袁牧，字子牛，号求愚，生于江苏省泰州市，八十年代初考入南京师范大学美术系本科学习中国画，毕业后被推荐为硕士学位研究生。八十年代末研究生毕业并被分配至苏州丝绸工学院纺织艺术分院（现苏州大学艺术学院）任教至今。现为江苏美术家协会会员、江苏花鸟画研究会会员、加拿大 “ 晚晴诗社 ” 顾问、苏州市花鸟画研究会秘书长、苏州大学艺术学院副教授、硕士生导师。 袁牧长期从事中国画创作与理论研究工作，作品曾多次在美国、德国、日本、新加坡、韩国和香港、台湾等国家和地区展出， 2005 年二月应德国巴伐利亚州文化教育部之邀，赴德进行了为期三周的讲学，并在慕尼黑和岱亘多夫市举办了两场个人画展，作品全部被德国友人收藏。袁牧中国画作品讲究意境，追求诗意，用现代的绘画语言，巧妙地将中国传统人文精神溶入到时代的审美情趣中，其作品深受中外友人的爱戴，美国前总统布什先生曾于 1982 年收藏一幅《猫蝶图》；美国《 JAMA 》、中国《美术》、《装饰》、《江苏画刊》、《美术博览》和香港、新加坡等地专业美术杂志也多次作过介绍。除了绘画创作外，在理论上也有一定的研究， 1994 年上海人民美术出版社出版专著《工笔花鸟画的特技与肌理》； 2001 年 1 月安徽美术出版社出版专著《工笔花鸟的特殊表现技法》； 2002 年 12 月山东画报出版社出版作品集《袁牧画集》； 2003 年中国纺织出版社出版专著《花鸟画技法》等，同时发表论文数十篇，成果和名字被多种知己收录。 2004 年 7 月创建《袁牧诗画舫》（ ）网站，开辟了诗画研究的新窗口
袁牧，字子牛，号求愚，1961年生于江苏省泰州市。1983年考入南京师范大学美术系中国画专业本科，1987年被推荐免试攻读花鸟画硕士学位，1990年毕业并获硕士学位，同年被分配至苏州丝绸工学院美术系（现苏州大学艺术学院）工作至今。现为江苏省国画院特聘画家、河南省书画院、厦门市海峡画院特聘画家、台湾ARTSKY版权授权中心签约画家、苏州大学艺术学院教授、硕士生导师、江苏美术家协会会员、江苏花鸟画研究会会员、加拿大“晚晴诗社”顾问、苏州市花鸟画研究会副秘书长。
按落款是“刘民”，按印鉴是“刘流”。
么么么么么么么么么
核心期刊，尽可能自己投，不要找中介，除非有确认的有关系才行。像一个中介一做做几十本核心期刊，不用考虑，100%是。我认识一个C刊的编辑，是经济类的，可以去杂志社直接和主编见面沟通或通过杂志社的主办的培训班才能发表，但需要有人引荐。当然了，其它的要求也比较高，要求副教授或博士，最好有省级以上课题。
我整理了一些热门期刊介绍；
一、 影响因子通过历年影响因子的变化，可以看出一本期刊稳定的水平区间。
二、发文量发文量的多少反应了期刊投稿的难度。而且，发文量还是影响因子的分母，如果没有特殊原因，发文量突然变大的期刊，后年的影响因子基本都会受影响。
三、版面费虽然可以报销，但对于一些资金较少的课题组，版面费的多少也是个重要的期刊选择指标。
四、论文发表网站不是万能很多作者想发表核心期刊，时间上卡得比较死，但是实在没办法通过正常投稿发表出去，于是想到了通过论文发表网站发表论文，且不说现在网上有很多，即便你找到了靠谱的论文发表网站，也并不是说，你给他们钱他们就能给你办好，一个是即便走特别渠道，也是要看论文质量，即便他们上手给你改稿子，也要审核，也是有退稿的可能。
所以，如果不是万不得已，不要找论文网站，尤其是学生，找他们发表费用比较贵，学生又没钱。如果实在避不开，没有其他办法了，那么建议你去淘淘论文网上阅读一些论文发表防知识，然后再去选择靠谱的机构发表论文。
专辑《中国画名家·陈运权作品欣赏》（烟台文国画苑公司出版）；《今日水墨》辟专栏载作品7幅及署名李琰评论文章《妍丽雅致——陈运权的花鸟世界》；《盛世清风·武汉荣宝斋首届名家扇面展》载写意花鸟画3幅；《国画家报》7月18日专辑登载作品22幅并署名刘海静的艺评文章《恬淡宁静的追求――读陈运权的中国画》；《投资时报》3月16日整版专访《与陈运权对话》，并载作品6幅；《山东第三届书画艺术博览会》展览9幅作品；2005年：《中国画二十家邀请展作品集》（科学文化出版社）载作品7幅；《优雅生活》第12期载署名纪恒的艺评文章《天人合一·宁静致远――画家陈运权印象》并载作品2幅；《经济导报》11月18日整版以《灵魂超越诗无声》为题登载作品11幅及画评；《威海日报》11月3日整版以《陈运权――古朴与现代绘画的双向延伸》为题，登载其简历、作品23幅及陈运权文章《画家自述》，并载署名彭德的《超度灵魂的无声诗――陈运权的花鸟世界》；《中国画名家作品集》（中国文联出版社20057）载《何处青山好隐沦》；《2005年中国画名家作品邀请展》载《细语》、《闲云》；《当代国画家扇画图典》（古吴轩出版社）载写意花鸟扇面10幅；《情系江南》发表于《画刊》第七期；《中国画》第六辑（人民美术出版社）辟专栏载署名李江涛刘海静的评论文章《恬淡宁静的追求――谈陈运权的中国画》及作品9幅；“秦皇岛之夏”《中国画名家邀请展作品集》载作品《居山之乐》；《水墨敦煌――当代中国画名家学术邀请展作品集》（新文化出版社）载作品《乐在秋风》；《中国画二十家邀请展作品集》（科学文化出版社）载作品7幅；《湖北美院河北师大国画教师作品展》展出作品二幅；《著名画家陈运权国画作品展》12月24日在广州太和堂举办，展出花鸟作品50余幅，多家电视台及报刊作相关报道； 画册《读画楼藏湖北近现代名家书画集》（中国收藏出版社）登载作品两幅画册《全国高等院校中国画名师作品展.新经典重提学院派》（中国广播电视出版社）登载两幅作品；文集《新经典·提学院派――全国高等美术院校中国画名师作品展论文集》（中国广播电视出版社）登载论文，《从传统工笔花鸟画的技法分析看当代风格重塑》；参加湖北美术学院美术馆举办的《读画楼藏湖北近现代名家书画展》；参加深圳美术馆《纵横水墨全国著名中青年国画家邀请展》；六月一日应文化部文化交流中心邀请，参加台湾《润·大陆优秀青年国画家作品展》，并赴台进行学术交流；六月十八日应山东文联邀请，参加《山东·中国书画艺术博览会》；七月应丹东文联邀请，参加《著名中国画家邀请展》，被聘为丹东美协艺术顾问；九月六日应中国艺术教育促进会邀请，在北京中国国家博物馆举办的《新经典·提学院派――全国高等美术院校中国画名师作品展》；七月《苗家四美图》参加《湖北省第十届美术作品展览》，获铜奖；九月《苗家四美图》入选第十届全国美术作品展；十月应烟台美术博物馆邀请参加烟台艺术博览会； 一月应邀在澳大利亚悉尼举办《陈运权中国画作品展》；五月参加烟台美术博物馆举办的《中国当代花鸟画坛名家作品展》；画册《今日中国美术》（北京出版社）登载作品两幅、评论文章一篇；八月两幅作品参加中华世纪坛主办的《今日中国美术大展》；画册《中国当代花鸟画坛名家作品集》（人民美术出版社）登载作品五幅及从艺随笔一篇；画册《湖北美术学院中国画作品选集》（香港新文化出版社）登载作品五幅；画册《百年百家荷花图》（香港艺苑出版社）登载作品三幅；画册《湖北中国画名家作品选》（湖北美术出版社）登载作品八幅；画册《全国九大美术学院国画系教师作品集》（陕西旅游出版社）登载作品两幅；画册《中国画清赏》（香港）登载论文一篇；杂志《人才》第七期专栏介绍其艺术：登载作品两幅，并以《天人合一·静致远――画家陈运权印象》为题发表长篇评论文章；杂志《写作》第八期登载两幅作品；杂志《写作》第九期登载三幅作品；杂志《当代艺人》第二期登载十四幅作品； 画册《中国画现代重彩画法》（广西美术出版社）登载三幅作品；画册《中国当代画家图典·花鸟》（四川美术出版社）登载作品十九幅；画册《名家百画丛书》（河北美术出版）登载作品多幅；杂志《荆楚纵横》专栏介绍其艺术：登载作品五幅，并以《宁静、幽深、淡远》为题发表两篇评论文章； 参加文化部及中国美协在中国美术馆举办的《百年中国画展》；第23辑的《美术文献》载作品17幅及艺评《陈运权绘画技法与图式背景》、《陈运权年表》、《艺术与生命等质》、《陈运权自述》；《美术界》载作品六幅及署名阿彬的《陈运权工笔花鸟画议》、湖北教育出版社《中国当代美术图鉴.水墨分册》载作品一幅、《荆风楚韵——书画作品集》载作品一幅；15期《读者》封面载作品一幅；人民画报社《画花与名花——当代著名画家作品选集》载作品一幅 ；荣宝斋出版社《荣宝斋创刊一周年书画名家邀请展作品集》载作品一幅；古吴轩出版社《当代中国画新技法——工笔荷花载作品两幅； 《荣宝斋》载作品十五幅及陈运权《观云堂随笔》一篇；参加汕头《新纪元首届中国画学术邀请展》；河北教育出版社《新纪元首届中国画学术邀请展作品集》载作品两幅；参加由中国美协举办的《关照自然——当代著名中青年花鸟画家作品展》；《关照自然——当代著名中青年花鸟画家作品集》载作品八幅；《国画家》载作品一幅；《汕头特区晚报》载作品两幅；《读者》第9期载作品两幅；湖南美术出版社《中国当代线描艺术·花鸟篇》载白描作品七幅；《写作》第二期封底载作品一幅，第六期封面载作品一幅；长江文艺出版社《湖北美术学院教师作品选集》载作品一幅；中国美术学院出版社《中小学教师继续教育丛书——中学美术教师培训教程》的“写意花鸟章”由陈运权撰写；学苑出版社《2001新时代中国画作品集》载作品一幅；《国画家》载作品一幅；《美术》载作品一幅；《美术之友》载作品一幅；湖北美术出版社《湖北省政协纪念人民政协成立50周年书画展作品选集》载作品一幅 在成都参加《世纪之门》艺术邀请展；四川美术出版社《1979——1999世纪之门》载两幅作品；西南师范大学出版社《当代美术教学范画集.当代花鸟》载作品两幅；辽宁美术出版社《名家动物画艺术》载作品两幅；辽宁美术出版社《21世纪名家花鸟画艺术》载作品三幅；深圳美术出版社《99深圳市谷风画院美术作品邀请展画集》载作品一幅；河南美术出版社《当代中国画家画风》载艺评两篇：署名阿彬的《奋飞的精灵》和署名彭德的《超度灵魂的无声诗》；中央文献出版社《毛泽东诗词创意画集》载作品一幅；《江苏画刊》的《你在想什么》栏目载短文一篇； 《秋谷》《秋声》《故园》参加中国美协等举办的《全国首届国画家学术邀请展》并获《国画家学术奖》；福建美术出版社出版《陈运权白描花鸟画集》；《人民日报》发表《远音》；参加波兰国际美术创作活动；在深圳美术馆举办《陈运权作品展》；湖南美术出版社《1900——1997中国工笔画》载作品两幅；吉林美术出版社《中青年国画家百人作品》载作品一幅；福建美术出版社《中国白描花鸟现代卷》载白描作品《一串红》等四幅；《98深圳美术馆》载作品三幅及陈运权随笔《能画画就是件再好不过的事》 署名沈伟的艺评《原天地之美——陈运权的工笔花鸟画》；福建美术出版社《中国当代精英画家工笔画精品集》载作品十二幅；安徽美术出版社《世界华人美术名家书画集》载作品两幅；广西美术出版社《中国高等院校工笔画新作评析》载作品一幅；《美术》载作品一幅；《美术观察》载陈运权随笔一篇； 参加由中国美协组织的《世界华人画家三峡刻石》揭幕活动；在汕头举办《董继宁 陈运权国画作品展》；《秋谷》《秋声》入选吉林《中青年国画家百人作品》大型画册；《幽谷晨曲》参加中国美协《全国首届中国画邀请展》；在马来西亚吉隆坡 加影 高渊巡回举办《陈运权工笔重彩作品展》；被深圳谷风画院聘为院士； 作品及简历载入《世界华人美术名家录》；参加文化部及中国画研究院主办的《全国花鸟画研讨会》；作品入选《中国当代杰出中青年国画家新作集》，并先后参加在香港 广州举办的展览会拍卖会；《秋霄月呤》参加《中国当代著名花鸟画家作品展览》并获文化部优秀作品奖；《人民日报》10月17日发表《雪原》；湖北省文联授予《第三届文艺明星奖》； 《海崖双鸟》等十幅作品参加在韩国举办的《现代中国画大潮流展》；《神畅图》等二十余幅作品参加在台湾举办的《全国美展获奖作者精品展》；《江苏画刊》专栏介绍六幅作品及署名彭德的艺评《超度灵魂的无声诗》；韩国《每日经济新闻》6月13日以大幅彩版介绍《海崖双鸟》；《曾为洛阳花下客》参加《全国牡丹竟选国花画展》并获文化部颁发的优秀作品展； 《梦萦芳洲》参加《第八届全国美展》；巨幅工笔《江湖秋水》被北京京丰宾馆收藏；《清泉》等多幅作品参加在台湾举办的《大陆中青年水墨名家联展》；《白鹭》参加在青岛举办的《第七届全国美展获奖作者新作邀请展》； 