达利论文参考文献

达利论文参考文献

这是百度文库上的一篇论文，你先看看吧~~~

《记忆的永恒》是达利在1931年完成的布上油画,典型地体现了达利早期的画风。《记忆的永恒》作于1931年它受到弗洛依德的启迪表现了一个错乱的梦幻世界。我们看到清晰的物体无序地散落在画面上。那湿面饼般软塌塌的钟表尤其令人过目难忘。无限深远的背景给人以虚幻冷寂怅然若失之感。达利的绘画往往是支离破碎的充分展示了无意识的梦幻场景。但实际上这些看似偶得的幻觉形象必定经过了画家相当的努力而看似无意识的画面必定是有意识计划的结果甚至是惨淡经营的结果。《记忆的永恒》也不例外。弗洛依德曾这样对达利说“你的艺术当中有什么东西使我感兴趣?不是无意识而是有意识。”
画面展现的是一片空旷的海滩海滩上躺着一只似马非马的怪物它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部怪物的一旁有一个平台平台上长着一棵枯死的树而最令人惊奇的是出现在这幅画中的好几只钟表都变成了柔软的有延展性的东西它们显得软塌塌的或挂在树枝上或搭在平台上或披在怪物的背上好像这些用金属、玻璃等坚硬物质制成的钟表在太久的时间中已经疲惫不堪了于是都松垮下来。达利承认自己在《记忆的永恒》这幅画中表现了一种由弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉是自己不加选择并且尽可能精密地记下自己的下意识自己的梦的每一个意念的结果。而为了寻找这种超现实的幻觉他曾去精神病院了解患病人的意识认为他们的言论和行动往往是一种潜意识世界的最真诚的反映。达利运用他那熟练的技巧精心刻画那些离奇的形象和细节创造了一种引起幻觉的真实感令观众看到一个在现实生活中根本看不到的离奇而有趣的景象体验一下精神病人式的对现实世界秩序的解脱这也许是超现实主义绘画的真正的魅力所在。而达利的这种将幻觉的意象与魔幻的现实主义作对比的手法更使得他的画在所有超现实主义作品中最广为人知。
每一幅作品都与作者的生活经历和社会生活为背景的也就是说一幅作品的形成受到作者思想以及社会环境的影响。因此作品本身会反映社会环境或是作者当时的思想状态。那么现在我们就来介绍一下《永恒得记忆》的作者吧。
“除了毕加索萨尔瓦多·达利也许是最为知名的二十世纪画家。”这是道恩·艾兹(英)在他所著的《达利》一书中的开场白。确实在超现实主义画派中达利(西班牙Salvador Dali1904—1989)比其他画家更加声名显赫或者可以说“臭名昭著”——这不仅仅因为他的那些想象力丰富得令人震惊的画面更因为他那古怪得让人侧目的形象和行为。我们不能不承认他是个天才无论从艺术的角度还是从自我宣传的角度。他一本正经地宣称自己和疯子的区别在于他不发疯。他精心侍弄他的小胡子使之成为其身体上的一道独特风景线。他在画布上“做梦”表现性、战争、死亡等非理性主题。他撰写《萨尔瓦多·达利的秘密生活》、装腔作势地进行各种活动„„总之这个西班牙人的言行举止连同他的艺术已共同构成了超现实主义的特别景观。
作为1931年完成的油画如果解读画作中的荒诞性那么《记忆的永恒》已经在很多方面显示并预言50年代开始兴起并发展的荒诞派。虽然《达利自传》中有“《查拉图斯特拉如是说》却让我觉得还不如我本人能写的东西”的表述似乎表明达利对于存在主义思潮的排斥不过或许按照弗洛伊德的说法这是一种“孩子对母亲初次的反抗”。然而从读者接受理论来看一部作品从完成的那一刻起就已经与作者毫无关系只在读者的阐释和理解中取得其存在价值。因此对于《记忆的永恒》的解读从读者的角度而言无论作者达利究竟受过存在主义多少影响或是有直接证据表明根本没有影响都不妨碍我们从中解读出荒诞派的雏形。 荒诞派戏剧接受了存在主义哲学的基本主张和超现实主义等流派文学观念及表现手法并加以融会从而形成自己的独特风格。从整体的世界观来看《等待戈多》和《记忆的永恒》至少有这样一个相同之处两部作品同样是在文本内部创造出一个迥异于我们所处现实的世界看似荒诞可笑或是超现实但实际在他们所创造的世界内部却通过世界的自行封闭衍生出内部的逻辑给予世界的存在逻辑上的合理性。无论是阅读《等待戈多》还是观看《记忆的永恒》观众都会被自己所处的荒诞世界所造成的陌生化感受所影响从而在一定程度上造成观看阅读障碍需要通过具体碎片状的熟悉意象如《记忆的永恒》中用人脸部分器官拼贴的奇怪存在或者《等待戈多》中幸运儿毫无逻辑的台词用自己的理性加以分析来理解世界的本质。
