达利作品论文文献
达利作品论文文献
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《记忆的永恒》是达利在1931年完成的布上油画,典型地体现了达利早期的画风。《记忆的永恒》作于1931年它受到弗洛依德的启迪表现了一个错乱的梦幻世界。我们看到清晰的物体无序地散落在画面上。那湿面饼般软塌塌的钟表尤其令人过目难忘。无限深远的背景给人以虚幻冷寂怅然若失之感。达利的绘画往往是支离破碎的充分展示了无意识的梦幻场景。但实际上这些看似偶得的幻觉形象必定经过了画家相当的努力而看似无意识的画面必定是有意识计划的结果甚至是惨淡经营的结果。《记忆的永恒》也不例外。弗洛依德曾这样对达利说“你的艺术当中有什么东西使我感兴趣?不是无意识而是有意识。”
画面展现的是一片空旷的海滩海滩上躺着一只似马非马的怪物它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部怪物的一旁有一个平台平台上长着一棵枯死的树而最令人惊奇的是出现在这幅画中的好几只钟表都变成了柔软的有延展性的东西它们显得软塌塌的或挂在树枝上或搭在平台上或披在怪物的背上好像这些用金属、玻璃等坚硬物质制成的钟表在太久的时间中已经疲惫不堪了于是都松垮下来。达利承认自己在《记忆的永恒》这幅画中表现了一种由弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉是自己不加选择并且尽可能精密地记下自己的下意识自己的梦的每一个意念的结果。而为了寻找这种超现实的幻觉他曾去精神病院了解患病人的意识认为他们的言论和行动往往是一种潜意识世界的最真诚的反映。达利运用他那熟练的技巧精心刻画那些离奇的形象和细节创造了一种引起幻觉的真实感令观众看到一个在现实生活中根本看不到的离奇而有趣的景象体验一下精神病人式的对现实世界秩序的解脱这也许是超现实主义绘画的真正的魅力所在。而达利的这种将幻觉的意象与魔幻的现实主义作对比的手法更使得他的画在所有超现实主义作品中最广为人知。
每一幅作品都与作者的生活经历和社会生活为背景的也就是说一幅作品的形成受到作者思想以及社会环境的影响。因此作品本身会反映社会环境或是作者当时的思想状态。那么现在我们就来介绍一下《永恒得记忆》的作者吧。
“除了毕加索萨尔瓦多·达利也许是最为知名的二十世纪画家。”这是道恩·艾兹(英)在他所著的《达利》一书中的开场白。确实在超现实主义画派中达利(西班牙Salvador Dali1904—1989)比其他画家更加声名显赫或者可以说“臭名昭著”——这不仅仅因为他的那些想象力丰富得令人震惊的画面更因为他那古怪得让人侧目的形象和行为。我们不能不承认他是个天才无论从艺术的角度还是从自我宣传的角度。他一本正经地宣称自己和疯子的区别在于他不发疯。他精心侍弄他的小胡子使之成为其身体上的一道独特风景线。他在画布上“做梦”表现性、战争、死亡等非理性主题。他撰写《萨尔瓦多·达利的秘密生活》、装腔作势地进行各种活动„„总之这个西班牙人的言行举止连同他的艺术已共同构成了超现实主义的特别景观。
作为1931年完成的油画如果解读画作中的荒诞性那么《记忆的永恒》已经在很多方面显示并预言50年代开始兴起并发展的荒诞派。虽然《达利自传》中有“《查拉图斯特拉如是说》却让我觉得还不如我本人能写的东西”的表述似乎表明达利对于存在主义思潮的排斥不过或许按照弗洛伊德的说法这是一种“孩子对母亲初次的反抗”。然而从读者接受理论来看一部作品从完成的那一刻起就已经与作者毫无关系只在读者的阐释和理解中取得其存在价值。因此对于《记忆的永恒》的解读从读者的角度而言无论作者达利究竟受过存在主义多少影响或是有直接证据表明根本没有影响都不妨碍我们从中解读出荒诞派的雏形。 荒诞派戏剧接受了存在主义哲学的基本主张和超现实主义等流派文学观念及表现手法并加以融会从而形成自己的独特风格。从整体的世界观来看《等待戈多》和《记忆的永恒》至少有这样一个相同之处两部作品同样是在文本内部创造出一个迥异于我们所处现实的世界看似荒诞可笑或是超现实但实际在他们所创造的世界内部却通过世界的自行封闭衍生出内部的逻辑给予世界的存在逻辑上的合理性。无论是阅读《等待戈多》还是观看《记忆的永恒》观众都会被自己所处的荒诞世界所造成的陌生化感受所影响从而在一定程度上造成观看阅读障碍需要通过具体碎片状的熟悉意象如《记忆的永恒》中用人脸部分器官拼贴的奇怪存在或者《等待戈多》中幸运儿毫无逻辑的台词用自己的理性加以分析来理解世界的本质。
观察《记忆的永恒》所建立的世界。纵观整个画面除去具体意向摆放钟表的平台画面下方的沙滩上方的大海和天空阐释了整幅画作的世界观。看似稀松平常实际上却无限接近于一个概念无。不同于写实绘画的详细背景和确定世界而《记忆的永恒》所提供的世界则只是一个天、水、地的最简单概念组合接近于世界的一种原初设定基本上没有任何内容是一种相当空泛而概念化的存在。而在这种概念之上放置第一重意象我们则可以看到左下角的平台和右上角的礁石两个意象的能指互相出现了意义的解构。右上角的礁石以写实手法绘制而成给整个世界带来的是一种确定和真实的意义附加。而与此完全相反左下角概念化描绘的平台因其过于理想化的方正的造型置于所谓的“写实世界”中因其形体之间产生的矛盾反而带来一种不真实的感觉。而因为肉眼对于光亮的敏感性在一般的欣赏过程中一般都会先看到远处的礁石然后才观察近处的平台因此按照假设的观看顺序正是之后看到的平台其意义解构了代表“写实”的礁石奠定了《记忆的永恒》整个世界的虚无和荒谬感。而在这种逻辑下“写实”的存在反而成了“荒谬”的一种佐证。
