雕塑作为人类最古老的艺术形式之一，以其独特的魅力渗透于社会生活的方方面面。雕塑艺术以一种物质形态与意识形态相交融的方式存在着，它以静态的美传达艺术家们的思想情感与审美理想；而两种不同的历史与文化背景，使同一种艺术形态形成了各自独特的艺术风格特征。本文从题材、表现手法、造型手法、材料的运用等不同角度，对这两种艺术风格之间的差异进行分析、归纳和比较，并作以简要评述。如果说历史是人类谱写的一部气势宏伟的交响曲，那么雕塑艺术就是其中一部精致而独立的乐章。雕塑是造型艺术种类中最早出现的重要的艺术表现形式，也是建筑艺术以外的另一种表现实体空间的艺术。雕塑是有三维空间的由人类创造的存在于实际空间的立体形象。像米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《思想者》、中国的四大石窟、兵马俑等都是极具代表性的作品。雕塑永远表现动态，甚至完全静止的雕像也被看作具有一种内在的运动，一种不但在空间、也在时间上持续的伸展的状态。人们可以从这一瞬间的造型中想象静态向动态的转变，想象行为的连贯，持续的活动过程，从而体味出它的活力和精神，体味出它的冷冰冰的物质材料后面的体温和感情。雕塑是可视的、可触摸到的并能反映一定意识形态及较高审美意义的实体。雕塑艺术是世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，也是根植于自己民族传统文化土壤上的一颗常青树。 在人类的文明史上，东方文明与西方文明是两大最鲜明的文明。尽管两者都产生于奴隶制和封建制这同一种社会基础上，都受制于人类思维发展和文化艺术发展的一般规律，但由于社会历史条件、文化传统、民族审美心理的差异，故而在雕塑艺术上形成两种各具特色的艺术风格。 一、题材差异 中国社会是一个农业社会，中国田园牧歌式的乡村文明，使人与自然及生态系统始终保持着和谐的关系。因而中国早期雕塑题材以动物为主，《四羊方尊》、《莲鹤方壶》等就是其中的杰作。自佛教传入中国以来，宗教佛像也成为中国传统雕塑的表现对象之一，最有名的当推云岗石窟、龙门石窟、麦积山和敦煌石窟这四大雕塑群，此外还有大量的寺庙造像。同时在中国厚葬习俗的影响下，君主及达官贵族大势修造陵墓及陪葬品，使得陵墓雕塑成为中国雕塑艺术上的又一珍宝，最具代表性的就属秦始皇陵的兵马俑。 对比之下，西方的社会基本上是一个宗教性的商业社会，城市化的生产培养了西方人的外向性和冒险性的性格，再加上海上，陆路交通发达，同东方交流广泛，这一切都有利于科学、文化和艺术的发展。神话传说是两方雕塑题材之一，如希腊人认为每一种自然现象都是神的力量显现的结果，人和神是同源的，神就是人最完美的体现，神同人一样有血有肉，有喜怒哀乐。不同的是他们长生不老、神通广大而已。就在这样一个环境下产牛了关于缪斯、阿波罗为主神及其统率下的缪斯的神话。 对人体美的表现也是两方雕塑家们的又一题材。体育竞技和大型的敬神是古希腊社会生活的一项重要内容，体育竞技大多以裸露身体的方式进行，这也许是为了在竞技比赛的同时显露强悍，优美的体型。这种社会风尚的流行无疑给雕塑家提供了一个很好的观察和创作的环境，给比赛胜利者雕像也成为雕塑家的一项任务。如米隆的《掷铁饼者》。 二、精神追求上的差异 在中国人看来，主体与客体相通、感性与理性共融，视“天人合一”为宇宙观核心，相信天人感应、天人相类。这种思想的必然结果即自然的入化和人的自然化，确信人们心中所要抒发的东西，都能在宇宙世界找到相应的事物，并以其恰当的方式表达出来。汉代霍去病的陵墓，墓前有十多件石雕，如马踏匈奴、跃马、卧马、卧牛、伏虎、野猪等。其中最具代表性的就是《马踏匈奴》。为了表现霍去病的赫赫战功，作者别出心裁的雕造出一匹气势轩昂、庄重雄强的战马，马的神情果断沉着，仿佛在时时刻刻警惕着，防止被踢翻在地的匈奴败将挣脱而逃，体现出霍去病“匈奴未灭，无以为家”的坚定意志。虽然没有直接雕造霍去病的形象，但是通过《马踏匈奴》整个作品不难体现他的品格与精神，使人联想到英勇无敌的青年将军，似乎听到击败匈奴的胜利呼声。其它石雕也分别体现出将士们不顾艰险，浴血奋战的英雄气概。 《昭陵六骏》是唐太宗李世民生前所乘六匹战马的雕刻形象，艺术家概括地塑造了六骏的立、行、奔、驰的健美姿态，并显示六匹骏马那英勇而温顺、刚毅又善良的性格。造型饱满剽悍，神韵充沛飞扬，层次转折有力，在外光映射下富于变化，具有节奏感。雕刻的是马反映的是人，象征唐太宗李世民的品格，歌颂了李世民的伟业丰功。 除了表现人的精神品格和功绩外，也成为体现当时统治阶级权力的载体。例如清代十三陵，墓前的石象背加鞍鞯，上托宝瓶，头施笼佩，四足平衡，完全依照皇帝的仪仗，其寓意为“太平有象”——动物失去了自身的个性特征和活力，成为皇权的象征。 以上以物喻人，“天人合一”的例子在中国雕塑艺术中举不胜举。而西方则在征服自然的过程中突出了人的意志。西方雕塑的表现题材基本上是以人体为主，就算是神话人物也是以人为衣钵，体现人体的美。每个时代的雕塑家几乎都共同关注人体与精神的统一。如古希腊雕像就是通过人物整体，在单纯与静穆中显示出一种理想的美。黑格尔说过，“希腊民族性格的特点在于他们对直接呈现的而又受到精神渗透的人身的个性具有高度发达的敏感，对于自由的美的形式也是如此，这就使得他们必然要把直接呈现的人，即人所特有的受到精神渗透的躯体，作为一种独立的对象来雕塑，并且把人的形象看作高于一切其他。形象的最自由的最美的形象来欣赏。”①(注：参见〔德〕黑格尔著，朱光潜译《美学》第三卷（上册），商务印书馆，1996年版，第158页。) 三、表现手法上的差异 雕塑是三度空间的立体造型艺术。雕塑品的实际体量与绘画的虚拟体量从视觉感受上是不一样的，绘画中的虚拟体量要达到雕塑的实际体量是完全不可能的，这也就是雕塑魅力所在，它以各种不同的表现手法带给人的视觉冲击和震撼是其它艺术形式无可替代的。 作为精神的实际存在，西方人体雕塑在“理念”世界的支配下具有了自身的独立价值，它不是凭借自然景物的烘托，而是凭借光线与阴影的变幻以展现形体的空间实在性，因此西方人体雕塑是严格意义上的空间艺术，在20世纪以前，希腊雕塑的物理性的立体空间概念，成为西方雕塑家共同参照的范式。 