马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。 历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂，康城的三圣教堂，德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻，都具有代表性。 罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，都是哥特式教堂。而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。 14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。 从15世纪后半叶开始一直16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕刻家，差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。 西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！ 【吻】 "Le Baiser" 奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917） 罗丹是法国的著名雕塑家，创作风格深受米开朗基罗影响，擅长人物、情感及动态的深入刻画。「吻」是罗丹众多的知名作品中，少数能与「沉思者」相提并论的名作；藉由罗丹这件神来之作，但丁「神曲」里保罗与法兰契斯卡的悲剧爱情，得以感性地呈现出刹那间的永恒 【遗弃】 "L'abandon" 卡蜜儿．克劳戴（法国，1861~1943） 1886年与卡蜜儿热恋中的罗丹完成名作「吻」，两年后卡蜜儿完成了「遗弃」的陶塑原模。此作取材自印度爱情神话，原名「沙昆达娜」，又名「委身」，后才更名为「遗弃」；作品的易名道尽了卡蜜儿与罗丹的恋情始末，此作也彷佛影射罗丹跪在被遗弃的卡蜜儿面前请求宽恕。奇美收藏的是，出卡蜜儿在1910年法国艺术家沙龙展中的参展原作，系为1905年铸铜而成。 【人型的橱柜】 "Cabinet Anthropomorphoque" 萨尔瓦多．达利（西班牙，1904~1989） 达利的创作特色是将现实世界中的实体任意地扭曲变形，他在「米罗的维纳斯」一作中认为身体是有好几部分的，并可分开抽出来，而此作「人形的橱柜」他亦是秉持着这个观念，将人体的身体化为许多抽屉，可说是达利作品中相当典型的创作 【洗脚的女郎】 "Femme se lavant jambe gauche" 艾德嘉．窦加（法国，1834~1917） 艾德嘉．窦加受印象派的影响，整个作品在每个不同的角度中，均呈现出一种多变的不安定感。窦加把女与椅子表现得相当独特，尤其是披挂在椅子上的衣物相当抽象，反观女郎面前的水桶，却相当写实，如此极端的两种风格，在窦加独具用心的诠释下，展露出无与伦比的完美组合。 【铁修斯战胜半人半马的怪兽】 "Thésée combatant centaure Biénor" 安端-路易．巴里 （法国，1795~1875） 巴里是十九世纪中叶法国最重要的动物雕塑家。此作的石膏原型曾在1850 年的法国艺术家沙龙展中展出。半人半马的怪兽（Centaure）和Lapithes 族人的争战是古典艺术中常常取材的主题，它也文明战胜野蛮的象征。此作品系由 Barbedienne所翻制，有 Barye 1860之签名，是最原始的大尺寸（当时仅铸作两件），也是巴里生前所有创作售价纪录最昂贵之作。