细细观察此幅绘画的细节此幅作品以风景为衬托有一只正在熔化的钟表软瘫的像蜡一样的钟表它们被挂在树枝上落在不知名的方形体积上搭在胚胎状物体上。画面中的风景是异常平静的 它是那只著名的“软表”的背景“软表”即将熔化。事实上柔软的钟表也是达利最广为人知的题材 他自己也十分喜爱表现“软表”这一题材仿佛表示出达利对“时间”这个主题的狂热。对于时间的制约性以及时间到底存不存在永恒性和记忆性达利特别感兴趣。这种常常被他描绘成软绵绵的甚至可以流动的钟 显示出他对自己所痛恨的事物的冷酷无情而这样一种象征手法也只限于他所憎恨的事物。他曾说“机械从来就是我个人的仇敌至于钟表它们注定要消亡或根本不存在。”达利所创造的符号中最著名的莫过于这幅《记忆的永恒》中的“软表”这块“软表”有非常丰富的视觉意义和心理暗示。首先从视觉的层次上分析用“软”代替“硬”用不正常代替正常这给所有的观众带来一种极大的新鲜感与陌生感。这种手法与戏剧家、理论家布莱希特的“陌生化”理论不谋而合当然这一点是对一般的观众而言的。
我们可以从“软表”联想到柔弱、糜烂、坍塌甚至让人恶心„„要知道达利在当时算得上是一个“前卫”的艺术家他所要做的事就是挖掘人类心灵深处隐秘肮脏的东西 也许他是想揭穿资本主义内核中腐朽表面的本质。在那样一个资本主义经济危机的痛苦时代人们对于金钱、欲望的心理渴求就像这块“软表”一样被扭曲最终也被出卖。与其说这是艺术家在讥讽这样一个不幸的事实 不如说他正在肆意地挑逗人们那样脆弱如紧绷之弦的欲望。我们不能无视艺术家的用意尽管这种用意更大程度上显得狠毒。“软表”还有一个显而易见的内在意义那就是代表着肉体与精神的阳痿。
画面中蚂蚁密集在表面上这些象征腐败的形象正如达利经常回顾的其源泉产生于他的童年时代。《达利的秘密生活》一书记载“六岁的达利从堂兄手中接管那只受伤的蝙蝠开始蚂蚁走进达利的记忆注定是天意。对这只受伤的小蝙蝠达利倾注了他所有的爱。但是噩梦降临在小达利的身上不知什么原因他最爱的小蝙蝠被一大群疯狂的蚂蚁包围着遍体鳞伤痛得发抖已是奄奄一息。他跳起来拿起爬满蚂蚁的蝙蝠并发疯似的咯吱咯吱咬蝙蝠的脑袋还把它扔进了水里。从此蚂蚁就伴随着达利。”据研究表明“在达利的作品中忙碌的蚂蚁通常是紧张、焦虑和衰老的象征暗示着达利潜意识里的恐惧、无力、不安和性焦虑。”
达利绘画中的潜意识符号除了上述提到的软表、蚂蚁还有面包、拐杖、抽屉等。通常用这些符号来诠释他的梦境。在达利的作品中每一种东西都不是它的本体都被达利赋予了特殊的涵义。面包是达利喜欢描绘的对象借助它达利可以尽情表达他对情欲的幻想。对于抽屉达利也做了如下的解释“有抽屉的人体与弗洛伊德精神分析的理论有关。弗洛伊德认为抽屉代表女人潜藏的情欲。在达利的作品中抽屉基本上是在女人体上出现表现了达利对情欲的幻想。”达利赋予了拐杖以象征意义与前面的两种形象是不一样的。达利认为拐杖给他的感觉是一种自信心的缺乏 然而又要表现出一种不同于往日的傲慢因此达利曾说拐杖在他的眼中是“死亡的象征”。
我们可以看到抛弃超现实主义主流的解读方法以及弗洛伊德的精神分析理论我们对《记忆的永恒》的阐释所表现出的正是荒诞派的风格和表现手法。在上述阐释看来《记忆的永恒》实际上所表现的是作者想要表达的一个荒诞的世界在这个世界中一切的存在最终都指向荒谬和无意义本身人的存在在狂欢和时间中被异化而时间本身的存在也是不可靠的整个世界对人类而言呈现出的是一种冷酷和不可理解。在艺术欣赏之中所谓作者解读或是权威解读只是一种阐释作品的方法在审美活动中并不真正具有权威性而正是这种个人化的审美和理解才可能是通往艺术真正的钥匙。
参考文献
1、[西]萨尔瓦多·达利著陈训明张劲张良君编译。达利的秘密生活一个天才的日记。湖南美术出版社.1997.
2、达利等著杨志麟等译。达利谈话录。广西师范大学出版社.2002.
3、柳淳风著。达利。中国人民大学出版社.2004.
4、[英]肖恩·艾滋著吕澎译。达利。湖南美术出版社.1988.5.
5、翟墨王端廷主编王红媛编著。达利论艺。人民美术出版社.2001.
6、翟墨、王端廷主编王红媛编著。超现实主义。人民美术出版社.2000.
需要一篇1500左右的西方雕塑赏析的论文,哪位高手帮我找下,最好是比较没人知道的
罗马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外,还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分,它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。
历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”,艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”,它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲,基督教成为封建统治的有力支柱。因此,欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术,经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体,许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂,康城的三圣教堂,德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻,都具有代表性。
罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力,哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化,各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑,都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就,如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等,都是哥特式教堂。而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。
14世纪的法国雕塑中,哥特式艺术反映现实倾向增强,对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调,为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕,许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容,但从艺术遗产的角度来看,当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品,在世界美术史上占有相当重要的位置。
从15世纪后半叶开始一直16世纪,文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里,文化艺术达到了高度繁荣,文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化,提倡复兴希腊罗马古典文化,起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕刻,继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统,使雕刻艺术达到了高度繁荣,文艺复兴时期的著名雕刻家,差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕刻大师是季培尔蒂,佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现,则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法,用准确的人体解剖学,塑造人物形象,使人的形态有很强的力度感,以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。
西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的,而在西方雕塑发展史上,古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则,对后世西方艺术创作产生了深远影响,文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家,他从纯数学理论角度,计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且,评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为:凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里,公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴,而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过,要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是,如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度,将雕塑艺术带到恒河流域,恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈,龙门,莫高窟,巴米扬大佛...),甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为,古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像,恐怕也只能来源于古希腊的文明吧!
