简谈钢琴音乐艺术在影视中的魅力和意义
摘要： 钢琴在所有乐器当中具有自身鲜明的特色，钢琴音色优美、音量空旷，而且音域特别宽广，表现力十分强大，所以将钢琴音乐艺术与影视相结合，有利于提升电影的感染力，使电影魅力更加多元化，进一步突出电影的主题。本文以影视作品中的钢琴音乐艺术为立足点，探求钢琴音乐艺术在影视中的魅力和作用。
关键词： 电影 钢琴音乐 魅力
钢琴在电影艺术表现中可以实现情感与音乐的融合，实现电影画面与音乐的融合，提升电影艺术的表现效果。纵观现在电影的发展，很多电影导演都十分重视发挥钢琴音乐的积极作用，将钢琴音乐恰到好处地与电影画面、内容、旁白等相结合，使电影的艺术魅力得以淋漓尽致地展现。
一、钢琴音乐在影视中的运用
钢琴音乐能够结合电影情节的发展，与电影画面实现良好的配合，不仅会给观众带来丰富的视觉享受，而且会使观众在情感上获得一种快感。将电影与钢琴音乐完美结合，有利于提升电影对观众的感性感染，有利于观众从电影当中获得更加真实深刻的体验。钢琴音乐对深化电影主题具有很大的推动作用。将钢琴音乐与电影背景相融合，有利于使观众更深刻地理解电影的内涵。纵观国内外电影的发展，以“钢琴”为题材的电影在数量上有很多，像影片《不能说的秘密》、《钢琴师》、《海上钢琴师》都是以钢琴为题材的典型影片，从这些影片我们可以欣赏到钢琴音乐在影视作品中的魅力价值。
第一、钢琴音乐在渲染影片背景气氛方面具有重要的推动作用。要想使一部影片的内涵得到淋漓尽致地表达，离不开电影音乐的积极配合，可以想象如果在战争题材的影片中没有关于战争的背景声音那么影片就会明显失真，同样在一部恐怖片中如果没有恐怖声音的配合，那么影片就很难达到恐怖的效果，钢琴音乐是电影音乐的重要组成部分，在电影背景音乐营造的作用十分重要。以《海上钢琴师》这部电影为例，影片主人公利用钢琴音乐的变化对自我内在情感进行了很好的诠释，随着钢琴音乐的变化，主人公的内在情感也在发生变化，钢琴音乐低沉温婉与其浑厚高亢浑厚时所表达的情感显然不同。
第二，钢琴音乐的抒情功能会增强电影的情感表现力。通常电影音乐的选择会以电影内容发展为依据，如果电影场景充满紧张感则就会配合上节奏十分紧凑的音乐，如果电影画面充满暧昧则就会配上比较暧昧的音乐，同样钢琴音乐作为电影音乐的重要组成部分，也会根据剧情的需要作出相应地调整。钢琴音乐本身就是感性的，结合电影本身的实际需要发挥钢琴音乐的抒情功能，会使影片的情感表现力大大增强。钢琴音乐在电影中的抒情功能特别突出。以电影《钢琴课》为例，影片女主人公的丈夫觉得钢琴搬来搬去是个累赘，想把钢琴丢弃在沙滩上，面对这些女主人公开始在沙滩上拼命地弹琴，女主人公的愤怒与不满被表现得淋漓尽致，此时钢琴音乐的抒情效果要远远超过直接用电影画面所表现的效果，使观众感受深刻。
第三，钢琴音乐对提升电影的艺术品位具有积极的作用。钢琴作为一种高雅的乐器，其声音美如天籁，充满高贵的意蕴，钢琴音乐可以对演奏者的内心情感进行展现，所以将钢琴音乐恰如其分地与电影相融合，有利于使电影的艺术品位获得提升。以电影《天使艾米丽》为例，影片的主旋律随着影片情节的发展不断变化，纤尘不染的钢琴音乐让观众享受到了完美的音乐视听，影片中的钢琴音符简短富有力量，好像丝丝细雨洒落在人的心田，大大提升了影片的艺术品位。
第四，钢琴音乐会对影片叙事发展产生积极的作用作用。通常钢琴音乐在影片中都是以背景音乐的形式展现出来的`，这样就会使电影情节即使在没有声音的情况下也不会显得特别突兀。钢琴音乐参与电影叙事发展要以实现电影画面、电影声音的完美结合为前提条件，电影画面与钢琴音乐的完美结合有利于推进电影情节的发展。以电影《罗拉快跑》为例，这是一部快节奏的影片，电影中有很多跑步的画面，影片钢琴音乐充满韵律，对影片主人公罗拉起到了很好地衬托作用，在钢琴音乐的衬托下整部影片充满运动美。在某些条件下，也可以将钢琴音乐作为电影叙事的组成部分。
二、关于钢琴音乐与电影相融合的几点思索
第一，钢琴音乐是感性的，钢琴音乐是某种情感的表达，将钢琴音乐与影视相融合一定要与影片情感表达相协调，影片中钢琴音乐与影片的融合一定要注重选择好恰当的位置，如此钢琴音乐才能够对影片人物的情感表达起到一定的推动作用，会使影片产生一种美感。钢琴音乐会提升电影的感染力，一部成功的电影中，钢琴音乐一定会与电影的内涵、情节、主题等融和得恰到好处。
第二，电影中的钢琴音乐能够对观众的内心起到一定的引导作用。很多观众特别理性，单纯观看电影画面很难真正走进到电影情节当中，因此在影片中发挥钢琴音乐的作用可以提升观众的感性认识。钢琴音乐在电影中通常被用作背景音乐，能够对电影气氛起到烘托与渲染的作用。钢琴音乐与电影的完美融合，有利于观众从电影中获得真实的体验。
第三，钢琴音乐在电影中充当着载体的作用，会使电影的戏剧性得到加强，很多电影对钢琴音乐进行反复重复，为观众留下了深刻的印象，有力地推动了电影情节的发展。钢琴音乐可以从不同角度在电影中发挥积极的作用，这种积极的作用所带来的积极效果往往是别的乐器所无法取代的，因此作为创作者应当重视钢琴音乐与电影的融合，挖掘音乐的潜在内涵与电影主题思想相契合，以钢琴音乐的魅力提升影视作品的魅力。
三、结语