中国美学突出强调情景交融，虚实相生，艺术家们共同追求着那种“天地浑溶一气，明暗高低远近，不似之以似之”的境界，营造着“往不复，天地际也”的独特空间。北京天坛的圜丘面对着一片虚空的天穹，以整个宇宙作为自己的庙宇，反映出中国人与生存方式密切相关的时空互渗的空间意识。因而中国的雕塑往往不是以孤立的实体出现的，而是尽可能采用“借景”、“虚实”等种种方式，以求与自然景象合为一体。那些石窟造像多是通过背景热烈激昂的雕绘故事的陪衬和烘托，而显得更加宁静和睿智，从而弥补了独立的圆雕在表现空间容量方面的局限性，构成了一个空间形式包含时间节奏和动感的艺术世界。唐代的帝王陵墓所确立的“以山为陵”的体制，使陵墓、陵前雕刻与自然起伏的山势巧妙结合，令观者“身所盘桓，目所绸缪”，西方那种瞬间直观把握的空间感受在这里变成长久漫游的时间历程。 除了空间表现手法上的差异，中国雕塑以写意为主的表现手法与西方雕塑的写实性表现手法也形成反差。由于中国雕塑很晚才与实用美术真正分离，在漫长的岁月中，雕塑大多只是实用美术的一种装饰手段。装饰不求再现，只追求表现物象，因此形成了中国雕塑不求形似，只求神似的特征。不讲究描摹写实，在塑形上注重写意传神，气韵生动，虚实相生，“神似胜于形似”，这种中国式的美学观念可以说贯穿了整个古代雕塑史，即使有时表现出一定的写实性，也只是比较细微而已，在本质上依然属于意象性造型。正因为中国艺术以表现、抒情、写意见长，追求艺术意境，中国古代雕塑也具有浓郁的东方情调和意境特色。“所以汉代那些女陶俑会有着细柔的腰肢，有着如盛开的喇叭花一样美丽形状的裙裾和翩翩起舞般的拂袖姿态；所以敦煌北朝的彩塑佛像会有着不可言说的微笑，并且在这微妙的笑容中透露着内心的智慧和远离尘世的洒脱风采；所以敦煌唐代的彩塑菩萨会有着如血脉在流淌搏动的肌肤和薄如蝉翼的透体天衣；宋代晋祠的彩塑侍女会有着美人鱼一般的身段。”而我们在欣赏的时候，必须使用我们本民族的艺术标准和审美习惯，才能够真正感觉中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。 而在西方，就雕塑而言，他们建立了人类历史上独一无二的写实性雕塑。这种写实性雕塑风格的产生是由于“模仿说”的明确提出。古希腊的哲学家亚里士多德认为最好的艺术必须“照事物的应当有的样子去模仿”。而模仿是人的“一种自然的本能”。强调对外事物的模仿和反映是发端于古希腊的西方艺术传统。“模仿说”如同一面镜子，反映视觉的真实。如《米洛的阿芙洛狄特》与《大卫》都是对人体的真实再现。并且，围绕着人体塑造，古希腊令创造出一系列的标准法则，如1：7和1：8的人体比例。文艺复兴时期又创立了透视学和解剖学两大成就，有些雕刻家如多纳太罗、米开朗基罗等还亲自动手做人体解剖实验。这些都是为了能更好、更准确的模仿自然，更完美的刻画雕塑形象而服务的。 四、造型手法的差异 中西雕塑艺术家都重视线条的表现力，重视以线条造型为共同的媒介，而西方的用线仅服务于造型。黑格尔认为速写或草稿卓越的表现了画家的天分及其特点，安格尔认为线和形愈简练愈美和有魅力。可见线条对画家的造型所具有的重要作用。对雕塑特别是圆雕来说，线的因素更是不见其痕迹，雕塑家刻意追求的是团块和体积、重视三维空间的立体效果，素描中的线条只是充当表现这种效果所界定的轮廓线。米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品即使从山上滚下去也不应有一处磨损。中国古代雕塑和绘画都来自于原始实用美术，从彩陶时代起，绘塑便相互补充，紧密结合。中国雕塑不仅吸收了绘画的线条色彩的特点，而且还习惯在雕塑上绘色描线。中国古代长期绘塑不分家，而且对绘画更为重视，因而雕塑具有了明显的绘画性。这种绘画性导致中国雕塑区别于西方雕塑追求团块和体积，因而是线条在雕塑中发挥重要的造型辅助作用。雕塑家“运刀如运笔”，通过富有弹性而又丰富多变的线条，或表现飞奔的情态，如汉代的“四灵”瓦当、龙门莲花洞中的飞天等；或表现不同质感；或表现不同体型；或表现不同个性……。总之这种“净化了的线条”既体现了各自的时代风格，又具有各种不同的功能。行云流水，骨力追风，刚柔相济，状物抒情，充分展示了中国雕塑中线条的灵活性和自由美。 另外，中国古代雕塑还喜好在雕塑上绘色。如新石器时代的彩陶艺术、战国的随葬木俑、汉代的画像砖石，唐宋的“影壁”形式，无不是塑绘与雕绘相结合的产物。晋唐以来的佛教塑像更具有绘画的风貌，莫高窟盛唐时期的彩绘菩萨，设色浓艳华美，体态雍容华贵，生动的表现出盛唐时期的贵族妇女的风度神韵，这种艺术效果充分显示了中国雕塑家的创造才能和民族特色。这与西方雕塑很少设色区别也很大。在这方面，西方雕塑与其它门类艺术之问有着严格的界限以及各自独立的表现方法。从古希腊时代直到20世纪之前，西方雕塑作品很少有设色者，中间仅18世纪法国“洛可可”风格产生时，出现一丛敷彩的建筑装饰雕像，以适应王室贵族的审美趣味和感观享受。但那种净素妍雅。强调光影感的大理石刻雕塑则长期占据主导地位。西方雕塑家大多尽力排除从色彩的优越性中择取绘画的辅助方法。法国雕塑家法尔孔奈说过：“如果雕刻能保留在自己确定的范围之内，它就不会丧失自己任何一项优点；但是，如果它要使用绘画的全部手段，它就会受到失败的威胁。这两种艺术各有各的表现手段，色彩不是雕刻的手段。” 五、材料的差异 雕塑是使用真材实料来实现作者的创作意图的。材料不仅有坚硬的质地，而且也能像色彩一样借物传情，发挥和延伸设计者的思想。如花岗石的坚硬能使人产生出坚如磐石之感；大理石的洁白能使人产生出纯洁无暇之感等等。罗丹的作品大家都熟知，在他的雕塑作品中，可以看到作者彭湃的激情。他那双天才的手用泥土塑造的肌肤下似乎流动着生命的血液，假使没有以能保留住作者手印的青铜来铸造，那么可想而知我们将无法欣赏到这动人的一幕。 在雕塑材料的使用上，中国雕塑较之西方尤为丰富，如土、木、石、玉、铜等等，其中以与自然密不可分的土木居多。从仰韶文化的人像陶塑到长沙汉墓中的彩绘木俑；从秦陵兵马俑到唐代木雕迦叶像，从敦煌莫高窟的彩塑菩萨到明清时代的小品雕刻，皆体现出中国人对土木的依赖性和亲切感。西方由于工商文明的发展而较早地摆脱了人对自然的依附性，在雕刻材料的选择上也较早地扬弃了土和木的利用，在雕刻材料的选择上创造了以石雕为主流的雕塑艺术史。 总之，中西方历史与文化背景的不同特征，决定了西方艺术的注重写实性与而中国艺术崇尚写意性的两种不同审美取向；同时在造型手法和材料等运用上也造就不同层度的差别与异同。中西雕塑艺术虽有风格特征之别，但无优劣高低之分，以上只是对各自风格与观点的评述，有助于更深入地了解雕塑这一艺术领域的奇葩。