【吻】 "Le Baiser"
奥古斯特.罗丹(法国,1840~1917)
罗丹是法国的著名雕塑家,创作风格深受米开朗基罗影响,擅长人物、情感及动态的深入刻画。「吻」是罗丹众多的知名作品中,少数能与「沉思者」相提并论的名作;藉由罗丹这件神来之作,但丁「神曲」里保罗与法兰契斯卡的悲剧爱情,得以感性地呈现出刹那间的永恒
【遗弃】 "L'abandon"
卡蜜儿.克劳戴(法国,1861~1943)
1886年与卡蜜儿热恋中的罗丹完成名作「吻」,两年后卡蜜儿完成了「遗弃」的陶塑原模。此作取材自印度爱情神话,原名「沙昆达娜」,又名「委身」,后才更名为「遗弃」;作品的易名道尽了卡蜜儿与罗丹的恋情始末,此作也彷佛影射罗丹跪在被遗弃的卡蜜儿面前请求宽恕。奇美收藏的是,出卡蜜儿在1910年法国艺术家沙龙展中的参展原作,系为1905年铸铜而成。
【人型的橱柜】 "Cabinet Anthropomorphoque"
萨尔瓦多.达利(西班牙,1904~1989)
达利的创作特色是将现实世界中的实体任意地扭曲变形,他在「米罗的维纳斯」一作中认为身体是有好几部分的,并可分开抽出来,而此作「人形的橱柜」他亦是秉持着这个观念,将人体的身体化为许多抽屉,可说是达利作品中相当典型的创作.
【洗脚的女郎】 "Femme se lavant jambe gauche"
艾德嘉.窦加(法国,1834~1917)
艾德嘉.窦加受印象派的影响,整个作品在每个不同的角度中,均呈现出一种多变的不安定感。窦加把女与椅子表现得相当独特,尤其是披挂在椅子上的衣物相当抽象,反观女郎面前的水桶,却相当写实,如此极端的两种风格,在窦加独具用心的诠释下,展露出无与伦比的完美组合。
【铁修斯战胜半人半马的怪兽】
"Thésée combatant centaure Biénor"
安端-路易.巴里 (法国,1795~1875)
巴里是十九世纪中叶法国最重要的动物雕塑家。此作的石膏原型曾在1850 年的法国艺术家沙龙展中展出。半人半马的怪兽(Centaure)和Lapithes 族人的争战是古典艺术中常常取材的主题,它也文明战胜野蛮的象征。此作品系由 Barbedienne所翻制,有 Barye 1860之签名,是最原始的大尺寸(当时仅铸作两件),也是巴里生前所有创作售价纪录最昂贵之作。现今典藏于纽约大都会博物馆及罗浮宫的同尺寸作品皆为巴里死后才翻铸而成。
【人体】 "Torso"
亚历山大.阿基边克(俄裔美籍,1887~1964)
二十世纪初至第一次世界大战前的十五年间,欧洲艺坛出现了两个代表现代造型理念的艺术理念,分别是野兽派及立体派。阿基边克是立体派重要雕塑家。立体派有感于非洲艺术单纯造型的美感,正如此像以极简练的几何造型呈现女性胴体,作品透露理性、纯粹的美感。此作完成于1914年,正值阿基边克的创作盛期.