充分发挥钢琴音乐的积极作用，从多角度、多方位与电影实现融合，有利于为观众创造出精彩的视听世界，同时也会增强电影的艺术表现力。钢琴音乐独特的艺术价值对整个影视电影艺术体系的发展十分重要。
参考文献：
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当然这也不能片面的理解为只能在和声变换的地方更换踏板，如吴祖强的《水草舞》的引子部分8个小节，但只换了1次和声，如果只换一次踏板的话，就会声音获得过多的泛音而变得浑浊，这是极其错误的。 2．节奏的需要 节奏影响着乐曲所要表达的情绪，而为传递乐曲的情绪所服务的踏板在使用时必须基于节奏的需要来考虑。往往是为加强节奏的效果而使用节奏性的直踏板法。 3．作品风格 作品的风格可以说最应当要注意的一点，在你选择踏板的使用的时候如果你不考虑作品的风格那将是致命的错误。因为每一首钢琴音乐作品均有其特定的风格，而同时期的作品也有其叫明显的共性风格特征。 在演奏巴赫的作品的时候对于巴赫的音乐作品，许多演奏家持有这样一种观点：巴赫的那些作品诞生的年代还没有右踏板的出现。在演奏中如果使用踏板，将影响作品的原始风貌。但不知是否有人考虑过在巴赫创作这些乐曲的年代同样没有现代钢琴的出现，那些作品是为羽管键琴和古钢琴所创作的。可见，我们在现代钢琴上演奏巴赫的作品就已经破坏了巴赫作品的原始风貌。 在巴赫作品中如何使用踏板的问题上菲鲁奇奥·布索尼的这段话可以给我们一些启示“踏板在巴赫的钢琴作品中是需要的，在钢琴作品中使用踏板而有听不出来，才是唯一正确的方法。有关这一点，我们指的是用踏板来连接两个依次进行的单音或和弦，为强调一个悬留音，为延续一个单声部，等等；一种处理方式其中并不显出具体的踏板效果……在任何地方只要可能，尽量用手而不是用踏板来延续一些音。”由于巴洛克时期和19世纪的声音概念不同，19世纪喜欢主要为密集的洪亮度、音型的融合和延续长的低音持续音而使用踏板，但巴洛克时期是具有对位的声部清晰，并且每个声部有对比性奏法的观念的时期，因此在弹巴赫的作品时不能将作品的踏板处理为19世纪时期的那种方式，应当要： （1） 不要把踏板踩得太深，以免产生太强的泛音； （2） 不要把踏板踩得太长，根据线条而不是根据和声使用踏板，多换踏板，保持声部清晰 如在下面巴赫的《平均律钢琴曲第一集》《降b小调前奏曲》的这段乐曲中就是用右踏板帮助在重复音中做到连音连接。 巴赫的作品在结尾处的尾奏部分往往使用的是一种完满终止，即Ｋ→Ⅳ→Ⅴ→Ⅰ这种极具有宗教色彩的结尾很大程度上是在模仿宏伟的“全奏的风琴”效果，如果不踩踏板就无法在现代钢琴上表现出这种效果。如下例是巴赫的《平均律钢琴曲第一集》《升C大调赋格》的结尾部分。 在演奏古典乐派海顿、莫扎特的作品的时候，由于在他们的音乐中，织体的清晰度、句法和奏法决不能搞得含糊不清。如同在钢琴上弹奏巴赫一样，在莫扎特或海顿中使用踏板必须觉察不出来。在使用时要注意 （1）在设计踏板使用时，应该首先不用踏板学习音乐，所有的奏法单独用手指完成，以后可以为了音色而少量的增加一些踏板，或为使一个难于应付的连奏变得更为容易而短时间的使用； （2）在快板乐章中，尤其在快速音群时，不使用延音踏板，而使用颤音踏板； （3）在中速或慢速的乐曲中，为增加共鸣，加强乐曲的连贯与和声的丰满可使用延音踏板。 由于贝多芬是要求踏板的使用达到可以感觉的程度的第一位著名的作曲家，在演奏贝多芬的作品时，有贝多芬亲自标明使用踏板的地方，必须要按照标记去做。在下面一些地方可以使用踏板： （1） 为保持逐渐的均匀的渐强和渐弱，可以使用踏板； （2） 为有助于演奏legato，增强乐句的连贯，可以使用踏板； （3） 为使音响更丰富饱满； （4） 为获得色彩性效果； （5） 为加强力度对比； （6） 为连接个乐章而使用踏板。 同时我们应当认识到，虽然贝多芬的作品中大量的出现了使用踏板的标记，但是他所做的标记是为他所知道的钢琴写作，而不是为了今天的乐器，特别是更少的传送力量，以及音域之间更大的区别的问题，会不时的影响踏板的使用，这时对贝多芬的踏板使用方法做适当的修改以适应现代乐器，但要注意的是有关气氛朦胧的原来概念应该保持下来。`另外一方面有迹象表明贝多芬使用踏板比他所标记的要多，但这不应作为可以毫无选择的使用踏板，或不去了解贝多芬最希望踏板为他的音乐做些什么的一种许可。 4 钢琴踏板的运用--我的毕业论文 到了浪漫派的肖邦，舒曼，李斯特的钢琴作品中，踏板的运用得到了极大的发展，他们极大的发掘了钢琴音色变化的可能性。作为音色变化的重要手段之一的踏板的使用也更复杂更精细。尤其是李斯特，在他的许多钢琴作品中见到的暗指的踏板效果以及明确的踏板标记，这表明他具备了一种远远走在他时代前面的对踏板用法的理解。至少在他的晚年，他用了切分或连音踏板，一种当时认为先进的技术，在现今已被普遍使用和讲授。 李斯特的写作一般要求踏板的丰满、充足的使用，特别当需要它作为长持续音的一个支持时。在他为声乐和其他乐器的作品的钢琴改编曲中，踏板被大量的或几乎经常的使用。在所有长的旋律音上使用踏板，特别是那些在高音区的，即使它们没有被下面的和声材料所支持。 李斯特和贝多芬以及舒曼这样的作曲家一样，在踏板标记上经常指示一个特殊效果，而不是普通任凭演奏者自行处理可以做到的一个习惯用法。