美术学毕业论文选题还不容易 [1] 施乐群. 中国当代油画30年的语境迁移[D]. 中国美术学院 2008[2] 曾传兴. 四种写实话语[D]. 湖南师范大学 2007[3] 刘芳. 中国当代艺术中的都市社会空间[D]. 中央美术学院 2007[4] 沈阳. 中国观念摄影研究[D]. 中央美术学院 2007[5] 尹骅. 关于马奈绘画形式语言的研究[D]. 中国美术学院 2008参考这几篇文章，很简单
一、原始、古代美术（一）.古代两河流域、埃及美术古代两河流域地区1、 美尔－阿卡德时期 （公元前3500－前2000）这时期，宗教在社会生活中起主要作用对艺术产生了深刻的影响。建筑：冲积平原没有建筑石料，苏美尔人用粘土制成砖坯，作主要建筑材料，为使建筑防水，镶嵌碎陶片，这方法对后世产生深远影响，成为该地区建筑一种特有的装饰。当地人崇拜天体，也崇拜山岳，把庙宇称为“山的住宅”，所以建造塔庙，乌卢克神庙是塔庙的典型代表。雕刻 ：苏美尔人雕刻（重刻划头部和内在精神），在特勒阿斯布尔的阿布神庙发现13座苏美尔人雕像是其代表作。阿卡德人的雕刻 （具有更强的写实性），萨尔贡王青铜头像（刻划写实，神情庄重威严，个性坚毅）是两河地区第一次发现的真正的帝王肖像，《纳拉姆辛浮雕石板》。绘画 苏美尔人的绘画代表作是乌尔城出土的军旗（在刷有沥青的木板上用贝壳、闪绿岩、粉红色的石灰石镶嵌成战争和庆贺的场面）。《乌尔徽牌》镶嵌木版画。工艺美术：苏美尔人的工艺美术是古代东方工艺美术的精华。1、乌尔城出土的《公山羊与树》，闪绿岩、贝壳、黄金制成。2、苏美尔人的牛头竖琴是最古老的精美乐器。牛头是天青石和金箔制成，琴架黄杨木制作，正面在沥青上用贝壳镶嵌人和动物。2、巴比伦时期 （前1900－前1600）巴比伦人在文化上继承苏美尔—阿卡德人的传统。现存最完整的是《汉漠拉比法典石碑》，法典刻在黑色的玄武石上，上部为浮雕，下部为文字。3、亚述时期（前1000－前612）建筑 亚述人的艺术主要为世俗生活服务，具有很强的现实性。亚述人不重来世，不修陵墓，他们的艺术仅见于宫殿。这时期建造了两河历史上最宏伟富丽的宫殿建筑。胡尔西巴德的萨尔贡二世宫是主要代表。浮雕：装饰亚述王宫的石板浮雕高达2－3m，镶嵌在宫殿内部墙上。它用长幅记载历代亚述王军事讨伐、重大事迹、宫廷生活等等。既有装饰作用又有纪念意义。《亚述军队围攻要塞》。 7世纪灭亡后，亚述艺术也随之销声匿迹。4、新巴比伦时期（前612－前539）建筑 新巴比伦历经10代国王，发展成为西亚最大的政治、经济、文化、贸易和手工业中心。这一时期的美术集中体现在新巴比伦城的建筑上。巴比伦城是古代世界最伟大的城市。巴比伦城是一座正方形的城市，长达11英里，幼法拉底河从中穿过。5、古埃及美术位于非洲东北部尼罗河下游的埃及，是世界文明的发源地之一。作为艺术，古埃及更是以其独特的民族传统和风格特征，在世界艺术史上有着重要的位置。建筑 埃及的建筑庞大而宏伟，深蕴着极强的宗教观念和精神力量，并显现着永恒的纪念意义。金字塔是古埃及最早的一种陵墓建筑，它是埃及王权神圣的象征。最具代表性的是埃及首府开罗一西的基泽金字塔，分别是第四王朝法老考拉、哈夫拉和胡夫三座大型金字塔组成的法老陵墓。中王国和新王国时期，埃及的主要建筑是神殿。其中最重要的有中王国时期的孟图荷太普三世陵墓建筑群，新王国时期卡尔纳神庙和卢克神庙、哈特谢普苏特女王陵墓以及阿布?辛贝尔的石窟神庙等。雕塑 埃及雕塑无论在精神内容，还是在艺术表现上，都具有十分明显的规范性和程式化要求。埃及巨型雕塑的伟大杰作是古王国时期哈夫拉金字塔前的狮身人面像。浮雕与壁画 埃及浮雕和壁画在内容和形式上几乎有着相近的风格。埃及的浮雕刻线浅显，基本保持平面感，并追求线用线条造型的装饰趣味。《纳美尔岩板》是早王国时期第一王朝的浮雕杰作。总之，埃及美术以其丰富的内容展示了古老的文明之国的文化精神。总结起来埃及美术基本特征是十分明显的。首先，它强调功利性。其次，表现出强烈的宗教意识和神性观念。（二）.爱琴美术、古代希腊美术古代希腊美术1、古希腊美术的巅峰——雕塑荷马时期的雕塑公元前11世纪至前9世纪，是荷马时期。这时期的雕塑在各方面是比较稚拙的。古风时期的雕塑艺术公元前8世纪至前5世纪是古风时期。纵观整个古风时期希腊雕塑的发展，已经基本形成颇为明晰的民族化风格。古典时期的雕塑艺术公元前449年至前334年，史称古典时期。希腊古典雕塑对西方美术最大的贡献，在于它完整而理想地确立了写实主义原则。特别是对人体艺术的创造与探索，为人类的艺术宝库开辟了最具魅力的美感空间和塑造了十分精粹的艺术典型。那些由米隆、菲迪亚斯、波利克里托斯、普拉克西特列斯、斯珂帕斯、利西普斯等雕塑大师完成的艺术品，至今仍是人类艺术史上熠熠生辉的珍珠。希腊化时期的雕塑公元前334年至前30年的300余年被成为“希腊化时期”。概括起来，首先是雕塑的艺术风格变得多样与丰富。再就是雕塑的艺术精神不断向现实性和自然性发展。三是雕塑的艺术功能具有明显的宫廷化和享乐性特征。继普拉克西特列斯之后，女人体雕塑在希腊化时期达到鼎盛，最具代表的是《米洛斯的阿芙罗蒂德》（即维纳斯）。《萨莫色雷斯的胜利女神》是希腊本土此期最具特色的神话雕塑。罗德岛的雕塑以《拉奥孔》最为著名，米隆《掷铁饼者》。古希腊的建筑与瓶画庄重而神圣的建筑古希腊建筑艺术的最高成就是神庙建筑。奥林匹亚的赫拉神庙、宙斯神庙以及以弗所的阿耳特弥斯神庙就是这种格局与柱式的典型代表。古典盛期则发展为以神庙建筑为中心的卫城式格局，精美多样的瓶画（三）.古罗马美术一、伊特拉里亚美术伊特拉里亚美术是古罗马美术的基础，共和末期和帝国前期的美术是其辉煌的顶峰。二、实用与功利性的建筑科洛西姆竞技场是罗马城贵族和自由民族观看斗兽和奴隶角斗的娱乐场所，可容纳8万多名观众。罗马万神庙是宗教建筑最杰出的代表。凯旋门是罗马统治者为炫耀武功和奖励征战，而在胜利者必经的道路上树立的纪念碑式建筑。纪念柱是古罗马统治者歌功颂德的纪念性建筑。水道是罗马统治者建设的公共性设施。三、写实与个性化的雕塑四、华丽与装饰性的绘画最为著名的是庞贝城的壁画，除此之外，在罗马城、赫库兰尼姆等地也有十分精美的壁画。罗马镶嵌画艺术也颇为恢宏的景象。二、欧洲中世纪美术早期基督教美术（公元476年西罗马帝国灭亡——15世纪欧洲文艺复兴开始）并认为这段历史是野蛮黑暗的时代，处于文明与复兴之间的时代，故称“中世纪”——在东方文化、古希腊罗马文化传统和蛮族文化的基础上融合而成的基督教艺术。拜占庭美术拜占庭的建筑主要继承罗马风格，早期的教堂建筑主要沿用罗马陵墓圆形或多边形的平面结构和万神庙式的圆穹顶。圣索非亚大教堂就是拜占庭艺术的辉煌成就之一。镶嵌画在拜占庭艺术占有特殊的地位，这种以小彩色玻璃和石子镶嵌而成的建筑装饰画，成为教堂内部装饰的主要形式。罗马式艺术与哥特式艺术罗马式艺术：公元10世纪－12世纪，建筑普遍采用类似古罗马的拱顶和梁柱结合的体系，并大量采用希腊罗马纪念碑式的雕刻来装饰教堂，因此被称为罗马式。英国杜勒姆教堂建成为标志，作为代表的还有德国的圣基列阿达教堂、意大利的比萨教堂。哥特式艺术：12－13世纪——15世纪，哥特式艺术是整个欧洲中世纪艺术发展的一个顶点，它开始于建筑方面，而后才逐渐波及到雕塑和绘画。哥特式建筑的特点：平面是“十字架”型，外部多用高高的尖塔楼，内部轻盈，窗户多事五彩的玻璃镶嵌的。最著名的哥特式建筑是法国的巴黎圣母院。德国的瑙姆堡教堂、科隆大教堂也很著名。雕塑罗：罗马式艺术的复兴另一个显著特征就是石雕的复兴。哥：。最能代表哥特式艺术雕刻成就的法国的夏特尔教堂。绘画罗：手抄本的圣经插图和壁画。哥：彩色玻璃画。三、欧洲文艺复兴时期美术文艺复兴文艺复兴是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。“文艺复兴”原意是“在古典规范的影响下，艺术和文学的复兴”。这是是一场资产阶级文化运动。其核心人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本。本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动、早期文艺复兴时期（佛罗伦萨画派）乔托（约1266-1337）是佛罗伦萨画派的创始人，也是意大利文艺复兴的先驱者之一。其代表作《逃往埃及》。马萨乔(1401-1428),继承和发展乔托的艺术传统，代表作是《出乐园》，《纳税钱》。桑德罗?波提切利（1444-1510）15世纪佛罗伦萨画派的最后一位大师，代表作是《维纳斯的诞生》和《春》。意大利文艺复兴时期三杰达?芬奇 是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一。他的天才不仅表现在艺术上，而且在数学、机械工程、医学、地质学等方面都有所反映。1482年到米兰，重要作品有《岩间圣母》和《最后的晚餐》，在《岩间圣母》这幅作品中，芬奇使用明确的几何结构来安排人物，即人物被框在一个等腰三角形，而这个等腰三角形的顶点是玛利亚的头部，他的这一做法为当时金字塔型的构图奠定了基础。同时他又用天使和婴儿加重右下角的分量，并通过左上方的光源使得整个画面得以平衡，象这样在复杂的动态中取得平衡的手法为后世艺术家广泛运用。1503年，芬奇回到佛罗伦萨，完成名作《蒙娜丽莎》。米开朗基罗 走的是和芬奇不同的道路，他不象芬奇那样充满科学精神和哲理思考，而是在作品中倾注了自己满腔悲剧性激情。1501－1504年，米开朗基罗为家乡创作了《大卫》雕像，表现了一位建功立业前充满愤怒和力量的年轻人，大卫成为文艺复兴时代英雄的象征。1508－1512年，他受教皇朱诺二世的委托创作西斯廷教堂的天顶画《创世纪》朱诺二世死后，新教皇里奥十世命他设计朱的陵墓。，其中《摩西》最令人震撼。晚年的祭坛画《最后的审判》1534－1541年，画于西斯廷礼拜堂。这件艺术品是对作者人生的总结和对当代历史的裁判。拉斐尔 以优美、诗一般的绘画语言体现人文主义理想，他的美的样式成为后来学院派古典主义的标准之一。他是描画女性形象的大师，《西斯廷的圣母》是最有名的。1508年，应建筑家布拉曼特之邀来到罗马，为梵蒂冈宫绘制三幅壁画《雅典学院》、《圣典辩论》表现一个人文主义者对真理和幸福的追求。提香和威尼斯画派乔尔乔涅（1478-1510），代表作《入睡的维纳斯》提香，代表作《酒神的狂欢节》。尼德兰文艺复兴时期美术尼德兰文艺复兴的原因：欧洲西北部重要的水陆交通中心，手工业发达、商业繁荣，当时资本主义经济发达地区。扬?凡?埃克——尼德兰画派的主要奠基人：主要作品有《教堂中的圣母》、《根特祭坛画》、《阿尔诺芬尼夫妇像》，《尼姑拉斯?罗林的圣母》、《凡?德尔?巴力的圣母子》等等。团体肖像画家代表之一扬?凡?斯科列里，主要作品：《十二个耶路撒冷朝拜者》、《抹大拉的马利亚》。扬?戈萨尔特：代表作品，《丹娜埃》、《维纳斯和爱神》、弗兰斯?佛洛里斯 。彼得?勃鲁盖尔——伟大的农民画家（1525－1569），16世纪尼德兰风俗画大师。农民风俗画《农民的舞蹈》、《农民婚礼》，《农民婚礼》是勃鲁盖尔最完美的人间喜剧。风景画《收割干草》、《收割》、《牧归》、《雪中猎人》、《暗日》表现了尼德兰农村的风景。反映尼德兰人民反抗西班牙的统治斗争的作品《伯利恒的户口调查》、《伯利恒的婴儿虐杀》、《绞刑架下的舞蹈》。勃鲁盖尔以艺术作为武器，深刻的反映他所处的时代，从而成为尼德兰文艺复兴时期最伟大的艺术家。西班牙文艺复兴时期美术西班牙地方画派中最著名的画家是埃尔?格列柯(1541-1614)，格列柯原名多米尼加－泰奥托科普里，来自希腊克里特岛，因此人称“格列柯”即希腊人。