波普艺术相关论文

波普艺术相关论文

20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮，又称现代派。
发展状况
现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。19世纪80年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的独立价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础,所以,法国后印象主义画家P.塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。以H.马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”,由此“野兽主义”得名。1908年,另一群年轻画家以P.毕加索、G.布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。立体主义用块面的结构关系来分析物体，表现体面的重叠、交错的美感，是立体主义追求的目标。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义已进入自我确立的阶段。与此同时，在德国1905年组织的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。如果说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的刺激下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且试图用线来描绘光和声音。蒙克：《圣母》上述思潮和运动,特别是未来主义,在雕塑领域内均有所反映。未来主义的画家和雕塑家U.博乔尼于1912年4月签署关于雕塑艺术的宣言,并把未来主义的原则运用到自己的作品中，代表作为《在空间连续的形》(1913)。相应的现代主义美术思潮在20世纪初的俄国也相当活跃。除了受立体主义和未来主义影响产生的一些社团外，俄国的构成主义对现代艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。抽象主义的美术作品最早于1910年前后产生。首先从事抽象主义艺术创造的是参与德国青骑士社活动的俄国画家W.康定斯基。他用点、线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言，用绘画来传达观念和情绪。他的著作《论艺术中的精神》(1912)、《点、线、面》(1923)等奠定了抽象主义的理论基础。作为实践家，他主要从事抒情抽象绘画的创造，但同时也在几何抽象方面有所探索。俄国的画家K.C.马列维奇于1913年左右创建的至上主义，属于几何抽象的范畴。至上主义在平面构成上的努力，在探讨艺术的虚、空、无方面的尝试，应该说是有意义的。真正奠定几何抽象主义理论基础和在艺术实践上有突出贡献的是荷兰画家P.蒙德里安创建的风格派（或称新造型主义）。在整个20世纪，抽象主义基本上遵循着抒情的抽象和几何的抽象两个方面发展，只是在各个阶段有所变化而已。康定斯基：《第一抽象水彩画》第一次世界大战期间在瑞士苏黎世出现的达达主义社团，影响波及欧美各国。在法国、德国都有达达美术社团。达达主义反对战争，反对权威和反对传统，同时也反对艺术，反对一切，作为社团它必然要走到自我否定的境地。达达的虚无主义和反传统的精神，贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。在平面的绘画中采用拼贴手法，把偶然性、机遇性运用在美术创作中，是达达对现代美术的贡献。超现实主义的社团是从达达内部分化出来的。它用建设性的态度对待艺术创作，以取代达达主义的破坏和挑战。它直接从弗洛伊德的潜意识学说中汲取思想养料，并以弗洛伊德的理论作为这一艺术运动的指导思想。超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中汲取灵感,致力于探讨人类经验的先验层面,试图突破现实观念,把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合,以达到一种绝对的和超现实的境界。超现实主义者常常采用出其不意的偶然结合、无意识的发现、现成物的拼集等手法。写实与抽象的语言在他们的作品兼而有之。从1924年以后到30年代末，是超现实主义美术的活跃期。30年代以后，作为艺术运动，超现实主义逐渐冷寂，但许多重要的超现实主义画家仍然活跃于欧洲和美国画坛。波伊斯：《向兔子解释图画》第二次世界大战以后曾在美国产生的抽象表现主义（又称行动绘画或纽约画派），是集表现主义、抽象主义和超现实主义大成的流派，也是重视个性、重视风格的现代派绘画顶峰。抽象表现主义强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性，把创作行为本身提高到重要的位置，已经孕育着以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。杜尚：《干燥的便盆》继抽象表现主义之后产生的硬边抽象、后绘画性的抽象是几何抽象主义在新形势下的变化和发展，也说明艺术从强调主观感情到侧重于客观表现的转变。这种转变在与抽象表现主义完全相悖的波普艺术中表现得更为明显。