中外科幻电影论文经典

《论传统电影特技手段和现代高科技影视特效手法之比较》科幻电影几乎与普通娱乐电影同步，发韧于19世纪与20世纪之交。1895年12月28日，法国电影制造商路易斯和奥古斯丁在巴黎举行首场电影演出，从而拉开了世界电影的帷幕。与此同时，科幻电影也诞生了，它借用加快镜头，转换速度定格摄影等电影特技，给观众造成视觉错位。然而，新生的科幻电影从题材到表演手法都相当简单、粗糙，场面过于紧凑，放映时间极短，内容也往往称不上严格意义上的科幻影片。正意义上的科幻电影始于20世纪之初。1902年，电影大师梅里斯推出了《月球之旅》。这部影片可称为史诗性的科幻电影，放映长达21分钟，大大超过了其它影片，内容也令观众眼花缭乱。威尔斯破天荒地幻想出居住在月球上的身上长有甲壳的土著，同样，梅里斯也破天荒地将外星人搬上银幕。凡尔纳则提供了那个向月球发射人的大炮的思路。为了这部科幻电影的鼻祖，他可谓是倾尽了所有。他在拍摄时使用的小窍门，甚至可以说是恶作剧几乎欺当时所有的观众。《月球之旅》被誉为科幻电影上的一座里程碑，自此以后，表现太空旅行的内容在许多科幻电影中层出不穷，经久不衰。（如下图）在1927年的《大都会》中的机器人玛莉娅应该算是科幻电影中最令人难忘的角色之一，导演弗里兹·朗使机器人玛莉娅完美的呈现在观众面前，即使80年后的今天，她依然是那么楚楚动人。机器人玛莉娅的创作过程一半是魔术、一半是技术。在玛莉娅躺在桌子上等待改变自己的本质时，神秘的液体泡泡在罐子里沸腾翻滚，电弧在玛莉娅周围翻飞，能量环围绕着玛莉娅上下游动……这一切的幻象直到玛莉娅变成肉身时才结束。这一段有关电流的特效是用金属铂片卷成圆圈，再利用置于摄影机的远近距离不同创造出或大或小的电力能量圈。 《大都会》中所呈现出来的城市景观仍然是科幻影片中的上呈之作。其中最能感染观众的就是影片表现人们忙碌生活的方式。从高空中向下俯视，一群群蚂蚁似的汽车和路人在街道上穿梭往来。这些特技效果都是由"舒弗坦处理方式"完成的，这是一种革命性的技法，将动态的影像与微观影像结合在一起，这可是一项非常辛苦的工作。这组镜头长度只有短短的十秒，可拍摄起来却要一格一格地完成。而这组40米长的电影胶片包含了大约2100格，结果拍摄整整花费了8天的时间……20世纪30年代的《透明人》，特效大师约约翰·P·富尔顿震惊了当时的观众，格里芬慢慢地拿掉他的眼镜，揭开蒙在他脸上的绷带，然后我们看到……什么都没有。为了能达到这样的特效，富尔顿在克劳德·雷恩斯的戏服里面放置了些不反光的黑色天鹅绒，然后在他的布景周围也放满了黑色天鹅绒。然后，他又使用了一组混合的拍摄方法，将这个被塞满绒毛的男人和一组正常的背景加在一起。之后，你只需将黑色的部分拿开，那就是了：一个完全透明的人出现了。在1935年的《科学怪人的新娘》中有一场标志性的演出：当布莱图瑞尔斯博士向亨利�弗兰克斯坦展示他的实验结果时，六个玻璃瓶子里装着被缩小的人：其中包括一个皇后，一个国王，一个大主教，一个恶棍，一个芭蕾舞女演员和一条美人鱼。约翰�弗尔顿（《隐形人》）运用了黑色的天鹅绒来完成这一幻想之作。演员们被安排在全方位的玻璃瓶子中表演，背景是一块黑色的天鹅绒，然后经过缜密的计算，这部分胶片会按照剧情需要的尺寸缩小，再跟剧中其他人物合成在一起。（如下图）1983的《录影带谋杀案》大卫·柯南伯格用他独特的手法创造了这部另类的惊悚影片，马克斯�瑞恩（詹姆斯�伍兹）幻想在他的腹部出现了一条可怕的裂口，这个神奇的裂口就是出自著名的特效师瑞克�贝克之手。他们将伍兹的其它的身体部分都藏在了一个有空隔的沙发当中，然后用一堆泡沫状的胶粘在他的胸前，在后面还要有一个起搏器，因为得让他看起来像是在“呼吸”。粘贴物与其真人身体保持45度，然后再将其粘在伍兹的胳膊上。他说。“我在这站了4个半小时，就等着他们把那些可恶的东西粘满我的全身。这真是我拍戏生活中最痛苦的一天。第四阶段的电影1996年的《独立日》，庞大的外星飞船蜂拥涌上地球的表面，不约而同地将各国的大城市盖了个严严实实，并在同一时间一齐向各自的目标发起可谓毁灭性的攻击。该片的特技效果几乎在当时引起了世界性的轰动，让影迷们足足过了一把CGI技术为电影所带来视觉震撼与强烈的感观冲击。