谈舞台美术与陈列艺术设计策略

引 言
　　作为表演艺术中心，演出是国家大剧院运营的核心。演出不仅离不开角色，也离不开布景、服装、化妆、灯光、道具等舞台美术元素。随着戏剧等舞台艺术的发展，舞台美术成为演出的又一重要符号，日益为人们所了解与认可。国家大剧院因其自身的职能与定位，其展览工作始终紧密围绕表演艺术，在策划方面更是探寻演剧、美术等不同艺术之间的切合点，结合剧院特色、发挥剧院优势，相继举办了不同主题的艺术展览。在众多极具特色的主题展览中，舞台美术作为演出的重要元素，更是得到了国家大剧院展览工作团队的重视。一方面，服装、模型、道具等舞美作品被应用于各项展览中，成为展览的重要展品或辅助展品；另一方面，剧院也通过举办舞台美术类专题展览，全方位、多角度地向观众呈现这一领域的重要成果，使观众了解演出、走近舞台，揭开演剧工作的神秘面纱，拉近了舞台艺术与观众的距离。
　　舞台美术具有其独特属性，无论是服装、道具，还是布景、灯光，都极具艺术魅力，同时又极具应用价值。舞台美术是一门应用学科，通过艺术设计感染观众，传递信息。展览陈列同样追求以视觉、听觉、触觉等方式带给观众启迪，引发观众共鸣。通过对舞台美术的探索，将舞台元素引入陈列艺术设计之中，可以丰富展陈形式，创新展览设计，而设计制作舞台美术题材展览更需要融入舞台元素，传递舞美理念，如此方可展现出舞台的魅力，真实再现舞台美术的艺术之美。
　　一、舞台美术与展览展示
　　舞台美术是戏剧和其他舞台演出的一个重要组成部分，包括布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等。它们的综合设计称为舞台设计。其任务是根据剧本的内容和演出要求，在统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段，创造出剧中环境和角色的外部形象，渲染舞台气氛。舞台美术经历了多个发展阶段，随着时光的推移，它不仅成为舞台艺术的重要一环，更融入当代人文生活之中，成为了一门学科、一个行业。舞台美术从传统的戏曲布景到现代的舞美创意，借助于现代科技的发展，不断融入新观念、新元素，影响着演剧事业发展，传递着文化讯息。舞台美术不在局限于舞台之上。它不仅受到艺术爱好者、演出团体的关注，更为学术团体、乃至整个文化领域关注。二十世纪中期（1967年），各国舞美设计组织成立了“国际舞台美术组织”，同时在捷克首都布拉格举办“布拉格国际舞台美术展”。这是舞台美术与展览陈列的首次“融合”，虽然此次展览仅是作为舞台美术设计们展示自己作品、交流创作心得的平台，并未将舞台美术元素与展览陈列设计从技术应用的角度加以融合，但仍给予人们以启迪，成为全球最大的艺术表演设计展览、世界舞台美术领域的奥林匹克盛会。自此之后，此项展览成为舞台美术领域的盛会，每四年举办一次，是国际唯一的、最具有权威性的舞台美术展，在世界艺术领域具有广泛的影响力与极高声誉。2005年在加拿大多伦多首次举办了“世界舞台设计展”，每四年一次，在世界不同国家举行，是布拉格国际舞台美术展之外世界上最重要的舞美展事。除此以外，世界各国也各自举办本国的国家级舞台美术展览，如美国每年举行一次舞台美术年会，形式趋向于行业博览会，院团、院校、工厂、个人均可参与；而英国则是于每次国际性舞台美术展览前一年，举办学术性舞台美术展览，并评选优秀作品参加国际大展。中国的舞台美术与展览陈列的首次结合是在二十世纪八十年代。1982年在北京首次举办全国性舞台美术展览，即“第一届全国舞台美术展览”。1986年中国代表参加了第六届开始参加布拉格国际舞台美术展，首次登上世界舞台；1987年中国舞台美术学会加入国际舞美组织，为“国际舞美组织中国中心”，加强了与世界舞台美术领域的文化交流。此外，地方院团、院校及舞美学会分支机构则不定期举办相关展览。这些展览虽以展示设计作品、交流创作心得为目的，但为更好的展示设计作品、还原艺术氛围，舞台美术设计师们也日趋注重设计作品与展示环境的融合，从而推动了舞台美术元素与陈列艺术设计交叉、应用。