“第一位打开西班牙绘画黄金时代的人”德国文艺复兴时期的美术阿尔布雷希特?丢勒(1471-1528) 是德国文艺复兴时期最伟大的艺术家。《阿儿科的眺望》。丢勒还用版画反映更广阔社会生活，是欧洲最早表现下层人民的生活的画家之一。铜版画《农民和他的妻子》、《三个农民在谈话》、《农民舞蹈》，1513－1514年《骑士、死神和魔鬼》、《忧郁1》、《书斋中的圣哲罗姆》。小汉斯?霍尔拜因（1497－1543） 是那个时代北欧最为重要的肖像画家。《伊拉斯莫》，《科勒菲》。四、巴洛克河洛可可美术（一）、17、18世纪意大利美术意大利学院派美术欧洲的美术学院最早产生于意大利，当时最著名的学院是波伦亚学院，建于1590年，创始人是画家卡拉契兄弟。卡拉契三兄弟 是波伦亚学院的第一代代表，尤其是阿尼巴?卡拉契最为有名。阿尼巴?卡拉契善作壁画。主要代表作品：《酒神巴库斯和阿里阿德涅》，《美惠女神为维纳斯梳妆打扮》，《女圣使在复活的基督墓前》》等。巴洛克美术巴洛克是17世纪广为流传的一种艺术风格。特点：1、豪华的特色，既有宗教的色彩又有享乐主义的特色；2、一种激情艺术，强调艺术家的想象力，具浪漫主义色彩；3、极力强调运动，运动是巴洛克艺术的灵魂。4、关注作品的空间感和立体感5、强调各种艺术形式的综合；6、有浓厚的宗教色彩；7、大多数巴洛克艺术家远离生活和时代。乔凡尼?洛伦佐?贝尼尼（1598－1680）意大利的雕刻家兼建筑师，是十七世纪最伟大的艺术大师。代表作，组雕《阿波罗与达芙娜》，祭坛雕塑《圣德列萨祭坛》。贝尼尼也是一位建筑大师，1656－1667年间，受教皇委托建造圣彼得教堂前的广场及柱廊。贝尼尼最满意的一件作品是克维里那列教堂，这是一件典型的巴洛克建筑。彼得?保尔?鲁本斯（1577-1640）不仅是佛兰德斯最伟大的画家，而且可以代表17世纪巴洛克绘画风格在整个西欧的代表。代表作《强劫留西帕斯的女儿》、《下十字架》、苏珊.芙尔曼像》。（二）、17、18世纪的西班牙美术维拉斯贵支 是西班牙17世纪最著名的绘画大师，代表作《宫娥》。弗朗西斯科?戈雅（1746－1828），是西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱。代表作：《裸体的玛哈》、《拿水罐的少女》。（三）、17世纪荷兰美术伦勃朗?哈尔曼松?凡?莱因（1606 - 1669）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家，现实主义的绘画大师。主要作品：《蒂尔普教授的解剖课》、《夜巡》、《画家和他的妻子》等，铜版画《三棵树》、《基督救治病人》等。哈尔斯，17世纪荷兰杰出的肖像画家、荷兰现实主义奠基人。主要作品有：吉普赛女郎》、《兰普和他的情人》，团体肖像画《圣乔治射手连军官的宴会》、《圣亚德烈射手连军官的宴会》等。（四）、17、18世纪法国美术洛可可艺术洛可可艺术，巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。让?安东尼?华多是法国18世纪罗可可时期最重要的也最有影响力的一位画家。代表作有《爱之园》、《舟发西苔岛》等弗朗索瓦?布歇（1703—1770），法国画家、版画家和设计师，是一位将洛可可风格发挥到极致的画家。代表作《浴后的狄安娜》。古典主义尼古拉斯?普桑（1594－1665），是17世纪法国巴洛克时期重要画家，也是17世纪法国古典主义绘画的奠基人。代表作《阿卡迪亚的牧人》、组画《四季》等。五、19世纪法国美术法国新古典主义美术雅克?路易?大卫(1748 -1825)是法国新古典主义绘画风格的著名代表，代表作《荷拉斯兄弟之誓》、《拿破仑加冕式》。让?奥古斯特?多米尼克?安格尔(1780—1867) 19世纪新古典主义的代表，代表作《泉》、《贝尔登肖像》。法国浪漫主义美术席里柯（1791－1824）主要作品：《梅杜萨之筏》、《受伤的胸甲骑兵》、《罗马无鞍马的比赛》、德拉克洛瓦（1798-1863），浪漫主义画派的典型代表。代表作：《希阿岛的屠杀》、 《自由领导人民》、《但丁之舟》。现实主义柯罗，法国19世纪现实主义风景画的杰出代表。代表作《蒙特芳丹的回忆》。米勒（1814-1875）法国现实之一画家，巴比松画派的代表人物。代表作品《拾穗者》、《晚钟》、《牧羊女》。库尔贝杜米埃，代表作,《三等车厢》奥古斯迪?罗丹（1840-1917）法国著名雕塑家。现实主义的创作手法。他的《青铜时代》、《思想者》、《雨果》、《加莱义民》和《巴尔扎克》。生平作了许多速写，别具风格，并有《艺术论》传世。六、印象主义、新印象主义和后印象主义印象主义印象主义在19世纪60一70年代以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒是反对陈陈相因的古典画派和沉缅在中世纪骑士文学而陷入矫揉造作的浪漫主义。印象主义吸收了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的营养，在19世纪现代科学技术(尤其是光学理论和实践)的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而据弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。爱德华?马奈（1832—1883）虽《草地上的午餐》，《吹短笛的男孩》。克劳德?莫奈(C1840—1926) ，法国画家，印象派代表人物和创始人之一。莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部份都有他的推广。代表作，《印象?日出》《卢昂大教堂》睡莲系列。德加，代表作《舞台上的舞女》雷诺阿，是印象画派以描绘儿童，妇女肖像出名的画家新印象主义乔治?修拉生活在印象主义画派的初期，而且推动了了印象主义的发展。他对色彩的专门研究，使得他的作品层次分明，而他自己也成为新印象主义——“点彩派”的代表。代表作，《大碗岛星期日的下午》。现代主义的起源——后印象主义保罗?塞尚(1839—1906)，后印象主义的代表画家，西方现代画家称他为“现代艺术之父”或“现代绘画之父”。保罗?高更(Paul Gauguin，1848—1903)的绘画以其原始性与象征性的倾向，以及所谓“综合主义”的画风，在西方现代艺术史上独树一帜文森特?威廉?梵高（1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。代表作《星夜》、《向日葵》、《有乌鸦的麦田》等。七、西方现代美术20世纪初期，主要有以下流派：野兽派、立体主义、纯粹主义、奥弗斯主义、未来主义、形而上画派、达达主义、超现实主义。马蒂斯和野兽主义美术20世纪最初的先锋美术运动是“野兽主义（Fauvism）。“野兽”一词正好在这里“用来形容他们的绘画，他们的作品中那令人惊愕的颜色、曲扭的形态、明显地与自然界的形状全然相悖”。亨利?马蒂斯是法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。代表作《生命的喜悦》、《舞蹈》。毕加索和立体主义立体主义是20世纪最重要的先锋运动。它对后来各种现代派艺术都产生过程度不同的影响。 立体主义的创始人是巴勃罗?毕加索和参加过野兽派活动的乔治?勃拉克。巴勃罗?鲁伊斯?毕加索（1881～1973），是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。代表作《亚威农少女》、《三个女人》、《裸女》。乔治?勃拉克爱德华?蒙克，表现主义代表人物（表现主义强调表现和宣泄感情的重要性），代表作《呐喊》。康定斯基，抽象主义代表（认为绘画是以各种基本的色调，通过形式的规定来表达人的内在情感）古斯塔夫?克里姆特（1862～1918）维也纳分离派绘画大师奥地利画家。代表作《埃赫特男爵夫人》、《吻》。波丘尼，（未来主义），代表作《空间中的独特形式之连续》。彼埃?蒙德里安（1872 -1944），荷兰画家，风格派运动幕后艺术家和非具象绘画的创始者之一，对后代的建筑、设计等影响很大。代表作《红、蓝、黄构图》。萨尔瓦多?达利(1904-1989)超现实主义绘画大师级人物，代表作《记忆的永恒》。达达主义与杜尚，杜尚代表作《泉》莫迪里阿尼（巴黎画派），代表作《仰卧的裸女》。八、美国抽象表现主义美术在抽象表现主义画派中，除了以波洛克、德?库宁等人为代表的行动画派之外，还有另外一派以纽曼、斯蒂尔、罗斯科等为代表，其作品被称为色域绘画(colour—fieldpaint)。波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义。它代表着一种流行文化， 在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。安迪?沃霍尔(1927—1986)。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者，他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。代表作《玛丽莲?梦露》。奥普(OPArt)艺术
本来不想回答你的问题，这种专业性的问题知道上一般不会有好建议，而且悬赏的分数太少了。不过我毕业知道论文不容易，给你点建议吧，多去百度谷歌搜搜相关的题材或选题论证，看看别人都怎么做的，然后找些自己比较擅长的，一个个列出来和导师仔细讨论敲定方案，随后做起来会方便很多。
学术堂整理了十五个美术学毕业论文题目，供大家进行参考：1、解析美术史中“禅画”概念的由来2、探究民国时期美术字的视觉之美3、佛教美术对我的影响4、工业化题材在中西方美术中的体现5、金焕基绘画的韩式情愫对韩国现代美术影响6、基于IPad上的少儿美术APP界面设计研究7、普通高校公共美术鉴赏课程中油画鉴赏教学研究8、传统民间美术在现代工笔人物画创作中的运用研究9、重大历史题材美术创作述评10、林风眠与徐悲鸿美术教育思想比较研究11、西藏传统绘画形式在当代美术创作中应用与实践12、论表现拿破仑的美术作品的典范意义及其现实影响13、高职特教听障生工艺美术专业课程改革研究14、论30年代漫画在中国现代美术史中的地位与价值15、中职电脑美术设计专业校企合作现状与对策研究