在影片特效的拍摄过程中，最多曾使用9部摄像机同时开机，同时，制作精良的模型只有5英尺大小，而在经过了后期的特技处理之后，可谓完美的战争场面便活灵活现地呈现在了众多影迷们面前。（如下图）1997的《星河战队》的特效主要采用了微缩模型与CG技术混合使用的手法，尤其是在拍摄星际舰队在太空飞行的镜头中。巨大的登陆飞船从更加壮观的星际战舰上飞出的过程简直令所有的影迷和科幻迷们神魂颠倒。而罗杰实际制作的战舰模型最大的也只有18英尺长。深邃的太空背景和一些小型飞船则完全依靠CG技术来加以创作和完善。自从我们见识了《骇客帝国》两部续集中精彩的视觉特效，那些美妙的CG技术场面，原始版本的《骇客帝国》中那些曾让我们吃惊的特效就显得微不足道了。但《骇客帝国1》中还是有一段不能不提的经典的镜头，就是那个神奇的子弹特效场面。镜头不断地转动，从而360度地让我们观察了这段优美的慢动作。我们欣赏这段镜头，就认为这理所当然就该是这样的，但只有沃卓斯基兄弟知道这是怎样生成的。那是因为他们的想法是，"漫画书可以呈现许多漂亮的镜头，它可以让动作静止。我们的灵感就来自于此，慢镜头可以让动作场面看起来更有质感。所以我们就想出一个办法来达到这个效果，我们运用移动摄像机的方法，我们尝试以很慢的速度拍摄一个目标，然后以正常的速度移动摄像机来环绕它。一开始的时候，他们想出了一个大胆的主意。将小型的发射器绑在摄像机上，这样摄像机就可以以非常快的速度移动。但试验证明这个方法是行不通的，有摄像机在半途中突然爆炸。后来特效总监约翰�加塔提出了一个方案，就是在拍摄目标周围摆满一圈的摄像机，这能让摄像机连续地快速捕捉每个镜头，然后再对这些镜头进行处理。之前的特效几乎全部仿照电视广告，音乐录影带或其它电影中的方法，而这个特效不同。它不仅显示了它的独特魅力，也成就了《骇客帝国1》中最佳的特技时刻。我们从上面的影片分析中可以得出，电影中常用的特技手段有线子处理技术：用于去掉电影中飞檐走壁的演员们腰间系的绳子和各种线条。编辑可通过各种各样的按键，把绳子从画面上“半自动”处理掉，或手动编辑每个画面。变体技术 ：用于影像和动画片中的特效，通过天衣无缝的过渡，将一个图像变为另一个图像。这种技术多数情况下用于描写一个人通过魔术或高技术手段摇身变成另一个人的过程，或用于描写幻想或超现实主义情节。 电脑生成图像技术 ：电影中的巨大水柱和恐龙等都是利用这一技术进行再创造的形象。为拍摄《侏罗纪公园》（如右图）工作人员在电脑屏幕上制作出一头3米长的恐龙。绘制人员把绿色的非洲风景照片输入电脑，同时将恐龙的形象嵌入照片内，再模拟两架照相机的多次成像过程，把照片上仅有的一头恐龙变成10多头恐龙。 电脑特技除了能创造动物外，还能创造出虚拟人物。在拍摄《辛德勒名单》一片中，为表现成千上万的犹太人，导演只动用了100人就通过电脑特技复制出5万人的壮观场面。每个演员的形象在其中重复了几十次，而观众却难以辨别。 模型 ：不可能实际拍摄到的布景、建筑物、城市景观、宇宙飞船等可以做成微缩模型。在《角斗士》中（如下图）100名工程技术人员和200名工人，用了19个星期，重建了辉煌的古罗马城。其实建筑队只重建角斗场高达52英尺的第一层，其余部分是用电脑来合成的。 影像合成 ：由于数字技术的应用，影像合成质量不断提高，这使电影的表现力得到很大的提高。《阿甘正传》中，阿甘跟总统握手的场面是展示数字合成技术无限应用潜力的最好的例子。 特殊化装 ：从简单的老人化装到狼人，《拯救大兵瑞恩》，《星舰骑兵》等影片中的伤员和弥留之际的士兵都是用特殊化装手法来表现的。传统的特殊化装耗费很多时间和金钱，因为特殊化装用的材料价格高昂，而且熟练的专业化装人员也很少。 爆破效果 ：因火药的制作方法不同，火焰的形态和颜色也不同。炸药的安装位置和用量决定爆炸时场面的形态。因此这是相当依赖经验和理论的专业领域。 虚拟拍摄： 主要是对拍摄的真实场景进行加工，在电脑制图中用三维合成技术再造。《黑客帝国》在拍摄尼奥大战100个史密斯的段落时大量运用了这一技术。 现实特效 ：现实特殊效果是当某物不能真实出现在某处时设置的一个道具。炮火、下雨、刮风、爆炸等都能在电影工作室中由掌握特殊效果的人制作出来。回顾电影百年史，早期的移动影像在聪明人米埃兄弟手中演变成了最终的电影。并随着各种技术的不断融入。