给你个大概的目录中文摘要英文摘要目录第1章绪论1.1问题的提出及研究意义1.1.1问题的提出1.1.2 研究的意义1.2国内外对传统雕塑的研究现状1.3本文研究的目的和研究内容1.3.1本文研究的目的1.3.2本文研究的主要内容第2章 历代中国雕塑的风格特点2.1秦汉雕塑。。。。2.1.1 秦汉雕塑的风格特点2.1.2 秦汉文化对雕塑的影响2.2唐代雕塑。。。。2.2.1唐代雕塑的风格特点2.2.2唐代文化对雕塑的影响。。。。。第5章 结语与后续研究5.1 结语5.2 后续研究重点是第一张和第五章 你的论点和结论具体的小节自己补充吧记得给我分 呵呵
雕塑作为人类最古老的艺术形式之一，以其独特的魅力渗透于社会生活的方方面面。雕塑艺术以一种物质形态与意识形态相交融的方式存在着，它以静态的美传达艺术家们的思想情感与审美理想；而两种不同的历史与文化背景，使同一种艺术形态形成了各自独特的艺术风格特征。本文从题材、表现手法、造型手法、材料的运用等不同角度，对这两种艺术风格之间的差异进行分析、归纳和比较，并作以简要评述。如果说历史是人类谱写的一部气势宏伟的交响曲，那么雕塑艺术就是其中一部精致而独立的乐章。雕塑是造型艺术种类中最早出现的重要的艺术表现形式，也是建筑艺术以外的另一种表现实体空间的艺术。雕塑是有三维空间的由人类创造的存在于实际空间的立体形象。像米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《思想者》、中国的四大石窟、兵马俑等都是极具代表性的作品。雕塑永远表现动态，甚至完全静止的雕像也被看作具有一种内在的运动，一种不但在空间、也在时间上持续的伸展的状态。人们可以从这一瞬间的造型中想象静态向动态的转变，想象行为的连贯，持续的活动过程，从而体味出它的活力和精神，体味出它的冷冰冰的物质材料后面的体温和感情。雕塑是可视的、可触摸到的并能反映一定意识形态及较高审美意义的实体。雕塑艺术是世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，也是根植于自己民族传统文化土壤上的一颗常青树。 在人类的文明史上，东方文明与西方文明是两大最鲜明的文明。尽管两者都产生于奴隶制和封建制这同一种社会基础上，都受制于人类思维发展和文化艺术发展的一般规律，但由于社会历史条件、文化传统、民族审美心理的差异，故而在雕塑艺术上形成两种各具特色的艺术风格。 一、题材差异 中国社会是一个农业社会，中国田园牧歌式的乡村文明，使人与自然及生态系统始终保持着和谐的关系。因而中国早期雕塑题材以动物为主，《四羊方尊》、《莲鹤方壶》等就是其中的杰作。自佛教传入中国以来，宗教佛像也成为中国传统雕塑的表现对象之一，最有名的当推云岗石窟、龙门石窟、麦积山和敦煌石窟这四大雕塑群，此外还有大量的寺庙造像。同时在中国厚葬习俗的影响下，君主及达官贵族大势修造陵墓及陪葬品，使得陵墓雕塑成为中国雕塑艺术上的又一珍宝，最具代表性的就属秦始皇陵的兵马俑。 对比之下，西方的社会基本上是一个宗教性的商业社会，城市化的生产培养了西方人的外向性和冒险性的性格，再加上海上，陆路交通发达，同东方交流广泛，这一切都有利于科学、文化和艺术的发展。神话传说是两方雕塑题材之一，如希腊人认为每一种自然现象都是神的力量显现的结果，人和神是同源的，神就是人最完美的体现，神同人一样有血有肉，有喜怒哀乐。不同的是他们长生不老、神通广大而已。就在这样一个环境下产牛了关于缪斯、阿波罗为主神及其统率下的缪斯的神话。 对人体美的表现也是两方雕塑家们的又一题材。体育竞技和大型的敬神是古希腊社会生活的一项重要内容，体育竞技大多以裸露身体的方式进行，这也许是为了在竞技比赛的同时显露强悍，优美的体型。这种社会风尚的流行无疑给雕塑家提供了一个很好的观察和创作的环境，给比赛胜利者雕像也成为雕塑家的一项任务。如米隆的《掷铁饼者》。 二、精神追求上的差异 在中国人看来，主体与客体相通、感性与理性共融，视“天人合一”为宇宙观核心，相信天人感应、天人相类。这种思想的必然结果即自然的入化和人的自然化，确信人们心中所要抒发的东西，都能在宇宙世界找到相应的事物，并以其恰当的方式表达出来。汉代霍去病的陵墓，墓前有十多件石雕，如马踏匈奴、跃马、卧马、卧牛、伏虎、野猪等。其中最具代表性的就是《马踏匈奴》。为了表现霍去病的赫赫战功，作者别出心裁的雕造出一匹气势轩昂、庄重雄强的战马，马的神情果断沉着，仿佛在时时刻刻警惕着，防止被踢翻在地的匈奴败将挣脱而逃，体现出霍去病“匈奴未灭，无以为家”的坚定意志。虽然没有直接雕造霍去病的形象，但是通过《马踏匈奴》整个作品不难体现他的品格与精神，使人联想到英勇无敌的青年将军，似乎听到击败匈奴的胜利呼声。其它石雕也分别体现出将士们不顾艰险，浴血奋战的英雄气概。 《昭陵六骏》是唐太宗李世民生前所乘六匹战马的雕刻形象，艺术家概括地塑造了六骏的立、行、奔、驰的健美姿态，并显示六匹骏马那英勇而温顺、刚毅又善良的性格。造型饱满剽悍，神韵充沛飞扬，层次转折有力，在外光映射下富于变化，具有节奏感。雕刻的是马反映的是人，象征唐太宗李世民的品格，歌颂了李世民的伟业丰功。 除了表现人的精神品格和功绩外，也成为体现当时统治阶级权力的载体。例如清代十三陵，墓前的石象背加鞍鞯，上托宝瓶，头施笼佩，四足平衡，完全依照皇帝的仪仗，其寓意为“太平有象”——动物失去了自身的个性特征和活力，成为皇权的象征。 以上以物喻人，“天人合一”的例子在中国雕塑艺术中举不胜举。