”。 1502年，达芬奇为土耳其横跨两大洲的伊斯坦布尔市绘制了一幅美妙绝伦的拱形桥设计草图。该桥长346米，横跨博斯普鲁斯海峡，如果能建成，它将成为当时世界上最长的桥。但土耳其苏丹却拒绝建造此桥，他认为该工程难度太大、造价太高。于是，这座桥在图纸上呆了500年。 1995年，挪威艺术家韦比约恩·桑德因一次偶然的机遇见到了这张设计草图。他回忆说：“我第一次见到她，就被她精美的造型征服了。她是功能与审美的完美结合。”桑德通过种种努力，终于使挪威公路管理局相信，达芬奇设计该桥的原理完全成立，这座桥是可以被造出来的。经过一翻考察，建桥地点被确定为挪威首都奥斯陆以南30多公里的奥斯，正好毗邻从斯德哥尔摩到奥斯陆的欧洲18号公路。 目前落成的这座步行桥，共耗资136万美元，除扶手使用了不锈钢之外，完全采用木料建造。其实，达芬奇当年的设计是用石头作材料，但是挪威人觉得石头太贵了，所以将建桥的材料改为木料。 据悉，这是达芬奇的建筑设计首次被付诸实施，这个设计在美学和设计学上都是经典的范例。桑德自豪地说：“5个世纪前，人们认为这座桥不可能建起来，但我们把它建起来了。我们成功地证明了达芬奇设计该桥的原理是可行的。”桑德说他还有一个梦想，“我们要在全世界推广这种桥，让每个大陆都架起‘蒙娜丽沙桥’”。 其实达芬奇的想法被现代人实现的远不止以上两个，还有很多，譬如前面提到的飞机、直升飞机、潜艇、纺车、自行车等。这些设想加在一起充分反映了达芬奇的思想超越了他所处的时代，似乎时代局限性对他的思想不起作用一样。我觉得这一点才是达芬奇最值得人们回味的地方。 这一张是具有经典意义的画 达芬奇认为艺术 ， 不仅仅是一门手艺， 当然他的手艺在当时也是无与伦比的， 更是一门科学！以古希腊文明渊源的西方文艺复兴画家 无不博学多才多艺 达芬奇还发明了一系列的军事玩意 现在看来还是非常的有意思 还有象飞碟一样的飞行器 就象他自己所说 绘画只是自己的很小一部分的才能而已 米还是一个诗人 建筑师 雕塑家 兼画家。 他亲手解剖过数具尸4体 当然在当时一个基督教的权利 很牛的时期 是冒着很大的风险的 是不允许的 解剖了一定的动物 并列出其中的关系！ 达是一个贵族有着一定的经济基础 这为当时的他开展艺术研究提供了必要的前提条件 可以不估计生计，他和贝多芬 凡高 一样终生未婚，这些条件都是一定的前提 并且 达思考问题很有一套 很安静一个一个的来（参看绘画论 一部分已经遗失） 对自己画很在意（不能听他说绘画只是自己一部分的才能）蒙娜里莎画了 4年 ！ 很有探索精神 尝试做不同材料的绘画！
写作思路：首先简单介绍一下蒙娜丽莎这幅画，然后对它的艺术价值进行赏析。
《蒙娜丽莎》是一幅著名的肖像画。它花费了绘画巨匠达芬奇四年之久的时间，而这幅看似普通却代表了这个时代绘画最高成就的作品，何以具有这样大的魅力呢？
先来回顾一下中世纪的艺术，漫长的中世纪，艺术成为基督教的工具，无论雕塑还是绘画，其题材内容都取自圣经教义，人物形象也都是虚构的概念化形象，既无现实生活的依托，又无科学知识的根据。因此，人物形象僵滞、表情呆板，形体如槁木般没有生气。
然而，达芬奇的肖像画《蒙娜丽莎》富有人文精神，在题材上取自现实生活中的真实人物，具有人的真情实感，因而这幅肖像画成为文艺复兴时期的代表作。
《蒙娜丽莎》的成功，在于作者准确的捕捉到了模特儿最微妙的表情和最动人的瞬间。达芬奇这种现实主义的创作的方法，使蒙娜丽莎富有魅力的青春被永恒而鲜活的留在画面上。我们从蒙娜丽莎的脸上可以看到，透过那微抿的嘴唇，微挑的眼角和微凝的双目，悄然的流露出一种恬静、淡雅而又神秘的微笑，自然、纯真、朴素的将一丝不易察觉的、充满着人性情感的内心活动透溢出来。
