蜡染的起源与发展蜡染的起源中国的染织工艺早在西周时期(公元前ll世纪——公元前771年)已得到较大的发展。根据《礼记》等文献记载，丝、染色当时都设有专官主管，楚国还设有主持生产靛青的“蓝尹”工官。足见当时的丝织、染色工艺已颇具规模。蜡染古时候称为蜡缬，是用蜡把花纹点绘在麻、丝、棉、毛等织物上，然后放入染料缸中浸染，有蜡的地方染不上颜色，除去蜡即现出美丽的花纹。这是我国古老的防染工艺，历史已很悠久。蜡染是我国苗族古老而独特的手工绘染艺术，起源于秦汉，盛行于隋唐（公元581--907年）。这里有着取之不尽的艺术源泉，一代传一代，可以说，从我国的染织技术开创时，蜡染就作为最古老的手工艺，称之为中华民族古文明的一部分。我国古代发现的蜡染文物，有新疆于田屋于来克古城遗址出土的北朝(公元396—581年)蓝色蜡缬毛织物蓝色蜡缬棉织品及新疆吐鲁番阿斯塔那北区墓葬出土的西凉(公元400—421年)蓝色缬绢和唐代(公元618—907年)的几种蜡缬绢、蜡缬纱；还有敦煌莫高窟130窟第一层壁画下发现的唐代废置的大量蜡缬残幡。这批遗存的蜡染实物中，北朝的和西凉的蜡缬织品都是深蓝色地现白花，纹样光洁清晰，古朴典雅；唐代的蜡缬绢和蜡缬纱的地子，有棕、绎、黄、赭等色，大部分是白色花纹。蜡染工艺在我国西南少数民族地区世代相传，尤其是贵州少数民族地区，继承和发扬了传统的蜡染工艺，而且流行很广，已成为少数民族妇女生活中不可缺少的一种艺术。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们的头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。蜡染之乡蜡染之乡是中国贵州安顺。安顺是中国著名的旅游城市，境内有黄果树瀑布、龙宫、屯堡文化（天龙镇、云峰八寨等）、天星桥、花江大峡谷等众多著名景点。安顺有“滇之喉、黔之腹，粤蜀之唇齿”的赞誉，地理位置重要，交通方便，更是“商业甲于全省”。安顺于1992年成功举办了首届蜡染艺术节，吸引了来自国内外的众多宾客，自此蜡染艺术走向全国，走向世界。安顺有大量的蜡染作坊、工厂，涌现出洪福远等一批知名的蜡染艺人。安顺的蜡染在继承传统的同时也在不断创新。蜡染的发展传统的蜡染作为服饰的装饰，日用生活用品的装饰，从唐代张萱的“虢国夫人游春图”和“捣练图”中的蜡染服饰，到现代苗族姑娘绘制的蜡染花纹，有着悠久的历史，给我们留下了丰富的遗产。但作为纯观赏型的艺术品——蜡染壁挂，也就是“蜡染画”，是年轻的艺术，它从七十年代诞生，八十年代作为现代装饰画，走进宾馆，走向画廊，正一步一步地走进千家万户寻常百姓家。有人断言，继“云南重彩画”之后，“蜡染画”将风行全球，将出现一个新的艺术高峰。不管这个预言正确与否，但作为一种新的画种，要想得到社会的承认，必须涌现出一批艺术大师，创作出一批高质量，有份量的艺术作品。这才是最根本的。目前的蜡染，大体可以分三大类：—类是西南少数民族地区，民间艺人和农村妇女自给白绘自用的蜡染制品，这一类产品应属于民间工艺的范畴。另—类是工厂、作坊面向市场生产的蜡染产品，这一类产品应属于工艺美术的范畴。第三类是以艺术家为中心制作的纯观赏型的艺术品，也就是“蜡染画”这三大类蜡染同时并存，互相影响，呈现出一个百花齐放的局面，这种复杂的，多元化的现象，在艺术界是少见的。随着社会的发展，传统的蜡染面对市场经济的大潮，也在发生新的变化。青年一代已不满足于古老的传统纹样，而千方百计地从充满变革的新生活里吸取素材，加以改造，而使用在蜡染上，随着“蜡染热”的兴起，一些民间的“蜡染大师”纷纷到国外搞展览，作现场表演，他们凭空用蜡刀在布上画的直线，可以用直足来衡量，他们画的圆圈，可以用圆规来检验。他们在艺术上力求突破程式化的造型，他们认为传统花样太呆板，而力求把花画得逼真，’画得“笑”起来；把鸟画活，画得飞起来。结果失去了蜡染的装饰趣味，失去了蜡染的艺术特点，变成了用蜡染制作的床单花样，机绣枕头的花样。传统的蜡染正在变异，而作为艺术作品的蜡染正在兴起，蓬勃发展。在台湾，“艺术的培柒”和“工艺的蜡染早已分道扬镳，工艺的蜡染是作坊生产的蜡染纱笼；而艺术的蜡染是艺术家创作的蜡染画。老一辈蜡染艺术家的作品，明显带有中国山水画的神韵，而年青艺术家的作品，更多地带有现代色彩。在英国，作为造型艺术的独立画种，艺术家自己创作的蜡染画，通过展览，画廊出售，价格十分昂贵。在日本，以艺术家为中心的蜡染作坊，以传统的工艺，制作艺术家精心创作的艺术精品。在亚州的印度，斯里兰卡，印度尼西亚，马来西亚；非洲的尼日利亚，象牙海岸。艺术的蜡染作为现代艺术的一部份。显示出巨大的生命力。蜡染艺术的发展，有其特殊的规律。因为蜡染生产的绝大多数工序是手工操作，到目前为止，仍然无法用机械化，自动化来代替。事实征明，用现代大工业的生产方式来发展蜡染艺术是行不通的。蜡染工厂在生产大批量的蜡染花布上，有它的优势。而作为艺术品的蜡染，往往一张画稿只制作几张壁挂，甚至于只做一张壁挂。目前又出现了以艺术家为中心的蜡染作坊这种作坊的优势，他们在制作，生产，销售上有很大的灵活性，而且最能体现艺术家的创作个性和艺术风格。这对蜡染艺术发展来讲，这不是倒退，而是一种进步。在现代工业相当发达的日本，英国，仍然保存了很多艺术家的家庭作坊。这些作坊的主人，既是画家又是工艺师、企业家，他们创作的艺术品，不是大工业的产品所能代替的，而这些艺术品的价格常常是工业产品的机十倍，甚至于几百倍。
蜡染，古称“蜡缬”。传统民间印染工艺之一。是一种以蜡为防染材料进行防染的传统手工印染技艺。据考证，“蜡染”一词在文献中最早、最确切的记载是唐代慧琳写的《一切经音义》卷五十之“众缬”：“今谓西国有淡歰汁，点之成缬，如此方蜡点缬也。”“缬”是以辅染物辅助印染过程而染出的织物，缬的出现标志着我国古代丝绸印染技艺的重大进步。蜡染今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍甚流行，衣裙、被毯、包单等多喜用蜡染作装饰。主要方法是用蜡刀蘸蜡液，在白布上描绘几何图案或花、鸟、虫、鱼等纹样，然后浸入靛缸（以蓝色为主），用水煮脱蜡即现花纹。结构严谨，线条流畅，装饰趣味很强，具有鲜明的民族风格。
蜡染的发明以人们对物质特性的重复认识和利用为基础，并需要具备一定的环境因素和技术条件，因此它是在特定的物质条件和文化背景下产生和发展起来的。蜡染是基于人们对服饰美化的需要，在人类文明进步到一定程度后产生的，是在多种染织工艺的基础上进行的，因此蜡染产生的时间应在纺织、印色和画馈工艺成熟之后。从原料上看，蜡染对面料没有特殊要求，棉、麻、丝、毛织物都能采用；防染材料也不拘于特定品种，动植物蜡均可使用，通常是用树脂和蜂蜡；染色只能用冷染工艺，一般是植物染色，以靛蓝为主。从范围来看，蜡染技术存在与世界上很多地方，风格和使用方式也多种多样。由于受地理和气候的影响，北方寒冷地区不宜进行蜡染，因此蜡染分布于热带和亚热带地区。
蜡染的起源中国的染织工艺早在西周时期（公元前ll世纪——公元前771年）已得到较大的发展。
根据《礼记》等文献记载，丝、染色当时都设有专官主管，楚国还设有主持生产靛青的“蓝尹”工官。足见当时的丝织、染色工艺已颇具规模。
蜡染古时候称为蜡缬，是用蜡把花纹点绘在麻、丝、棉、毛等织物上，然后放入染料缸中浸染，有蜡的地方染不上颜色，除去蜡即现出美丽的花纹。这是我国古老的防染工艺，历史已很悠久。
蜡染是我国苗族古老而独特的手工绘染艺术，起源于秦汉，盛行于隋唐（公元581--907年）。这里有着取之不尽的艺术源泉，一代传一代，可以说，从我国的染织技术开创时，蜡染就作为最古老的手工艺，称之为中华民族古文明的一部分。
我国古代发现的蜡染文物，有新疆于田屋于来克古城遗址出土的北朝（公元396—581年）蓝色蜡缬毛织物蓝色蜡缬棉织品及新疆吐鲁番阿斯塔那北区墓葬出土的西凉（公元400—421年）蓝色缬绢和唐代（公元618—907年）的几种蜡缬绢、蜡缬纱；还有敦煌莫高窟130窟第一层壁画下发现的唐代废置的大量蜡缬残幡。这批遗存的蜡染实物中，北朝的和西凉的蜡缬织品都是深蓝色地现白花，纹样光洁清晰，古朴典雅；唐代的蜡缬绢和蜡缬纱的地子，有棕、绎、黄、赭等色，大部分是白色花纹。
蜡染工艺在我国西南少数民族地区世代相传，尤其是贵州少数民族地区，继承和发扬了传统的蜡染工艺，而且流行很广，已成为少数民族妇女生活中不可缺少的一种艺术。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们的头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染之乡蜡染之乡是中国贵州安顺。安顺是中国著名的旅游城市，境内有黄果树瀑布、龙宫、屯堡文化（天龙镇、云峰八寨等）、天星桥、花江大峡谷等众多著名景点。
安顺有“滇之喉、黔之腹，粤蜀之唇齿”的赞誉，地理位置重要，交通方便，更是“商业甲于全省”。安顺于1992年成功举办了首届蜡染艺术节，吸引了来自国内外的众多宾客，自此蜡染艺术走向全国，走向世界。
安顺有大量的蜡染作坊、工厂，涌现出洪福远等一批知名的蜡染艺人。安顺的蜡染在继承传统的同时也在不断创新。
蜡染的发展 传统的蜡染作为服饰的装饰，日用生活用品的装饰，从唐代张萱的“虢国夫人游春图”和“捣练图”中的蜡染服饰，到现代苗族姑娘绘制的蜡染花纹，有着悠久的历史，给我们留下了丰富的遗产。但作为纯观赏型的艺术品——蜡染壁挂，也就是“蜡染画”，是年轻的艺术，它从七十年代诞生，八十年代作为现代装饰画，走进宾馆，走向画廊，正一步一步地走进千家万户寻常百姓家。
有人断言，继“云南重彩画”之后，“蜡染画”将风行全球，将出现一个新的艺术高峰。不管这个预言正确与否，但作为一种新的画种，要想得到社会的承认，必须涌现出一批艺术大师，创作出一批高质量，有份量的艺术作品。
这才是最根本的。 目前的蜡染，大体可以分三大类：—类是西南少数民族地区，民间艺人和农村妇女自给白绘自用的蜡染制品，这一类产品应属于民间工艺的范畴。
另—类是工厂、作坊面向市场生产的蜡染产品，这一类产品应属于工艺美术的范畴。第三类是以艺术家为中心制作的纯观赏型的艺术品，也就是“蜡染画”这三大类蜡染同时并存，互相影响，呈现出一个百花齐放的局面，这种复杂的，多元化的现象，在艺术界是少见的。
随着社会的发展，传统的蜡染面对市场经济的大潮，也在发生新的变化。青年一代已不满足于古老的传统纹样，而千方百计地从充满变革的新生活里吸取素材，加以改造，而使用在蜡染上，随着“蜡染热”的兴起，一些民间的“蜡染大师”纷纷到国外搞展览，作现场表演，他们凭空用蜡刀在布上画的直线，可以用直足来衡量，他们画的圆圈，可以用圆规来检验。
他们在艺术上力求突破程式化的造型，他们认为传统花样太呆板，而力求把花画得逼真，'画得“笑”起来；把鸟画活，画得飞起来。结果失去了蜡染的装饰趣味，失去了蜡染的艺术特点，变成了用蜡染制作的床单花样，机绣枕头的花样。
传统的蜡染正在变异，而作为艺术作品的蜡染正在兴起，蓬勃发展。在台湾，“艺术的培柒”和“工艺的蜡染早已分道扬镳，工艺的蜡染是作坊生产的蜡染纱笼；而艺术的蜡染是艺术家创作的蜡染画。
老一辈蜡染艺术家的作品，明显带有中国山水画的神韵，而年青艺术家的作品，更多地带有现代色彩。在英国，作为造型艺术的独立画种，艺术家自己创作的蜡染画，通过展览，画廊出售，价格十分昂贵。
在日本，以艺术家为中。
染即采用蜡防染的染色工艺，古称蜡缬①，与绞缬（扎染）、夹缬（镂空印花）并称为我过古代三大印花技艺。《贵州通志》中曾有如下记载：“用蜡绘制花于布而染之，既去蜡，则花纹如绘。”《辞海》关于蜡染一项的解释如下：“古代称蜡缬①，起源于汉以前，为我国传统印染工艺之一。今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍在流行。制法：用蜡刀蘸腊液，在白布上绘几何图案或花鸟虫鱼等，再浸入靛缸（以兰色为主），后用水煮脱蜡，即现花纹。”
蜡染用“蜡防染色”，即用蜡把花纹点绘在麻、丝、棉、毛等天然纤维织物上，利用蜡与水不相融的原理，把织物放入适宜在低温条件下染色的靛蓝染料缸中浸染，由于蜡的阻隔作用，染液浸入不了描蜡或受蜡部位的织物纤维，从而起到防染效果。除去蜡，此处即现出因蜡保护而产生的美丽的白色花纹，与布底染成蓝色的部位形成鲜明的色彩差异。关于蜡染工艺的制作方法在宋代已有详细记述。南宋时任桂林通判的周去非在其《岭外问答》中记有“瑶人以蓝染布为斑，其纹极细，其法以木板两片，镂成细花，用以夹布，而灌蜡于镂中，而后乃积布取布，投诸蓝中，布既受蓝，则煮布以去蜡，顾能制成极细斑花，炳然可观。”这是最早关于蜡染工艺的记录，此种方法现今我国已很少见到。另外在《贵州通志》记述的“用蜡绘制花于布而染之”的手绘蜡防染印花的方法至今存续于我国西南地区。
蜡染技术：
古时候称蜡缬，与绞缬（扎染）、夹缬（镂空印花）并称为我国古代三大印花技艺。我国的染织工艺早在西周时期（公元前11世纪-公元前771年）已得到较大的发展。
根据历史文献《礼记》记载，织物的染色当时设有一种叫"染人"的专官主管，春秋战国时期，楚国还设有专门主持生产靛蓝的"蓝尹"工官。足见当时的丝织、染色工艺已颇具规模。
蜡染在宋代五溪地区已很盛行。明、清时代，黔中一带苗族也多用蜡染衣料。民国年间，蜡染盛行于湘西、贵州、云南、川南的大部分苗族中，而以贵州的丹寨、安顺、郎岱（今六枝）、普定、惠水等地技艺最高。大多数地区都将蜡染成品作衣饰，湘西地区则用作床单、帐沿、枕巾等。
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蜡染，古称“蜡缬”。