经济效益审计是在民主政治日益完善、政府支配的公共资源越来越多的背景下，出于对资金使用用途和效果加强监督的要求而产生和发展的。从我国效益审计的实践看，尽管我国审计组织和机构已初步探索出了符合我国实际情况的经济效益审计的路子，正逐步建立起一套具有中国特色的经济效益审计理论和方法。但是，我们也应该清醒地认识到，我国经济效益审计的提出与实施，与真正的经济效益审计还相差甚远，具体表现在：一是对经济效益审计的重要性和必要性认识不足。经济效益审计在不断取得新进展的同时，也暴露出一些问题。特别是一些思想认识上的混乱现象，以及由此导致的工作上的种种偏差，应引起我们的高度重视。二是就经济效益审计的方式方法来看，也存在着明显不足，突出表现是用财务审计的模式开展效益审计，经济效益审计的法定审计制度不完善，缺乏行之有效的评价和规范体系。三是从效益审计的内容来看，主要以揭露问题为主，从探索经济效益审计规律，健全经济效益审计规范角度考虑不够。四是经济效益审计的理论研究及其成果缺乏系统性。 1 充分提高对经济效益审计重要性和必要性的认识 一是审计机关必须发挥主观能动性，积极采取各种措施，开展对经济效益审计的宣传，用国内外典型的案例进行开导；二是审计机关要强化审计信息工作，及时向各级政府反馈经济发展这各种倾向性、苗头性的问题，特别是审计中发现的国家各项经济政策在贯彻执行中出现的重大问题；三是要靠审计部门的努力工作，运用取得的经济效益成果，积极争取各级党委、政府对经济效益审计的重视、支持，这是经济效益审计工作顺利开展的有利保证；四是通过有关媒体广泛宣传开展经济效益审计的重要性和必要性，把它和加强经济管理、提高经济效益、扭亏增盈工作一道进行宣传，可以取得更好的效果；五是政府要高度重视经济效益审计，制定出必要的法规，为全面实行经济效益审计提供依据。 2 围绕中心，突出重点，积极稳妥地推进经济效益审计健康发展 “突出重点，积极稳妥”既是开展审计工作的基本思路，也是实施经济效益审计必须遵循的基本原则。要是经济效益审计发挥其应有的作用，必须坚持 以下原则： 重要性原则 开展经济效益审计不能眉毛胡子一把抓，必须围绕重点领域、重点部门，突出重点资金、重点项目的审计。为此，在经济效益审计的实践中必须结合国有企业缺乏活力、资金沉淀问题突出，公共资金使用效益不高的现状，审计组织应重点围绕经济体制改革中的热点与难点问题开展审计。 实效性原则 之所以贯彻实效性原则，主要是由于经济效益审计本身的局限性决定的。我们知道，审计机关的法定权限和审计手段是有限的，经济效益审计的任务和力量不足的矛盾仍十分突出。对经济效益审计工作不能单纯追求数量，必须把与当前工作相关且容易成为热点项目的话题作为经济效益审计的重点，将有限的审计资源用到“刀刃”上，通过在重点领域、重点项目上集中运用一定的审计资源，来提高审计质量，求得实效。 可行性原则 尽管经济效益审计理想的境界是对被审计单位政策的执行情况和效果进行全面准确的评价，但是这只是审计机关要达到的目标。事实上经济效益审计的覆盖面和可操作程度都会受到限制，所以考虑可行性问题，把可能与需要结合起来非常重要。开展经济效益审计，必须从经济效益审计的现实条件出发，使经济效益审计能够顺利实施。对于一些有用而目前审计又有困难的项目，则要通过长期的研究和创造必要的条件，逐步加以解决。
梗有我个吖 今日正俾D老师领导催嗲 我叼
民间美术论文提纲
中国民间美术是由中国人民群众创作的，以美化环境、丰富民间风俗活动为目的，在日常生活中应用、流行的美术。
民间美术是相对于宫廷美术、文人美术等美术形式而存在的，具有原发性的，直接来源于人民大众的美术形式。千百年来形成的将艺术强分尊卑，将民间美术视为粗俗简陋东西的观念使民间艺术的活力受到损害，许多优秀的民族美术成果不能保留下来，特别是工业革命之后，民间美术被视为落后的手工业而遭到抛弃。民间美术作为中国民俗文化的组成部分，其艺术价值远远超越了民间美术本身，具有极为丰富的哲学、美学、考古学、历史学、社会学和人类文化学内涵，是中华民族文化的凝集和结晶。
一、民间美术的起源
民间美术与原始社会的美术是一脉承传的，它们在发生、发展和艺术的范围、特点、规律等方面，都具有某种相似性。民间美术与原始美术一样具有艺术实用与审美共存的性质。不少民间美术还残留着原始艺术的痕迹，在今天所能看到的民间剪纸和刺绣中就保留着很多原始陶器上的，带有巫术色彩的图腾符号。民间美术起源于古代先民的劳动与生活实践，原始人在制造劳动工具的过程中，发现锋利、匀称、光洁的工具用起来特别的方便顺手，这种对实用性的追求逐渐演变成对视觉愉悦感的追求，古代先民在实用的造物活动的基础之上逐渐发展了审美，使之既能满足实用的物质需要，又能满足审美的精神需求。比如说，新石器时代的远古人类发明了钻孔技术，他们用贝壳和兽骨制作的项链是装饰自己，吸引异性的最好工具，再比如说仰韶文化所遗存的带有各种纹饰图案的彩陶不但具有巫祭的色彩，更追求视觉上的对称感与韵律感。石器、项链、陶器这些艺术作品都是民间美术的最初形态，它以其稚拙、俭朴的形式为后来各类美术的发展奠定了基础。
随着生产力的发展与社会分工的细化，民间美术的分类增多，做工也愈加细致多样了。从殷商到近代，民间美术都出现了兴旺的发展状态，并以其强大的生命力渗透到人们的衣食住行之中。竹编、草编、蜡染、泥塑、剪纸、年画、蓝印花布、绣帐帘、兜肚，挑花头巾、皮影等等民间美术作品都是基于实用目的而创作的，但同时却融实用性与审美性于一体。民间美术作为我国古代一种主要的艺术形态，在几千年的古代文明历史中显示出了强大的艺术力量。
二、传统民间美术的传承方式
1、言传身教。
民间美术是一种带有原发性的美术形式，它在传承的过程中与人们的日常生活休戚相关，自诞生之日起就融合在人们生活的点点滴滴之中。“言传身教”是中国民众做人和育人的宗旨和手段，民间美术同其它民间文化一样一样也没有脱离这一传统。“言传身教”在民间所承担的技艺传播作用，体现在以家庭为中心的技艺传承环境中，是师徒、父子关系直接传授的方式。从事民间美术创作的大多是没有受过正规文化教育的农民，其创作经验不可能通过文字进行传播，技艺的交流只能通过“口头”这一最为直接俭朴的方式将其技术经验传播给下一代。
口头语言不需雕饰，自然随性，因此能更生动直观的交流技艺。在这言传的过程中民间艺人们创作了一些便于记忆的口诀，可以让被传播者比较方便记忆起创作的规律，是对民间美术技艺规律的高度概括，如惠山泥人的`创作口诀，关于泥人造型要“先开相、后装花，描金带彩在后头”;用笔要领“直线要直、曲线要曲”施彩讲究“红要红得鲜，绿要绿得娇，白要自得净。”民间皮影口诀:“若要娃娃恶，鼻子挨眼窝”、“文人一根钉武人一张弓”等等。在民间的师徒传承中“身教“的情况可能比“言传”多的多。在很多民艺传播者自身文化和能力的限制他们或不能准确的表达出其技术精要的情况下，以实际操作来教育徒弟，徒弟观察师傅技艺的“身教”就成为民间美术主要的传播方式之一。
2、文字、图谱记载。
殷商之后，文字的出现为民间美术的传播奠定了深厚的媒介基础，民间美术也出现了借助文字传播的方式，大大扩展了其传播的范围。出现了一些记载民间手工艺的理论专着和民间创作者所作的艺谱，前者带有官方修饰的痕迹，如先秦时期的《考工记》、唐代《工艺之法》、明代《天工开物》等等。
而艺谱以物相传的民间美术，主要是通过谱子的形式传播的，如画谱、剪花样谱、影戏谱、年画版样等等，这些民间艺术形式都有程式化的范本有的是集体的创作总结，有的是名艺人亲手绘制的，有的则是借鉴其它艺术形式而从程式化的模式中套用而来的。②童虽其来源不一，但都是经过不知多少代人的日积月累而逐渐积淀、完善和再创作而形成的摹本，这种传播形式有利于普及和传播。有利于民间艺人的交流。
3、民艺品传播。
民艺品传播和图谱传播一样属于以“物”为媒介进行的传播。但是它并不是在创作者内部的传播，而是通过这些艺术品的购买者而将民间美术的技艺带到四面八方。这种参与商品交换，又不局限于行业内部的传播方式，使民间美术的传播方式更加广泛，其社会功能也随之增强了。
三、民间美术发展的方向
各民族的艺术都属于世界艺术榷体中的一部分。只有保持了本民族的独特艺术特色，才能在世界艺术史上占有重要的历史地位。民间美术作为具有原发性与地域性的美术形态，是我国本民族艺术的最佳代言人。民间美术在当代社会的发展成为我国艺术界与文化界所要面临的首要问题。
在工业社会与市场经济发展的今天，传统手工艺与工业社会的对立，已经成为一个不争的事实。我们既不能放弃民间艺术形式，也不能违背社会规律，试图以民间美术来代替大工业时代的产品。要使作品更具民族特色和时代精神，非常重要的一点是必须站在现代文化的角度对传统作更深入的研究，寻找工业文明与民间美术之间的互补点。工业文明带来了商品的大量生产与简单复制，而这种简单枯燥的文化形态已经不能满足人们日益丰富的精神文化需求，工业文明所带来的不应该只是一种带有实用主义色彩的产品形式，它同时应该代表一种带有审美色彩的人文精神。民间美术以其丰富的审美形态与人文精神，而成为工业文明的有效补充，工业文明以其时代感与社会性而引导着民间美术的发展。两者的互补使人类文化最终向着一个更加健全、完美的方向延续。
摘 要：陕北面花以其独特的造型,广泛的题材,精美的装饰,浓艳的色彩而著称,它贯穿于当地的民俗活动,反映了陕北人民图腾崇拜的原始信仰及人们在民俗活动中求吉辟邪的心理,揭示了陕北面花造型和题材与生殖崇拜之间的潜在关联及其深层的文化联系.
关 键 词：面花;图腾崇拜;生命繁衍;文化内涵
面花又称“面塑礼馍”,因各地地理位置与民俗的差异而称谓各异.面花是我国农耕时代的产物,是广泛流传于民间,贯穿于岁时节日、风俗礼仪和信仰禁忌中的一种风俗礼馍,主要流行在以面食为主的北方地区,遍布山东、河北、山西以及陕西诸地,尤其在黄河流域最为盛行.陕西境内面花的制作主要集中在陕西关中和陕北,陕北面花主要集中在洛川、延安、富县和神木府谷等地,[1]这里的面花在造型方面更加夸张,装饰精美、色彩浓艳,并含有丰富的精神内涵,有独特的审美价值,表达广大人民对美好生活的祈愿和对生命的礼赞.
1陕北面花艺术中蕴含的图腾崇拜的原始信仰
大自然是人类赖以生存的基础,变化无常的自然气候和自然环境又影响着人类的生存,人们把自然力加以形象化并借助想象创造出虚幻的世界,相信在这个世界上有某种人类战胜自然灾害求取人类生存的力量,“万物有灵”观念就是原始先民对自然现象和社会现象认识的成果,于是与人们生活密切相关的图腾崇拜的民间信仰由此产生并得以长久流传.面花艺术是由古代图腾崇拜演化的产物,在陕北,面花以它广泛的应用范围深深地扎根于民间,它是伴随着当地百姓自我精神理想的追求而展开,主要表现在人们对神生物和神灵的崇拜上.
陕北面花主要题材是人们赋予生命寓意和象征的动植物.例如,鱼、鼠、虎、兔、牡丹、葫芦、石榴等,这些题材广泛地运用在民间的面花、年画、刺绣、剪纸上,这些动植物为什么能够成为人们心中的神动植物或图腾对象呢?原来这些动植物题材有独特的双关寓意和象征意义,能够最大限度地满足人们心里崇拜和慰藉感.例如,人之初生,陕北风俗外婆和舅家要送满月花馍,最为讲究的虎馍和兔馍,虎馍呈圆形,顶部捏塑虎头,馍身装饰简洁精美,虎的形象威风乃万兽之王,被认为是力量和威猛的象征,以虎为保护神,祈求神力保护,愿男孩子虎气生生,健康平安的愿望就展现出来.兔馍造型灵巧生动可爱,用以表现女孩柔美与灵气,兔馍成为祝愿女孩子善良乖巧的必备礼馍.人们捏塑老鼠、兔子表示多子多福,用龙凤花馍象征荣华富贵,捏塑鱼莲表示阴阳相合,这些看似平常的生物,却被赋予新的寓意,成为人们心中的神生物而加以崇拜.
插花面花主要是在主体造型上辅以更多小装饰,用牙签或竹枝将其连接插接在主体上,陕北的插花“花供”是每年正月十五庙会搭建“灯棚”供奉信仰神灵必不可少供品.供奉的神灵之一就是送子娘娘,“灯棚”里怀抱婴儿的送子娘娘塑像前摆有数排色彩绚丽、制作精美的面花,久婚不育的媳妇或盼孙心切的婆婆就会到“灯棚”敬神请愿,待来年生下孩子,还要做几对插花“花供”前去谢神,面花成为人与神灵交流的礼品,这些习俗中的神灵信仰也延续至今.
2陕北面花艺术中求吉辟邪的心里诉求
面花作为民间美术的一种,不仅是人们逢年过节、敬神祭祖、婚嫁祝寿、走亲访友隆重的礼品,更多是通过面花传递着人们对幸福、理想、信仰和对美好愿望的追求,主要表现在人们赋予面花祈子延寿、驱邪避灾的主题内涵.
生存与长寿是人类的基本愿望,祈子延寿的心愿便通过民俗活动展现出来.陕北面花中“曲连”是一个印有花纹的大环形饼,这种面花礼馍外圆中空形如项圈,人之初生,亲朋好友前来祝贺时将绑有红绳的“曲连”挂在孩子身上,祈求把孩子锁起,无病无灾健康平安成长.老人年至花甲,祝寿时面塑寿桃也是不可替代的礼俗佳品.