观察《记忆的永恒》所建立的世界。纵观整个画面除去具体意向摆放钟表的平台画面下方的沙滩上方的大海和天空阐释了整幅画作的世界观。看似稀松平常实际上却无限接近于一个概念无。不同于写实绘画的详细背景和确定世界而《记忆的永恒》所提供的世界则只是一个天、水、地的最简单概念组合接近于世界的一种原初设定基本上没有任何内容是一种相当空泛而概念化的存在。而在这种概念之上放置第一重意象我们则可以看到左下角的平台和右上角的礁石两个意象的能指互相出现了意义的解构。右上角的礁石以写实手法绘制而成给整个世界带来的是一种确定和真实的意义附加。而与此完全相反左下角概念化描绘的平台因其过于理想化的方正的造型置于所谓的“写实世界”中因其形体之间产生的矛盾反而带来一种不真实的感觉。而因为肉眼对于光亮的敏感性在一般的欣赏过程中一般都会先看到远处的礁石然后才观察近处的平台因此按照假设的观看顺序正是之后看到的平台其意义解构了代表“写实”的礁石奠定了《记忆的永恒》整个世界的虚无和荒谬感。而在这种逻辑下“写实”的存在反而成了“荒谬”的一种佐证。
细细观察此幅绘画的细节此幅作品以风景为衬托有一只正在熔化的钟表软瘫的像蜡一样的钟表它们被挂在树枝上落在不知名的方形体积上搭在胚胎状物体上。画面中的风景是异常平静的 它是那只著名的“软表”的背景“软表”即将熔化。事实上柔软的钟表也是达利最广为人知的题材 他自己也十分喜爱表现“软表”这一题材仿佛表示出达利对“时间”这个主题的狂热。对于时间的制约性以及时间到底存不存在永恒性和记忆性达利特别感兴趣。这种常常被他描绘成软绵绵的甚至可以流动的钟 显示出他对自己所痛恨的事物的冷酷无情而这样一种象征手法也只限于他所憎恨的事物。他曾说“机械从来就是我个人的仇敌至于钟表它们注定要消亡或根本不存在。”达利所创造的符号中最著名的莫过于这幅《记忆的永恒》中的“软表”这块“软表”有非常丰富的视觉意义和心理暗示。首先从视觉的层次上分析用“软”代替“硬”用不正常代替正常这给所有的观众带来一种极大的新鲜感与陌生感。这种手法与戏剧家、理论家布莱希特的“陌生化”理论不谋而合当然这一点是对一般的观众而言的。
我们可以从“软表”联想到柔弱、糜烂、坍塌甚至让人恶心„„要知道达利在当时算得上是一个“前卫”的艺术家他所要做的事就是挖掘人类心灵深处隐秘肮脏的东西 也许他是想揭穿资本主义内核中腐朽表面的本质。在那样一个资本主义经济危机的痛苦时代人们对于金钱、欲望的心理渴求就像这块“软表”一样被扭曲最终也被出卖。与其说这是艺术家在讥讽这样一个不幸的事实 不如说他正在肆意地挑逗人们那样脆弱如紧绷之弦的欲望。我们不能无视艺术家的用意尽管这种用意更大程度上显得狠毒。“软表”还有一个显而易见的内在意义那就是代表着肉体与精神的阳痿。
画面中蚂蚁密集在表面上这些象征腐败的形象正如达利经常回顾的其源泉产生于他的童年时代。《达利的秘密生活》一书记载“六岁的达利从堂兄手中接管那只受伤的蝙蝠开始蚂蚁走进达利的记忆注定是天意。对这只受伤的小蝙蝠达利倾注了他所有的爱。但是噩梦降临在小达利的身上不知什么原因他最爱的小蝙蝠被一大群疯狂的蚂蚁包围着遍体鳞伤痛得发抖已是奄奄一息。他跳起来拿起爬满蚂蚁的蝙蝠并发疯似的咯吱咯吱咬蝙蝠的脑袋还把它扔进了水里。从此蚂蚁就伴随着达利。”据研究表明“在达利的作品中忙碌的蚂蚁通常是紧张、焦虑和衰老的象征暗示着达利潜意识里的恐惧、无力、不安和性焦虑。”
达利绘画中的潜意识符号除了上述提到的软表、蚂蚁还有面包、拐杖、抽屉等。通常用这些符号来诠释他的梦境。在达利的作品中每一种东西都不是它的本体都被达利赋予了特殊的涵义。面包是达利喜欢描绘的对象借助它达利可以尽情表达他对情欲的幻想。对于抽屉达利也做了如下的解释“有抽屉的人体与弗洛伊德精神分析的理论有关。弗洛伊德认为抽屉代表女人潜藏的情欲。在达利的作品中抽屉基本上是在女人体上出现表现了达利对情欲的幻想。”达利赋予了拐杖以象征意义与前面的两种形象是不一样的。达利认为拐杖给他的感觉是一种自信心的缺乏 然而又要表现出一种不同于往日的傲慢因此达利曾说拐杖在他的眼中是“死亡的象征”。
我们可以看到抛弃超现实主义主流的解读方法以及弗洛伊德的精神分析理论我们对《记忆的永恒》的阐释所表现出的正是荒诞派的风格和表现手法。在上述阐释看来《记忆的永恒》实际上所表现的是作者想要表达的一个荒诞的世界在这个世界中一切的存在最终都指向荒谬和无意义本身人的存在在狂欢和时间中被异化而时间本身的存在也是不可靠的整个世界对人类而言呈现出的是一种冷酷和不可理解。在艺术欣赏之中所谓作者解读或是权威解读只是一种阐释作品的方法在审美活动中并不真正具有权威性而正是这种个人化的审美和理解才可能是通往艺术真正的钥匙。