传统民间印染工艺之一。是一种以蜡为防染材料进行防染的传统手工印染技艺。
据考证，“蜡染”一词在文献中最早、最确切的记载是唐代慧琳写的《一切经音义》卷五十之“众缬”：“今谓西国有淡歰汁，点之成缬，如此方蜡点缬也。”“缬”是以辅染物辅助印染过程而染出的织物，缬的出现标志着我国古代丝绸印染技艺的重大进步。
蜡染今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍甚流行，衣裙、被毯、包单等多喜用蜡染作装饰。主要方法是用蜡刀蘸蜡液，在白布上描绘几何图案或花、鸟、虫、鱼等纹样，然后浸入靛缸（以蓝色为主），用水煮脱蜡即现花纹。
结构严谨，线条流畅，装饰趣味很强，具有鲜明的民族风格。 蜡染的发明以人们对物质特性的重复认识和利用为基础，并需要具备一定的环境因素和技术条件，因此它是在特定的物质条件和文化背景下产生和发展起来的。
蜡染是基于人们对服饰美化的需要，在人类文明进步到一定程度后产生的，是在多种染织工艺的基础上进行的，因此蜡染产生的时间应在纺织、印色和画馈工艺成熟之后。从原料上看，蜡染对面料没有特殊要求，棉、麻、丝、毛织物都能采用；防染材料也不拘于特定品种，动植物蜡均可使用，通常是用树脂和蜂蜡；染色只能用冷染工艺，一般是植物染色，以靛蓝为主。
从范围来看，蜡染技术存在与世界上很多地方，风格和使用方式也多种多样。由于受地理和气候的影响，北方寒冷地区不宜进行蜡染，因此蜡染分布于热带和亚热带地区。
蜡染的起源可追溯到两千多年前秦、汉时期，甚至更早。
蜡染古称“蜡缬”，“缬”的意思是染彩，它与“绞缬”（扎染）、“夹缬”（印花蓝布）一起被称为中国古代的三大纺染工艺。在历史文献中有关蜡染的记载很少。
《后汉书》、《临海水土志》、《新唐书》等虽有“染彩”、“斑文布”、“卉服鸟章”等记述，但都没有确指蜡染，到了宋代的文献中才对蜡染有明确的说法。如南宋周去非的《岭外问答》说：“以木板二片，镂成细花，用以夹布，而灌蜡于镂中，而后乃积布取布，投诸蓝中，布既受蓝，则煮布以去蜡，故能制成极细斑花，炳然可观。”
其中叙述的蜡染工序，显然并非从南宋开始。后来的《贵州通忐》载：“用蜡绘于布而染之，既去蜡，则花纹如绘。”
可见蜡染已由以蜡灌刻板印布发展到直接用蜡在布上描绘了。学界比较一致的意见是，宋代由于印花蓝布等成本低、工艺简单而大为盛行，蜡染在中原逐渐消失，而在西南的少数民族地区却代代传承，至今不衰。
从传世的和出土的蜡染实物看，蜡染在唐代是盛行的。北京故宫博物院所藏的三色蜡染、日本正仓院所藏的“对树象羊蜡缬屏风”，都是唐代遗物。
在贵州省平坝县下坝的棺材洞里，前些年出十了宋代苗族点蜡幔及鹭鸟纹彩色蜡染衣裙。这些都是蜡染流传悠久的历史见证。
蜡染的研究者根据史料和民间传说，对蜡染最早的起源和发展有一些推测，意见不尽一致。无论如何说，蜡染在中国西南地区，特别在贵州一枝独秀却是事实。
形成这种状况主要有三个放面的原因：一是苗族、布依族等少数民族文化心理的原因，他们迁徙到贵州后怀念故土，怀念祖先，固守从故土带来的文化形态，并在其中寄寓本民族历史和文化的意义，逐渐成为民族自尊自爱的标志：二是地理环境的原因，贵州地处偏僻，山川阻隔，受外来文化影响较少，易于保持传统的文化形态；三是制作原料的原因，贵州气候湿润，草木繁茂，盛产蜂蜡和制作蓝靛染料的蓝草，这为制作蜡染提供了极大的方便。 作为一种生活方式的“艺术”，贵州民间蜡染是贵州少数民族民俗文化活动中不可缺少的重要内容，不管是岁时节日住房的装饰还是婚丧嫁娶人生仪礼，也不管是民间宗教信仰祭祖敬神还是服饰佩带织绣花样，各式各样的蜡染工艺织染活动，都与贵州山地少数民族特定的文化背景与生活环境密切相关。
也正是因为这样一种息息相关，使得蜡染工艺和贵州少数民族的音乐、舞蹈、傩戏等活动一样，具有某种“全文化”的功能，在以汉文化为主体的强大的中心文化辐射挤压的边缘，形成了自己独特的艺术语言和符号形式。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染艺术在少数民族地区世代相传，经过悠久的历史发展过程，积累了丰富的创作经验，形成了独特的民族艺术风格。是中国极富特色的民族艺术之花。
还应提到一种叫做“蜡片”的工艺品。在一些民族地区，把未经浸染的蜡花当作装饰品。
她们把这种“蜡片”装饰在头上或服装上。这种工艺品是白色和黄褐色花纹，色彩谐调，别具一格。
“蜡片”的缺点是蜡花容易脱落，所以在服装上只能局部采用。
蜡染，是一种古老的防染工艺，古称“蜡缬”，与绞缬、夹结一起被称为我国古代染缬工艺的三种基本类型。
蜡染工艺品的魅力除了图案精美外，还在于蜡冷却后在织物上产生龟裂，色料渗入裂缝，得到变化多样的色纹，俗称“冰纹”。同一图案设计，做成蜡染后可得到不同的“冰纹”。
蜡染工艺，在我国西南少数民族地区尤其是贵州少数民族地区，继承和发扬了传统的蜡染工艺，而且流行很广，已成为少数民族妇女生活中不可缺少的一种艺术 。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染艺术在少数民族地区世代相传，经过悠久的历史发展过程，积累了丰富的创作经验，形成了独特的民族艺术风格。 是中国极富特色的民族艺术之花。
在苗族和侗族地区的很多地方都流行有《蜡染歌》（古歌），代代传唱叙述着蜡染的起源的故事：有一个聪明美丽的苗族姑娘并不满足于衣服的均一色彩，总希望能在裙子上染出各种各样的花卉图案来，可是一件一件的手工绘制实在太麻烦，但她一时又想不出什么好办法来，终日为此闷闷不乐。一天，姑娘又看着一簇簇一丛丛的鲜花久久发楞，办法没想出来却在沉思中昏昏入睡。朦胧中有一个衣着漂亮的花仙子把她带到了一个百花园中，园里有无数的奇花异草，鸟语花香、蝶舞蜂忙。姑娘在花园中看呀看呀，看得入了迷，连蜜蜂爬满了她的衣裙也浑然不知。等她醒来一看，才知道刚才是睡着了，可是低头再看：花丛中的蜜蜂真的刚刚飞走，而且在她的衣裙上留下了斑斑点点的蜜汁和蜂蜡，很不好看。她只好把衣裙拿到存放着靛蓝的染桶中去，想重新把衣裙染一次，试图覆盖掉蜡迹。染完之后，又拿到沸水中去漂清浮色。当姑娘从沸水中取出衣裙的时候，奇迹出现了：深蓝色的衣裙上被蜂蜡沾过的地方出现了美丽的白花！姑娘心头一动，
立即找来蜂蜡，加热熬化后用树枝在白布上画出了蜡花图案，然后放到靛蓝染液中去染色，最后用沸水熔掉蜂蜡，布面上就现出了各种各样的白花，哦！染缸中居然染出了印花布，姑娘高兴地唱起了山歌。人们听到了姑娘的歌声，纷纷来到她家听她讲百花园里的梦境、观看她染出的花裙、学习她描花绘图的技艺，大家回到自己家里之后，照着姑娘教给的方法，也都染出了花样繁多的花布。从此，蜡染技术就在苗族及与之杂居的布依、瑶族等兄弟民族之间流传开来了。
安顺蜡染文化 蜡染 古称蜡撷。
是贵州各少数民族共有民间传统印染工艺。“用蜡绘花于布而染之，欲去蜡，则花纹如绘”（《贵州通志》）。
蜡染源于春秋战国时代，流行于汉唐，兴盛于宋元。1987年在安顺市平坝县桃花村苗族刘姓的一座洞葬群棺中，不但发掘了汉唐时代的陶釜和酒具，而且首次发掘了宋代彩色蜡染褶裙，灿然如新，图案为“鹭丝鸟纹”，款式与现代苗族褶裙相差无几。
安顺素有“蜡染之乡”的美誉，今北京故宫博物院就陈列有清代皇家宫廷珍藏的一幅安顺市郊苗族蜡染背扇扇面。 黄果树地区民间蜡染源远流长，以石头寨为例，这里百分之八十以上的人家设有染缸。
布依族姑娘从十二三岁起，便开始学习蜡染技术，妇女人人能画蜡，故名“蜡染之乡”。 蜡染实际上分为蜡画和蜡染两种形式。
蜡画是用铜刀（蜡画工具）醮上高温加溶的蜂蜡，在白布上信手画出，花鸟鱼虫，江河湖泊，唯妙唯哨，栩栩如生，然后绘画者可根据自己的喜好，填以各种颜色即成。蜡染是将画好的作品通过防染，煮沸、去蜡、漂洗、花现。
加之，神秘莫测的冰纹，使蜡染更具抽象画派的韵味。蜡染在安顺苗族布依族妇女中，颇为盛行。
苗族图案带有史书性质，似铠甲，象文字，或写意、或抽象，任随驰骋；布依族大多是图腾图案，有太阳纹，有云雷纹、有回纹、有铜鼓纹，连续对称，古朴典雅。蜡染布料常用作衣裙、围腰、床单、背扇、帐檐、挎包、帽子、时装。
目前各种蜡染工艺品已是中外游客追求的时尚。
蜡染，古称“蜡缬”。传统民间印染工艺之一。是一种以蜡为防染材料进行防染的传统手工印染技艺。据考证，“蜡染”一词在文献中最早、最确切的记载是唐代慧琳写的《一切经音义》卷五十之“众缬”：“今谓西国有淡歰汁，点之成缬，如此方蜡点缬也。”“缬”是以辅染物辅助印染过程而染出的织物，缬的出现标志着我国古代丝绸印染技艺的重大进步。蜡染今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍甚流行，衣裙、被毯、包单等多喜用蜡染作装饰。主要方法是用蜡刀蘸蜡液，在白布上描绘几何图案或花、鸟、虫、鱼等纹样，然后浸入靛缸（以蓝色为主），用水煮脱蜡即现花纹。结构严谨，线条流畅，装饰趣味很强，具有鲜明的民族风格。
蜡染的发明以人们对物质特性的重复认识和利用为基础，并需要具备一定的环境因素和技术条件，因此它是在特定的物质条件和文化背景下产生和发展起来的。蜡染是基于人们对服饰美化的需要，在人类文明进步到一定程度后产生的，是在多种染织工艺的基础上进行的，因此蜡染产生的时间应在纺织、印色和画馈工艺成熟之后。从原料上看，蜡染对面料没有特殊要求，棉、麻、丝、毛织物都能采用；防染材料也不拘于特定品种，动植物蜡均可使用，通常是用树脂和蜂蜡；染色只能用冷染工艺，一般是植物染色，以靛蓝为主。从范围来看，蜡染技术存在与世界上很多地方，风格和使用方式也多种多样。由于受地理和气候的影响，北方寒冷地区不宜进行蜡染，因此蜡染分布于热带和亚热带地区。
蜡染的起源中国的染织工艺早在西周时期（公元前ll世纪——公元前771年）已得到较大的发展。
根据《礼记》等文献记载，丝、染色当时都设有专官主管，楚国还设有主持生产靛青的“蓝尹”工官。足见当时的丝织、染色工艺已颇具规模。
蜡染古时候称为蜡缬，是用蜡把花纹点绘在麻、丝、棉、毛等织物上，然后放入染料缸中浸染，有蜡的地方染不上颜色，除去蜡即现出美丽的花纹。这是我国古老的防染工艺，历史已很悠久。
蜡染是我国苗族古老而独特的手工绘染艺术，起源于秦汉，盛行于隋唐（公元581--907年）。这里有着取之不尽的艺术源泉，一代传一代，可以说，从我国的染织技术开创时，蜡染就作为最古老的手工艺，称之为中华民族古文明的一部分。
我国古代发现的蜡染文物，有新疆于田屋于来克古城遗址出土的北朝（公元396—581年）蓝色蜡缬毛织物蓝色蜡缬棉织品及新疆吐鲁番阿斯塔那北区墓葬出土的西凉（公元400—421年）蓝色缬绢和唐代（公元618—907年）的几种蜡缬绢、蜡缬纱；还有敦煌莫高窟130窟第一层壁画下发现的唐代废置的大量蜡缬残幡。这批遗存的蜡染实物中，北朝的和西凉的蜡缬织品都是深蓝色地现白花，纹样光洁清晰，古朴典雅；唐代的蜡缬绢和蜡缬纱的地子，有棕、绎、黄、赭等色，大部分是白色花纹。
蜡染工艺在我国西南少数民族地区世代相传，尤其是贵州少数民族地区，继承和发扬了传统的蜡染工艺，而且流行很广，已成为少数民族妇女生活中不可缺少的一种艺术。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们的头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染之乡蜡染之乡是中国贵州安顺。安顺是中国著名的旅游城市，境内有黄果树瀑布、龙宫、屯堡文化（天龙镇、云峰八寨等）、天星桥、花江大峡谷等众多著名景点。
安顺有“滇之喉、黔之腹，粤蜀之唇齿”的赞誉，地理位置重要，交通方便，更是“商业甲于全省”。安顺于1992年成功举办了首届蜡染艺术节，吸引了来自国内外的众多宾客，自此蜡染艺术走向全国，走向世界。
安顺有大量的蜡染作坊、工厂，涌现出洪福远等一批知名的蜡染艺人。安顺的蜡染在继承传统的同时也在不断创新。
蜡染的发展 传统的蜡染作为服饰的装饰，日用生活用品的装饰，从唐代张萱的“虢国夫人游春图”和“捣练图”中的蜡染服饰，到现代苗族姑娘绘制的蜡染花纹，有着悠久的历史，给我们留下了丰富的遗产。但作为纯观赏型的艺术品——蜡染壁挂，也就是“蜡染画”，是年轻的艺术，它从七十年代诞生，八十年代作为现代装饰画，走进宾馆，走向画廊，正一步一步地走进千家万户寻常百姓家。
有人断言，继“云南重彩画”之后，“蜡染画”将风行全球，将出现一个新的艺术高峰。不管这个预言正确与否，但作为一种新的画种，要想得到社会的承认，必须涌现出一批艺术大师，创作出一批高质量，有份量的艺术作品。
这才是最根本的。 目前的蜡染，大体可以分三大类：—类是西南少数民族地区，民间艺人和农村妇女自给白绘自用的蜡染制品，这一类产品应属于民间工艺的范畴。
另—类是工厂、作坊面向市场生产的蜡染产品，这一类产品应属于工艺美术的范畴。第三类是以艺术家为中心制作的纯观赏型的艺术品，也就是“蜡染画”这三大类蜡染同时并存，互相影响，呈现出一个百花齐放的局面，这种复杂的，多元化的现象，在艺术界是少见的。
随着社会的发展，传统的蜡染面对市场经济的大潮，也在发生新的变化。青年一代已不满足于古老的传统纹样，而千方百计地从充满变革的新生活里吸取素材，加以改造，而使用在蜡染上，随着“蜡染热”的兴起，一些民间的“蜡染大师”纷纷到国外搞展览，作现场表演，他们凭空用蜡刀在布上画的直线，可以用直足来衡量，他们画的圆圈，可以用圆规来检验。
他们在艺术上力求突破程式化的造型，他们认为传统花样太呆板，而力求把花画得逼真，'画得“笑”起来；把鸟画活，画得飞起来。结果失去了蜡染的装饰趣味，失去了蜡染的艺术特点，变成了用蜡染制作的床单花样，机绣枕头的花样。