人类早期由于周围的环境与他们的生存密切相关,希望能征服大自然,渴望生存的平安,于是人们便把驱邪避灾的美好祈愿在节令习俗中用面花表现出来.清明节陕北流传家家户户蒸“罐”,全家食用的“人口罐”则要求家中有几口人就要蒸几个.“罐”是一个很大圆形馒头,内放鸡蛋,上塑有书本文具、或麦屯粮仓,也有塑针线箩筐还有塑燕子孵卵的,食用对象不同“罐”上雕塑面花也不同,但都折射出人们祈愿祖先在天之灵保佑家族人丁兴旺的愿望.端午节正是夏至天气,气候炎热干燥、蛇虫繁殖、瘟疫流行,陕北风俗端午全家同吃“烙鱼”,这些面花,造型灵巧生动,人们把先蒸后烘干的“烙鱼”用五色线穿起,像项链一样挂在胸前,表现出驱邪避灾、人丁兴旺的主题内涵.
3陕北面花艺术中生命繁衍的阴阳生息观
人类要生存,要繁衍,生殖和生命成为民间美术创造的一个永恒的“母题”.陕北面花无论从题材上、还是从造型都坦诚的反映陕北民间劳动者对生殖生命的真挚向往与渴求.
面花题材上,陕北人民赋予自然界中许多动植物生命的寓意,并围绕“生命繁衍”这个主题,将面花内涵加以升华.例如,鱼戏莲、老鼠吃葡萄、鱼钻莲、蛇盘兔、葫芦生子、凤穿牡丹等面花,巧手农妇用面捏出的鱼、莲、老鼠、南瓜、葫芦、葡萄等形态,并非被其外形所吸引,而是其多子的功能属性,这一系列高扬生殖与生命意识的生物,流露出其对生命与自然的深深的眷恋.
陕北婚俗里经典之作“混沌礼馍”,长两尺有余,上塑有龙有凤,或鱼戏莲,“鱼钻莲”、“凤穿牡丹”.“鱼在中国传统文化中很早开始指代情偶了”,也因此在面花中被广泛加以比附和引用,一方面是因为鱼多子;另一方面是源于鱼的外形具有男阴的外部特征,莲又是生命力极强的植物,根茎可以蔓延再生,莲房又是蕴含生命的地方,把莲花比作女性就显而易见了,而婚俗中面花上“鱼戏莲”“鱼钻莲”则指阴阳相交,男女相合的生殖祈盼.
面花在造型上,阴阳相合的繁衍意识体现得更为明确,婚俗中的混沌礼馍底盘长两尺有余,底盘浑圆,两头慢慢变细形似鱼尾向中间卷成两个圆形,酷似如意,头部工艺精湛,多为连体双鱼,或双兔双虎,尾部却浑然一体.原来这种造型表示阴阳和合,化身万物,在混沌底盘上捏塑“鱼戏莲”、“龙与凤”这些造型进一步表现男女调情相合的隐喻.
“罐”是清明节陕北人民为祭奠亡灵,缅怀先祖蒸的花馍,有祭祀的“掰子罐”,和全家人用来食用的“人口罐”,“掰子罐”又称“百子罐”,是一圆形大馍和馍上小鸟组成,祭祀时将一部分掰子罐掰成块放入水中,泼洒坟前,其余带回家分食,“掰子罐”是人们将繁衍后代的希望寄托先祖,意为掰开就生贵子,或生百子,祈愿子孙兴旺.“人口罐”则是在圆形大馍里藏一个鸡蛋,花馍以每个人当时所用器物为主表达寓意,捏塑老鸡孵小鸡或燕子孵卵造型的人口罐,则是祈求子孙繁衍,罐馍内藏鸡蛋,用以象征母体的罐中孕育新的生命,可见生命繁衍的主题在民俗生活中随处可见.
民间美术产生于形形色色的民俗事象中,陕北人民用心血和智慧将自己虔诚的信念和希望淋漓尽致地表现在亲手创造的面花形象上,面花都被赋予了新的生命,它是民俗的产物,随着人们生活方式的改变,它的生存基础将被削弱,只有对面花这种文化现象进行深刻剖析,才能使它健康合理的传承和发展.
参考文献：
[1]郭庆丰.纸人记：黄河流域民间艺术考查手记[M].上海：上海三联出版社,2006.
[2]靳之林.中国民间美术[M].北京：五洲传播出版社,2004.
[3]潘鲁生,唐家路.民艺学概论[M].济南：山东教育出版社,2002.
[4]王宁宇,党荣华.陕西民间美术研究(第一卷)[M].西安：陕西人民美术出版社,1988.
我也是美术专业的，我选的题目是关于民间美术方面的
文思慧达摘要：本文围绕美术专业大学生对毕业论文的写作产生的具体情况，提出了毕业论文的选题、写作的方法与思路等几个有效解决的办法。关键词：毕业论文；艺术作品；艺术家美术生都对毕业论文怎么写都产生了疑惑，四年的美术课程学习，包括了大量的艺术实践课程和一些艺术史论课程，但部分高校并没有开设毕业论文写作的课程或开设了也不重视。四年专业学习对论文写作并没有实质性提高，不会写并不奇怪，所以出现大部分学生不知道怎么写，写什么的问题。一、从自身兴趣确定选题首先，不知道写什么，题目定什么，这很正常不要为此而烦恼，万事开头难。第一步把自己原有的知识面缩小包围圈，找到自己的兴趣所在。论文题目只要是和美术领域相关即可，也就是和艺术沾边，或者和美育挂钩。我们知道的艺术家和艺术作品或技法很多，总有一个你感兴趣的。比如，谈某个作品对我的意义；谈某幅作品的价值；谈某个艺术家的创作思路；谈某个作品的构图；谈某个时代对艺术家的影响；等等。一定要是自己感兴趣的话题，要有想说的话，有欲望表达自己的想法，有自己独特的见解。其次题目要精确，不可大而无当。这是一个广泛出现的问题，错误的例子有：浅谈标志设计；谈家居的色彩等。这样感觉你不是要写几千字的论文，而是出几十万字专著或教材。几千字的论文，论文题目一定要落到实实在在的点上，才有东西可谈。比如试论魏晋时期“地仙”观念对山水画滋长的影响；宋元花鸟画发展中的自律性；视觉形态设计与审美的心理分析。这些题目清楚透彻。也包括了论文题目的三种模式：1）“”对“”的“”2）“”中的“”3）“”与“”的“”。这三种模式在用的过程要把主语前的定语写清楚，如时代、风格、门类都要标注清楚。定语就把很广义的一个概念，通过有前提条件的限制，通过一层一层剥，露出具体的要阐述的问题，不是穿衣服，是脱衣服，一直做减法，直到水落石出。二、以点带面找大纲我们大家都知道马蒂斯的裸女吧。以此举例，找到与马蒂斯和裸女有关的要素。1）巴黎的摩洛画室 2）1890—1954 3）现代艺术 4）野兽派 5）古典的裸体 6）非洲雕刻的影响 7）装饰性 8）色彩与形式 9）剪贴艺术。这些都是与之相关的要素。收集与之相关的资料。阅读相关材料以及著作并作出笔记，划出有用的段落，记住来源和页码，并写出你的想法。你的想法要及时的记录写来，不要让它从脑子里又飘走了，不管这些记录后来是否能用上，肯定的是一些一定会用上，但是并不知道那些会派上用途，那么都记下来，不要嫌麻烦。作者单位：渭南师范学院莫斯科艺术学院美术学部 文思慧达论文查重系统整理三、写作的方法：描写、讲解、辩论1）描写就是用详实生动的语言，把艺术家或艺术作品的状态具体的描绘出来。再现画面中的自然景色、场景情况，描绘人物的外貌特征及心理世界，使画面的内容具象化。采用色彩丰富、空间感强、记录性的语言表述对象，给人传达一种身临其境之感。用文字绘声绘色地再现事物的样子。如这一段描写：印象派雷诺阿的作品《包厢》，画中以对各怀心事的男女，女主人公佩戴着华丽的项链，盘发以花朵装饰，身着华丽的竖纹长裙，散发出无穷魅力。期待在包厢中优雅地欣赏歌剧的她意气风发，相反，男主人公虽是依从女子的意愿将约会的地点定在剧院，但他对歌剧却是毫无兴致。当女子沉浸在欣赏歌剧的愉悦中时，男子正心不在焉地瞥着别人。画面随着文字一步一步展开，大的方面描写了男女主人公的服饰到发生的地点歌剧院，小的方面刻画了女主人公服饰的细节，从侧面有描绘了各自不同的心理，里里外外的画外音让人产生了一种具体的感受。2）讲解:是一种评估、解释或思索的作文方式。它的中心是推论。推论是从事实导出结论的过程。从一系列的事实与要素找到相关联的属性，与注意到事实间的关系，进而得出一个结论，用文字表达这种推理的过程。像福尔摩斯大侦探一样，找到与之相关的线索，一步步找出真相，得出结论。我听过蒙田先生说过一个故事：冬天里的一天，天气寒冷，有一个富人穿着皮草，还带着手套、帽子，还觉得挺冷。看到一个穷人，几乎什么都没穿。就问：你不冷吗？那穷人反问，你的脸露在外面不冷吗。富人说：脸不冷。穷人接着答到：那我全身都是脸。从这个故事，我希望大家明白推论的一点意思。当然推论是一定建立在事实之上，而且推论的过程具有说服力，要有证据。作者单位：渭南师范学院莫斯科艺术学院美术学部 文思慧达论文查重系统整理3）辩论：先假设对方有一个不同观点（不是无理，并非无知），你为了推翻这个假设的观点，进而建立自己的几个论点来支撑自己的观点，反驳对方的不同观点。要认真分析，用一定理由来说明自己对事物或问题的见解，揭露对方的矛盾，最后得到认同自己观点的认识。例如：“善意的谎言是无碍于诚信的”这个正方观点，建立了四个方面的论点来支撑这个观点①善意的谎言是出于善良的动机，以维护他人利益为目的和出发点②善意的谎言是一种处世的方式，是一种替人着想的品质的体现③善意的谎言虽然是谎言的一种，但是不能说谎言就一定有碍诚信，要具体问题具体分析。④没有谎言的世界如同没有灰尘的地球。结论我方同意善意的谎言无碍诚信并不等于我们提倡它，其关键在于度。四、写作的几种思路学生写作水平有限，在这里我指引几种简单也常用的思路，这些很容易上手，并容易完成字数上的要求。1）写比较性的论文：①同一题材的不同作品之间的比较（例如米开朗基罗的大卫与多纳泰罗的大卫的异同）；②一个艺术家不同时期作品之间的比较（毕加索的玫瑰时期与蓝色时期的差异）；③同一风格同一主义内的作品或艺术家之间比较（梵高与高更的冲突）。2）写形势分析类的论文：形式分析主要讨论艺术品的题材、形式要素、设计原则和媒介等。题材是指作品中出现的对象或所表达的想法进行分析。形式要素是指作品中线条、色彩、明暗、肌理、形状、空间、时间、声音、气味等的分析。例如安格尔的线条；伦勃朗的明暗；梵高的笔触；毕加索的空间；马蒂斯的色彩等。画面构成的形式例如统一与变化；重复；比例；节奏等。例如安迪 . 沃霍尔的作品《101 个罐头》中的统一与变化。方力钧的作品《光头系列》中的反复；康定斯基的作品《蔷薇色的重音》中的节奏；蒙德里安的作品《构成》中的比例等等。关于美术类大学生毕业论文的写作，在这里提出了常用的一些写作方法与思路，相信对于初次写论文的大学生有所帮助。
教育专业论文提纲范文参考
教育专业学生主要学习教育科学的基本理论和基本知识，受到教育科学研究的基本训练，掌握从事教师工作的基本技能。以下是我为您整理的教育专业论文开题报告范文，希望能对您有所帮助。
篇一：美术教育专业论文提纲
(以数字化坏境下小学美术课程的构建-谈美术项目学习模式的应用为例)
摘 要
Abstract
引言
1 课题研究的意义
2 国内外研究现状
3 存在的问题
4 研究方法及思路
5 数字化项目学习的优势
6 论文的创新
第 1 章 数字化教学的时代背景
教育范式的转换对教育理念的影响
理解教育范式
教学范式向学习范式转换的必然性
学习范式体现以学生为主体的优势
教育技术的发展
国内外教育技术的发展概况
教育技术与教育范式的关联
教育新范式下的教育技术范式转变
网络技术对美术课的影响
课程改革
我国相关政策的支持
新课程改革对数字化美术课程的要求
第 2 章 数字化下美术项目学习的积极作用
回顾以往数字化美术教学模式的多样性
数字化美术项目学习模式的理论基础
解读项目学习
建构主义
多元智能
实用主义
数字化美术项目学习的必要性和科学性
必要性
科学性
第 3 章 数字化环境下小学美术项目学习模式的建构
美术项目学习模式的建构
项目学习目标的建构
项目学习活动设计的建构
项目学习成果展示、评价体系的建构
数字化环境下小学美术项目学习活动的设计实施案例
《正月十五闹元宵》项目学习活动实施案例
项目学习单元设计方案
项目实施过程
项目反思
第 4 章 数字化美术项目学习模式的前景展望
结 论
参考文献
篇二：心理健康教育专业论文提纲
(以鄂尔多斯地区幼儿教师心理资本现状调查及干预研究为例)
引 言
第 1 章 文献综述
心理资本的相关概念界定
心理资本的组成要素
国内外研究概况和发展趋势
第 2 章 问题的提出
研究意义
本研究的创新之处
第 3 章 幼儿教师心理资本的现状调查设计
调查目的
调查方法
第 4 章 幼儿教师心理资本的调查结果
幼儿教师心理资本的差异检验
访谈内容及结果
第 5 章 分析与讨论
幼儿教师心理资本调查结果分析
访谈结果分析
第 6 章 幼儿教师心理资本的干预研究
自我效能的干预
乐观的干预
希望的干预
韧性的干预
第 7 章 幼儿教师心理资本干预比较
幼儿教师心理资本干预调查设计
研究方法及研究工具的选取
干预活动的实施步骤与内容
干预研究结果分析
第 8 章 研究结论及研究展望
研究价值
不足之处
研究展望
参 考 文 献
致 谢
篇三：学前教育专业论文提纲
(以幼儿园教育活动中教师观察行为的研究为例)