波普艺术的兴起，说明西方的现代主义向后现代主义转变。当然，对于后现代主义这一概念，西方美术史论家们的论说很不一致。首先在建筑中使用的后现代主义，当然是一个相对的、模糊的、充满着争论的概念。严格地说，后现代主义是不能与现代主义截然分开的。后现代主义加以弘扬的许多方法与原则，在现代主义的美术中已经尝试过、试验过，只是在后工业社会里把个别的方法和原则加以极端的发展和夸张。后现代主义在某些方面也确实是现代主义的反拨。然而，现代主义的审美原则仍然强烈地影响着当代西方的美术家们。新表现主义、新超现实主义、新抽象等流派在80年代的兴起，多少说明了这个问题。在现代主义与后现代主义美术思潮的变化中，似乎可以看到，艺术中的主观与客观、理性与感性、人性与共性、风格特征的加强与消失、人性与机械性、阳春白雪与下里巴人、艺术的审美与反审美，永远是使艺术家困惑并驱使他们去不断探索的课题。在艺术发展的历史过程中，常常会产生此长彼消或彼长此消的状况，尤其在工业化社会和后工业化社会，这种状况更是常见。观念艺术及其他后现代派思潮之所以那末惊世骇俗，就是因为它们不仅和传统艺术背道而驰，而且在向现代主义挑战。但是，历史本身似乎在昭示着这样一个事实，艺术发展存在着不以人的意志为转移的客观规律。艺术的本身进程犹如社会本身的进程一样，本身具有一种自我调节的力量，它要在上述列举的种种两极之间寻求平衡。当然，平衡是短暂的、临时的，不平衡则是绝对的、永久的。唯其不平衡和充满着矛盾，艺术才不断向前发展。即使在发展过程中充满着矛盾和曲折，整个趋势则是向前的。从这个意义上说，现代主义艺术应该被认为是对现实主义的一个有力补充。或者说现代主义是一个新的艺术表现体系，它有别于现实主义，更与现代工业社会的时代节奏相吻合。至少它已经获得了与现实主义共存的力量。雷斯：《法国式的场景》特征 既然现代主义美术是西方进入垄断主义时代以后产生的，是伴随第二次工业革命的产物，它就不可避免地反映了这个时代政治、经济和精神文化生活的重要变革，反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。不同于现实主义的是，现代主义的美术在对待社会、人、自然与自我的关系上失去了平衡，关系是扭曲的。这样，现代主义的美术家似乎是超脱社会、超脱自然的人，他们不直接描写社会和人生（少数艺术家例外），但他们的作品影射着社会和人生，采用的语言是荒诞的、寓意的或抽象的。在他们的作品中，可以感觉到这些艺术家表现了现代人们（包括艺术家们自己）的精神创伤和变态心理，感觉到他们对现实生活的消极、悲观和失望的情绪，感觉到他们思想上强烈的虚无主义。正是现代主义美术作品的这些特征，使它们具有不可忽视的社会历史的和审美的价值。因为它们正是西方现代社会和现代精神生活重要方面的写照。
对现代主义美术发展起了重要作用的是现代工业和科学技术。现代主义的美术家们对待现代科学和机械文明的心理和态度是复杂的。在有些艺术家的实践（如立体主义、未来主义和构成主义）中，试图反映社会的这一深刻变革,而在大多数美术家的作品中,对工业文明采取回避和超然的态度。他们对工业社会人性的贬值、机械的升值表示不满。但这丝毫并不意味着现代主义美术的主流与工业社会的进程相反。事实上，工业、科技文明剧烈地改变着现代社会的面貌，从精神上有力地推动了现代艺术的迅速变化。
现代主义艺术最早从康德的先验唯心主义武库中汲取了养料，同时又受到现代哲学思潮，特别是尼采、弗洛伊德、柏格森、荣格、萨特等人的哲学、心理学的强烈作用。尼采的学说，不仅对德国的表现主义运动起过推动作用，也对整个现代主义的文艺运动产生很大影响。尤其是他否定权威，主张发挥以人的意志、本能为基础的创造力，蔑视中产阶级的文明和虚伪道德，对无意识和本能的推崇，对世界前途的悲观主义，在现代主义的各个流派的理论和实践中，都有所反映。弗洛伊德的潜意识学说，他的“无意识才是精神的真正实际”，是超现实主义运动的理论支柱，正是在弗洛伊德理论的引导下，超现实主义以及其他流派的美术家们用多种手法挖掘人们精神世界的深层，其后果是一方面开拓新的艺术表现领域，另一方面使艺术语言趋向荒诞和怪异。自然不少作品创造了荒诞、怪异的新境界。
现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来，具有象征性、表现性和抽象性的特点。现代主义多流派标榜自己是反传统的，实际上它可能完全抛弃传统。它竭力否定和排斥的是19世纪中期以来的含有学院派特征的写实主义传统。在对待历史遗产方面，它们更重视对原始社会艺术、埃及和美索不达米亚的美术、希腊古风时期美术、欧洲中世纪美术的研究。自印象主义之后，西方美术家开始把目光转移到中国、日本和印度的绘画、工艺品的表现语言上，探索写意的表现手法。野兽主义、立体主义的美术家们直接受益于非洲雕塑。同时，中东的伊斯兰教美术和大洋洲的艺术遗产，也是现代主义艺术家们研究的对象。上述人类历史上的美术遗产均为现代主义美术家们提供了有益的养料。
总的说来,20世纪以来西方的现代主义美术,适应了现代社会人们的需要，创造了一批可以列入人类经典文化的作品，但远非所有流派和思潮的理论都是无可非议的，更不用说其中有些作品的思想倾向颇值得研究。对于现代主义美术不加分析地一味赞扬是不可取的，而视现代主义为洪水猛兽、拒之于门外，不让人们接触和了解更是愚蠢和可悲的。中国80年代以来艺术创造和理论的繁荣、活跃，除了社会、经济的推动这些主要因素之外，与包括西方现代主义在内的外国文艺提供的可用来参考、借鉴的丰富资料不无关系。