现今典藏于纽约大都会博物馆及罗浮宫的同尺寸作品皆为巴里死后才翻铸而成。 【人体】 "Torso" 亚历山大．阿基边克（俄裔美籍，1887~1964） 二十世纪初至第一次世界大战前的十五年间，欧洲艺坛出现了两个代表现代造型理念的艺术理念，分别是野兽派及立体派。阿基边克是立体派重要雕塑家。立体派有感于非洲艺术单纯造型的美感，正如此像以极简练的几何造型呈现女性胴体，作品透露理性、纯粹的美感。此作完成于1914年，正值阿基边克的创作盛期 【弓箭手】 "Tireur à l’are" 皮耶．勒．法居叶兹（法国，1892年出生） 装饰艺术（Art Deco）于1920年代、1930年代出现于欧美各地，它注重感官趣味，崇尚唯美，创造了前所未有的视觉飨宴。皮耶．勒．法居叶兹是法国极为成功的装饰艺术风格代表之一，他以象牙、青铜、银、石头等多媒材成功地刻划出一位古罗马造型的战士，简洁有力的线条，勾勒出战士拉弓时，力道强劲的优美站姿，充分展现装饰艺术力与美的极致。 【加拉蒂与海豚】 "Galatea Riding a Dolphin" 安西里欧尼（意大利，1832~1894） 在此作中加拉蒂丰腴的胴体扭曲斜倚着海豚，卷曲的秀发随风飘扬，造型动感十足；加拉蒂身上有许多雕刀刻出的细微纹样，或线条、或点状，在腹部、肘部、脚关节各处，类似真人肌肤上的肌理质感，使整个雕像栩栩如生。为了凸显女海神的主题，底座的石材特意挑选一满布细纹的大理石，彷佛海中起伏的波浪，遨游其上的海豚也呼应了主题，使作品充满了活力与生气。 【奥塞罗】 "Othello" 皮耶多．卡尔威（意大利，1833~1884） 意大利雕塑家卡尔威以创作莎翁剧中人物而闻名，奥赛罗是莎翁四大悲剧中的主题人物，乃为十五世纪来自非洲的摩尔人，高居将军之位而遭嫉，遂在误杀妻子后也自杀身亡。作者以首位演出此角色的男性演员为模特色，而于1869年完成此尊结合青铜与大理石的杰作。 【苏珊】 "SUZON" 奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917） 罗丹（1840~1917）近代雕塑之父。他用黏土，青铜和大理石，以前所未有的坦率，直接刻画平凡尘世的激情、痛苦情思欲念，他的艺术所展现出的时代性与浪漫气质是雕塑史上的一个高峰。漫长的艺术人生里他深受米开朗基罗，印象派及当代文豪雨果‧波特莱尔的影响。 1870年进入卡里埃．贝流兹（Carrier－Belleuse)工作室，当时作品皆需刻上卡里埃签名，罗丹为了多攒些钱，所以利用晚上雕塑一些女性胸像，然后刻上自己的名字出售。苏珊即为此时之作品，强烈敏锐的洞察力，勾勒出苏珊温柔婉约的表情，精致的脸孔，极其腻人，轻柔的卷发系上柔软的丝带，高贵的气质从作品中一吋吋浓郁的散发出来，堪称罗丹创作生涯中精彩细腻的早期代表作。 【坚忍的母与子】 "Mother and Child" 亚堤里欧．皮奇瑞利（义裔美籍，1860~1945） 此作曾于1915年在旧金山参展中获金牌奖。现今置于纽约中央公园的Columbus Circle入口作品乃为放大版本之作。作者大部份作品是以大理石或木材，但也有少数以石膏和青铜铸造的。此件作品描写受尽委屈的孩童，紧紧依偎在母亲的关爱的胳膊里，孩子好似找到安全的慰藉，哭泣倾诉与母亲温情的垂问，形成一个对应无间、自然写实的母子连心之实体。 【运动员】 "The Athlete" 唐纳多．巴卡里亚（意大利，1849~1930） 来自米兰学院的巴卡里亚，在他十七岁首次参展时，创作才能即被肯定，他的创作风格深深受到卡诺瓦 Canova 影响。此作「运动员」完成于1898年，当年曾在米兰展出，并于1902年在圣彼得堡参展时嬴得首奖。