　　作为国家表演艺术中心，国家大剧院成立后即将工作重点放在了原创剧目的生产制作之上，并对舞台美术行业发展投入极大关注。自开幕运营至今，国家大剧院制作歌剧、京剧、话剧、舞剧等共36部，其中58%的舞台美术为中国舞美设计制作，42%的舞台美术为国外知名舞美大师进行设计，由中国舞美工厂、服装厂进行加工。一方面加大投入，为国内舞台美术的创作提供平台，推动了国内舞台美术的发展，另一方面也通过与国际知名设计的合作，促进国内外舞美领域的学习与交流。此外，为使舞台美术“走出幕后”，使更多观众、艺术爱好者了解舞台美术、喜爱舞台美术，剧院自2009年始，举办“回眸经典——国家大剧院原创与制作剧目展”和“精彩在这里绽放——国家大剧院艺术成果展”两项展览，并将其作为常设陈列向观众开放，展览包含了剧目制作背后的故事、舞台美术设计等诸多内容，其中舞台美术模型、演出服装、舞台美术效果图、服装设计图、舞台场景复原等为展览亮点，展览每年更新一次，对文字、图片、展品等进行增补调整，截止至今两展览共吸引观众超过300万人次，极大地拉近了观众和舞台美术的距离，促进了舞台美术知识的大众化、普及化，使舞台美术不在藏身于幕后。除普及性展览外，国家大剧院也举办学术性展览，以期促进舞美领域学术交流，推动舞台美术行业发展。2011年，国家大剧院策划、主办了“2011·北京舞台美术设计邀请展”，该展览由中央戏剧学院、上海戏剧学、中国传媒大学共同协办，中国舞台美术学会、国际舞美组织中国中心进行学术支持，周本义、薛殿杰、刘杏林、高广健等国内老中青三代舞美设计齐聚于此，以作品展示、研讨座谈等方式进行学术交流。2012年，举办“古典也时尚-国家大剧院舞台服装展”，以舞台服装为主题，以服装、配饰、设计手稿、制作图样为展品，并于展期内举办专题讲座，旨在通过多个角度展示舞台服装的魅力，将舞台服装的理论与实践相结合，使观众舞台美术产生深层次了解。同年，国际舞台美术专业学生作品交流中心主办、国家大剧院协办“2012国际舞台美术教育展 ”，此展览以舞美专业学生作品为主，旨在鼓励青年学生进行艺术创作，加强国际学术交流，促进青年——代舞美设计们学习、成长。
　通过剧目制作、举办展览、学术研讨、作品收藏等方式，国家大剧院积极融入舞台美术领域，发挥自身优势打造舞台美术发展平台，推动、促进舞台美术行业发展。同时，在展览展示方面，剧院策展人们向舞美设计们“偷师”，将舞台美术设计元素融入展览之中，改变博物馆、美术馆等传统、常规的展陈形式，以舞台美术之观念呈现表演艺术、舞台美术题材展览，使展览更加灵活，更具舞台效果，从而创新展览理念，丰富展陈形式，增强观展体验，引发观众共鸣。
　　二、舞台美术与陈列艺术设计
　　舞台美术是一种视觉艺术，也是一种应用技术。通过色彩、明暗、光线、听觉、视觉、触觉等多角度、多方式向观众传达信息。展览陈列同样依靠视觉、听觉等方式来呈现。舞台元素的引入可丰富展陈形式，创新展览设计，而设计制作舞台美术题材展览更需要融入舞台元素，方可展现出舞台的魅力，真实再现舞台美术的艺术之美。
　　（一）、环境设计
　　舞台美术是不仅是视觉艺术，也是环境艺术，通过营造立体的感官环境，渲染舞台氛围。因而，制作舞台美术题材展览即需要加强对环境设计的研究。国家大剧院舞台美术题材展览在陈列设计注重对色彩、明暗、光线、视觉高度等因素的运用，追求舞台效果的营造。