参考文献
1、[西]萨尔瓦多·达利著陈训明张劲张良君编译。达利的秘密生活一个天才的日记。湖南美术出版社.1997.
2、达利等著杨志麟等译。达利谈话录。广西师范大学出版社.2002.
3、柳淳风著。达利。中国人民大学出版社.2004.
4、[英]肖恩·艾滋著吕澎译。达利。湖南美术出版社.1988.5.
5、翟墨王端廷主编王红媛编著。达利论艺。人民美术出版社.2001.
6、翟墨、王端廷主编王红媛编著。超现实主义。人民美术出版社.2000.

把握分寸,做事有度议论文分论点

把握分寸是一门艺术。
丹青之妙，花敛容，日藏光，月遮羞，墨分五彩，化在渐染之
间。
分寸之间，便是大美。
人是有灵魂的躯壳。分寸，便在这躯壳之间。
诸葛孔明，烧博望，排八卦，演七星，六出祁山，七擒孟获，
收姜维，服关张，西坐荆蜀，南和孙吴，北拒曹操，极尽人臣之能
事，却没有失去身为人臣的分寸。先主痛哭，白帝托孤，若是小儿
禅不济，汝可取而代之。诸葛敛容，吾当肝脑涂地！人臣的分寸就
在这一句“肝脑涂地”罢了。
我羡慕圣埃克苏佩里的决绝，却不爱海子的凉薄，同样是死，
一个如秋叶之静美，一个如落红之霓裳。海子说，我要熄灭生铁的
光、爱人的光和阳光，寻一方寂寞。我恐惧黑暗，我宁愿在黑色的
窗子里挂上帷幔。海子的死宣告他的一生横卧在分寸之外。
这样凉薄而冷酷的人生，便在分寸之外消失殆尽了。
人生的分寸，又岂止海子的春暖花开？
萨尔瓦多·达利一生缄默于与同性诗人洛尔迦的不伦之爱。达
利曾为洛尔迦画过一幅画，躯体化为四处游荡的无可名状之物，这
幅画叫做《微尘》。我想我们无法用世俗的眼光去评判沉沦在微尘
之爱里的达利。他活在分寸之外，他颠倒了世间的黑白，他最终用
同样炽热的火把自己烧死了。
分寸之外的人生，让人欷歔与动容。达利之死，死于分寸之外
的热火。被烧死的还有梵高，在用金黄大肆渲染的麦田里，他自杀
了。
失了分寸的人生是可悲的。
四时之景里，层林隐钟声，云海掩清泉，深山闻吹笛，抑或那
“蝉噪林逾静，鸟鸣山更幽”的静美。分寸间的美，便是半遮半掩
，犹抱琵琶半遮面。
我想起鲁迅和他独特的叙述方式，那是对把握分寸极精妙的诠
释。
在《孔乙己》里，大师这样写道：“他从破衣袋里摸出四文大
钱，放在我手里……”后面便是神来之笔：“见他满手是泥，原来
他便用这手走来的。”短短一句，便已足够。这样精准的文字只能
在鲁迅的作品里找到，这便是大师留给我们最宝贵、最有益的东西
。
无论诸葛亮诠释忠的分寸，还是海子与达利分寸之外的人生，
抑或鲁迅将分寸把握得极好的文字，都体现出了分寸的重要性。分
寸就是姑苏城外的钟声，是谪仙掬起的美酒，是八大山人的一幅泼
墨，淡定深远，恬静柔软，又蕴涵脉脉温情。把握分寸，把握硬朗
与柔软间隙里的一丝精妙。