其造型是来自于希腊英雄赫丘力斯（Hercules）的构思，不但融合了高度的写实技巧，更是兼具理想美的作品，是作者巴卡里亚生平最具代表性的创作。 【爱神与赛姬】 "Cupid and Psyche" 裘里欧．贝冈左里（意大利，1822~1868） 相传赛姬拥有絻世的美色，使得维纳斯大为嫉妒，遂令儿子丘彼特用他那无可抗拒的箭，使赛姬爱上最丑恶的怪物，没想到连丘彼特也被赛姬的美迷惑而跌入爱情的漩涡之中。此件雕塑呈现丘彼特轻盈地浮在空中，温柔的吻着赛姬，丘彼特、赛姬双人形成X形的姿势，上扬的动态，传达出传说中缠绵爱情的浪漫，是意大利雕塑家贝冈左里的代表作之一。 【女孩系列】胡恩．克拉拉（西班牙，1875~1957） 胡恩．克拉拉以自然且生动传神的技法，雕出孩童纯真可爱的本质，更不忘以诙谐的手法呈现出孩童顽皮淘气的一面。这四件相继完成于二十世纪初，在动作上彷佛有其联贯性，件件趣味横生，不失童真。 四件作品描绘一位好吃的小女孩坐在高椅上，她被眼前高处的饼干吸引住了，急着想站起来，没料到却滑落下来，心想干脆换张椅子再试着爬上去，可是她又担心会被妈妈发现，不禁频频回头，总算平安无事的站在高椅上了。这下子她又伤脑筋，因为眼前好吃的东西太多，真不知要挑哪一样？结果才想好好地享用手中这块得来不易的饼干，居然狗儿也来势汹汹，紧紧咬住她的裙摆。细细品味这四件淘气女孩作品里的小动作，相当可体会童心的可爱之处。 回答者： EstelPersian - 见习魔法师 三级 12-8 17:59 分类上升达人排行榜用户名 动态 上周上升 wohaoainiyang 2365 骄阳出海 2020 风清月独醉 1580 清水小雪 1405 俺心扑腾 660 更多>> 订阅该问题MBA培训光盘5元/张,北京货到付款! 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我眼中的罗丹（笔者论文） 一提起罗丹，我便不想去谈论他有关雕刻的技法和形式的精妙，不想去讨论他对人体解剖结构的了如指掌，更多的是去感受作品本身所传达的本能和情感的真。 罗丹是真正让我感动的一位的艺术家，而不仅仅是一位雕塑家。他的一生是被人攻击和嘲讽、同时亦为人理解和支持的一生。但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹一生攀登，并终于登上米开朗基罗之后的又一高峰。罗丹坚信：“艺术即感情”。他的全部作品都证明了这一观念，都深刻揭示了人类的丰富情感。他之所以伟大，不在于有多么高深玄奥的思想观念，而是他个人对于个体生命的理解与这个充满悲意世界的哀叹,从而创造的那一尊尊透人心魂的雕塑所散发出的壮美的气息、无与伦比的力量和生活的真。 他偏爱悲悯或是感伤的主题，善于从残破中发掘出力与美。例如《加莱义民》《地狱之门》《思想者》《欧米哀尔》《乌谷利诺》等等作品。 《欧米哀尔》曾是一位年轻貌美、姿色过人的妓女，而她对如今的丑陋感到羞愧！ 《罗丹艺术论》中这样描述着：“他雕塑的那个比木乃伊还要皱缩的老妓女，正在悲叹她的衰老的身体，她弯着腰，偎踞着，移动着绝望的眼光。在两乳和干瘪的胸膛上，在布满可怕皱纹的肚子上，在那长满筋节犹如枯干的葡萄藤的臂上和腿上……”自古希腊，罗马以来，所有雕塑家创造的女性形象都以丰满圆润优美的造型给观赏者提供视觉上的审美享受，诸如《维纳斯》。当然，由于历史、宗教、美学等一些社会环境因素会自然而然形成“以胖为美”的审美观念，于是古典雕塑始终批着一层神秘的面纱。惟有罗丹的这件作品令人目不忍睹，可是它却是罗丹雕刻艺术的杰作，是他独特美学思想的体现。罗丹认为“在自然中一般人所谓‘丑’，在艺术中能变成非常‘美’” ，“在艺术中，有性格的作品才算是美的”。自然中人们认为“丑”的往往要比那些认为美的更能显露出她它的性格，因为内在的真实在愁苦的病容上，在皱巴秽恶的瘦脸上，在各种畸形和残缺上，比在正常健全的相貌上更加明显地展现出来。罗丹先生正是从又老又丑的妓女身上，挖掘出她内心世界的痛苦和灵魂深处的悲哀。