　　在整体光环境的营造上，此类展览多以暗调为主，原因之一是演剧大幕拉开前即给人昏暗、神秘之感，暗调的展厅环境可引起观众共鸣，营造“舞台”之感；原因之二则是考虑到服装、舞台美术模型、头妆设计、道具等展品均需各自独立的小型光环境，整体暗调的环境便于各区域的光线处理，从而达到展品所需的光要求。光是舞台美术不可或缺的重要元素。无论是舞台服装，还是舞台布景，都离不开舞台灯光设计，舞台美术题材展览也是如此。以舞台美术模型的展示为例，在布展时需根据舞台美术效果图，对每一件舞台美术单独打光，处理好灯光的照度、明暗、主次、远近关系，更有一些舞台美术模型需带有特殊色泽或纹理的光线（如水纹灯等）。
　　视觉高度方面，舞台美术模型、服装、头妆、道具等展品的展示也有特殊要求。以舞美模型为例，此类展品对视觉高度的要求较高，100-120cm高为适宜的展示高度。高出此数值，则超过大部分人的视线高度，观赏会造成疲劳感；低于此数值，则会因舞美模型的台口设计等因素，导致遮挡视线。头妆、小型道具的展示同样对视觉高度有所要求，展具高度应为90-110cm，此高度便于观众从各角度近距离观赏展品。无论是舞美模型，还是服装、道具，均以人体视觉高度舒适为宜，特殊的模型、服装、道具等展品还需依据演出内容，通过悬挂、倾斜摆放、平铺地面等方式陈列，已达到最佳展示效果。
　　（二）、多媒体设计
　　随着高新技术的出现和运用，展览策划、展陈设计的理念在逐步更新，新技术、新观念不断地被应用于展览之中。科技改变生活，无论是展览设计还是舞台美术，都因为科技的变革而日益发展，并逐步产生同一、交融之趋势，多媒体技术即为其中代表。
　　步入新世纪，多媒体技术已成为舞台美术的必备元素之一。要完美呈现舞台效果，多媒体技术可谓是不可或缺的重要一环。如果说一部演剧中失去了声、光、电等多媒体技术，演出将大为失色。同样，展览陈列也因运用多媒体技术而使其更具真实性与带入感，使展陈更为灵动、更具活力。所以，作为舞台美术与展览设计交融的舞台美术题材展览是离不开多媒体技术的。如何灵活、适当的运用多媒体技术，还原舞台效果，突出展览主题，营造艺术氛围，成为展览设计的重要一环。
　　在烘托氛围方面，视频、音频等手段是最为直接、最易见效。通过结合展览主题，预先编制音频文件，在展厅入口、特定区域等空间进行播放，使观众在进入展厅之后即通过“声音”这一元素所感染、暗示，从而带动情绪，融入展览之中。视频手段便于补充实物展品的不足，以“2011·北京舞台美术设计邀请展”为例，舞台美术设计方案信息量极大，仅通过1000多平方米的展陈空间无法全面传递给观众，因而工作人员通过多媒体手段，将数千幅舞美设计方案编辑为视频文件，分区域、分主题进行展示，既解决了环境的局限性问题，将舞美设计方案予以充分展示，也将分散的、原属于不同类别的信息融于一体，帮助观众梳理、掌握信息。此外，视频技术也是展览的展品之一。演出是持续性的艺术，而舞台美术设计图只能展示瞬间场景，不能完整体现演出、舞美的变化之美。这就要求在展览中将演出视频、舞美场景切换变化的视频作为展品，以便展示实物展品无法展示的内容。
　　投影、动画可以强化展览的美感，还原舞台氛围，使观众易于理解、乐于观赏。以“舞·影——国家大剧院现代舞摄影艺术展”为例，展览工作人员运用电脑技术制作出一个动态的“舞者”，通过投影使其在展厅入口翩翩起舞。这种动态化的展示增强了展览的吸引力、感染力和引导力，不仅在展览开篇即点明展览主题，更直观、具象的再现了舞者在台上起舞的场景，从新的角度实现了舞台美术与多媒体的联姻。除作为展陈手段外，投影、动画也是舞台美术类别展品的一部分。在舞美设计方案中，常以投影等方式呈现时空变化，如河水流淌、春秋更替等。因而在舞台美术模型的制作中，部分设计师会将微型投影作为模型的一部分，用以呈现舞台效果。
　　（三）、展具设计