《国画家》第三期专栏介绍十幅作品并发表署名阿彬的《奋飞的精灵》；《陈运权作品展》在潮阳举办； 《陈运权工笔作品展》在武汉艺术家画廊举办；《独立秋风》参加中国美协主办的《首届中国花鸟画展》；《四季果》等多幅作品参加中国美协在美国梅尔布瑞市举办的《当代中国工笔画展》；香港《文汇报》中国书画版12月12日以《陈运权的花鸟世界》为题作专栏介绍，破格聘为副教授； 《在水一方》参加由中国画研究院主办的《全国花鸟画邀请展》并被收藏；《荷池》等八幅作品参加香港《1991年当代中国画坛精英作品展》；《苍岩》在法国展出；《陈运权画展》在台湾《红尘画廊》举行；《戏水图》参加泰国主办的《中国画展》并被泰国聘泰华艺术协会海外顾问；台湾《力与美》专栏介绍作品及发表署名章悦的艺评《对美的感悟永不衰竭》；《中国书画》专栏发表作品及署名曾春华的艺评文章；台湾《艺术家》专栏介绍作品及陈运权文艺随笔《我对创作的思考》；《陈运权作品集》由湖北美术出版社出版； 《纤云弄巧》等四幅作品参加中国美协在美国、法国、香港等地举办的《现代中国画新作展》；《四季果》等7幅作品参加中国美协在京、港、日、台、美国等地举办的《中国第七届全国美展获奖作者新作展》；《美术》发表《月之启》、《大漠之树》；香港《美术家》专栏介绍九幅作品及陈运权文艺随笔《我对创作的思考》；香港《收藏天地》专栏介绍七幅作品及署名邵宏的艺评《美的使者——陈运权的画》；1989年：《天地之灵》入选中华人民共和国文化部举办的《第七届全国美展》并获银奖；《高栖图》等参加台湾《新春大陆名家画展》；台北《神州艺术中心》举办《陈运权个展》；台湾《艺术家》发表《鸣柳》等三幅作品；《红晴蜓》参加《北京国际艺苑第三届水墨画展》；《荷塘》被京西宾馆收藏；《陈运权工笔花鸟画小辑》由湖北美术出版社出版； 《银色的梦》等十幅作品参加在新加坡主办的《湖北七人画展》；《陋室铭证》等八幅作品参加在美国纽约举办的《中国青年画家三人作品展》；《日之启》等四幅作品参加中国美协在北京举办的的《第四届新人新作展》；《中国花鸟画》专栏连载《工笔花鸟画基础技法》； 工笔人物《山寨云雀》参加北京《全国教师节画展》；工笔花鸟《花之灵》等四幅作品参加香港《现代中国画展》。
历届教师中有突出成就者赵梦朱：多幅花鸟画作品被中国美术馆及国内外国家级美术馆收藏，《赵梦朱画集》出版。王盛烈：《八女投江》被中国历史博物馆收藏；《耕者》获第六届全国美展银奖，《百年英烈》（与赵宝平、张晖合作）、《萧绰像》被中国军事博物馆收藏，《家乡的孩子》、《耕者》、《阅读》、《海风》被中国美术馆收藏，《王盛烈画集》出版。钟质夫：《北国松泉图》（与季观之、晏少翔、郭西河合作）被辽宁省博物馆收藏，《钟质夫画集》、《牡丹》出版。季观之：《北国松泉图》（与钟质夫、晏少翔、郭西河合作）被辽宁省博物馆收藏，《季观之山水画谱》出版。晏少翔：《北国松泉图》（与钟质夫、季观之、郭西河合作）、《施耐庵肖像》、《采梅图》被辽宁省博物馆收藏，《施耐庵著水浒》、《莺莺听琴图》被中国历史博物馆收藏，《晏少翔画集》、《荣宝斋画谱第五十一集》出版。孙恩同：《英纳河畔》被中国美术馆收藏，《中国山水画教程》、《中国山水画写生与创作》、《中国山水画课徒教程》、《中国山水画写生与手稿》出版。王绪阳：《黄巢起义军入长安》被中国历史博物馆收藏，《漠北之战》被中国军事博物馆收藏，《中华血泪》被中国人民抗日战争纪念馆收藏，《武松口大血战》被上海龙华烈士 纪念馆收藏，《我要读书》（与贲庆余合作）获国家美展一等奖，《童工》（与贲庆余、路坦、陶治安、周立合作）获国家级美展一等奖，《中流砥柱》获国家级美 展金奖，《小米加步枪》获国家级美展银奖，《中国画人物画家——王绪阳》出版。许勇：《白求恩在中国》（与许荣初、顾连塘、王义胜合作）获国家级美展金奖，《出发前》获全国青年美展一等奖，《戚继光平倭图》被中国历史博物馆收藏，《长平之战》被中国军事博物馆收藏，《动物速写》、《女性人体美与造型艺术》、《马与艺术》、《许勇画集》出版。陈忠义：《陈忠义国画海景》、《陈忠义国画集》、《水的画法》、《梅、兰、竹、菊教材》、《梅、兰、竹、菊画法》出版。杜连仁：《岭上青松》被中国美术馆收藏，《草原儿子》获全国连环画美展三等奖、《谁之罪》获全国连环画美展二等奖。栾永让：《老船》入选第七届全国美术作品展，专著《心源造化·栾永让》、《谈速写艺术》、《栾永让写生作品集》等出版。王义胜：《白求恩在中国》（与许荣初、许勇、顾连塘合作）获国家级美展金奖，《王义胜工笔人物画教程》、《写意仕女画》出版。孙文勃：《长白山月》获第八届全国美展铜奖，《范画经典》（全四册）出版。孙智谱：《幽竹情趣》获国家级美展铜奖，《工笔设色花鸟画谱》、《美术之路》（工笔花鸟部分）、《工笔白描花鸟画谱》出版。刘东瀛：《清秋》获第四届全国工笔画大展铜奖，并被中国美术馆收藏，《虞美人》被国立台湾艺术教育馆收藏，《中国花鸟画创意》、《中国工笔画精品集》、《中国.高等美术院校名家教学画稿——工笔花鸟》出版。李永宽：《滴水穿石》获“日中国际书道展”大奖，《山水画分类技法——树木山石篇》出版。王占鳌：《观音图》获世界华人艺术家金奖。李连仲：《索传图》被中国美术馆收藏，《鲁迅与闺土》被日本国家博物馆收藏，《家乡人》被新加坡国家博物馆收藏，《水墨人物小品——名家手稿》出版。李仲录：《题竹林寺——唐人诗意》被台湾彰化艺术中心收藏，《迎春》被北京鲁迅博物馆收藏，《美术之路》（工笔人物部分）、《古诗意画创作》、《李仲录文学作品插图集》出版。李荣光：《血沃关东》获国家级美展银奖，《李荣光花鸟画选》、《写意荷花技法》、《写意牡丹技法》、《写意猛禽画法》、《写意鹰画法》、《写意鸳鸯画法》、《美术之路》（写意花鸟部分）出版。马书林：《向天歌》获全国第三届青年美展三等奖，《弄春晖》被中国美术馆收藏，《京剧人物》获国家级美展银奖，并被中国历史博物馆收藏，《马书林画集》出版。李巍：《白宫村》获全国第一届青年美展文化部二等奖，《松鼠》被皇陵博物馆收藏，《李巍画集》、《中国写意花鸟画技法》、《中国.高等美术院校名家教学画稿——写意花鸟》出版。2008年十四幅作品被辽宁省博物馆收藏。赵奇：《爬满青藤的木屋》参加现代题材全国连环画邀请展，获首届连环画报金环奖。《嘎达梅林》参加第六届全国美展，获银牌奖；《可爱的中国》参加第六届全国美展， 获铜牌奖。《可爱的中国》参加第三届全国连环画评奖，获三等奖。《靖宇不死》参加第七届全国美展，获铜牌奖，参加第四届全国连环画评奖，获绘画一等奖。《啊·长城》获第二届连环画报金环奖。《希望—山坳上的小学》参加纪念“讲话”50周年全国美展，获铜牌奖。《往时》参加首届全国中国画展览，获佳作奖。《京张铁路·詹天佑和修筑它的人们》参加第八届全国美展，获优秀奖。《抗战》参加纪念抗日战争胜利五十周年美术作品展，获铜牌奖。《父亲的胡琴》参加第九届全国美展，获铜牌奖。被中国文联《世纪之星工程》推荐委员会评为“世纪之星”。赵宝平：《百年英烈》（与王盛烈、张晖合作）被中国军事博物馆收藏，《打回老家去》（与王真真合作）获国家级美展银奖，《海花》入选第六届全国美术作品展，《悠悠叶尔芜河》入选第八届全国美术作品展，《书》入选全国第三届中国画展、《雨霁山水图》入选第十一届全国美术作品展，《赵宝平素描集》、《赵宝平速写集》、《赵宝平书道作品集》、《赵宝平书法作品集》、《赵宝平水墨人物作品集》、《赵宝平水墨山水作品集》、《心游——赵宝平艺术实践2006》出版。 2007年被评为辽宁省普通高等学校省级专业带头人。晏阳：《两个画家》获纪念世界反法西斯胜利五十周年全国美术作品展铜奖，《笨耗子故事》获首届中日韩插图大赛大奖、第八届全国美展优秀作品奖，全景画《赤壁之战》获第十届全国美展金牌、首届全国壁画大展大奖，全景画《济南战役》获第十届全国美展铜牌、首届全国壁画大展优秀作品奖，全景画《莱芜战役》、《三大战役》获首届全国壁画大展优秀作品奖，全景画《淮海战役》获第二届全国壁画大展大奖，全景画《井冈山斗争》获第二届全国壁画大展大展奖，中国画《太行晨牧》获第八届全国教师美展优秀作品奖，油画《大刀向鬼子们头上砍去》中国国家博物馆收藏，油画《黄洋界保卫战》井冈山黄洋界纪念馆收藏。专著《晏阳人物画作品集》出版。韩敬伟：《社火》获第七届全国美术作品展铜牌奖，《古塬逢春》获第九届全国美术作品展 优秀奖，《山鸣谷应》获第十届全国美术作品展 铜牌奖，《和平天使》获全国首届中国画展·深圳特展大奖，《山乡的和音》获全国第二届中国画展 银奖，《归路》获第二届“中国美术金彩奖展”铜奖，《山妹子》获加拿大首届“枫叶奖”国际书画大展 银奖，《家庭》获全国首届中华杯中国画大奖赛 二等奖，《社火系列之二》获全国首届中国风俗画大奖赛三等奖，《信天游》获“东方怀”（国际）中国画大奖赛 三等奖，《乡音》获第四届当代中国山水画展优秀奖。，《山谷》获跨世纪暨建国五十周年全国山水画展优秀奖。出版教材：《国家级教学成果奖教授讲堂DVD六部》。出版专著：《中国画的意与色》；《中国绘画质地表现》。出版专集：《韩敬伟画集》；《韩敬伟作品集》；《水墨精神——当代中国画名家韩敬伟作品及技法》；《国画写意山水绘画手稿》，《韩敬伟山水扇面精品》；《中国当代名家画集——韩敬伟》。发表论文 13篇。1996年编入中国美协百名（国版油雕）《中国当代美术家》光盘；1998编入《中国现代美术全集》。张晖：《驼峰上的爱》获第七届全国美展银奖，《马占山》获国家级美展银奖，《百年英烈》（与王盛烈、赵宝平合作）被中国军事博物馆收藏，《速写教程》出版。陈苏平：《黄河》获第七届全国美展铜奖，《素描风景》（与齐鸣合著）、《从写生开始》出版。刘建华：《秋雨》（与王盛烈合作）获国家级美展银奖。李岩：《静响》入选第七届全国美展，《化黄幻绿》入选第八届全国美展，《九九重阳》获全国第九届美展铜奖，《归鸿》获中华杯国画大奖赛铜奖，《他们·组画之1》中国美术馆收藏，《牧誓》中国人民革命军事博物馆收藏。韩大为：《辽西的秋天》广州艺术双年展油画部分提名奖，《创作素描》出版，草书作品获第二届“赛克勒”杯中国书法竞赛铜奖。油画、素描作品获第六届山艺术罗中立油画奖学金。孙悦：《烟花烫》入选《全国第六届工笔画大展》并被收藏，《泳之一》入选《第二届北京国际美术双年展。中国中青年艺术家精品展》并被收藏。《古画临摹实技》、《名家绘画手稿》、《千姿鸡冠花》、《花卉与花卉装饰画-工笔花鸟》出版。赵斌：《藏北风情》（合作）获第九届全国美术作品展优秀作品奖，《宋画临摹·实技Ⅱ》、《宋画临摹》、《古画临摹·三友百禽图》出版。王 岚：《古画临摹实技——花鸟篇·人物篇·游春图》、《工笔人物画教程》出版。张 船：《视觉日记之一》获得“第七次亚洲美术大展”（韩国）特选奖，《金婚纪念》入选第三届全国中国画展，《天台上的盆景》入选第三届全国青年美术作品展。杨振凯：《走过湘西》获“美苑杯”全国美术院校、师范院校研究生本专科生美术作品二等奖，《思》获韩国第七届《亚细亚美术大展》特选奖，《夏日》、《蕉林》获第一届中国中青年美术教师优秀绘画.设计作品展优秀奖，《写意竹》出版。杨 柳：《李老师和王老师》入选第十届全国美术作品展、被中国美术馆收藏；《女人街上的太阳伞》入选2007中国百家金陵画展、第三届全国青年美术作品展、第二届当代中国画学术论坛全国中国画创新作品展，被中国美术馆收藏；《步行街上的太阳伞》入选全国第六届工笔画大展；《往事》入选全国第七届工笔画大展；《都市晨曲》入选第十一届全国美展。《古画 临摹 实技》出版。刘大钧：出版《周易概论》、《周易古经白话解》、《周易传文白话解》、《周易讲座》、《纳甲筮法》、《今、帛、竹书〈周易〉综考》、《周易古经白话解》(英文版)、《易经全译》(法文版)等多部易学专著，校点整理85万字的易学巨著《周易折中》，主编《大易集成》、《大易集要》、《大易集述》、《大易集义》、《大易集说》、《大易集奥》、《元典哲蕴》、《大易集释》、《儒学释蕴》、《简帛考论》、《象数易学研究》(一、二、三辑)等10多部论文集。