谁有关于异度空间的理论和这方面发表过的文章

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需要一篇1500左右的西方雕塑赏析的论文，哪位高手帮我找下，最好是比较没人知道的

　　罗马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。

　　历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂，康城的三圣教堂，德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻，都具有代表性。
　　罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，都是哥特式教堂。而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。
　　14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。

　　从15世纪后半叶开始一直16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕刻家，差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。

　　西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛...)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！

　　【吻】 "Le Baiser"

　　奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917）
　　罗丹是法国的著名雕塑家，创作风格深受米开朗基罗影响，擅长人物、情感及动态的深入刻画。「吻」是罗丹众多的知名作品中，少数能与「沉思者」相提并论的名作；藉由罗丹这件神来之作，但丁「神曲」里保罗与法兰契斯卡的悲剧爱情，得以感性地呈现出刹那间的永恒

　　【遗弃】 "L'abandon"
　　卡蜜儿．克劳戴（法国，1861~1943）
　　1886年与卡蜜儿热恋中的罗丹完成名作「吻」，两年后卡蜜儿完成了「遗弃」的陶塑原模。此作取材自印度爱情神话，原名「沙昆达娜」，又名「委身」，后才更名为「遗弃」；作品的易名道尽了卡蜜儿与罗丹的恋情始末，此作也彷佛影射罗丹跪在被遗弃的卡蜜儿面前请求宽恕。奇美收藏的是，出卡蜜儿在1910年法国艺术家沙龙展中的参展原作，系为1905年铸铜而成。

　　【人型的橱柜】 "Cabinet Anthropomorphoque"
　　萨尔瓦多．达利（西班牙，1904~1989）
　　达利的创作特色是将现实世界中的实体任意地扭曲变形，他在「米罗的维纳斯」一作中认为身体是有好几部分的，并可分开抽出来，而此作「人形的橱柜」他亦是秉持着这个观念，将人体的身体化为许多抽屉，可说是达利作品中相当典型的创作.

　　【洗脚的女郎】 "Femme se lavant jambe gauche"
　　艾德嘉．窦加（法国，1834~1917）
　　艾德嘉．窦加受印象派的影响，整个作品在每个不同的角度中，均呈现出一种多变的不安定感。窦加把女与椅子表现得相当独特，尤其是披挂在椅子上的衣物相当抽象，反观女郎面前的水桶，却相当写实，如此极端的两种风格，在窦加独具用心的诠释下，展露出无与伦比的完美组合。
　　【铁修斯战胜半人半马的怪兽】
　　"Thésée combatant centaure Biénor"
　　安端-路易．巴里 （法国，1795~1875）
　　巴里是十九世纪中叶法国最重要的动物雕塑家。此作的石膏原型曾在1850 年的法国艺术家沙龙展中展出。半人半马的怪兽（Centaure）和Lapithes 族人的争战是古典艺术中常常取材的主题，它也文明战胜野蛮的象征。此作品系由 Barbedienne所翻制，有 Barye 1860之签名，是最原始的大尺寸（当时仅铸作两件），也是巴里生前所有创作售价纪录最昂贵之作。现今典藏于纽约大都会博物馆及罗浮宫的同尺寸作品皆为巴里死后才翻铸而成。

