1、折线形对比展示/\/\/\/\ 这样的展示方式可以从不同角度看到作品，作品可以分CG和Q版分组展出或对比展出2、根据你的设计大小展出 如果展示场所条件允许，等身大的多列悬挂/////会比较有感觉。3、突出主题型展示 一个设计或一对设计是本次展示的主旨，其他设计作品可以围绕展出，有种一路看下来视觉效果 推进的感觉。4、自己也是展览中心之一 有吸引眼球的设计是虚拟人物配合设计师本人站在一起构成的，想法很新颖，但需要根据你的设计主题来更换服装，身体调整装束，来达到与作品融为一体或形成鲜明对比的感觉。
额 人物皮肤设计 那 带做学生作业 价格面议哈哈哈
我做的是绘本插画~~~主题是<虚无>首先你确定了你自己的主题,你要绕着你的主题天马行空~~可以画抽像，可以画咔通，可以画写实~~我的主题是虚无，那么我就按照这个虚无来想一些很虚无的故事~~~祝你毕业设计快画完啊，我也要快点画完才行```
水彩画是绘画中最简便的一种画法。由于水彩画的设备比较简单，购买起来比较便宜，易于普及，所以中小学中的图画课多采用水彩画。许多画家开始学画时也是从水彩画入手的。由于工具轻便，户外写生容易携带。对于瞬间即逝的黄昏、晨雾、风雨烟云尤其适于表现。 水彩画是一种用水溶化颜色的透明色在纸上作画，它能够渗化，重叠形成物体，由于用笔蘸水色在纸上挥毫，长于潇洒自如，生动清新、爽快自然的特有风格。透明是水彩画的一大特点，可以用亮色盖在暗的色底上，由于它没有覆盖力，能不断增加色调的丰富性，同时亮部必须留出来，和用纸的白色作为亮部的色底，纸的底色起到色调的合成作用。 彩画是现代绘画中一项重要的表现媒介。 水彩画以其独有透明清澈的特质，不以厚涂而却能追求空闲、质、量和绘画上幻化的语言和节奏，使其能问鼎、深入现代画的领域中。 现代水彩画早已打破了西洋画史上固有的插图草稿，附属性表现的观念。以当代世界水彩画的实例，绝对能与旧时代日子中的画作出了鲜明的对照，发觉现代水彩画，吸收了早期荷兰、英国的传统技法精华，德国人精辟的描写，冷静的设计性，欧洲的浪漫风格，美国的现实观感和美式写实，中国人正以其深厚的传统文化，哲学观念、生活体验，揉和科学精神与自然，内在的观照，作逐步的探寻．认清白我，酝酿著水彩画的新方向。 第二次世界大战以来，绘画运动复兴，时代启发了思想、潮流、艺术再创造，而拒绝局限与因循中西艺术家活用了新旧的素材物料去创造有生命的、有个性的现代艺术。 寻求艺术是最高目的，达致水彩画的高尚境界，和精湛的功力，定必须仰赖於结实的技术与基础。我们历年创作与研究的经验论文，侧重技法的研讨，是苦心求取艺术表现的「实在化」，而没有运用自如的水彩技法，是无法在水彩艺术上自圆其说的。我们重视艺术、重视学理，但同样地要注视画技所蕴含重大的能量，和表达的深广度。 我们欣赏作品，不能否认被其华美完整的画面所吸引，但其色调、笔触、卓绝成熟之结构，绝不会影响作品的深度和严肃性。如果一张画的技术是恰到好处的，那技术就是艺术的一部份，与内容融合为一体，成为感人的作品，其技术自有其崇高的价值，不会逊色，因此运用书技之先，必先考虑以思想，以艺术支持，发自诚意，技、艺之配合应如影随形。 我不赞同水彩画只能停在艺术的表面之说。艺术的高低不是取决於素材的类别，而是关系於其艺术修养的广狭，优劣，也仰赖表现的方法，角度的差异而分野。现代水彩画也因此而获致自由自在的多样性，或含启发性、发展性。 我们敬慕十九世纪的泰纳、二十世纪塞尚的水彩，也欣赏其他巨匠。他们水彩画的成就是实在的，在这时代中，如果我们期求有所进展和显著的超越，在艺术的寻求中，技术上盲目的奋发，僵化於理论的巢臼中，同是危险的病症。 研究现代水彩画，是一项重要课题，水彩显著的各种特性和运用可以剖释详论，其使劣点、及与艺术的关连性，表现的程度可能性。了解中国现代水彩画艺术不同的形态与发展，去了解画法所负担的重大任务，在有其术良心的人手中，画法是绝对的学术性，而且是一个艺术内涵底问题、成败的关键。好的画法更是伟大作品诞生的先决条件。 以二十世纪为分野，现代水彩画之所以异於近代，或更古老年代的水彩画，其一是内容与形式的剧变，其二是画法的突破而产生广泛的进展。内容与技法密切的配合和革新，才产生成功的绘画创作，扩大而成有力的潮流和画派。现代水彩画适应时代的需求，画时代的产物，表达现代人的精神，排除不适合应用的见解和迟钝的表现方法，使艺术的血脉流通，成为新的生命、新艺术。往日的水彩艺术多表现於宁静的境界，单一、含蓄的画法，单调的式样与缓慢的步调之中，或者更多的因袭而缺少强烈的个人感受。 个人创建是被重视和富有价值性的，十九世纪柯特曼(Cotman)，加尔丁(Girtin)，尤其是泰纳(Turner)洞察水彩的弱点，把线与淡彩的束缚解除，使水彩走入色彩、气氛，能自由抒发的新境地．成为水彩发展史的转捩点。二十世纪塞尚认为自然不只是表面的，而有它的深度，他有影响后世极深的表现法则;他在水彩画上的留白，表现了白色本身机能上的感觉，和他的分面笔触，是实在的，是高度的表现而带著深刻的推理，给予后世水彩画许多启发性。 水彩书之前途和它的价值观，是系於个人的基本观念、自信和决心。水彩媒介是受时间、面积、乾湿控制、叠色次数之难题而异於其他素材，虽然它较难表达「量」和「触觉感」，有较多的偶然性，然而能克服困难弱点，认清其优点，发挥它长处的画家甚多，如克利、诺尔德、费宁格、格罗兹、夏加尔、杜菲……的作品，证明水彩画该有深厚的发展性。 今日的水彩画，是观念影响表现方法，也是素材的广泛应用而扩阔了观念的界限，譬如说，从前对於「水渍」，是水彩画技术上的大毛病，现代水彩则反过来利用这种缺点，而成为画中表现的特点，如喷渍与转印中的奥地利画家克拉马斯梅耶的作品，和中国青年画家陈秋瑾的画就是这种例子，产生了新的美感。韩舞麟以昼刀和极少的水份来画石头和花草。梁丹卉用前人认为过多的水份来画湿松的花果和静物。顾重光以极尖细之国画笔来「描」蔬菜水彩画，也利用喷笔处理层次。Carl 的水彩素描观念成份重於数世纪前素描的纪录性功用，而显示较多的艺术性。 水彩画应保有其透明性，及水与色彩的优良关系，这是水彩之所以称为水彩的原因与本色。「画」水彩画和「玩弄」水彩是两回事，两种我都采纳，因只会「画」，必然趋於严谨而不多样，只会「玩弄」则失去绘画的意义。不会「玩弄」水彩，难以发扬，艺术之路，应当反问自己而予以协调改进。 最后，艺术工作者要以科学实验者的精神，有恒地本其诚意，从尝试挫折中找出力向，承继传统的优点，创造新的未来。
会展的策划案首先要有目标的针对本次会展的主题做一个有利于经济发展和民生的问题分析，接下来就可以向相关部门提出此份方案的详细，要有目录，要有办展的环境分析报告，要有对经济对民生发展的有益的分析报告，要有可预期的效果的报告，还要有资金预算的报告，最后恳请相关部门领导给与支持
绿色会展的发展模式 目前，越来越多的大型会展提倡绿色节能理念。本文试从北京奥运会，上海世博会，西安世园会三个案例来探讨绿色会展发展模式，希望能为绿色会展的发展提供参考。 北京奥运模式 “绿色奥运”是2008年北京奥运会的三大主题之一，其内涵是要用保护环境、保护资源、保护生态平衡的可持续发展思想指导运动会的工程建设、市场开发、采购、物流、住宿、餐饮及大型活动等，尽可能减少对环境和生态系统的负面影响。北京奥运会充分利用了奥林匹克运动的影响力，开展环境保护宣传教育，促进公众参与环境保护工作，提高了全民的环境意识。 北京奥运会的的绿色模式就是将可持续发展的理念贯穿于整个筹办、举办及赛后利用的过程中。这是历届大型活动中首次旗帜鲜明地提出绿色概念，并作为主题予以实施。奥运会之后也为北京留下一个奥林匹克森林公园，为北京市民留下了一大片绿色天地，极大地改善了北京的城市面貌。北京奥运会始终践行绿色概念，例如森林公园的各种座椅均是由回收的废旧牛奶盒制作而成的。 通过北京奥运会绿色模式可以看出：会前高调提倡，会中积极探索，会后留下绿地。 上海世博模式 继北京奥运会绿色概念之后，上海世博会也围绕绿色、环保大作文章。前期，通过举办各种论坛集思广益，如和GE（解释一下？）举办“绿色创想—城市让生活更美好”活动，引领整个世博努力打造有序世博、安全世博、环保世博、绿色世博理念，例如在场馆建设方面重点实施绿色节能环保产业战略。通过这一系列的建设，充分体现了“城市，让生活更美好”的深层次含义。 上海世博会共建设了200多个展示场馆。有关场馆建设的要求，组委会提出要选择节能材料，并明确只给节能开绿灯。不仅各国的场馆建设使用了节能概念，世博会的标志性建筑也是充分利用了节能材料，其中世博轴的设计就是一个节能轴。作为世博园区最大的景观轴线，世博轴的照明相关设施除了使用新型科技节能材料外，还大胆采用了“阳光谷”设计。六个巨型的“阳光谷”排列在世博轴中，引导阳光自然倾斜而下，使用大自然的恩赐实现节能的最大化。借助上海世博会的示范作用，节能建筑和节能材料的使用得到了有力推广。 通过上海世博会绿色模式可以看出：会前积极研讨，会中主打节能，会后带动产业。 