曾担任中央电视台摄制的大型系列片《中华周易》学术总顾问，在《中国社会科学》、《哲学研究》、《文史哲》、《中国哲学史研究》、《周易研究》等重要学术刊物上发表论文40多篇。其主要专著《周易概论》在齐鲁书社与巴蜀书社都连续再版，印数超过10万册，产生了广泛的学术影响。是建国后第一位倡导并开展象数易学研究的学者。姜澄清：《古文笔法》、《易经与中国艺术精神》、《中国绘画精神体系》、《书法文化纵谈》、《中国书法思想史》、《艺术生态论纲》、《中国色彩论》、《中国人的色彩观》、《文人.文化.文人画》、《姜澄清散文集》出版。章祖安：《古书句读数例述例述辩》、《古书记言标点易误举例》、《论“兴”》、《周易占筮学》、《曲解、引伸、附会、丰富、杂乱——易学发展评述》、《周易.需卦》解 析、《潘天寿画上的题识》、《模糊.虚无.无限——书法美之领悟》、《陆维钊书法论》、《学印自述》、《章祖安书法集》等著作、论文出版发表。徐炽：《中国古代书法经典.行书卷》、《徐炽书法集》、《学书指要》、《徐炽书法艺术》。储 云：出版大型画册《储云作品集》(绘画卷、书法卷)、《储云章草古诗十九首》、《储云书画选集》、《储云扇面集》及光盘实录等作品集十余种。丛文俊：发表书法研究文章150余篇，出版《中国书法史·先秦秦代卷》等学术专著9部，以及《丰草堂题跋书法》等书法作品集3部。1997年被评为首届“中国文联各文艺家协会中青年德艺双馨优秀会员”，2000年当选为第七届全国文代会代表，2002年获中国书法首届“兰亭奖”理论奖，2009年获中国书法第三届“兰亭奖”教育一等奖，三次获吉林省人民政府颁发的“长白山文艺奖”，先后被专业刊物评为“中国当下最具收藏价值的十位书家”、“2009年中国书坛十大年度人物”。刘彦湖：1981年获全国首届大学生书法赛三等奖。1991年篆刻作品参加全国第二届篆刻作品展。1993年书法作品参加全国第五届中青年书法篆刻作品展。1995年篆刻作品参加全国第六届中青年书法篆刻作品展并获二等奖。1998年书法作品参加全国第七届中青年书法篆刻作品展并获一等奖，书法作品参加巴黎中国书法大展。1999年书法作品参加赴日本二十世纪中国书法大展，书法作品参加99《中国书法年展》。1999—2000年书法作品应邀参加《世纪之门·当代中国艺术大展》。出版《当代大写意篆刻家作品集》、《当代篆刻家作品集·刘彦湖卷》论文《当代中年篆刻家八人评》（中国书法）、《篆刻艺术中涵泳的线条意味》（中国篆刻）、《中国人的宇宙关念及其迹化篆刻、文字、建筑》（中国篆刻）。金鉴才：发表有“艺术的觉醒和基础的危机”、“再论艺术的觉醒和基础的危机”、“赵孟頫书法论”、“文徵明书法论”等多篇学术论文，编著有《梅》、《竹》、《兰》、《菊》技法画谱和《金鉴才（诗书画印）作品集》。孙 民：专著《东坡赋译著》、《古代风谷诗画》、《华夏节令风谷文化》、《聊斋志异精读》等多部。主编有《中国古代文学作品选·明清卷》、《两汉史传文》、《唐宋词精读》（获辽宁省教育学院教材一等奖）等。发表有“东坡乐府诗三首编年”（获全国教育学院文科论文一等奖）等40余篇论文。马新宇：“试论北朝墓志题铭的文化蕴涵及书体的装饰性问题”获全国第六届书学讨论会三等奖，《图说中国书法》出版。王大公：草书作品荣获全国第九届书法篆刻展三等奖、草书作品荣获2009首届（常熟）“江南文化节·翁同和书法奖”提名奖，草书作品入选全国第二届草书艺术展、行书作品入选 “我与经典”行书艺术展、行书作品入选“福文化”全国书法名家邀请展，专著《王大公现代书法》出版。刘元飞：1999年作品入展纪念孔子诞辰2550周年全国美术作品展，并在中国美术馆展出。2001年作品入展庆祝建党八十周年书法作品展。第二届行草大展。敦煌杯全国书法大展和小品展。2003年作品入展第七届少数民族运动会全国美术作品展。2005年作品入展西冷印社首届国际艺术节中国书法大展。2006年作品入展西冷印社第二届国际艺术节楹联书法展、手卷书法展、扇面书法展。《中国当代美术家——刘元飞》出版。
前言中国工笔花鸟画源远流长，色彩与线形结构是工笔画的主要构成之一，现代工笔花鸟画的语言形式在近几年随着我国对外联系的日益增长，在各国与我国的文化艺术的交流频繁中已经不可避免的受到西洋绘画的冲击。如何较好的与中国传统绘画结合，吸取优良传统而发展自己的独立个性已经成为了现代画家们为之努力和创新的首要目标。画家们不仅要延续古代优秀传统，也要对这一画种进行创新与开拓，赋予其色彩与形式的独立审美价值和表现性功能。这些问题使得现代工笔花鸟画画家，在对传统的继承突破中形成了现代工笔花鸟画的多元形，为以后的工笔花鸟画的发展提供了坚实的祭奠。绘画中的主要表现语言就是色彩和线条，它们是构成绘画艺术风格的基本要素，它一直是给人视觉冲击力首要手段。无论是传统还是现代，无论是东方还是西方的绘画，色彩与线条在画面中一直扮演着重要角色，始终是重要的构成因素。在中国工笔画中更是成为了重要表现手段。在现代西方的油画、水彩等各种绘画冲击下，中国工笔花鸟画不再拘泥于传统的有限色彩和构图形式，开始结合中国的成熟墨色，融会西方色彩运用找寻现中国现代工笔花鸟画的独立语言。 在构图上，全景式的作品日益见多，许多作品不再把花鸟从环境中抽离出来，而是将其置于它应有的生态环境之中。作品内容丰富，场面宏大，构图饱满，给人以强烈的视觉冲击力。受西画透视画的影响，许多作品着力于实现纵深的层次。而另一些作品，则从工艺美术及民间艺术中汲取营养，追求一种带有构成因素的抽象意味，在写实与装饰之间求平衡。 色彩上来看，现代工笔花鸟画家开始努力避免色彩的单一性和模式化，更新了“随类赋彩”的观念，改变了以“分染”、“罩染”为基本手段的“三矾九染”的过程，开始吸收西洋画的用色方法，以统一色调处理画面，注意黑白关系，色相对比，冷暖对比等关系，使画面丰富又不失统一。与传统工笔画家不同，现代的画家大多都经过美术院校的学习，汲取了许多西方的绘画营养，有着坚实的造型基础和色彩修养，获得了前所未有的写实再现能力，提高了工笔画汲取现实生活的视觉能力。再加上对色彩的感悟，促使传统工笔画的色彩向现代发展随着时代的转变,现代的工笔花鸟画画家更新了自己的创作观念,拓宽了创作题材,榕树、杂花、田野、蔬菜、水果、珊瑚等在传统绘画中不曾出现的对象也成了创作的题材。还有一些画家从自己画面装饰性的要求出发，大胆夸张变形，不受物象自然形态的束缚，如：陈之佛的《月雁图》，陈新华的《乡土》等都极具个性。 中国的传统绘画一直追寻的是求得人们在情感上的共鸣和满足，而不是追求绘画对象的现实性。这就与西方的追求写实性绘画相反，中国绘画的色彩被赋予了更多的主观意识，希望从中得到的是精神领域的愉悦。由于现代工笔花鸟画在题材内容、表现手法以及工具材料等的方面的新拓展，使得新的审美境界逐渐形成。以扩展空间来扩大花鸟画的感染力与表现力；变小情趣为感人意境，通过视觉冲击力触动心灵；画面内容的丰富提升自身的艺术感染力；抽象装饰性作品恰当的传达了现代人的审美趣味。在中国传统文化下，在代代相传的艺术实践中，工笔花鸟画取像单纯，多为主体描写。造诣诗情化，借助联想与想象构筑充满感情色彩的诗境，以求“画外有情”。表现手法格式化，运用程式化手法造型、上色、布局、体现一定的装饰性。在追求“似”与“真”的前提下，表现对象的生命与特质，令其吁吁如生。反对被动的描绘花鸟，强调观察对象时内心的触动，创作则是对事物的感性寄托，唤起观众对生活的内心感受。发扬培养高尚情操与生活理想的高级艺术。中国花鸟画在宋朝就已经成熟了“黄荃”父子便是工笔重彩花鸟画成熟时期的代表。到宋朝和元朝，不仅“勾勒着色” 一体为主流，而且又出现了纯以彩色的“没骨”和纯粹的“白描”体格。现代的工笔花鸟画不仅继承了优秀的传统，并得到了创新。很少有人再拘泥于传统的“折枝”“丛卉”，却取资于山水画或使用半截断开、不露天地。但画面并没有忽视花鸟作为主体的地位，明显的以大观小，使对象处于应有的生态环境中。依然重视造诣诗情，不再依赖花姿鸟态来引起观众的感兴画家开始注重表现晨光、月色、露气、风雨下的花鸟情态。如李魁正的《晨露》、《春情》等。而且绘画技法不再单纯，结合中西，包孕古今。有的还借鉴日本画的精致雅淡。传统的勾勒、设色、白描等被许多画家综合运用。云母、日本色、广告色、炳烯等，以及撒盐、冲水、做纸等也都变成了一种表现手法，也以写意为旨，写实为体，以装饰为用，谋求全新的气氛与肌理感。工具材料的革新使现代工笔花鸟画的表现技法不断得到丰富，扩展了花鸟画的意境。北京的于非阁、江南的陈之佛和巴蜀的张大千。于非阁的“勾勒着色”得法于两宋。陈之佛的工笔花鸟画也以“双钩着色”为主，受到日本绘画的影响，元代钱舜举的“疏淡含精匀”宁静淡雅的风格。张大千则自成一体，善于继承古人的好传统。田世光和俞致贞又受教于于非阁与张大千陈之佛在工笔花鸟画领域的独到之处，在于他能在古旧里出新，他继承了宋朝时期的传统，借鉴传统中的造型、意识，造型以工整写实为主，在传统技法的基础上将图案的装饰手法和日本的绘画设色特点相结合。画面追求唯美，表现雅静与淡泊之美。如：《雪雏图》、《月雁图》等。他的画依照不同的物象,不同季节,不同感受,采用不同手法.画树杆,有的用皱檫渲染,显得挺拔.有的用水渍法,运用水渍色彩的浓淡变化,显见苍润.陈之佛的工笔花鸟画带有明显的装饰性。在描绘花鸟的客观基础上，恰当的运用了意象、夸张、变形的装饰手法。由于他在画面上运用了许多的装饰性手法，使他体现出了自己独到的个性与现代特征。中国画中的积水法，在其之前已经有很多画家运用，但他将这一“特技”普遍化，灵活去运用。自然流淌而渗化的水渍痕，具有着现代设计的肌理感，将要表现的内容与画面情调统一起来，既有了物象的质感又有了材料的表现。陈之佛的花鸟画色彩运用微妙，他在传统基础上吸收了许多外来的影响，清淡典雅而十分统一，在设色方法上，保持了传统的“三矾九染”，又能根据实际画面需要灵活运用。以色彩的淡薄来表现对象的远近、虚实，以及对象所处背景。金鸿钧的花鸟画多方面收益于田世光、俞致贞、李苦禅和王雪涛等人，使金鸿钧在创作中深入领会了工笔重彩花鸟画的传统，继承了观察生活，把握大自然的认真、严肃的创作精神。在他的画面中虽是工笔画，但有着大写意的气势。用线，特别是白描同线，是工笔花鸟画中必不可少的造型手段和主要技法之一。在工笔花鸟画中，线要表现物象的结构和轮廓，要表现质感，要表现光色，要表现意境。前三者是客观表象，后者是主观情态。缺了前三者之一，便会失去视觉形象的完整，而缺了后者，便会失去艺术的感染力。从而用线表现情意是尤为重要和必不可少的。杨悦浦在为《金鸿钧新作选》所写的序言中称赞他的用线：“《牵牛》中的线的功力令我着迷，那用水分充足的深灰黑色勾出的铁蒺藜，我曾把全画面的每一根线都看了一遍，想搜索出一处败笔，结果没有找到，反到为在运笔用线之轻松、随意、流畅，以准确地表现了铁丝之质感和弯折、剪断、连接种种变化这种深甚功力而惊叹不已。”说明了金鸿钧的观物的细致和用笔的精微。《万紫千红》一画以偏冷的红色调统一整个画面，几组花分为曙红、紫红、玫瑰红、等色，而少用朱镖、橘黄。在画面的层次表现上依靠了色彩的轻重虚实变化和双勾、没骨两种画法的穿插结合解决。《牵牛》、《红满香山路》、《枫叶白鸽》等作品都是赋予生活现代气息的作品，在摄取形象和表现手法上都显示着深刻的创作观念。前代画家在花鸟形象的择取上有一种规范化了的审美习惯：“凡花入画者，皆剪裁培植而成者”而《牵牛》、《红满香山路》等则是打破了传统审美习惯，截取生活环境中的一角，经过创造的新意象、新审美表现，就连原不给人美感的铁丝网，与白色的牵牛花，等组合在一起，也形成了有节奏的画面、和韵律。《牵牛》中墨绿的花用积水冲色法画出，最后用金色勾出叶脉，使画面有了装饰性的光泽，《枫叶白鸽》中的水泥地很难用传统技法来表现，金鸿钧用撕碎的泡沫塑料蘸上色彩在底子上拍打出斑点状，而后用统染方法来表现。李魁正受教于俞致贞和田世光，俞致贞和田世光的花鸟画重在传统，善于提炼，传神，讲笔法，浓色泽。然而这种风格的确立，即没有艺术表现上的特长，也同时带来一些局限性。李魁正在跟随他们学习的同时在自己的风格方面摆脱了法式的束缚，树立了自家的艺术个性。