　　【人体】 "Torso"
　　亚历山大．阿基边克（俄裔美籍，1887~1964）
　　二十世纪初至第一次世界大战前的十五年间，欧洲艺坛出现了两个代表现代造型理念的艺术理念，分别是野兽派及立体派。阿基边克是立体派重要雕塑家。立体派有感于非洲艺术单纯造型的美感，正如此像以极简练的几何造型呈现女性胴体，作品透露理性、纯粹的美感。此作完成于1914年，正值阿基边克的创作盛期.

　　【弓箭手】 "Tireur à l’are"
　　皮耶．勒．法居叶兹（法国，1892年出生）
　　装饰艺术（Art Deco）于1920年代、1930年代出现于欧美各地，它注重感官趣味，崇尚唯美，创造了前所未有的视觉飨宴。皮耶．勒．法居叶兹是法国极为成功的装饰艺术风格代表之一，他以象牙、青铜、银、石头等多媒材成功地刻划出一位古罗马造型的战士，简洁有力的线条，勾勒出战士拉弓时，力道强劲的优美站姿，充分展现装饰艺术力与美的极致。

　　【加拉蒂与海豚】 "Galatea Riding a Dolphin"
　　安西里欧尼（意大利，1832~1894）
　　在此作中加拉蒂丰腴的胴体扭曲斜倚着海豚，卷曲的秀发随风飘扬，造型动感十足；加拉蒂身上有许多雕刀刻出的细微纹样，或线条、或点状，在腹部、肘部、脚关节各处，类似真人肌肤上的肌理质感，使整个雕像栩栩如生。为了凸显女海神的主题，底座的石材特意挑选一满布细纹的大理石，彷佛海中起伏的波浪，遨游其上的海豚也呼应了主题，使作品充满了活力与生气。
　　【奥塞罗】 "Othello"
　　皮耶多．卡尔威（意大利，1833~1884）
　　意大利雕塑家卡尔威以创作莎翁剧中人物而闻名，奥赛罗是莎翁四大悲剧中的主题人物，乃为十五世纪来自非洲的摩尔人，高居将军之位而遭嫉，遂在误杀妻子后也自杀身亡。作者以首位演出此角色的男性演员为模特色，而于1869年完成此尊结合青铜与大理石的杰作。

　　【苏珊】 "SUZON"
　　奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917）
　　罗丹（1840~1917）近代雕塑之父。他用黏土，青铜和大理石，以前所未有的坦率，直接刻画平凡尘世的激情、痛苦情思欲念，他的艺术所展现出的时代性与浪漫气质是雕塑史上的一个高峰。漫长的艺术人生里他深受米开朗基罗，印象派及当代文豪雨果‧波特莱尔的影响。
　　1870年进入卡里埃．贝流兹（Carrier－Belleuse)工作室，当时作品皆需刻上卡里埃签名，罗丹为了多攒些钱，所以利用晚上雕塑一些女性胸像，然后刻上自己的名字出售。苏珊即为此时之作品，强烈敏锐的洞察力，勾勒出苏珊温柔婉约的表情，精致的脸孔，极其腻人，轻柔的卷发系上柔软的丝带，高贵的气质从作品中一吋吋浓郁的散发出来，堪称罗丹创作生涯中精彩细腻的早期代表作。

　　【坚忍的母与子】 "Mother and Child"
　　亚堤里欧．皮奇瑞利（义裔美籍，1860~1945）
　　此作曾于1915年在旧金山参展中获金牌奖。现今置于纽约中央公园的Columbus Circle入口作品乃为放大版本之作。作者大部份作品是以大理石或木材，但也有少数以石膏和青铜铸造的。此件作品描写受尽委屈的孩童，紧紧依偎在母亲的关爱的胳膊里，孩子好似找到安全的慰藉，哭泣倾诉与母亲温情的垂问，形成一个对应无间、自然写实的母子连心之实体。

　　【运动员】 "The Athlete"