任何数目的这种特殊效果都可以被找到，它们有许多反应了明确的诗意的、形象化或甚至哲学的思想。 在印象主义的德彪西、拉威尔的钢琴作品中，虽然在他们作品的乐谱中几乎完全没有踏板指示，所存在的为数极少的几个也往往是粗略和模糊的，但是在他们的作品中不能想象倘若不使用踏板，印象主义的神奇和美丽将如何去表现。印象主义音乐的流畅、充满水分，润泽的声音，以及连贯的、斑斓的、变化的色彩只有在准确的使用踏板的基础上才能得以实现。因此，需要我们谨慎而敏感的使用踏板。 综上所述，我们应该知道，对于踏板使用的说明，一千句话都比不上一次演奏。踏板是任何钢琴演奏中极具个性的部分，没有两个演奏者会用完全相同的方法去使用踏板，而同一个演奏家也不会在每次演奏中用同样的踏板法，然而每人在演奏当时都能同样具有说服力。这种灵活性可由多种因素来解释。诸如速度、力度、声音、奏法、声部的平衡、作品的风格和时代、音乐厅、乐器等这样一些多种多样的可变因素，甚至还有演奏者当时的情绪，也时常会影响踏板使用方法的选择。写下来的踏板使用方法指示，不管它们是如何仔细地被标记的，甚至是作曲家提供的，也往往需要演奏者的修改。因此“只有耳朵本身，才永远是艺术性演奏的最终指导，而不是一套印出来的指示。” 每个曲子有不同的要求，这就必须学会用自己的耳朵去听！因为由于踏板是一种性质的技巧，想完全学到运用的每一个细节，和老师们用得一样，是不可能的，唯一永远的老师只能是自己的耳朵，经过老师的指导和训练，要使自己的耳朵能够敏锐地察觉到踩在踏板上的脚或大或小的动作所引起的声音的任何反应。想象出将要弹奏的音响效果，并指示脚的动作，以实现希望的音响。
巴托克钢琴音乐作品的特征分析
摘 要： 本文从巴托克创作的影响因素出发力图挖掘出巴托克钢琴音乐所体现的不同风格特征，并通过对钢琴作品的深入剖析。并在此基础上，通过对巴托克音乐的节奏特点以及他独特的触键方式来初步的论述巴托克钢琴作品的音乐风格。提出演奏其钢琴作品需要注意的问题。
关键词： 巴托克、钢琴、节奏、敲击性触键
Abstract: This article from the creation of factors Bartok trying to dig out different styles embodied Bartok piano music and piano works by in-depth analysis. And on this basis, through the rhythm of music characteristic of Bartok and his unique touch key ways to preliminary discussion Bartok piano works of musical styles. Playing his piano works presented problems that need attention.
Keywords: Bartok, piano, rhythm, percussion of touch keys
一、 需要注意的几点建议
贝拉•巴托克Bela Bartok(1881-1945)是二十世纪上半叶，西方最有影响力的匈牙利钢琴家之一，他最大的成就就是从民间音乐中发现真正的创作源泉，并把自己的创作植根于其中，然后将民间音乐曲调与西方古典、现代作曲技法熔为一体，创造出许多具有影响的优秀钢琴作品。其钢琴作品形式多样，极富个性，能够完全展现巴托克独特的创作思想和风格。
巴托克的钢琴音乐作品总体上从音乐的表现角度看，不是温柔抒情性质的，他作品的独特之处是强烈的节奏感和他震撼人的触键力度。所以笔者通过对他节奏和触键的分析，以便能更好地抓住巴托克钢琴音乐特点，掌握作品风格。
(一)节奏特点
1、变化节拍
巴托克作品大量运用了变化拍子，巴托克喜欢运用不同节拍相互出现来表达他不规则、不匀称的乐思，在演奏时不断转化节拍，给演奏带来一定的困难。如在《钢琴奏鸣曲中》的第三乐章中出现了不同节拍相互转化。见谱例1：
在《钢琴小曲十四首》的十二首中以及其它中作品中也出现了不同节拍的相互出现。我们在演奏不同节拍交互出现的作品时，要注意不同的节拍有不同的韵律，找好重音落脚点，在此基础上把握好分句，演奏出该作品的风格。
2、复节拍
在巴托克的作品中，使用了大量的复节拍。《六首保加利亚舞曲》中就是充分运用这种节奏而写的具有舞曲性质的钢琴作品，六首作品中的节拍分别是4+2+3/8、2+2+3/8、5/8、3+2+3/8、2+2+2+3/8、3+3+2/8,整套乐曲节奏变换频繁。例如，No148,乐曲的拍子是9/8，我们不能简单地数成9/8拍，而必须以4/8+2/8+3/8的感觉来数节拍，4+2+3/8,这就是一种组合型节奏型，也就是复节拍，这就造成每小节三次重拍的出现，，因而重音位置在1、5、7拍子上。在演奏中很难控制这种节奏的韵律，弹出匈牙利民间音乐风格就更难了。见谱例2：
3、重音位置不断变化
在《罗马尼亚舞曲》的第六首中，右手强弱拍处于不断的变化之中，左手开头先是弱、强、弱;第二小节弱、强;第三小节是强、弱、弱，左手的重音也在不断转移，这就造成左右强弱不对称，给演奏带来很大困难。