在《金秋烁烁》中闪烁光芒的老干，把变形有序的果实映照得硕实累累，构图为平面分布，屏弃了大背景，冲破了古法的禁忌，由于加强了绘画效果，而更能使观众进入绘画的主题，感受灵光普照的精神世界。他弱化用线，强化色彩，形成他自己的“新工笔画”，孕育着“现代没骨画”的诞生。以新工笔画为主的《清气》，实际上已经是“现代没骨”了，它彻底扬弃了用线勾勒，在渍染中表现对象，甚至不乏水墨大写意气势。并且还充分发挥了色彩冷暖对比转换的精制表现力，由此李魁正倡扬并推出了“现代没骨画”，这一推出的风格随源于传统工笔没骨，但更丰富了色彩，加强了统调增加了光感以新工笔花鸟画中层层渍染、冲染、接染喷流等新技法，新语言技巧，使光色形韵进一步从双钩墨线中解放出来，在造诣抒情上取得了幽雅自然的效果。从《皎洁》、《生命》、《秋艳》、《晨露》，可以看出，他的现代没骨法中兼工带写，无线有骨，色调同一和谐，光感强烈而柔和，肌理丰富而别致，情韵精而圣洁，发挥了没骨花鸟画的特点。从“新工笔”到“现代没骨”，李魁正通过线的隐没和光色的发挥，更新了花鸟画视觉效果。王广华从事花鸟画接近二十年，他的作品在意境上也相对传统有所变化。有的作品比较华丽，像海棠小鸟、山茶双鸽、曹洲牡丹一类。有的则比较清雅明快，如《白玉点韵》的昙花、《散点绿地》的荷花等。画面比较开阔，注意环境的衬托，意境清幽深远，《生生不息》，作者把握住了较大场景，处理多种树木花卉，都能繁简、疏密得益，大体与局部关系恰当，并无杂乱堆积之感。在现代工笔花鸟画的探索中，已经不可避免的受到西洋绘画的冲击，如何较好的与中国传统绘画结合，吸取优良传统而发展自己的独立个性已经成为了现代画家们为之努力和创新的首要目标。现代工笔花鸟画画家的对传统的继承与突破形成了现代工笔花鸟画的多元形，为以后的工笔花鸟画的发展提供了坚实的祭奠。参考书目：《美术》、《国画家》、《李魁正泼墨》、《美术史》、《金鸿钧新作选》、《陈之佛画集》
我在面对陈林画作时突然发现，此前评说过的画家虽然不在少数，却没有一位正儿八经画花鸟的。之所以这样，完全不是有意为之，潜意识里却应当有些原因。陈林接受《书画名家》记者访谈时表达了一个很有意思的观点：人物画和山水画的承载能力更强，容易随着时代变化而变化；花鸟画程式相对固定，更容易墨守成规。对于我等评说者而言，人物画和山水画多有变化，提供了更多的评说话语，从而有话可说；花鸟画缺少变化，可说的话也就多乎哉，不多也，甚至无话可说，所以留下空白。但是陈林很清醒，花鸟画不是容易陈陈相因吗？那就寻求突破，努力画出新的观念和新的图式。评说者很幸运，碰到了评说花鸟画的合适对象，感到有话可说，甚至不吐不快。 诚如陈林所说，相比人物画和山水画，花鸟画的稳定性显而易见。自唐代成为独立画科以来，两宋直至明代前期的花鸟画图式一直处于稳定不变的状态，大抵就是全景构图，以及从全景中截取部分景观而分化出来的折枝构图。稳定不变的图式结构与再现自然形态的创作方法密切联系，全景也好，折枝也罢，都是真实再现客观存在的花鸟景观，例如，南宋林椿的那幅《果实来禽图》，就是呈现了成熟的果实引来小鸟觅食的画面。晚明以来诞生的大写意花鸟画有所变化，以徐渭为代表的淋漓尽致、以八大为代表的言简意赅，都是以意笔取代工笔，简约了画面元素，丰富了画面寓意，却在图式上、以及与图式密切相关的叙事功能上没有质的突破。此后，花鸟画沿着工笔和写意两条技法线路向前推进，再也不见重大变异。有了一千多年的花鸟画发展史这个深厚背景，再来审视当代出现的新工笔花鸟画，包括堪称这个阵营中坚力量的陈林的画作，我们便感到价值不菲，意义非凡，如同张见先生在《定格迷局》中所说的那样：“陈林的理念是，叙述比再现更为重要。” 是的，《果实来禽图》叙述了“果实引来小鸟觅食”的事件过程，不能说不是叙事。然而，在陈林和新工笔画家们看来，叙事虽然是人所熟知的常用语词，此时却偏离了既定的语词阐释框架，进而引申为超越了视觉经验的一种创作观念。也就是说，陈林试图呈现的叙事性花鸟画面，与花鸟自然景观的客观再现已经大相径庭，他想对笔下的物象及其物象之间的组合做出描述，这种描述中渗透了主观意味，解读为超现实的逻辑关系，目的是要表现出衔接着传统笔法却又面貌一新的花鸟艺术世界。沿着这样的创作思路，陈林开始了他的不懈追求。大约是2002年，陈林先后推出《红豆角红蜻蜓》《红扁豆黄月亮》等画作，所呈现的画面与千年以降的花鸟画自然景观模式拉开了距离，从中可以感到强烈的主观重组意识和借鉴而来的构成倾向，可以感到画家已经发出了求新求变的明确信号。其后几年，陈林考入中国艺术研究院攻读美术学博士学位，在北京与悄然兴起的“新工笔”画家群有了频繁接触，并且一拍即合，加速了求新求变、特别是在创作中强化叙事功能的步伐。到了博士毕业的2006年，陈林笔下的禽鸟身份发生了重大变化，不再是单纯的自然物象，而被赋予具有现代意义的叙事姿态。这些禽鸟面对新鲜的、眼花缭乱的人文景观，正在细致观察，深入思考，准确判断，努力沟通，从而形成识别性很强的新工笔花鸟画风貌。 从2006年到2008年，陈林屡屡以《误入》系列参展。虽然现今找不到属于这个系列的太多作品，我还是对此充满兴趣，并确信这批作品在他加入新工笔阵营之初具有标志性意义。仅仅是这个带有悬疑意味的画题，包括那些同样带有不确定因素的子画题如“疑”、“恍”、“探”、“巡”等，就能激发旁观者的追问意愿和打探究竟的冲动。陈林果真是“误入”吗？应当不是，他以坚定的步伐走上“新工笔”的创作道路，无疑是蓄谋已久，掂量再三，准备充分。既然不是，陈林仍以“误入”冠名，乃是运用了灵活机动、以退为进的叙事技巧。毕竟处在冲撞传统工笔画法的尝试阶段，有所疑虑的画题为踏入新路留有很大的余地，展示了低调的身段，表达了谨慎的态度，发挥了缓冲的作用。即使前路受阻，抑或此路果真不通的话，反正有言在先，折回头重新探路就是。在这样的叙事背景下，《误入》系列里的那只雉鸡粉墨登场，表演十分精彩：它来到了一个通向远山的陌生路口，有时东张西望，显得四顾茫然；有时索性把头躲藏起来，遮挡着不能确信是否“误入”的尴尬表情。它心中正在盘算着未来的走向，前面的路还有多远？前面的山是我的归宿吗？其实，它知道自己没有走错路，只是作为开拓者，需要多思索一会，多权衡几次，以便找到准确无误的方位。循着这只先锋雉鸡的足迹，陈林的“误入”一发而不可收，不仅快步跨入先贤大师们的经典画廊，还径直闯入了中国画家很少涉足的西方名画禁区，从古今中外的文化冲突中寻找融合的可能性，延伸着“新工笔”的叙事旅途。比如那幅2006年画成的《梦中宣和·芙蓉锦鸡》，宋徽宗笔下的锦鸡正在诉说远离尘嚣的寂寞，经由几何体的折射呈现为顾影自怜的情状，失去了昔日拥有的五色斑斓的华贵和回眸翘望的典雅。陈林派出的麻鸭面对着时代变迁，沧海桑田，感到始料未及，一只脚爪不由自主地向后翘起。我们隐约听见麻鸭的慨叹，它踌躇于自己是不是走错了地方，而不管“误入”与否，锦鸡头上闪烁的光环终究有些恍如隔世，不可能永葆青春。又比如2008年画成的《凡·爱克的婚礼》，陈林派出两只冠鹤“误入”这幅尼德兰画家的名作，用以置换原画中的阿尔诺芬尼新婚夫妇。冠鹤已经意识到自已扮演着不速之客的角色，但是，既来之，则安之，事已至此，只能勉力掩饰内心的忐忑不安，融入略加改造的崭新环境，营造与婚礼仪式相适应的和谐氛围。应当承认，陈林派出的几批禽鸟都很胜任，它们打着“误入”的旗号，顺利完成了趟路和试水的光荣任务。它们的叙事过程充满了戏剧性，以疑问和悬念开场，以文化冲突转向文化融合的圆满结局落下帷幕。与此同时或者稍后一些，陈林还画出一大批性质类似的作品,诸如《偶遇韩干》《盛宴》《致维米尔的信》《镜中的玛格丽特》《怀斯的阳光》《波提切利之舞》《莫兰迪·误入》《游记·里斯特》《飞过爱德华·霍珀》等等，都可以视为巩固胜利果实之作，共同证明了此路并非“误入”，前途畅通无阻。 经过三、四年时间的创作实践，一种个性鲜明的新工笔花鸟画图式从陈林的笔底应运而生。在这种图式中，前景的禽鸟具备了灵性和知性，具备了审视与思考、分析与判断、回眸与展望的功能，它们与身处的虚拟场景组成了淡化矛盾、促进沟通、达成和解的叙事结构，从而摆脱了再现自然形态的传统程式，洋溢着浓郁的时代审美气息。此时，陈林对于精心谋划的既定方向愈加感到自信，不再是低调的“误入”，转而是执着的“寻觅”、深情的“迷恋”和欣慰的“共鸣”。到了这个阶段，陈林画作的叙事主题也在发生着重大变化，不再探讨“新工笔”的可能性，转而展示“新工笔”的丰富性。2010年，陈林先后推出《寻觅十二钗》系列、《瓷恋》系列和《天工之恋》系列，派出各类禽鸟广泛寻访，涉猎了中国传统文化的诸多领域，深入梳理新工笔花鸟画与历史文脉之间的传承路径。很显然，与“误入”相比，“寻觅”的内在涵义更为积极主动，清晰表明了方向已经明确，目标就在前头，完全没有是否走错路的疑虑。《寻觅十二钗》系列是非常值得琢磨的作品，各色禽鸟摆出各种各样的寻找姿势，它们正在努力寻索的对象，在第一幅中只是空空如也，而在随后各幅中不过就是一串很平常的饰物。这个系列颇多耐人寻味之处：首先，“十二钗”的画题和那些画中饰物的点缀，共同给出寻觅目标上的提示，无论是《红楼梦》里的大家闺秀，还是珍珠手串与其他古典物件，无不富有强烈的历史文化指向，指引着苦苦寻觅的禽鸟们奔向前方，奔向传承文脉的深层空间。其次，那根用于串联饰物的红丝线，则给出寻觅关系上的提示，红丝线很细，但是很结实，很牢靠，牢固捆绑着各色禽鸟与它们的标的物，紧密牵引着新工笔花鸟画的来龙去脉，既是传统的变异，也是传统的衍生。再有，大同小异的画作竟然接连画出12幅，又给出寻觅立场上的提示，就是乐此不疲，就是不厌其烦，数量上的积累传递了不容置疑的叙事语气，宣告了不达目的、势不罢休的坚毅态度。遵循《寻觅十二钗》系列所提供的叙事线索，《瓷恋》系列和《天工之恋》系列朝着扩展领域和强化情感浓度两个方面深入行进，使个性突出的新工笔花鸟画图式趋于丰满，趋于成熟。在扩展领域方面，两个系列分别引入了瓷器和纺织器械，两者都是中国传统手工艺的杰作，而前者简约、纯净、温润如玉，更加贴切本土文化精神；后者带有几何构成倾向，更加衔接西方艺术理念，尤其是从未入画的后者，为工笔花鸟画的题材范围增添了新的审美趣味。在强化情感浓度方面，禽鸟们已经认定了心仪良久的对话物象，进而陷入深深的迷恋之中，这就增添了浓郁的情感色彩，这些禽鸟的叙事状态随之转换，或者愈加亢奋，有如《瓷恋·歌》中放声咏唱的大麻鳽；或者愈加心无旁骛，有如《天工之恋·牵》中咬定丝线不松口的两只火鸡。及至2011年，陈林的《共鸣》系列面世，把禽鸟与各种各样的民族乐器、西洋乐器并置在一起，不仅再次扩容了访问对象的范围，广泛调动了题材元素的参与意识，尽情拓展了画面构成样式的想象空间，而且开启了古今交流、中外碰撞的双重对话机制，体现了坚持不懈的学术追求和所达到的叙事深度。 大概是2012年以来，陈林每年都要画成几幅《畅神》系列的作品，至少持续了四、五年。其间，他还在画着《乐逍遥》系列、《逍遥游》系列和《醉潇湘》系列。我们看到上述画题，似乎看到了陈林派出的禽鸟们正在自由自在地翱翔，看到了一种更为宽松、更为放逸的叙事风度。此时，原先画作中那些起到分割块面作用的转角、扶梯、窗棂、屋檐等建筑构件已然退隐，那些与中外经典图像相关的拼贴痕迹也被悄然抹去，画面空间显得相对简净和恬淡，减少了舶来的构成倾向，进行了较大限度的还原性处理，为禽鸟的往返畅游营造了良好氛围。比如《畅神·潇湘之思》《畅神·半千之韵》《畅神·鹊华之秋》等作，没有局部镶嵌名人名画，而是全景式地展开了董源、赵孟頫、龚贤的山水画卷，处于同一时空的禽鸟们顾盼生姿，两者之间没有构成并置关系，而是相互包容，荣辱与共。《畅神·半千之韵》里的番鸭借助那座引桥，准备进入画卷，《畅神·鹊华之秋》里的角雉悠闲自如，干脆连引桥都不要，即将穿梭在宁静、疏旷的山水怀抱当中。还是《畅神·得鱼》更有意思，那只琴鸡闯入了一处文人书房，看到书桌上摆放着画有芦雁和墨竹的册页，以及压在上面的线装画谱，激动得难以自制，腾空而起，展翅高飞，毫不理会自己本是天外来客。由此看来，从《畅神》系列开始，陈林再次转换了创作重心，他的禽鸟们也再次转换了叙事话语：关于创新图式的形式感的探索，可能会暂时告一段落；关于传统文化内在精神的探究，相比之下则显得更为重要。 从“误入”到“畅神”，陈林经历了与笔下禽鸟朝夕相处的愉快的创作旅程，经由他的主导和有效掌控，所有的禽鸟成功实现了一次华丽的转身，不再是自然景观中步入画面、从而被真实再现的客体物象，它们肩负着画家的嘱托和重要的使命，成为画面的叙事主体。我们一面倾听着这些禽鸟的呢喃细语，一面见证了新工笔花鸟画所取得的显著进展。接下来，这些感动过我们的禽鸟们将要飞向何方，让我们满怀期待。 2018年8月