　　唐纳多．巴卡里亚（意大利，1849~1930）
　　来自米兰学院的巴卡里亚，在他十七岁首次参展时，创作才能即被肯定，他的创作风格深深受到卡诺瓦 Canova 影响。此作「运动员」完成于1898年，当年曾在米兰展出，并于1902年在圣彼得堡参展时嬴得首奖。其造型是来自于希腊英雄赫丘力斯（Hercules）的构思，不但融合了高度的写实技巧，更是兼具理想美的作品，是作者巴卡里亚生平最具代表性的创作。

　　【爱神与赛姬】 "Cupid and Psyche"
　　裘里欧．贝冈左里（意大利，1822~1868）
　　相传赛姬拥有絻世的美色，使得维纳斯大为嫉妒，遂令儿子丘彼特用他那无可抗拒的箭，使赛姬爱上最丑恶的怪物，没想到连丘彼特也被赛姬的美迷惑而跌入爱情的漩涡之中。此件雕塑呈现丘彼特轻盈地浮在空中，温柔的吻着赛姬，丘彼特、赛姬双人形成X形的姿势，上扬的动态，传达出传说中缠绵爱情的浪漫，是意大利雕塑家贝冈左里的代表作之一。

　　【女孩系列】胡恩．克拉拉（西班牙，1875~1957）
　　胡恩．克拉拉以自然且生动传神的技法，雕出孩童纯真可爱的本质，更不忘以诙谐的手法呈现出孩童顽皮淘气的一面。这四件相继完成于二十世纪初，在动作上彷佛有其联贯性，件件趣味横生，不失童真。
　　四件作品描绘一位好吃的小女孩坐在高椅上，她被眼前高处的饼干吸引住了，急着想站起来，没料到却滑落下来，心想干脆换张椅子再试着爬上去，可是她又担心会被妈妈发现，不禁频频回头，总算平安无事的站在高椅上了。这下子她又伤脑筋，因为眼前好吃的东西太多，真不知要挑哪一样？结果才想好好地享用手中这块得来不易的饼干，居然狗儿也来势汹汹，紧紧咬住她的裙摆。细细品味这四件淘气女孩作品里的小动作，相当可体会童心的可爱之处。