画中人物生姿优雅、笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致的发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。达芬奇力图使人物的内心世界和美丽的外表达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位。
也特别着重掌握精确与含蓄的辨证关系，达到了神韵之境，我们还可以从蒙娜丽莎那双随意的交搭着的双手上，透过柔润而丰满的肌肤，精谨而准确的结构，自然而生动的状态，感到一种富有青春生命力的血液正在指掌间流淌。这是鲜活而富有生命力的活体。在构图上，达芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的肖像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更端庄。
《蒙娜丽莎》是一幅著名的肖像画。它花费了绘画巨匠达芬奇四年之久的时间，而这幅看似普通却代表了这个时代绘画最高成就的作品，何以具有这样大的魅力呢？先来回顾一下中世纪的艺术，漫长的中世纪，艺术成为基督教的工具，无论雕塑还是绘画，其题材内容都取自圣经教义，人物形象也都是虚构的概念化形象，既无现实生活的依托，又无科学知识的根据。因此，人物形象僵滞、表情呆板，形体如槁木般没有生气。然而，达芬奇的肖像画《蒙娜丽莎》富有人文精神，在题材上取自现实生活中的真实人物，具有人的真情实感，因而这幅肖像画成为文艺复兴时期的代表作。《蒙娜丽莎》的成功，在于作者准确的捕捉到了模特儿最微妙的表情和最动人的瞬间。达芬奇这种现实主义的创作的方法，使蒙娜丽莎富有魅力的青春被永恒而鲜活的留在画面上。我们从蒙娜丽莎的脸上可以看到，透过那微抿的嘴唇，微挑的眼角和微凝的双目，悄然的流露出一种恬静、淡雅而又神秘的微笑，自然、纯真、朴素的将一丝不易察觉的、充满着人性情感的内心活动透溢出来。画中人物生姿优雅、笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致的发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。达芬奇力图使人物的内心世界和美丽的外表达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辨证关系，达到了神韵之境，我们还可以从蒙娜丽莎那双随意的交搭着的双手上，透过柔润而丰满的肌肤，精谨而准确的结构，自然而生动的状态，感到一种富有青春生命力的血液正在指掌间流淌。这是鲜活而富有生命力的活体。在构图上，达芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的肖像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更端庄。几百年来，蒙娜丽莎令无数观赏者为之倾倒，人们一直对她神秘的微笑莫衷一是。不同的观者在不同时间去看，感受似乎都不同。有时觉得那微笑温文尔雅、舒畅温柔、有时又显得尊贵严肃、安详自若，有时像是略含哀伤悲叹，有时又有几分讽嘲与揶揄。神秘莫测的心灵活动。