现代工笔花鸟画家们在继承优秀传统的基础上，“随情用彩” 。寻求笔墨与色彩的互补，从绘画材料中进行创新。除原有的中国画颜料，水彩、水粉、丙烯、化学纤维染料、油画棒以及各种矿物颜料都尝试运用，融化到现代水墨画中去。在色彩的运用上，有多种设色风格，多种设色技巧，逐渐从双勾花红叶绿固有色敷采的传统程式脱颖而出。注意把握画面的整体色调，并讲究色彩的冷暖变化和对比关系。1、吸收西方绘画的光影观念，使主体物象或全画产生光感和光影效果，增加画面空间立体的视觉力度，丰富造型语言。2.借鉴日本画，使用岩彩，弱化线条。用材质本身的美感，强化色彩与装饰构成。 注重制作性，用擦、滚、印、喷、贴、磨、洗等技法，破除了“三矾九染”的传统程式，融入更多的写意笔法与写意精神。画面浪漫、灵活、奔放、灿烂。3.有的画家将数百年来的水墨画的成果融入创作或进行泼彩、泼墨试验，或借色墨的泼绘增强画面的视觉力度。或让色彩自身相互组合、彼此交织和碰撞，将视神经的刺激与画面结构的韵律相结合，或强化水墨渲染，以水墨画的某些表现手法来改进工笔画的匠气、刻板。4、工笔淡彩，色调单纯清轻，如梦如烟，似有若无，呈现朦胧之美。5、以“特技”出新。其通过揉皱纸绢、浸渍画面、搓磨搔刮等特技创造各种奇特肌理效果强化了工笔画的写意性，充实和丰富了工笔画的审美内涵；
特点表现为对象的特点和神韵，落笔要坚定有力。工笔花鸟是以线造型，工整、细腻、严谨；写意花鸟是以笔简意繁，态随意变，意味深长。
图序是书刊中给插图编的表示序次的号码。
图题是科技论文中插图中的简短、确切的名字。
图序是图题的组成部分，图序、图题在图正下方标明。
插图应按文中出现的先后顺序，用阿拉伯数字连续编码给出图序和图题，如图1、图2。
图题应是以最准确、最简练的并能反映该图特定内容的词语的逻辑组合，一般是词组（很少用句子），要求准确得体，简短精练，容易认读。
扩展资料
一般论文中对图像的要求
图象是科技论文表述的重要形式，插图绘制的准确、规范、合理，不仅可以使论文论述清楚、明白，还可以起到活跃、美化、节省版面，提高读者阅读兴趣的效果。
插图包括线条图和照片图，它以直观的方法使读者迅速理解事物的形态、结构、变化趋势及其特点，可以缩减繁琐的文字描述。
作为科技论文的”形象语言”、“视觉文字”，插图的使用必须要有统一和规范的语言手段，要注意使用相应学科的专业符号，防止乱用和混用国外标准或已经废弃不用的旧标准。
（1）线条图
线条图是科技论文撰稿中最常使用的一种表达方式，一般由图序、图题、标目、标值、坐标轴、图注等6部分组成。线条图的设计要合理，符合统计学与规范化的要求。图形要简明、完整、清晰地表述欲表达的主题内容。
全图外廓以矩形为宜，高与宽的比例约为5：7左右。图中文字说明要简明，需要时可用数码或代号标示，并附以图注说明。要有纵坐标和横坐标，并标明量和单位，同时要有图例及图例说明。
（2）照片图
使用照片图应注意图片清晰度要好，对比度要合适。
参考资料来源：百度百科--图序
参考资料来源：百度百科--图题
参考资料来源：百度百科--科技论文
工笔从画法上可分为白描、淡彩、重彩、没骨四种。
1、白描：也称线描，既是工笔画的基础，也可独立存在，是用线条勾勒出物体的形状，不涂颜色，也不用明暗。
2、淡彩：是指在白描的基础上以墨和透明颜料为主着色的画法。淡彩强调淡雅、单纯、朴素、纯净之美，以表现作品的主题、描绘画面的意境。染色基本上选用花青、藤黄、洋红、胭脂等水性的植物颜料，给人以天然而毫无雕琢之感的艺术视觉。
3、重彩：是指用笔工整、细密，采用粉质不透明颜料敷设重色的画法。染色一般用石青、石绿、朱砂、锌钛白等矿物质颜料。
4、没骨：不用墨线勾勒，直接用颜色或墨巧妙地结合水进行渲染，属于传统花鸟画的一种技法。没骨画虽仍然有“线”的感觉，但这种“线”是渲染出来的效果，或者是“空”出来的效果，不是勾出来的。
国画工笔画：
工笔重彩花鸟画区别于没骨画与写意画的一种画。是一种工细的画法，它是用线勾出轮廓，然后着色，所以也叫双勾法。工笔画线条的粗细，浓淡变化不大，要求笔笔送到，线条之间衔接要求严谨，不留空隙，清晰完整。再轮廓内着色，着色的方法基本是渲染，靠多遍完成。工笔花鸟画对动植物的生态，精神都要求表达的真实具体，用色夸张，装饰性强。
工笔重彩花鸟画工致耐看，沉厚庄重，富丽堂皇，鲜艳动人。工笔花鸟画的制作步骤：一起稿和勾线。二晕染底色。三敷染表色。四深入刻画和调整。工笔画中，线条是骨架，也是灵魂，更是中国画中笔情墨趣的重要体现。
毕业论文:是大学生在大学的最后一个学期，运用所学的基础课和专业课知识，独立地探讨或解决本学科某一问题的论文，它是在撰写学年论文取得初步经验后写作的，它的题目应该比学年论文大一点、深一点。其基本标准应该是：通过毕业论文，可以大致反映作者能否运用大学三四年间所学得的基础知识来分析和解决本学科内某一基本问题的学术水平和能力。当然，它的选题一般也不宜过大，内容不太复杂，要求有一定的创见性，能够较好地分析和解决学科领域中不太复杂的问题。本科毕业论文篇幅一般在六干字以上。
回答:
确定题目要跟导师沟通，先拟好一份开题报告和论文大纲给导师看，让老师判断你论文的可行性，好的选题能够决定毕业论文的价值和效用。选题时要注意规划文章的方向、角度和规模，弥补知识储备的不足 ，合适的选题可以保证写作的顺利进行，提高研究能力。
选题的原则 ：
你还有半年准备论文，时间还算充沛。本科的毕业论文要求还不算严格，不知道你们是否要通过知网检测。你4年的国画学习历程，想必也有感兴趣的题目，例如可以写一些关于水墨动画的研究，“湿笔”的研究，意象造型研究，清代人物造型研究等等。如果对你所选的题目自信不足，本科毕业论文还可以用浅析做题目开头。
积累资料的方法：
累积资料以下几方面的 ：统计材料、典型案例、经验总结等等 、国内外对有关该课题学术研究的最新动态 、边缘学科的材料 、名人的有关论述，有关政策文献等 、搜集论文作 者当时所处的社会、政治、经济等背景材料。实际一点来你所选的题目自己要有一定的知识储备量，再者可以通过浏览知网、doc88（道客88）、美术类核心期刊、画论中找到适合自己论点的材料。
同时要有资料的辨析的能力，注意累积资料的适用性 、全面性 、真实性、新颖 、典型性。
拟定结构提纲 ：
要有全局观念，从整体出发去检查每一部分在论文中所占的地位和作用 。从中心论点出发，决定材料的取舍，把与主题无关或关系不大的材料毫不可惜地舍弃，尽管这些材料是煞费苦心费了不少劳动搜集来的 ，要考虑各部分之间的逻辑关系。
形成论点和论据：
由于人的认识不可能一次性完成，即使一种新观点出现，当时看来是完善的，但随着时间的推移，人们认识水平的提高总会发现原有观点的不足之处，所以，可以说，绝大部分已有的研究成果都给后世留下了补充性的研究课题。补充性论点是对前人研究成果的肯定与发展，而匡正性论点则是对已有研究成果的否定与纠正。这种匡正性论点包括两个方面，一方面是对通说(即流行的说法或观点)的纠正，另一方面是对新出现的某种观点不足之处的纠正。
论文的性质：
论文的注意事项：
温馨提示：论文中最好有你对所研究课题的实际操作的图片，在论文中带出自己的创作时候的借鉴，导师会比较喜欢，答辩起来也比较容易。另外把论文大致格式发编辑给你：
文章结构
学术论文的一般结构（GB7713-87）
题目
作者及单位
摘要
关键词
引言(前言)
正文
结论
参考文献
附录性材料
论文的篇名
用简洁恰当的词组反映文章的特定内容，明确无误
篇名简短，不超过20个字
少用研究和空洞应用之类字
避免用不熟悉的简称、缩写和公式等
关于摘要
文章内容不加注释和评论的简短陈述,具有独立性和完整性用于检索；
一般包括：研究的目的与重要性、内容、解决的问题、获得的主要成果及其意义；
小摘要（200-300字）
麻雀虽小，五脏俱全
大摘要（600字左右）
突出研究成果和创新点的描述
关键词
4-6个反映文章特征内容，通用性比较强的词组
第一个为本文主要工作或内容，或二级学科
第二个为本文主要成果名称或若干成果类别名称
第三个为本文采用的科学研究方法名称，综述或评论性文章应为"综述"或"评论"
第四个为本文采用的研究对象的事或物质名称 ，避免使用分析、特性等普通词组。
引 言
主要回答为什么研究 ，介绍论文背景、相关领域研究历史与现状，本文目的 ，一般不要出现图表 。
正 文
论文核心，主要回答怎么研究， 一般正文应有下述几个部分组成
本文观点，理论或原理分析 、实现方法或方案（根据内容而定） 、分析或实验结果（根据内容而定）
讨论，理论分析与实验相符的程度以及可能出现的问题等 。
结 论
文章的总结，要回答研究出什么 ？以正文为依据，简洁指出由研究结果所揭示的原理及其普遍性 。研究中有无例外或本论文尚难以解决的问题 与以前已经发表的论文异同
在理论与实际上的意义以及对近一步研究的建议 。
参考文献及其著录
常见参考文献著录格式 ：参考文献格式应按国家标准(GB/T7714-2005)（国际标准）或出版社编辑部格式
例：
宋徽宗一是他通过他的地位组建了翰林书画院，是的宋朝的书画发展。对于宋徽宗本人，一是他的绘画作品，一是他的书法作品分开论述。理解与认识一定要结合他对整个时代风格的引领作用。材料如下：一、宋徽宗的花鸟画艺术 作为一代皇帝宋徽宗赵佶（1082-1135）是一位极富艺术才能的画家，在历史上有“天纵将圣，艺极于神”（见邓椿《画继》卷一）的美誉。他天资聪颖，擅诗词、通音律，对书画极富于鉴赏力。虽然宋徽宗在政治上无所作为，并且崇尚道教，自称“道君”，但他“别无他好，惟好画耳。”所以他在位上，“秘府之藏，充牣填溢，百倍先朝。”（见《画继》）并且把上至曹不兴，下至黄居采的画集为100帙列14 门，总1500件，又把自己以及画院画家的写生画，集合成册，“累至千册”，命名为《宣和睿览集》。他对花鸟静物的观察十分认真细致，精审物理物性。在艺术上，他不囿于一家一派，对于不同风格都能兼收并蓄，从他的传世作品中可以证明这一点。 根据史载，宋徽宗画学吴元瑜，作为崔白画派的重要画家吴元瑜，以崔白画派精神、薛稷秀骨书法影响宋徽宗是很自然的。崔白、吴元瑜的花鸟画是继“黄荃富贵”勾勒填彩画法之后的一种新画风，在技法上有大笔挥洒的成份，画面重视意境的营造，景物与自然环境谐和统一。而宋徽宗的花鸟画，正是有崔、吴一路画风的遗意。但宋徽宗也不是专师一家，而是博采众长。在前代画家中，五代花鸟画家唐希雅对宋徽宗的影响是很大的。宋徽宗对唐希雅的绘画情有独钟，不仅对他的作品极力推崇，而且还用心追摹，把唐画的题材、技法作为自己的创作元素，予以自.由的运用。北宋画坛，由于文人士大夫的参与，表现主观情趣，注重水墨技法和笔墨趣味的文人画兴起，重视诗画一体，表现文人情怀。宋徽宗受文人画家影响，把水墨画引入宫廷画院，所以他的画既有宫廷画物象造型的严谨写实和雍容气质，又有文人抒情写意的放纵简淡，改变了宫廷绘画的单一面貌，为后世写意花鸟的发展开辟了道路。 书法入画，也是宋徽宗花鸟画艺术风格的重要原因。他的书法用笔学薛稷、薛矅和禇遂良的挺瘦劲利秀润，可以称得上铁画银钩。在结构笔势上取黄庭坚的舒展挺健，形成了自己的独特风格，号称“瘦金体”。其书法的线条细瘦刚劲，用笔的爽快洒脱，笔势的圆转流畅，显得自.由活泼、精致优美，很有皇帝那种雍容华贵的气质。而这种书写的风格又与他的画风是统一的。他能用自己特有的笔调生动地传达出对象的精神实质，达到了高度成熟的艺术化境。 宋徽宗能够在花鸟画艺术上独树一帜，取得如此高的成就，这与他对花鸟画意义认识的深度也是有关的。在体现宋徽宗绘画思想的《宣和画谱•花鸟叙论》中，提出了花鸟画能“粉饰太平，文明天下，亦所以观众目、协和气”的政教作用。