“电影特效”一词的随之诞生赐予了电影更多可以发掘之处。早期的电影特技使用一些常规的特技摄影的手法，除了快速摄影、慢速摄影、倒拍、停机再拍（画面多次暴光）。如今数字技术的发展，使电影特技的制作有了极大的飞跃。电子影像的形成、数字技术、计算机图形学的发展为数字特技奠定了基础，数字特技即利用计算机处理数字化后的音视频信号的方法，来实现视觉和听觉上的特殊效果。数字特殊效果通常简称特技，在影视作品中是指一些使用非常规拍摄方法而获得的一些特殊的视觉或听觉效果，例如：传统工艺中的光学特技、蓝屏摄影、红外摄影、模型摄影及各种摄影等。传统电影特技手段和现代高科技影视特效有很多的区别所在，所以就1933年的《金刚》和2005年的《金刚》做比较。1931年10月，雷电华投资的《金刚》正式开机，库伯和舍德萨克担任导演、制片，奥布莱恩负责视觉特效，来自加拿大的女星菲瑞出演女主角，这部惊世之作就这样投入了拍摄。尽管银幕上呈现的大猩猩“金刚”身高将近20英尺(约合6米)，但实际用于拍摄的微缩模型却只有18英寸(约合45厘米)高。在《金刚》中，无论金刚还是恐龙的主要镜头都由微缩模型完成，奥布莱恩采用定格摄影的方式拍摄特效场面———摄影机每拍一帧(电影胶片一般为每秒24帧)，都要让金刚和恐龙的模型轻微调整动作，以使最终成片达到流畅完整的放映效果。金刚的模型由金属骨架结构附着橡胶制作，身上的皮毛采用的是兔皮。除了微缩模型，奥布莱恩还设计制作了用于特写镜头的等比例的头部和手部模型，于是金刚手握女主角和吃人的镜头也就更加真实可信。为了节省开销，《金刚》剧组采用了《最危险游戏》的丛林布景以及《造物》的部分道具。在今天看来，1933年版的《金刚》尽管技术上已经明显落后，其创造性的剧情和强大想象力却依然叫人敬佩。（如下图）2005年的《金刚》半个多世纪以前的经典，在"魔幻大师"彼得·杰克逊手中再现了往日的光辉。八米多高的大黑猩猩与自己相当块头的三只史前巨龙那段精彩的打斗，无不令世人瞠目口呆。杰克逊在这当中除了运用自己最为擅长的CGI技术之外，精益求精的模型制作也展现了他对新老特效技术完美结合的深厚功力。还有危机四伏、阴森恐怖骷髅岛以及上个世纪三十年代的纽约街景的完美重现都要得益于日臻成熟的电脑特效技术。为了使场面更加好看，彼特·杰克逊在《金刚》中使用了大量的特技效果，如片中的上世纪30年代的纽约及骷髅岛都是特效人员用电脑特技制作出来的，而金刚在纽约城中横冲直撞的镜头中的那些行人也都是虚拟的。里面的金刚动作都是由人做出来然后使用动作捕捉器捕捉，这种动作捕捉器是利用红外线采集演员动作的。在《金刚》中，为了捕捉金刚的动作，动作捕捉器安置了52台摄象机捕捉动作，20台摄象机捕捉面部表情。（如下图）特技的范畴不只是图象也包括声音，在《金刚》中使用了计算机音频编辑设备，比如她可以把一种脚步声输入计算机，然后可以改变脚步声的声音特征，使它可以好象录下的是一种脚步声，然后转变为其他完全不同的声音。影特技是指影片摄制生产中采用的特殊技巧。通常包括特技摄影和特技美术两部分。在电影生产过程中，常会遇到一些难度大、成本费用惊人或危险性大以及难于在现实生活中拍摄到的一些镜头和景象。由于常规摄制技术难于完成，这就必须用特技方法来完成。现代电影特技创造了全新的镜头和紧张、惊险的氛围，可以使观众看得眼花缭乱、出神入化，达到身临其境的银幕效果。 特技摄影是电影特技中常用的手法。除了快速摄影、慢速摄影、倒拍等，还有停机再拍，画面上就会产生产生物体突然消失或出现的效果。画面的多次局面曝光或称为邻域式多次曝光。同一画面的多次曝光可以产生一个画面叠印在另一个画面上的效果，常用于梦幻、回忆、想象等。 特技模型是指用模型来代替实物的特技方法。模型一般均比实物小。模型制作应严格注意比例尺寸和表面质感。 绘画合成法也称“绘画接景”，是电影特技的常用手法。它运用透视的原理把绘画和实景衔接在一起构成完整的合成画面。 电子蓝屏幕拍摄是一种电子控制的特技拍摄方法。它由前景的摄像车和背景的摄像机组成一个伺服控制系统。随着电子技术的加速发展，电子模拟摄影法、数字特技法等运用计算机进行运算并编制程序。进行校正和录制的先进电子特技已广泛应用于电影电视片中。这必将开辟一个电子特技和传统特技相结合的崭新局面。