哪位兄台有“波谱艺术与建筑”方面的文章或信息？

　　波普艺术是英文“大众艺术”（Popular Art）的简称，最早起源于50年代的英国。艺术家汉密尔顿用图片拼贴手法完成的《今天的生活为什么如此不同，如此富有魅力？》被认为是第一件真正意义上的波普艺术作品。波普艺术的真正发展是在大众文化最发达的美国。美国的波普艺术与50年代的抽象表现主义有直接的联系，当年轻一代的艺术家试图用新达达主义的手法来取代抽象表现主义的时候，他们发现发达的消费文化为他们提供了非常丰富的视觉资源，广告、商标、影视图象、封面女郎、歌星影星、快餐、卡通漫画等等，他们把这些图象直接搬上画面，形成一种独特的艺术风格。波普艺术以一种乐观的态度对待消费时代与信息时代的文化，并通过现实的形象拉近了艺术与公众的距离。波普艺术意味着抽象艺术为代表的现代主义的完结，开始了后现代主义的新阶段。

　　弗朗西斯·安德顿 撰文
　　走向波普建筑 “我们越往西行驶，在高速公路上就看到越多的波普形象……甚至波普无处不在……波普，这是新的艺术。一旦理解了波普，你再也不会以相同的方式看待一个标志。而一旦你思考过波普，你再也不会以同样的方式认识美国了。” ——安迪·沃霍尔 安迪·沃霍尔在1962年做了那次由纽约西行至洛杉矶的颇具启示的旅行。那一年，波普已经作为国际上认可的文化现象随处可见了。 那年，建筑师史蒂芬·坎纳还是一个成长在波普之都——洛杉矶的小孩。虽然小小年纪，他已对周围好玩的商业环境非常适应了，并且被沃霍尔所吸引。对史蒂芬而言，这是一个黄金时代，到处是小型高尔夫球场、保龄球馆、汽车影院、汽车旅馆和未来派风格的咖啡店，所有这些都由欢快的巨幅广告标志传达出来。在他看来，洛杉矶是一个有生命力的新城市，镀铬装饰的小汽车穿梭在干净而宽阔的街道上，街道两侧是整洁的住宅排列在充满阳光与绿意的草地上，家家户户都有着现代化的设施，使用它们的是些爽快而面带笑容的家庭主妇。而且，还有迪斯尼乐园。“有多少城市有波普艺术和迪斯尼乐园呢？又有多少城市能有这么多的色彩和阳光呢？”史蒂芬这样问道。这是在越南战争、肯尼迪总统和马丁·路德金遇刺和石油危机等事件之前。