认识到在自然界的花鸟也有中国哲学的思想基础，指出花鸟是“五行之精，粹于天地之间”者，所以才“葩华秀茂”。花鸟的形象自古以来为圣人所用，认为花鸟画中的自然“有以兴起人之意者，率能夺造化而移精神。”正是基于对花鸟画作为艺术创造活动的本质规律的深刻认识，宋徽宗的花鸟画艺术才能取得如此杰出的成就。 《鸟语花香图》纸本，设色，纵 91.2厘米，横42.3厘米。画心有“御制，天下一人”签押，钤双龙御玺。明清内府鉴藏玺“广运之宝”、“乾隆御览之宝”、“嘉庆御览之宝”、“御书房鉴藏宝”、“三希堂精鉴玺”、 “宜子孙”、“石渠宝笈”、“石渠定鉴”、“宝笈重编”等和其它收藏印共16枚。 此图是一幅精心巧制的工笔花鸟画佳作，构图安排主次分明，疏密有致。整幅画面的色彩虽红绿搭配，但对比调和。绿叶采用花青，有的叶色彩偏黄，因而显得并不过火，沉稳而又艳丽。花枝迎风摆动，花瓣亦使人感到随风吹拂而微微摇动，生意盎然。两只安逸的麻雀敛羽憩息，神姿灵动，给画面增添了一种文雅秀美的意趣。宋徽宗的花鸟画，虽然撷取的都是自然写实的物象，但由于物象意念安排得巧妙而又独特，从而暗示出超出有限时空意象的无限理想化的艺术世界。《古梅锦鸡图》，纸本设色，纵127.6厘米，横63.5厘米。画心有“御制天下一人”款押，钤双龙玺印。有“广运之宝”、“乾隆鉴赏”、 “三希堂精鉴玺”、“宜子孙”、“石渠宝笈”、“石渠定鉴”、“宝笈重编”等明清内府鉴藏玺印和其它收藏印共11枚。 画面的上部由老梅新枝分割填充，老树粗干屈曲干枯、瘦硬洞裂，其中一枝如虬龙探水，直伸下部。其它梅枝则弯曲纠缠，或昂扬上冲，或把臂交错，颇具拟人色彩。枝头白梅绽放，浓香四溢，引得一只山雀俯身下冲，为枯干增添了生气。两只锦鸡相向而对，栖息在老梅的粗干上，其中一只画得完整无憾，生动传神，从转侧的头部到长长的雉尾，都传达了生动的姿态和准确的头、颈、身躯的关系。另一只锦鸡虽画得简括，但也十分准确，头、颈以短线以示轮廓、毛质，显得蓬松实在。同样两只锦鸡详写略写都活灵活现，切合情理。不仅体现了画家深厚的绘画功底，而且充分显示了作者注意写生和深入观察的立足于生活的艺术观。此图的土坡、树木等处的皴法，是较为随意地拖带擦染，生动熟练地表现了土坡的体量感，透视层次和树木的枯荣，形体变化。为了丰富画面，作者在左中部位画了一簇红花绿叶，面积虽小，都引人注目，打破了整个画面偏灰的调子，由此可见画家的艺术匠心。《彩羽鸣春图》（图11），纸本设色，纵90.8厘米，横41.6厘米。画心有“天下一人”画押，钤双龙玺印，另有元宫廷“奎章阁”鉴书博士柯九思题：“宣和妙笔、希世珍品，得者宝之，柯九思题。”上有“广运之宝”、 “乾隆御览之宝”、“乾隆鉴赏”、“三希堂精鉴玺”、“宜子孙”、“御书房鉴藏宝”、“石渠宝笈”、“石渠定鉴”、“宝笈重编”等明清内府鉴藏玺印和其它收藏印共18枚。 两株前后交错的巨松苍老古奇，画法具有挺健苍劲的笔感，顿挫有力，从大处把握了古松的动态与雄姿。以虚爽的用笔圆松皮，大小相连，取形圆中带方，给人以刚毅之感。圈皴偏于两侧而中间虚空。在勾皴之后渲染以淡赤者，松干有爽健硬朗，深厚滋华的状貌。松针以平饰松针法用扇形展开，极具装饰意味。这是宋代宫廷花鸟画往往注力于自然花木的人工雕凿与美化，带有玩物观赏的意味，作者这样处理，正反映了宫廷绘画审美的好尚。 两只锦鸡运用精细的勾勒法，羽毛的勾线细如毫发。雄雉雪白的背羽和尾羽，雌雉的彩色羽翅和顶羽，都用极细腻的晕染手法，美观出片片羽毛递盖的质感和色感。状物写生的精工，代表了宋代院体画周密不苟的写生传统的精髓。在准确描写物态的同时，又十分注重情意的表达，两只悠闲俊逸的锦鸡亲慝相依的神态，染上了一层浓郁的情感色彩，使人从中感受到了一种精神的愉悦。 在艺术形式，松树的硬健而带有金石意味的笔法，与锦鸡柔和细致的笔调形成一种对比，以刚济柔，以粗衬细，从而使画面主体的锦鸡格外引人注目，而不致于被繁琐的背景所淹没。这一方面展示了画家高超的绘画技能，另一方面也体现了他善于处理繁简、刚柔的艺术构思和创意才能。《春枝鸣禽图》，纸本，设色，纵127.6厘米，横63.5厘米。画心有“天下一人”画押，钤双龙玺印。上有“广运之宝”、“古希天子”、“乾隆御览之宝”、“三希堂精鉴玺”、“宜子孙”、“御书房鉴藏宝”、“石渠宝笈”、“石渠定鉴”、“宝笈重编”等明清内府鉴藏玺印和其它收藏印共17枚。 画面描写古梅翠竹中，有群山雀栖息翔集，噪声满纸，展现了一幅春光烂漫的动人景色。山雀的造型，准确生动，或相互偎依亲昵，或相互对鸣呼应，形态、神态一一具足。梅树和翠竹，用双勾渲染，略施浅色，用笔较为奔放，具有跌宕之势。但整幅图总体上看，法度谨严，起笔收笔之间，形象与形象转接之间，稳健沉着，气脉连贯，加强了整体浑然统一的效果。这是一幅工丽精致的佳作，显示出画家精深扎实的艺术功底。三、宋徽宗花鸟画的艺术特征 宋徽宗天纵其才，当干戈扰攘，万几倥偬之际，爱画之心仍不稍懈。中国历代帝王中精于绘画者不少，但能象宋徽宗这样如此精妙绝伦，实在是绝无仅有。既使是专门的大画家，也达不到宋徽宗绘画成就的高度。所以，宋徽宗在绘画上的成就是多方面的，其花鸟画的艺术特征也是很明显的。 1、精工写实 宋徽宗嗜画，自谓“万机余暇，别无他好，惟好画耳。”徽宗画风严谨，长于摹写物态，体物之工，描写之精，前无能比。 绘画创作的活动在本质上是对世界客观存在的一种再现和摹仿，绘画作品是对事物进行再次和摹仿的结果。所以，美术创作及其作品的产生、意义、评价标准，都理所当然地要到这个被再现、被摹仿的世界里去寻找。这是人类最早认识到的美术基本特征的一个朴素学说。 早在公元前10世纪前后，我国的《易经•系》中有这样的说法：“古者包牺氏之王天下也，仰则观象于天，俯则观法于地，观鸟兽之文，与地之宜，近取诸身，远取诸物，于是始作八卦，以通神之德，以类万物之情。”虽然说的是八卦，但也从另一方面说明了中国文字与绘画之源是对世界的模仿。天地山川、万物生灵，都是先人模仿的对象。唐代画论家张彦远在《历代名画记》中记有西晋文学家、书画家陆机所言的“宣物莫善于言，存形莫善于画”的论说，明确提出了绘画是客观世界的再现。齐画家谢赫的六法之一的“应物象形”，被张彦远阐述为“夫象物必于形似，形似湏全其骨气”，其意也是绘画必须做到再现事物的形状。这个观念对中国绘画影响深远，一直成为中国绘画的主流形态。所以宋徽宗的绘画对客观事物细微的认识体察和描绘再现，获得了当时及后世一致的高度评价，这也是他的画能存世流芳的重要原因了。 张怀邦云：“画，造手理者，能画物之妙；昩手理者，则失物之真……惟画造其理者，能因性之自然，究物之微妙，心会神融，默契动静于一毫，投乎万象，则形质动荡，气韵飘然矣。”（引自韩拙《山水纯全集》张怀邦《后序》）宋画以象真为基础，但也不是为物所构的忠实的写真，而是经过画家性情陶溶的物象和自然。上引所说的宋画是“因性之自然，究物之微妙。”这个“物之微妙”就是物的“理”，理者，有条不紊，有绪不杂，各有神明，即是物的基本法则。所以宋人的绘画特色是抽象的写真，是哲学化的，艺术化的绘画。宋画虽以象真为贵，但其所象的真乃是抽象的而非是具体的，集中的而非普通的，具有以一个形体得全体的意味的典型意义。 中国现代美学家宗白华先生在其著作《美学与意境》一书中，对中国古代绘画的再现理论作过这样的结论： 因为古代绘画这样倾向写实，所以，在一般民众心脑中，好画家的手腕下，不仅描摹了、表现了“生命”，简直是创造了真实的生命。所以有种美术神话，相信画龙则能破壁飞去，兴云作雨（张僧繇），画马则能供鬼使的坐骑（韩干），画鱼则能吹入水中游泳而逝（李思训），画鹰则吓走殿上鸟雀不敢再来，以针刺像可使邻女心痛（顾恺之）。由这些传说神话，可以想象，古人认为美术家的最高任务在于能创造真实，创新生命。美术家是个小上帝、造物主。他们的作品就像自然一样真实。（见宗白华《美学与意境》，人民出版社，1987年，第206页） 以上观点来看宋徽宗绘画的本体内容，是再恰当不过了。这种真实的再现，成了宋徽宗绘画活动本体规定的第一途径。观月季的“四时朝暮”心、蕊、叶的不同，察孔雀升高，必先举左的精微细致，只有这样的体察和认识才是绘画创作的终极来源。宋徽宗的对绘画精神的这一把握，成了当时的主导潮流，并贯穿古今，并决定了一定美术活动的本体内容，使得中国绘画达到了一个辉煌的全盛时代。宋徽宗可谓功莫大焉！虽然以后的发展“时运交移，质文代变”，元、明、清三朝强调绘画是感觉、情思、内心情绪表达的表现观念，但绘画是再现自然和生活的基本性格和本质并没有因此而改变。 宋代的主流画风以画院画风为主，其成熟也就在宋徽宗时期。从徽宗皇帝画院画风来看，集中了这样三个传统，一是黄家富贵，赵佶的画精工绮艳，就属于黄派传统；二是崔白，吴元瑜传统。崔白、崔悫兄弟、吴元瑜等继承了徐煕的水墨渲染、色彩淡泊。但徽宗皇帝更强调“写生”，对客观对象仔细观察，赵佶的画把讲究法度、谨细拟物更向前推进了一步，在描画对象上不许有姿态、数目、季节上的差错，如前所述的“日中月季”、“孔雀登墩”。在画院教学中，要求先有起稿构图和稿样，满意了，然后上真，在这严格的过程中，“上（徽宗）时时临幸，少不如意，别令他思。”（见邓椿《画继》）以保证绘画的法度之精。三是郭煕、苏轼、黄庭坚的文人传统，讲究学养胸襟，强调画外之意。特别看重画与诗的汇通，注重画的诗意。这三个传统构成了赵佶绘画的艺术成就；讲究法度，谨细拟物，形神兼备，意在画外。所以画史上总是从法度之精和传神之妙这两方面来评价宋徽宗的画： 游戏翰墨，一羽毛，一卉木，皆精妙过人。（见《可斋续稿》前卷四） 凡天地间所有之物，色色具备，为工甚至，观之令人起神游八极之想。（见汤垕《画鉴》） 上皇写生工入神，一枝潇洒江南春。（见《清容居士集》卷四五） 笔墨天成，妙体众形，兼备六法……几欲活动……意匠天成，工夺造化，妙外之趣，咫尺千里……天下之至神圣精也。（见邓椿《画继》） 宋徽宗画风的谨细拟物、至神至精，一方面是朝廷秩序、社会伦常的一种体现，另一方面又是宋代社会特有的技术和科学精神的一种反映。由此而来的“神”，应该说是既有旧的传统的沉淀，又有新的内容的开拓。 2、形神兼备 在中国绘画史上，“神品”审美观的出现，标志着人与社会审美关系的初步建立。从审美的角度讲，作为主体的人还没有实现完全的主体性，没有达到对自然的超然境界，不能抛开沉重的社会理性内容，把自然当作纯粹审美对象来把玩、鉴赏。儒家强调人伦道德方面的理性内容，要求个体调整自己的感性和适应社会理性，从而把个性改造成社会群体所需的理想状态。从顾恺之到宋徽宗都是如此。他们创作的绘画神品，有助于政治教化、训练安分守己的习惯，陶冶人的情操，养成向上的人格精神，在审美上偏重于政治性、功能性、伦理性的社会化特点。 宋徽宗的院画神品，是以形写神，以形开始，由形而神，这个形基本上就是外物之形，必然要求谨细拟物。但他也注重绘画的神韵，讲究情趣与品味。把这种神韵意味落实到技术层面，就是画面的尚简。画面之简，最主要的就是突出空白意味，“空故了群动，静故纳万境。”（见苏轼《送参廖师》）按照格式塔心理学，审美心理本来就有自身的完美机能，对于画面的空白，观者自己会按照一种最美的方式去填补。这样，画的空白不仅带来一般的余味，而且产生使各种类型的观者都满意的余味。宋代画院的画中，宋徽宗是深得绘画的尚简之妙的。 画院代表一种皇家的审美趣味，从而对整个社会的审美标准和画风的兴衰都有很大的影响。由于画院的标准具有举足轻重的地位，文人圈和社会上的各种风气和变化也反映到画院里面来，从而引起全社会的注目。画院既是一个讲究艺术技巧的中心，又是一个服从权威的中心。画风以帝王的确认为标准，以帝王的爱好为转移。宋徽宗曾特地把逸神关系重排，让神品第一、逸品第二。宋徽宗大力倡导绘画的“神品”，具有这样一些含义： 1、神品的“神”的绘画艺术，能力是一般人无法达到的，只有才智出众，经过良好的训练才能达到的一种高度。其作品达到了完美无缺、尽善尽美，社会的接受层都一致认为是最好的作品。 2、神品贯彻儒家的审美思想，重视体现人际伦理，与仁、义、礼、智、信紧密相连。美必须从属于善，是“仁”与“礼”的外在形式和手段，要求作品既尽美又尽善，美善统一。