西安世园模式 西安世园会是继北京奥运会、上海世博会之后，在中国大陆举办的又一重大国际盛会。西安世园会以“天人长安·创意自然——城市与自然和谐共生”为主题，以“绿色引领时尚”为理念，倡导“简单而不奢侈，低碳告别高耗，回归自然，不事雕饰，绿色生活成为追求的时尚”。这是历届大型展会中首次明确以绿色为办会宗旨，提倡一种新型会展的模式。 西安世园会推出了绿色生活十条理念，即“绿十条”，分别从建筑、交通、用电、饮食、消费、用水、办公、一次性物品、购物、植树等10个方面，呼吁人们节约能源、保护环境、爱护人类自己，积极践行“我推广，我实践，我改变”，将绿色、低碳生活作为一种生活理念与态度，在全社会形成一种积极有益的绿色风尚、绿色文化。“绿十条”从细微处入手，倡导人类尊重自然、敬畏自然，引领人们返璞归真、崇尚简约，将绿色提升为一种文化，极大地震撼了当今社会人们的心灵。西安世园会必将改变现代社会人们的浮 躁 心理，为人类留下宝贵的绿色文化理念。 通过西安世园会绿色模式可以看出：会前提倡绿色文化，会中践行绿色活动，会后改变生活方式。 四、 绿色会展的发展策略 绿色会展必将是未来会展行业的发展趋势之一，也将成为会展业的新亮点。如何更好地发展绿色会展，采取合理的策略是首要因素。本文试从规划先行、主题策划、活动突出和事件影响四个方面阐述绿色会展的发展策略。 规划先行 发展绿色会展，必须引起主办方决策人物的高度重视，并由其主动提出将绿色纳入办会的.宗旨，这样的会展才能称之为绿色会展。人类生活在地球上已经有亿万年，从空中看地球，人类所建设的大型工程看起来非常渺小，而只有绿色才是地球的主题颜色。绿色是永恒的，只有发展绿色产业才符合人类永恒的追求，从这种角度出发，绿色会展产业不仅仅是趋势，更是亘古不变的真理！ 会展最早起源于人类的集会。中国古代就有庙会，而且在乡村至今还保留着这一古老的会展形式。人们步行至庙会集中区域，简单地交换所需物品，分享各自的劳动成果，等待下一次的交易，城市随之形成。随着城市规模的不断扩大，一方面，会展行业的重要性将日益突显，另一方面，会展行业终将大而化小，小而变精，衍生为以绿色会展为主流的行业。绿色会展的发展必须在规划阶段成为展会行业永恒的主题，使未来的各个展会成为提倡绿色低碳生活的平台。每一位展会从业人员在规划展园、设立展馆、举办展会等活动中应提前将绿色因素纳入，因为，人类有了绿色才有生机，会展有了绿色才有生命。 主题策划 大型会展活动需要明确主体，而绿色必将是人类共同的话题。如果能够根据实际情况予以策划，必会引起人们的共鸣，从而达到理解主题的目的。 北京奥运会有三大主题，其一就是绿色奥运。这样的主题可以引导人们轻松地将运动与健康、运动与绿色联想在一起，自然地产生参与心理，使北京奥运会达到进入全球视野的效果。西安世园会则提出“绿色引领时尚”的主题口号，旨在掀起一场绿色生活流行风暴，让人们以绿色行为、绿色生活方式为美，完美体现绿色会展的核心价值。 活动突出 会展中要突出绿色规划和绿色主题，必须有相应的组织活动来承载。规划和主题只是抽象的理念，理念如何实现则需要通过与大众的互动来推广和传播。 绿色会展中最为核心的表现就是活动。通过一系列绿色活动能够迅速实现民众对会展的认同和关注。北京奥运会推出了“迎奥运、讲文明、树新风”活动，给国民带来一股绿色的新风尚。这次活动从绿色奥运理念出发，将绿色概念植入人们的日常生活，不仅提高了国民的整体素质，还极大地提升了民众对奥运的认同。至今，它对公众的影响力依然未减。西安世园会以“绿色引领时尚”为口号，组织开展了一系列以绿色为主题的活动，其中以“绿十条”为核心，倡导国民以绿色、简约生活为美，回归中华民族之优良传统生活方式。
会展毕业论文提纲
会展业是会议业和展览业，节事活动的总称。是一个新兴的服务行业，影响面广，关联度高。在新时期，必须大力发展会展业，全面提升会展经济。
一、会展业发展的基本概念
(一)会展经济的界定
(二)会展经济的功能
二、北京会展业发展现状及存在的问题
(一)北京会展业发展现状
(二)北京会展业发展中存在的主要问题
三、促进北京市会展业发展的对策
(一)与国际接轨，科学地组织、经营展览会
1.展览会的项目决策、展览实施和展览形式
2.展览主办机构的组织模式
3.展览主办机构与参展商和观众之间的关系
(二)合理规划建造现代化会展中心
1. 展览馆位置
2.展馆的实用原则
3.展馆建设的规模和速度
(三)改革管理体制、培育和完善展览业市场
1. 会展业管理机构的作用
2.会展业管理体制上的改革
(四)以人为本，加快展览队伍的培养和建设
1. 会展业的人才需求
2.展览人才的培育措施
扩展阅读：会展业的作用
会展业地位和作用日益凸现会展业涉及工业、农业、商贸等诸多产业，对结构调整、开拓市场、促进消费、加强合作交流、扩大产品出口、推动经济快速持续健康发展等发挥重要作用，在城市建设、精神文明建设、和谐社会构建中显示出其特殊的地位和作用，并日益显现出来。
具体体现在：
第一，能产生强大的互动共赢效应。会展业不仅能带来场租费、搭建费等直接收入，而且还能拉动或间接带动数十个行业的发展，直接创造商业购物、餐饮、住宿、娱乐、交通、通讯、广告、旅游、印刷、房地产等相关收入;不仅能集聚人气，而且能促进各大产业的'发展，对一个城市或地区经济发展和社会进步产生重大影响和催化作用。据有关统计表明，一个好的会展对经济拉动效应能达到1：9，甚至更高。
第二，能获得优质资源。会展业汇聚巨大的信息流、技术流、商品流和人才流，意味着各行业在开放潮中，在产品、技术、生产、营销等诸方面获取比较优势，优化配置资源，增强综合竞争力。会展业发展可以不断创造出"神话"，博鳌效应就是其中的一个最典型范例，穷乡僻壤的博鳌建成国际会议中心后，以其良好的生态、人文、治安环境，吸引了众多海内外会议组织者、参会者、旅游者等。
第三，能提升支持力度。各产业的发展，特别是制造业要生存和提升竞争力，需要相关服务行业的协作，加快新型工业化、新农村建设，更离不开会展业的支持和助力。其中会展是一项极其重要的服务内容，作为特殊的服务行业，会展经济能服务于和增强城市面向周边地区的辐射力和影响力。所以，会展经济有巨大的效能。
第四，能增加就业机会。随着近年来办展活动的增多，会展业不仅能提供就业机会，而且还能拉动和促进就业。
第五，能成为经济发展的"风向标"。会展紧扣经济，展示经济发展成果，会展经济的发展将直接刺激贸易、旅游、宾馆、交通、运输、金融、房地产、零售等行业的市场景气，大型和专业性会展往往是产品或技术市场占有率及盈利前景的晴雨表，推动商品贸易、投资合作、服务贸易、高层论坛、文化交流等各方面的发展与进步。
我当年也是选了绘本作为毕业作品, 有以下建议可以给您参考:1, 先选自己擅长的画风, 比如水彩/油彩, 我当年是用水彩做底, 主角用油彩画2, 选题, 可以选自己比较有想法, 又有幻想成份的主题, 比如旅行/冒险3, 绘本的周边产品, 可以做一些书签或者明信片之类和绘本有关的作为附件, 有助加分如果可以的话, 早点定好主题跟老师讨论问些意见, 始终ta的评分很重要
插画定义 《辞海》对“插画”的解释是：“指插附在书刊中的图画。有的印在正文中间，有的用插页方式，对正文内容起补充说明或艺术欣赏作用。”这种解释主要是针对书籍插图作为的定义，是一种狭义的定义。 由于情报时代的来临，现代社会的发展，现代插画的含义已从过去狭义的概念(只限于画和图)变为广义的概念，“插画”就是我们平常所看的报纸、杂志、各种刊物或儿童图画书里，在文字间所加插的图画， 统统称为“插画”。插画，在拉丁文的字义里，原是“照亮”的意思。望文思义，它原来是用以增加刊物中文字所给予的趣味性，使文字部份能更生动、更具象地活跃在读者的心中。而在现今各种出版品中，插画的重要性，早已远远地超过这个“照亮文字”的陪衬地位。它不但能突出主题的思想，而且还会增强艺术的感染力。 插画是一种艺术形式，作为现代设计的一种重要的视觉传达形式，以其直观的形象性，真实的生活感和美的感染力，在现代设计中占有特定的地位，已广泛用于现代设计的多个领域，涉及到文化活动、社会公共事业、商业活动、影视文化等方面。 插画历史演变 插画艺术的发展，有着悠久的历史。对你我看似平凡简单的插画，却是有很大的内涵。从世界最古老的插画洞窟壁画到日本江户时代的民间版画浮世绘，无一不演示着插画的发展。插画最先是在十九世纪初随着报刊、图书的变迁发展起来的。而它真正的黄金时代则是本世纪五六十年代首先从美国开始的，当时刚从美术作品中分离出来的插图明显带有绘画色彩，而从事插图的作者也多半是职业画家，以后又受到抽象表现主义画派的影响，从具象转变为抽象。直到70年代，插画又重新回到了写实风格。中国早期插画形式 中国最早的插画是以版画形式出现的，是随佛教文化的传入，为宣传教义而在经书中用“变相”图解经文。目前史料记载我国最早的版画作品，唐肃宗时刊行的《陀罗尼经咒图》。刊记确切年代的则是唐懿宗咸通九年(868年)的《金刚般若经》中的扉页画。