　　当时，史蒂芬的父亲杳克·坎纳是一个成功而多产的建筑师。他从弗兰克·劳埃德·赖特和加州现代主义者查尔斯，雷·埃姆斯，理查德·诺伊特拉及约翰·劳特纳那儿汲取灵感，在加州、亚利桑那州和火奴鲁鲁等地建造了一些商业中心。他还画过一些生动的、照片写实主义的作品，如百事可乐瓶子，莱登·约翰逊和火箭发射，工业机械，电视屏幕以及肤色白皙、金色卷发的女人——喝冰水的女人，吃牡蛎的女人，戴胸罩的女人，穿着高跟鞋步入商店的女人等。查克的绘画源自杂志上的照片形象，照片作为“一种工具使我能捕捉到平常情况下难以描述的东西”帮了他的忙，就像照片帮了照片写实主义者的忙一样。他的作品“模糊了照片写实和波普艺术的界限”，他认为所表现的没有太多对体态婀娜的金发女郎的潜在偏好，而更多是表达了对那时商业形象的强烈兴趣，查克还从与他同时代的波普艺术家詹姆斯·罗森奎斯特（他以前曾是商标画家）、梅尔·拉莫斯和罗伊·利钦斯坦的作品中汲取灵感。他认为这些照片写实主义者的作品代表着手工艺向现代艺术的回归。 尽管在绘画方面有天赋并受到疲普艺术和文化的深深影响，查克和他的儿子及合作者史蒂芬还是选择了用建筑表达这种情绪。 在80年代初，他们的公司坎纳事务所已经在洛杉矶创作了大量作品，表达了对战后南加州商业化的现代流行主义的推崇。他们创作的工程涉及面很广——从汽车通过式汉堡包快餐店到社区体育馆到集合住宅，都是些对流行的建筑与形象的图案化的奔放而抽象的表达。这些建筑通常是低造价的，欢快而幽默，它们炫耀着夸张的色彩和尺度，向每一个驾车而过的人宣扬它们的存在。简而言之，这就是波普建筑。

　　坎纳事务所在当时并不是一个初出道者。这家以洛杉矶为基地的事务所最初由查克的父亲赫尔曼在1946年创建，历经3代，已经建造了大量的各种不同风格的建筑，并以其完好的设计和适合文脉的设计能力而享有盛誉。但他们共同的目标是创造一种能最响亮最确切地反映战后南加州精神的建筑。 这是一个气候宜人、工作机会多、一派繁荣和舒适的时代。乐观主义的情绪不仅表现在艺术与图形中，也反映在建筑上。现代主义在南加州得到普及并迅速发展，在30年代是外来建筑师理查德·诺伊特拉和鲁道夫·辛德勒所提倡的自信而阳光灿烂的国际式风格之类的兴起。搠下来在战后是50和60年代动感地未来派风格的设计，如佩雷拉和勒克曼为洛杉矶国际机场设计工主题建筑，约翰·劳特纳（他的设计“古奇”餐馆的名称后来成为与洛杉矶同义的现代主义商标名称）和阿迈特及戴维设计的结构动感、材料富于想象的餐馆。

　　现代主义固有的社会理想主义与技术理想主义在住宅个案研究项目中也十分盛行。一项有想象力的大规模住宅工程，是以《艺术与建筑》杂志编辑约翰·思滕扎为首发起的，主要是想检验大量性生产的构造方法在住宅设计中的适用性。这些宽敞优雅的住宅由钢框架及玻璃幕墙组成，分别由建筑师查尔斯，雷·埃姆斯，克拉克·埃尔伍德和拉斐尔·索里亚诺设计。这批建筑及设计者的高雅而轻快的生活风格，对查克和史蒂芬及其他许多现代建筑师都有着深刻的影响。