传统的蜡染正在变异，而作为艺术作品的蜡染正在兴起，蓬勃发展。在台湾，“艺术的培柒”和“工艺的蜡染早已分道扬镳，工艺的蜡染是作坊生产的蜡染纱笼；而艺术的蜡染是艺术家创作的蜡染画。
老一辈蜡染艺术家的作品，明显带有中国山水画的神韵，而年青艺术家的作品，更多地带有现代色彩。在英国，作为造型艺术的独立画种，艺术家自己创作的蜡染画，通过展览，画廊出售，价格十分昂贵。
在日本，以艺术家为中。
染即采用蜡防染的染色工艺，古称蜡缬①，与绞缬（扎染）、夹缬（镂空印花）并称为我过古代三大印花技艺。《贵州通志》中曾有如下记载：“用蜡绘制花于布而染之，既去蜡，则花纹如绘。”《辞海》关于蜡染一项的解释如下：“古代称蜡缬①，起源于汉以前，为我国传统印染工艺之一。今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍在流行。制法：用蜡刀蘸腊液，在白布上绘几何图案或花鸟虫鱼等，再浸入靛缸（以兰色为主），后用水煮脱蜡，即现花纹。”
蜡染用“蜡防染色”，即用蜡把花纹点绘在麻、丝、棉、毛等天然纤维织物上，利用蜡与水不相融的原理，把织物放入适宜在低温条件下染色的靛蓝染料缸中浸染，由于蜡的阻隔作用，染液浸入不了描蜡或受蜡部位的织物纤维，从而起到防染效果。除去蜡，此处即现出因蜡保护而产生的美丽的白色花纹，与布底染成蓝色的部位形成鲜明的色彩差异。关于蜡染工艺的制作方法在宋代已有详细记述。南宋时任桂林通判的周去非在其《岭外问答》中记有“瑶人以蓝染布为斑，其纹极细，其法以木板两片，镂成细花，用以夹布，而灌蜡于镂中，而后乃积布取布，投诸蓝中，布既受蓝，则煮布以去蜡，顾能制成极细斑花，炳然可观。”这是最早关于蜡染工艺的记录，此种方法现今我国已很少见到。另外在《贵州通志》记述的“用蜡绘制花于布而染之”的手绘蜡防染印花的方法至今存续于我国西南地区。
蜡染技术：
古时候称蜡缬，与绞缬（扎染）、夹缬（镂空印花）并称为我国古代三大印花技艺。我国的染织工艺早在西周时期（公元前11世纪-公元前771年）已得到较大的发展。
根据历史文献《礼记》记载，织物的染色当时设有一种叫"染人"的专官主管，春秋战国时期，楚国还设有专门主持生产靛蓝的"蓝尹"工官。足见当时的丝织、染色工艺已颇具规模。
蜡染在宋代五溪地区已很盛行。明、清时代，黔中一带苗族也多用蜡染衣料。民国年间，蜡染盛行于湘西、贵州、云南、川南的大部分苗族中，而以贵州的丹寨、安顺、郎岱（今六枝）、普定、惠水等地技艺最高。大多数地区都将蜡染成品作衣饰，湘西地区则用作床单、帐沿、枕巾等。
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蜡染，古称“蜡缬”。
传统民间印染工艺之一。是一种以蜡为防染材料进行防染的传统手工印染技艺。
据考证，“蜡染”一词在文献中最早、最确切的记载是唐代慧琳写的《一切经音义》卷五十之“众缬”：“今谓西国有淡歰汁，点之成缬，如此方蜡点缬也。”“缬”是以辅染物辅助印染过程而染出的织物，缬的出现标志着我国古代丝绸印染技艺的重大进步。
蜡染今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍甚流行，衣裙、被毯、包单等多喜用蜡染作装饰。主要方法是用蜡刀蘸蜡液，在白布上描绘几何图案或花、鸟、虫、鱼等纹样，然后浸入靛缸（以蓝色为主），用水煮脱蜡即现花纹。
结构严谨，线条流畅，装饰趣味很强，具有鲜明的民族风格。 蜡染的发明以人们对物质特性的重复认识和利用为基础，并需要具备一定的环境因素和技术条件，因此它是在特定的物质条件和文化背景下产生和发展起来的。
蜡染是基于人们对服饰美化的需要，在人类文明进步到一定程度后产生的，是在多种染织工艺的基础上进行的，因此蜡染产生的时间应在纺织、印色和画馈工艺成熟之后。从原料上看，蜡染对面料没有特殊要求，棉、麻、丝、毛织物都能采用；防染材料也不拘于特定品种，动植物蜡均可使用，通常是用树脂和蜂蜡；染色只能用冷染工艺，一般是植物染色，以靛蓝为主。
从范围来看，蜡染技术存在与世界上很多地方，风格和使用方式也多种多样。由于受地理和气候的影响，北方寒冷地区不宜进行蜡染，因此蜡染分布于热带和亚热带地区。
蜡染的起源可追溯到两千多年前秦、汉时期，甚至更早。
蜡染古称“蜡缬”，“缬”的意思是染彩，它与“绞缬”（扎染）、“夹缬”（印花蓝布）一起被称为中国古代的三大纺染工艺。在历史文献中有关蜡染的记载很少。
《后汉书》、《临海水土志》、《新唐书》等虽有“染彩”、“斑文布”、“卉服鸟章”等记述，但都没有确指蜡染，到了宋代的文献中才对蜡染有明确的说法。如南宋周去非的《岭外问答》说：“以木板二片，镂成细花，用以夹布，而灌蜡于镂中，而后乃积布取布，投诸蓝中，布既受蓝，则煮布以去蜡，故能制成极细斑花，炳然可观。”
其中叙述的蜡染工序，显然并非从南宋开始。后来的《贵州通忐》载：“用蜡绘于布而染之，既去蜡，则花纹如绘。”
可见蜡染已由以蜡灌刻板印布发展到直接用蜡在布上描绘了。学界比较一致的意见是，宋代由于印花蓝布等成本低、工艺简单而大为盛行，蜡染在中原逐渐消失，而在西南的少数民族地区却代代传承，至今不衰。
从传世的和出土的蜡染实物看，蜡染在唐代是盛行的。北京故宫博物院所藏的三色蜡染、日本正仓院所藏的“对树象羊蜡缬屏风”，都是唐代遗物。
在贵州省平坝县下坝的棺材洞里，前些年出十了宋代苗族点蜡幔及鹭鸟纹彩色蜡染衣裙。这些都是蜡染流传悠久的历史见证。
蜡染的研究者根据史料和民间传说，对蜡染最早的起源和发展有一些推测，意见不尽一致。无论如何说，蜡染在中国西南地区，特别在贵州一枝独秀却是事实。
形成这种状况主要有三个放面的原因：一是苗族、布依族等少数民族文化心理的原因，他们迁徙到贵州后怀念故土，怀念祖先，固守从故土带来的文化形态，并在其中寄寓本民族历史和文化的意义，逐渐成为民族自尊自爱的标志：二是地理环境的原因，贵州地处偏僻，山川阻隔，受外来文化影响较少，易于保持传统的文化形态；三是制作原料的原因，贵州气候湿润，草木繁茂，盛产蜂蜡和制作蓝靛染料的蓝草，这为制作蜡染提供了极大的方便。 作为一种生活方式的“艺术”，贵州民间蜡染是贵州少数民族民俗文化活动中不可缺少的重要内容，不管是岁时节日住房的装饰还是婚丧嫁娶人生仪礼，也不管是民间宗教信仰祭祖敬神还是服饰佩带织绣花样，各式各样的蜡染工艺织染活动，都与贵州山地少数民族特定的文化背景与生活环境密切相关。
也正是因为这样一种息息相关，使得蜡染工艺和贵州少数民族的音乐、舞蹈、傩戏等活动一样，具有某种“全文化”的功能，在以汉文化为主体的强大的中心文化辐射挤压的边缘，形成了自己独特的艺术语言和符号形式。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染艺术在少数民族地区世代相传，经过悠久的历史发展过程，积累了丰富的创作经验，形成了独特的民族艺术风格。是中国极富特色的民族艺术之花。
还应提到一种叫做“蜡片”的工艺品。在一些民族地区，把未经浸染的蜡花当作装饰品。
她们把这种“蜡片”装饰在头上或服装上。这种工艺品是白色和黄褐色花纹，色彩谐调，别具一格。
“蜡片”的缺点是蜡花容易脱落，所以在服装上只能局部采用。
蜡染，是一种古老的防染工艺，古称“蜡缬”，与绞缬、夹结一起被称为我国古代染缬工艺的三种基本类型。
蜡染工艺品的魅力除了图案精美外，还在于蜡冷却后在织物上产生龟裂，色料渗入裂缝，得到变化多样的色纹，俗称“冰纹”。同一图案设计，做成蜡染后可得到不同的“冰纹”。
蜡染工艺，在我国西南少数民族地区尤其是贵州少数民族地区，继承和发扬了传统的蜡染工艺，而且流行很广，已成为少数民族妇女生活中不可缺少的一种艺术 。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染艺术在少数民族地区世代相传，经过悠久的历史发展过程，积累了丰富的创作经验，形成了独特的民族艺术风格。 是中国极富特色的民族艺术之花。
在苗族和侗族地区的很多地方都流行有《蜡染歌》（古歌），代代传唱叙述着蜡染的起源的故事：有一个聪明美丽的苗族姑娘并不满足于衣服的均一色彩，总希望能在裙子上染出各种各样的花卉图案来，可是一件一件的手工绘制实在太麻烦，但她一时又想不出什么好办法来，终日为此闷闷不乐。一天，姑娘又看着一簇簇一丛丛的鲜花久久发楞，办法没想出来却在沉思中昏昏入睡。朦胧中有一个衣着漂亮的花仙子把她带到了一个百花园中，园里有无数的奇花异草，鸟语花香、蝶舞蜂忙。姑娘在花园中看呀看呀，看得入了迷，连蜜蜂爬满了她的衣裙也浑然不知。等她醒来一看，才知道刚才是睡着了，可是低头再看：花丛中的蜜蜂真的刚刚飞走，而且在她的衣裙上留下了斑斑点点的蜜汁和蜂蜡，很不好看。她只好把衣裙拿到存放着靛蓝的染桶中去，想重新把衣裙染一次，试图覆盖掉蜡迹。染完之后，又拿到沸水中去漂清浮色。当姑娘从沸水中取出衣裙的时候，奇迹出现了：深蓝色的衣裙上被蜂蜡沾过的地方出现了美丽的白花！姑娘心头一动，
立即找来蜂蜡，加热熬化后用树枝在白布上画出了蜡花图案，然后放到靛蓝染液中去染色，最后用沸水熔掉蜂蜡，布面上就现出了各种各样的白花，哦！染缸中居然染出了印花布，姑娘高兴地唱起了山歌。人们听到了姑娘的歌声，纷纷来到她家听她讲百花园里的梦境、观看她染出的花裙、学习她描花绘图的技艺，大家回到自己家里之后，照着姑娘教给的方法，也都染出了花样繁多的花布。从此，蜡染技术就在苗族及与之杂居的布依、瑶族等兄弟民族之间流传开来了。
安顺蜡染文化 蜡染 古称蜡撷。
是贵州各少数民族共有民间传统印染工艺。“用蜡绘花于布而染之，欲去蜡，则花纹如绘”（《贵州通志》）。
蜡染源于春秋战国时代，流行于汉唐，兴盛于宋元。1987年在安顺市平坝县桃花村苗族刘姓的一座洞葬群棺中，不但发掘了汉唐时代的陶釜和酒具，而且首次发掘了宋代彩色蜡染褶裙，灿然如新，图案为“鹭丝鸟纹”，款式与现代苗族褶裙相差无几。
安顺素有“蜡染之乡”的美誉，今北京故宫博物院就陈列有清代皇家宫廷珍藏的一幅安顺市郊苗族蜡染背扇扇面。 黄果树地区民间蜡染源远流长，以石头寨为例，这里百分之八十以上的人家设有染缸。
布依族姑娘从十二三岁起，便开始学习蜡染技术，妇女人人能画蜡，故名“蜡染之乡”。 蜡染实际上分为蜡画和蜡染两种形式。
蜡画是用铜刀（蜡画工具）醮上高温加溶的蜂蜡，在白布上信手画出，花鸟鱼虫，江河湖泊，唯妙唯哨，栩栩如生，然后绘画者可根据自己的喜好，填以各种颜色即成。蜡染是将画好的作品通过防染，煮沸、去蜡、漂洗、花现。
加之，神秘莫测的冰纹，使蜡染更具抽象画派的韵味。蜡染在安顺苗族布依族妇女中，颇为盛行。
苗族图案带有史书性质，似铠甲，象文字，或写意、或抽象，任随驰骋；布依族大多是图腾图案，有太阳纹，有云雷纹、有回纹、有铜鼓纹，连续对称，古朴典雅。蜡染布料常用作衣裙、围腰、床单、背扇、帐檐、挎包、帽子、时装。
目前各种蜡染工艺品已是中外游客追求的时尚。
染织类毕业论文题目
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16.爱马仕丝巾图案设计与艺术研究
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19.从模仿绘画到图案设计的日本近代染织艺术
20.中、日传统染织工艺及其纹样的传承与保护研究
21.以环保为主题的纺织材料装置艺术的设计与研究
22.论乡土织物在现代室内设计中的艺术价值
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29.论黎族织锦植物染技艺在现代服装设计中的运用
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38.山竹壳天然染料对真丝织物的染色工艺研究
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40.抗战前细纱交易困境及民族染织厂的应对
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42.与大自然合作--染织产品设计的创意新思维
43.凉山彝族服饰传统染织工艺研究
44.渐变形式在当今染织艺术设计中的运用分析
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56.隋唐染织工艺在敦煌服饰图案中的体现
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58.传统扎染工艺与现代数码技术结合的创新设计研究
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60.浅谈酶催化技术在印染废水处理中的应用
61.西南少数民族染织艺术中的色彩美学
62.台湾花布的图案装饰特色研究
63.河北民间传统染织工艺现状及发展策略
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79.湖南传统染织艺术融入室内设计主题空间的教学探讨
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116.中国非物质文化遗产的传承与发展--黎族传统纺染织绣技艺
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120.作业成本法在染织业的推广与应用
