浅谈美声唱法与美声风格

美声唱法起源于16、17世纪的意大利，随着时代的进步，歌剧的发展，美声唱法的艺术风格和歌唱技巧也随之产生了巨大的变化，并形成了一套完善的符合人声表现规律的科学体系和得到人们共同赏识的美学原则。近年来我国年青选手纷纷在国际声乐比赛中获奖，更进一步说明运用美声唱法来解释和表达外国声乐作品的艺术水准已达到相当水平。
　　在美声唱法形成的早期，意大利的大多数声乐曲作者也是声乐教师或演唱者。这是因为当时培养歌手要有在固定歌调上即兴加花的能力，从小就在乐理、复调、和声、对位、视唱、键盘、文化课等方面予以全面的训练。因此，当时的歌手都具备作曲家的学识和艺术修养。他们理解嗓音的天生规律，把不同程度，不同层次的带情感的声音人微言轻他们创作的基础；又深知如何发挥声乐技巧的创作规律，他们的作品旋律既优美动人而又富于歌唱。美声唱法歌唱艺术的发展是由复调音乐转为单声部旋律的变化而促成的。在复调作品中，旋律线由几个不同的声部唱出，形成一种复合音乐织体；而新的歌唱艺术风格则使某一单声部的旋律线居主导地位，由乐器或乐队伴奏，歌唱家华丽的歌声和高超的技艺特点，就叫美声唱法。
　　17世纪初的“美声”独唱已不再是那种叙述故事和吟诵诗歌那样的独唱了，它已成为一种新的学派，一种更富有表现力的声乐艺术。器乐的宽广音域和演奏家灵活的技巧，使得美声唱法歌唱家与他们竞争。18世纪歌唱家发展了嗓音的潜力，把音域扩展到了三个八度。用花腔唱法机能来发展演唱快速经过句、飞速音阶以及具有丰满、明亮、带有金属色彩又有致远力，松弛而圆润的音质和充分的共鸣。由于这些特点使美声唱法举世闻名，并在它的发展中，逐步从地区性扩展为国际性，形成一种具有演唱风格，声乐技术，美学原则和教学理论的声乐学派。美声唱法传入我国，是在五四运动以后，并逐步在我国古老的大地上生根，发芽。美声唱法对我国声乐艺术无疑是起了巨大推动作用。
　　美声唱法区别于其他唱法的最主要的特点。第一，用一句话来概括就是美声唱法是混合声区唱法。美声唱法从声音来说，是真声假声都用，是真假声按音高比例的需要混合着用的。从共鸣来说，是把歌唱所能用的共鸣腔体都调动起来。这种唱法本身有他自己特有的“味道”，特有的音响特色。学习和掌握美声唱法的过程，等于用我们的歌唱训练来制造我们的嗓音乐器。美声唱法所需要的歌唱乐器唱出来的歌声是有他特有的“味道”的。第二，共鸣的不同，美声唱法是全共鸣，有些唱法只用部分共鸣，有的不需要唱到那么高，有的不需要唱到那么低，共鸣腔体的运用，用上部、用下部、用中间，这是区别唱法的几个方面。美声唱法是混合声区，混合共鸣，声音真假混合，共鸣同时出现。有的唱法共鸣用得比较暗。美声唱法唱歌剧时后边咽腔和鼻咽腔用得多，唱音乐会的后边用得少，到高音也不掩盖。这些唱法虽然都叫美声，但是唱不了歌剧，虽然都是专业的，唱法上的区别也很大。
　　在国际比赛中，常遇见这种情况，有的参赛者的歌剧选段唱的非常好，到唱艺术歌剧时，就完全不对了；或者艺术歌曲唱得非常有味，很正，但歌剧选曲唱不好，这些情况都不能人眩唱不同的作品要在唱法上有细微的变化，才能适应作品的需要。另外，在世界上各种唱法就更多了，但不外乎嗓音的使用方法和共鸣的组合法的不同，这两方面各种组合的可能性都有。艺术的歌唱包括很好的民歌，好的歌唱者都是根据所唱的作品选择唱法。从另一个角度考虑歌唱中语言的位置，元音的位置不同所产生的共鸣也不同。有些唱法希望保持元音的位置不变，从低到高保持元音不改变，保持共鸣的统一，甚至唱华彩部分，咬住原有元音不改变，绝不允许到高音用a来代替原有的元音。