而西方则在征服自然的过程中突出了人的意志。西方雕塑的表现题材基本上是以人体为主，就算是神话人物也是以人为衣钵，体现人体的美。每个时代的雕塑家几乎都共同关注人体与精神的统一。如古希腊雕像就是通过人物整体，在单纯与静穆中显示出一种理想的美。黑格尔说过，“希腊民族性格的特点在于他们对直接呈现的而又受到精神渗透的人身的个性具有高度发达的敏感，对于自由的美的形式也是如此，这就使得他们必然要把直接呈现的人，即人所特有的受到精神渗透的躯体，作为一种独立的对象来雕塑，并且把人的形象看作高于一切其他。形象的最自由的最美的形象来欣赏。”①(注：参见〔德〕黑格尔著，朱光潜译《美学》第三卷（上册），商务印书馆，1996年版，第158页。) 三、表现手法上的差异 雕塑是三度空间的立体造型艺术。雕塑品的实际体量与绘画的虚拟体量从视觉感受上是不一样的，绘画中的虚拟体量要达到雕塑的实际体量是完全不可能的，这也就是雕塑魅力所在，它以各种不同的表现手法带给人的视觉冲击和震撼是其它艺术形式无可替代的。 作为精神的实际存在，西方人体雕塑在“理念”世界的支配下具有了自身的独立价值，它不是凭借自然景物的烘托，而是凭借光线与阴影的变幻以展现形体的空间实在性，因此西方人体雕塑是严格意义上的空间艺术，在20世纪以前，希腊雕塑的物理性的立体空间概念，成为西方雕塑家共同参照的范式。 中国美学突出强调情景交融，虚实相生，艺术家们共同追求着那种“天地浑溶一气，明暗高低远近，不似之以似之”的境界，营造着“往不复，天地际也”的独特空间。北京天坛的圜丘面对着一片虚空的天穹，以整个宇宙作为自己的庙宇，反映出中国人与生存方式密切相关的时空互渗的空间意识。因而中国的雕塑往往不是以孤立的实体出现的，而是尽可能采用“借景”、“虚实”等种种方式，以求与自然景象合为一体。那些石窟造像多是通过背景热烈激昂的雕绘故事的陪衬和烘托，而显得更加宁静和睿智，从而弥补了独立的圆雕在表现空间容量方面的局限性，构成了一个空间形式包含时间节奏和动感的艺术世界。唐代的帝王陵墓所确立的“以山为陵”的体制，使陵墓、陵前雕刻与自然起伏的山势巧妙结合，令观者“身所盘桓，目所绸缪”，西方那种瞬间直观把握的空间感受在这里变成长久漫游的时间历程。 除了空间表现手法上的差异，中国雕塑以写意为主的表现手法与西方雕塑的写实性表现手法也形成反差。由于中国雕塑很晚才与实用美术真正分离，在漫长的岁月中，雕塑大多只是实用美术的一种装饰手段。装饰不求再现，只追求表现物象，因此形成了中国雕塑不求形似，只求神似的特征。不讲究描摹写实，在塑形上注重写意传神，气韵生动，虚实相生，“神似胜于形似”，这种中国式的美学观念可以说贯穿了整个古代雕塑史，即使有时表现出一定的写实性，也只是比较细微而已，在本质上依然属于意象性造型。正因为中国艺术以表现、抒情、写意见长，追求艺术意境，中国古代雕塑也具有浓郁的东方情调和意境特色。“所以汉代那些女陶俑会有着细柔的腰肢，有着如盛开的喇叭花一样美丽形状的裙裾和翩翩起舞般的拂袖姿态；所以敦煌北朝的彩塑佛像会有着不可言说的微笑，并且在这微妙的笑容中透露着内心的智慧和远离尘世的洒脱风采；所以敦煌唐代的彩塑菩萨会有着如血脉在流淌搏动的肌肤和薄如蝉翼的透体天衣；宋代晋祠的彩塑侍女会有着美人鱼一般的身段。”而我们在欣赏的时候，必须使用我们本民族的艺术标准和审美习惯，才能够真正感觉中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。 而在西方，就雕塑而言，他们建立了人类历史上独一无二的写实性雕塑。这种写实性雕塑风格的产生是由于“模仿说”的明确提出。古希腊的哲学家亚里士多德认为最好的艺术必须“照事物的应当有的样子去模仿”。而模仿是人的“一种自然的本能”。强调对外事物的模仿和反映是发端于古希腊的西方艺术传统。“模仿说”如同一面镜子，反映视觉的真实。如《米洛的阿芙洛狄特》与《大卫》都是对人体的真实再现。并且，围绕着人体塑造，古希腊令创造出一系列的标准法则，如1：7和1：8的人体比例。文艺复兴时期又创立了透视学和解剖学两大成就，有些雕刻家如多纳太罗、米开朗基罗等还亲自动手做人体解剖实验。这些都是为了能更好、更准确的模仿自然，更完美的刻画雕塑形象而服务的。 四、造型手法的差异 中西雕塑艺术家都重视线条的表现力，重视以线条造型为共同的媒介，而西方的用线仅服务于造型。黑格尔认为速写或草稿卓越的表现了画家的天分及其特点，安格尔认为线和形愈简练愈美和有魅力。可见线条对画家的造型所具有的重要作用。对雕塑特别是圆雕来说，线的因素更是不见其痕迹，雕塑家刻意追求的是团块和体积、重视三维空间的立体效果，素描中的线条只是充当表现这种效果所界定的轮廓线。米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品即使从山上滚下去也不应有一处磨损。中国古代雕塑和绘画都来自于原始实用美术，从彩陶时代起，绘塑便相互补充，紧密结合。中国雕塑不仅吸收了绘画的线条色彩的特点，而且还习惯在雕塑上绘色描线。中国古代长期绘塑不分家，而且对绘画更为重视，因而雕塑具有了明显的绘画性。这种绘画性导致中国雕塑区别于西方雕塑追求团块和体积，因而是线条在雕塑中发挥重要的造型辅助作用。雕塑家“运刀如运笔”，通过富有弹性而又丰富多变的线条，或表现飞奔的情态，如汉代的“四灵”瓦当、龙门莲花洞中的飞天等；或表现不同质感；或表现不同体型；或表现不同个性……。总之这种“净化了的线条”既体现了各自的时代风格，又具有各种不同的功能。行云流水，骨力追风，刚柔相济，状物抒情，充分展示了中国雕塑中线条的灵活性和自由美。 另外，中国古代雕塑还喜好在雕塑上绘色。如新石器时代的彩陶艺术、战国的随葬木俑、汉代的画像砖石，唐宋的“影壁”形式，无不是塑绘与雕绘相结合的产物。晋唐以来的佛教塑像更具有绘画的风貌，莫高窟盛唐时期的彩绘菩萨，设色浓艳华美，体态雍容华贵，生动的表现出盛唐时期的贵族妇女的风度神韵，这种艺术效果充分显示了中国雕塑家的创造才能和民族特色。这与西方雕塑很少设色区别也很大。在这方面，西方雕塑与其它门类艺术之问有着严格的界限以及各自独立的表现方法。