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鲤鱼; 动物植物：龙、凤、狼、麒麟、虎、豹、鹤、龟、大熊猫...;梅兰竹菊：梅花，兰花，竹子，菊花。松、柏。 器物随身：玉(玉佩、玉雕……)瓷器、景泰蓝、中国漆器、彩陶、紫砂壶、蜡染、古代兵器(盔甲、大刀、宝剑等)、青铜器、古玩(铜钱等)、鼎、金元宝、如意、烛台、红灯笼(宫灯、纱灯)、黄包车、鼻烟壶、鸟笼、长命锁、糖葫芦、铜镜、大花轿、水烟袋、鼻烟壶、芭蕉扇、桃花扇、裹脚布。 饮食厨艺：出门七件事：柴，米，油，盐，酱，醋，茶;酒、茶道;吃文化、中国菜、八大菜系(鲁、 川、粤、闽、苏、浙、湘、徽)、饺子、团圆饭、年夜饭、年糕、中秋月饼、筷子;鱼翅、熊掌... 传说神话：女娲补天、盘古开天地、后羿射日、嫦娥飞天、夸父逐日,精卫填海··· 神妖鬼怪：神仙、妖怪、鬼怪、幽冥;玉帝、阎罗王、黑白无常、孟婆、奈何桥···
蜡染，古称“蜡缬”。传统民间印染工艺之一。是一种以蜡为防染材料进行防染的传统手工印染技艺。据考证，“蜡染”一词在文献中最早、最确切的记载是唐代慧琳写的《一切经音义》卷五十之“众缬”：“今谓西国有淡歰汁，点之成缬，如此方蜡点缬也。”“缬”是以辅染物辅助印染过程而染出的织物，缬的出现标志着我国古代丝绸印染技艺的重大进步。蜡染今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍甚流行，衣裙、被毯、包单等多喜用蜡染作装饰。主要方法是用蜡刀蘸蜡液，在白布上描绘几何图案或花、鸟、虫、鱼等纹样，然后浸入靛缸（以蓝色为主），用水煮脱蜡即现花纹。结构严谨，线条流畅，装饰趣味很强，具有鲜明的民族风格。
蜡染的发明以人们对物质特性的重复认识和利用为基础，并需要具备一定的环境因素和技术条件，因此它是在特定的物质条件和文化背景下产生和发展起来的。蜡染是基于人们对服饰美化的需要，在人类文明进步到一定程度后产生的，是在多种染织工艺的基础上进行的，因此蜡染产生的时间应在纺织、印色和画馈工艺成熟之后。从原料上看，蜡染对面料没有特殊要求，棉、麻、丝、毛织物都能采用；防染材料也不拘于特定品种，动植物蜡均可使用，通常是用树脂和蜂蜡；染色只能用冷染工艺，一般是植物染色，以靛蓝为主。从范围来看，蜡染技术存在与世界上很多地方，风格和使用方式也多种多样。由于受地理和气候的影响，北方寒冷地区不宜进行蜡染，因此蜡染分布于热带和亚热带地区。
蜡染的起源中国的染织工艺早在西周时期（公元前ll世纪——公元前771年）已得到较大的发展。
根据《礼记》等文献记载，丝、染色当时都设有专官主管，楚国还设有主持生产靛青的“蓝尹”工官。足见当时的丝织、染色工艺已颇具规模。
蜡染古时候称为蜡缬，是用蜡把花纹点绘在麻、丝、棉、毛等织物上，然后放入染料缸中浸染，有蜡的地方染不上颜色，除去蜡即现出美丽的花纹。这是我国古老的防染工艺，历史已很悠久。
蜡染是我国苗族古老而独特的手工绘染艺术，起源于秦汉，盛行于隋唐（公元581--907年）。这里有着取之不尽的艺术源泉，一代传一代，可以说，从我国的染织技术开创时，蜡染就作为最古老的手工艺，称之为中华民族古文明的一部分。
我国古代发现的蜡染文物，有新疆于田屋于来克古城遗址出土的北朝（公元396—581年）蓝色蜡缬毛织物蓝色蜡缬棉织品及新疆吐鲁番阿斯塔那北区墓葬出土的西凉（公元400—421年）蓝色缬绢和唐代（公元618—907年）的几种蜡缬绢、蜡缬纱；还有敦煌莫高窟130窟第一层壁画下发现的唐代废置的大量蜡缬残幡。这批遗存的蜡染实物中，北朝的和西凉的蜡缬织品都是深蓝色地现白花，纹样光洁清晰，古朴典雅；唐代的蜡缬绢和蜡缬纱的地子，有棕、绎、黄、赭等色，大部分是白色花纹。
蜡染工艺在我国西南少数民族地区世代相传，尤其是贵州少数民族地区，继承和发扬了传统的蜡染工艺，而且流行很广，已成为少数民族妇女生活中不可缺少的一种艺术。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们的头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染之乡蜡染之乡是中国贵州安顺。安顺是中国著名的旅游城市，境内有黄果树瀑布、龙宫、屯堡文化（天龙镇、云峰八寨等）、天星桥、花江大峡谷等众多著名景点。
安顺有“滇之喉、黔之腹，粤蜀之唇齿”的赞誉，地理位置重要，交通方便，更是“商业甲于全省”。安顺于1992年成功举办了首届蜡染艺术节，吸引了来自国内外的众多宾客，自此蜡染艺术走向全国，走向世界。
安顺有大量的蜡染作坊、工厂，涌现出洪福远等一批知名的蜡染艺人。安顺的蜡染在继承传统的同时也在不断创新。
蜡染的发展 传统的蜡染作为服饰的装饰，日用生活用品的装饰，从唐代张萱的“虢国夫人游春图”和“捣练图”中的蜡染服饰，到现代苗族姑娘绘制的蜡染花纹，有着悠久的历史，给我们留下了丰富的遗产。但作为纯观赏型的艺术品——蜡染壁挂，也就是“蜡染画”，是年轻的艺术，它从七十年代诞生，八十年代作为现代装饰画，走进宾馆，走向画廊，正一步一步地走进千家万户寻常百姓家。
有人断言，继“云南重彩画”之后，“蜡染画”将风行全球，将出现一个新的艺术高峰。不管这个预言正确与否，但作为一种新的画种，要想得到社会的承认，必须涌现出一批艺术大师，创作出一批高质量，有份量的艺术作品。
这才是最根本的。 目前的蜡染，大体可以分三大类：—类是西南少数民族地区，民间艺人和农村妇女自给白绘自用的蜡染制品，这一类产品应属于民间工艺的范畴。
另—类是工厂、作坊面向市场生产的蜡染产品，这一类产品应属于工艺美术的范畴。第三类是以艺术家为中心制作的纯观赏型的艺术品，也就是“蜡染画”这三大类蜡染同时并存，互相影响，呈现出一个百花齐放的局面，这种复杂的，多元化的现象，在艺术界是少见的。
随着社会的发展，传统的蜡染面对市场经济的大潮，也在发生新的变化。青年一代已不满足于古老的传统纹样，而千方百计地从充满变革的新生活里吸取素材，加以改造，而使用在蜡染上，随着“蜡染热”的兴起，一些民间的“蜡染大师”纷纷到国外搞展览，作现场表演，他们凭空用蜡刀在布上画的直线，可以用直足来衡量，他们画的圆圈，可以用圆规来检验。
他们在艺术上力求突破程式化的造型，他们认为传统花样太呆板，而力求把花画得逼真，'画得“笑”起来；把鸟画活，画得飞起来。结果失去了蜡染的装饰趣味，失去了蜡染的艺术特点，变成了用蜡染制作的床单花样，机绣枕头的花样。
传统的蜡染正在变异，而作为艺术作品的蜡染正在兴起，蓬勃发展。在台湾，“艺术的培柒”和“工艺的蜡染早已分道扬镳，工艺的蜡染是作坊生产的蜡染纱笼；而艺术的蜡染是艺术家创作的蜡染画。
老一辈蜡染艺术家的作品，明显带有中国山水画的神韵，而年青艺术家的作品，更多地带有现代色彩。在英国，作为造型艺术的独立画种，艺术家自己创作的蜡染画，通过展览，画廊出售，价格十分昂贵。
在日本，以艺术家为中。
染即采用蜡防染的染色工艺，古称蜡缬①，与绞缬（扎染）、夹缬（镂空印花）并称为我过古代三大印花技艺。《贵州通志》中曾有如下记载：“用蜡绘制花于布而染之，既去蜡，则花纹如绘。”《辞海》关于蜡染一项的解释如下：“古代称蜡缬①，起源于汉以前，为我国传统印染工艺之一。今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍在流行。制法：用蜡刀蘸腊液，在白布上绘几何图案或花鸟虫鱼等，再浸入靛缸（以兰色为主），后用水煮脱蜡，即现花纹。”
蜡染用“蜡防染色”，即用蜡把花纹点绘在麻、丝、棉、毛等天然纤维织物上，利用蜡与水不相融的原理，把织物放入适宜在低温条件下染色的靛蓝染料缸中浸染，由于蜡的阻隔作用，染液浸入不了描蜡或受蜡部位的织物纤维，从而起到防染效果。除去蜡，此处即现出因蜡保护而产生的美丽的白色花纹，与布底染成蓝色的部位形成鲜明的色彩差异。关于蜡染工艺的制作方法在宋代已有详细记述。南宋时任桂林通判的周去非在其《岭外问答》中记有“瑶人以蓝染布为斑，其纹极细，其法以木板两片，镂成细花，用以夹布，而灌蜡于镂中，而后乃积布取布，投诸蓝中，布既受蓝，则煮布以去蜡，顾能制成极细斑花，炳然可观。”这是最早关于蜡染工艺的记录，此种方法现今我国已很少见到。另外在《贵州通志》记述的“用蜡绘制花于布而染之”的手绘蜡防染印花的方法至今存续于我国西南地区。
蜡染技术：
古时候称蜡缬，与绞缬（扎染）、夹缬（镂空印花）并称为我国古代三大印花技艺。我国的染织工艺早在西周时期（公元前11世纪-公元前771年）已得到较大的发展。
根据历史文献《礼记》记载，织物的染色当时设有一种叫"染人"的专官主管，春秋战国时期，楚国还设有专门主持生产靛蓝的"蓝尹"工官。足见当时的丝织、染色工艺已颇具规模。
蜡染在宋代五溪地区已很盛行。明、清时代，黔中一带苗族也多用蜡染衣料。民国年间，蜡染盛行于湘西、贵州、云南、川南的大部分苗族中，而以贵州的丹寨、安顺、郎岱（今六枝）、普定、惠水等地技艺最高。大多数地区都将蜡染成品作衣饰，湘西地区则用作床单、帐沿、枕巾等。
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蜡染，古称“蜡缬”。
传统民间印染工艺之一。是一种以蜡为防染材料进行防染的传统手工印染技艺。
据考证，“蜡染”一词在文献中最早、最确切的记载是唐代慧琳写的《一切经音义》卷五十之“众缬”：“今谓西国有淡歰汁，点之成缬，如此方蜡点缬也。”“缬”是以辅染物辅助印染过程而染出的织物，缬的出现标志着我国古代丝绸印染技艺的重大进步。
蜡染今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍甚流行，衣裙、被毯、包单等多喜用蜡染作装饰。主要方法是用蜡刀蘸蜡液，在白布上描绘几何图案或花、鸟、虫、鱼等纹样，然后浸入靛缸（以蓝色为主），用水煮脱蜡即现花纹。
结构严谨，线条流畅，装饰趣味很强，具有鲜明的民族风格。 蜡染的发明以人们对物质特性的重复认识和利用为基础，并需要具备一定的环境因素和技术条件，因此它是在特定的物质条件和文化背景下产生和发展起来的。
蜡染是基于人们对服饰美化的需要，在人类文明进步到一定程度后产生的，是在多种染织工艺的基础上进行的，因此蜡染产生的时间应在纺织、印色和画馈工艺成熟之后。从原料上看，蜡染对面料没有特殊要求，棉、麻、丝、毛织物都能采用；防染材料也不拘于特定品种，动植物蜡均可使用，通常是用树脂和蜂蜡；染色只能用冷染工艺，一般是植物染色，以靛蓝为主。
从范围来看，蜡染技术存在与世界上很多地方，风格和使用方式也多种多样。由于受地理和气候的影响，北方寒冷地区不宜进行蜡染，因此蜡染分布于热带和亚热带地区。
蜡染的起源可追溯到两千多年前秦、汉时期，甚至更早。
蜡染古称“蜡缬”，“缬”的意思是染彩，它与“绞缬”（扎染）、“夹缬”（印花蓝布）一起被称为中国古代的三大纺染工艺。在历史文献中有关蜡染的记载很少。
《后汉书》、《临海水土志》、《新唐书》等虽有“染彩”、“斑文布”、“卉服鸟章”等记述，但都没有确指蜡染，到了宋代的文献中才对蜡染有明确的说法。如南宋周去非的《岭外问答》说：“以木板二片，镂成细花，用以夹布，而灌蜡于镂中，而后乃积布取布，投诸蓝中，布既受蓝，则煮布以去蜡，故能制成极细斑花，炳然可观。”
其中叙述的蜡染工序，显然并非从南宋开始。后来的《贵州通忐》载：“用蜡绘于布而染之，既去蜡，则花纹如绘。”
可见蜡染已由以蜡灌刻板印布发展到直接用蜡在布上描绘了。学界比较一致的意见是，宋代由于印花蓝布等成本低、工艺简单而大为盛行，蜡染在中原逐渐消失，而在西南的少数民族地区却代代传承，至今不衰。
从传世的和出土的蜡染实物看，蜡染在唐代是盛行的。北京故宫博物院所藏的三色蜡染、日本正仓院所藏的“对树象羊蜡缬屏风”，都是唐代遗物。
在贵州省平坝县下坝的棺材洞里，前些年出十了宋代苗族点蜡幔及鹭鸟纹彩色蜡染衣裙。这些都是蜡染流传悠久的历史见证。
蜡染的研究者根据史料和民间传说，对蜡染最早的起源和发展有一些推测，意见不尽一致。无论如何说，蜡染在中国西南地区，特别在贵州一枝独秀却是事实。
形成这种状况主要有三个放面的原因：一是苗族、布依族等少数民族文化心理的原因，他们迁徙到贵州后怀念故土，怀念祖先，固守从故土带来的文化形态，并在其中寄寓本民族历史和文化的意义，逐渐成为民族自尊自爱的标志：二是地理环境的原因，贵州地处偏僻，山川阻隔，受外来文化影响较少，易于保持传统的文化形态；三是制作原料的原因，贵州气候湿润，草木繁茂，盛产蜂蜡和制作蓝靛染料的蓝草，这为制作蜡染提供了极大的方便。 作为一种生活方式的“艺术”，贵州民间蜡染是贵州少数民族民俗文化活动中不可缺少的重要内容，不管是岁时节日住房的装饰还是婚丧嫁娶人生仪礼，也不管是民间宗教信仰祭祖敬神还是服饰佩带织绣花样，各式各样的蜡染工艺织染活动，都与贵州山地少数民族特定的文化背景与生活环境密切相关。
也正是因为这样一种息息相关，使得蜡染工艺和贵州少数民族的音乐、舞蹈、傩戏等活动一样，具有某种“全文化”的功能，在以汉文化为主体的强大的中心文化辐射挤压的边缘，形成了自己独特的艺术语言和符号形式。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染艺术在少数民族地区世代相传，经过悠久的历史发展过程，积累了丰富的创作经验，形成了独特的民族艺术风格。是中国极富特色的民族艺术之花。
还应提到一种叫做“蜡片”的工艺品。在一些民族地区，把未经浸染的蜡花当作装饰品。
她们把这种“蜡片”装饰在头上或服装上。这种工艺品是白色和黄褐色花纹，色彩谐调，别具一格。