在这幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别，但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱，而人的笑容主要体现在眼角和嘴角上，达芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的接线，因此才会产生令人捉摸不定的“神秘的微笑”。有权威人士认为“笑容若隐若现，是因为观看者改变了眼睛的位置”，“蒙娜丽莎那迷人的口唇”是一个男子裸露的脊背。几百年来，“微笑”的新解层出不穷。诸如微笑不露皓齿是因原型虽典雅美丽却口齿不齐；原型因爱女夭折，忧郁寡欢，难掩凄楚之态；原型刚得过一场中风，她半个脸的肌肉是松弛的，脸歪着所以才显得微笑……蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题，自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和推测，留下越来越多的迷局。人们过分的喜爱她，无止境的探讨她那难以察觉的、转瞬即逝而且亘古不变的微笑，那洞察一切而又包含一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。这是一个神话，它与达芬奇无关，完全是后人制造的，神话像滚雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。
这是一幅大家都非常熟的名画，作者是达芬奇。这幅画画的是佛罗伦萨一皮货商的妻子，画家画她的时候，她才二十四岁，这位妇女刚失去了自己心爱的女儿，常常悲哀抑郁。画家在画她的肖像时，为了让她面露微笑，想出种种办法：请乐师给她奏乐唱歌，或说笑话，让欢快的气氛帮助她展现笑容。画上的蒙娜丽莎呈现的笑容虽是微弱的，但可以从她的眉宇间看出只心的愉悦，一丝微笑似乎刚从她的脸上掠过。稍翘起的嘴角和舒展的笑肌，可以让人微微感觉到这位妇人在被画的时刻的心情。但她那安详的仪态，表明她的微笑是平静的，不到引起情绪上的波动，这是一种古代妇女的矜持的美的表现。由于于蒙娜丽莎的微笑显得富有魅力，不少美术史家称它为“神秘的微笑”在受基督教禁欲主义控制的年代里，妇女的举止是要受到许多的约束的，她们不能放肆地表现自己的欢乐与痛苦，不然，就是对上帝的“亵渎”，在一般上层妇女中，也不允许肆意地哭与笑。所以中世纪的肖像画，一般都被画得呆板、僵硬，面部毫无表情。达芬奇在人文主义思想影响下，开始为表现人的感情而费尽心机，为了画出蒙娜丽莎的真实形象，他还从解剖和生理学上理进行研究，探索隐藏在皮肤下的脸部肌肉的微笑状态，研究人在轻松愉快时的心理变化与反应过程。为了这，他废寝忘食，有时，微风吹起了湖上的涟漪这一现象，也会引起他的注意，启发他去修改自己的画面。其次在构图上，达芬奇改变了以往肖像画多采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形。这样“蒙娜丽莎”就显得更加端庄和稳重。还有的就是“蒙娜丽莎”的一双手，这双柔嫩的手被画得那么精确、丰满，完全符合解剖构，它展示了她的性格，她的温柔，更展示了她的身份和阶级地位。从这双手可以看出，画家的精湛画技和他观察自然的敏锐性。“蒙娜丽莎”没有华丽的服饰，一条深褐色的头纱上，也不带任何装饰品；衣纹的自然褶襞被子画得很仔细。他用一调胶的颜色来表现软缎的质感。袒露的胸部显不了这位妇女的健康、华贵和青春的美。