从古希腊时代直到20世纪之前，西方雕塑作品很少有设色者，中间仅18世纪法国“洛可可”风格产生时，出现一丛敷彩的建筑装饰雕像，以适应王室贵族的审美趣味和感观享受。但那种净素妍雅。强调光影感的大理石刻雕塑则长期占据主导地位。西方雕塑家大多尽力排除从色彩的优越性中择取绘画的辅助方法。法国雕塑家法尔孔奈说过：“如果雕刻能保留在自己确定的范围之内，它就不会丧失自己任何一项优点；但是，如果它要使用绘画的全部手段，它就会受到失败的威胁。这两种艺术各有各的表现手段，色彩不是雕刻的手段。” 五、材料的差异 雕塑是使用真材实料来实现作者的创作意图的。材料不仅有坚硬的质地，而且也能像色彩一样借物传情，发挥和延伸设计者的思想。如花岗石的坚硬能使人产生出坚如磐石之感；大理石的洁白能使人产生出纯洁无暇之感等等。罗丹的作品大家都熟知，在他的雕塑作品中，可以看到作者彭湃的激情。他那双天才的手用泥土塑造的肌肤下似乎流动着生命的血液，假使没有以能保留住作者手印的青铜来铸造，那么可想而知我们将无法欣赏到这动人的一幕。 在雕塑材料的使用上，中国雕塑较之西方尤为丰富，如土、木、石、玉、铜等等，其中以与自然密不可分的土木居多。从仰韶文化的人像陶塑到长沙汉墓中的彩绘木俑；从秦陵兵马俑到唐代木雕迦叶像，从敦煌莫高窟的彩塑菩萨到明清时代的小品雕刻，皆体现出中国人对土木的依赖性和亲切感。西方由于工商文明的发展而较早地摆脱了人对自然的依附性，在雕刻材料的选择上也较早地扬弃了土和木的利用，在雕刻材料的选择上创造了以石雕为主流的雕塑艺术史。 总之，中西方历史与文化背景的不同特征，决定了西方艺术的注重写实性与而中国艺术崇尚写意性的两种不同审美取向；同时在造型手法和材料等运用上也造就不同层度的差别与异同。中西雕塑艺术虽有风格特征之别，但无优劣高低之分，以上只是对各自风格与观点的评述，有助于更深入地了解雕塑这一艺术领域的奇葩。
马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。 历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂，康城的三圣教堂，德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻，都具有代表性。 罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，都是哥特式教堂。而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。 14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。 从15世纪后半叶开始一直16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕刻家，差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。 西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛...)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！ 【吻】 "Le Baiser" 奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917） 罗丹是法国的著名雕塑家，创作风格深受米开朗基罗影响，擅长人物、情感及动态的深入刻画。「吻」是罗丹众多的知名作品中，少数能与「沉思者」相提并论的名作；藉由罗丹这件神来之作，但丁「神曲」里保罗与法兰契斯卡的悲剧爱情，得以感性地呈现出刹那间的永恒 【遗弃】 "L'abandon" 卡蜜儿．克劳戴（法国，1861~1943） 1886年与卡蜜儿热恋中的罗丹完成名作「吻」，两年后卡蜜儿完成了「遗弃」的陶塑原模。此作取材自印度爱情神话，原名「沙昆达娜」，又名「委身」，后才更名为「遗弃」；作品的易名道尽了卡蜜儿与罗丹的恋情始末，此作也彷佛影射罗丹跪在被遗弃的卡蜜儿面前请求宽恕。奇美收藏的是，出卡蜜儿在1910年法国艺术家沙龙展中的参展原作，系为1905年铸铜而成。 【人型的橱柜】 "Cabinet Anthropomorphoque" 萨尔瓦多．达利（西班牙，1904~1989） 达利的创作特色是将现实世界中的实体任意地扭曲变形，他在「米罗的维纳斯」一作中认为身体是有好几部分的，并可分开抽出来，而此作「人形的橱柜」他亦是秉持着这个观念，将人体的身体化为许多抽屉，可说是达利作品中相当典型的创作. 【洗脚的女郎】 "Femme se lavant jambe gauche" 艾德嘉．窦加（法国，1834~1917） 艾德嘉．窦加受印象派的影响，整个作品在每个不同的角度中，均呈现出一种多变的不安定感。窦加把女与椅子表现得相当独特，尤其是披挂在椅子上的衣物相当抽象，反观女郎面前的水桶，却相当写实，如此极端的两种风格，在窦加独具用心的诠释下，展露出无与伦比的完美组合。 【铁修斯战胜半人半马的怪兽】 "Thésée combatant centaure Biénor" 安端-路易．巴里 （法国，1795~1875） 巴里是十九世纪中叶法国最重要的动物雕塑家。此作的石膏原型曾在1850 年的法国艺术家沙龙展中展出。半人半马的怪兽（Centaure）和Lapithes 族人的争战是古典艺术中常常取材的主题，它也文明战胜野蛮的象征。此作品系由 Barbedienne所翻制，有 Barye 1860之签名，是最原始的大尺寸（当时仅铸作两件），也是巴里生前所有创作售价纪录最昂贵之作。现今典藏于纽约大都会博物馆及罗浮宫的同尺寸作品皆为巴里死后才翻铸而成。 【人体】 "Torso" 亚历山大．阿基边克（俄裔美籍，1887~1964） 二十世纪初至第一次世界大战前的十五年间，欧洲艺坛出现了两个代表现代造型理念的艺术理念，分别是野兽派及立体派。阿基边克是立体派重要雕塑家。