谁能推荐一下香水包装设计的参考文献

法国之所以有如此多的世界级香水品牌,成为世界香水大国,与其香水包装设计理念是分不开的。法国设计师善于运用各种材料,敢于采用新材料、新技术、新形式来设计香水包装;以时尚和创新为设计基点,以满足消费者求新求变的审美心理;擅长从各个时期的艺术作品中吸收营养;注意从消费者的角度考虑,根据他们各方面的感知来进行设计,以增强香水包装的吸引力,兼顾香水包装的视觉形象和功能性。
文艺复兴时期,由于老的香水配方的重新发现,香水生产在欧洲迅速兴盛起来。早期文艺复兴的中心如威尼斯和佛罗伦萨,也是香水制造的中心;美第奇家族是引领风骚者,其家族成员凯瑟琳是香水传播的重要使者,她嫁给法国国王亨利二世,并带着的那位名叫雷纳多(Renato) 随从,便是佛罗伦萨著名的香水制造商。雷纳多到法国后开了一家香水店,取得了巨大的成功,传说他配置毒药的能力和制造香水的能力不相上下,凯瑟琳在法国宫廷导演的许多事件都与他配置的药水很有关系。由此开始,喷洒香水开始成为一种时尚。“这是人的自我发现时期,人的自我意识越来越明显,人们开始追求流行时尚。”[ 1 ]文艺复兴时期的人们并不经常洗澡,只是靠喷洒香水来遮掩体味,香水业由此蓬勃发展。香水用途非常广泛,男女都用,就连头发甚至宠物身上都喷洒香水。1508 年,佛罗伦萨的多明我修道会成立了迄今为止世界上最古老的香水厂。教皇和美第奇家族是它的忠实顾客,数个世纪以来,每一任新的统治者都会为工厂提供一种香水配方。同时,法国南部的一座小镇格拉斯逐渐发展成为香水生产基地。格拉斯生产香水最初是因为这座城镇同时也是制革中心,在制革过程中要使用尿,人们就在皮革上喷洒香水掩盖气味。苏珊·欧文在《香水·经典芳香的诞生与诱惑》一书中谈到,当地的皮革手套生产商也进口、生产并销售香水。18 世纪,当皮革业垮掉后,该地仍然继续销售香水。”[ 2 ]如今,法国已是名副其实的香水大国,有许多世界顶级香水品牌,例如朗万(Lanvin) 、夏奈尔(ChaneL) 、纪梵希(Givenchy) 、兰蔻(Lancome) 、洛丽塔·朗皮卡(LolitaLempicka) 、娇兰(Guerlain) �6�8�6�8法国香水及化妆品业和法国时装、法国葡萄酒并列为法国三大精品产业,举世闻名,是法国人的骄傲。
包装设计是产品的不可分割的一部分,是一个神奇的、国际化的、核心的字眼,它也是公司所必须的东西、是商家成功的密码。包装设计连接着艺术与工业、市场与生产、创造性与功能性。好的理念成就好的包装,好的包装是产品推广的催化剂。辨认一个产品是通过包装来实现的,消费者必须得到足够的信息且能够解码,理解一些符号,才能认出产品并进而理解其价值,并导致最终的购买行为。很显然,香水产品越来越多,人们也越来越难选择,但是人们往往受他们的教养、社会生活、文化背景的影响,来选择品牌。所以每一款香水的香氛及其包装都应有一定的针对性,以对应特定的消费群体。法国之所以有如此多的世界级香水品牌,成为香水大国,与其香水包装设计理念是密不可分的。
一、大胆运用新材料、新技术、新形式
从香水容器的发展历史来看,人们一直在探索用各种材料来制作香水容器。最开始埃及人使用石制容器来制造各种造型的容器盛装香水,如圆腹瓶子、厚重的高脚瓶等,都是敞口,用扁平木塞或布团封口。各种石料也被用来制作这些容器,其中雪花石膏占的比重最大。希腊工匠门则制作一系列的陶瓷容器盛装香水,根据所盛内容的特点来设计容器。例如香油和香水的容器就不一样。而且希腊人很会制作仿生形态的容器来盛装香水。公元六世纪左右,小型模制陶瓶发明出来,最开始它们往往模仿人类头部的形象。玻璃本来一直是昂贵的材料,到了16 世纪,威尼斯工匠学会吹制玻璃,玻璃因此可以制成许多种形状,乳白玻璃、金银细丝玻璃等也发展起来,香水容器变得越来越漂亮。随着玻璃硬度的提高,玻璃可以切割、雕刻、上色、镶嵌,这样玻璃容器更超越了各种传统的形态。法国人学习了这些玻璃制造技术,制作了许多威尼斯风格的香水玻璃瓶。随着工业革命的到来,工业化大生产使玻璃瓶大批量生产出来,价格降低,催生了许多著名的香水制造商,例如盖勒兄弟(Gelle Frères) 、娇兰( Guerlain) 、鲁宾(Lubin) 、米罗(Millot) 、里高(Rigaud) 、罗杰和嘎雷(Roger & Gallet) 、埃德·皮瑙( Ed. Pinaud) 、L. T. 皮维(Piver) 等,标准化的简单容器通过日益复杂精致的标签加以平衡,最开始标签只是纯粹的商品注解,到了19 世纪,香水标签成为调动罗曼蒂克想象的图画,五颜六色的花束,在梦中才会出现的遥远的田园风景�6�8�6�8当然标签也反映当时的事件,用风云人物和明星做宣传。