摘要
Abstract
目 录
一、问题提出
(一)研究背景
(二)研究问题
(三)研究意义
(四)研究方法
二、文献综述
(一)概念界定
1.观察
2.教师观察行为
3.幼儿园教育活动
(二)教师观察的相关研究
1.观察的价值
2.观察的维度
3.观察的类型
4.观察的过程
5.观察存在的问题及改进
(三)幼儿园教师观察的相关研究
1.观察的价值
2.观察的内容
3.观察记录中存在的问题
4.改进策略
三、A幼儿园教育活动中教师观察行为的考察
(一)教师对观察的认识
1.观察是了解幼儿的途径
2.教师的观察是“旁观者清”
3.观察儿童是非常必要的`
(二)教师观察了什么
1.观察幼儿的兴趣
2.观察幼儿的学习效果
3.读懂孩子的需求
(三)教师如何观察
1.调动一切感官搜集信息
2.记录,让教学看得见
(四)教师观察的结果
1.积极正面回应幼儿
2.搭建鹰架帮助幼儿发展
3.及时与家长沟通
4.反思与教学行为的改善
(五)是什么影响着教师的观察
1.幼儿“意外状况”容易引起教师关注
2.教学经验丰富的教师有余力观察幼儿
3.教师的主观倾向影响教师观察
4.幼儿园支持教师观察
5.幼儿教育工作本身影响教师观察
四、对A幼儿园教育活动中教师观察行为研究的结果
(一)教师观察行为的特征
1.教师对观察认识具有模糊性
2.教师观察与教学目标紧密相联
3.教师观察的记录停留在感官层面
4.观察促进教师教学的反思与改进
(二)幼儿园教育活动中教师观察行为的影响因素
1.教师对观察方法掌握能力
2.教师的知识经验储备
3.幼儿对教师观察的影响
4.幼儿园对教师观察行为的支持
五、建议
(一)通过培训,提高教师观察技能
1.选取合适的观察角度,获取有价值的信息
2.优化观察记录方式,提高i己录的准确性
3.明确观察记录的基本要求,确保纪录与评价的客观性
(二)加强学习,改善教师知识结构
1.通过反思促进知识的发展
2.阅读专业书刊
(三)幼儿园为教师观察提供支持性环境
1.改善管理制度
2.提供技术性支持
3.形成重视教师观察的氛围
(四)教师为观察争取有利条件
1.检视自己的工作习惯
2.减少可能的干扰因素
参考文献
附录
后记
你的美术学论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？ 老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。大学毕业季，很多同学都写不好论文。写不好论文，不仅影响成绩，也影响毕业。所以，我在此分享一点经验给同学们。分析论文题目。大家在选定一个论文题目之后，一定要分析论文题目的写作重点，分清主次。收集材料，写读书笔记。当大家分析过论文的主要写作方向后，大家要开始收集与论文相关的论文材料。把自己找到与所选论文相关的材料记到读书笔记上，以备将来写论文的时候作为参考。国内外研究现状。大家要将论文中的主要研究目的找出来。然后寻找分析国内外对此题目的分析与研究。列举大纲。结合论文题目。开始列举大纲。先解释论文中相关的知识点。然后写当前的研究现状，接着写某题目的问题与不足，再写针对该问题的对策。注意，问题和对策要相对应。论文中要列举事例、添加数据、分析的图片等等。开始写论文。按照大纲开始写论文，但是要在必要的地方加上过渡段。然后是论文的脚注，引用、参考资料、结论等。最后，大家把排版做好。未尽事宜，请大家斧正。祝大家把论文写得更优秀。特别需要注意： 注意，问题和对策要相对应。 必要的地方加上过渡段
作为五代董源唯一有名款的作品，《溪岸图》是徐悲鸿1938年在桂林阳朔购得，同年初秋张大千到桂林，硬是“挟吾董源巨帧”而去，1968年张大千以《溪岸图》与王己千交换，1997年5 月再由唐骝千（Oscar ）家族购藏捐献给大都会博物馆。同年八月，《纽约客》杂志发表署名文章，引述加州大学柏克莱分校教授、著名中国美术史家高居翰（James Cahill）的看法，认为《溪岸图》是张大千的伪作，激起轩然大波。研讨会上，高居翰作了《对〈溪岸图〉十四点质疑》的发言，再次力主《溪岸图》是张大千的伪作。中国学者则进行反驳，认为至少是宋人之作。按常理，这种专业性极强的研讨会，感兴趣的人并不多，但不仅有近千人出席旁听，且在高氏讲完后，在场的美国人长时间鼓掌。中国专家陈述观点时，美国人却“听不懂”了。后学如我，对鉴定素无必得，更无缘亲睹《溪岸图》真面目，对此事本不敢置喙。但看了有关的报道，却觉如鲠在喉，必欲一吐。且不言西方“科学”的鉴定方法在鉴定中国书画时未必胜过中国传统的“望气”、“目鉴”法，单研讨会中出现的一些现象，已显出西方强势文化对中国文化的欺凌之态。对此，连美国美术史家Croig Cluns也指出，这场研讨会， “甚至可以解读为隐含着令人不愉快的、带有种族色彩的西方学者挑战中国学者。”由此，我也联想到美术史研究与美术批评领域，存在着类似的问题。 在美术史与美术批评领域，近百年来我们大量地引进了西方美术理论体系。在当代中国美术史研究与美术批评中，确实很大程度地存在着空疏玄虚之风，尤其在美术批评中，周易八卦、河图洛书、老庄思想、魏晋玄学，似高头大章，精彩绝伦，实隔靴搔痒，虚空缥缈，读者云里雾里，不知所云，作者自身也莫明真谛，徒弄玄虚。他山之石，可以攻玉，西方美术理论的引进，对于中国美术史研究与美术批评的发展，无疑起到了重要的矫正作用，这种引进自然是多多益善。但随着西方美术理论的大量引进，我们是否该冷静地反思建立在西方美术演变基础上的西方美术理论，能否原封不动地搬到中国来，简单地去套中国美术。以中国画而言，经过几千年的发展演变，中国画形成了自身完整的审美体系、价值标准、欣赏方式，六法精论、逸神妙能、传神写照、意境格调也好，计白当黑、五笔七墨、布局如弈、三远七观也好，都与西方绘画有很大的不同，中国画的写生不同于西画的对景写生，中国画的远近法不同于西画的焦点透视，更不是今人假设出来的“散点透视”，简单地把自身尚未真正理解、消化的西方绘画理论，不切实际地移用到中国画的评价上，无异是胶柱鼓瑟、缘木求鱼之举。 西方经济、军事的相对强大，并不是意味着文化的必然精深，但在强势文化的猛烈冲击下，许多人无所适从。他们一方面对中国文化精神不作深入研究，对中国艺术的深层内涵缺乏体悟，没有进入中国文化的堂奥却自以为是，另一方面他们也没有真正搞懂、吃透西方文化，看了几本翻译得半通不通的西方论著，盲目地借用几个自己也莫明所以的外国术语，对中国传统艺术横加指责。于是，强调西方绘画“科学性”，认为“中国画不科学”的有之，高举“笔墨等于零”者有之，刻意求新求怪求野者亦有之。眩人耳目，引入歧途，服己尚难，服人更是妄想。 中西艺术的文化底蕴、审美方式各居一极，二者是各自独立的艺术体系，许多有睿智的、清醒的艺术家已意识到一味从西方寻找“真经”，是无法拯救传统艺术的，中国传统艺术的深厚内涵使得它具有无法想象的生命力和生发力，吸收借鉴他者的经验固然不可或缺，挖掘、发展自身的优良传统更是重中之重。我们的美术史研究与美术批评是否也该好好反省呢？我们不必固守祖宗之法一成不变，也不该把祖宗之法一概地抛在脑后吧。今日的美术史论家们，在准确地、系统地引进西方美术理论的同时，要花更多的精力深入地、全面地钻研中国传统美术理论，使其重现生机，并且运用到当前的美术史研究与美术批评领域上来。如此，这一领域中的诸多弊端方有望改进。 美术批评需要交流和对话 李敬仕（绍兴文理学院美术系副教授、花鸟画家） 人类文化没有一个永恒的模式，也没有一个绝对中心。理论家们在讨论中西美术理论对话时，应该具有中国本土问题意识和特定语境的要求。 美术批评的对象通常是美术作品和美术家，因此，它同美术家的关系应该是相当密切的。在现时代，欲望、金钱这些物质追求经由市场消费逻辑而成为日常生活的主题词时，一些画家在金钱利益的驱动下，为了包装推销自己，对美术评论宠爱有加。而另一些美术家则对美术批评持冷漠甚至蔑视的态度。这其中有美术家本身的原因，如理论素质的低下和学术视野的狭隘，使他们对美术批评毫无兴趣。但也有对美术批评现状感到不满的原因。有位画家对我说：“那些写美术评论文章的人，读了几本理论书，就到处乱套。他们也许有丰富的哲学、美学、艺术史的知识，但并不懂画，他们哪里知道我为什么要用这块颜色，怎能看得出这块颜色好在那里？”这话虽有些偏激，却也不无道理。对于美术理论家来说，需要以宽容的学术胸襟，站在平等的地位上，加强同美术家乃至广大读者的交流和对话。这里我冒昧对美术批评中某些现象谈一些浅陋的看法。 首先是不少文章对视觉形式的特点缺乏具体分析或分析不能令人信服。在艺术家心里，他所见所闻的一切，却被转译成了他所理解、把握的艺术媒介形式，而其它因素都退而成为艺术创造的潜在背景因素。对这种艺术审美创造上的形式的“特殊性”不进行深入分析，就难以切入作品的本体。我们应该意识到，中国绘画史上卓有影响的理论著作，大多出自大画家之手。如中国最早出现的理论专著《论画》和《画品》，作者是顾恺之和谢赫，北宋《林泉高致》的作者是郭熙，明代作《华山图序》的王履，倡导南北宗论的董其昌，清代作《苦瓜和尚画语录》的石涛，都是赫赫有名的画家。这些著作不仅被历代画家们奉为经典，就是在中国美学史上也焕发着耀眼的光芒。对各种视觉形式的感悟和理解，殊非易事。俗话说：“隔行如隔山”，即使是专业画家，对他所从事本专业以外的美术作品也难以作完全的解读。一个中国画家看油画，大多也只能停留在欣赏层面上，很难在形式层面上作出令油画家心悦诚服的深刻分析。美术批评家批评的范围涉及国、油、版、雕、年、连环、宣传、壁、民间美术、艺术设计甚至建筑、书法等等，我们不能苛求理论家对美术各门类的样式都进行实践，但评论家必须花大力气对其形式语言的特点进行研究，这样才能真正取得发言权。如果评不到点子上，对美术家来说无异是隔靴搔庠，无济于事。美术评论中常有这样的现象，评论家写文章大加赞扬的作品，画家却认为并不见得是好画。有些推介文章，对作品本身的分析文字不多，却东拉西扯地写了不少有关文学史、美术史甚至哲学方面的知识，生硬地和他所要评论的对象联系起来，给人一种评不出什么也硬要说些什么的印象。还有对美术现象的一些评说，也难以使人认同。如有文章说：齐（白石）体的后人，“以吴作人为代表”；并把水墨人物画分为徐（悲鸿）和蒋（兆和）两派，说在明暗造型的手段上，徐氏以染为主，蒋氏以皴为主，把方增先归为徐派，把刘文西等一大批画家归为蒋氏门徒。这种说法未免武断。因为在中国画家眼中，蒋氏的人物画有以毛笔代替木碳笔画素描之嫌，作为中国画中特殊笔法的“皴”，和西洋画中的明暗完全是两回事，且在人物肖像画上运用皴染技法早已有之，怎么成为蒋氏的专利，谁用了皴法，就成了他的门徒呢？ 其次是美术批评的话语方式，在80年代中期以后有了很大变化，引进了大量西方文化思想的新名词、新术语和新概念。一些自命精英的前卫理论家依据这一表象，相信中国美术的进程也应实现同一模式的转型，而对本土民族文化和写实画风给予轻蔑的否定，对西方现代性文化不是以一种平等的心态加以观照，不作批判性的理解，而是沉浸在现代迷信之中急于建构现代乌托邦。一些理论家屈从西方话语中心，并以此为荣。他们以单一的线性的非此即彼的思维，把西方文化的价值标准，强加处在不同历史背景和文化传统之中的具有斑斓色彩的本土美术。按照耗散结构的理论，进化不是按单一轨线进行的。因此人类文化没有一个永恒的模式，也没有一个绝对中心。理论家们在讨论中西美术理论对话时，应该具有中国本土问题意识和特定语境的要求。 美术批评中还有些不如人意的地方。如某些文章故弄玄虚，语言晦涩难懂。文章写给什么人读，应该有一个定位。读有些文章远比读黑格尔著作还难，画家看不懂，一般读者就更不懂了。如果只给自己小圈子里的人读的话，那就没有发表的必要。有的文章中大段深奥莫解的文字，在仔细琢磨之后，原来说的是很平常浅显的道理，学问不深，文章很深，只会令人厌弃。再有是某些评论家有种居高临下的姿态，在那里指手划脚，口气武断专横，以为自己说的都是真理，不能容忍别的声音，这当然令人反感。还有一些心浮气躁的理论家，在和某些画家作互利性的交换，其后果必然导致美术评论的庸俗化和学术人格的沦丧。凡此种种，限于篇幅，这里就不再赘言了。 艺术评论家的底牌 谷流（河南美术出版社编辑、艺术史学者） 真正的艺术评论家应具备最起码的历史意识与鉴别批判能力，他们有神圣的使命感和宁静而不为物役的自由灵魂。