“蜡片”的缺点是蜡花容易脱落，所以在服装上只能局部采用。
蜡染，是一种古老的防染工艺，古称“蜡缬”，与绞缬、夹结一起被称为我国古代染缬工艺的三种基本类型。
蜡染工艺品的魅力除了图案精美外，还在于蜡冷却后在织物上产生龟裂，色料渗入裂缝，得到变化多样的色纹，俗称“冰纹”。同一图案设计，做成蜡染后可得到不同的“冰纹”。
蜡染工艺，在我国西南少数民族地区尤其是贵州少数民族地区，继承和发扬了传统的蜡染工艺，而且流行很广，已成为少数民族妇女生活中不可缺少的一种艺术 。这里的少数民族以蜡染作主要装饰的有黄平、重安江一带和丹寨县的苗族妇女，她们头巾、围腰、衣服、裙子、绑腿，都是蜡染制成，其它如伞套、枕巾，饭篮盖帕、包袱、书包、背带等也都使用蜡染；安顺、普定一带的苗族妇女把蜡染花纹装饰在衣袖、衣襟和衣服前后摆的边缘，她们背孩子的蜡染背带，点染得精巧细致，除蓝白二色外，有的还加染上红、黄、绿等色，成为明快富丽的多色蜡染。
贵州各少数民族的蜡染各有特色，例如苗族的蜡染图案有的还沿用古代铜鼓的花纹和民间传说中的题材，有的是日常生活中接触的花、鸟、虫、鱼；而布依族则喜用几何图案。各民族的蜡染都有独特的风格。
蜡染艺术在少数民族地区世代相传，经过悠久的历史发展过程，积累了丰富的创作经验，形成了独特的民族艺术风格。 是中国极富特色的民族艺术之花。
在苗族和侗族地区的很多地方都流行有《蜡染歌》（古歌），代代传唱叙述着蜡染的起源的故事：有一个聪明美丽的苗族姑娘并不满足于衣服的均一色彩，总希望能在裙子上染出各种各样的花卉图案来，可是一件一件的手工绘制实在太麻烦，但她一时又想不出什么好办法来，终日为此闷闷不乐。一天，姑娘又看着一簇簇一丛丛的鲜花久久发楞，办法没想出来却在沉思中昏昏入睡。朦胧中有一个衣着漂亮的花仙子把她带到了一个百花园中，园里有无数的奇花异草，鸟语花香、蝶舞蜂忙。姑娘在花园中看呀看呀，看得入了迷，连蜜蜂爬满了她的衣裙也浑然不知。等她醒来一看，才知道刚才是睡着了，可是低头再看：花丛中的蜜蜂真的刚刚飞走，而且在她的衣裙上留下了斑斑点点的蜜汁和蜂蜡，很不好看。她只好把衣裙拿到存放着靛蓝的染桶中去，想重新把衣裙染一次，试图覆盖掉蜡迹。染完之后，又拿到沸水中去漂清浮色。当姑娘从沸水中取出衣裙的时候，奇迹出现了：深蓝色的衣裙上被蜂蜡沾过的地方出现了美丽的白花！姑娘心头一动，
立即找来蜂蜡，加热熬化后用树枝在白布上画出了蜡花图案，然后放到靛蓝染液中去染色，最后用沸水熔掉蜂蜡，布面上就现出了各种各样的白花，哦！染缸中居然染出了印花布，姑娘高兴地唱起了山歌。人们听到了姑娘的歌声，纷纷来到她家听她讲百花园里的梦境、观看她染出的花裙、学习她描花绘图的技艺，大家回到自己家里之后，照着姑娘教给的方法，也都染出了花样繁多的花布。从此，蜡染技术就在苗族及与之杂居的布依、瑶族等兄弟民族之间流传开来了。
安顺蜡染文化 蜡染 古称蜡撷。
是贵州各少数民族共有民间传统印染工艺。“用蜡绘花于布而染之，欲去蜡，则花纹如绘”（《贵州通志》）。
蜡染源于春秋战国时代，流行于汉唐，兴盛于宋元。1987年在安顺市平坝县桃花村苗族刘姓的一座洞葬群棺中，不但发掘了汉唐时代的陶釜和酒具，而且首次发掘了宋代彩色蜡染褶裙，灿然如新，图案为“鹭丝鸟纹”，款式与现代苗族褶裙相差无几。
安顺素有“蜡染之乡”的美誉，今北京故宫博物院就陈列有清代皇家宫廷珍藏的一幅安顺市郊苗族蜡染背扇扇面。 黄果树地区民间蜡染源远流长，以石头寨为例，这里百分之八十以上的人家设有染缸。
布依族姑娘从十二三岁起，便开始学习蜡染技术，妇女人人能画蜡，故名“蜡染之乡”。 蜡染实际上分为蜡画和蜡染两种形式。
蜡画是用铜刀（蜡画工具）醮上高温加溶的蜂蜡，在白布上信手画出，花鸟鱼虫，江河湖泊，唯妙唯哨，栩栩如生，然后绘画者可根据自己的喜好，填以各种颜色即成。蜡染是将画好的作品通过防染，煮沸、去蜡、漂洗、花现。
加之，神秘莫测的冰纹，使蜡染更具抽象画派的韵味。蜡染在安顺苗族布依族妇女中，颇为盛行。
苗族图案带有史书性质，似铠甲，象文字，或写意、或抽象，任随驰骋；布依族大多是图腾图案，有太阳纹，有云雷纹、有回纹、有铜鼓纹，连续对称，古朴典雅。蜡染布料常用作衣裙、围腰、床单、背扇、帐檐、挎包、帽子、时装。
目前各种蜡染工艺品已是中外游客追求的时尚。
作品的成功是独立的艺术事件，作品的创作具有一定的偶然性、不确定因素，是可遇不可求的，更是不可复制的，不能像工厂加工产品一样重复生产。可复制的工业模式的产物，只能是产品而不是艺术品。西施捧着心口的病态倾国倾城，东施去重复，也只能成为千古笑柄。讲到艺术创作的偶然性，想起一个关于达·芬奇《蒙娜丽莎》的传说。作为西方美术经典，那位威尼斯公爵夫人梦幻般的微笑将达·芬奇推到了近乎神明的地步。其实，当时的达·芬奇十分潦倒，为了躲避战争，一直惶恐不安。他接了一单肖像画生意，用了特别纯熟的色彩幽暗法，加之客户的身份和报酬的丰厚，操作上尽量精细认真，如此而已。最后出现的那种深邃莫测的微笑纯属偶然，大大出乎画家本人的意料。显然，艺术神品的产生，作者往往是无意识的，其艺术意涵的奇妙更不在作者的掌控之内。中国也不缺乏类似的例子。三国孙权新添屏风，画家曹不兴应召在屏风绢素上配画。曹不兴稍不留神，蘸了墨的毛笔在雪白的绢面上误点出一个小墨点。旁边的人都惋惜惊叹：“坏了！”曹不兴端详片刻，不慌不忙地把小墨点改画成一只苍蝇，再在旁边画上花草。画面布局匀称，生动逼真，那只苍蝇活灵活现，以至赏画的孙权伸手去弹，然而苍蝇并没有飞走。仔细一看，才知道是画的。围观者又是一片惊叹：神来之笔！古今中外，在很多艺术创作领域中，或多或少地包含着随意性与偶然性，那些非自主、无意识的状态下产生的美往往具有别样的艺术价值。然而这些偶然性背后有着必然性，精品的诞生都有一定的前提，正如机遇是为有准备的人存在的一样。先天的才华自不必说，它是最为基本的条件，可以让一个人的艺术之路走得更为顺畅，而长期的积累和付出，以及对艺术心无旁骛的追求更是不可或缺。无论是达·芬奇还是曹不兴，都才华横溢，勤奋多产，为艺术而生——某种事物或感觉触动了他们经由博学和历练形成的艺术功底，于是，他们抓住了那道转瞬即逝的灵光，并将其保留在自己的作品中，一切信手拈来，水到渠成——我想，只有全身心奉献于艺术的人，才能得到艺术之神的这种眷顾。
民间美术论文提纲
中国民间美术是由中国人民群众创作的，以美化环境、丰富民间风俗活动为目的，在日常生活中应用、流行的美术。
民间美术是相对于宫廷美术、文人美术等美术形式而存在的，具有原发性的，直接来源于人民大众的美术形式。千百年来形成的将艺术强分尊卑，将民间美术视为粗俗简陋东西的观念使民间艺术的活力受到损害，许多优秀的民族美术成果不能保留下来，特别是工业革命之后，民间美术被视为落后的手工业而遭到抛弃。民间美术作为中国民俗文化的组成部分，其艺术价值远远超越了民间美术本身，具有极为丰富的哲学、美学、考古学、历史学、社会学和人类文化学内涵，是中华民族文化的凝集和结晶。
一、民间美术的起源
民间美术与原始社会的美术是一脉承传的，它们在发生、发展和艺术的范围、特点、规律等方面，都具有某种相似性。民间美术与原始美术一样具有艺术实用与审美共存的性质。不少民间美术还残留着原始艺术的痕迹，在今天所能看到的民间剪纸和刺绣中就保留着很多原始陶器上的，带有巫术色彩的图腾符号。民间美术起源于古代先民的劳动与生活实践，原始人在制造劳动工具的过程中，发现锋利、匀称、光洁的工具用起来特别的方便顺手，这种对实用性的追求逐渐演变成对视觉愉悦感的追求，古代先民在实用的造物活动的基础之上逐渐发展了审美，使之既能满足实用的物质需要，又能满足审美的精神需求。比如说，新石器时代的远古人类发明了钻孔技术，他们用贝壳和兽骨制作的项链是装饰自己，吸引异性的最好工具，再比如说仰韶文化所遗存的带有各种纹饰图案的彩陶不但具有巫祭的色彩，更追求视觉上的对称感与韵律感。石器、项链、陶器这些艺术作品都是民间美术的最初形态，它以其稚拙、俭朴的形式为后来各类美术的发展奠定了基础。
随着生产力的发展与社会分工的细化，民间美术的分类增多，做工也愈加细致多样了。从殷商到近代，民间美术都出现了兴旺的发展状态，并以其强大的生命力渗透到人们的衣食住行之中。竹编、草编、蜡染、泥塑、剪纸、年画、蓝印花布、绣帐帘、兜肚，挑花头巾、皮影等等民间美术作品都是基于实用目的而创作的，但同时却融实用性与审美性于一体。民间美术作为我国古代一种主要的艺术形态，在几千年的古代文明历史中显示出了强大的艺术力量。
二、传统民间美术的传承方式
1、言传身教。
民间美术是一种带有原发性的美术形式，它在传承的过程中与人们的日常生活休戚相关，自诞生之日起就融合在人们生活的点点滴滴之中。“言传身教”是中国民众做人和育人的宗旨和手段，民间美术同其它民间文化一样一样也没有脱离这一传统。“言传身教”在民间所承担的技艺传播作用，体现在以家庭为中心的技艺传承环境中，是师徒、父子关系直接传授的方式。从事民间美术创作的大多是没有受过正规文化教育的农民，其创作经验不可能通过文字进行传播，技艺的交流只能通过“口头”这一最为直接俭朴的方式将其技术经验传播给下一代。
口头语言不需雕饰，自然随性，因此能更生动直观的交流技艺。在这言传的过程中民间艺人们创作了一些便于记忆的口诀，可以让被传播者比较方便记忆起创作的规律，是对民间美术技艺规律的高度概括，如惠山泥人的`创作口诀，关于泥人造型要“先开相、后装花，描金带彩在后头”;用笔要领“直线要直、曲线要曲”施彩讲究“红要红得鲜，绿要绿得娇，白要自得净。”民间皮影口诀:“若要娃娃恶，鼻子挨眼窝”、“文人一根钉武人一张弓”等等。在民间的师徒传承中“身教“的情况可能比“言传”多的多。在很多民艺传播者自身文化和能力的限制他们或不能准确的表达出其技术精要的情况下，以实际操作来教育徒弟，徒弟观察师傅技艺的“身教”就成为民间美术主要的传播方式之一。
2、文字、图谱记载。
殷商之后，文字的出现为民间美术的传播奠定了深厚的媒介基础，民间美术也出现了借助文字传播的方式，大大扩展了其传播的范围。出现了一些记载民间手工艺的理论专着和民间创作者所作的艺谱，前者带有官方修饰的痕迹，如先秦时期的《考工记》、唐代《工艺之法》、明代《天工开物》等等。
而艺谱以物相传的民间美术，主要是通过谱子的形式传播的，如画谱、剪花样谱、影戏谱、年画版样等等，这些民间艺术形式都有程式化的范本有的是集体的创作总结，有的是名艺人亲手绘制的，有的则是借鉴其它艺术形式而从程式化的模式中套用而来的。②童虽其来源不一，但都是经过不知多少代人的日积月累而逐渐积淀、完善和再创作而形成的摹本，这种传播形式有利于普及和传播。有利于民间艺人的交流。
3、民艺品传播。
民艺品传播和图谱传播一样属于以“物”为媒介进行的传播。但是它并不是在创作者内部的传播，而是通过这些艺术品的购买者而将民间美术的技艺带到四面八方。这种参与商品交换，又不局限于行业内部的传播方式，使民间美术的传播方式更加广泛，其社会功能也随之增强了。
三、民间美术发展的方向
各民族的艺术都属于世界艺术榷体中的一部分。只有保持了本民族的独特艺术特色，才能在世界艺术史上占有重要的历史地位。民间美术作为具有原发性与地域性的美术形态，是我国本民族艺术的最佳代言人。民间美术在当代社会的发展成为我国艺术界与文化界所要面临的首要问题。
在工业社会与市场经济发展的今天，传统手工艺与工业社会的对立，已经成为一个不争的事实。我们既不能放弃民间艺术形式，也不能违背社会规律，试图以民间美术来代替大工业时代的产品。要使作品更具民族特色和时代精神，非常重要的一点是必须站在现代文化的角度对传统作更深入的研究，寻找工业文明与民间美术之间的互补点。工业文明带来了商品的大量生产与简单复制，而这种简单枯燥的文化形态已经不能满足人们日益丰富的精神文化需求，工业文明所带来的不应该只是一种带有实用主义色彩的产品形式，它同时应该代表一种带有审美色彩的人文精神。民间美术以其丰富的审美形态与人文精神，而成为工业文明的有效补充，工业文明以其时代感与社会性而引导着民间美术的发展。两者的互补使人类文化最终向着一个更加健全、完美的方向延续。
摘 要：陕北面花以其独特的造型,广泛的题材,精美的装饰,浓艳的色彩而著称,它贯穿于当地的民俗活动,反映了陕北人民图腾崇拜的原始信仰及人们在民俗活动中求吉辟邪的心理,揭示了陕北面花造型和题材与生殖崇拜之间的潜在关联及其深层的文化联系.
关 键 词：面花;图腾崇拜;生命繁衍;文化内涵
面花又称“面塑礼馍”,因各地地理位置与民俗的差异而称谓各异.面花是我国农耕时代的产物,是广泛流传于民间,贯穿于岁时节日、风俗礼仪和信仰禁忌中的一种风俗礼馍,主要流行在以面食为主的北方地区,遍布山东、河北、山西以及陕西诸地,尤其在黄河流域最为盛行.陕西境内面花的制作主要集中在陕西关中和陕北,陕北面花主要集中在洛川、延安、富县和神木府谷等地,[1]这里的面花在造型方面更加夸张,装饰精美、色彩浓艳,并含有丰富的精神内涵,有独特的审美价值,表达广大人民对美好生活的祈愿和对生命的礼赞.
1陕北面花艺术中蕴含的图腾崇拜的原始信仰
大自然是人类赖以生存的基础,变化无常的自然气候和自然环境又影响着人类的生存,人们把自然力加以形象化并借助想象创造出虚幻的世界,相信在这个世界上有某种人类战胜自然灾害求取人类生存的力量,“万物有灵”观念就是原始先民对自然现象和社会现象认识的成果,于是与人们生活密切相关的图腾崇拜的民间信仰由此产生并得以长久流传.面花艺术是由古代图腾崇拜演化的产物,在陕北,面花以它广泛的应用范围深深地扎根于民间,它是伴随着当地百姓自我精神理想的追求而展开,主要表现在人们对神生物和神灵的崇拜上.