到了宋、金、元时期书籍插画有了长足的进步。应用范围扩大到医药书、历史地理书、考古图录书、日用百科书等书籍中，并出现了彩色套印插画。明清时期，可以说古代插画艺术大发展时期，全国各地都有刻书行业。不同的地域形成了不同的风格。插画的形式大体有以下几种：卷首附图、文中插图、上图下文或下图上文、内封面或扉页画和牌记等。 我国古代插画的历史演变，可以看作是版画的发展历史。同时，也是民间年画史。只不过民间年画更早地独立成为一种商品，它是商业插画的前身。 欧洲的插画历史与我国相似，最早也是运用于宗教读物之中。后来，插画被广泛运用于自然科学书籍、文法书籍和经典作家文集等出版物之中。 社会发展到今天，插画被广泛地用于社会的各个领域。插画艺术不仅扩展了我们的视野，丰富了我们的头脑，给我们以无限的想象空间，更开阔了我们的心智。随着艺术的日益商品化和新的绘画材料及工具的出现，插画艺术进入商业化时代。插画在商品经济时代，对经济的发展起到巨大的推动作用。插画的概念已远远超出了传统规定的范畴。纵观当今插画界画家们不再局限于某一风格，他们常打破以往单一使用一种材料的方式，为达到预想效果，广泛地运用各种手段，使插画艺术的发展获得了更为广阔的空间和无限的可能。在中国，插画虽然发展的较晚，但追其溯源，方远流长．插画经过解放后黑板报、版画、宣传画格式的发展，以及20世纪80年代后对国际流行风格的借鉴，90年代中后期随着电脑技术的普及，更多使用电脑进行插画设计的新锐作者涌现…… 插画从诞生的母体——书籍以外，找到了巨大的生存空间。丰富的载体随着技术的进步、社会的需要而不断涌现。
插画设计说明怎么写?要500字以上呢···· 从设计意图开始说，说到整体风格，讲个故事 名词解释插画设计 设计原理里面的 尽量详细 《插画设计》主要研究插画的风格与应用。在此专辑中，对插画的现代运用进行了分类。由于现代经济的发展，插画的意义也不再停留在说明图的层面，而已经演化成为人们对于世界的理解和表现的工具和手段。[1] 特别是由于印刷技术的发达，插画领域也得到空前发展，而插画的内容和形式也都体现了艺术性。人们已经不再满足于插画本身的设计，而是更多地追求个性的表达，有可爱型的插画，也有古怪型的插画，有时还会出现丑恶型的插画。今天的插画更加突出可爱的感觉，正是由于这种可爱感，使插画的风格在现在的社会得到广泛认同，这正是括画设计为什么越来越被人们重视的主要原因，这也是本专辑研究和分析的主要方面。 花卉古典插画设计说明 你未看此花时，此花与汝同归于寂；你来看此花时，则此花颜色一时明白起来，便知此花不在你的心外。——王阳明《传习录》 佛曰：彼岸花开，花开彼岸，只一团火红，花开无叶，叶生无花，想念相惜却不得相见。来世，信则有，不信则无，岁月悠悠，世间终会出现两朵相同的花，千百年的回眸，一花凋零，一花绽。是否为同一朵，任后人去评断。 你入我眼，如花映水中，便不是花，色本是空，万物皆为红尘。突然觉得自己就好像这不知名的花。 一人花开，一人花落，这些年从头到尾，无人问询。 楼主其实有很多这样的诗句来说明，我自己目前在插画人学校学习的是，写插画说明，想了好久，结果老师说可以用古诗词描写，当场我就石化了 还有一种拟人插画，更好形容了 茶花 又名：山茶花、洋茶、曼陀罗树、晚山茶、耐冬、山椿 花色：红、粉红、深红、玫瑰色、紫、白、黄色斑纹等 花期：十一月至次年二月 花语：谦逊、理想的爱、美德、可爱 这样就行了 什么是插画设计 插画是运用图案表现的形象，本着审美与实用相统一的原则，尽量使线条，形态清晰明快，制作方便。插画的应用有很多，广告、杂志、说明书、海报、书籍、包装等平面的作品中，凡是用来做“解释说明”用的都可以算在插画的范畴。插画的表现形式有很多，人物、自由形式、写实手法、黑白的、彩色的、运用材料的、照片的、电脑制作的，只要能形成是“图形”的，都可以运用到插画的制作中去。 插画在中国被人们俗称为插图。今天通行于国外市场的商业插画包括出版物插图、卡通吉祥物、影视与游戏美术设计和广告插画4种形式。实际在中国，插画已经遍布于平面和电子媒体、商业场馆、公众机构、商品包装、影视演艺海报、企业广告甚至T恤、日记本、贺年片。 绘画插图多少带有作者主观意识，它具有自由表现的个性，无论是幻想的，夸张的，幽默的，情绪化的还是象征化的情绪，都能自由表现处理，作为一个插画师必须完成笑话广告创意的主题，对事物有较深刻的理解才能创作出优秀的插画作品。自古绘画插图都是有画家兼任，随着设计领域的扩大，插画技巧日益专门化，如今插画工作早已由专门插画家来担任。 插图画家经常为图形设计师绘制插图或直接为报纸、杂志等媒体配画。他们一般都是职业插画画家或自由艺术家，像摄影师一样具有各自的表现题材和绘画风格。对新形势、新工具的职业敏感和渴望，使他们中的很多人开始采用电脑图形设计工具创作插图。这种新的摄影技术完全改变了摄影的光学成像的创作概念，而以数字图形处理为核心，又称“不用暗房的摄影”。它模糊了摄影师、插图画家及图形设计师之间的界限，现今只要有才能，完全可以在同一台电脑上完成这三种工作。 插画毕业设计开题报告怎么写？ 这儿给你一个例文作参照： 三维水墨画“竹韵”开题报告 课题内容简介： 三维动画又称3D动画，是近年来随着计算机软硬件技术的发展而产生的一新兴技术。三维动画软件在计算机中首先建立一个虚拟的世界，设计师在这个虚拟的三维世界中按照要表现的对象的形状尺寸建立模型以及场景，再根据要求设定模型的运动轨迹、虚拟摄影机的运动和其它动画参数，最后按要求为模型赋上特定的材质，并打上灯光。当这一切完成后就可以让计算机自动运算，生成最后的画面。 就目前来说中国的三维动画，正处于一个新兴时期。三维动画起源于国外，但民族的才是世界的，三维动画来到中国就要具有本民族特色。美国迪斯尼的三维动画可以代表三维动画的发展水平，我们的动画不能与之相比，但我们要做出与之不同的，有我们自己文化特色的三维动画，才能有所建树。中国刚上演的一部大制作的三维动画《魔比斯环》，对外号称亿制作费用，几百人的制作团体。但目前的收益和效应却不甚理想。造成这样的结果，这里固然有许多因素在里面。可最重要也是最关键的一个因素，却被忽略了，那就是文化，具有本民族的文化不见了。成了一个缺少灵魂的只是一个好看却不耐看的空虚的躯体。 所以在我的毕业设计中，将三维动画与国画相结合，运用三维技术将“竹子”渲染成水墨画风格，然后制作动画。这一自古以来在中国被赋予淡泊、清高、正直的品质，是众多中国文人的人格追求。动画大意为将竹子设置在雨中，通过与鸟、花草在雨中的表现突出竹子的精神品质。 插画是不是意味着什么 插画在中国被人们俗称为插图。今天通行于国外市场的商业插画包括出版物插图、卡通吉祥物、影视与游戏美术设计和广告插画4种形式。实际在中国，插画已经遍布于平面和电子媒体、商业场馆、公众、商品包装、影视演艺海报、广告甚至T恤、日记本、贺年片。 插画应用范围 出版物： 书籍的封面，书籍的内页，书籍的外套，书籍的内容辅助等所使用的插画。 包括报纸、杂志等编辑上所使用的插画。 商业宣传：广告类――包括报纸广告、杂志广告、招牌、海报、宣传单、电视广告中所使用的插画 商业形象设计：商品标志与形象（吉祥物）； 商品包装设计； 包装设计及说明图解――消费指导、商品说明、使用说明书、图表、目录…… 影视多媒体： 影视剧、广告片、网络等方面的角色及环境美术设定或介面设计。 游戏设计： 游戏宣传插画、游戏人物设定、场景设定 动画、漫画、卡通 动画原画设定、漫画设计、卡通设计 基本上所有商业性绘画都可以算在插画的范畴。 插画应用的两大类型 在平面设计领域，我们接触最多的是文学插图与商业插画。 文学插图——再现文章情节、体现文学精神的可视艺术形式。 商业插画——为或产品传递商品信息，集艺术与商业的一种图像表现形式。 插画作者获得与之相关的报酬，放弃对作品的所有权，只保留署名权，属于一种商业买卖行为。 什么是商业插画？该如何去构思？ 原来从事的是美术培训，现在从事插画行当了，一天我叫我的学生来我的网站踩一踩。学生问我：“老师，什么是插画？”我吃了一惊:乖乖，都读美术专业本科了，竟会有此一问。美术本科生尚有此疑问，况云云众生乎。看来有必要提上一提。 插画，即插图、插图画。从古代来讲，最初的插画，是古人制作黑白木刻版画的起因。古人也觉得一本书附上几幅图画，既美观又有助阅读。第一本配有插画的书的一本佛经，什么金刚经的，忘了全名了。 说到这里大家就基本清楚了，狭义来讲，插画是插配在书中帮助阅读的，现代版画专业就是插画衍生而来的。 随着文明的不断发展，科技的不断进步，人类审美的不断深化，精神要求的不断提高，插画在一代代的艺术家的推动下也在不断的更新自己。如今的插画较之起初虽未至截然不同，确是翻天覆地的变化了。而且融入到我们生活的方方面面，可谓无处不在，并与普罗大众的生活息息相关。 到今天，行内的人把插画基本划分为几大类。 （1）商业时尚类 主要是为商业活动，广告推广而作的图画，消费意识强，时尚且美观，能让产品更具文化气息，与人群更富亲和力，为扩大产品的知名度提供更大品味空间，是如今返璞归真的大潮中流行的推广手段。