立体派有感于非洲艺术单纯造型的美感，正如此像以极简练的几何造型呈现女性胴体，作品透露理性、纯粹的美感。此作完成于1914年，正值阿基边克的创作盛期. 【弓箭手】 "Tireur à l’are" 皮耶．勒．法居叶兹（法国，1892年出生） 装饰艺术（Art Deco）于1920年代、1930年代出现于欧美各地，它注重感官趣味，崇尚唯美，创造了前所未有的视觉飨宴。皮耶．勒．法居叶兹是法国极为成功的装饰艺术风格代表之一，他以象牙、青铜、银、石头等多媒材成功地刻划出一位古罗马造型的战士，简洁有力的线条，勾勒出战士拉弓时，力道强劲的优美站姿，充分展现装饰艺术力与美的极致。 【加拉蒂与海豚】 "Galatea Riding a Dolphin" 安西里欧尼（意大利，1832~1894） 在此作中加拉蒂丰腴的胴体扭曲斜倚着海豚，卷曲的秀发随风飘扬，造型动感十足；加拉蒂身上有许多雕刀刻出的细微纹样，或线条、或点状，在腹部、肘部、脚关节各处，类似真人肌肤上的肌理质感，使整个雕像栩栩如生。为了凸显女海神的主题，底座的石材特意挑选一满布细纹的大理石，彷佛海中起伏的波浪，遨游其上的海豚也呼应了主题，使作品充满了活力与生气。 【奥塞罗】 "Othello" 皮耶多．卡尔威（意大利，1833~1884） 意大利雕塑家卡尔威以创作莎翁剧中人物而闻名，奥赛罗是莎翁四大悲剧中的主题人物，乃为十五世纪来自非洲的摩尔人，高居将军之位而遭嫉，遂在误杀妻子后也自杀身亡。作者以首位演出此角色的男性演员为模特色，而于1869年完成此尊结合青铜与大理石的杰作。 【苏珊】 "SUZON" 奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917） 罗丹（1840~1917）近代雕塑之父。他用黏土，青铜和大理石，以前所未有的坦率，直接刻画平凡尘世的激情、痛苦情思欲念，他的艺术所展现出的时代性与浪漫气质是雕塑史上的一个高峰。漫长的艺术人生里他深受米开朗基罗，印象派及当代文豪雨果‧波特莱尔的影响。 1870年进入卡里埃．贝流兹（Carrier－Belleuse)工作室，当时作品皆需刻上卡里埃签名，罗丹为了多攒些钱，所以利用晚上雕塑一些女性胸像，然后刻上自己的名字出售。苏珊即为此时之作品，强烈敏锐的洞察力，勾勒出苏珊温柔婉约的表情，精致的脸孔，极其腻人，轻柔的卷发系上柔软的丝带，高贵的气质从作品中一吋吋浓郁的散发出来，堪称罗丹创作生涯中精彩细腻的早期代表作。 【坚忍的母与子】 "Mother and Child" 亚堤里欧．皮奇瑞利（义裔美籍，1860~1945） 此作曾于1915年在旧金山参展中获金牌奖。现今置于纽约中央公园的Columbus Circle入口作品乃为放大版本之作。作者大部份作品是以大理石或木材，但也有少数以石膏和青铜铸造的。此件作品描写受尽委屈的孩童，紧紧依偎在母亲的关爱的胳膊里，孩子好似找到安全的慰藉，哭泣倾诉与母亲温情的垂问，形成一个对应无间、自然写实的母子连心之实体。 【运动员】 "The Athlete" 唐纳多．巴卡里亚（意大利，1849~1930） 来自米兰学院的巴卡里亚，在他十七岁首次参展时，创作才能即被肯定，他的创作风格深深受到卡诺瓦 Canova 影响。此作「运动员」完成于1898年，当年曾在米兰展出，并于1902年在圣彼得堡参展时嬴得首奖。其造型是来自于希腊英雄赫丘力斯（Hercules）的构思，不但融合了高度的写实技巧，更是兼具理想美的作品，是作者巴卡里亚生平最具代表性的创作。 【爱神与赛姬】 "Cupid and Psyche" 裘里欧．贝冈左里（意大利，1822~1868） 相传赛姬拥有絻世的美色，使得维纳斯大为嫉妒，遂令儿子丘彼特用他那无可抗拒的箭，使赛姬爱上最丑恶的怪物，没想到连丘彼特也被赛姬的美迷惑而跌入爱情的漩涡之中。此件雕塑呈现丘彼特轻盈地浮在空中，温柔的吻着赛姬，丘彼特、赛姬双人形成X形的姿势，上扬的动态，传达出传说中缠绵爱情的浪漫，是意大利雕塑家贝冈左里的代表作之一。 【女孩系列】胡恩．克拉拉（西班牙，1875~1957） 胡恩．克拉拉以自然且生动传神的技法，雕出孩童纯真可爱的本质，更不忘以诙谐的手法呈现出孩童顽皮淘气的一面。这四件相继完成于二十世纪初，在动作上彷佛有其联贯性，件件趣味横生，不失童真。 四件作品描绘一位好吃的小女孩坐在高椅上，她被眼前高处的饼干吸引住了，急着想站起来，没料到却滑落下来，心想干脆换张椅子再试着爬上去，可是她又担心会被妈妈发现，不禁频频回头，总算平安无事的站在高椅上了。这下子她又伤脑筋，因为眼前好吃的东西太多，真不知要挑哪一样？结果才想好好地享用手中这块得来不易的饼干，居然狗儿也来势汹汹，紧紧咬住她的裙摆。细细品味这四件淘气女孩作品里的小动作，相当可体会童心的可爱之处。 回答者： EstelPersian - 见习魔法师 三级 12-8 17:59 分类上升达人排行榜用户名 动态 上周上升 wohaoainiyang 2365 骄阳出海 2020 风清月独醉 1580 清水小雪 1405 俺心扑腾 660 更多>> 订阅该问题MBA培训光盘5元/张,北京货到付款! 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需要注意的是在答辩过程中，简明扼要的回答出问题的答案，比如自我介绍，自我介绍的内容是姓名，学号，专业等。论文答辩的陈述，答辩小组安排导师进行提问，是答辩过程中最灵活的环节，是一个相互交流的过程，最后做出全过程的总结陈述，答辩结束后，要礼貌的对答辩导师做出感谢。