【弓箭手】 "Tireur à l’are"
皮耶.勒.法居叶兹(法国,1892年出生)
装饰艺术(Art Deco)于1920年代、1930年代出现于欧美各地,它注重感官趣味,崇尚唯美,创造了前所未有的视觉飨宴。皮耶.勒.法居叶兹是法国极为成功的装饰艺术风格代表之一,他以象牙、青铜、银、石头等多媒材成功地刻划出一位古罗马造型的战士,简洁有力的线条,勾勒出战士拉弓时,力道强劲的优美站姿,充分展现装饰艺术力与美的极致。
【加拉蒂与海豚】 "Galatea Riding a Dolphin"
安西里欧尼(意大利,1832~1894)
在此作中加拉蒂丰腴的胴体扭曲斜倚着海豚,卷曲的秀发随风飘扬,造型动感十足;加拉蒂身上有许多雕刀刻出的细微纹样,或线条、或点状,在腹部、肘部、脚关节各处,类似真人肌肤上的肌理质感,使整个雕像栩栩如生。为了凸显女海神的主题,底座的石材特意挑选一满布细纹的大理石,彷佛海中起伏的波浪,遨游其上的海豚也呼应了主题,使作品充满了活力与生气。
【奥塞罗】 "Othello"
皮耶多.卡尔威(意大利,1833~1884)
意大利雕塑家卡尔威以创作莎翁剧中人物而闻名,奥赛罗是莎翁四大悲剧中的主题人物,乃为十五世纪来自非洲的摩尔人,高居将军之位而遭嫉,遂在误杀妻子后也自杀身亡。作者以首位演出此角色的男性演员为模特色,而于1869年完成此尊结合青铜与大理石的杰作。
【苏珊】 "SUZON"
奥古斯特.罗丹(法国,1840~1917)
罗丹(1840~1917)近代雕塑之父。他用黏土,青铜和大理石,以前所未有的坦率,直接刻画平凡尘世的激情、痛苦情思欲念,他的艺术所展现出的时代性与浪漫气质是雕塑史上的一个高峰。漫长的艺术人生里他深受米开朗基罗,印象派及当代文豪雨果‧波特莱尔的影响。
1870年进入卡里埃.贝流兹(Carrier-Belleuse)工作室,当时作品皆需刻上卡里埃签名,罗丹为了多攒些钱,所以利用晚上雕塑一些女性胸像,然后刻上自己的名字出售。苏珊即为此时之作品,强烈敏锐的洞察力,勾勒出苏珊温柔婉约的表情,精致的脸孔,极其腻人,轻柔的卷发系上柔软的丝带,高贵的气质从作品中一吋吋浓郁的散发出来,堪称罗丹创作生涯中精彩细腻的早期代表作。
【坚忍的母与子】 "Mother and Child"
亚堤里欧.皮奇瑞利(义裔美籍,1860~1945)
此作曾于1915年在旧金山参展中获金牌奖。现今置于纽约中央公园的Columbus Circle入口作品乃为放大版本之作。作者大部份作品是以大理石或木材,但也有少数以石膏和青铜铸造的。此件作品描写受尽委屈的孩童,紧紧依偎在母亲的关爱的胳膊里,孩子好似找到安全的慰藉,哭泣倾诉与母亲温情的垂问,形成一个对应无间、自然写实的母子连心之实体。
【运动员】 "The Athlete"
唐纳多.巴卡里亚(意大利,1849~1930)
来自米兰学院的巴卡里亚,在他十七岁首次参展时,创作才能即被肯定,他的创作风格深深受到卡诺瓦 Canova 影响。此作「运动员」完成于1898年,当年曾在米兰展出,并于1902年在圣彼得堡参展时嬴得首奖。其造型是来自于希腊英雄赫丘力斯(Hercules)的构思,不但融合了高度的写实技巧,更是兼具理想美的作品,是作者巴卡里亚生平最具代表性的创作。
【爱神与赛姬】 "Cupid and Psyche"
裘里欧.贝冈左里(意大利,1822~1868)