4、伸缩性节拍
巴托克说：“我在研究旅行中收集到的旋律，其中大部分――也是最有价值的部分，流入古老教会音乐的调中…这些旋律兼具‘弹性速度’(rubatuo)与准确速度(tempo giusto),展现出最富变化而自由的节奏与韵律模式。”[1]在钢琴作品十四首中，第七、八、十一、十二就运用了许多这样的速度变化处理。左手第二小节在演奏时既要要有5/8的感觉，又要把5连音弹得自然，随意，但又在控制之中，这给演奏带来了很大困难。
巴托克的节奏是20世纪众多热衷于新型节奏改革的试验者之一。他的节奏得益于他对匈牙利、罗马尼亚、保加利亚等东欧地区民歌进行的研究，并从中发现了迥异于传统音乐对称准则的节奏，并将这些民间节奏大量运用于他的创作中，这些异域风格的素材给其音乐带来了各式各样鲜活的节奏。巴托克在使欧洲的节奏获得新生方面发挥了主要作用，他给欧洲的节奏注入了朴实的生命力，活跃的力量和紧张性。
二、敲击性触键
巴托克是使用“敲击性”因素最广泛、最具有代表性的作曲家。这些敲击性因素最能表现出巴托克所要表达的'思想。在巴托克的钢琴作品中，钢琴不仅是抒情的乐器，巴托克把钢琴当作纯粹的打击乐器来看待。
从演奏的机械运动角度上讲，钢琴可作为一种击弦乐器。敲击性触键方式因其触键时间短，通过连动装置的琴槌敲击琴弦时间也短，从而引至钢琴音色明亮、清脆，形成所谓“敲击性”音色。
敲击性触键是巴托克作品中的一个因素，敲击性触键在巴托克的乐曲中揭示得尤为充分。敲击性的触键要求演奏者有钢铁般的手指和手腕，并且弹奏的尽量粗暴、直率，发出金属般铿锵有力的尖锐音色。要注意四个方面：触键指尖的软硬程度;手指各关节的牢固程度;手腕以何种方式发挥富有弹性的支撑调节作用;以及全臂重量及力量的运用。这四个方面不是分开的，而是相互统一的。敲击性触键一般采用快速触键，通过触键面积的变化改变音色。其中全臂触键属于最用力、最强的一种触键方法，这种方法需要调动全臂乃至全身的肌肉，把力量传送到指尖。
敲击性触键在巴托克的《野蛮的快板》、《钢琴奏鸣曲》以及在巴托克的几部钢琴协奏曲里都有所体现。这样的触键方式直接导致钢琴音色的改变，从而表现出一种全新的演奏风格、大大扩宽钢琴作品的表演观念。钢琴作品中因模仿打击乐器所探索、开拓出明亮、清脆音色，以及因敲击性触键方式引发的激烈、尖锐、粗野，节奏带有强烈动感的快速效果。
需要注意的是，钢琴的敲击性演奏，并不是指单一的，无音色变化的表演，而是指有层次、有音量、音响变化的演奏，它是20世纪特有的一种音响因素，钢琴音色在总的合奏中的作用也相应地可大可小。
结语
巴托克的钢琴音乐作品之所以能成为世界音乐宝库的精品，首先是巴托克坚定不移的创作思想，即便是在复杂的年代，在各种音乐流派纷杂的时期，他遵循着自己的创作目标，一生从未改变。
其次是巴托克在他的钢琴曲中所体现鲜明的创作特征。对巴托克来说，民族性的原则是最重要的，正如巴托克所说：“对待民间音乐创作的态度，永远是检验任何一位作曲家的试金石。”[2]正是由于他，立足于匈牙利的民间音乐，结合现代欧洲技法，十分巧妙而又自然地融合在一起，在此基础之上，进行创新和发展，富于传统钢琴以新的意义。
同时巴托克不是“为艺术而艺术”的音乐家，而是一位力求使自己的艺术充满强烈思想感情。对时代矛盾尖锐性的理解、对祖国和整个欧洲命运深深忧虑的痛苦，对法西斯强烈的憎恨，这一切决定了他的思想感情和整个创作出发点。
参考文献：
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巴赫在音乐律制方面的巨大贡献——《平均律钢琴曲集》巴赫的《平均律钢琴曲集》是以创作实践来证明十二平均律的的优越性和实用价值的划时代作品，常被称为“全部音乐史上最重要的里程碑之一”，“钢琴音乐的《旧约全书》”，而贝多芬的三十二首奏鸣曲则被称为“钢琴音乐的《新约全书》”。在此以前，键盘乐器大多按“中庸律”调音，能够演奏而不会走调的音阶，只有降B，F，C，G，D，A等大调和g，d，a等小调，因此作曲家在选调和转调上受到很大的限制；而采用了十二平均律，就可以自由选用大小二十四个调，并自由转调。所以说，没有巴赫对平均律的实践，近现代音乐的发展要延迟很长一个时期。巴赫很早就把自己的键盘乐器调成十二平均律，并写了《平均律钢琴曲集》第一集，包含以大小二十四调为序的《二十四首前奏曲和赋格》（1722年）。晚年在莱比锡又写了第二集，包含另外二十四首前奏曲和赋格（1744年）。巴赫写作《平均律钢琴曲集》，是受了先辈作曲家费歇尔（约1665—1746）的启发。费歇尔在1702年出版了《新风琴音乐的阿莉阿德尼》，包含二十首前奏曲和赋格曲，分属二十个不同的调。这部作品的标题起源于希腊神话，阿莉阿德尼是古典神话中克里特岛国王米诺斯的女儿，她的母亲帕西法厄生了一个牛头人身的怪物，米诺斯把它幽禁在一座迷宫里，并命令雅典人民每年进贡七对童男童女喂养这个怪物。雅典王子忒修斯发誓为民除害，依仗阿莉阿德尼给他的线球和魔刀，钉死了这个怪物，然后顺上路的线走出了迷宫。“新风琴音乐的阿莉阿德尼”，意思就是指示风琴演奏家通过五花八门的大小调迷宫的引路人（因此西方有句成语“阿莉阿德尼的线”来比喻解决问题的方法）。