这可谓真正艺术评论家的底牌。 一切历史都是当代史，一切关于艺术的评论话语都是源自牧羊人内心的亦或附庸的神话。牧羊人不但可以是神明的上帝，也照样可以是艺术评论家。从某种程度上来说，没有牧羊人就没有羊，没有羊也就没有牧羊人，没有牧羊人就没有这个世界和关于这个世界的历史，也就更没有必要再有牧羊人和羊所必需的食物和水。既然有了牧羊人，就必须有应该属于他的羊、他的食物和他的水。为了能顺利地找到并得到食物和水，艺术评论家便毫无必要再顾及颜面而不好意思以一种有时连艺术家都拍手叫好的相当体面的圈层话语，如帝国主义般地肆意强奸和占有艺术品创造的原初意义，并美其名曰指点创作和引导时尚，直到把好端端的艺术家糟蹋到不会画画才肯去折腾点儿别的。惟惜乎斯世艺术家众矣，却教那牧羊人太也不好意思停业盘点。是为天职艺术评论家之一副活形也。 艺术品是真正艺术家真正天才的创造，是原初的价值性话语文本，但又有优劣之别，诚如英国艺术史家贡布里希在《艺术和自我超越》所说：“斯德哥尔摩国家美术馆里令人惊叹的伦勃朗作品——仅仅为这些作品，我们就值得来这儿——和同一美术馆的一幅华托的珍品体现了不同的价值”。然而，在任何时代里，像华托那样的艺术家，甚至尚根本无法与华托相提并论的绘画从业者，实实在在地多如牛毛，并缘此无限地孕育着所谓的艺术评论家的温床。 当今有这样一种时髦的观点：艺术界由艺术家——画廊——艺术评论家——画商共同构成。在市场喧嚣的艺术情境逻辑里，艺术评论家甚至毫无愧色地直接充当着艺术经纪人的角色，从而使匠气之作的价格往往被误认为有价值而存在。制造误导的评论话语似乎罩上了价值的光环而俨然更高于原初话语——真正的艺术品的价值。其实，该情境中真正的艺术品往往匮乏甚至缺席，评论话语往往毫无原创性——毫无历时性价值而仅仅拥有其共时性的实用意义而已。赵汀阳《谁去批评画面》界定了艺术评论的简单标准：描述性的是新闻报道；解释性的是辅助性评论；分析性的才是真正的学术性的艺术评论。信矣！是笃语也。 那么，真正的艺术评论家该由怎样的人来充当？他既不是极权主义者，也不是艺术市场炒作家，更不是那些并无广度和深度专业智识的艺术理论爱好者或自谦曰参与者；而应是那些真正对现时代具有深刻实践和洞察的文艺博学之士——诸如对某一艺术领域有针对性的专门独到研究的艺术史家、作家及相关研究学者。他们应具备最起码的历史意识与鉴别批判能力，他们有神圣的使命感和宁静而不为物役的自由灵魂。这可谓真正艺术评论家的底牌。令人遗憾的是，当今的喧嚣者大多都没有底牌！甚者根本就没有牌！打出来的竟还是“借用”人家的牌！甚矣！斯诚悲哉！
这里有几篇你看行不行，如果觉得不怎么样，你可以去美术论文网看看，里面篇数很多－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－“线”在美术作品中的功能与审美特征 线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能．画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采（在表现物象的同时，还传达出入的情绪），传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－对于传统色彩学的新认识 绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。从早期文艺复兴至今，绘画中色彩的表现方法丰富多彩，一代代艺术大师们耕耘不止，给后人们留下了无数的艺术财富。十五世纪上半叶，凡·爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品，在坚实的造型基础上，加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色，这些色彩，通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的大色块来进行创作，其色彩已具有一定的主观因素；达·芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象；西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作，其色调已经超越了物象本身的色彩范畴，达到了一种色彩的抽象概括，其色彩运用，更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求，不受物象色彩的制约，他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调，作品富有现代精神；伦勃朗利用强烈的明暗对照，单纯而强烈的色彩来突出主题，人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光，作品充满了深度。十九世纪，由于科学的发展，一些有关色彩理论的论述在欧洲问世，这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘，使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念，采用鲜明的色彩来描绘天空、田野，画家们致力于风景画中环境与光线的研究，莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。艺术探索是无止境的，康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里，色彩还是依附于形体之上，色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中，已见不到传统绘画中的具象物体，色彩已不再依附于任何具体的物象而存在，他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新，而每一次创新，都需要勇气打破条条框框，用全新的视角去重新认识和感应世界，推动艺术的发展。综上所述，不难看出，色彩艺术在其发展的过程中，没有一成不变的规则，我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识，而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份，全面推进学生的色彩感应力，应成为一个重要课题。当前在色彩教学中采用的理论依据，是在印象派前后时期的色彩理论加之俄罗斯画派的色彩理论综合而成。其核心内容是强调条件色，认为色彩的产生要依靠光源色、环境色及物体自身的颜色综合而成。在色彩的对比上也有一定有规则，亮部冷，暗部就要暖；在色彩的训练上比较强调作画过程的程序性，即通常的画大关系，然后深入，再回到大的关系上来。这样的训练方法及色彩理论固然有其有利的一面，但也存在一定的局限性，即过多地重视科学规则和相应的客观因素，忽略了做画者对于色彩的直接感应。但在做画过程中这种感应又是非常重要的，没有它，艺术作品就会缺乏生气，枯燥无味。所以，在色彩训练中，从一开始就要重视对色彩的直接感应，不要让过多的理论缚住做画者的手脚。传统的色彩理论对于画面的色彩构成更多的是依靠色彩的空间关系去表达（物体离观者近则色彩鲜明突出，退远则变淡变冷）。但在现代的许多绘画大师的作品中，这种理论已被打破，艺术家们根椐自己对世界的认识和感应，重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系，应理解为色彩结构上的位置关系，色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。法国艺术大师巴尔蒂斯对于东方绘画非常崇尚；凡高的作品中也充满着东方情趣；米罗的作品更是如此。为什么东方绘画有如此之大的魅力，使这些艺术家顶膜礼拜呢？关键就是在东方作品中所蕴含的精神因素。东方的作品，如中国画不受客观条件的制约，而强调艺术家的主观精神，使艺术中具有更多的抽象因素。如能较好地将东方绘画中的精华运用到色彩实践中的话，将会创造出更广大的艺术天地。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－美术课在美育中的作用 美育一般通过艺术审美的方式达到教育目的。美术课对学生进行美育的得天独厚的条件，就是直观性，包括对自然美的直观，社会美的直观，艺术美的直观。而美术教学大纲所规定的欣赏、绘画、工艺三大类课业非常直接地体现着这种直观性。 美术欣赏课的教学，主要以完美的形象，卓越的艺术技巧来拨动人的心弦，使人精神奋发，与之共鸣，从而产生强烈的教育效果。例如欣赏董希文的油画《开国大典》，可感受到作者通过构思，构图和色彩，表现了中华民族永远起来了的信心和气魄。欣赏白石老人的国画《却教蜂蝶为花忙》，透过蜜蜂在艳丽的凤仙花旁飞舞采蜜的忙碌情景喻意颂扬了勤奋劳动的精神。作者从普通的生活景致中表达出高雅的审美情趣，学生通过对作品的品味、鉴赏激起了对普通劳动者的敬慕。美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外，还要学习临摹，写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课，不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花，还是随意堆在桌上的肥硕水果；不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿，还是刚买回来的新鲜蔬菜，那生意盎然的色彩、情趣横生的形态，都能人学生以情的感染和美的享受。 人物头像绘画课，不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”，还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美，并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念，关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》，极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上，可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生，然而他又是那样善良，淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容，引导学生通过对形象的感受、想象与思考，认识肖像画的艺术美，在思想上受到熏陶，在美的感受中受到教育。 工艺课是一种带有设计意识的艺术实践活动。在美术课上学过色彩知识和造型规律，学生掌握这些形、色的审美常识，有助于培养他们健康的审美观点，对于学生盲目追求流行时装、奇怪发式的现象，有正确引导的作用，同时也有助于他们思想品德的提高。 另外，美术在开发学生智力发展中起着突出作用。根据科学研究，人脑的左半球分管抽象思维，右半球分管形象思维，许多复杂的精神活动是由大脑两半球协同完成的。学生的文化课学习一般多用左脑思维，而美术课则有利于发展学生的形象思维能力。美术课的任务正是培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思维能力，特别是观察能力。在绘画课上，教师总是强调学生观察、观察、再观察，由表及里的观察，由近及远的观察，由整体到局部再到整体的观察。只有正确的观察，才有正确的感知，也才能形成积极的形象思维，使抽象的东西具体化，概念的东西形象化，进而是逻辑思维的发展。这样也就有利于多方面地发展学生的思维能力，充分发挥人脑的潜力。美育被明确地列入教育大纲，标志着我国社会主义教育思想的重大发展和社会主义教育制度的进一步完善。美术课的目的不是把所有学生培养成艺术创作家，但是对于提高学生的审美文化素质、发展创造性思维，陶治其情操，起着积极的作用。