在背景的处理上，达芬奇运用的是“空气透视法”，反后面的出崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水，都有推向遥远的深处，仿佛这一切都被笼罩在薄雾里，以此来加强“蒙娜丽莎”形象地位。这样一幅不大的肖像画竟用去他四年的时间，这说明达芬奇不是仅仅为了画好一个贵夫人的肖像，而是在艺术上有所追求的。对《蒙娜丽莎》的艺术价值，不能仅仅从肖像被子画得生动逼真上面去考虑，更重要的是，达芬奇在这幅画上体现了他先进的艺术思想，即以科学的精神去观察自然的态度。达芬奇主张在艺术上要做自然的和子。可是在神学思想里，人是被看成罪恶的化身的。达芬奇的《蒙胧娜丽莎》与宗教世界观完全相反，它是一首赞美自然的颂歌。他的肖像画确凿地肯定了人生和它的美的意义。
求采纳，谢谢
画是名画，人是名人。
静夜里，我扭亮窗前的台灯，柔和的光线驱散了满室的黑暗，也照亮了一位西方女子的脸庞。抬头一看，挂在眼前的是那幅闻名遐迩的名画《蒙娜丽莎》。 总结大全
说来真有意思，不知为何，我对这幅含蓄隽永的传世名画产生了浓厚的兴趣，尤其是女主人公那迷人的微笑，总如一个遥远但清晰的画面展现在我的眼前。不为打发时间，也不为考古研究，好像只是为了“看”这个平实的字眼，于是，我想融入这个终成永恒的意境之中。简历大全
渐渐地，着迷的我竟发现这位意大利女子的神态在不同气氛中可以产生微妙的变化。或许是逼真的画像容易产生视觉误差，但你又不能不承认它的玄妙。
作文
我心慌意乱，为了发泄，我无聊地撕起了纸片。无意之中，突然看见蒙娜丽莎讥嘲冷漠地打量着气呼呼的我，似乎在笑我愚昧无知，这情景让我足足痴了半晌。待走近细看时，她又笑成原先温柔美丽的模样。
开题报告
还有一回，我坐在窗前读《巴乔风采依旧》，当读到巴乔在法国世界杯上射失点球，悲痛地扪心自问时，出于习惯，我又望了望蒙娜丽莎。这时，她的眼眸中好像盛满了忧伤，难道她也为英雄的失足和无奈而潸然泪下吗？一阵清风吹来，忧伤又随风而逝，只剩下梦境般的疑惑：为什么已定格的面孔能够展示出如此多变的表情呢？恐怕这就是人们常说的奇妙之作往往能产生令人捉摸不透的心灵感应吧。尽管画中的谜团令人费解，我始终坚信，此画是一种清爽中的缥缈，而不是阻隔中的含糊。
家中摆有《蒙娜丽莎》，就等于藏了一门包罗万象的综合学问。欣赏《蒙娜丽莎》要有耐性，更需要一颗能与过去和现在相通的心。过惯了喧嚣浮躁的都市生活，看到了太多花红酒绿、纸醉金迷的场面，是无法读懂这笑的内涵的。任何简单、随意，甚至粗略地注视、观望，都只能让其中的美成为过眼烟云，它根本不会永驻心田。这如同品茶，外在的朴素、典雅凝聚着内在的厚重和沧桑。初识蒙娜丽莎，陌生茫然之间，会有点“色清而味甘，微香而小苦”的感觉。唯有望穿时光的屏障，在忘我的境界里静静地观赏，细细地品味，才能让她的目光秋水般浸入你的双眸，滋润你的心灵。 论文网
宁静的夏夜，蒙娜丽莎可以在你的耳边轻轻地诉说她那如烟似雾的乡愁。朦胧
开题报告
的月光中，静默的她似乎挥手间便带来了清凉的海风与扑鼻的花香，为你孤寂的心房升起一轮明月。温馨的冬夜，与蒙娜丽莎来一场温柔且浪漫的烛光邀约，闪烁的烛光中，一个是活生生的青年，另一个却是凝固在画板上的生命，是一件沧桑无语的艺术精品，两者之间既是如此贴近，又是那么遥远。无论怎样，人和物的共同空间都因沟通、相连而显得宽敞无比，也许这就是与《蒙娜丽莎》独处的妙处吧。 总结大全
选择一幅好画布置家居的环境，实际上是为自己的精神家园营造一方寄放灵魂的净土，聊以自慰被现代生活腐化了的心灵。《蒙娜丽莎》以它独特的艺术视角带领我们走进文艺复兴时代，领略历史的尘烟和文化的积淀。醉心其中，不知不觉也被那绮丽的神韵浸润了身心，有的是一份返璞归真的愉快。