比如，产品外包装的设计插画，广告宣传海报的配画，等等。 （2）出版物类 主要是在出版物中配图画，这类形式便是插画的最初功能，但效果上已然更精、更美、更具专业性。读图时代的来临，读者对书籍要求质量更高，阅读更轻松。那么在书中配上图画，读者很自然的会更喜欢买，更喜欢读，更别说儿童读物，对插画的配设已经是必然的，没有画的儿童书是没有人买的，买了小孩也不会看。凡出版社发行的书、刊、报、杂志等。到处是插画的踪迹。此可谓一大类。 （3）动漫卡通类 这一类大家都知的了，只是可能没人告诉你，原来这也是插画。试想，一本书，500字配上一幅画，你很容易知道那是插画，如果50字一张画呢，每十个字一张画呢，这便成了连环画了。也就是这一类了，连环画再往前走一步，人物造型上小小变形便是卡通漫画了。如今的卡通漫画已成为文化工业链中的大产业，它的属性终归类于插画，如今更衍生了动画人物设定，网络游戏人物设定等。 （4）新锐插画类 这一类要说一下，既新又锐，便说明这一类是前卫的，自我的，并不一定大众化，并不一定唯美，简言之就是有点酷的那种。对作者而言，这是真插画，真创作，能够体现自我的东西。“这是我的原创，你喜欢吗？喜欢你拿去，不喜欢就别吱声，我原创谁管得着。”我说。 插画还在不断的发展中，以此篇文章小小的诠释“插画的定义”虽有不足却也有个大概了。你其实生活在插画的世界里。在中国，还没有形成成熟的插画产业，可见它的空间是巨大的，是广博的。跟我一起呐喊：“让插画业从我们的手中起飞！” 怎么弄儿童插画的毕业设计说明书？ 我的“《女孩故事》系列插画设计——插画的人物设计与色彩运用”毕业论文 怎么写·跪求指导啊！！ 首先，要看你是男还是女。因为男女有别，所以，对于事物的理解就不一样。尤其是同性与异性的看法也是不一样的。男的认为是妩媚妖娆。女的基本上就会认为舞骚弄姿。 其次，你要是想自己画，就要选好题材。比如好的故事就要有好的情节。而好的画面反应的就是故事中的一个情节。这一瞬间能够让人产生遐想 。让人自动的把一副画面变成一段美丽的故事。 再有就是你的选材，看是想走感情风，还是走美感风。美感风，你就写实的画个人物正面。要是走感情风。就画个女孩儿的背影。 个人的话，我会花一副满地雪花，北风吹过。寒梅傲雪而立。女孩儿，背对画面，一个人走。前方雪花如雾看不清楚。而女孩儿身边却并无它物。 你会想想这女孩为什么这样。。。 但是至于风格是什么就要看自己的心情了。可以画的欢快，也可以让人感觉凄美。。。
水彩画是绘画中最简便的一种画法。由于水彩画的设备比较简单，购买起来比较便宜，易于普及，所以中小学中的图画课多采用水彩画。许多画家开始学画时也是从水彩画入手的。由于工具轻便，户外写生容易携带。对于瞬间即逝的黄昏、晨雾、风雨烟云尤其适于表现。 水彩画是一种用水溶化颜色的透明色在纸上作画，它能够渗化，重叠形成物体，由于用笔蘸水色在纸上挥毫，长于潇洒自如，生动清新、爽快自然的特有风格。透明是水彩画的一大特点，可以用亮色盖在暗的色底上，由于它没有覆盖力，能不断增加色调的丰富性，同时亮部必须留出来，和用纸的白色作为亮部的色底，纸的底色起到色调的合成作用。 彩画是现代绘画中一项重要的表现媒介。 水彩画以其独有透明清澈的特质，不以厚涂而却能追求空闲、质、量和绘画上幻化的语言和节奏，使其能问鼎、深入现代画的领域中。 现代水彩画早已打破了西洋画史上固有的插图草稿，附属性表现的观念。以当代世界水彩画的实例，绝对能与旧时代日子中的画作出了鲜明的对照，发觉现代水彩画，吸收了早期荷兰、英国的传统技法精华，德国人精辟的描写，冷静的设计性，欧洲的浪漫风格，美国的现实观感和美式写实，中国人正以其深厚的传统文化，哲学观念、生活体验，揉和科学精神与自然，内在的观照，作逐步的探寻．认清白我，酝酿著水彩画的新方向。 第二次世界大战以来，绘画运动复兴，时代启发了思想、潮流、艺术再创造，而拒绝局限与因循中西艺术家活用了新旧的素材物料去创造有生命的、有个性的现代艺术。 寻求艺术是最高目的，达致水彩画的高尚境界，和精湛的功力，定必须仰赖於结实的技术与基础。我们历年创作与研究的经验论文，侧重技法的研讨，是苦心求取艺术表现的「实在化」，而没有运用自如的水彩技法，是无法在水彩艺术上自圆其说的。我们重视艺术、重视学理，但同样地要注视画技所蕴含重大的能量，和表达的深广度。 我们欣赏作品，不能否认被其华美完整的画面所吸引，但其色调、笔触、卓绝成熟之结构，绝不会影响作品的深度和严肃性。如果一张画的技术是恰到好处的，那技术就是艺术的一部份，与内容融合为一体，成为感人的作品，其技术自有其崇高的价值，不会逊色，因此运用书技之先，必先考虑以思想，以艺术支持，发自诚意，技、艺之配合应如影随形。 我不赞同水彩画只能停在艺术的表面之说。艺术的高低不是取决於素材的类别，而是关系於其艺术修养的广狭，优劣，也仰赖表现的方法，角度的差异而分野。现代水彩画也因此而获致自由自在的多样性，或含启发性、发展性。 我们敬慕十九世纪的泰纳、二十世纪塞尚的水彩，也欣赏其他巨匠。他们水彩画的成就是实在的，在这时代中，如果我们期求有所进展和显著的超越，在艺术的寻求中，技术上盲目的奋发，僵化於理论的巢臼中，同是危险的病症。 研究现代水彩画，是一项重要课题，水彩显著的各种特性和运用可以剖释详论，其使劣点、及与艺术的关连性，表现的程度可能性。了解中国现代水彩画艺术不同的形态与发展，去了解画法所负担的重大任务，在有其术良心的人手中，画法是绝对的学术性，而且是一个艺术内涵底问题、成败的关键。好的画法更是伟大作品诞生的先决条件。 以二十世纪为分野，现代水彩画之所以异於近代，或更古老年代的水彩画，其一是内容与形式的剧变，其二是画法的突破而产生广泛的进展。内容与技法密切的配合和革新，才产生成功的绘画创作，扩大而成有力的潮流和画派。现代水彩画适应时代的需求，画时代的产物，表达现代人的精神，排除不适合应用的见解和迟钝的表现方法，使艺术的血脉流通，成为新的生命、新艺术。往日的水彩艺术多表现於宁静的境界，单一、含蓄的画法，单调的式样与缓慢的步调之中，或者更多的因袭而缺少强烈的个人感受。 个人创建是被重视和富有价值性的，十九世纪柯特曼(Cotman)，加尔丁(Girtin)，尤其是泰纳(Turner)洞察水彩的弱点，把线与淡彩的束缚解除，使水彩走入色彩、气氛，能自由抒发的新境地．成为水彩发展史的转捩点。二十世纪塞尚认为自然不只是表面的，而有它的深度，他有影响后世极深的表现法则;他在水彩画上的留白，表现了白色本身机能上的感觉，和他的分面笔触，是实在的，是高度的表现而带著深刻的推理，给予后世水彩画许多启发性。 水彩书之前途和它的价值观，是系於个人的基本观念、自信和决心。水彩媒介是受时间、面积、乾湿控制、叠色次数之难题而异於其他素材，虽然它较难表达「量」和「触觉感」，有较多的偶然性，然而能克服困难弱点，认清其优点，发挥它长处的画家甚多，如克利、诺尔德、费宁格、格罗兹、夏加尔、杜菲……的作品，证明水彩画该有深厚的发展性。 今日的水彩画，是观念影响表现方法，也是素材的广泛应用而扩阔了观念的界限，譬如说，从前对於「水渍」，是水彩画技术上的大毛病，现代水彩则反过来利用这种缺点，而成为画中表现的特点，如喷渍与转印中的奥地利画家克拉马斯梅耶的作品，和中国青年画家陈秋瑾的画就是这种例子，产生了新的美感。韩舞麟以昼刀和极少的水份来画石头和花草。梁丹卉用前人认为过多的水份来画湿松的花果和静物。顾重光以极尖细之国画笔来「描」蔬菜水彩画，也利用喷笔处理层次。Carl 的水彩素描观念成份重於数世纪前素描的纪录性功用，而显示较多的艺术性。 水彩画应保有其透明性，及水与色彩的优良关系，这是水彩之所以称为水彩的原因与本色。「画」水彩画和「玩弄」水彩是两回事，两种我都采纳，因只会「画」，必然趋於严谨而不多样，只会「玩弄」则失去绘画的意义。不会「玩弄」水彩，难以发扬，艺术之路，应当反问自己而予以协调改进。 最后，艺术工作者要以科学实验者的精神，有恒地本其诚意，从尝试挫折中找出力向，承继传统的优点，创造新的未来。
简述插画艺术在平面设计中的作用及意义
在个人成长的多个环节中，许多人都有过写论文的经历，对论文都不陌生吧，论文是探讨问题进行学术研究的一种手段。那么你知道一篇好的论文该怎么写吗？以下是我为大家整理的简述插画艺术在平面设计中的作用及意义论文，仅供参考，欢迎大家阅读。
摘 要： 插画，具有悠久的历史，它是一种用图形语言进行信息传达的艺术形式，是为文字做的附图，对文字进行更形象的解释说明。当前，插画在平面媒体，电子媒体以及多媒体领域中起着重要的作用。这其中，插画也与平面设计领域的联系越来越紧密。插画以其独特的艺术魅力感染着观者，让观者在读取信息的同时体验到艺术欣赏的乐趣并产生视觉共鸣与认知。因此我认为，在纯艺术与设计艺术相互交融的当代艺术中，插画艺术对于平面设计这个庞大的领域有着不可抹灭的影响。
关键词： 插画艺术;平面设计;信息;传达;装饰;视觉