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兵马俑雕塑的艺术特色，主要是绘塑结合，注重传神，构图巧妙，技法灵活，形式和内容统一，既富真实性也富装饰性。正因为如此，兵马俑在中国的雕塑史上占有重要的地位，完全可以与希腊、罗马的雕塑媲美。 这些兵马俑大体上都是经过精雕细刻的，从己出土的1000多个陶俑陶马来看，无一雷同。，无一雷同。陶工匠施展塑、堆、捏、贴、刻、画等雕塑技法，从体、量、形、神、色、质等方面追求艺术效果，造型逼真，维妙维肖，栩栩如生，看上去非常精美，给人明快、深沉、博大、壮观、精美的印象。 兵马俑崇尚写实的艺术风格。从大量的出土文物来看，兵马俑是类比秦代宿卫军的形象而创作的。 士兵俑身高175厘米至200厘米，战马高150厘米至172厘米，长200厘米左右，形状大小与真人真马差不多相等。兵马俑的服饰也是完全按当时的情况设计的。因此，有些学者根据兵马俑千人千面的情况，推测当时制作这些陶俑，一定是用军队作模特儿；工匠们按照每个模特儿的体型和面部表情，塑造了一个个鲜活的人物形象。 不管这一推测是否正确，兵马俑的写实风格则是完全可以肯定的。需要说明的是，兵马俑的作者并不是追求细微末节的真实，而是把握形似的基础上进一步追求神似，从而大大提高了兵马俑的艺术品味。 兵马俑的造型是按各兵种列阵时的情形设计的，既表现了威武之师的形象，突出了机智勇敢、坚强不屈的总体特徵，又刻划了兵马的神态，突出了兵马俑的个性。这些兵马俑都从不同的角度，反映了秦代雕塑家的兵马俑的服饰是按照当时的军装和战马装饰创作的。士兵俑的服饰种类繁多：不同的兵种有不同的服饰；同一兵种在不同方阵，服饰也不尽相同；军吏与士兵的军服也有所差异。战马的装饰不拘一格：骑兵乘坐的战马与拉车的战马各有不同的饰品。无论是士兵俑的服饰，还是战马俑的装饰都追求形似。就连缀甲片的皮筋、扣接革带的带钩、绑扎腿部的绷带、系鞋的鞋带、鞋底的针脚，都一丝不苟地进行刻划。不仅如此，还根据情况巧妙设色，使这些服饰显得绚丽多彩。 造型艺术。 兵马俑的彩绘艺术有四个特点： 一是色彩明快，鲜艳绚丽。 二是色彩对比强烈。比如将军俑内穿朱红色中衣，外套暗紫色短褐，披著彩色鱼鳞甲。甲的边带以白色作底，用红、绿、黄、紫等色绘制几何形花纹。双肩、胸前、背后各有一朵用甲带扎结的花朵。这种设色方法使军阵的气纷显得热烈而又雄壮。 三是上身服色偏艳，下身服色偏暗，能给人庄重而踏实的感觉。 四是彩绘与雕塑互补，如马嘴和鼻孔塑得较小，但绘上红舌、白齿和肉红色的鼻孔后，就有了鼻孔歙张、张口嘶鸣的效果。(载自《兵马俑的艺术风格》等文）
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1 中国无雕塑？ ——中国古代雕塑的艺术特点初探 由于种种原因，中国古代雕塑并不像书法绘画等中国传统艺术一样为人所重视。在秦始皇陵兵马俑出土之前，甚至有很多国外学者认为中国无雕塑。而事实上，中国古代的雕塑艺术虽然不像其它艺术门类那样发达，也有其独特的艺术特色，不过这些特点也恰恰造成了中国雕塑不被理解的尴尬局面。 现将这些特点从七个方面归纳如下： 一、 中国古代雕塑有很强的实用性，缺少纯粹为艺术的雕塑 这是一般人不重视中国古代雕塑的主要原因。