你的论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？ 老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。选题是大学生最困惑的问题，又是毕业论文写作的关键，学生必须高度重视，同学们要明白选题是论文成功的决定因素，选题决定研究思考的目标，决定研究成果的价值以及毕业论文写作的成败。在具体的毕业论文选题中，选择现实有意义、比较适合自己、比较容易出新意的题目，一定要掌握选题的步骤和方法，以及毕业论文开题报告的写法。毕业论文的选题是决定论文质量的关键性环节，是研究工作实践的第一步，也是完成毕业论文的第一步。选题确立了，材料的取舍、结构的安排、创新点的判断、论证方法的选择等等，就为论文写作提供了依据。所谓选题就是选择毕业论文的题目。毕业论文的选题是创造性思维活动，是学生在理论知识、实践经验、信息积淀的基础上，经过精心筛选、综合分析、反复推敲、想象提炼而产生的。因此，选题是广博和集中的有机结合，大学生必须尽早地掌握最新的信息资源，尽多地积累丰富的知识经验，尽快地形成自己独特的见解，为毕业论文的选题奠定扎实的基础。毕业论文选题的意义爱因斯坦说过，科学面前，“提出问题往往比解决问题更重要”。提出问题是解决问题的第一步，因此，正确的选题，选到合适的题目，对毕业论文的撰写可以起到事半功倍的效果。选题决定研究思考的目标毕业论文不同于命题论文，写什么题目都需要学生自己去思考，去发现，去选择。有的学生选题不当，研究思考进入了死胡同，写不下去了，只好更换题目，重新开始，时间和精力的浪费，有的学生选题合适，很顺利就写完了。由此可见“题好文一半”，选题是论文成功的决定因素，它决定论文研究思考的目标。英国科学家培根说过“如果目标本身没有摆对，就不可能把路跑对...”一个人保持着正确道路的瘸子总会把走错了路的善跑的人赶过去，不但如此，很显然，如果一个人跑错了路，越加活动，越加迷失。选题实际上就是确定“写什么”的问题，即确定研究思考方向目标。如果“写什么”不明确，“怎么写”就无从谈起。选题活动的动因在于发现问题，因为发现问题才能找到研究思考的目标。在选题的过程中，往往研究方向逐渐明确，研究目标越来越集中，最后就可以紧紧抓住论题开展论文写作了。选题决定研究成果的价值决定研究成果的价值有两方面：理论价值和实用价值。理论价值就是在理论上有新突破，具有开拓性意义或者丰富和完善了原有的理论；实用价值就是在实践活动中有指导意义，对实际工作起到了推进的作用，产生实际效益。毕业论文的理论价值和实用价值，于选题关系密切。选题决定研究成果的价值。如果选定的题目，别人早就论证过并圆满解决，无法从另外的角度补充扩展，即使花了很多的功夫，文章的结构和语言也不错，论证再严密，也没有什么价值，选题有意义，写出来的文章才有意义。选题决定毕业论文的成败选题得当与否直接影响到毕业论文的质量的高低，决定毕业论文的成败。学生选题应考虑自己的知识结构、专业特长、研究能力、资料来源难易程度等具体条件、如果选题于学生应具备的主客观条件相差较远，研究就很难取得成功，论文难免以失败告终。选题是撰写毕业论文的奠基工作，题目一旦定下来，写作的全过程都要围绕它进行。信息的选择，论文点的确立，提纲的草拟，文献的选定，都要以它为中心来进行，偏离它随心所欲，论文就难免失败。选题决定论文的写作方向与速度，选题定了，写作的方向明确了，学生可以根据研究的需要尽快搜集到有关资料，尽快进入研究过程，尽快找到解决问题的办法，论文自然也就越快接近成功。
探析模糊思维在绘画创作构思中的运用 研究“模糊性”规律使我们认识到绘画创作是开放的动态过程，艺术家是在创造过程中体味喜怒哀乐的人，作品是自然而然表露情感的物态凝结。优秀的艺术家都是这一规律的自觉践行者，以塞尚为例，他的一生都在尝试、失败、再尝试，后人正是从他不懈的追寻中认识到他的伟大，并从其作品中汲取无穷养分。相形之下，我们目前的创作中还存在许多不尽如人意之处，突出的表现为思想和技术的僵化。要么被功利束缚抱守一套程式固步自封，要么打着创新的幌子肆意涂抹，当然，更多的人处于无能为力的茫然状态。深入研究“模糊性”规律对当前绘画创作无疑具有很强的现实意义。1、模糊思维的价值 “画素描前并非预想要解决什么问题，只不过想用铅笔在纸上画，画出线条、调子和形态，没有什么有意识的目的;但是当脑子理会到我所要画出的东西时，刹那间，某一个意念变得明确而具体了，然后就开始加以控制、整理。”[1]这种创作中的无意识特点正是与科学理性相区别的“模糊性”。充分反映了模糊思维对形象思维和抽象思维的协调与融合。美术史上的许多画家和理论家都非常关注这种“模糊性”，并有意识地加以利用。文艺复兴时的美术理论家阿尔贝蒂甚至认为绘画艺术正是起源于这种无意识:“一段树干，一小块地，或者其它什么东西，某一天会突然发现它们的某些轮廓只须稍微修改一下，看上去就会和某个自然物丝毫不差。人类意识到这点后，就试图知道是否能通过增减来完成不足部分，达到完全相像。•••••一直发展到即使原材料连模糊的轮廓都不能提供时，人也能创造出任何的形象。”与此思想一脉相承，达•芬奇在画论中用不少篇幅论述开启想象力的方法。他在《画论》中谈道:“我少不了要将一种新发明，一种协助思维的方法包括到以上的办法之中。这法子虽然似乎微不足道甚至可笑，但却具有刺激灵感做出种种发明的大用处。请观察一堵污渍斑斑的墙面或五光十色的石子，倘若你正想构思一幅风景画，你会发现其中似乎真有不少风景:纵横分布着的山岳、河流、岩石……你还能见到各种战争，见到人物疾速的动作，面部古怪的表情，以及无数的都能组成完整形象的事物……时时驻足凝视污墙、火焰、余烬、云彩、污泥以及诸如此类的事物，于你并不困难，只要思索得当，你确能收获奇妙的思想……这都是因为思想受到朦胧事物的刺激，而能有所发明。”[2]大师的应用实践表明，无论是自然的迹象还是主动制作的痕迹都能成为善于思考的画家的有效手段，借以丰富自己的形式语言。当然，由于特定时代的审美要求，画家不可能把新颖的构思传达为脱离时代的绘画语言，但他们毕竟认识到了惯性思维带来的弊端，为传统的创作方法注入了新鲜血液。 我国油画家也有很多尝试。如张京生的《蜕变》系列画，创作构思竟是起源于调色板上偶然呈现的三个色块!更为突出的是俞晓夫，他的大多数作品全凭想象完成，在创作过程中更是跌宕起伏，充分体现了“模糊性”的特点。毫无疑问，模糊思维对于想象力与表现力的提升有不可估量的价值。2、模糊思维在绘画创作构思中的运用 模糊思维不是空无一物的抽象推理，而是通过对形式的提取展开的，因而以往的经验必然在其中起着重要作用。阿恩海姆在《论艺术心理学》中指出:“无意识的推理往往能够解决意识苦心思考而不能解决的问题……然而如果没有意识和理性预先进行的那一番苦心煎熬，无意识推理就无法达到自由的相互作用。”绘画创作中的直觉、灵感、顿悟等无意识的爆发，正是抽象与形象思维在模糊思维的协调渗透下的结果。达•芬奇在强调朦胧事物的启发作用时没有忘记提醒我们以往技能的重要性:他认为不了解事物的构造根本没有办法处理画面细节，因而不可能真正的完成作品。完形心理学的研究表明“形状不仅是由那些当时刺激眼睛的东西决定的，眼前所得到的经验，从来都不是凭空出现的，它是从一个人毕生所获取的无数经验当中发展出来的最新经验。因此，新的经验图式，总是与过去所曾知觉到的各种形状的记忆痕迹相联系。……我们得到的最新形象，是储藏十我们记忆仓库里的大量形象中的一个不可分割的部分。这种与过去的联系可以产生明显的影响，也可以不发生明显的影响。这主要取决于被动员起来的记忆痕迹是否强大到可以利用眼前图形模糊性的程度，换言之，主要取决于刺激物的结构所拥有的力量与它唤起的有关记忆痕迹的力量较量的结果。”这里的“记忆痕迹”正是画家过去的技术能力，或者说是已经掌握的形式语言，它的强弱直接影响我们的艺术表达能力。 上述分析表明，模糊思维必须与技术能力相结合，使想象力在技术能力的控制下把新颖的构思转化为实实在在的表现力和创造力。“首先是联想，通常是实物联想;其次是对联想的形式加以有意识地组织;最后，使构图丰富完善。……第一步骤是自由的、无意识的;但在以后，该画就必须加以彻底的控制……”西班牙画家米罗的创作体会和前文所述画家是不谋而和的，把三种思维方式充分融合在构思创作过程中，充分反映了“模糊性”与明晰性的辨证关系。毫无疑问，如果这些大师在创造力丰满以前不扎扎实实的研究自然关照心灵，如果他们不敢采取非常规的手段突破自身的思维定势，那他们依然只是普普通通的手艺人。表达丰富的想象力是以可靠的技艺做支撑的;反过来，切实有效的想象力又是创造新技艺的推动力。“美术既不单是思想的问题，也不单是手艺问题，而是两者的结合。走向两个极端都会产生严重的不利后果”。日复一日演练几个有限的所谓“原则”，用毅力压抑着灵气，以重复代替思考，在排除意外的同时也排除了解决问题的多样可能性，在耐心耗尽时感慨自己的无能为力;或者仅靠奇思妙想代替创作实践，把一切寄托在“灵感”上都是对“模糊性”规律的误读。惟有掌握必要的技术手段，并在实践中不断发现、尝试和变通才能真正的把模糊思维转化为丰富的想象力进而创造出转化为生动鲜明的艺术形象。 3、结论 本文从艺术大师的运用实例入手探讨“模糊性”的实践内涵。围绕“模糊性”和明晰性的辩证关系结合创作过程展开论述，着重分析模糊思维的运用，探询其发挥作用的机制和启示。针对自身存在问题，强调从形式出发和随机因素的利用。参考文献[1]鲍诗度.西方现代派美术[M].北京：中国青年出版社.[2]戴勉译.芬奇论绘画[M].北京：人民美术出版社.1979.
给参考许些帮助 、立论立论确定历史论文论点即作者赞反歌颂批判或某历史物、历史事件表示自观点看考虑论点应注意： 1.立论科性 所谓立论科性作者观点搜集资料信息要理论根据事实依据即作者观点要符合辩证唯物主义历史唯物主义原理要坚持四项基本原则要利于社主义事业讲述史实要依据或明确处想更应该凭空臆造立论才价值 2.立论前卫性 立论前卫性超前意识立论要新要写没写或少写题材要求近几术态应该致解免撞车云亦云嫌 3.立论指导性 立论指导性称立论实用性论文给别看作品要能给读者启迪读者所帮助、所鼓舞、所收获我通所说古今用洋用论文价值反其道行歌颂义团运盲目排外或者反面物歌功颂德类文章即使写再取 二、命题论文论点决定给论文定新颖、明确、吸引力题目用表达文章主题十重要某种意义说论文命题比论文写作更难 1.题目要新 重视科性前提论文命题要新要创意切忌平淡奇要力争做语惊死休 2.题目要奇 命题要奇指搞文字游戏或故弄玄虚要用科态度实事求态度自论文命题达文章能引入胜效 3.题目要 历史论文题宜宜特别刚刚习写作更要选题目选题目结空乱想文章写面面俱却往往自身能力水平限制面都 三、布局 1.、结尾 功半论文十重要第段应该力求门见山直接接触主题明确提自观点赞反要点悬念引起读者注意追求结尾要提纲挈领发深思余味穷所些经验作者论文结尾功夫 2.编写提纲 论文写作提纲文章设计案首先提论点（包括总论点论点）提论据论据包括历史史实、名名家论述明确结论至于几论点引用哪些论据先写写般视作者自身习惯定必要或文章篇幅较加标题求取目效 四、定稿 历史论文写作包括起草、修改、定稿三步骤 起草写初稿要深思熟虑气呵修改要史料、观点、语言检查提高文章质量征求师同意见文章加补充定稿 参考题目： 1、辛丑条约签订现状评 2、鸦片战争 3、历史抹掉石雕 4、近代史端 5、北洋舰队毁灭 6、圆明园兴建与毁灭 7、英勇、耻辱、斗争 8、残说圆明园 9、甲午战争 10、林则徐虎门硝烟 11、平壤战役 12、八联军侵华战争 13、《南京条约》由 14、虎门硝烟解说词 15、道者助失道者寡助 16、说抗战争 17、行义必自毙 18、手自 19、海棠叶变迁（论述祖疆域变化）。