插画，具有悠久的历史，它是一种用图形语言进行信息传达的艺术形式，是为文字做的附图，对文字进行更形象的解释说明。从古到今在人类的社会生活中也都扮演着重要的角色。特别是在当前，插画在平面媒体，电子媒体以及多媒体领域中也起着重要的作用。这其中，插画也与平面设计领域的联系越来越紧密。在平面设计的领域中，插画以其独特的艺术魅力感染着观者，让观者在读取信息的同时体验到艺术欣赏的乐趣。这也是越来越多的高校将插画专业归为视觉传达设计，也就是我们常说的平面设计范畴内的理由。
在我看来，设计是一种以人为主体，并有特定目标对象的创造性行为，其价值在于观念的创新与传达，从而达到人类发展的社会实现。从字面上面来说，“设”就是设想，创造;“计”即是计划，安排。现代设计大师蒙荷里·纳基认为：艺术是一种以生产某种产品为目的，将社会的、人类的、经济的、艺术的、技术的、心理的多种因素星河起来，进行产品产生构思和计划的艺术。归根到底就是人类用意识、用艺术创造力形成的一种构思和思想意图。而平面设计作为设计范畴中运用最广泛的一个重要组成部分，更是将设计的宗旨发挥的淋漓尽致：即通过一定的审视与选择，最后用文字，图形等视觉元素实现最初设想意图的过程。而这其中图形语言是最直接也是最能够引起观者的视觉注意，提高观者的视觉共鸣的最重要的元素。越来越多的艺术家也开始从图形语言这个最直观的元素来挖掘探索，从而提高视觉表现力及视觉表达效果。也就是之前所说到的插画艺术。与此同时，就插画本身而言，进行信息传达是其主要功能与作用，但是如果没有审美价值，缺少艺术内涵和感染力，也无法达到有效传达信息的目的。然而说到审美价值，自然又会回归到视觉美感，跳回到平面设计的领域。因此我认为，在纯艺术与设计艺术界限越来越模糊的当代艺术中，插画艺术对于平面设计这个庞大的领域有着不可抹灭的影响。
1 插画辅助平面设计设计(版式)传达信息
版式设计是整个平面设计的中心，也是运用得最为广泛的平面设计。其中，以文字为主体的版式设计也在市场中占了绝大多数的比例。例如：报刊，杂志，书籍，网页等，它们都是以文字为主体的版式设计。它们为了满足信息传播的需要，以文字为主要元素，对信息传播的载体进行艺术加工，使其鲜明、生动、准确，生动地实现信息传达。然而更多的时候，有些信息用过简单的文字达不到所要传达的情感及要求，难以用语言文字表达清楚所要传达的内容。这时候，我们就需要借助一些插图插画来辅助文字信息，或者说是将文字信息所要传达的内容概括成简练的插图插画元素，通过对元素进行艺术处理，浓缩要传达的文字信息，从而提高整个信息所要传达的准确性，生动性，让读者更易理解跟接受，产生强烈的认同与认知感;另外，这些插图还可以引导读者展开自己的联想跟想象，从而更加立体全面的传达出文字所要表达的内容;再者，长时间阅读文字会产生强烈的视觉疲劳，辅助的插画可以适当地缓解跟调节读者的阅读节奏，让信息传达的内容更长久，坚固，效果更完善，深刻。例如：儿童画报。因为儿童识别文字的能力有限，因此绝大多数的时候都难以用纯文字完整的将信息内容传达清楚，这时候如果没有插图插画的形象说明跟辅助补充，儿童就会很难理解其中的内容;另外，就儿童心理，生理的特点而言，儿童无法集中注意力进行长时间的文字阅读，因而在这种情况下，插画是不可缺少的重要组成部分。
2 插画帮助平面设计(招贴)吸引观者的视觉注意力
平面设计里的`招贴设计，又称“海报”设计或宣传画设计，属于户外广告，在国外被称为“瞬间”的街头艺术。主要用招贴的形式来吸引观者的视觉注意力。这里说的“吸引视觉注意力”是指用图形，色彩等因素的强烈刺激，快速地吸引观者的注意力。也只有当观者的目光被强烈的刺激所吸引而停留在画面上时，才能产生“交流”。而招贴设计所承担的任务就是抓住消费者的目光。然而观者的目光往往总是会停留在某个具象的图案而不是抽象的几何图形或者是创意图形。这个道理就等同于我们能记住一个人正面的五官特征而很少能从背面的轮廓人出一个人。这就是我们的视觉系统接受信息时本能的接收与取舍。这也是越来越多的招贴设计都将插画与平面结合起来的理由。例如2010年世界杯北欧可口可乐的招贴就将可乐本身与插画进行结合，不仅能够更加充分的传达出作者的创作意图更是通过人物插画的元素大幅度的吸引了观者的注意;再如可口可乐Sambodromo招贴插画，整个招贴全部运用插画的形式，在众多传统的平面招贴中夺目而出，牢牢的抓住了观者的视觉。
3 插画提升平面设计(包装)的装饰美化效果
包装设计作为平面设计中最直接的视觉设计，它直接影响到消费者的购买欲。好的包装设计甚至可以提升产品的价值跟消费群体的定位。作为包装设计本身而言，它以产品的外包装作为载体来达到装饰美化载体的作用。而插作艺术的表现形式跟手法本身就具有装饰跟美化载体的作用，它不仅可以插入前面所说的版式，招贴灯平面媒体，更可以应用到产品设计这样的三维设计领域中。因此，如果没有插画元素就很难使产品包装产生视觉美感。例如美国最畅销的碳酸饮料MountainDew推出的系列限量版碳酸饮水包装设计，就是以插画为主要包装设计的元素，为原本平淡的瓶体增添了一抹亮丽色彩，起到了很好的装饰美化作用，提升了产品的视觉吸引力。消费者可以从精美的插画上领略到独特的视觉美感。这使得整个包装设计动感，时尚，灵动，同时也拉近了产品与年轻消费群体的距离。
4 插画为表目的平面设计补充艺术情感
插画作为一门独立的学科，同时兼并纯艺与设计的艺术内涵。但就艺术效果跟功能而言，插画的艺术价值还是表现在艺术鉴赏跟欣赏上，所传达出的是一种艺术情感，强调的是创作过程。而平面设计则侧重于目的，它必须依据所传达的主题，所承载的信息进行整体的设计，强调的是设计结果。而当代，纯艺与设计的界限也越来越模糊。提倡两者相结合的现代艺术。这也就是说，将插画作为载体附到平面设计(版式，招贴，包装等)中，也可以让平面设计成为插画作品。让平面设计在有目的的传达信息之余，成为艺术作品供观者进行艺术鉴赏，同时赋予平面设计透过插画所传达，传递出的艺术情感。
总之，在如今纯艺与设计相互交融的当代艺术中，纯艺的感情表达与设计的传递信息，两种艺术相互影响，融会贯通。从而迸发出不断创新，层出不穷的艺术形式与艺术体验。这其中，就设计领域中庞大的平面设计而言，插画艺术对于它的影响，作用，作用都是不容忽视，不可抹灭的。
参考文献：
[1] 彭彭.插画与设计[M].高等教育出版社，2010.
[2] 肖蕾，江鸿，等.版式设计精品解读[M].电子工业出版社，2008.
[3] 郭勇.每天懂一点创意心理学[M].陕西师范大学出版社，2010.
拓展：
学位论文答辩技巧
论文答辩一般程序
学生必须在论文答辩会前，将经过指导老师审定并签署过意见的毕业论文连同提纲、草稿等交给答辩委员会。
在答辩会上，先让学员用15分钟左右的时间概述论文的标题以及选择该论题的原因，较详细地介绍论文的主要论点、论据和写作体会。
答辩老师提问。老师提问完后，有的学校规定，可以让学生独立准备15-20分钟后，再来当场回答，有的则要求学员当场立即作出回答(没有准备时间)，随问随答。
学员逐一回答完所有问题后退场，答辩委员会集体根据论文质量和答辩情况，商定通过还是不通过，并拟定成绩和评语。
召回学员，由主答辩老师当面向学员就论文和答辩过程中的情况加以小结。
对答辩不能通过的学员，提出修改意见，一般允许学生另行答辩。
论文答辩技巧
熟悉内容
参加论文答辩的同学，首先必须对自己所著的毕业论文内容有比较深刻的理解。这是为回答毕业论文答辩委员会成员就有关论文的深度及相关知识而可能提出的问题所做的准备。
图表穿插
图表不仅是一种直观的表达观点的方法，更是一种调节论文答辩会气氛的手段，特别是对论文答辩委员会成员来讲，长时间地听述，听觉难免会有排斥性，不再对你论述的内容接纳吸收，这样，必然对你的毕业论文答辩成绩有所影响。所以，应该在论文答辩过程中适当穿插图表或类似图表的其他媒介以提高你的论文答辩成绩。
语速适中
进行毕业论文答辩的同学一般都是首次。无数事实证明，他们论文答辩时，说话速度往往越来越快，以致毕业答辩委员会成员听不清楚，影响了毕业答辩过程中的语速，要有急有缓，有轻有重，不能像连珠炮似地轰向听众。
目光移动
毕业生在论文答辩时，一般可脱稿，也可半脱稿，也可完全不脱稿。但不管哪种方式，都应注意自己的目光，使目标时常地瞟向论文答辩委员会成员及会场上的同学们。这是你用目光与听众进行心灵的交流，使听众对你的论题产生兴趣的一种手段。
时间控制
一般在比较正规的论文答辩会上，都对辩手有答辩时间要求，因此，毕业论文答辩学生在进行论文答辩时应重视论文答辩时间的掌握。对论文答辩时间的控制要有力度，到该截止时的时间立即结束，这样，显得有准备，对内容的掌握和控制也轻车熟路，容易给毕业论文答辩委员会成员一个良好的印象。
文明礼貌
在答辩过程中，除以上几点需要注意外，这一条也需要注意，虽然起不上很大的作用，但可以给答辩老师留下一个好的印象，在你和他人势均力敌的情况下，一般而言答辩老师选择的是你。
论文答辩常见问题
1、自己为什么选择这个课题?