　　小中见大，展具、辅助展品等专项设计是展览的专业性和艺术性的集中体现，也是衡量展览设计专业水平的标尺之一。好的专项设计可以强化展览主题，烘托艺术氛围。因而，要完美阐述舞台美术题材展览，展具等专项设计同样不可忽视。
　　在环境设计中，曾谈到视觉高度问题。为达到便以观看的视觉高度，展具的高度与文物类、绘画类展览有所区别。模型类展品的配套展具高度以100-120cm为宜；头妆、小型道具类展品的配套展具高度则以90-110cm为宜。不同类型、不同体量的展品需要搭配不同展具，虽然舞台美术题材展览的展品与文物相比，对安全的要求有所降低，部分展品更需要观众的参与、接触，但对展具的设计同样需要严 格把控，单独设计。以演出服装为例，不同类型的服装展示方式也有所不同。欧式风格的演出服装，适宜使用立裁模特进行展示，在服装穿戴完毕后再通过针线等小工具进行固定，突出身形、曲线等立体效果。京、昆戏服等则适合平铺展示，将戏服中华美的纹饰呈现于观众眼前。造型类服装则需要人形模特穿戴展示或是垂挂展示，以便将特殊的设计造型展现给观众。所以，针对不同类型的服装，展具的设计也需有所不同。如立裁模特展具需要便于塑形、固定的材料，如使用苯板、衬布、钢丝等综合材质制作；戏曲服饰需要根据戏服预先测量、画样、定做衣架，并避免尖锐物剐蹭丝织品。
　　在展具色彩方面，舞台美术题材展览较多选择黑色、灰色等单一、暗调展具，目的是突出展品、淡化展具对观众视觉造成的影响。在演出场景变更时，舞台往往为一片漆黑，舞台布景工人则身着黑色制服进行换景。国家大剧院展览团队在进行舞台美术题材展览的展具设计时，同样融入了这一理念。通过选取暗调、单一色彩的展具，突出展品的繁复、艳丽，以展品自身之美来抓住观众视线。展具结构方面，同样依据上述原则，以极简的框架式展具为主，以满足功能为前提，杜绝展具上出现繁复的装饰，较少使用通柜、玻璃柜等大型、厚重、易反光的陈列柜，较多使用鱼线等进行垂吊、固定，从而降低展具对观众视觉的干扰。
　　此外，为切合舞台美术题材，国家大剧院展览团队在展具设计中运用苯板、亚克力等舞美常用材料，营造舞台美术氛围。苯板是舞台美术中最常用的材料之一，因其价格低廉、轻便易于搬运、易于塑形上色等特点，常被用于舞台布景、道具的制作，以致成为了舞台美术的“符号”之一。国家大剧院舞台美术题材展览在展具设计之时，采用了舞台美术布景、道具制作的概念，将造价低廉、便于塑形及搬运的苯板制作成展览各层级部题版、头妆设计辅助展具等。一方面，突出了“舞台美术”这一主题，引发业内人士的共鸣，并使一般观众了解舞台美术的幕后生产环节，增强展览趣味性；另一方面，有效地节约了展览成本，缩短展览制作工期，大量节省了人力、物力。
　　（四）、版面设计
　　陈列艺术设计不仅存在于立体的空间中，版面设计也是陈列设计中的一项重要环节。展览是图、文、物所共同构建而成的，是二维与三维交织的产物。通过对版面内的文字、字体 、图像、图形、线条、表格、色块等要素的编排，通过视觉方式，使观众直观的感受到策展方所要传递的信息，从而阐述展览主题，普及相关知识，引发观众思考。舞台美术题材展览的环境设计较为特殊，因而在进行平面设计时便需着重注意如何在“暗”环境下处理展览版面，使之既做到与整体环境融为一体，又便于观众观看，不造成视觉疲劳，不淹没于环境之中。首先，从环境氛围来看，版面设计的整体色彩需着重把控。不同于文物展、美术展，舞美展中绚丽多变的灯光是必不可少的。在多变的光环境中，版面设计如使用过多的色块，会导致观众产生目眩、烦躁、焦虑之感，影响展出效果。其次，版面设计的过于花哨、复杂同样不适合舞台美术类展览。以文字为例，选择过多字体、增加多种字效，都会使观众有眼花缭乱之感；而图片方面，过度的进行处理，大量、繁杂的使用阴影、缩放、旋转、曝光等手法，装饰大量纹饰，同样会影响展示效果。