陕北面花主要题材是人们赋予生命寓意和象征的动植物.例如,鱼、鼠、虎、兔、牡丹、葫芦、石榴等,这些题材广泛地运用在民间的面花、年画、刺绣、剪纸上,这些动植物为什么能够成为人们心中的神动植物或图腾对象呢?原来这些动植物题材有独特的双关寓意和象征意义,能够最大限度地满足人们心里崇拜和慰藉感.例如,人之初生,陕北风俗外婆和舅家要送满月花馍,最为讲究的虎馍和兔馍,虎馍呈圆形,顶部捏塑虎头,馍身装饰简洁精美,虎的形象威风乃万兽之王,被认为是力量和威猛的象征,以虎为保护神,祈求神力保护,愿男孩子虎气生生,健康平安的愿望就展现出来.兔馍造型灵巧生动可爱,用以表现女孩柔美与灵气,兔馍成为祝愿女孩子善良乖巧的必备礼馍.人们捏塑老鼠、兔子表示多子多福,用龙凤花馍象征荣华富贵,捏塑鱼莲表示阴阳相合,这些看似平常的生物,却被赋予新的寓意,成为人们心中的神生物而加以崇拜.
插花面花主要是在主体造型上辅以更多小装饰,用牙签或竹枝将其连接插接在主体上,陕北的插花“花供”是每年正月十五庙会搭建“灯棚”供奉信仰神灵必不可少供品.供奉的神灵之一就是送子娘娘,“灯棚”里怀抱婴儿的送子娘娘塑像前摆有数排色彩绚丽、制作精美的面花,久婚不育的媳妇或盼孙心切的婆婆就会到“灯棚”敬神请愿,待来年生下孩子,还要做几对插花“花供”前去谢神,面花成为人与神灵交流的礼品,这些习俗中的神灵信仰也延续至今.
2陕北面花艺术中求吉辟邪的心里诉求
面花作为民间美术的一种,不仅是人们逢年过节、敬神祭祖、婚嫁祝寿、走亲访友隆重的礼品,更多是通过面花传递着人们对幸福、理想、信仰和对美好愿望的追求,主要表现在人们赋予面花祈子延寿、驱邪避灾的主题内涵.
生存与长寿是人类的基本愿望,祈子延寿的心愿便通过民俗活动展现出来.陕北面花中“曲连”是一个印有花纹的大环形饼,这种面花礼馍外圆中空形如项圈,人之初生,亲朋好友前来祝贺时将绑有红绳的“曲连”挂在孩子身上,祈求把孩子锁起,无病无灾健康平安成长.老人年至花甲,祝寿时面塑寿桃也是不可替代的礼俗佳品.
人类早期由于周围的环境与他们的生存密切相关,希望能征服大自然,渴望生存的平安,于是人们便把驱邪避灾的美好祈愿在节令习俗中用面花表现出来.清明节陕北流传家家户户蒸“罐”,全家食用的“人口罐”则要求家中有几口人就要蒸几个.“罐”是一个很大圆形馒头,内放鸡蛋,上塑有书本文具、或麦屯粮仓,也有塑针线箩筐还有塑燕子孵卵的,食用对象不同“罐”上雕塑面花也不同,但都折射出人们祈愿祖先在天之灵保佑家族人丁兴旺的愿望.端午节正是夏至天气,气候炎热干燥、蛇虫繁殖、瘟疫流行,陕北风俗端午全家同吃“烙鱼”,这些面花,造型灵巧生动,人们把先蒸后烘干的“烙鱼”用五色线穿起,像项链一样挂在胸前,表现出驱邪避灾、人丁兴旺的主题内涵.
3陕北面花艺术中生命繁衍的阴阳生息观
人类要生存,要繁衍,生殖和生命成为民间美术创造的一个永恒的“母题”.陕北面花无论从题材上、还是从造型都坦诚的反映陕北民间劳动者对生殖生命的真挚向往与渴求.
面花题材上,陕北人民赋予自然界中许多动植物生命的寓意,并围绕“生命繁衍”这个主题,将面花内涵加以升华.例如,鱼戏莲、老鼠吃葡萄、鱼钻莲、蛇盘兔、葫芦生子、凤穿牡丹等面花,巧手农妇用面捏出的鱼、莲、老鼠、南瓜、葫芦、葡萄等形态,并非被其外形所吸引,而是其多子的功能属性,这一系列高扬生殖与生命意识的生物,流露出其对生命与自然的深深的眷恋.
陕北婚俗里经典之作“混沌礼馍”,长两尺有余,上塑有龙有凤,或鱼戏莲,“鱼钻莲”、“凤穿牡丹”.“鱼在中国传统文化中很早开始指代情偶了”,也因此在面花中被广泛加以比附和引用,一方面是因为鱼多子;另一方面是源于鱼的外形具有男阴的外部特征,莲又是生命力极强的植物,根茎可以蔓延再生,莲房又是蕴含生命的地方,把莲花比作女性就显而易见了,而婚俗中面花上“鱼戏莲”“鱼钻莲”则指阴阳相交,男女相合的生殖祈盼.
面花在造型上,阴阳相合的繁衍意识体现得更为明确,婚俗中的混沌礼馍底盘长两尺有余,底盘浑圆,两头慢慢变细形似鱼尾向中间卷成两个圆形,酷似如意,头部工艺精湛,多为连体双鱼,或双兔双虎,尾部却浑然一体.原来这种造型表示阴阳和合,化身万物,在混沌底盘上捏塑“鱼戏莲”、“龙与凤”这些造型进一步表现男女调情相合的隐喻.
“罐”是清明节陕北人民为祭奠亡灵,缅怀先祖蒸的花馍,有祭祀的“掰子罐”,和全家人用来食用的“人口罐”,“掰子罐”又称“百子罐”,是一圆形大馍和馍上小鸟组成,祭祀时将一部分掰子罐掰成块放入水中,泼洒坟前,其余带回家分食,“掰子罐”是人们将繁衍后代的希望寄托先祖,意为掰开就生贵子,或生百子,祈愿子孙兴旺.“人口罐”则是在圆形大馍里藏一个鸡蛋,花馍以每个人当时所用器物为主表达寓意,捏塑老鸡孵小鸡或燕子孵卵造型的人口罐,则是祈求子孙繁衍,罐馍内藏鸡蛋,用以象征母体的罐中孕育新的生命,可见生命繁衍的主题在民俗生活中随处可见.
民间美术产生于形形色色的民俗事象中,陕北人民用心血和智慧将自己虔诚的信念和希望淋漓尽致地表现在亲手创造的面花形象上,面花都被赋予了新的生命,它是民俗的产物,随着人们生活方式的改变,它的生存基础将被削弱,只有对面花这种文化现象进行深刻剖析,才能使它健康合理的传承和发展.
参考文献：
[1]郭庆丰.纸人记：黄河流域民间艺术考查手记[M].上海：上海三联出版社,2006.
[2]靳之林.中国民间美术[M].北京：五洲传播出版社,2004.
[3]潘鲁生,唐家路.民艺学概论[M].济南：山东教育出版社,2002.
[4]王宁宇,党荣华.陕西民间美术研究(第一卷)[M].西安：陕西人民美术出版社,1988.
服装设计论文的开题报告
服装设计属于工艺美术范畴，是实用性和艺术性相结合的一种艺术形式。下面是我为大家整理的关于服装设计论文的开题报告，欢迎大家的阅读。
一、选题依据
(一) 设计选题的背景及意义
1.背景
也许很少人会把服装当成艺术，因为人们对日常生活总是熟视无睹，岂知，服装不仅可以说是一种艺术，也可以说是一种历史的年轮，纪录着人们日常生活的身体诉求，包装着人们的身体曲线。它是人类最温暖的记忆，可它却处于最边缘的记忆中。
随着科学与文明的进步，人类的艺术设计手段也在不断发展。信息时代，人类的文化传播方式与以前相比有了很大变化，严格的行业之间的界限正在淡化。服装设计师的想象力迅速冲破意识形态的禁锢，以千姿百态的形式释放出来。新奇的、诡谲的、抽象的视觉形象，极端的色彩出现在令人诧异的对比中，于是不得不开始调整我们的眼睛以适应新的风景。服装设计既要有很强的审美观，和价值观，既然设计出来的衣服是要在生活中穿的，既要美观时尚，又要低调优雅，使服装永远不会落后，所以一个设计者在设计服装的过程中要忘掉自己是自己，而是在设计你所想表达的意向。当然，对于设计来说，最重要的不单是把握当下的流行趋势，而且要灵活运用我们本身固有的民族的或传统的特色，做出更具有意义的服装。
2.意义
通过对《那些年》这一主题的设计,来表达服装现阶段简单化的风格，看似简单大方，实则结构及分割都非常特别。运用挺括中不失柔软，朴实中又不失时尚的面料来表达本设计简单硬朗的效果。另外结合纹理的细节处理来增加服装古典的韵味，达到既有特色又不失时尚的目的，进而形成一系列简单而不失细节具有潜力的服装。
(二)研究内容所属领域、研究范围
本次设计围绕休闲装进行创意设计，对当下对休闲装的要求和所处的环境分析，结合现代休闲装的流行趋势及流行元素，完成创意设计。此次的消费人群主要为追求视觉、刺激、时尚、享受自然给于的多彩、美妙的生活，接受新事物的能力强的男女青年，研究领域强调设计理念和设计情感，突出设计，紧跟时尚，具有现代风格的创意设计作品。
本次的服装设计，来源于生活的灵感，却又比生活更具有艺术。采用分割、撞色，镂空的手法来表达创意理念，来满足青春时尚的消费者。
1.历史发展
服饰，从它诞生之日起就不像饮食那样出于维系生命的本能，也不是像居住那样出于防身之必需，而是一开始就是一种带有浪漫色彩的文化创造。
人类社会经过蒙昧、野蛮到文明时代，缓缓地行进了几十万年。我们的 祖先在与猿猴相揖别以后，批着兽皮与树叶，在风雨中徘徊了难以计数的岁月，终于艰难地跨进了文明时代的门槛，懂得了遮身暖体，创造出一个物质文明。然而，追求美是人的天性，衣冠于人，如金装在佛，其作用不仅在遮身暖体，更具有美化的功能。几乎是从服饰起源的那天起，人们就已将其生活习俗、审美情趣、色彩爱好，以及种种文化心态、宗教观念，都沉淀于服饰之中，构筑成了服饰文化精神文明内涵。
近年来,伴随着人们生活方式的休闲化,休闲装的兴起及发展较为迅速。都市里的人们在繁忙的日常工作中,心里、生理的压力都很大。压力越大,人们越是希望用更多的时间进行休闲消遣。利用各种方式来调节释放压力。休闲装的发展,就是在这个大背景下繁荣起来的。在日常生活中休闲装是针对正装而言的,即非正式服装。
休闲装，越来越成为现代都市生活的衣装。敏感的服装界，像雨后春笋般地涌现出许许多多的名牌休闲装。由于休闲装概念广泛、内涵的丰富，它已被演绎成诸多风格、种类的日常装。青春风格的休闲装，通常设计新颖、造型简洁，有粗犷的形象，塑造强烈的个性。典雅型休闲装，追求绅士般的悠闲生活情趣，服饰轻松、高雅，富有情趣。
2.服装的作用
服装既作为人类文明与进步的象征，同时也是一个国家、民族文化艺术的组成部分，因此对一个民族对服装来说，是随着民族文化的延续发展而不断发展的，它不仅具体地反映了人们的生活形式和生活水平，而且形象地体现了人们的思想意识和审美观念的变化和升华。
(1)服装，过去、现在，将来仍将是心灵与外界对话的形式。 服装通过不同的设计语言塑造、润色和装饰着人类的生活。为了取暖和遮羞，人类的祖先开始用衣服来遮盖身体，但也就在那时，装饰作用也同时成了服装功能的一个重要组成部分。在特定的时代、特定的群体里，生活方式的变化及外界的压力都影响着人们对装饰方式的选择。今天，虽然人们穿戴衣物的基本原因还是为了取暖、消暑和遮羞，但更重要的原因已经是为了更好地装扮自己。因为人类是社会群体，服装也具有一种社会化特征。
(2)随着社会改革的不断深入，人们不仅仅是思想开放了，更注重个性化，时代概念在整体服装上早已不再是一个虚有的名词。本系列服装给人一种个性、干练、时尚、简约、舒适的感觉。在反应国际流行趋势的同时，又蕴含了本民族的传统特色，像是那些年我们或稚嫩、或叛逆、或青涩、或成熟的青春时代，需要人们慢慢的去品味。
3.服装的功能
综合来说，服装有保健和装饰、工业用途三方面作用：
(1)保健：服装能保护人体，维持人体的热平衡，以适应气候变化的影响。服装在穿着中要使人有舒适感，影响舒适的因素主要是用料中纤维性质、纱线规格、坯布组织结构、厚度以及缝制技术等。
(2)装饰：表现在服装的美观性，满足人们精神上美的享受。影响美观性的主要因素是纺织品的质地、色彩、花纹图案、坯布组织、形态保持性、悬垂性、弹性、防皱性、服装款式等。
(3)工业用途：防静电服装是防止衣服的静电积聚，用防静电织物为面料而缝制的，适用于对静电敏感场所或火灾或爆炸危险场所穿用。使用的防静电织物的制作工艺主要是在纺织时，大致等间隔或均匀地混入全部或部分使用金属或有机物的导电材料制成的防静电纤维或防静电合成纤维，或者两者混合交织而成。
二、研究的主要内容、重点及难点
(一)研究的主要内容
随着科技与经济的发展，人们的生活水平越来越高，服装脱离了原本复杂的形式，变得越来越简约。无论是廓形上，还是设计上，都十分的大气，使男性变得更加阳刚，女性更加柔美。配上纹样的设计，来表现中国古老文化的精髓。时尚与文化艺术相结合，别有一番滋味。
1.此设计是按照社会或自然事物的剪影来创意，廓形比较夸张，结构分割的也十分的巧妙，表达出一种简约而不简单的概念。
2.运用面料再造，做出镂空的花样，露出的面料颜色与外部面料颜色相撞，给人一种视觉上的冲击。
3.注重饰品的搭配与服装的整体风格相符合，细节设计与整体廓形相匹配，做到和谐统一，达到最好的效果。
(二)重点与难点
要做出简约的服装，一定就不能就简单而做，否侧会显得十分笨重。在整个过程中，服装的廓形是十分重要的，因此，面料的选择也就非常的重要，一旦选错面料，就会影响整个服装挺括的效果。在结构分割上要做的巧，做出的服装不仅要有创意时尚的感觉，而且要体现出中国文化的内涵，要更加符合东方人的审美情调。
通过对面料的二次再造手法，来表现镂空，在技术上就有一定的难度，并且还要在颜色上做出对比，撞色等，处理不好，便会变得非常的庸俗，所以需要搜集大量的资料，学会各种搭配，来表现这种设计的想法，使服装更加的协调与完美。
三、研究方法及研究路线
(一)拟采用的研究方法
1.文献查阅法:通过查阅相关资料，进行资料分析。
2.市场调研法: 通过实地市场调研，寻找灵感来源，进而确定本次设计方向。
3.归纳总结法: 根据之前的资料和市场调查，总结归纳，得出设计方案。
4.对比法: 运用对比手法来强调突出本次设计的创新与新颖之处，突出设计亮点。
5.借鉴法:从采集来的资料中，借鉴与我本设计相关的设计点，进行创意设计。