艺术既要满足个体的情感欲求，又要维护社会的秩序统一，两者和谐统一，维护巩固社会秩序的稳定，将国泰民安、政通人和、神和致福等社会理想，作为审美意识的中心，使绘画作品能够起到“经夫妇、成孝敬、厚人伦、美教化、移风俗”的作用。 3、以不偏不倚，温柔敦厚的作为评定和检别艺术表达情感的尽度，也作为艺术在道德精神和情感方面符合“仁”与“礼”的标准。所以在绘画的艺术表现时要讲究分寸，注意克制。这种尺度和标准，既符合统治的政治要求，也符合审美的、艺术的规律。使绘画更好地为社会人生服务，更好地达到对社会秩序和谐之美的理想。 4、神品所采用的艺术策略是人化自然、人化社会、人化万物，达到主客观的内在统一，描摹自然万物，表现心中理想。 作为一代帝王的宋徽宗，出于统治和管理国家的需要，绘画的内容必须是帝王意志的体现，为皇帝歌功颂德，教化人心，这样神品艺术对个体多少有强制性的限定，在个人意志的实现上有所欠缺。但宋徽宗毕竟是一个精通艺术规律和特点的帝王，也有高超的画艺，当他的意志在绘画中呈现的时候，同时也是艺术规律的体现。 3、水墨写意 宋徽宗十分重视墨法，对水墨一道非常精通。他对第二个儿子、喜欢绘画的恽王进呈的花鸟画：“御批其后曰：览御近画，似觉稍进，但用墨稍欠生动耳，后作当谨之。”（见汤垕《画鉴》）用墨要生动，这对于中国水墨画太重要了，从中可以看出徽宗皇帝对墨法的理解是那样的具体而透彻了。所以他能画这样纯水墨的作品是不难理解的了。 宋徽宗传的这些作品中，有一些是水墨花鸟画，风格朴拙简率、意境清幽雅逸，像是文人的清赏之作，如《琼枝高楼图》、《禽鸟飞来图》等。关于徽宗墨笔花鸟的渊源，是与北宋中期逐渐兴起的文人士大夫画风有一定的关系。文人士大夫的绘画，更强调表现主观情趣、重水墨技巧和笔墨韵味，追求萧散淡远、古雅淡泊的意境。宋徽宗本人曾与当时著名的文人画家王诜、赵令穰交往密切，艺术上不免受其熏陶，而宋徽宗本人也具有非常浓厚的文人情怀，所以很乐意创作这一类具有简淡意味的野趣之作。 宋徽宗的艺术感觉非常好，可以十分敏锐地捕捉到艺术表现的形式美。有这样一个关于宋徽宗的传说，位于河南禹州的钩窑场内，有一窑正住火停烧，窑工们拉开窑门，炉火通红。忽然，天上雷雨大作，倾泻到窑内，只见窑的一阵阵水气冒出，断裂声不断，窑工们心也随之凉了。雨停后，人们失望地看到，瓷器釉面上全是细密的裂纹。此事传到宋徽宗那里，他要了几件破器，竞然大加赞赏天下无双。据说这就是冰裂纹的由来，传说当然不可信，但其中却寄寓着中国艺术的重要思想，人工难为，天工赐巧，自然的创造具有无尚的美感，水墨晕化就具有这种非人工的技巧。宋徽宗对水墨画的情有独钟，应该与他这种艺术的敏感是有关系的。 4、诗画融合 宋徽宗的花鸟画具有诗、书、画，印相结合的独特性。在他的作品上，经常以诗题、款识、签押、印章巧妙地组合成画面的一部分。北宋开始，画家自己押印于书画的款识上，并成为元明以后中国画的传统特征，在这个过程中，宋徽宗是首开风气的第一人。 对于中国传统绘画的创作来说，题款是作品内容，形式的一个重要组成部分。但是在宋画中，绘画作品的内容、意境，主要还是由画面的笔墨形象来构成的，一般只是仅署年月、姓名小款、仅起标记的作用。从宋徽宗开始，在画面上加题诗款，使作品的意境、内容得到了完美的表达。如上述的宋徽宗作品《锦鸡牡丹图》、《翠竹灵禽图》、《春枝春禽图》等，不仅画有诗意，而且画上直接题诗，加上他那一笔飘逸道劲的瘦金体，诗书画合而为，当然还有“宣和殿御制，天下一人（押印）”，这种款、印、诗、书齐全的现象，在以前似乎不曾有过，是宋徽宗的一个创举。这种诗书画合壁的文人画格式，由于一个皇帝来开创，其重要的历史价值不言而喻。 当然宋徽宗题的款诗还属于草创阶段，无论是小款还是长款，不是以题款作为作品形式的构成材料，作品的形式构成，主要是由画面形象的章法、笔法来完成的，题款是作为一点点缀，而书风则以端谨为主，块形也以方形或基本方形为主。题上的诗句的主要意义也是在内容方面，而不是在形式方面。因为款没有侵入到画面的笔墨形象中去，如果在画面上去掉款诗，往往不影响作品形式构成的完整性，至少是影响不大。这说明宋徽宗还是以画面形象的完整性作为创作的根本，不象以后的写意画，如果从画面上去掉题款，作品自身形式的完整性就不存在了。宋徽宗的这一草创，意义不凡，这位丹青天子引诗入画，合皇帝、画家和诗人三位于一体，对中国画的发展贡献卓著，令人刮目相看。所以，宋徽宗经常以诗题、款识、签押、印章巧妙地组合成画面的一部分，具有诗、书、画、印结合的独特性，成为元明以后中国画的传统特征。在此过程中，宋徽宗当为首异风气的第一人。 中国艺术一直有一种超越具体门类的局限而拓宽表现，绘画也是如此。唐代诗人和画家王维，就是诗中有画，画中有诗。诗意本来就是画趣之所在，直截了当地把诗写入画面，就进一步深化了画意，拓展了情趣。引诗入画，诗又是用书法写的，实际上就是引诗书入画。这对于画工和画院人员来说，这是很难具备的条件，画工，画可以画得很好，但书法不一定好；画院中人，书法或许行；因为有专门训练，但诗不一定写得好。而诗书入画，又不仅仅是把诗随便写入，而是要成为画面的一个有机组成部分。在位置上有一个构图问题，在艺术上有一个书画笔墨统一问题。这是一种多层次融合，从构图到笔法、意境。这都对实践者提出了很高的要求，徽宗皇帝学养全面，天资过人，所以在他的画上达到了诗书画的汇通，提高了他的画作的艺术深度。在他的这几幅题诗的画来看，诗境与画境互为补充，诗加深了对画的理解，画直现了诗的韵味，通融天碍，相益得彰。
工写妙合画心境，融会贯通求变革 -----著名花鸟画家赵清国的作品赏析 夫从艺者，托其根于心智也，发其花、笔端墨彩于萱桑也。人之神不能无为，思虑易迁，哀乐相变，感生于志，赋形凝萃于画间。庚寅（2010）年春（5月15日），在首都的一场拍卖会中，著名花鸟画家赵清国先生的多幅花鸟和国画人物作品赢得来自全国各地和场外的网络参拍者竞相投购，其中一幅斗方葡萄创下25万元的拍卖纪录。五月的北京春寒料峭，不畏风寒的人们带着极大的热情前来参观竞拍。展厅四壁挂满了国内外中国画大师们的作品，清国先生参拍十幅中国画作。这幅以葡萄为主题的《春华秋实》展拍，气势恢弘、枝藤遒劲而又笔墨浓重！赵清国，河南郑州须水镇人，1954年生于普通农民家庭。兄妹五人排行老末，儿时受大哥和父辈的蒙学影响，喜欢读书、写字、画画。他最大的理想将来当一名画家。中学读书时，他的文化课和美术课成绩都非常优秀。然而“文革”却断送了绘画的梦想。1970年，刚满十六岁的他不得不携笔从戎，来到中国人民解放军武汉军区工程兵某部。白天在坑道里从事繁重的体力施工，晚上回兵营挑灯夜战，读书写字。艰苦的生活环境磨练了清国的意志，坚定了他学画、当画家的决心。从那时起，他养成了画速写的习惯。他说，他至今不抽烟、不打牌，和年轻时画画的理想追求是有直接关系的。庄子《外篇》曰：“夫残朴以为器，工匠之罪也。毁道德以为仁义，圣人之过也”。青年时代的清国，奋发上进，施工工程，文化宣传，样样都抢在前头，干的出色。他说，人活着，不管做什么，都应该有种向上精神追求，越是环境艰苦，越要有独立的精神。“天行健，君子以自强不息。”（《周易?上经》）他常以古人这句话作为自己的座右铭，从普通施工员，到书记员，再到司务长，是一步一个脚印走过来的。清国在部队的时候喜欢读书，兴趣广泛，吹拉弹唱样样都行。但他最钟情的还是画画。他不但喜欢画花鸟鱼虫工笔小品，更热心于描写全景式的大幅巨制。他有时也画油画、搞书法，涉猎极广，没有定式。他最终走上绘画道路正轨，拜潘天寿的入室弟子，浙江美院（现中国美院）的朱颖人教授为师，却来自一次偶然的机会。70年代末，已转业到地方的物资系统清国，在洛阳接待了朱颖人、陈永康等先生一行的艺术家，并观看了他们合作的一幅丈二巨作《洛阳花似锦图》，那绚丽的墨彩、挺立的奇石，虬曲的松柏、华丽的牡丹、萱草以及气势逼人构图，让清国良久驻足，竟然看呆了，原来中国画还可以这样画。他暗下决心，一定要拜朱教授为师，学画国画。说来也巧，刚好朱颖人先生与河南知名花鸟画家李自强先生熟捻。他家中收藏有朱先生十数张从20世纪60年代延至新近的大幅花鸟画作品，清国如视珍宝，借来系统地仔细临摹。他深感自己原有的绘画功底不足，先后在天津大学进修MBA期间到天津美院和贾宝珉、姬俊尧、王之江、李学瑛等先生系统地学习传统绘画理论。1992年4月，经李自强先生推荐，清国带上了数十幅作品驱车千里至杭州西子湖畔朱先生府上求教。朱先生在一一看过作品，夸清国画画有灵气，并在其作品上题字：“精神可嘉，当需努力”。兴致之余，朱先生信手边画边讲，口传身授。那年，朱先生71岁，清国43岁，当为先生的晚年弟子之一。“朱颖人先对生活和艺术的理解表现在他的三个基本观点之中，艺术风格要与个性相和谐、生活的感受是创作的源泉、中国画笔墨是能不断传承发展的艺术。他身上充分表现了一位当代中国画人精审敦厚、充满自信的品质。”朱颖人先生的师承十分丰富，他既受过颜文梁、林风眠、孙文林、关良、倪贻德、黎冰鸿等人学院式的西洋画教育，也受过蔡卓群、吴茀之、潘天寿等人师徒式的训练，他善于吸收中、西绘画两方面的营养，把学院式的教学和传统师徒传承式的训练结合起来学习，并贯彻到他以门生代行老先生的教学中去。朱先生常说：“光学古人的笔墨是远远不够的，要做到师迹又师心，注意学习古人的意境和构思”。朱先生重视课徒与古代名画临摹、写生、创作三个环节的关联互动，主张借“临摹与读画”以学古（即因），承“写生与创作”（即创）以开今。通过学古达于开今的目的。写生是师古人师造化的实践，是通向创作的必由之路。创作是写生的提炼和升华，同时，又是师古人，师造化的试金石，通过实践寻找自身的缺陷和不足。实际上在整个学画的过程中，临摹、写生、创作三者是循环往复不断交替进行的。在老师的引领和启发下，清国逐渐明白了这些道理，并且重新注意临摹、写生、创作三者的关系。大体来说，清国的创作九十年代前以临摹为主，兼及写生创作；后期以写生、创作为主。纵观清国的绘画是临摹、写生和创作交叉进行的。经过近三十年的不懈努力，清国逐渐走出一条自悟的学画之路。清国追随朱颖人教授以及诸多先生学画，虔诚，有颗执著之心。先生们亦都倾其所长，无论从题材画意，还是笔墨题款，都毫无保留的传授。清国学得刻苦，也学得灵活。既从宏观着眼，注意把握大局。又从微观入手，一笔一画，精微描摹。他学习有心，不但揣摩老师们的传授要点，而且重视研究老师各自的画路、画材，并结合自己的特点，有针对地借鉴。2005年以来，清国进入创作盛期，完成了一批以葡萄，牡丹、荷花和各种农作物为主题的大型画作，像《风雨荷塘图》、《南风吹来望丰年》、《山中惟有茶烟》（2006年），《春雨》、《清溪品茗图》、《石榴韵赋》、《秋馨图》、《云岭寄情》（2007年），水彩画《雪域佛光》、《缤纷净界》、《嵩山雪景》（2008年）都是这一时期的代表。通观清国以花鸟为主景的作品，早期的作品比较写实，“物之华，取其华，物之实，取其实”，追求朴实的自然美。近期的作品渐趋夸张，带有一定的象征性，透露出较多的理性精神。从上述作品可以明显看出，画家渐由“客观”描摹进入一个主观“臆造”的全新阶段。在创作构图上，清国着意追求雄浑博大的意境，大视角、特写式镜头强化、夸张花木的奇绝，枝藤的伟岸，从而拉近与观众的距离，造成一种强烈的视觉冲击力，使人随作品迸发出心底的崇高感。我国著名花鸟画家，美术评论家，人民艺术家鲁慕迅先生在其《梅花》作品上题款“漫天飞雪压重峦，独立冰崖展笑颜；根有丹砂花似火，化将光热暖人间”。为更好的表现和适应大幅画创作的需要，清国运用粗放的大笔，以浓墨、焦墨和重彩，泼洒胸中浩然之气，从而追求朴厚凝重的艺术效果。这种壮美的审美取向预示着清国艺术创作孕育着一场突变。为迎接这场孕育已久的艺术创作变革，清国先后接受《世界知识画报》、《科技人》和国家机关的邀请，赴京创作巨幅葡萄题材的《珠玑图》、《紫气东来》、《寻诗觅句涉秋园》等画作。他告诉我，近期要重新有选择的读些理论书籍和诗集，拓展意境，滋养笔墨，六十岁以后再进行风格变化，以期探索花鸟人文画的表现方式，展现由修养与能力交融起来的思维，达到直取水墨写意作品的神意格调和主题思想品质。