紧接着,新艺术、装饰艺术运动等一系列设计运动开始发生,香水包装也随着新的设计运动变得更具有艺术性,更丰富多彩。如今,对于法国设计师来说,单是玻璃一种材料就可以制作出陶瓷、水晶、大理石、腐蚀等各种材质效果,波西米亚的、意大利米兰的、马尔第等各种异国情调,色彩也十分丰富,有红、绿、蓝、金色、琥珀色、紫罗兰、紫色和其它色彩,容量的伸缩性就更大了。他们还善于利用不同材料进行组合,例如玻璃与金属、塑料的组合。总之,法国设计师善于运用各种材料,敢于采用新材料、新技术、新形式来设计香水包装。例如兰蔻制造的“Poême”香水,小瓶子,玻璃,透明,光洁,闪光,是一种沉静的女性化的器形,它象征了女性的胸部,其闭合系统非常牢固,全部是纯几何线条,由聚乙烯制成,完全气压压紧,完美地综合了水平线条和垂直线条。其盖子有三部分,纯金色,以配合香水的颜色,材料非常坚固,不容易被划伤,而且整个盖子非常轻也不容易破。这款香水将玻璃和塑料结合起来,表明香水希望适应最新的技术,减少能源消耗, 保护环境, 使用可回收的和轻量的物质。“Poême”这个名字由蓝色印刷,盒子内侧也使用这种颜色,几个字母不在一条水平线上,交错起伏,形成波状的书法效果,让人想起纪尧姆·阿玻利奈尔的诗歌。
这一包装的特征是:直线、金色,给人富裕、别致和奢侈的感觉,金色是一种亮丽和有活力的颜色,它带来复兴、新生,抵挡悲伤。蓝色是一种天空和生命的颜色,对应着人的精神生活,引发人追逐梦想。它在一个同样颜色的三角形昂贵盒子里出售,由蓝色小绳子开关,紧紧地系在一个手工小金色夹子上,能够随意开合,在货架上可以展示、打开,表现瓶子的美妙,而绳子可以系在后部固定住。瓶子被横向的纸板保护,极为稳定,法国国家法律要求的信息都印刷在底部,盖子内部能看到一束美丽的花,这束花是由语言字母组合而成的诗,其核心词汇是:太阳、微笑、爱、海、星星�6�8�6�8这些词汇传达着宜人的香氛,美丽的色彩,给人一种感性的、光亮的、温柔的触感。诗是一种逃离现实的方式,传达感性的情感,与女人交流,经常要依赖某些符号,例如花,是一种与女人交流的特别的语言,同样的语言由香水也能传递,给女人激情与自由。兰蔻制造的Poême 是一个完美的例子,其天才的包装设计加强了Poême 的美感,将几种材料联姻,智慧和奢侈在这里得到了平衡,抓住了消费者的想象力。
二、富于激情追求新颖、独特、时尚
据我们所知,法国40 %的设计家工作于包装工业,这是一个很高的比例。香水包装领域在不断地增长、上升,每一个品牌每隔一段时间都要开发新产品,或者改造旧包装,以适应新的潮流。香水设计师尤其需要不断地追问自己:什么是新?“新”的概念是细微地改进,还是革命式的断裂;是一种渐进式改革,以提高目前产品适应市场的需要,还是发展新产品去征服未来市场。包装的改变可以是细节上的小小改变,也可能是完全新产品的开发,以一种复杂的革命性的外观和全新的技术支撑。
法兰西人重视创新理念,以其富于创造激情及想象力的气质,经常能够设计出充满灵性的产品,创造与想象并重,追求新颖、独特的风格,别出新意、制造潮流。他们认为,设计家应该能够多多少少打破习俗惯例,开创新的设计符号,这样产品才能从琳琅满目的香水货架上凸显出来,打败竞争者,取悦消费者。所以法国的香水设计,以丰厚的历史文化为底蕴、以前卫和浪漫著称,对创意元素毫不吝啬,大胆的变化多端的颜色、千变万化的瓶身造型,精细的局部设计足以让人叹赏。
三、擅长吸收艺术的历史文化营养
例如法国许多香水的设计思路来源于如雷诺阿(Renoir) 、维亚尔(Vuillard) 、方坦- 拉图尔( Fantin -Latour) 、欧迪隆·雷东(Odilon Redon) 等艺术家的作品集。艺术和包装设计之间存在深厚的关联,艺术之于设计和设计之于艺术的意义就在于“培养原创性、启发灵感”。从一些产品来看许多成功的包装设计曾经受到艺术的影响(包括外部平面装潢和容器结构) ,反过来它们自身对艺术发展也有一定的影响。
设计师艾尔萨·西雅帕列利( Elsa Schiaparelli) 就非常重视艺术给她带来的灵感。她对绘画、雕塑、音乐、美术、喜剧都非常感兴趣,特别对当时的达达主义、未来主义、超现实主义艺术的极端性、探索性、冒险性非常喜爱。马歇尔·杜尚(Marcel Duchamp) 、萨尔瓦多·达利(Salvador Dali) 、曼·雷(Man Ray) 、毕加索(Paul Picasso) 、拉乌尔·杜菲(Raoul Dufy) 、让·科克图(Jean Cocteau) 、昂德雷·布鲁东(AndréBreton) 等著名艺术家都是她的朋友。所有这些人影响了她的设计风格,使之充满幻想和幽默,色彩艳丽、丰富而奇妙。