(二)研究路线
1. 根据市场调研信息与最新流行趋势，提取相关流行元素与设计相结合，确定设计主题。
2. 依据设计主题，绘制设计草图，对服装进行初步创意设计。
3. 在初步设计的基础上进行完善，绘制平面款式图、1：100样板及设计效果图。
4. 结合当今流行趋势、设计风格选择所需的色彩与面料，运用多种工艺手法进行面料再造设计，使其与服装造型紧密融合，打造出最具特色的创意服装。
5. 最后完成成衣制作，对服装整体进行协调，使服饰的搭配更加新颖、完整，成衣效果更加理想。
四、可能存在的问题及解决措施
(一)条件
在书籍、电脑上查找与我设计相关资料，学校提供人台、平缝机、裁剪案台、熨斗等一些机械设备和一个宽敞的做作场地，在商场可实地购买一些与我设计所需的一些配饰品等。
(二)可能存在的问题
在此次制作中服装的廓形有些难于表达，而再加上镂空的设计，在有些特殊的部位的立体效果和结构设计往往很难表现效果图之上的感觉，就会使得整个服装显得熟气而呆板。再加上要运用撞色的手法来体现青春的潇洒与不羁，又增加了整个设计的难度，处理不当色彩的问题，就会让服装的整体变得不和谐，甚至失败。
(三)解决措施
在制作的时候，要注重时尚与文化的结合，细节方面一定要着重处理。颜色的搭配既然是撞色，要掌握颜色面积的合理度，不能随意的分配颜色块面。在制作过程中往往很难把握立体与平面之间的相互关系及面料之间的配合程度，有的需要对面料进行二次处理来表现所需要的效果。最后，要选择合适的配饰来搭配服装，使整体的效果更加趋向于舒适美观。
五、预期要取得的成果及成果的学术或应用价值
(一)预期成果
1. 此次以《那些年》为主题的创意装制作3～5套，根据已确定方案采购面料、辅料，并结合设计主题进行创意装设计;
2. 完成设计说明、设计效果图、平面款式图、结构图、工艺流程图、以及设计报告书;
3.依据设计效果图制作成衣造型新颖、结构合理，工艺精细，服饰品搭配完整，展现强烈的视觉效果、整体感强。
(二)应用价值
服装最初是人类用来取暖和遮盖作用的，在人类不断地进化与演变过程中随着经济与时代的发展，服装的应用价值也在不断的提升。在现代服装不再是一种只能穿着的衣服而已，而是作为一种时尚的艺术品，它的欣赏价值和文化底蕴，同样也是存在于的价值标准。
六、进度计划
(一)第一阶段
通过对休闲装的市场调研，撰写调研报告，确定选题，撰写开题报进行开题答辩。
(二) 第二阶段
1.根据自己的设计定位和市场调研，撰写设计过程与方案。
2.整理流行趋势，撰写设计构思与设计方案，并绘制草图、色彩稿、平面款式图、结构图、工艺流程图等。
3.制作服装设计静态展板并结合服装的款式和风格选择材料并进行整体制作和搭配。
(三) 第三阶段
服装的.制作，根据自己所确定的方案采购面料、辅料并进行打板实裁(1:1)并完成服装的整体制作。
(四)第四阶段
试穿、彩排、服装动态展示，设计作品打印装订成册，撰写设计报告，多媒体演示制作。
(五)第五阶段
准备毕业答辩及进行毕业答辩
七、参考资料
[1]《服装美学》 华梅 中国纺织出版社 2003年8月
[2]《服装手工工艺》 潘凝 高等教育出版社 2003年7月
[3]《服装缝制工艺》 张明德 高等教育出版社 2005年6月
[4]《服装平面款式图设计》何仁娟 高等教育出版社 2009年8月
[5]《图案设计》 文峰 中国青年出版社 2011年7月
[6]《服装打样与工艺制作》 石玲 高等教育出版社 2006年1月
[7]《服装制板与放码》 潘凝 高等教育出版社 2005年1月
[8]《服装制板与裁剪丛书》 徐丽 化学工业出版社 2013年1月
[9]《服装设计的创新与表现》袁利、赵明 东中国纺织出版社 2013年1月
[10]《西方美术史话》 迟轲 中国青年出版社 1984年9月
摘 要： 本文通过简述室内与室外物体的图案，从而迁引到服装图案的特点，阐述不同的纹样在服装中的效果，具有很强的装饰性和欣赏性。
关键词： 服装;图案;特点;民族
什么是图案?简单地说图案就是纹样细分解即形式美规律构成的某种拟形或变形、对称或均衡、单独或组合的具有一定程式和秩序感的图形纹样或表面装饰。
生活中我们随处可见图案，无论你是在室内还是在室外，如：室内的家纺织物(墙壁上的窗帘、沙发、地毯等)上面都有不同的图案，装饰在单调的纯色中给织物增添了几分活力。茶几上的茶具(陶瓷的水壶、杯子等)印有或雕刻了各异的图案，给品茶者带来轻松喜悦的心情。看看地上的瓷砖它们有四方纹样的、几何纹样等图案;不胜枚举。走出室内，在室外你可以看到外面高耸的建筑物，有的表面也有几何形分割面做纹样来装饰，园林里的植物被修剪成各种几何、动物造型来营造一种“热闹”的场景。我们把视线收回，看看来来往往中人们身上所穿的衣服，有的衣服上面有图案，其图案风格千秋，按构成形式分为点状服饰纹样、面状服饰纹样及综合式的服饰纹样，按工艺制作可分为印染服饰纹样、编织服饰纹样、拼贴服饰纹样、刺绣服饰纹样、手绘服饰纹样等。先看看点状的纹样它有圆形、三角形、方形等，它是视觉形态的最小单位，它在服装设计中能够起到凝聚视线和点缀的作用，我们可以看见服装中的扣子有的是一排或双排从上而下形成串条从衣服的前门襟或衣服后背部开衩处、或较少得使用侧面开衩处，起到缝合和点缀的效果，扣子还可以在大面积的织物上去装饰，使简单的织物丰富化。再看看线状的纹样它具有长度、方向、形状的特征，线的紧密排列能产生面的感觉，服装造型中线有长、短、粗、细、厚、薄之感，不同的形状给人不同的视觉感，如：直线形给人平稳向上延伸之感，在男装中设计较广泛，曲线形给人运动、柔软、柔美的特点，在女装童装中设计较常用。然后看看面的图案具有长度、位置、形状的特性，面与上述线有相似之处，曲线形的面适合在女装和童装中表现，具有柔软、典雅的视觉效果;直线形的面适合于男装，具有平静、力量的视觉效果。
服装设计的图案还有几何图案，几何图案不是简单的组合，它带有一种特殊的韵律，常见的三角形、圆点、正方形、条纹、条格等，再加以不规则图形的配合能形成新的图案元素。来说说三角形元素，用不同大小、不同角度以及不同颜色的三角形组合在一起按一个圈360度绕，它将形成一朵朵像花朵一样的图案，如果每一块三角形的面我们填上不同的颜色，就如一色彩斑斓的花朵，这样的图案我们可以设计在纯色的衣服上的某些部位，设计在白色的衣服满构图，犹如春天的野花开，使穿着的人看上去更加有神气。这样的图案设计在暗沉的衣服上，会让不起眼的衣服霎时明亮起来。设计在裙子的下摆处绕一圈，每一个图案再有彩色的线向上延伸做装饰，犹如孔雀羽毛一般靓丽，为了和裙摆处协调，可以再上衣的衣服门襟和袖口处也运用同样的图案做点缀，当然如果在一套服装中运用不同的图案风格种类太多会给人凌乱感，实用性服装最好一至两种图案去装饰一套服装看上去较稳重。
“圆”元素设计在服装中我们需要怎样去把握呢?圆有明圆(空心圆)有暗圆(实心圆)，空心的圆相对来说比较单调，所以为了使它看上去不“单薄”在设计的时候可以设计如年轮一样的圈，大圆内有小圈小圆内有更小的圈，一个圈一个就这样如同线状一样的圆点缀在衣服的局部起装饰效果，这样重叠的圈我们在民族的服饰里较常见(蜡染壁画、蜡染服)，空心的圆还可以设计中间一个稍大的圆周围有小一点的空心圆环绕着，再设计为中间的圆是实心的而围绕在它一圈的其他的圆是空心的圆，再可以设计为中间的圆是实心的围绕在它外延的圆也是实心的但不绕一周只绕半周中间的稍大于外延的圆，这样的图案看似一朵小猫小狗的脚印一般，显得很可爱，这样可爱的图案设计在儿童服装中比较符合小孩子可爱的天性，设计的圆还可以是不同的空心与实心的结合，角度不同出来的效果各不相同。
“正方形”元素，其实不管是三角形、圆形、还是正方形，他们有共同的原理都可以用空心和实心的形式来设计，正方形的设计跟以上所阐述的“圆”元素及“三角形”元素大体设计均可，只是给人的视觉感不同，方形我们知道它其实除了正方形还有长方形，这些形经过设计组合后得出图案，方形的图案给人感觉比较大方，稳重，端庄，这类的图形适合设计在款式比较简洁、大方、庄重等风格的男女服装中。
“条纹”元素在服装中的运用，条纹按大类分为三种：有横向的条纹、竖直的条纹以及斜纹的条纹;条纹有明条暗条，宽窄之分，宽条纹适合身材较为健壮的人，细条纹适合稍微瘦一点或者是正常体型的人。服装设计中较常见的是：
1)横向条纹，这种条纹可粗可细，粗的横向条纹适合较瘦的人穿着，它可以给人视觉膨胀之感，较瘦的人穿着起来不显过瘦，但太粗宽的条纹不适合太瘦的人，太瘦的人选择设计横条纹细窄的较适合。身材胖的人最好别选择无论是横条粗纹还是横条细纹的服装，横条纹会显得身材比较饱满，不适合胖的人穿着。
2)竖直的条纹，会给人拉长的感觉，这样的条纹把人身材竖向的去感观，所以适合身材矮胖的人穿着，瘦高的人不适合竖直条纹会显得更瘦更高。
3)斜条纹，左右斜均可具有动态感，在服装设计中不多用，设计在舞蹈服或运动服中更适合。
“条格”元素在服装设计中的怎样去表达的?“条格”元素的服装无论男女装中尤其是在春夏的长袖衬衣和短袖衬衣中设计较多，条格的风格它看上去较有中性的“味道”，所以适合设计在男女的青少年服装中;既素雅也不失端庄稳重。
我们在服装设计中有设计者会运用自然界物质组成的图案来找到设计灵感，如花卉图案、动物图案、风景图案等，都可以使简单的服装丰富化。花卉图案的元素很多，我们生活中所看到的牡丹、玫瑰、荷花、桃花等及一些变形的花形都有运用在女性服装中，凸显女性服装的柔美。动物图案的元素也就是猫、狗、兔、猴、熊等动物形象的图案，通常设计在儿童服装、饰品中较多因为动物形象较可爱，可爱的儿童们穿着起来较协调;小男孩和小女孩的背包、书包、鞋子等中有较多的动物图案更加突显小孩子们活泼的性格。风景图案的元素设计在服装中不多，它一般是设计在以某地方的景色为主题的概念性服装中，例如：有学员参加服装设计比赛，设计的题目为：以黄果树景色为主题设计一系列女装，那么设计的这系列服装每一套都要从中看到有黄果树风景区的“影子”。在我国的少数民族地方，不难看到有许多民间民族的图案，如中国民族民间服饰艺术中有的吉祥图案、龙凤图案、脸谱、挑花、刺绣及工艺扎染和蜡染图案等多工艺素材均被国内外设计师运用在现代服装设计中，穿出民族的特点与个性。
归根结底，无论是哪一种服装图案，它都有不同的特点，这也需要我们不断地去尝试去发掘它们，从而使设计的服装生动起来，而不是单纯地只是为了制作服装合身能穿上就行，我们需要有独特的设计理念，养成收集各种图案的习惯，在不同的服装款式、不同风格的服装中运用不同的图案，从而使服装与图案合二为一。
就是把布放在装有染料的大桶里面，然后经过几道工序，梁出来的布料非常的精美好看。
因为蜡染艺术作品和蜡染旅游工艺品在整个染织美术界久负盛名、独放异彩，也是自己民族的特色
银饰特征 以大为美 苗族银饰以大为美的艺术特征是不言而喻的，苗族大银角几乎为佩戴者身高的一 苗族银饰 半便是令人信服的例证。 堆大为山，呈现出巍峨之美;水大为海，呈现出浩渺之美。苗族银饰以大为美的独特见识，用美学的观点来看是很有道理的。 以重为美 再看以重为美，贵州施洞苗族妇女自幼穿耳后，即用渐次加粗的圆棍扩大穿孔，以确保能戴上当地流行的圆轮形耳环，利用耳环的重量拉长耳垂。 有些妇女因耳环过重，耳垂被拉豁。 当地耳环单只最重达200克。 黎平苗族妇女的篓花银排圈讲究愈重愈好，重者逾八斤。 以多为美 苗族银饰上呈现出的"多"的艺术特征，也是十分惊人的。 很多苗族地区佩戴银饰讲究以多为美。 耳环挂三四只，叠至垂肩；项圈戴三四件，没颈掩额;腑饰、腰饰倾其所有，悉数佩戴。 特别是清水江流域的银衣，组合部件即有数百之多，重叠繁复，呈现出一种繁缚之美。 这种炫耀意识的物化在其他民族也不难见到。 傣族男子的纹身习俗讲究纹身部位愈宽、图案愈复杂愈美；求偶期的哈尼族少女浑身上下戴着密密的珠饰、贝饰;青海牧区藏族妇女的“加龙”背饰充分体现了追求大和多的审美原则；德昂族的腰箍多达三四十圈，可谓追求饰品数量的典型。 足见追求繁缚的以多为美，不止苗族一家。 值得一提的是，从贵州省博物馆所藏不同时期的银饰比较情况看，苗族银饰追求大、重、多的脚步始终没有停止。 特别是在20世纪80年代以后，苗族银饰的发展速度更为空前。 这从一个侧面反映出苗族群众生活水平的不断提高。 编辑本段银饰历史 在明代以后的数百年里，苗族银饰经历了一个为服从民族审美定势需要，而演绎、 苗族银饰 组合、变异的民族化过程。 其一，所有的银饰原有品种在苗族审美标准的取舍下，有的根本末被接纳，有的引入后即被淘汰，有的屡经改造l]而面目全非，当然，也有的基本上保留了原有特征。 其实，任何民族文化的发展，实际上就是一个不断加深认识和理解的过程。 其二，苗族银饰的民族化过程同时又是一个创新的过程。 毋庸置疑，人类的需要是艺术创作的第一源泉，群体的审美观念是艺术创造的规范。 苗族银饰的创新正是遵循这一逻辑而发生、发展的。 由于对银饰的需求，苗族对服装的审美意识逐渐同实用意识分离开来，由物质需要的依存关系衍化成审美的主客体关系。 