2、研究这个课题的意义和目的是什么?
3、全文的基本框架、基本结构是如何安排的?
4、全文的各部分之间逻辑关系如何?
5、在研究本课题的过程中，发现了那些不同见解，自己是怎样逐步认识的?又是如何处理的?
6、论文虽未论及，但与其较密切相关的问题还有哪些?
7、还有哪些问题自己还没搞清楚，在论文中论述得不够透彻?
8、写作论文时立论的主要依据是什么?
插画定义 《辞海》对“插画”的解释是：“指插附在书刊中的图画。有的印在正文中间，有的用插页方式，对正文内容起补充说明或艺术欣赏作用。”这种解释主要是针对书籍插图作为的定义，是一种狭义的定义。 由于情报时代的来临，现代社会的发展，现代插画的含义已从过去狭义的概念(只限于画和图)变为广义的概念，“插画”就是我们平常所看的报纸、杂志、各种刊物或儿童图画书里，在文字间所加插的图画， 统统称为“插画”。插画，在拉丁文的字义里，原是“照亮”的意思。望文思义，它原来是用以增加刊物中文字所给予的趣味性，使文字部份能更生动、更具象地活跃在读者的心中。而在现今各种出版品中，插画的重要性，早已远远地超过这个“照亮文字”的陪衬地位。它不但能突出主题的思想，而且还会增强艺术的感染力。 插画是一种艺术形式，作为现代设计的一种重要的视觉传达形式，以其直观的形象性，真实的生活感和美的感染力，在现代设计中占有特定的地位，已广泛用于现代设计的多个领域，涉及到文化活动、社会公共事业、商业活动、影视文化等方面。 插画历史演变 插画艺术的发展，有着悠久的历史。对你我看似平凡简单的插画，却是有很大的内涵。从世界最古老的插画洞窟壁画到日本江户时代的民间版画浮世绘，无一不演示着插画的发展。插画最先是在十九世纪初随着报刊、图书的变迁发展起来的。而它真正的黄金时代则是本世纪五六十年代首先从美国开始的，当时刚从美术作品中分离出来的插图明显带有绘画色彩，而从事插图的作者也多半是职业画家，以后又受到抽象表现主义画派的影响，从具象转变为抽象。直到70年代，插画又重新回到了写实风格。中国早期插画形式 中国最早的插画是以版画形式出现的，是随佛教文化的传入，为宣传教义而在经书中用“变相”图解经文。目前史料记载我国最早的版画作品，唐肃宗时刊行的《陀罗尼经咒图》。刊记确切年代的则是唐懿宗咸通九年(868年)的《金刚般若经》中的扉页画。到了宋、金、元时期书籍插画有了长足的进步。应用范围扩大到医药书、历史地理书、考古图录书、日用百科书等书籍中，并出现了彩色套印插画。明清时期，可以说古代插画艺术大发展时期，全国各地都有刻书行业。不同的地域形成了不同的风格。插画的形式大体有以下几种：卷首附图、文中插图、上图下文或下图上文、内封面或扉页画和牌记等。 我国古代插画的历史演变，可以看作是版画的发展历史。同时，也是民间年画史。只不过民间年画更早地独立成为一种商品，它是商业插画的前身。 欧洲的插画历史与我国相似，最早也是运用于宗教读物之中。后来，插画被广泛运用于自然科学书籍、文法书籍和经典作家文集等出版物之中。 社会发展到今天，插画被广泛地用于社会的各个领域。插画艺术不仅扩展了我们的视野，丰富了我们的头脑，给我们以无限的想象空间，更开阔了我们的心智。随着艺术的日益商品化和新的绘画材料及工具的出现，插画艺术进入商业化时代。插画在商品经济时代，对经济的发展起到巨大的推动作用。插画的概念已远远超出了传统规定的范畴。纵观当今插画界画家们不再局限于某一风格，他们常打破以往单一使用一种材料的方式，为达到预想效果，广泛地运用各种手段，使插画艺术的发展获得了更为广阔的空间和无限的可能。在中国，插画虽然发展的较晚，但追其溯源，方远流长．插画经过解放后黑板报、版画、宣传画格式的发展，以及20世纪80年代后对国际流行风格的借鉴，90年代中后期随着电脑技术的普及，更多使用电脑进行插画设计的新锐作者涌现…… 插画从诞生的母体——书籍以外，找到了巨大的生存空间。丰富的载体随着技术的进步、社会的需要而不断涌现。
我也要写啊 你写好了没
相关范文：基于品牌展会评价标准的展会品牌战略管理思考[摘要] 本文在对商贸类展会品牌概念和品牌实质进一步确认和明晰基础上，提出了我国品牌展会的八条评价标准，并以此为依据对展会运营机构进行品牌战略管理给出了若干建议。[关键词] 展会 品牌 标准 战略中国会展业发展迅速，各地不断推出的商贸类展会，从宏观来说，为提升我国制造业水平、为打造城市靓丽名片、为加强我国工商界人士的国际交流和拓展国际空间提供了非常有效的平台；但由于展会运营机构办展水平参差不齐，其中的一些展会未能获得好的经济效益和社会效益。究其原因，主要有二，一是有些展会运营机构由于热衷于追求短期经济利益，不重视对展会品牌的长期培育，导致展会不能持续发展；二是有些展会运营机构虽然有展会品牌培育意识，但由于对展会品牌内涵理解不深和对品牌管理重点把握不准，导致展会的发展也不如意。前一种情况，可以通过展会行业管理加以规范；而后一种情况，展会运营机构必须通过学习展会品牌管理理论，掌握展会品牌战略管理重点，方可使展会走上可持续发展轨道。本文的重点旨在针对后一种情况，通过确认和明晰商贸类展会的品牌概念和品牌实质，提出我国品牌展会的评价标准，并以此为依据给展会运营机构进行品牌战略管理提出若干建议。一、展会品牌概念与展会品牌实质在对商品经济的研究中，人们对产品品牌的认识，以及表述是琳琅满目。在学习他人观点的基础上，笔者的理解是，产品品牌是产品全部无形资产的总和，这一“总和”可以以可见的形式呈现出来，比如特定“符号”，如名称、图案、颜色、字体等，或是它们的相互组合等；也常以一种比较抽象的形式呈现出来，如给人带来的好的联想和人们的偏好。这些“符号”以及联想、偏好等，使产品品牌具有区别它物、证明品质的功能。通常说的品牌产品，就是指那些个性鲜明、质量优异的，能给消费者带来好的感受的产品。品牌产品所包含的无形资产往往具有很高的价值。产品品牌的实质是产品的差异化，这种差异化是由产品之形象和内涵交叠形成的，能引起消费者产生共鸣的差异化使产品在市场中具有更显著的竞争优势。会展业的主要产品是展会项目（本文所论述之展会是指商贸类展览会或博览会），如中国进出口商品交易会、中国—东盟博览会等，属于服务产品。展会品牌是指展会项目之无形资产的总和，物化可视的是展会的名称、标识、吉祥物等，抽象可感受的是好的联想和亲近感。品牌展会是指那些形象鲜明、服务优质，知名度和美誉度高的展会。展会品牌的实质是展会项目的差异化，这种差异化，是建立在满足参展客商需要，定位清晰、形象鲜明、卓有成效的基础上。对于一个展会而言，品牌创立从成长到成熟，是一个长期的品牌战略管理过程，其中凝聚了展会主办机构大量的心血、智慧和创新。一个品牌展会的打造，需要有明确的品牌战略，以及相应的实施策略，包括品牌定位、品牌形象树立、品牌经营和品牌文化形成等。在研究展会品牌战略管理前，有必要在上述理论的基础给品牌展会一个具体的描述，即展会达到什么样的标准才能称其为品牌展会，从而使品牌战略管理有明晰的方向。二、品牌展会的评价标准用什么标准评价一个展会是否是品牌展会？迄今为止，国际国内没有统一的标准。综合业内人士的看法，结合我国的实际，笔者认为在我国满足以下八个条件的展会可称为品牌展会。一是良好的展会举办地及场馆。展会举办地城市的环境美化、交通运输、酒店服务、消费娱乐等是否良好，展馆是否能够提供舒适的展示空间、优质的设施服务等是吸引客商参展的重要因素。二是行业协会和行业代表企业的坚定支持。行业协会，以及行业中代表企业对展会的坚定支持，是确保展会宣传效果和影响力的重要条件；行业协会的参与，以及行业中代表企业的参展无疑也提升了展会的水平。三是形成规模效应。品牌展会必须是在同类型或同行业展会中规模大的展会，在展览期间，整个行业众多有实力的卖家、买家和中介齐聚一堂。有规模效应的展会，意味着大批的产品供应商和采购商参展，以及由此降低的组展商单位成本，和其他各方投入产出比率的增加。四是代表行业发展方向或展示行业最高成就。这体现了展会的专业性和前瞻性。这样的展会必定有明确的目标市场和目标客户，且能提供几乎涵盖整个专业市场的所有信息。由于提供的信息全面、专业，必然吸引众多客商和观众参展。五是一流的展会服务。展会服务贯穿于组展商的整个运营过程，从市场调研、主题立项、寻求合作、广告宣传、招展手段、观众组织、活动安排、现场气氛营造、展后服务，甚至包括所有对外文件和信函的格式化、标准化等，都须具备高的专业水准和从业人员的严谨处事态度，服务过程体现高效和细致。六是战略规划指导下的连续性和灵活性。只有科学合理的展会发展战略，才能使展会资源得到很好地分配，才能使展会从谋求短期利益走向谋求长远利益。展会的连续性要求展会在一定时期内在举办时间、频率、地点和主体活动等方面基本一致；灵活性要求展会根据国内外会展业发展趋势和参展商要求不断进行改革和创新。展会生命周期的延续是连续性和灵活性的统一，一成不变或忽视市场变化的做法将使展会难以为续。七是媒体的强力合作。有影响力媒体的强力合作是展会影响力的重要保障。