环境设计又称“环境艺术设计”，是一种新兴的艺术设计门类。包含的学科相当广泛，主要由：建筑设计，室内设计 公共艺术设计，景观设计 ，等内容组成。在内容上几乎包含了除平面和广告艺术设计之外其他所有的艺术设计，环境设计以建筑学为基础，有其独特的侧重点。与建筑学相比，环境设计更注重建筑的室内外环境艺术气氛的营造；与城市规划设计相比，则环境设计更注重规划细节的落实与完善；与园林设计相比，则更注重局部与整体的关系。环境艺术设计是“艺术”与“技术”的有机结合体。 环境设计环境设计专业专门培养设计公共和私人空间，室内和室外空间的设计人才。环境设计在一定程度上恢复，改造，保持建筑物和自然环境的关系。将来职业导向为环境设计师或者是建筑师。 从设计的角度来研究环境的各个方面，整体考虑人工和自然等空间要素。目标是设计出使这些要素和谐统一的建筑和环境空间，即满足功能需求，又考虑到环境安全和生态的可持续发展。 环境设计是一门交叉学科，把建筑学，园林，室内装潢，环境绘图（如标志牌和信息公告牌）的创意结合在一起，并涵盖了社会科学，卫生保健学，环境科学和自然科学。 本科头两年学习公共文理课程，同时还会上一些介绍环境设计的专业基础课。大三和大四集中学习个人选择的研究方面，比如城市和区域规划，园林设计等。 环境设计专业会有很多的结合实际工程的实践课，实践课和实习将会使你了解规划和设计的真实世界。你会在政府部门，非盈利组织，私人企业中实习，学 环境设计习到在社区规划，项目开发中如何综合考虑经济，社会，政治，以及设计要素。 各大学环境设计专业的侧重点会不一样。一些大学强调传统的结构设计，一些强调满足特殊人群需求的研究型设计。一些则强调社区规划设计。 强调传统结构设计的环境设计专业通常会设在建筑学院，室内装修学院，园林设计学院的下面，也有可能设在工程学院（用于工业和产品设计）。研究导向型的学院通常会有正式的研究中心。大部分环境设计专业以设计规划和政策导向，和城市规划系紧密相连。目前，我们对“环境设计”这个词组的含义有一定的曲解，这不仅包括一般人，甚至许多专业人士对其也有偏颇的看法。故此有必要从本源上进行分析与明确，以利于该学科的建设与发展。首先，从词的含义上看“环境艺术”与“环境”应该是两个不同的概念，但是在我们以往的学术交流与讲学中所指“环境艺术设计”必然是指“环境设计”。笔者以为这种混为一谈的说法是欠科学的，广州美院尹定邦教授在“设计学概论”一书中使用了“环境设计”这个概念，笔者认为其定位是准确的。因为“环境艺术设计”（Environment and Art）很容易让人联想到20世纪初，现代派艺术家在湖中筑起螺旋防波堤，在峡谷中挂起幕布之类的环境艺术。 环境设计是对人类的生存空间进行的设计。广义的环境是指围绕和影响着生物体周边的一切外在状态，所有生物包括人类都无法脱离的这个环境。狭义的是指，在自然环境的基础上创造出符合人类意志的人为环境。环境设计就是要解决“人—建筑—环境”之间存在的各种不协调因素使其和谐统一，营造出完美时尚、舒适宜人的人类生活空间。具体可概括为五个方面：1.以人为中心，研究人的行为特征，考虑人的使用要求，在设计中尽可能地做到方便、舒适、顺畅，以提高人的工作效率和生活舒适度；2.进行生态、文化的保护设计；3.考虑环境的归属性和认同感；4.通过对环境空间的设计，传达美感的信息；5.环境设计要考虑到人类行为的多样性与审美趣味的多元性，要与之相适应。由此可见，与“环境设计”相区别的“环境艺术设计”主要是指一种艺术性大于功能性的设计，它更多考虑的是环境的美化和文化在精神层面的信息传递。从以上五方面来看，“环境艺术设计”主要应归属于第四和第五部分，与环境设计的关系是主干与分支的从属关系，而不是可以相互替代或彼此等同的概念。 那么何谓“新学科”呢？就目前国内各高等院校所开设的环境设计专业，大都有城规、建筑、室内外及公共艺术设计等主干课程。就其各专业的学科领域来看，似乎没有“新”的内容。城市规划，建筑设计古已有之，室内外设计，公共艺术也非今日之产物。甚至会有人提出我们现在有城市规划工作者，有众多建筑师、市政工程师、园林师乃至各类专业的美术家，他们已分担了城市环境建设的各项工作，那么还要开设环境设计专业有实际的意义吗？理论上看似乎有其道理，但事实上，城市规划的工作主要侧重从社会学及心理行为的综合观念出发，宏观地解决土地利用和开发问题，很难涉及细微的功能与美学研究。而建筑设计则主要对建筑的结构、空间及造型、功能等方面进行的设计。室内设计是从建筑设计中脱离出来的设计，它主要是通过对室内空间、结构、布局、装饰、家具、材料、照明等设计因素综合分析考虑，进行科学、美观、舒适和合理的设计。室外设计主要包括园林设计，庭院、街道设计，公园、广场、道路、桥梁、商业、娱乐区等的室外空间设计。公共艺术设计是指在开放性公共空间中进行的艺术创造与相应的环境设计，如雕塑、纪念碑等。从以上各专业的定位分析便可以看出，在以往的城市建设中由于传统行业的规限，专业教育的分工和设计思想的单一，各专业工作者只能从事“分内”的工作。而在每一具体工程项目中，各专业间最大限度的合作也仅只是补充本专业的明显缺陷。由于以往我们各院校培养的人才缺乏横向的相关领域知识和宏观的技术视野，彼此间不能广泛的协调。因此在解决当今城市庞大复杂且多变的综合问题面前，不仅顾此失彼，难于应策，而且把整个城市环境经营得零落疏离，有的城市空间甚至成为各路行家自我表现的“天桥”市场。“环境设计”学科正是针对以上弊端而适时产生的。环境设计在这里成了各专业的纽带和桥梁，它以其全面性的理论与实践能力，将补充各专业间的空白，并推动多领域的密切合作。一言以蔽之，所谓“新”就是知识结构的重新组合，它立足建筑学科的教学平台与艺术设计相结合并嫁接于多学科之间，比其他相关专业的知识面更为广博和特有的统领性。随着科学技术和文化观念的进步，人们对城市环境的认知和要求也自然会不断提高。现代城市的建设要求广阔的视野和更高的专业设计水准，我们唯有在整体环境观念的前提下并有环境设计的新知识构架介入，才能使我们的城市建设。有些零碎的部分自己改改(⊙o⊙)哦！sorry哦！！（这不算论文，参考资料啦，至于论文，你自己也要动动脑筋噢噢噢噢！！！
艺术设计类专业答辩会，如果是职称申报类的答辩会，会问你发表的代表作品有点在那里。还会问在课程改革中的思考和探索情况。工作总结一定要写多一点。
毕业论文答辩的时候，老师会从你的毕业论文当中提出几个问题。然后自己去回答。
论文掰就行了。。凑足字数OK。。千万不要抄。
我倒是有，但是你用我的就算是抄袭呀，想当初毕业的时候，班上两个男生抄到一块去了，幸亏系里给兜着了，要不都要没学位了。