简历大全
在敏感豁达的人心中，这幅画是一个不老的感受，是一片倒映着感悟的诗行与遐想的无边的风月。面对依旧含笑不语的蒙娜丽莎，我期待着她的灵魂能成为我生命中永远的烛照，让这足以回味百年的微笑来感召自己，并以此来延续自己一生的艺术情怀。正如秋雨先生所说：“期待构成了美丽和善良的生命线。”蓦地，我发现，在自己看似浅显的生命中，已经有了一泓宁静、一脉温馨的印痕了。 毕业论文网
蒙娜丽莎,这幅艺术史上最著名最珍贵的油画,现在存放在巴黎的卢浮宫中,编号为779号.在卢浮宫迄今拥有的6000幅名画中,唯有此画被放置在特制的固定的水泥盒容器里,上面再覆盖上彼此相隔了25厘米的3层防弹玻璃.每天,无数慕名而来的人们在她的面前驻足,只为一睹传说中蒙娜丽莎神秘的微笑. 蒙娜丽莎的微笑为什么会成为世界上最有名的一幅画?难道真如王尔德所说,画中女子的微笑,是在向人们揭示着一个不为人知的秘密么?达·芬奇,这位暗号大师,又在这幅画作之中暗示着什么?为什么达·芬奇在几乎休笔之后,还要承接这一幅画作?为什么这幅画作完成之后,没有交给买画人?为什么这幅画在达·芬奇最后的十几年里,和他寸步不离? 1503年,在文艺复兴时期的佛罗伦萨,列奥纳多·达·芬奇开始着手创作这幅传世之作.他用了10年的时间,直到1513年才完成了这幅油画.在他的一生留下了相当多的笔记,可是关于这幅画,却没有找到任何记载,这位暗号大师也没有在画作间留下蛛丝马迹的线索. 蒙娜丽莎究竟是谁?神秘微笑的背后,究竟隐藏了什么样的秘密? 简妮·卡洛葛蒂丝在她的小说《蒙娜丽莎的微笑》中,给出了有史以来最大胆、最不可思议,然而也是最合乎情理的答案.这本在2006年大热的历史悬疑小说仅凭着故事大纲便卖出全球十余国版权,已售出英国、德国、法国、西班牙、荷兰、俄国、希腊、韩国、中国等近二十国版权,声势远远超过了当年的《达芬奇密码》. 这是一本挑战智力的小说.简妮·卡洛葛蒂丝从2005年1月11日意大利考古学家最新发现的达·芬奇在佛罗伦萨市中心桑蒂西马·安侬兹亚塔修道院里的工作室出发,为我们构建了一座真实存在于历史中的螺旋迷宫.与普通的悬疑小说不同,在《蒙娜丽莎的微笑》中,简妮·卡洛葛蒂丝采取了第一人称的叙述法,让秘密的主角,蒙娜丽莎本人,来引领我们在这座由阴谋与情欲交织成的迷宫中探险. 蒙娜丽莎———在这本小说中自称丽莎小姐,将我们带回了列奥纳多·达·芬奇所生活的,文艺复兴时代的佛罗伦萨.这不是我们所熟悉的,作为文艺复兴的发祥地而在艺术史上占据一席之地的佛罗伦萨,而是在历史的真实中,被十字架与鲜血的阴影所笼罩的佛罗伦萨.神秘的占星术、大教堂撑起的信仰、贵族的爱恨情仇和家族势力之间的争夺,与艺术的伟大光芒同时盘踞在这座城市的上空.佛罗伦萨的两个最大的家族———梅第奇家族和帕奇家族———展开了长达二十年的争斗.而故事是从1478年,在圣母百花大教堂由帕奇家族策划的对梅第奇家族的一场蓄谋已久的谋杀开始的.作为佛罗伦萨的统治者、梅第奇家族的亲密朋友,列奥纳多·达·芬奇也卷入了这场阴谋之中.他目睹了谋杀的过程,并且凭借画家惊人的记忆力画下了凶手的肖像.但是为了保护他所爱的两个人,一个男人和一个女人,他从未公开过这幅画像.直到他遇到蒙娜丽莎,他在这少女出生之前就承诺过要帮她画一幅肖像.而在绘制这幅肖像的过程中,他发现佛罗伦萨的阴谋从未停止过,为了保护他所爱的人,他决定通过蒙娜丽莎的画像,来透露这个从未公开的秘密.随着蒙娜丽莎本人的叙述,我们发现坐在她面前的这个画家,与蒙娜丽莎和她的母亲有一种神秘的联系.在蒙娜丽莎神秘的身世之中同样隐藏着不为人知的秘密———天才画家达·芬奇、蒙娜丽莎的母亲安娜、梅第奇家族的朱利亚诺,一个男人和一个女人共同爱上了另外一个男人.蒙娜丽莎,就是这段情欲纠葛之间的产物,而在她的画像后面,则隐藏着一个联系着过去与未来的秘密……