一个展会要成功举办，并发展成为品牌展会，媒体宣传报道充分与否至关重要；展会品牌的形成需要媒体的大量的正面报道；媒体的权威性和可信度，亦有助于提升展会的知名度和美誉度。反过来，品牌展会也会在一定程度上吸引众多媒体的关注。八是得到政府的大力支持。在我国目前的体制现状下，能得到政府支持的展会，往往能获得良好的综合效益，包括经济和社会效益。这样的展会，展会运营机构在政府的支持和帮助下，能整合更多的资源，从而能为参展客商提供更多的实惠和便利，办展质量往往较高，展会的品牌影响力更容易扩张。三、基于品牌展会评价标准的展会品牌战略管理思路上述的品牌展会评价标准，为展会主办机构的品牌战略管理提供了有益的启示。1.树立品牌观念，制定品牌战略要培育一个品牌展会，首要的是展会运营机构要树立牢固的品牌观念，认识到只有走品牌化发展道路，展会才可能持续发展。树立了这样的品牌观，展会运营机构才会从举办地及场馆的选择、主题的立项、展会活动的策划、展会活动的组织与管理、展会的创新等具体方面来实施展会的品牌化发展。同时，必须认识到展会品牌的建立是一个长期的过程，展会的运营机构要制定长期的发展规划，确立展会的品牌发展战略。只有在较长时间内坚持一种战略，而不轻易游离的展会运营机构才能赢得最终胜利。2.研究环境变化，满足客户需要对展会运营机构来说，参展商是客户，对参展商来说，专业观众是客户。客户满意，展会才有可能持续发展和壮大。客户的需求是变化的，要做好服务，就必须尽最大努力满足客户的需求。此外，展会的外部宏观环境、行业环境、竞争环境都在变化，只有适应变化，不断创新，展会才有生机和活力。因此，市场调研尤其重要。设立高水平的研究机构，确保研究内容的科学性、时效性、针对性，是展会品牌战略制订和实施的前提和基础。3.发挥各方作用，有效整合资源为打造强势品牌，展会运营机构还应充分利用各种相关资源，发挥不同利益主体，包括主办机构、承办机构、协作机构、参展商、专业观众、展会场馆、展会所在地等对展会项目运作各个环节的支持和配合。利用先进的技术手段分析、梳理、整合各种资源，并加以综合利用。在整合资源的过程中，展会运营机构必须努力寻求专业协会、行业内领导型企业、有影响力的媒体、政府等多方的支持。因此，展会运营机构应主动沟通、服务先行，强调互惠多赢合作，以最大程度聚集资源、盘活资源，为展会项目的运营管理服务。4.致力专业化，展示新成果专业化是打造品牌展会的必由之路。专业化能够形成差异化，差异化可形成展会的竞争优势。专业化使展会运营机构在市场细分的基础上，更好地把握客户的需要，从而在招商招展和展览会现场管理等过程中更加准确、有效。专业化需要展会运营机构建立科学的管理体系、拥有专业化的人才队伍、实行完善的操作规范、形成优秀的企业文化。专业化要求展会专注于某一行业或某一市场的客户，努力把握行业或市场发展的脉搏，展示行业的最新成果，以新技术、新产品、新观念的不断推出，占据同类型展会的制高点。5.完善场地设施，提升服务水准场地设施是否完备、便捷，服务水准是否高水平，对展会品牌形象的树立至关重要。场地设施属于展会的硬件，服务属于软件。硬件建设要使展会的设施，包括展馆的空间、水电、采光、空调通风、宽带网线、消防、电梯、通讯传输、疏散通道等是齐备的、令人舒适的、便捷的、安全的。软件建设要保证展会服务达到一流水准，包括招商招展、迎送接待、通关检验、现场服务、知识产权保护、安全保卫、展后跟踪等都必须是高水准。为此，展会运营方要加大先进技术引进和服务人才培养的力度，做到展会的软、硬件建设与国际先进水平接轨。6.拓展品牌空间，善用品牌资源要扩大展会品牌影响，必须拓展品牌空间。展会品牌空间包括时间、地域和价值三个方面。时间方面主要指展会举办期的长短、举办的频率等，当展会发展到一定程度，适当延长举办时间，或增加办展频率，可以提高总效果；地域方面主要指展会的地域扩张，比如一些国外著名展会在其他国家办展等，可扩大展会品牌在世界范围的影响；价值方面主要指品牌的综合经营，品牌的物化形式，如名称、标识、吉祥物等是重要的品牌资源，要善加保护和利用，通过与高质量、高层次客商的合作，取得品牌的综合经济效益和影响力，提升品牌的价值。7.优待新闻媒体，打造网络品牌展会品牌良好形象的塑造，必须借助国内外有影响力的新闻媒体的大量正面宣传报道。做好对这些新闻媒体的公共关系工作，保证展会期间媒体和记者能得到很好的待遇，将吸引更多的媒体或记者关注和报道展会。在众多媒体当中，互联网是一种新型媒体，它综合了传统媒体的许多优点，且互动能力突出，是展会品牌传播的重要平台。展会运营机构应充分利用互联网络的功能，通过建立网站、规划网站内容、美化页面、信息筛选和及时更新等一系列工作，在现实展会之外打造精品网络展会，高效传达品牌认知和美誉。8.争取政府支持，构建良好环境品牌的形成需要良好的外部环境。在我国，寻求政府对展会的支持是保护和提升展会品牌形象的重要一环。通过政府的力量，可有效打击重复办展现象以及品牌侵权行为，避免客商资源的分散和不良口碑的传播，从而保护品牌展会运营机构的权益；通过政府渠道，可利用国内、国外两个市场，聚集国内、国际两种资源，为提高展会的成效服务；利用政府的影响力，可协调理顺展会活动各方的关系，保障展会的健康发展；利用政府的补贴扶持政策，可扩大展会的规模和提高展会的质量；利用政府的对外关系，可拓展展会的海外空间。四、结语我国商务部对会展业宏观管理的举措中，有一项是加强培育品牌展会，做大做强中国会展企业。培育品牌展会，这既是展会运营机构的社会责任，也是自身发展的需要。各展会运营机构按照品牌展会的评价标准，扎实做好展会品牌战略管理的各项工作，才能保证展会取得长期的经济效益，才有助于从整体上提高我国会展业的水平。参考文献:[1]余明阳.博览学[M].上海：复旦大学出版社，2005：176－179[2]俞华朱立文:会展学原理[M].北京：机械工业出版社，2005：173－175[3]许传宏:会展策划[M].上海：复旦大学出版社，2005：115－116.[4]陈泽炎:“政府型展会”的创新发展之路[J].中国会展，2006（21）：60－61[5]张丽:展会升级 出路还是死路[J].中国会展，2006（23）：34－37[6]王重农:城市节庆品牌的培育和打造[J].中国会展，2006（7）：52－53仅供参考，请自借鉴希望对您有帮助
本文在对视觉传达设计师各个创作阶段进行了详细分析的基础上，从视觉传达设计师的非数字化创作时期及数字化创作时期出发，将个人创作的完全独立时期、合作创作时期和主导创作时期进行比较，得出了创作独立性不是一个单纯的线性发展的历史，而是随着时代不断发展变化的事件。文章最后讲述了关于认识创作独立性对于我们规划未来的现实意义。 在上个世纪二十年代，书籍设计者维岑斯创造了“视觉传达设计师”这个名称，形容“使印刷传达有结构和视觉形式的个人活动”①行为。它的意义在很大程度上预示了视觉传达设计师工作方式的独立性。从传达设计开始的一个人独立工作的创作方式，到现在由自己决定创作概念并同他人合作的创作方式，设计师们的创作状态有了很大的变化。如何正视这种变化，正确认识到自己的创作独立性所处的状态，从而帮助我们更好的发展，是非常值得我们关注和思考的。 一 独立创作的视觉传达设计师 非数字化时代的视觉传达设计师 在数字化设计高度发展以前，每一个设计师在设计创作时，基本上从头到尾都是一个人包干。他们通过一个人去探索主题的计划性，掌握用颜料绘画不容许有失误的技术能力，进行个人创作，直至完成作品。他们这种独立创作状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态极其相似。正如我们所知，视觉传达设计的历史并不长，很多的设计师现在依然从事着设计工作。例如：日本的田中一光、福田繁雄、户田正寿、南部俊安，波兰的Wieslaw Walkuski等。在欣赏他们的作品时不难发现，虽然不是在同样的时间、地点进行创作，但他们都具有相同的特征，即扎实的手绘功底，以及从他们独特的个人视角诠释的设计作品。正如户田正寿所说：“多少年前，在设计创作时，我基本上从头到尾都是一个人包干的。”②他们所处的正是非数字化时代的视觉传达设计师的一种普遍状态，即在创作概念、制作过程上拥有主控性的独立创作状态。相对与他们，数字化时代的创作者的独立性就有了些限制,但仍有这样的一部分人群拥有创作独立性，视觉传达学习者、独立创作的设计师占拥有创意独立性人群的绝大部分。 数字化时代的视觉传达学习者 社会的不断发展，使越来越多的人通过学习关于视觉传达的知识，掌握了如：Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw这样的数字处理软件，期望能就此走入视觉传达的设计世界。他们大多通过进行假的设计课题，或参与非商业性质设计比赛的方式来学习。在这种脱离了市场运作的状态下，他们也同样拥有对创作概念上的主控性。最普遍的例子就是在学校学习的平面设计专业的学生，当然还包括喜欢视觉传达这个活动的人。在中国平面设计在线设计长廊的竞赛传真③中的16个展示中，设计者不仅是设计师们，还有更多处于学习阶段的人们。