(x-45)/(x-24)=62.5%x-45=0.625(x-24)x-45=0.625x-15x-0.625x=-15+450.375x=30x=80
给你个大概的目录中文摘要英文摘要目录第1章绪论1.1问题的提出及研究意义1.1.1问题的提出1.1.2 研究的意义1.2国内外对传统雕塑的研究现状1.3本文研究的目的和研究内容1.3.1本文研究的目的1.3.2本文研究的主要内容第2章 历代中国雕塑的风格特点2.1秦汉雕塑。。。。2.1.1 秦汉雕塑的风格特点2.1.2 秦汉文化对雕塑的影响2.2唐代雕塑。。。。2.2.1唐代雕塑的风格特点2.2.2唐代文化对雕塑的影响。。。。。第5章 结语与后续研究5.1 结语5.2 后续研究重点是第一张和第五章 你的论点和结论具体的小节自己补充吧记得给我分 呵呵
(x-45)/(x-24)=62.5%x-45=0.625(x-24)x-45=0.625x-15x-0.625x=-15+450.375x=30x=80
我倒是有，但是你用我的就算是抄袭呀，想当初毕业的时候，班上两个男生抄到一块去了，幸亏系里给兜着了，要不都要没学位了。
让雕塑为祖国“四化”出力冯河;谈作动物雕塑[J];美术研究;1980年04期刘开渠;对雕塑创作的几点意见[J];文艺研究;1980年04期傅天仇;雕塑的遗产和创造[J];文艺研究;1980年04期路艳霞;环境剧 雕塑剧悄然露头[N];北京日报;2000年 王展;论西方现代雕塑多位空间的视觉表达方式[D];西安建筑科技大学;2001年 王岩;现代雕塑与现代建筑的共融[D];大连理工大学;2002年 郑蕾;建筑与雕塑的关系[D];中央美术学院;2002年 崔健;写实性雕塑的原理及中国城市雕塑的现状[D];中央美术学院;2002年 王琪;谈人物雕塑的姿势[D];中央美术学院;2002年 陈其端;现代城市公共艺术问题解析及其对策[D];武汉理工大学;2003年 刘熠;城市广场的水景雕塑研究[D];中央美术学院;2003年 黑晓东;写实雕塑的观察方法及形体认识[D];中央美术学院;2003年 马军;试论雕塑材料语言与造型[D];中央美术学院;2003年 李亮;中国各美术学院雕塑系教学改革考察报告[D];中央美术学院;2003年
莫斯科苏里科夫美术学院，是在绘画、雕塑、建筑学学校的基础上建立的。这所大学已发展成为俄罗斯美术教育的世界著名大学。那么苏里科夫美术学院申请条件是什么呢？下面我带大家了解了解。
普通高中毕业生，具有中等教育学历（12年）。有完整学历证书：普高毕业证，会考成绩单；
美术学院附中或者纯美术中专，具有中等教育学历（12年）。有完整学历证书：毕业证，成绩单等。
在读的学生不能申请语言预科。只有完整的学历证书才能申请读预科，高中或者本科在读生不能正常的就读预科系。因学生到校后需马上提供学历双认证。
所有的课程用俄语教学。所以如果学生不懂俄语只能申请读预科系。苏里科夫美院的时间不能迟于10月1日。
中等教育毕业证书的公证书。
护照复印件，有姓名、出生日期和护照号码的那一页。
如果我校接收您进入校学习，会给您发出入学邀请。
外国留学生申请进入大学一年级的时候必须给学校以邮寄的方式或者亲自提供自己的作品照片或者幻灯片。（素描 -人头像，人体像。油画 -人体像，人头像，组合像。）
入学委员会考核申请人是否具有可以进入大一学习的能力。之后外国留学生提供合同中规定的材料、付清学费、签署学习合同，然后开始学习。10月1日开课。入学所需材料：
1.简历或者规定格式的个人情况问卷。
2.中等教育毕业证书公证书以及包括所有课程科目以及成绩的成绩单公证书。
3.出生证明复印件
4.健康体检证明和艾滋病检测证明。
5.3*4厘米照片10张。
所有2、3、4条所提及的文件必须翻译成俄文并进行公证或者由大使馆认证。
所有课程用俄语讲授。外国留学生在一个学年的时间（10月1日～6月20日）在预科系学习俄语以及专业课程和历史、文学等课程。
油画每周15小时；
素描每周15小时；
俄语每周15小时
预科结束后需要通过俄语以及绘画考试。
通过考试后就可以申请进入大学一年级学习。
每学年有两学期
第一学期-10月1日～1月25日；
第二学期-2月7日～6月1日。
学生每年要通过两次考试。
学生在完成毕业作品基础之上从学校毕业。如果学生能够顺利修完所有规定课程并通过毕业论文答辩，就可以得到注明所修专业的国家标准格式毕业证书，并且会被授予艺术硕士学位。
绘画系
是美术学院最大的系。学生在第二年级，就进入供个人使用的画室。但是古画修复系和宗教画系以及戏剧美术系都是在第一年级就开始接受学生进入工作室。每个学年的夏季，学生们实习，到外地写生。
雕塑系
这个系的学生每天要对着实物进行雕塑练习，也作着衣和裸体的塑像。1-5年级的学生每天三个小时做泥塑、两个小时学素描。他们练习作纪念雕塑、装饰雕塑的草图和完成品。他们也学习作深浮雕或浅浮雕。他们也有动物雕塑的课程。
线条画系
这个系的学生学习蚀刻版画、石头版画、培养漆料版画、铜版画和木版画。他们学习在各种材料上进行线条画创作的技术，他们被成为线条画美术家和书籍装帧艺术专家。美术理论和美术史系主要学习美术史和艺术理论。未来的艺术理论家们直接和绘画、雕塑、建筑、线条画的学生接触，并直接观察到他们的创作过程，这将有助于他们的实际工作。这个系的学生还有一个优越条件，俄罗斯博物馆收藏丰富的俄罗斯和西欧的优秀作品，便于学生们汲取来自传统的和世界文化的营养，培养他们成为博物馆艺术理论专家、画廊专家；中、高等学校的教员和美术评论家。
建筑学系
2001年建立该系， 主要培养学生今后成为各领域的建筑师。
主楼，包括绘画系、雕塑系、美术史和理论系教学楼坐落在莫斯科市的中心地带，在同志街30号，附近有环线地铁，地铁站“马克思主义者”和“塔甘卡”和塔甘卡广场，紧邻俄罗斯国家艺术博物馆。
建筑学系、线条画系教学楼在莫斯科市正中心地带，位于拉夫鲁什金街15号，临近莫斯科河，附近有地铁站＂特列季亚科夫＂和＂新库兹涅茨克＂，教学楼正对着世界闻名的＂特列季亚科夫＂画廊（旧馆），距离红场约3站地铁。
两教学楼相距一站地铁的路程。