　　此外还有来自洛杉矶外围的其他影响，如巴西利亚的奥斯卡·尼迈耶浇灌和扭曲混凝土，就当它们是太妃糖一样；还有欧洲早期现代主义者密斯·凡·德·罗，沃尔特·格罗皮乌斯，格里特·里特维德，勒·柯布西耶以及美国有机现代主义的鼻祖弗兰克·劳埃德·赖特。

　　从这些丰富的源泉中，查克发展了一种源自波普而更有克制力的白色现代主义，并从他父亲那儿继承了对职业精神、严谨的布局与建造方式的保证。在早斯的建筑与规划中，他的设计充满创造力，让人眼花缭乱。建筑作品如巴尔摩时尚广场，有头方形切角的平面和简化的赖特式细部；洛杉矶的科普兰总部大楼，有着木夹板拱结构和混凝土块状壁画。甚至在他1953年设计的USC建筑学校项目中，犹太教堂和小学校使用了轻盈欲飞的屋面和设在路上的飞镖形柱子，不过，他在70年代和80年代初斯还是趋向于更冷静的国际式网格的设计。查克说：“我将没着现代主义的路走下去并深信这就是正确的路”。在80年代初这家事务所建造了海岸住宅，它是一个有趣的魄正方形平面、开敞式布局的住户自有的复合体；还设计了政府大楼，它是洛杉矶东一座混凝土巨块状建筑，带有深受柯布西耶影响的轻盈装饰。 当时史蒂芬也和查克一样对这种建筑风格上的影响作出反应，并且吸收了他父亲的波普绘画和早斯设计的波普建筑的经验。为此，他对诸如洛杉矶街边标题性建筑，还有“古奇”风格的后未来主义的形象卡通杰特森，以及克莱斯勒展览会（1939年纽约世界博览会）上的特赖恩和佩里斯费尔、迪斯尼乐园中的明日世界和50年代洛杉矶海滨流行的娱乐公园已废弃的太平洋公园等后未来主义形象的热情更高了。他喜欢那些主要是商业性的通常是不必要的建筑，他认为那些赞美平凡和日常事物的艺术家的作品“从未得到应有的评价”，如安迪·沃霍尔，罗伊·利钦斯坦，弗兰克·斯特拉，克拉斯·奥尔登伯格，埃德·拉什及其精神父辈如野兽派（Fauvists）画家们，梵高和莫奈的作品。出于同样原因，他很欣赏70年代因机智、自嘲而闻名的美国赛特事务所设计的解构建筑贝斯特陈列室。 他于1992年加入事务所，致力于在作品中灌输他的流行的现代主义精神，并且受到查克的极大鼓励。查克认为儿子的作品如同基因遗传般反映了自己早年的影响和思想。他们共同创造了一种混合美学，其中掺杂了早期现代主义布局的完美严谨和“古奇”（Googie）式的欢快，结果便是一种精神外向型的设计，被史蒂芬描述为“我们自己的现代波普主义品牌，倾向于有趣和积极的方面”。

　　在建成的作品和幻想的计划中，近15年来的作品不断进步，每项工程都更充分地成为他们理想的典范。 首先来看一个大想法支持下的名叫“斯威特16”的小规模改造工程。在这里，一排建于40年代的衰败的餐馆和商店通过增加通高的玻璃和支撑商店招牌的巨大雨篷，转变成为排动人的“公告牌”，沿着街道一阶阶地布置着。在房屋的一侧，显示着立面轻盈的三角形承重钢架是露明的，并涂上明亮的黄色和红色。它以自信和欢快的外观使过往者停车观望。 在哈佛公寓项目中，这种“公告牌”的方法发展成为一种更成熟的现代主义与波普主义的共生形态。这是洛杉矶附近的居民关系紧张后个朝鲜镇，有13栋低价住宅的综合体。它建成于1992年，称得上史蒂芬所描述的“充满洛杉矶韵律的火腿加瑞士奶酪的现代主义式白色三明治面包。”这座建筑是白色而现代的室内与裹着红色与黄色和跳跃的圆形与方形图案的外观的混合体。按顺序讲，哈佛公寓是由早期作品——圣安德鲁斯发展而来的。圣安德鲁斯是加一个朝鲜镇上的低造价住宅综合体，是由同一个私人发展商委托的，不过它是处改造工程。坎纳事务所并没有改变现有平面，他们只朴实地给建筑物作了立面调整，在原先破旧的实用主义的立面上蒙上色彩轻柔的圆形和倾斜方块图案。这两项工种都以极低造价实现，表明了波普艺术对廉价和普通建筑的情趣以及纯表层上毫无顾忌的欢快。