您好，希望能够给您帮助参考高等院校现代重彩画的创作教学，应该加强学生对其历史的了解，重视临摹课的学习，强调学生对形式语言的研究。 作为最早的绘画形式之一，中国传统工笔重彩，在数千年的历史发展演变中形成了一套传统不变的教学模式，随着社会的发展，21世纪素质教育的全面推广，在全球化文化背景下，中国美术教育界经过剧烈的思想震荡，从思维方式到意象表现，从精神层面到技法层面都更趋多元化。各类画种都进行着巨大的改变，我国高校美术教育进行着全面的创新与改革。作为高等院校中一门重要的中国画教学组成部分，现代重彩画就是中国美术改革大潮中的一份子，现代重彩画由媒材的变革与技法的创新，从绘画手段、造型语言、思维方式和艺术观念的演变，牵动了当代中国画坛一系列的变化，现代重彩画以多元的价值取向，不断挖掘创新，重视吸收现代艺术形式的精华，引导学生领略现代重彩画的文化内涵，完成着对传统重彩画的超越。传统不变的旧的教学模式已经不能适用于现代重彩画的教学，高校现代重彩画的教学应该具有一套比较完备的学习体系与思路，尤其是现代重彩画的创作教学，依然存在诸多问题，都有待我们进一步探索和研究。 一、加强学生对工笔重彩画发展历史的了解 翻开中国美术发展史，传统工笔重彩画从发展到兴盛，从兴盛再到衰落，经历了漫长的变化发展历程，为我们后人留下了极为丰富的宝贵财富和学习资料。因此在重彩画教学中应该注重对传统重彩画的发展历史了解，增强传统工笔重彩画发展的原因分析，使学生对工笔重彩画发展史中一些问题有较深的理解和认识，并让学生思考着如何在继承传统的基础上，发展现代重彩画的课题。 传统工笔重彩画自古有之，追溯到五六千年以前，无论新石器时期的彩陶时代、新石器时期沧源的原始岩画，东汉酒泉的墓道砖绘彩画，还是秦代咸阳宫廷遗址的重彩壁画，都充分显示古代艺人在运用天然矿物色所表现出的纯朴率真的审美意识，根据现有的图文资料，我们可以追溯到春秋战国时期工笔重彩画，当时重彩画已经发展成为独立的画种，我们从出土的战国时期两幅帛画《龙凤人物图》和《御龙人物图》的分析来看，无论构图构思、用线造型、设色等方面的艺术处理，不仅表现内容丰富多样，表现方法也极具变化，魏晋南北朝时期，工笔重彩画有了明显的新发展。经过民间艺人的不懈追求，在材质和技法上进一步发展，把重彩画推向辉煌。从敦煌、麦积山等处的宗教壁画和几幅早期的卷轴画摹本来看，这一时期的工笔重彩画有了深厚的基础，尤其是唐代工笔重彩人物画的用线更精炼并具有轻重的变化，对于不同的对象用不同的笔法，在色彩上继承了前人的传统用色，色调却更为丰富并能协调统一。我们能从众多唐代墓室壁画中看出，当时运用色彩的高度技巧，如永秦公文墓壁画《宫女图》，其中宫女服装的色彩变化非常细微精妙，不仅红、绿、青、紫诸色绚丽多彩，更有深有浅，或鲜或灰，画面中的绿色就有多种不同的绿，唐代工笔重彩画最兴旺时期，如周彷的《簪花仕女图》、顾闳中的《韩熙载夜宴图》都是当时的代表作品，工笔重彩画在汉唐时代达到第一次高潮，在汉唐雄风的推动之下重彩发展为绘画的主流。从元代起重彩画进人发展的晚期，尤其是永乐宫三清殿壁画以严谨、精到严谨和高度娴熟的技法 ，并运用堆金沥粉，双勾填彩等方法，其画面造型、勾线、设色等方面都让后人所不及，绘制成一幅气度非凡、灿烂辉煌、生动传神，又具有强烈装饰风格的宏伟巨作，是我国古代壁画中的精品。古典延续时期，随着中国水墨文人画的兴起，重彩画逐步衰落。现代复兴时期，日本画家广泛吸纳西方印象派写实主义等色彩表现手段，重新构建了具有民族绘画形式的日本画表现形态，日本画逐渐转入重彩画的图式。日本重彩画的崛起引起中国画坛很大的震动，我国现代重彩画家蒋彩萍、唐秀玲、陈子、胡明哲、林容生等，大胆地尝试新型综合绘画材料和媒介，拓宽了绘画材料的运用范畴，特别是对材质美的追求和运用，突破了传统绘画工具与材料及表现手法的局限，扩大了绘画形式语言研究与表现的新空间和新领域，极大的丰富了绘画语言的整体面貌。重彩画被注入了现代的审美意识，并迅速为全国各大高校所接受，这是当代美术变革的要求，对高等教育也提出了新的课题。 二、重视现代重彩画临摹课的学习 目前中国画教学体系，尽管在发扬民族传统，保留传统精华，但在设课与授课上，对临摹课教学没有给予真正的高度重视，只把临摹看作是一个应有的过场，实际教学计划中临摹课安排的课时比例少，教学内容仅局限于表面的勾、点、皴、染等技法因素上，对中国画的精神内涵、审美特点、造型特色等问题缺乏深层的研究探讨，为使我们传统民族绘画得到真正的继承和发扬，教学中教师必须重视对传统绘画的学习，正确面对重彩画临摹课教学中诸多问题。 现代重彩画是数千年文化积淀的成果，蕴涵着丰富的艺术潜力，我们要以发展的眼光去关照传统，做好这点，才能把握到传统的精华。人类的文化成果是经过漫长的历史积累而成，任何一种创新都只能在吸收和借鉴前人传统文化的基础上进行。临贤习圣是启迪我们自身本原的智慧学习，通过临摹学习又将自身的潜能得到充分的发挥。教师不能用固有的知识结构简单应对学生，更不能完全用自己的理解和认识代替学生具有丰富想象的思考。临摹课教学的目的，是通过临摹这一手段去了解、研究重彩画的特点，通过临摹教学，学习前人总结的宝贵经验，学生才能知其然，更知其所以然，才能对自己绘画学习有一种较高的要求，并且为将来的外出写生、毕业创作、教学等等打下良好扎实的基础。 近代国画大师齐白石先生就非常重视传统，他认为画家如果没有临摹的基础，就无从接受和继承古人的遗产，在早年学画的过程中，他对一套《芥子园画谱》就临摹了几十遍。现代工笔花鸟画大师于非闇先生就是从临摹故宫藏画开始，特别是学习宋代赵佶的花鸟画而走上工笔花鸟画创作之路的。追溯到晋唐宋元明清的画家，都是通过临摹入门并奠定绘画根基的，所谓“外师造化，中得心源” ，不是对初学者的要求，而对有了一定基础的画家的要求，正值高校美术院系学生而言，通过临摹学习对于获得现代重彩画的基本技能技巧和对前成果较为深入的理论知识了解，是门行之有效、事半功倍的功课。学习传统是为了更好的创新，临摹教学中不要求和临本相像，不须要还原，要求学生用一种主动积极的研究态度去研究，去发现，吸取传统的、典型的、中国式的重彩画语言，发现旧程式以外的可能性，寻求适合现代形式的多元表达方式，我们从历史的角度研究传统，是为了寻找千年以来，中国画家认识问题的角度，看到传统重彩画什么地方优秀，什么地方还有局限，什么地方还有待我们去改进，去创造，努力使现代重彩画焕发新的活力。 三、强调学生对现代重彩画形式语言的研究 现代重彩画要发展就得借鉴，只向传统学习还不够，同时还要向世界各国、世界各民族优秀艺术学习，不断研究和吸收西方现代艺术的成就，也为当今中国画坛唤醒了一系列全新的绘画语言。现代重彩画是强调绘画的创造性、自主性，为能够充分表达自己的情感，教学中学生可以任意选择恰当的媒介和各种技法，不再受传统单一绘画的约束，尽量把想要表达的绘画内容充分表现。马克思曾说，未来社会的教育应是一种使人的个性得到充分自由发展的教育。当代重彩画的教学应以学生为本位，给予学生发挥个性的空间，个性是一个人区别于他人的特殊气质，如果没有个性的存在，没有自由表现的个性，就没有创造，没有现代重彩画。 传统重彩画是以天然矿物颜料为主要材料，绘画的载体是绢本、纸本和壁画等，由于绘画媒材的变革，导致了技法的创新，艺术表现手法更加丰富多元，由此焕发出一系列色彩语言变化，现代重彩画在材料上首先通过新科技的方法，现代人开放的观念与新的重彩画媒材相结合，语言表现变化丰富而自由，更大范围的拓展了重彩画颜料的种类和色相，强调选用优质的画材作精细的特殊处理，注重画面质地肌理的变化，作品画面总体色彩效果更强烈震撼，天然矿物颜色加强了画面的色彩厚重感，金银的使用更让作品更产生了富丽堂皇的感觉，同时从多方面引进西方绘画的肌理意识，加强了现代重彩画色彩的独特语言个性。 如何使用传统颜料，认识掌握其性能是教学中重彩材料重点解决的问题。从艺术史上看，人类在发明化学合成颜料之前，都是使用天然矿物质颜料作画的，如前面讲的各种壁画，还有西方油画出现之前的丹培拉画法，传统中国画颜料分为两种，植物质颜料和矿物质颜料，植物质颜料使用比较方便，用水调合来使用，因矿物质颜料由各种颜色的矿石通过研磨、漂制而成，所以传统的矿物质颜料也叫石色，特点是色泽纯正，艳而不俗，富有光泽，耐磨、不易腐涩，作品色彩可以千年不变的特点，但是使用石色须用胶来调合，因此石色的掌握是初学者重彩画教学的难点和重点。我国传统颜料种类繁多，每个系列又分多种系列，其中学生熟悉的墨又有分油烟、松烟、漆烟等种类，白色系列有蛤粉铅粉、云母等，蛤粉使用难度较大，不易掌握，但其色经久不变。青色系列中根据其颗粒粗细，颜色深浅、分为头青、二青、三青等，赤色系列有朱骠、朱砂、胭脂、褚石、银朱、西洋红、红珊糊等，黄色系列有土黄、月黄、石黄、雄黄、等，绿色系列根据其颗料大小又分头绿、二绿、三绿等，有金色、银色等。传统天然矿石在色彩种类已经比较丰富，但是方毕竟色彩种类相对较少，而后来研制发明的人造高温结晶仿矿物质颜料，能很大程度弥补这一不足，这些微妙的色相变化，都优于传统的重彩画颜料。现代工艺技术下，无数种类的结晶颜料，在一定的光线照射角度下可以发出一种宝石般的光泽，如果传统天然矿物色石与仿石色的结合运用，作品画面色彩就会显得格外浓重，饱和度格外的高，和传统水色形成较强烈反差。除此之外，水干色、云母粉等新兴材料的合理利用对画面效果的影响非常大。装饰艺术作为我国民族传统绘画的母体，从一开始就以浓厚的装饰性作为绘画表现形式的个性特点，箔具有极强的画面肌理感和金属感，贴金箔、银箔、铜箔、铝箔也是常用技法之一，具有光芒辉煌的装饰效果。有什么样的媒材，就有什么样的技法。高品质的材料给现代重彩画画家、学生提供了广阔无比的展示空间，带来了创作技法的变化与创新，色彩的塑造力及材质的美感，更加展现了色彩本身的美性品质，带有鲜活生动的现代气息，产生了现代重彩画形式语言的新的跨越。 中国画本身出现了百花齐放的开放局面，工笔、水墨、没骨、泼彩、泼墨、工写结合等等，各种形式还在打破界限，互为融合，一直强调的“写意”两字一直是水墨画的专利，而经过种种实践研究，工笔画中也含写意的成分，不过是用工整细腻的笔法表现而已，一幅画中工笔画与意笔画结合才会显得画面更加自然舒展。相对于中国传统重彩画，现代重彩画采取了更灵活的教学方式。因此，在现代重彩画创作教学中将做画材料进行了多种多样的尝试，把以前使用的熟宣改为温州皮纸，粗纤维纸、麻纸、棉布，油画布、把勾线的狼豪为长锋羊毫或排笔、刮刀；将三矾九染为色彩的错落套叠；各种材质的综合交融使用，创作作品画面有水墨渲染的效果，还具有西方油画的独特的味道。 现代重彩画将现代西方科学、自然主义、合理的写实主义生动地融进作品表现手法，扬弃了中国传统绘画的用色种类、方法，在保留吸收传统工笔重彩画优秀传统文化的同时，大胆借鉴西洋绘画的科学用色原理，强调绘画中要突出对光与色的处理，在颜色材料的选择与色彩的表现方面更突出材质美，追求现代重彩画中的肌理表现，注重画面不同色块之间的整体性。现代重彩画的出现为中国绘画的理念突破、画路拓展、技法创新寻找到了一个非常有前景的路径。比如在空气的表现方式上，现代重彩画直接以不同颜色的浓淡深浅，垫满画面的背景，来表现画面中充满大气的远近空间效果，这不同于传统绘画中的留白处理方法，现代重彩画的色彩处理，既不同于西方的色彩关系，也不同于东方后期传统的卷轴画随类赋彩的表述。 在教学中由于当代重彩画的变革可以使绘画主体、材料运用和艺术主观意识紧密结合，营造出画面的气氛和意境，从而增强画面的可读性和趣味性，提高作品的质量，提高教学的效果，激发学生的思维，所以能全面提高高校美术教育的创新意识。教师的职责不是如何去控制学生的学习活动，而是通过创立良好的学习氛围和问题情境促使学生产生内在的学习动机。在这种创新与发展的学习进程中，每一个画家和学生都面临着现代重彩画如何创新拓展的问题。高校现代重彩画教学还有许多问题都在研究和探索中，远没有形成系统、完整的教学体系，还须教师在教学实践中进一步努力探索，在现代重彩画创作教学中，只有学生改变固有的创作思路，开拓思维，重视对现代重彩画的形式语言的研究，才能实现现代重彩画的丰富性多样性，有力推动高校重彩画创作教学的发展。