器乐演奏技术问题探微

内容摘要：技术训练的目的是为表现音乐服务的，当技术滞后不能完美表达音乐时，解决技术问题成为首要任务。文章从技术训练三阶段、放松与协调、音色和技术动作的规范化以及音阶和练习曲四个层面论述了在进行技术训练时要解决的问题。
　　关 键 词：技术 音色 规范 音阶
　　
　　德国钢琴家汉斯·冯·彪罗说过：“一个钢琴家的三件事，第一件是技巧，第二件是技巧，第三件也是技巧。”这话有失偏颇，因为这容易对学生产生误导。音乐表现是技术训练的目的，技术训练如果离开表现音乐这个崇高的目标，就失去了存在的意义和价值。技术训练是表现音乐内容的重要手段，音乐表现有赖于技术的发挥，二者相辅相成。当音乐表现受技术的局限而不能得到完美表达，其中技术转化成决定性的因素时，彪罗的话就很有道理，因为提高技术能力，完善技巧在此时已成为重中之重。美籍奥地利钢琴家施纳贝尔说：“在学生时代要多注重技巧练习，有了技巧后再把技巧放在第二位，否则就要变成技巧家而不是音乐家了。”
　　笔者在此主要讨论器乐演奏的技术问题。
　　
　　一、技术训练三阶段
　　
　　一切演奏技术的形成，都是后天经过训练所获得的条件反射，大致可分为三个阶段：
　　1.练习阶段
　　这是训练的初始阶段。初学动作的时候，运动条件反射刚刚建立，不够巩固。在这个阶段，教师应该充分调动各种教学手段，强化正确的动作，及时纠正各种不正确的动作，使学生对动作建立正确的感觉。
　　2.定型阶段
　　在不断的练习过程中，学生虽然初步掌握了技巧，但这时的定型尚不巩固，遇到新的刺激（如交流、考试、比赛等），错误动作会重新出现。在这个阶段，教师应特别注意对学生错误动作的纠正，分析动作的细节，模拟有多人观看的场景，让学生适应新的刺激，使动作定型日趋准确，否则，如果学生形成错误的动作，再纠正会很困难。
　　3.巩固阶段
　　通过大量的练习，动作定型已经巩固，教师在这个阶段要让学生演奏后进行总结，及时纠正错误，使技巧的第三阶段达到完美。
　　技巧形成的三阶段对我们的教学工作是富有指导意义的，这样我们的教学会更有针对性，更有效益，学生的进步会更明显。
　　
　　二、放松与协调
　　
　　放松是相对于紧张而言的，自然放松是正确演奏的前提。技巧是动作，而动作是多种肌肉群相互协调与放松的结果。无论动作用力轻重、幅度大小，都是全身协调的结果，演奏也是一样，任何技术都要在整体协调一致的前提下去理解。20世纪初产生的钢琴自然重量弹奏法，即运用两臂下垂的重量，把身体与手臂的重量传到指尖上来弹奏，其音与音之间的连接是通过指力相等的重量移动而产生的。这是省力、省时，力求动作和空间经济，同时保证肩、臂、腕放松的科学演奏法。
　　放松是一种相对的要求，不等于松懈或睡眠状态的放松，如果是绝对的放松，音乐也就不存在了。要求手指放松，但各关节不能软弱无力，指尖在琴键上要站住，不弹奏的手指随时准备弹奏，呈积极的休息状态。演奏时，手腕要放松，但手指要有架子。因此，演奏应是一种积极的工作状态，应根据不同演奏技术的要求，使各部分相对稳定和放松，“前稳后松”就是这种关系的精辟总结。
　　

　　三、音色和技术动作
　　
　　这里讨论的音色并非指各种乐器由于发音体的性质、形状与泛音的不同所产生的声音自然属性所特有的音色，而是同一乐器用不同的演奏法奏出的音色。
　　前苏联钢琴家斯罗伯德亚尼克说：“练习时重要的不只有技巧，还有声音。好的声音是从内心、大脑，也是从手中发出来的。要重视触键的训练，使之圆润、均匀。”钢琴丰富的音色变化，是演奏者用不同的指触获得的。流畅、明快的旋律要求指触速度快，指尖接触面小，使声音有较强的颗粒性；而歌唱性较强的旋律则要求指触速度慢，手指平一些，指尖接触面大；坚强，有力的声音要求下键有力，反弹力要强；而柔弱的声音则要求下键轻，有往上提的感觉。明朝徐共将古琴的演奏特色从美学角度概括为二十四字：“和、静、清、远、古、淡、恬、逸、雅、丽、亮、采、洁、润、园、坚、宏、细、溜、健、轻、重、迟、速”，音色变化之丰富、表现之细腻由此可见一斑。涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说：“声音的掌握是钢琴家应该解决的技术问题中最首要的一个。”他接着又谈道：“我毫不夸张，在我授课时，四分之三的劳动花在音色的探索上。可以说教学各环节的次序，它们之间的因果关系自然是这样排列的：首先是‘艺术形象’；其次是有时值的声音，亦即‘形象’的物质化、具体化；最后是整个技术……”可见音色对于器乐的演奏是何等重要。要获得美妙的音色，必须强调听觉的训练，用敏锐的听觉来调整、检查所发出的声音，同时还要注意触键、运弓、呼吸等技巧。我们常常形容音色像“珠落玉盘”“哀怨哭泣”“窃窃私语”“咆哮奔腾”……在音乐家那丰富多彩的演奏变化下，这些音色才能栩栩如生、活灵活现地表达出来。
　　高规格的演奏包含两方面的内容，即音乐表现的高规格和技术动作的高规格。技术动作的高规格是长期规范化训练的结果，是从演奏姿势开始的。演奏的姿势和技术动作规范化的要求来自于对人的肢体运动科学的分析，科学的姿势与动作将为今后的学习与深造打下良好而坚实的基础。
　　
　　四、关于音阶和练习曲
　　
　　音阶分为各种大小调音阶、民族调式音阶、半音阶等，音阶是作曲家一个极其重要的创作素材，音乐作品中音阶的段落比比皆是，它的含义是很广泛的，三度、四度、五度、六度、八度音阶均是练习内容。音阶练习使所有的手指得到均衡发展，使控制手指、运用手指的能力得到提高。音阶要求均匀、连贯、力度、速度、音色、音质，对所有的演奏技术均有高标准的要求。
　　正因为音阶练习如此重要，所以所有乐器演奏的考级教程都无一例外地将音阶列入必考内容。音阶是基本功训练中最重要的内容，但不是基本功训练的全部，任何一首有训练价值的练习曲具有极强的针对性，是教师必须重视的，这有助于加强学生的基本功。最重要的是还要让学生明确练习音阶和练习曲对演奏的重大意义，目的性明确会给学生增添学习动力，以坚忍不拔的毅力刻苦训练，奏好每一条音阶、每一首练习曲。