　　“公告牌”的想法在几个工程中都得到响应，如罗宾斯汽车顶篷公司展室中，一个巨大的盒子上装饰着象征摩托车赛的绿色的白色大方块马赛克以及放大的栩栩如生的矮胖的坎贝尔蔬菜汁罐头。这种“三明治”式的或现代化与“古奇”的混合物在其他作品中也有表现。在未建成的计划项目如科普兰住宅中，个案研究和“古奇”及其座住宅3号等完全相反的影响被朴实地整合在一起，其中基座住宅3号是理论住宅设计系列的第三项，它结合了现代主义的平面和表现主义的形式。 基座住宅反过来也是一系列幻想计划中的一部分，以动感的结构、猛增的高速公路、流动的形状、蓝色的天空和大胆的色彩为特征。这些计划受到自由式混凝土设计大师奥斯卡·尼迈耶的启发，并出现在史蒂芬速写簿的彩色粉笔画中。用史蒂芬的话说，它们代表了“唤起美好回忆”建筑，仅是为了“让人想起美好的时光，那时一切都那么美好。”他还设计了产品和家具布置在这些房子里——椅子、躺椅、桌子和橱柜，都是后未来主义风格却又是坚固的和易加工的。 随着IN—N—OUT汉堡餐馆的完工，坎纳事务所的波普现代主义者们的呼声最近达到了一个顶点。这家餐馆位于韦斯特伍德村一个繁忙的交叉口上，邻近对面的煤气站。它的、希普斯餐馆以及通常的50辆汽车通过式餐馆表现出一种有趣的包容。这栋建筑外观为浅红色、黄色和白色混合形式，它来自公司标志的色彩和飞镖形箭头。这栋建筑有着轻盈欲飞的屋面及一个巨型标志，在内部以一种克拉斯·奥尔登伯格欣赏的方式用巨型的“IN—N—OUT”字母做成一道分隔性。这是一栋作为广告牌和表现主义形态的建筑。公从被其中毫无争议的加州最好的汉堡包所吸引，同样也喜欢这个地方。一位旁观者称之为“我所见到的最漂亮的建筑”，另一个把它描述成“一件艺术品”，还有一位用对史蒂芬而言如音乐般悦耳的语言表示，“它使我想起迪斯尼乐园的明日世界。” 在使主体文化以油画形式永久保存方面，出现在50年代末60年代初的波普艺术家对纽约抽象表现主义者的狭隘和精英观念作出回应，后者在过去的20年里因其为艺术而艺术的绘画作风在艺术界而不是在公众那里获得胜利。现在，在90年代，以洛杉矶为基地的坎纳事务所成为少数建筑师事务所如解构主义，寻求能反映支持流行品味的委托和风格。它从50、60年代的商业建筑中汲取灵感，他的作品自认不像字面上的解释那样。只有当波普反传统，在尺度和媒介方面发生变化并悬挂在美术馆的墙上时，“低俗”的波普才变成“高雅”艺术。因此，坎纳建筑事务所关心的是创造关于波普源泉的抽象解释，以及波普艺术的反面和偏远的特点的暗示。他们对价值不大的改造项目的设计不感兴趣。然而，他们想建造充满力量、情感和空间戏剧性的快餐店和低造价住宅。尽管避开了“高雅艺术建筑”，他们仍立志于创造建筑。

　　许多建筑师，其中包括最有名的罗伯特·文丘里和丹尼斯·斯科特·布朗都曾试图模糊高雅与低俗之间的界限，但它引发了波普艺术固有的矛盾。用批评家戴维·戴奇的话说，这种现象使“有特权的观众站在普通民众之中却又对同样的事物享有文化上对普通民众的疏离感”。

　　