西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，崇拜运动和征战，他们为运动员和英雄塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。这些塑像以其超强的写实性见长，其比例线条以及各种细微之处都与真实人体严丝合缝，惟妙惟肖。如此形成传统，在西方世代相传，成为一种纯粹的雕塑艺术。中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期的艺术倾向于工艺美术，通常用于礼器和祭器，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。它们分为两大类，一类是纯粹的工艺品 ，一类为建筑装饰的雕刻。实用性除反映在装饰雕刻上以外，还反映艺术与宗教造像上。冥器是随葬用品，比如人殉的取代物俑，动物雕塑也用来代替活体陪葬，它们的实用性很强，并非纯粹的雕塑艺术品。此外，还有供信徒膜拜而用的宗教造像。以佛像为例，由于其实用性，佛像的塑造有很多特殊的要求，如佛像头部太大，两耳垂肩，手长过膝等等，很容易被认为比例不准确，解剖有错误而加以否定，甚而因为这样的原因而不承认为真正的雕塑艺术。纯粹的雕塑一般以纪念性雕塑为代表，而中国古代重视绘画艺术，通常以绘画来纪念人物或事件而极少使用雕塑， 例如历代帝王相和各种名臣奇将的肖像。 而纯粹的纪念性雕塑却很少见，有四川都江堰李冰像等少数例子。 历史老照片不能说的秘密慈禧军阀明末清初文革晚清2 中国自有中国的特殊文化背景和艺术特色，中国的实用性雕塑同样应该被承认、认识、理解和欣赏。 二、中国古代雕塑有显著的装饰性 来源于工艺美术决定了中国古代雕塑的这一特点。人物、动物、冥器艺术、宗教造像和建筑装饰雕刻等等，都普遍反映着传统的装饰趣味。和写实的西方宗教神像相比，中国佛像因装饰性的虚拟成分，更带有一种浪漫主义的感觉，但又包含一种和蔼与亲切。同时，装饰性对于增强佛像所要求表现的庄严肃穆气氛，也十分有效。比如辟邪石狮的整体造形，完全经过装饰化变形。装饰性的变形处理是夸张概括的手法之一。经过这样处理过的石兽，往往比写实的雕刻石兽更威风、更勇猛，且更神圣不可侵犯，能更好地发挥它们作为建筑装饰的功能。 三、中国古代雕塑具有明显的绘画性 中国古代雕塑和绘画是一对同胞兄弟，都孕育于原始工艺美术。从彩陶时代起，塑绘便互相补充、紧密结合。到二者都成熟之后，仍然在雕塑上加彩，以提高雕塑的表现能力。中国塑绘不分家，导致了雕塑与绘画审美要求的一致性。 在中国古代，绘画受到比雕塑高得多的重视。雕塑始终由工匠从事，文人士大夫极少参与。早期绘画的作者也只有工匠，但从东汉晚期开始，文人士大夫乃至帝王参与了绘画创作，从此成为中国古代绘画创作队伍的骨干力量。作为国家的统治者，他们的艺术观念影响了雕塑，使雕塑染上了明显的绘画性。 其绘画性表现为注意轮廓与身体衣纹的线条，这些线条都象绘画线条一样，经过高度推敲概括提练加工而成，和西方古典雕塑以空间的丰富变化来体现轮廓与衣纹的形状完全不同。后者更有立体感，更加接近真实。敦煌莫高窟的唐代塑像和麦积山石窟佛像都有此特点。中国雕塑从这一特点历代相沿，至今民间匠师仍然大都先勾人物线描草稿，象人物画白描一般，再复制成雕塑。也有人直接在硬质材料上勾线描稿，再做雕刻。由此可见其绘画性。 四、中国古代雕塑有着和中国画相似的写意性 西方雕塑从古希腊时期起，就努力摹仿再现自然，写实性极强。而中国雕塑，就如与其同宗同源的中国绘画一样，有着很强的写意性。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。 同时，这也与中国古代雕塑明显的装饰风格有关。