相传赛姬拥有絻世的美色,使得维纳斯大为嫉妒,遂令儿子丘彼特用他那无可抗拒的箭,使赛姬爱上最丑恶的怪物,没想到连丘彼特也被赛姬的美迷惑而跌入爱情的漩涡之中。此件雕塑呈现丘彼特轻盈地浮在空中,温柔的吻着赛姬,丘彼特、赛姬双人形成X形的姿势,上扬的动态,传达出传说中缠绵爱情的浪漫,是意大利雕塑家贝冈左里的代表作之一。
【女孩系列】胡恩.克拉拉(西班牙,1875~1957)
胡恩.克拉拉以自然且生动传神的技法,雕出孩童纯真可爱的本质,更不忘以诙谐的手法呈现出孩童顽皮淘气的一面。这四件相继完成于二十世纪初,在动作上彷佛有其联贯性,件件趣味横生,不失童真。
四件作品描绘一位好吃的小女孩坐在高椅上,她被眼前高处的饼干吸引住了,急着想站起来,没料到却滑落下来,心想干脆换张椅子再试着爬上去,可是她又担心会被妈妈发现,不禁频频回头,总算平安无事的站在高椅上了。这下子她又伤脑筋,因为眼前好吃的东西太多,真不知要挑哪一样?结果才想好好地享用手中这块得来不易的饼干,居然狗儿也来势汹汹,紧紧咬住她的裙摆。细细品味这四件淘气女孩作品里的小动作,相当可体会童心的可爱之处。
达利的作品及生平简介
达利生平及作品
萨尔瓦多-达利(SalvadorDail),1904年5月11日生于西班牙菲格拉斯,1989年1月23日逝世.西班牙超现实主义画家和版画家,以探索潜意识的意象著称.与毕加索,马蒂斯一起被认为是二十世纪最有代表性的三个画家.
他是一位具有卓越天才和想象力的画家 .在把梦境的主观世界变成客观而令人激动的形象方面,他对超现实主义,对20世纪的艺术做出了严肃认真的贡献.达利的一生充满了传奇色彩.除了他的绘画,他的文章,口才,动作,相貌以及胡须均给欣赏他的人们留下了扑朔迷离的印象.
达利年轻时在马德里和巴塞罗那学习美术,曾兼收并蓄多种艺术风格,显示出作为画家的非凡技能.但是,直到20世纪20年代末期,才由两件事情促使其画风日臻成熟.一是他发现了弗洛伊德的关于性爱对于潜意识意象的重要著作;二是他结交了一群才华横溢的巴黎超现实主义者,这群艺术家和作家努力证明人的潜意识是超乎理性之上的"更为重大的现实".
为从潜意识心灵中产生意象,达利开始用一种自称为"偏执狂临界状态"的方法,在自己的身上诱发幻觉境界.达利发现这一方法后,画风异常迅速成熟,1929~1937年间所作的画使他成为世界最著名的超现实主义艺术家.在他所描绘的梦境中,以一种稀奇古怪,不合情理的方式,将普通物像并列,扭曲或者变形.达利对这些物像的描绘精细入微,几乎达到毫发不差的逼真程度,通常将它们放在十分荒凉但阳光明媚的风景里,令人联想到他的故乡加泰罗尼亚地区.在这些谜语一般的意象中,最有名的大概是《记忆的永恒》(1931),画中以平静得可怕的风景为衬托,停留着一只柔软易曲,正在熔化的表.
达利还与西班牙电影导演L-布努埃尔共同制作两部超现实主义影片,即《安达鲁的狗》(1928)和《黄金时代》(1930),同样充满怪诞的但富于暗示的意象.20世纪30年代末,在文艺复兴画家拉斐尔的影响下,达利的绘画转趋比较古典的风格,并因此而被超现实派开除.此后,他花费大量时间设计舞台布景,时髦商店内部装饰以及珠宝饰物.在1950~1970年间他有许多宗教题材的绘画作品,但仍探索性爱主题,描绘童年记忆,并且让妻子加拉成为这些题材的中心形象.这些晚期绘画虽然技法纯熟,但客观评价低于其早期作品.在达利的著作中,最有趣味和揭露隐秘的是《萨尔瓦多-达利的秘密生活》(1942~1944).他的许多作品中充满了暴力和对传统社会禁欲主义的批判.代表作有《记忆的永恒》,《悍妇与月亮》,《内战的预兆》等.
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