其次，从内容方面看，舞台美术题材展览较多涉及的内容为剧照、效果图、设计图、手稿、创作思路、创作技法等图文资料。因而在进行版面设计时，需要注重对图片原汁原味的呈现，反对将图片加以过多装饰，反对版式背景方面的“重口味”设计，以免造成对原设计的“歪曲”，影响对剧目、舞台效果的阐述与展示。以“2011·北京舞台美术设计邀请展”为例，其版式设计以黄、黑两种色彩为主，辅以白色、灰色。版面从排版到字体，均以简洁为基调。从展览部题到文字说明，字体使用三种，分别为宋体、黑体、英文字体；字号使用五种，分别为展览主形象、展览一级部题、展板文字（使用二种字号）、说明文字。图片处理方面，为避免版式设计抢夺剧照、效果图等，均采用黄色背景，灰白渐变过度。展板尺寸在设计之时放弃了高、宽、大的版面，选取了简洁、轻便的小版面，规格控制在为1.5米高、1米宽之内，且放弃了对层叠、突起等字效的使用，避免过多的装饰与变化给观众造成视觉压迫。
　　（五）、安全控制
　　“安全”从来都是展览陈列设计中的重要原则，需要常抓不懈。它包括展品安全和观众人身安全。对展品来说，在展陈设计中，应尽量排除人为因素破坏和自然因素损害。策展方应从陈列环境、陈列设备、陈列方式等多方面进行科学处理。首先是在陈列设计应注重对展品的保护。舞美模型、舞台道具等材质特殊，多为纸浆、苯板、航模条等材料，在高热、潮湿、光照等条件下，易变形、褪色、损坏。此外，由于舞美模型、舞台道具、服装等受到舞台灯光、多媒体设备等因素影响，适宜裸展，不适宜放入展柜，变极易受到人为破坏。由此，在展陈设计之时，必须考虑如何在不影响展示效果的同时，保障展品安全。钓鱼线固定为一种较为实用的方法，通过纤细透明的鱼线将展品巧妙固定于展台之上，一方面可以避免展品丢失，另一方面也不会形成阴影或反光，影响模型、道具等展示效果。在确保展品安全的同时，观众的安全也不可忽视。展厅既是展品的展示场所，又是观众的集散场所。舞台美术题材展览因对环境的特殊要求，展厅往往光线较暗，展具也多为暗调支架，较易被观众忽视，从而易发生观众磕碰、绊倒等情况。为确保观众安全和展品安全，展陈设计时需要注重对安全通道、安全标志、安全提示等的设计，如采用荧光材料、加设警戒杆等。此外，展陈设备、装修材料等也需严格把控。以舞台美术中常用的苯板为例，它极易产生静电且易燃，存在安全隐患，因而在电路设计时就要做好预防措施，将此因素考虑在内；舞美展中大量使用灯具，用电量大，线路架设复杂，也存在安全隐患，同样在展陈设计之时需多加考量，科学处理。
　　正如前文所述，舞台美术与展览陈列同为视觉艺术、应用技术。在陈列艺术设计中融入融入舞台美术元素，可以更好的把控展览设计整体风格与艺术质量。在环境设计、多媒体设计、展具设计、版面设计、 安全控制等专项设计中勤加思考、科学处理，在确保舞台美术的安全性、实用性的同时，提升展览的艺术性与感染力。国家大剧院展览工作者通过不断摸索，较好的诠释了“舞台美术”这一主题，并利用多样化的手段为观众呈现出不同于文物展、绘画展的又一展览类别，将舞台美术设计、展览陈列设计这对看似无关的领域融合为体。
　　结语
　　舞台美术已跨越几个世纪，展陈设计也已逾百年，在新技术革命和信息社会的推动下，展览陈列设计使用新型传播媒体，向电子化、艺术化、空间化的方向发展。艺术设计有更新内容和形式，因而也更加具有魅力。展览不仅局限于文物、绘画、雕塑等等，绚丽的舞台已随着人们物质文化的极大提高而备受瞩目。当舞美设计们交流作品之时，展示即已形成。当观众们因极富美感的布景与服饰而选择赏剧之时，便预示着舞台美术终将成为艺术为大众所欣赏，为人们所关注、展示。无论是舞台美术还是陈列艺术，其对话与交融为必然趋势。它们存在太多的相似、太多的默契，这对应用技术终将成为姊妹艺术，在交流融合中大放异彩。