装饰不求再现，只追求表现物象，因此发育出中国雕塑与绘画的共同品格——写意。中国画无论工笔还是写意，都不象西洋画那样精确地写生刻画对象，而是主要依据观察体验3 所得印象再加上想象，和客观对象保有相当距离，讲求“神韵”而不求形似。因此，若按西洋画的解剖、比例、透视和色彩等等准确度很高的科学化标准来衡量中国古代绘画，便会觉得一无是处。中国雕塑也是如此，它和中国画观念是一致的，而且贯穿了整个古代雕塑史。在以前的西方学者眼中，这样“写意”的雕塑作品当然不入流，甚至不被称之为“雕塑”。只有理解中国艺术自成体系、自有追求，才能懂得、喜欢和品味中国画合中国雕塑的美感。秦始皇陵兵马俑出现以后，“中国无雕塑”的说法不攻自破了，因为秦始皇陵兵马俑显然表现出高于中国历史上其他时代雕塑的写实性，比例轮廓都更加写实。 然而，秦始皇陵兵马俑也只是个例，并不能改变中国古代雕塑显著的写意性特征。 并且，同样的，中国雕塑的写意性特征亦应获得承认与欣赏，而不应是其进入世界雕塑艺术领域的阻碍。 五、中国古代雕塑十分注重头部的刻画 由于写意性是中国古代雕塑的重要特征，而头部显然是体现“神韵”的重中之重，中国古代雕塑自然非常注重对头部的刻画。中国古人认为“头者精明之主也”。 这种重视贯穿了几千年，直到今天，在民间雕塑和农民画中，头部仍是艺术家首要表现的部分。头部以外的人体部分，便被看作是从属的，较为次要的。这样，在中国古代雕塑和绘画中，头大身小逐渐变成一种习惯造型。而优秀的作品总是能将欣赏者的目光吸引到作品的头部。在头部以外，又用充满韵律的身体衣纹线条来发挥美感。大足石刻、龙门石窟、云冈石窟等第都有大量明显头大身小的佛像，但是其头大身小的比例却不会影响它们的美感。当然，对于佛教造像来说，头大身小有另一个重要原因：这些佛像都比较高大，人们在礼佛的时候也都是仰视的姿态，按照正常比例的话，佛头必定会非常的小，这就不利于人们虔诚祈祷，也被认为是对佛像的不敬。 六、 中国古代雕塑体现中国古代的哲学思想 儒家哲学尊天命，受其影响，中国艺术反映为崇高、庄严、壮丽、重穆、典雅等等风格，如佛教造像。道家哲学崇自然，在艺术上则表现为飘逸、雄浑、淳厚、古朴、淡泊、天真等风格，比如很多装饰性或实用性的动物雕塑。 中国画和雕塑有意返璞归真，追求一种内在美，一种原始美，一种大巧若拙的哲学精神境界。这些追求是难于站在西方艺术角度来理解的，所以习惯了欣赏写实性雕塑的人，欣赏中国古代雕塑总4 会有一定程度的障碍。 七、中国古代雕塑遗产大量属于佛教造像 佛教在两汉之际经过丝绸之路传入中国，魏晋而兴起，隋唐而繁荣，期间修建了大量的石窟寺庙，塑造了大量的佛像。佛教美术有其特殊的经规仪轨，形成自己的特点。佛教产生于古印度。 中国艺术家在学习摹仿古印度佛教造像的过程中，逐步将它们加以改造，使其既保存了某些原产地的样式，又更多地体现出中国特色。上文提到的佛像两耳垂肩，手长过膝等特征就出自经规仪轨。佛像有所谓“三十二相”、“八十种好”的形象上的神化特征，两耳垂肩、手长过膝而外，又如螺发绀青相、顶上肉髻相 、眉间的毫相等等，在雕塑时都必须严格符合要求。佛和菩萨的肢体动作，比如“手印”，也都各有含义，必须符合相应条件下的要求。 上述各种特点，表明中国的雕塑在中国的艺术史上占有重要的地位，并且独居中国传统艺术的审美风格。中国雕塑不应该因为它的不同于西方雕塑的特点而不被承认。只要有其独特之处，一种艺术就有它存在与发展的理由和价值。 【部分资料来源】： 中国百科网——中国古代雕塑 百度百科 《中国古代雕塑百图》（王子云 人民美术出版社）
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