这部作品用了大小二十四调中的十九个调，只有升C和升F大调，降e，降b和升g小调没有用，而e小调用了两次。所有的前奏曲和赋格曲都是很短小的乐曲，主题和《平均律钢琴集》中的主题很相似。巴赫吸收前人经验谱成的《平均律钢琴曲集》运用全部大小二十四调，写成有高度艺术价值的作品，是音乐史上的第一例。很多人谈论巴赫（JohannSebastianBach）必然想到他的音乐结构，巴赫的音乐织体和对位有精密的数学比例，对配器的发挥，亦是给演奏者加深难度。巴赫的音乐深深地影响整个欧洲乐坛，他一生写过很多教堂音乐。人们爱把巴赫的精神象徵对上帝的奉献，他的音乐艰深、神圣、严肃，心灵与上帝同在。傅雷写给傅聪的家书就有这样的说法：「巴赫被基督教精神束缚，常常匍匐在神的脚下呼号，忏悔，诚惶诚恐的祈求。」这是傅雷对巴赫的偏见。巴赫的与贝多芬的音乐，同样是「力」的表现，巴赫的「力」，建立在高度与深度，心灵与上帝同在的同时，亦把人生的七情六欲，苦难、恐惧与痛苦升华。苦中有欢乐，有疲倦，而更大的精神是明知生命之苦，而仍得坚持。贝多芬的音乐，纵横交错，乐句与乐句之间并发出的「力」，气魄磅薄，完全是大宇宙，大人生，他没有家庭，没有子女，所以连痛苦都是大人生的痛苦。很多乐章，都流露出与命运抗争的英雄本色。说巴赫的音乐太富哲理，太多宗教思想，那倒不如说巴赫经历了人间的极苦以及看破官场虚伪。然而，他把这些大是大非都升华了。他的A小调小提琴协奏曲作品BWV1041写于1720年，据说是巴赫写给他自己的，三十五岁的他，意气丰盛，却遭受生活之苦与家人的死亡之痛。巴赫一共生有十二个儿女，排在前面八个，其中有六个死于孩提时候。第一任妻子死于一七二○年夏天。乐曲分三部份，第一快板，第二行板，第三部份是非常快板，全个作品很富乐思乐味，是对巴赫作深入了解的一个乐章。
参考文献可以在百度学术中找到。数据资料可以在百度文库、中国统计年鉴中找到。毕业论文参考文献规范格式一、参考文献的类型参考文献（即引文出处）的类型以单字母方式标识，具体如下：M——专著 C——论文集 N——报纸文章J——期刊文章 D——学位论文 R——报告对于不属于上述的文献类型，采用字母“Z”标识。对于英文参考文献，还应注意以下两点：①作者姓名采用“姓在前名在后”原则，具体格式是： 姓，名字的首字母. 如： Malcolm Richard Cowley 应为：Cowley, M.R.，如果有两位作者，第一位作者方式不变，&之后第二位作者名字的首字母放在前面，姓放在后面，如：Frank Norris 与Irving Gordon应为：Norris, F. & I.Gordon.；②书名、报刊名使用斜体字，如：Mastering English Literature，English Weekly。二、参考文献的格式及举例1.期刊类[格式][序号]作者.篇名[J].刊名，出版年份，卷号（期号）：起止页码.[举例][1] 王海粟.浅议会计信息披露模式[J].财政研究，2004,21(1)：56-58.[2] 夏鲁惠.高等学校毕业论文教学情况调研报告[J].高等理科教育，2004(1):46-52.[3] Heider, E.R.& D.C.Oliver. The structure of color space in naming and memory of two languages [J]. Foreign Language Teaching and Research, 1999, (3): 62 – 67.2.专著类[格式][序号]作者.书名[M].出版地：出版社，出版年份：起止页码.[举例][4] 葛家澍，林志军.现代西方财务会计理论[M].厦门：厦门大学出版社，2001：42.[5] Gill, R. Mastering English Literature [M]. London: Macmillan, 1985: 42-45.3.报纸类[格式][序号]作者.篇名[N].报纸名，出版日期（版次）.[举例][6] 李大伦.经济全球化的重要性[N]. 光明日报，1998-12-27(3).[7] French, W. Between Silences: A Voice from China[N]. Atlantic Weekly, 1987-8-15(33).4.论文集[格式][序号]作者.篇名[C].出版地：出版者，出版年份：起始页码.[举例][8] 伍蠡甫.西方文论选[C]. 上海：上海译文出版社，1979：12-17.[9] Spivak,G. “Can the Subaltern Speak?”[A]. In C.Nelson & L. Grossberg(eds.). Victory in Limbo: Imigism [C]. Urbana: University of Illinois Press, 1988, pp.271-313.[10] Almarza, G.G. Student foreign language teacher’s knowledge growth [A]. In D.Freeman and J.C.Richards (eds.). Teacher Learning in Language Teaching [C]. New York: Cambridge University Press. 