谁能给我找点波普艺术的影响的文章啊

　　20世纪60年代，英国因波普运动而改变了落后的设计面貌。波普艺术运动对英国设计乃至后来国际上的设计风潮都产生了极大的影响。
　　波普艺术运动反传统的意识形态给英国设计家带来了启迪，他们不再苦苦追求要重新开始现代主义设计运动，而是顺应了时代的新风尚，迅速开辟出一条新的设计路径。新一代的设计家们借用具有鲜明的现实感和时代气息的波普风格进行积极的反抗。他们认识到，新一代的消费者，特别是青少年、职业妇女要求的是代表自己喜爱的、新的时代的风范，时装设计是英国波普设计运动的“领头羊”，它不再致力于中年一代墨守成规的服装，主要为青少年的时装，并且针对的市场也不仅仅是少数高层权贵部分，而是兼顾到比较广泛的大众市场。时装设计充分体现了波普风格，它有一种非常粗俗的色彩和方法、一种放肆傲慢的感觉和一种新奇特殊的快乐。便宜、惹眼、又具消遣性的服装与大胆、艳俗的时装店门面相映成趣。波普时装设计的代表人物玛丽·宽特（Mary Quant）以儿童的天真作为设计动机的参考源，把女性时装设计成小女孩的服装式样，而安德烈·科列吉斯（Andre Courreges）则模仿宇航员的服装设计了银箔装。设计师们通过他们的设计，赋予服装以新的含义，无论从材料上还是图案上都强烈地表现了他们希望强调的特征。
　　家具设计的波普风格出现于20世纪60年代中期，完全打破传统，同时也打破了现代主义、国际主义风格的束缚。特伦斯·科兰（Terence Conran）1964年开设的家具零售店“哈比塔特”（Habitat），是推广波普家具的主要阵地，这里的家具和用品色彩鲜艳绚丽，造型简练，价格低廉，非常受青少年的喜爱，因此生意兴隆。一些个体设计家从事波普风格的家具设计探索，同样表现出一种玩世不恭的青少年心理特点，如彼得·穆多什设计的纸椅子，以英文字母为表面图案装饰，具有廉价和表现性强烈的双重“波普”特征。其他的这类设计家还包括马科斯·克林登宁（Max Clendenning）和他设计的拼接家具，罗杰·丁（Roger Dean）和他设计的吹塑椅。这些设计满足了新一代消费者的心理需求，他们不再只是要求耐用的、功能良好的经典功能主义家具。
　　上文提到的一些著名的波普艺术家本人也在一定程度上参与了产品设计的实践，如艾伦·琼斯1969年设计的裸女茶几和色情座椅就巧妙地将消费时代的色情图案与家庭用品结合到了一起。波普艺术的表现方式瓦解了现代主义的紧张感和严肃感，为享乐主义敞开了后门。因此，各种各样奇怪的产品造型、各种各样特殊的表面装饰、非常特别的图案设计都让进入丰裕社会时代的人们大吃一惊、眼前一亮。
　　英国的波普运动向人们昭示了艺术与设计的关系在消费社会中是越来越紧密相关：一方面，艺术无法抗拒商业文化对精神领域的侵袭，无法将商品排除在视线之外，因而商品形象或工业设计品形象大量进入艺术创作之中；而另一方面，设计家又频频向艺术家借用创意，开创设计新风，努力为商品增加更多的文化附加值。受波普艺术运动影响而发展起来的英国波普设计，终于改变了英国设计的落后面貌，“波普”成了20世纪60年代世界设计风格的代名词。
　　色彩必须大胆和强烈，设计造型应该突破旧有的造型框框，只有这样设计才能为新的社会和市场服务；也只有这样，英国的设计才有可能与横行霸道的国际主义设计风格分庭抗礼，自立门户，形成自己的民族的当代设计风格。投入到波普设计的设计家大部分是刚刚从艺术学院毕业的学生，他们对于现代主义、国际主义设计风格的垄断局面非常不满。现代主义设计虽然具有讲究功能良好、强调理性和注意服务对象的特点，但是单调、冷漠而缺乏人情味道的风格对于战后出生的年轻一代来说是陈旧的、过时的、难以忍受的。