给参考许些帮助 、立论立论确定历史论文论点即作者赞反歌颂批判或某历史物、历史事件表示自观点看考虑论点应注意： 1.立论科性 所谓立论科性作者观点搜集资料信息要理论根据事实依据即作者观点要符合辩证唯物主义历史唯物主义原理要坚持四项基本原则要利于社主义事业讲述史实要依据或明确处想更应该凭空臆造立论才价值 2.立论前卫性 立论前卫性超前意识立论要新要写没写或少写题材要求近几术态应该致解免撞车云亦云嫌 3.立论指导性 立论指导性称立论实用性论文给别看作品要能给读者启迪读者所帮助、所鼓舞、所收获我通所说古今用洋用论文价值反其道行歌颂义团运盲目排外或者反面物歌功颂德类文章即使写再取 二、命题论文论点决定给论文定新颖、明确、吸引力题目用表达文章主题十重要某种意义说论文命题比论文写作更难 1.题目要新 重视科性前提论文命题要新要创意切忌平淡奇要力争做语惊死休 2.题目要奇 命题要奇指搞文字游戏或故弄玄虚要用科态度实事求态度自论文命题达文章能引入胜效 3.题目要 历史论文题宜宜特别刚刚习写作更要选题目选题目结空乱想文章写面面俱却往往自身能力水平限制面都 三、布局 1.、结尾 功半论文十重要第段应该力求门见山直接接触主题明确提自观点赞反要点悬念引起读者注意追求结尾要提纲挈领发深思余味穷所些经验作者论文结尾功夫 2.编写提纲 论文写作提纲文章设计案首先提论点（包括总论点论点）提论据论据包括历史史实、名名家论述明确结论至于几论点引用哪些论据先写写般视作者自身习惯定必要或文章篇幅较加标题求取目效 四、定稿 历史论文写作包括起草、修改、定稿三步骤 起草写初稿要深思熟虑气呵修改要史料、观点、语言检查提高文章质量征求师同意见文章加补充定稿 参考题目： 1、辛丑条约签订现状评 2、鸦片战争 3、历史抹掉石雕 4、近代史端 5、北洋舰队毁灭 6、圆明园兴建与毁灭 7、英勇、耻辱、斗争 8、残说圆明园 9、甲午战争 10、林则徐虎门硝烟 11、平壤战役 12、八联军侵华战争 13、《南京条约》由 14、虎门硝烟解说词 15、道者助失道者寡助 16、说抗战争 17、行义必自毙 18、手自 19、海棠叶变迁（论述祖疆域变化）。
历史像一条满满的海滩，古人是海滩的缔造者，而我们是一个个悠闲地过客，我们在历史的海滩上散步，又想拾起点什么
于是我们知道了秦前的战乱纷飞、群雄争霸；汉朝的文景之治、丝绸之路；盛唐的公主出嫁，歌舞升平；宋末的骨肉分离，词人思瘦；还有大元并不属于我们的莫斯科，我们的祖宗通过郑和下西洋将恩泽遍洒蓝色星球，我们还看到了史上最贵的一把火怎样烧掉天朝上国的尊严，烧毁半个中国的骄傲，烧痛我们后辈人的心，月光下破碎的斑驳是那些琉璃的泪吗？
我们就在这条海滩上一步一步的前行，拾起古人留给我们的记忆，岳飞、秦桧同样应该被记住，就像石头钻石同样硌脚。
人累了，天黑了，海滩却同样在那里，我不敢说明天也不敢信明天，但愿明天的海滩有更多下陷的足迹。
历史是一首唱不完的歌，大自然来作词，人类来谱曲，农民和领袖同样唱得出转音，只不过秦始皇转的大一点，陈胜转的小一点，五线谱写满了前辈们足够的功底，让他们一直从离骚唱到东方红，有花美的霓裳羽衣曲，也有悲凉的骊山怀古，还有黄河大合唱和雄壮的义勇军进行曲，每一个词都是历史的赐予，每一个音符都是感人的触摸，在音乐的灵魂里我读出了历史的发展壮大，中国人的历史是一首唱不完的歌，我不敢说明天也不敢信明天，但愿明天的歌谣可以让更多的人传唱。
历史不是谁写给谁看得而是谁来书写的，古人写下了万里长城，近现代人写下了万里长征，我们应该写下更多可以万年来辉煌，历史是伟大的
你好~我也是学美术史论的~！不过不是鲁美的~！已经临近毕业了！关于这些理论类文章，大多是围绕是什么、为什么怎么样来完成。
首先应该确定你想写的范围。范围包括史论类，如中国美术史、外国美术史、中国工艺美术史、外国工艺美术史，或是理论类，如美术理论、设计理论。
史论类文章一般是从某一幅画作、工艺品入手，可分析其艺术语言（色彩、构图、手法）或者艺术价值（艺术史上的地位以及对后期艺术创作的影响）或批评类文章（当然入学考试还不要求你写这个应该，这个应该在有一定阅读量的基础上，对某些作品、工艺品进行赏析并提出自我看法的文章） 理论类文章一般是从某个理论入手，包括中国古代画论、艺术起源论、艺术接受、设计理念等多方面你入学考试的话我不建议你写这个。因为这个会涉及美学、哲学理论等各个方面，对于即将入学者无法做全面、深入论述。
如果还不清楚的话，建议参考苏珊娜·赫德森的《如何撰写艺术类文章》。上海人民出版社出的，对于初学者写作还是蛮有帮助的。
我大一大二时从这本书中学到了不少写作技巧。 我的回答希望对你有帮助！最后祝考试顺利。
你好~我也是学美术史论的~！已经临近毕业了！关于这些理论类文章，大多是围绕是什么、为什么怎么样来完成。首先应该确定你想写的范围。范围包括史论类，如中国美术史、外国美术史、中国工艺美术史、外国工艺美术史，或是理论类，如美术理论、设计理论。
史论类文章一般是从某一幅画作、工艺品入手，可分析其艺术语言（色彩、构图、手法）或者艺术价值（艺术史上的地位以及对后期艺术创作的影响）或批评类文章（当然入学考试还不要求你写这个应该，这个应该在有一定阅读量的基础上，对某些作品、工艺品进行赏析并提出自我看法的文章）
理论类文章一般是从某个理论入手，包括中国古代画论、艺术起源论、艺术接受、设计理念等多方面你入学考试的话我不建议你写这个。因为这个会涉及美学、哲学理论等各个方面，对于即将入学者无法做全面、深入论述。
如果还不清楚的话，建议参考苏珊娜·赫德森的《如何撰写艺术类文章》。上海人民出版社出的，对于初学者写作还是蛮有帮助的。我大一大二时从这本书中学到了不少写作技巧。
我的回答希望对你有帮助！最后祝考试顺利！
我当时考的是中央美院的史论，文考证拿到了就是高考没上线。以我的经验来看，你不必写的很专业很学术，而是要有一定文采（又不能写成散文这种东西），能够体现一种美术赏析的特性（多看看就会知道这是一种什么感觉了，一般都会从贡布里希的书入门），文章结构要清晰，有层次。
在主题上，可以围绕着一个艺术家来写，也可以围绕某一个作品来写。这个时候要注意，要理清艺术家的师承、影响他艺术的时代背景、社会背景，属于哪个流派等；把这个作品与同时代或同主题的其他作品进行比较；最后还要针对你写的目标，写出他/它的个性在哪里，进行具体深入的赏析；有关人物、作品的逸闻趣事会增加文章的可读性，但使用的时候要有一个比较客观的态度。如果要增色，可以引入一定的专业内容，比如赏析构图、对艺术史的影响等。
内容上找你最感兴趣最擅长的写。一般不推荐写现代主义、后现代主义的，除非你对当代艺术特别了解否则是不建议些的。我的老师当时说写印象派、造型艺术比较容易过——切记不要写像梵高这种已经被写烂的！
最后还要注意一些论文的格式，像一楼说的字体、标题大小外，还要注意行文语气的客观，不要出现很多“我”字，引用别人的话要进行标注（引用的谁？出自哪本书哪个纪录片？），字数自己把握，3000左右。
因为提交的是纸质文本，建议论文打出来后做一个简单的封面写上标题、姓名，装订好。
祝你考入好的学校~~~高考加油，不要像我一样差一点，很遗憾的。
《史记》《史记》是西汉著名史学家司马迁撰写的一部纪传体史书，是中国历史上第一部纪传体通史，被列为“二十四史”之首，记载了上至上古传说中的黄帝时代，下至汉武帝太初四年间共3000多年的历史。
与后来的《汉书》、《后汉书》、《三国志》合称“前四史”。中有“太史公曰”。
《古文观止》《古文观止》是历代中国散文总集。清代吴楚材、吴调侯编选，吴兴祚审定。
该书所选古文，以散文为主，兼收韵文、骈文。先秦选的最多的是《左传》，汉代选得最多的是《史记》，唐宋时代选得最多的是韩愈、柳宗元、欧阳修、苏轼的文章。
照文体来看，该书选韵文十三篇，如《楚辞·卜居》，陶渊明《归去来兮辞》，杜牧《阿房宫赋》等，这些作品都是“极声貌而穷文”，工于描绘，描绘中虽用韵语，但与诗不同，往往韵散结合，来加强声情之美。散文则或记人或记事，有议论有寓言等等。
该书选文丰富多彩，篇幅较短，语言精炼，便于诵读，其中不少是传诵千古的名篇。
论民国时期传统美术史观的现代转型摘要]本文从民国时期美术起源的英雄史观的瓦解、美术史观由传统伦理本位转移到审美本位、狭隘的民族主义美术史学观的开拓以及发展的美术史观的形成等四个方面进行阐述，力图对民国时期传统美术史观的现代转型做一系统梳理和研究。
[关键词]民国时期；美术史；现代形态民国时期是中国社会的转型时期，随着西学东渐和社会的变革，美术史研究也发生了划时代的巨大的变化，2 0世纪以前，中国的美术史著述是古典形态或传统形态的，其研究的核心是书画理论，体裁以专著、随笔札记为主，研究形式主要为品级品评、画录等，论述偏重于主观感悟性和经验性，缺乏理论色彩和系统性。有“中国第一部完备的绘画通史著作”之称的唐代张彦远的《历代名画记》，在写作中并不注重具体作品的描述分析，而是将画史、画论、画评糅合于一体，其绘画史的写作目的是强调绘画的社会功能，以统治者与士大夫的审美标准品评画家和作品的高下，总结画学理论和技法。
唐以后至清末的美术史家基本上延续了《历代名画记》的写作方式，只是作了史料上的转抄增补。民国时期是中国美术史学研究改步变古的时期，姜丹书、陈师曾、郑午昌、潘天寿、俞剑华、滕固、李朴园、胡蛮、童书业等美术史家撰写了一批中国美术史著作，对中国现代形态美术史学的建立起到了开创作用。
一美术起源的英雄史观的瓦解中国传统书画史写作当中往往把美术的起源归结为有巢氏、伏羲、苍颉、史皇、画嫘等一系列个人的创造，《云笈七签》就有“黄帝有臣史皇，始造画”这样的话，而《说文》则认为“画始于嫘，故曰画嫘”。关于文字的起源，许慎《说文解·序》中所说：“古者伏羲氏之王天下也，仰则观象于天，俯则观法于地……近取诸身，远取诸物。
于是始作易八卦……”认为伏羲氏所作的八卦，是文字的雏形，也是绘画的雏形。这种将书画起源归结为个人创造的观念影响非常深远，传统美术史家一直沿用神话传说性质的美术史起源理论，如唐代张怀瓘的《书断》说：“颉首四目，通于神明。
仰观奎星曲圆之势，伏察龟文鸟兽之象，博采众美，合而为字，是曰古文。”直到民国时期，一些美术史家才开始对传统美术史的神话性质提出质疑并加以思考，使中国美术史的撰写逐步从神话传说的阴影中走出来并给予较为科学的解释。
民国时期是美术起源的英雄史观逐渐瓦解的时期，民国初期一些美术史家在写作美术史时仍然沿用美术起源的神话传说，如陈师曾的《中国绘画史》第一编“上古史”之第一章“三代之绘画”就认为：“伏羲画卦，仓颉制字，是为书画之先河，既为书画同源之实证。盖是时文明肇始事务渐繁，结绳之制不足该备，不得不别创记载之法。
而记载之法，必先诸数与形，取其简而易明，便于常用。固画卦所以明乎数，而文字始于象形。
以象形而言，即含有图画之意。文字与图画初无歧异之分。”
[1]秦仲文所著《中国绘画史学也将美术的起源托附于神话传说：“上古时代的人类，文化未开，结绳记事，有巢氏作木器，绘轮园螺旋，为古代绘画的起源。”其中也沿用了伏羲画人八卦、仓颉创六书等说法，认为在“黄帝的时代，画学便已有了相汉的成绩”。
顾颉刚的疑古学派产生的广泛影响，启示了美术史家对美术起源的思考，大多数美术家在美术史撰写过程中自觉地抛弃了中国美术史的神话成分，而代之以人类学、文献学和考古学方面的讨论。刘思训等美术家对美术起源托附于神话传说进行了批判，美术史家开始思索美术的起源并从不同的角度进行阐释。
俞剑华在他的《中国绘画史》一书中对美术起源的原因进行了探索：“人类文化，随生民以俱来，虽獉獉狉狉，无知无识，然以或出于游戏，或由于模仿，或迫于实用器物之发明渐繁，人智之发展日进，而雕刻绘画建筑等艺术，亦见萌芽，从无显著之作品，昭示于后，但其孕育胚胎，树后日艺术之基础，顾可知也。”[2]他认为绘画主要起源于游戏，“初民作画，多出于游戏行动，如童子之画壁，并无若何目的，及渐进化，一部分图画既作为文字，一部 成进行了合理的分析：一种文字的发生和演变并不是突然的，与全部文化的发展是相并行的，逐渐酝酿而成的。
正如水之结冰一样，温度降到零度以后，则经过“突变”而结成冰，决不会在微温的时候，一下子就结成冰，实际上，在仓颉之前就有了雏形的文字，因为结绳，书契，八卦而渐演变成为文字是极有可能的。那时的文字大部分属于“指事”和“象形”两类，也就是简单的图画和符号，不过因了个人书写方法的不同，以及见解上的分歧，字形上的紊乱不一，自是意料中事。
仓颉从事整理、发明等等的工作比较可信。这种文字因为年代悠久的原故，所以就称之为“古文”。
……一般之所谓仓颉造字，大概也就是说从黄帝以后（假定仓颉为黄帝时人）才有真正的文字出现吧。[3]2-3可以看出，民国时期的美术史家在打破美术史起源的英雄史观之后，从多方面对美术的起源进行了有益的探索。
随着唯物史观在中国的传播，一部分进步的美术史家开始用马克思主义唯物史观对美术的起源进行分析，胡蛮就是其中的代表，1 9 3 4年他以。