　　德奥歌剧中莫扎特的风格占有中心地位，他写了不少意大利语的歌剧，吸收了意大利古典风格，有严谨、均衡、透明、平稳的声乐风格，他的作品中速度、力度、节奏、音色都需要得到非常规范和有分寸的控制。理查，施特劳斯的歌剧学他，以至在声乐中，“莫扎特—施特劳斯”式的声音成了合称在一起的声音风格类型，但理查，施特劳斯没有莫扎特那份清澈透明，有时候世故而有些疲乏。甚至有专家断言，贝尔格的歌剧《璐璐》，由一个优秀的莫扎特女高音来扮演就不会有问题。至于瓦格纳，情况比较复杂，有人认为，唱瓦格纳时应该把意大利美声的那些分句特点都丢掉；但也有人认为，瓦格纳喜欢贝利尼，其实他的某些音乐里也有贝利尼的旋律线呢，认为加一些长的弱音也未尝不可，但可以肯定，意大利式的滑音是不能使用的。

　　美声唱法需要五年以上的长期训练，因为它的教学原则立足于大量反复试验，不断摸索，它是以特殊发声机能为基础的艺术形式。用示范及启发式语言教学，达到强调气息支持和正确起音、连贯地歌唱的目的。初学时在领会上虽有一定的困难，但是经过较长期的训练，领会到了方法之后，都有很大的好处。用这样的方式训练出来的声音比较自然，能较好地培养声情并茂的良好演唱状态。随着美声教学的成熟，声音训练方面的各种技术也日趋规范，主要表现在以下几个方面：
　　歌唱语言。必须首先深入理解歌词，从歌曲内容出发去追求高度的艺术表现。要求歌唱吐字要像说话那样清晰、亲切。但如果真用说话时的发声、吐字去唱歌，就会产生“有字无声”的状态，不能满足歌唱“字正腔圆”的要求。所以要求“像说话”，而不是“真说话”的状态。咬字时要求增大上下臼齿之间的距离，喉咙就会随着打开：子音要靠前，母音相对地说来则要靠后。子音容易破坏声音的连贯性，所以子音要发得迅速而果断，发出后要立即回到母音的发声部位上来，这样才能做到“字正腔圆”。
　　严格训练音准、节奏。特别是17世纪末以后，盛行即兴演唱高难度的花腔华彩乐段，演唱这些无伴奏的即兴花腔需要很好的听觉和音准、节奏基础。
　　正确的呼吸。美声强调呼吸是歌唱的基础，要求“歌唱时保持吸气的状态”，“在气息支持下歌唱”，用胸腹式呼吸方法。要求用调整呼吸状态来调整歌唱状态。
　　准确的起音。要求起音轻松、明亮、准确、圆润。起音是良好发声的基础，是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本手段。而要完成良好的起音，一定要正确呼吸、喉头稳定、思想集中、心理上作好充分的准备、声门闭全、挡气和呼气通过声门并振动声带这一对矛盾的恰如其分的配合。
　　“美声唱法”不仅是一种歌唱技巧，一种演唱风格，而且是一定的美学原则和艺术思想的体现。美声唱法的演唱风格是历代欧美音乐评论家往往着重从“风格”和“学派”即从艺术和技术两个方面来评论歌剧或音乐会演出。通过对“风格”的评论。可以看出演唱者的艺术修养，语音技巧以及对乐曲的理解是否充足、全面。
　　总的来讲，20世纪的声乐舞台可谓是百花齐放，各领风骚，多种演唱风格与流派并存。他们的竞争带来了演唱方法的多种多样，同时也是美声唱法日臻科学和完善的表现。歌唱者若要正确地表现作品内容和作品的风格，则必须对该作品的作者，时代背景，当时的思潮艺术流派，该国语言特征及作品的特点等有充分的理解，并要有扎实的唱法技术创作风格的不同对于演唱风格的影响是最主要的，唱法的技术是对创作风格表现的手段。