对于同一个比赛命题，正是因为有了创作者在创作概念上的主控性，才有了这缤彩纷呈的设计。想在结束学习后继续保持其创作独立性，就需要定准自己的目标，是与人合作还是进行个人创作。最好能多观察数字化时代的独立创作者的创作与运营方式，结合自身的实力求发展。 数字化时代的独立创作者 同视觉传达学习者有所区别的是，数字化时代的独立创作者大多是应运市场要求和个人愿望而诞生的个人工作室的创立者，或大型设计公司的设计总监、艺术指导类的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者依照客户的要求进行着设计创作，他们同样拥有对设计创作概念上的主控性，有时还不仅如此。户田正寿认为“作为艺术指导，首先要做的工作是决定创作概念，定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。挑选创作人员时最重要也是最关键的事，是一定要合适那个创作概念的。否则，即使那人再优秀，也还是不用为好。②”从他的观点中不难发现这类人的创作独立性已经发生了改变，更多的是对关键事宜的独立思考，且其垄断和主控性在此得到了一定的体现。不过这并不是说他们不需要合作，脱离社会的设计是不存在的。 以上三类视觉传达设计师虽在创作方式上有所不同，但数字化时期和非数字化时期的设计师有一个本质上的相同点，就是他们都是独立的创作者。但正如历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也是不能用是否数字化来区分的，它始终是个发展的事件，独立性的变化和发展趋势就是对这种螺旋形运动的事件的分析。
二 视觉传达设计师创作独立性的变化 成为一个视觉传达设计师就如同其他专业的人一样，都有一个学习的过程，因此从历史的普遍性上讲，他们大多都有过如下的几个时期：技术上学习，思想上独立的创作状态→技术上合作，思想上也合作→技术上合作，思想上独立的创作状态。我们不难发现这其中有个循环的变化。但设计师的这种循环和一般时间的那种线性链接的循环是迥然相异的，不光是设计师个人上的不同，更大的不同在于现代社会融合的趋势使得设计师们的独立创作状态，在不断的复杂互渗之中有别与最初的独立状态。 个人创作——即完全独立状态 这是一种完全按照个人的意念、愿望来进行创作的状态。学生的创作和部分设计师的意念创作，还有一些为自己进行个人推广而进行的创作状态都属于这个范畴。追求和表现自己独特的观念、认识，并创作出能有效体现设计思想的作品，是这种创作状态存在的根本原因。维也纳的设计师卓思乐认为：“设计必须有个人风格，并传送艺术信息，个人的演绎最为重要。”④他的话在很大程度上描述的正是个人创作状态的设计师们的心里所想。这种状态如果向极端发展就会造成设计师的理想与市场的脱离，但如果发展得好就会获得巨大的成功。我在对艺术资源网世界设计师中列举的54名设计大师的统计中发现，仅有丹·赖辛格、塔帕尼·阿尔托姆、小岛良平、约瑟M·特里亚、松永真5位设计师在设计公司或广告部门工作过，其余的49名设计师要么在学校任职，要么就在毕业的时候就创立了自己的工作室或协会。他们大多都通过参加各种国际性展览来展现自己，其作品也大都被各博物馆和美术馆收藏。这可以说是个人创作状态成功方式的具体例子。当然，我们也不能忽视事物的背面，随着社会的发展设计被放到了一个很高的位置上。于是，一些设计师便产生一种“救世主”的心态，似乎一切问题都可以通过设计来解决，他们往往认为自已的思想走在普通消费者之前，而消费者根本不懂设计，因而不屑于了解消费者的思想，反而责怪消费者不懂得欣赏自己的设计，就象一个孤芳自赏的“现代艺术家”。沃尔特·格罗庇乌斯在1922年就曾意识到这点：“我们都很清楚。我们周围的事物都不是孤立存在的，而是以我们发展中的哲学为后盾的。”⑤包豪斯也曾意识到这点——“一旦包豪斯失去与外部世界的工作及其工作方式的联系，它将成为怪人的避难所。学校有义务训练那些清楚地了解他们所生活的世界的本质的人和那些有能力用他们的综合知识和想象力来创造能够象征这世界的典型形式的人。”⑤因此，我们应尽量避免进入这样盲端的个人创作当中。应当记住设计最终是为传达信息,传播资讯，与客户、技术人员以及更多的相关人员的合作能够更好的实现设计的最终目的。至于怎么样既保持创作独立性又能实现最佳的传播，在合作创作及主导创作的分析中有详细的说明。 合作创作——参与创作但服从创作概念的制作 合作创作讲的就是合作，同客户合作；同设计同行合作；同需要我们的人合作。它同个人创作有着一种承接的关系，当然那种“我如何去想，决定了我怎么去设计”的想法在此是绝不适用的。随着社会分工的细化，进入公司后的设计师大多从事的是局部的设计与调整，对于创作概念的决定上处于被动的位置上。只有在设计师在做自我推广时，才恢复到独立创作的个人状态中。当个人创作状态的学习者初融社会时，就会面临这样一个需要转变态度的时期。 自动装置（伦敦皇家美术学院研究生视觉传达课程的产物）认为：“设计必须与客户合作，必须鼓励对话与增长创意，以建立吸引人们目光与注意力的支流。每个设计都以平等的方式处理，每个解决方案都是一个不断发展中的对话的自然而然的产物。”⑥“骑工作室”始终把同客户的交流作为他们创作过程中的重要方面。在《非常设计——世界著名工作室作品展例》所列举的42个工作室里有5个象这样明确指出同客户合作重要性的工作室。在与客户合作的基础上最大的变化就是创作概念的主控性上的转移。大多没有社会实践经验的设计师，最初进入公司的时候只是整个设计流程中的一个工作部分。从文案创意到设计中的美工、设计师、美术指导都是服从于创作概念的。如果说一个设计分为：构思过程－－创造事物（或产品）的意识，以及由这种意识发展、延伸的构思和想法。行为过程－－使上述构思和想法成为现实，并得以最终形成客现实体（或产品）的可行性判断和形成过程。实现过程－－以最合目的性、实用性和经济价值为目标贯穿于整个设计活动．并将完成的事物(或产品)实现其所应有的综合价值。处于合作时期的设计师大多就只是行为过程的执行者。 这个时期也许压抑了很多设计师的个人化语言，但我们依然有展示自己的空间。台湾有一个名为“垃圾桶里的创意”的设计比赛，所有只要你自己认为是好的设计，不论是被主管还是老师枪毙过的作品都可以参加。它宽泛的参赛资格（只要对创意工作有兴趣，不分社会人士或学生，黑秀网会员或非会员皆可参加。⑦）就是为了提倡不论在什么时期都应重视个人的创意，而这正是对创作概念主控性追求上无时期差别的体现。正是因为设计师们对创作概念上的独立性追求，这种参与创作但服从创作概念的创作时期一般被作为一个向主导创作发展的缓冲期。 主导创作——构思独立制作合作的状态 在社会不断强调设计重要性的当今，越来越多的设计师成立了自己的工作室。他们在创意构思上独立，在制作上合作，这就是设计师创作独立性的另一种状态。例如：“假发”工作室在给大西洋唱片公司制作的唱片标签与标志的案例中，“假发”工作室的设计师迈克尔·罗宾森先是同摄影师合作，接着请照片处理师合成照片取得了乐队想要的效果，最后同其他的设计师合作制作了乐队的标志。⑥他决定了创作概念，在定了概念之后，挑选了适合的创作人员，虽然合作创作贯穿了整个设计，但我们更应看到他对整个设计的主导性。同样从户田正寿对挑选创作人员的高度重视当中，我们不难发现，对于创作的主导性是一个贯彻于每个细枝末节的。用迈克尔·罗宾森的话说，主导创作就是：“先有一个理念，然后让很多有才华的人来分工完成。”⑥它与完全独立状态的制作相比集众家之长的设计具有相当的优势。它既能体现设计师独特的设计想法，又能补充制作上的不足，有时还能帮助设计师从被动转换到主动设计的状态。即，策略型设计。“韩湛宁：成为一个平面设计师的初期困难吗？做为一个闯入者，你如何被大家所接受，你又是如果开展业务的？欧宁：在我决定进入设计界的时候，我已胸有成竹。我不想象这个行业的大多数人一样，听命于客户的要求，因此我独立开发自己的设计项目。《北京新声》原计划是一个独立出版物，我投了一点钱用于前期的采访和拍摄，后来它得到湖南文艺出版社的支持，它完全是一个百分百体现我自己意念的项目，出版社未加任何意见。对于创作型的人来说，创作比经营更加有趣，我不想失去这种乐趣。”⑧可以说有这种想法的设计师不在少数，福田繁雄就曾在西门子移动创意营中解释过，为什么他没有工作上的助手一直都是一个人创作，“创作是那么的有意思，为什么要把这么有意思的事交给别人去做呢？”可见设计创作的乐趣正是主导性创作者所拥有的，设计师们处于个人创作时期拥有过，在合作创作时期失去了。但视觉传达学习者同样也可以进行主导性创作。也许他们有一个很好的创意，但在技术上却不能达到当初的设想，这时候寻求技术上的合作将创意最终通过最好的形式表现出来，这种创作也可以认为主导性创作。俗话说“三个臭皮匠，顶个诸葛亮”，学习过程中的不足完全可以通过合作进行弥补，最重要的是不成熟的创意和想法可以在磨合中逐渐完善。即实现了最初的想法，又学到了更多的知识，更学会了怎么与人合作。
别人的东西，就是别人，永远不可能抄袭可以变成自己的。