由于群体审美观念的规范，在艺术创新的过程中，苗族银饰逐渐形成了自己鲜明的民族个性。 影响和规定苗族银饰造型的审美观点很多，那么，其中最根本的是什么呢?苗族从古至今都有“以钱为饰”的习俗， 史料也显示，“钱”饰与银饰是同时步入苗族服饰领域的。 这种通过“以饯为饰”所流露出来的夸富心态，对于苗族银饰的审美价值取向起着至关重要的作用，形成了苗族银饰最基本的三大艺术特征，即以大为美，以重为美，以多为美。 编辑本段银饰工艺 加工 苗族银饰的加工，全是以家庭作坊内的手工操作完成。 根据需要，银匠先把熔炼过的白银制成薄片、银条或银丝，利用压、寥、刻、搂等工艺，制出精美纹样，然后再焊接或编织成型。 苗族银饰 苗族银饰工艺流程很复杂，一件银饰多的要经过一二十道工序才能完成。 而且，银饰造型本身对银匠的手工技术要求极严，非个中高手很难完成。 除了在锤砧劳作上是行家里手，在造型设计上苗族银匠也堪称高手。 究其原因，一方面是苗族银匠善于从妇女的刺绣及蜡染纹样中汲取创作灵感。 另一方面，作为支系成员，也为了在同行中获得竞争优势，苗族银匠根据本系的传统习惯、审美情趣，对细节或局部的刻画注重推陈出新。 工艺上的精益求精，使苗族银饰日臻完美。 当然，这一切都必须以不触动银饰的整体造型为前提。 苗族银饰在造型上有其稳定性，一经祖先确定形制，即不可改动，往往形成一个支系的重要标志。 苗族女性饰银，爱其洁白，珍其无瑕。 因此，苗族银匠除了加工银饰，还要负责给银饰除污去垢，俗称"洗银"。 他们给银饰涂上硼砂水，用木炭火烧去附着在银饰上的氧化层，然后放迸紫铜锅里的明矾水中烧煮，经清水洗净，再用铜刷清理，银饰即光亮如新。 原料 历史上的银饰加工原料主要为银元、银锭。 也就是说，苗族日出而作，日落而息，周而复始，经年累月，积攒下的银质货币，几乎全都投入了熔炉。 正因为如此，各地银饰的银质纯度以当地流行的银币为准。 譬如民国时期黔东南境内是以雷山为界，其北边银料来自大洋，纯度较高，南边来自贰毫，银饰成色较差。 20世纪50年代后，党和 *** 充分尊重苗族群众的风俗习惯，每年低价拨给苗族专用银。 银饰文化 巫文化主宰了苗族银饰的精神内涵 在各种银饰图案中，寓含着巫术、信仰的图像占据装饰物的主要位置。 比如丹江苗族背部银衣有一个“宗庙”的图像造型，这是苗族原始宗教信仰的核心图样，其巫术的意义厚重，它具有统管全身银衣片的地位。 所以，每一件银衣都少不了这个“宗庙”图样，且大体稳定，不能随意创造、变形。 还有银花头围上的骑马武士和小孩银帽上的神像，也都如此。 苗族的图腾崇拜，是银饰的重要造型。 苗族图腾即与苗族有血缘关系的几种图像。 在苗族古歌中，传唱是枫木生出了蝴蝶妈妈(即妹榜妹略)，蝴蝶妈妈生下了十二个蛋，由鹊宇鸟孵化出苗族的祖先姜央和十二兄弟。 这样，与苗族始祖有关的有四种图腾。 水牛是苗族始祖姜央的兄弟。 西江、施洞、排吊等地苗族的银角是牛角的图样造型。 水牛是稻作农耕的主力，水牯牛又是祭祀祖先的牺牲。 传说苗族的先祖蚩 尤就是头有角的。 据《述异记》记载：“秦汉间说，蚩尤耳鬓如剑戟，头有角，与轩辕斗，以角觚人，人不能向o”苗族认为，水牛是具有神性的动物。 雷山苗族常常会把牛称为“牛妈牛爹”，逢年过节也不会忘了款待牛，要给牛吃酒肉和糯米饭。 他们从银匠那里取回新打制的银角时，除了付给工钱外，还要送糯米饭等，以示感谢银匠给自家制成了吉祥物。 在把银角拿回家里时要说：“把门敞开，拉牛来了!”并备酒肉庆贺。 苗族认为，除天地外，枫树是祖先之祖。 枫树也当然地在银饰上有所表现。 银饰上的吊花，多为三角形的枫叶纹，它也作为连结其他图样的中介造型。 苗族古歌当中提到了十余种鸟类，而帮助蝴蝶妈妈孵化十二个蛋的鹊宇鸟，有说是燕子的一种。 它是由被砍伐的古枫树梢变来的，所以也是被苗族作为图腾来崇拜的。 因而，银燕雀是苗族银饰中一种极为重要的图样造型。 雷山丹江的主体由银雀组成的银簪中，有四只银雀，中间的一只被做得很逼真，神态活灵活现，连一片一片的羽毛纹理也清晰可见，小雀则抽象简略。 都匀王司的银雀发簪主体就是一只神态逼真的写实的鸟，它展翅欲飞，身上的羽毛也一片片地微张，嘴里还衔着一个银笼。 蝴蝶的纹样造型在银围帕、发簪、银梳、耳环、衣帽饰、项圈、压领、银衣片、背带、腰链、吊饰、手镯、—戒指、烟盒、围腰银牌等几乎所有的银饰上都能看到，因为蝴蝶妈妈是传说中苗族的母亲。 上述几种图腾的纹样造型都是苗族银饰不可或缺的。 而期于的各种动物、花草图案造型则可以灵活搭配，给银匠留下了广阔的想象和创造空间。 不同于中国传统文化中的龙 在《山海经-大荒北经》中这样写道：“蚩尤作兵伐黄帝，黄帝乃令应龙攻之冀州之野。”相传蚩尤是苗族的祖先，而龙却是蚩尤的对手。 所以，苗族在古歌《十二个蛋》当中，“水龙”只是其中的一个蛋，并没有至高无上的地位。 苗族的历史文化中，有的地区有招龙、接龙的习俗，把龙视为至尊。 但也有好些地区并没有特殊的龙崇拜。 施洞龙船节的传说很能代表苗族与龙的关系：很久很久以前，小河口住着一位老人，名叫保公。 一天，他带着孙子九保下河打鱼，老人先上岸。 老人离开了一会儿之后，突然乌云翻卷，不见了孙子。 这时，老人不顾风狂浪急，潜下水去找孙子。 老人在水下见到一个老洞，他悄悄进去一看，龙正枕着孙子的尸体在睡觉。 老人愤怒至极，但他没有惊动龙，而是游回岸上，用火镰、火草扎猪尿泡里，又潜回龙洞，放火把龙洞烧了。 但是烧龙洞的烟雾却弥漫着整个清水江的上空。 一连七天七夜不见阳光，四下里漆黑一片。 鸟不出窝，鸡不打鸣，牛不犁田，人也没法做活路。 小孩位只有在屋檐的水口下用棒槌、包谷杆划着玩。 嘴里无意中喊道：“咚咚多！咚咚多！”如打鼓声。 这时，天竟然慢慢发亮，大家都兴奋极了。 不久，江面上飘起了一条四丈长、水桶一般粗、花花绿绿的龙尸。 在施秉县的胜秉寨，龙尸被捞了起来。 各地的寨老被招呼去吃龙肉，后来各寨子的人都去抢着吃龙肉。 不多久，就把整条龙都抢完了。 胜秉寨分得龙头，平寨分得龙颈，塘龙寨分得龙身，榕山寨分得龙腰，施洞的人去得晚了点，分得龙尾，杨家寨去得最晚，只分了点龙肠子。 当人们把龙肉分走后，夜里，龙的魂灵便给大家托梦说：“我害了老人的孙子，自己也赔了命，你们如果用杉树做成我的身子模样，在清水江里划上几天，让我又活起来，我就会保佑你们风调雨顺，五谷丰登。”于是，施洞一带便兴起了划龙船的习俗。 基于这样的文化背景，在施洞等地苗族服饰刺绣中，龙就是随处可见的、有善有恶的、善恶互换的、可以与各种动物“嫁接”的一个符号。 但银饰比刺绣更多地受到汉文化的影响，苗族银饰中龙的图样，最多地是见于头饰。 特别是女性戴的银角，大多为双龙戏珠等吉祥图样。 项圈上，龙纹图案比较普遍，而且与别的花样、动物搭配特别丰富，在这里，龙只是动物大家庭中的普通一员，它可以和各种动植物平等共处于一个项圈之上。 如贵州黄平、凯里一带流行的：“龙凤抢宝单层响铃银项圈”，它单面浮雕双龙、双凤抢宝纹饰，中间是浮雕的龙纹圆盒，下部圈沿坠了猫、鹿、鱼和龙纹响铃吊饰。 又如贵州施秉一带流行的一种响铃银项链，它的链身吊坠凤凰、蝙蝠、老虎、蟾蜍、鸡、马、鱼、人及一串响铃，项链正中坠一个圆盒，一面饰浮雕牛头纹，一面饰葵花纹，盒下坠刀、剑、挖耳勺等吊饰，就是在实用的短剑上，也錾有很简单的龙纹。 这龙纹，是在最下层最不起眼的地方。 它也从侧面反映出了龙在苗族心目中的寻常地位。 苗族的龙有各种各样的，诸如牛龙、蛇龙、鱼龙、鸟龙、猪龙、羊龙、马龙、蚕龙、蜈蚣龙、蚯蚓龙、螺蛳龙、虾身龙、鸡头龙、双头龙、饕餮龙、狃龙、麒麟龙、穿山甲龙等等。 不过，施洞地区龙的这种“寻常性”也是有条件的，比如小孩佩戴的银帽饰，就有菩萨、仙童以及狮、虎、麒麟珍稀猛兽，没有龙的图样，这似乎又体现了龙的不寻常性。 因为孩子年幼，还承受不起这尊贵的龙。 苗族银饰中独特的迁徙文化 苗族的银饰虽然出现较晚，但由于苗族口传文化一代又一代的传承，漫长的迁徙和征战的历程在已经定居多年的苗族生活中依然刻下不可磨灭的烙印，他们依然铭记着祖先迁徙和征战的千难万险，回忆着迁徙途中的风物，崇拜着祖先的勇敢顽强。 所以，他们银饰上对苗族长期的征战、迁徙历程、迁徙文化多有反映。 比如在台江和雷山丹江和的银花头围上，都有武士执刀棍骑马奔驰的造型。 施洞妇女佩戴的一种制作精细的银马围帕，中间是珠宝嵌镜面，左右两边各7名剽悍的男子头挽高髻手执兵器立于马背之上，相向而驰，造型生动。 这都是先祖们驰骋疆场不断西迁的征战场面，表现了施洞人对先祖的缅怀纪念。 施洞苗族妇女的衣背饰物 - 银衣片上，也有男子骑马的纹样。 卢山还有一种兵器银吊饰，将各种刀、剑、挖耳勺等挂在妇女的腰间，这都是当年征战迁徙的印痕。 另外，狮子这种猛兽和牡丹花卉在贵州苗族地区从未有过，但台江、施洞一代的妇女胸饰挂牌、镂刻有狮子和牡丹花的银衣片，刻有牡丹狮纹的银手镯、小孩银帽，花溪一带未婚女子佩戴的银锁胸饰，黎平的双龙双狮银饰吊牌……都离不了狮子，银饰中也常有牡丹花纹，这可以看作是苗族先民在中原地区生活，并吸纳了汉文化因子的写照。 鱼是苗族东方江边、海边生活中一种不可或缺的食品。 鱼除了多子的生殖崇拜含义之外，《苗放古歌》中唱道：“榜生下来要吃鱼……鱼儿多着呢！穿枋般大的鲤鱼。 在这儿得鱼给她吃，榜略好欢喜。”苗族迁徙到西部山区以后，不仅在水田里养鱼延续了在东方吃鱼的习惯，而且在银饰上有充分的反映，鱼是苗族从头到脚各种银饰少不了的纹样和造型。 苗族银饰中还有一种独特的饰物是响铃，不论是项圈还是挂牌、吊牌、围腰吊饰，都常常佩有响铃，这也是一种迁徙的遗风。 在响 *** 中，人们走过了一道道山水，前呼手应，永不失散。 透视出封建社会中缺乏的平等观念 苗族银饰产生于明代以后的等级森严的封建社会。 明、清时代人们的衣着首饰都是有一定等级规则的。 这从明朝末年的重要画家陈洪绶的《夔龙补衮图》中可以看出。 画面共三个仕女，前面一个年事稍大的是穿着华丽的贵妇，另外两上年龄幼小，为宫女身份。 贵妇的发髻之上还插有簪钗头饰，宫女的据打扮则一眼可见出差别。 至了清朝，宫廷中上至皇太后，下至贵妇的正式官样服装的具体规定和配套的各种珠宝饰物，在《大清会典》图卷和《大清通礼》卷中都有记载，任何人不得逾越。 但同样生活在明、清时代的苗族，在银饰的佩戴上却与服饰一样，无等级区分的。 不论你是寨老，理老，土司、鼓藏头及其家属还是普通百姓，只要在一个社区生活，人人都可穿着佩戴一样的银饰。 比如前文提到的黄平苗族姑娘出嫁时的盛装头饰，极其雍容华贵，但它却并非贵妇人的专有，那一带的苗家姑娘出嫁时都可佩戴。 西江苗族姑娘出嫁时必须佩戴银角，如果家里没有，可以去向亲朋借用，人们都乐于相借。 这也体现了古代苗族社会传承下来的原始平等的民族精神。 苗族银饰具有一种展示性 汉族的首饰只是一种点缀，而且随着社会的发展愈更简化。 大多数妇女在现代日常生活中已经不再佩戴首饰，更少佩戴银饰。 而苗族在过节或婚嫁等人生的重要时刻，都要把银饰佩戴起来盛装相配，而且是以多为美。 苗族民谚说：“无银无花，不成姑娘。”有些人家在女儿年幼的时候就开始为她逐年打造银饰，一年积一点，存放在专门的木箱里珍藏。 等女儿长到十多岁了，在盛大节日和出嫁的喜日，姑娘就会装扮起来，向同胞们展示。 西江苗族要在全套银饰备齐之后，才能制作银角，而在节日期间有无银角展示，则能折射出姑娘的社会地位，没有佩戴银角的姑娘，跳芦笙舞时只能排在佩戴银角者的后面。 雷山丹江的苗族银花头围，要使佩戴者的整个额头都有银花环绕。 施洞姑娘的一种藤形银饰圈常常戴得把嘴都遮掩了，耳环也挂三四只的，最重的一只就有4两。 一件镂空的银衣由44枚银片缝缀在衣裳的前身后背。 黄平的一副银凤冠重达2公斤多。 从江西山的一副13件银排圈将近2公斤重。 好些地方苗族女子全身的盛装银饰加起来有二三百两重。 这是一种美的展示、力量的展示、财富的展示。 这种展示导致了银饰艺术的交流，使得苗族的艺术审美能力不断提高，从而促进银饰艺术的不断繁荣。 苗族银饰特别注重与服饰的搭配 节日里和人生重大喜庆日子里着盛装服饰，并搭配全套盛装银饰，有一种珠联璧合的效果，更显得雍容华贵，烘托了欢快热烈的节日喜庆气氛。 日常生活中着便装服饰搭配便装银饰，这样方便、简洁、大方，便于日常劳作。 西江和丹江的苗族便装，头饰只用一支焊有四粒小银珠的银簪，既作装饰也作固定发髻用。 只要梳苗族发髻的以上两地女子，都必用这种银髻。 还有围腰牌和围腰链，都不仅有装饰作用，还用于固定围腰。 耳柱过去也配便装，但现在日常佩戴耳柱的年轻女子比较少。 在农业生产相对发达的施洞地区还有次盛装，于一些礼仪场合穿着，并搭配相应的银饰，这样既庄重得体，又方便行动。 另外，在银饰自身的图案搭配上，一般讲究对称。 例如背部银衣的银片，各种动物图样都是一边一只，小孩银帽上的神像，也是左右对称的。 但在发簪上，也常常有不对称的造型出现，这种不对称使银饰显得更加灵动、更加呈现出生命的自然状态。
就是利用大自然的各种东西制作成染料，用染料制作物品。