1996. pp.50-78.5.学位论文[格式][序号]作者.篇名[D].出版地：保存者，出版年份：起始页码.[举例][11] 张筑生.微分半动力系统的不变集[D].北京：北京大学数学系数学研究所, 1983：1-7.6.研究报告[格式][序号]作者.篇名[R].出版地：出版者，出版年份：起始页码.[举例][12] 冯西桥.核反应堆压力管道与压力容器的LBB分析[R].北京：清华大学核能技术设计研究院, 1997：9-10.7.条例[格式][序号]颁布单位.条例名称.发布日期[举例][15] 中华人民共和国科学技术委员会.科学技术期刊管理办法[Z].1991—06—058.译著[格式][序号]原著作者. 书名[M].译者，译.出版地：出版社，出版年份：起止页码.三、注释注释是对论文正文中某一特定内容的进一步解释或补充说明。注释前面用圈码①、②、③等标识。四、参考文献参考文献与文中注（王小龙，2005）对应。标号在标点符号内。多个都需要标注出来，而不是1-6等等 ，并列写出来。求采纳为满意回答。
之前也是为为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。 还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家： 论音乐听觉在钢琴教学中的实践 高校钢琴集体课教学模式探索 吕其明《红旗颂》双钢琴版本的演奏分析 试析贝多芬《第六钢琴奏鸣曲》Op10No2第一乐章 贝多芬《c小调第三钢琴协奏曲》Op37作品分析 莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色 试论西方音乐史对钢琴演奏的影响 开创“中国风”钢琴语境 由钢琴考级引发的琴童教学思考 从智能钢琴集体课看钢琴教育的新探索 大数据网络时代的钢琴教学构想 高校钢琴教育提升学生音乐素养的路径 OBE理念下高师钢琴课程教学改革探析 学前教育钢琴即兴伴奏教学的实践探索 传统与当下：博雅教育理念与钢琴教育相融合的理论思考 钢琴伴奏在高职艺术院校声乐教学中的作用分析 《钢琴家》：那些见过战争的人，怎么会不憎恨战争 疫情期间“互联网+”在高校钢琴教学中的实践应用探讨 钢琴界“扫地”朱晓玫：只想躲在音乐背后 基于核心素养的高职钢琴教学策略探讨 基于人工智能的钢琴编曲音色识别系统设计 浅析中国古典舞基训与芭蕾舞基训钢琴伴奏的差异 巴赫康塔塔钢琴改编曲《羊儿可以安静地吃草》乐曲分析及演奏处理 浅析黄自艺术歌曲的钢琴伴奏 浅析钢琴曲《浏阳河》的音乐技巧与情感表现 浅析舒伯特艺术歌曲钢琴伴奏的魅力 浅探克拉拉·舒曼的钢琴生涯 王建中改编钢琴曲的艺术手法与特征 职业学校钢琴课程教学模式及课程体系拓展研究 钢琴演奏教学中听觉培养的价值探讨 钢琴演奏教学中如何培养学生的心理素质 试论钢琴基本功练习在钢琴学习中的重要作用 浅析慢练在钢琴练习中的作用 巴洛克歌剧咏叹调钢琴伴奏教学研究 贝多芬钢琴奏鸣曲演奏风格及创作特点探析 对中职学前教育专业钢琴课教学的思考 浅谈儿童钢琴快乐教育 中国钢琴作品《皮黄》的曲式特征与艺术特性 钢琴伴奏在艺术歌曲中的作用 钢琴即兴伴奏在小学音乐课堂教学中的应用策略探析 钢琴家的脚 学前教育专业核心素养下的钢琴教学策略 探析高职学前教育专业培养和提升学生儿歌钢琴伴奏能力的方法 浅析个性化教学法在高职钢琴弹唱教学中的应用 高校钢琴教学“归元”思考 浅析管弦乐钢琴伴奏艺术 现代音乐美学对钢琴演奏的启示 高校钢琴即兴伴奏教学的创新模式探析 音乐专业钢琴弹唱能力培养方法解析 胡同里的钢琴师 浅析钢琴制造工艺对触键和音色改变的重要性 高校钢琴教育中学生音乐素养的培养 音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的措施分析 中职学前教育钢琴即兴伴奏课程有效分层教学分析 关于钢琴教学中的审美教育与情感教育 中职学前钢琴教学中的课堂语言艺术探究 幸福的钢琴 对高校钢琴课程体系中学生综合能力培养的研究 过程性评价的内涵、价值及其在独立学院钢琴教学中的应用 中西方钢琴艺术的文化融合 中专音乐表演专业钢琴教学方法探究 简论丁善德钢琴音乐的成就、特色与演奏 藏羌彝民间舞蹈钢琴伴奏编创论略 钢琴艺术欣赏中的审美意识分析 元认知理念指导下的师范类院校钢琴启蒙教学研究 学前教育钢琴基础教学的实践研究 信息化环境下的高职学前教育专业开放式钢琴弹唱课堂教学策略研究 分层教学模式在高职钢琴教学中的应用研究 互联网时代下的钢琴教学形式研究 微课在高校音乐教育钢琴课程中的应用研究 在线钢琴教育的利与弊 雅俗共赏角度下钢琴曲《炎黄风情·走西口》音乐分析 钢琴组曲《圆明园漫步》创作风格及演奏特征研究 钢琴伴奏在合唱艺术中的作用 浅析肖邦《b小调第一钢琴谐谑曲》的演奏技法 高叠和弦在格里格钢琴抒情小品中的应用 贝多芬C小调奏鸣曲对西方钢琴艺术史的发展影响探究 琵琶曲与钢琴改编曲《十面埋伏》的比较研究 浅析路德维希·范·贝多芬第7钢琴奏鸣曲作品10之3中的踏板使用 