写作思路：首先简单介绍一下蒙娜丽莎这幅画，然后对它的艺术价值进行赏析。
《蒙娜丽莎》是一幅著名的肖像画。它花费了绘画巨匠达芬奇四年之久的时间，而这幅看似普通却代表了这个时代绘画最高成就的作品，何以具有这样大的魅力呢？
先来回顾一下中世纪的艺术，漫长的中世纪，艺术成为基督教的工具，无论雕塑还是绘画，其题材内容都取自圣经教义，人物形象也都是虚构的概念化形象，既无现实生活的依托，又无科学知识的根据。因此，人物形象僵滞、表情呆板，形体如槁木般没有生气。
然而，达芬奇的肖像画《蒙娜丽莎》富有人文精神，在题材上取自现实生活中的真实人物，具有人的真情实感，因而这幅肖像画成为文艺复兴时期的代表作。
《蒙娜丽莎》的成功，在于作者准确的捕捉到了模特儿最微妙的表情和最动人的瞬间。达芬奇这种现实主义的创作的方法，使蒙娜丽莎富有魅力的青春被永恒而鲜活的留在画面上。我们从蒙娜丽莎的脸上可以看到，透过那微抿的嘴唇，微挑的眼角和微凝的双目，悄然的流露出一种恬静、淡雅而又神秘的微笑，自然、纯真、朴素的将一丝不易察觉的、充满着人性情感的内心活动透溢出来。
画中人物生姿优雅、笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致的发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。达芬奇力图使人物的内心世界和美丽的外表达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位。
也特别着重掌握精确与含蓄的辨证关系，达到了神韵之境，我们还可以从蒙娜丽莎那双随意的交搭着的双手上，透过柔润而丰满的肌肤，精谨而准确的结构，自然而生动的状态，感到一种富有青春生命力的血液正在指掌间流淌。这是鲜活而富有生命力的活体。在构图上，达芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的肖像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更端庄。
感悟式鉴赏 作品印象：蒙娜丽莎的微笑很动人，这是一个安详、自信的古典女性形象。作品联想：这种微笑征服了几个世纪的人们，很多人都在这种微笑面前浮想联翩。 形式鉴赏 形象：一位微笑的妇女。构图：金字塔形构图。空间：左边的视点是平视，右边的是俯视。形体：造型比例准确，半身像，双手交叠在腹部。色彩：深褐色为主色调。明暗：过渡柔和，明暗转移法（或称渐隐法，晕涂法）。艺术观念：现实主义的绘画观念，真实客观地表现现实生活的场景与人物的内心世界。 社会学式鉴赏 人物装束：发际线较高，额头较宽，没有眉毛，反映了当时的审美标准。文化背景：文艺复兴盛期，16世纪初。社会基本价值观：在一定程度上摆脱了中世纪教会和宗教思想的控制，强调人本主义的思想。画家生平：达·芬奇的生平和艺术思想。委托人：商人乔康达及其妻子。创作过程：达·芬奇通过各种方法使模特摆脱丧子之痛，历时四年完成。作品内涵：达·芬奇通过对这位现实生活中普通妇女的表现，展示了文艺复兴时期对人自身的尊重。 PS:语言自己组织。