内心听觉在高师钢琴基本技术训练中的应用探索 高职钢琴教学中体验式教学法的运用探讨 双钢琴教学对学生钢琴学习能力培养的作用 信息化环境下钢琴教学模式的创新 浅谈少儿钢琴学习兴趣的激发与培养 高校音乐师范生钢琴合奏能力的培养与实践 试论钢琴的调音及日常维护 浅论中国钢琴音乐作品的组织结构与演奏 钢琴演奏中的触键技巧与音色效果探索 钢琴曲《百鸟朝凤》中的民乐元素渗透 李斯特钢琴曲《夜莺》的演奏诠释 波特凯维茨与他的钢琴练习曲 “思政”视域下美育与高校钢琴教学的融合研究 简析钢琴演奏者的心理因素对表演的影响 钢琴演奏中的音乐听觉作用探讨 《安娜的笔记本》在民办高校钢琴基础教学中的运用 高校钢琴教学中比较教学法的应用 立德树人视域下的钢琴教育创新研究 高职院校钢琴审美教学的设置与教学方式探索 幼儿园钢琴教学中形象化的教学语言研究 钢琴小品《喷泉》曲式结构与演奏分析 浅谈合唱中钢琴部分的运用 钢琴演奏与教学中的触键技巧问题研究 钢琴演奏中触键与踏板对音色的影响
《歌曲钢琴即兴伴奏》 冯德刚《即兴伴奏实用教程》 泰尔《钢琴即兴伴奏教程新编》刘聪、韩冬
谈双钢琴教学在艺术教育新课程中的现状与发展
论文摘要： 高水平的双钢琴演奏训练能提高演奏者敏锐的听觉、较强的是走能力、严格的节奏感、完善的作品把握与感受能力、对钢琴音色的倾听与控制能力、想象能力等各方面的素质，同时它又是训练演奏者与乐队或他人默契合作、提高合奏能力的科学途径，具有钢琴独奏课程乃至其他课程不可代替的独特作用。 2001年《全日制义务课程标准（实验稿）》的颁布，使中小学的艺术课程走向了正轨、快速的发展时期。艺术课程的出现对艺术教育专业的学生和从事艺术教育工作的教师提出了更高的要求，也使那些培养艺术教师的高校面临了巨大的考验和挑战。对于艺术教育专业的学生来说，教育着重需要加强对学生综合素质的培养。因此，对听辨能力、视奏能力、音色控制能力、合作能力、立体思维能力等方面的训练显得尤为重要，而双钢琴的演奏训练就是能提高所有综合能力的最有效方法。 一、 双钢琴教学在艺术教育新课程中的现状 现阶段艺术教育课程还是以钢琴独奏课为主线，以练习曲、复调音乐、中外乐曲、伴奏为必修内容，一般都采取“一对多”的模式教学，在这种教学模式中，学生往往太过强调于自我个性的突出，教师也忽视了学生间合作能力的培养和训练，这样学生无形中对钢琴的认识越发狭窄。对于艺术教育的学生来说，钢琴水平参差不齐，部分初学者方法不正规，基础不扎实，弹奏能力有限，他们几乎得不到合作演奏训练的机会。那么就现状而言，在艺术教育关于双钢琴教学领域还属于一个新课题。 20世纪末双钢琴逐渐出现在我国演奏舞台上,她独特的演奏形式和新颖的曲风一经亮相,就受到我国音乐界及音乐爱好者的青睐。并且通过多次全国性的双钢琴比赛，使我们有机会接触更多风格迥异的作曲家和双钢琴作品，打开了我们的“耳朵”，使这门专业得以深入发展和推广，在全国范围内掀起了双钢琴的演奏和教学热潮。 在我国的钢琴教育界,双钢琴教学也逐步开展起来。目前不少院校已经开设了集体课、小组课的教学,并建立了专门的双钢琴教室,为双钢琴教学提供了有利条件。 二、 双钢琴教学在艺术教育新课程中的问题 双钢琴的教学有着一些和钢琴独奏教学共同的原则与方法,同时又有着很多自己独特的训练要求,正是这些独特的训练使教学具有很强的针对性, 通过双钢琴的教学与演奏来加深学生在钢琴独奏方面更深层的领悟，使之协作、听觉和思维更为活跃，丰富日后音乐教学过程中的方式方法，是中小学学生更早、更科学、更系统的接触音乐听觉训练，养成良好的配合意识，对拓展其思维、情感体验等各方面的能力都是有所帮助的。 在正式双钢琴演奏中，两架钢琴摆放的位置是“对置型”，演奏者看不到对方的手，无法像四手联弹那样直观地根据手的动作与速度来协调彼此的气息和节奏。因此双钢琴表演不仅仅考研的是演奏技能，更多体现在快速视奏与准确视唱、敏锐的听觉、默契的配合能力培养。 （一）快速视奏与准确视唱训练 当学生有新双钢琴作品需练习前往往是独自读谱阶段，可此时不能用以往钢琴独奏的读谱方式，慢慢识谱。因为双钢琴是对演奏者快速对谱的一个能力考验，所以在练习时先要以整首完整弹奏下来（速度不限），而与此同时，我们的嘴也要工作，那就是要视唱另一合作者的声部，对作品有一个大概了解后再去分段细致练习。学生通过独自大量的视奏读谱与视唱相结合，为我们敏锐的听觉打下良好坚实的基础。 （二）敏锐的听觉训练 对于有一定钢琴弹奏基础的学生来说，要有灵敏的听觉。在进行双钢琴的演奏时，重点是在演奏和倾听好自己声部的同时，用心聆听合作者的演奏。首先从古典时期作品入手，因为此时期作品有较明确的旋律线条和清晰的伴奏织体，弹奏训练时彼此要准确地听到双方在演奏中包括节奏、力度、触键、分句等各个方面的问题，发现问题需及时指出，并以此为基础,找到适合于自己的处理方式,以保持音乐形象与情感的协调一致。与此同时，教师必须帮助学生检查其对音乐听觉的敏感性。如此反复之下,在听觉已受到基本的训练之时，再去练习有较复杂的和声与织体的近现代作品，学生们应该可以像倾听自己演奏一样地来倾听合作者的细微变化与处理，并随心所欲地调整自己的演奏。 （三）默契的配合训练 这是非常重要的一点，因为合作、沟通的能力对很多钢琴专业学生来说是较欠缺的，也是艺术教育学生培养综合素质的一个重要内容。一组双钢琴演奏者的水平高低，取决于合作水平的优劣。一首双钢琴作品演奏的成败，是两个人共同努力的`结果，两个人组成的整体是密不可分的。所以两位合作者首先要一起分析作品，对作品中的呼吸、节奏、力度、音色、踏板、乐句乐段对比与衔接、作品风格、作曲家表现意图等等都要有统一的标准和规划，这样才能有一个清晰的演奏思路。在这之后需要合作者长时间的磨合练习，彼此了解对方的演奏特点和演奏者的性格特点，取长补短，从而达到最佳的配合状态。 三、双钢琴教学在艺术教育新课程中的教学作用 （一）双钢琴重奏能提升学习者的学习兴趣 通常学生会以一种完成任务的心态来进行作品课后练习，对弹奏正确性、完整性、性没有要求，弹出的作品无可言，学生多数会以教师的认可作为练习标准，这就造成学习者提不起兴趣被动进行课后练习。而双钢琴重奏，首先由两人弹奏为基础，形式新颖，其次合作者自身弹奏水平的不同，需要互相探讨磨合，使弹奏技术和乐曲表现练习到能彼此接近的程度，就会主动地加强课后练习，并在不知不觉中提升其练习标准，从而达到更好的学习效果，才能将乐曲完整和谐地表达出来。因此双钢琴重奏这种方式可以强化学生学习的参与性和主观能动性，简单而言就是提升学习者的学习兴趣，而兴趣正是钢琴学习中的一个非常重要的主观因素。 （二）双钢琴重奏能激发学习者的音乐感悟力 学生在弹奏钢琴独奏初级阶段时，对作品音乐的感悟能力往往比较弱，一般很难主动将乐曲的音乐感情表现出来。而在双钢琴演奏中，由两架钢琴弹奏推动下，学生的音乐感悟力往往很容易被激发起来。由此可见，双钢琴弹奏在钢琴教学中的运用对学生听觉能力的培养、节奏感的训练、音乐感悟能力的提升都起到了至关重要的作用。 （三）双钢琴重奏能提高学习者的立体思维能力 作为乐器之王的钢琴具有其它乐器所没有的交响性，而双钢琴演奏比钢琴独奏曲具有更丰富的声部，因而音乐的和声、织体等要素都更加复杂,学生在配合过程中对音乐的立体思维能力不知不觉中就得到了很大的训练,这对以后的钢琴独奏的学习是受益无穷的。在钢琴弹奏中对音乐声部的立体思维能力随着钢琴弹奏的深入会显得越发重要,因而在初级阶段的这种重奏训练对思维能力的培养是非常重要且必不可少的。 四、 双钢琴教学在艺术新课程中的发展 在我国的高等音乐、艺术教育院校中，开设双钢琴课程的只是少数，没有独立的双钢琴系部设置，且多为选修课，教材凌乱，更缺乏科学系统的教学方法、安排与计划。因此笔者对双钢琴课程在艺术教育新课程中的发展提出几点建议，供同行所探讨。 （一）艺术师资力量专业化 由于艺术教育新课程标准的出台，对于培养全面综合性艺术人才提出更高的要求。随着双钢琴新课程的引进，我们艺术教育专业教师不仅仅局限于只会弹、教钢琴独奏，对其它音乐领域的专业素养，综合能力掌控等必要因素更需提升。这就要求我们现有或未来的专业教师不断学习、进修，提升专业水平，同时还需教师之间定期交流，举办研讨会、开设大师班、音乐会及钢琴比赛。 （二）教育对象普及化 目前由于双钢琴课程只针对钢琴弹奏能力较强的少生开设选修课，这样并不能很好的使双钢琴的协作配合能力、综合音乐素养能力在学生中开展。所以希望在有一定双钢琴教学经验之后逐渐将学生选择范围扩大，达到普及化，让所有艺术教育专业学生都能培养此方面能力，可为日后工作提供良好扎实的基础。 （三） 教材内容时期化 同独奏作品的学习一样，双钢琴教学也是从巴罗克时期和古典主义时期的作品开始的。可供演奏的曲目范围极广，从巴罗克早期的法国作曲家的作品直到2l世纪当代作曲家的音乐，逐步深入。首先。教师应当让学生们演奏的是四手联弹，大量的海顿、莫扎特、舒伯特的小奏鸣曲、奏鸣曲、交响乐、歌剧改编曲等等。这些作品风格多样，技巧循序渐进，既可以自成体系，又可以与学生的主课作业相辅相成，在有步骤、有计划的双钢琴学习中，大大完善了学生的音乐表现力和演奏技巧。 综上所述，双钢琴即是一门独立的艺术形式，又是对钢琴独奏者全面发展起着重要作用的一种训练方式。通过双钢琴的教学与演奏来加深学生在钢琴独奏方面更深层的领悟，使之协作、听觉和思维更为活跃，丰富日后音乐教学过程中的方式方法，是中小学学生更早、更科学、更系统的接触音乐听觉训练，养成良好的配合意识，对拓展其思维、情感体验等各方面的能力都是有所帮助的。 参考文献: [1]童道锦.钢琴艺术研究.人民音乐出版社,[J]2003. [2]蔡冰.小议双钢琴的演奏与教学.艺术教育,[J]2008,(01). [3]苏斌 蒋立平《双钢琴演奏技术研究》 武汉音乐学院学报[J]2000年（04）. [4]王菁菁 《试论双钢琴教学的系统性、科学性与实践性》 沈阳音乐学院学报[J]2006年（02）.
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在写作音乐论文过程中，正确地标注以及合理地引用参考文献不仅关系到音乐论文的质量 ，也在一定程度上反映了作者的学术态度。下文是我给大家带来的关于音乐论文的参考文献的内容，欢迎大家阅读参考!
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