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近年来，好莱坞电影是世界电影史上的一座里程碑，实现了运营与艺术成就方面的完美结合。下文是我为大家蒐集整理的关于好莱坞电影论文范文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!

论好莱坞电影的美术风格

[摘 要] 纵观美国电影美术的发展，主要是以好莱坞电影的诞生作为分界点。好莱坞电影无疑是世界电影关注的焦点，在当代影视领域中独领 *** 。从好莱坞电影美术风格的变化发展来看，其具有三个鲜明的发展阶段，即兴起、黄金时期以及现代电影美术三个阶段。本文聚焦于好莱坞电影的美术风格，分别例举出不同时期的优秀好莱坞电影作品，通过对电影场景、制作技术、表现形式等方面进行分析，并从不同的视角总结出好莱坞电影的美术风格。

[关键词] 好莱坞电影;美术风格;电影美术

美国好莱坞电影自诞生以来就成为引领世界电影潮流的先锋军，在当代影坛中占据霸主的地位。从好莱坞电影的美术制作来分析，它的美术风格并不能完全掌握，无论是经由影片公司制作的还是独立制片的电影，都因为电影题材的丰富性和多样性而不断形成了现今电影美术的发展态势，即具有变化性、饱满的想象思维以及震撼人心的视觉效果。因此，且不论好莱坞电影的投资成本，其独树一帜的电影美术创作风格也是值得我们学习的重点。

一、超级场面创造的大片风格

好莱坞电影的美术风格首先表现在具有巨集伟场面的大片风格，把人物造型、动作及其堪称完美的音画效果结合在一起，引领观众体验到一次又一次的视觉盛宴。例如在1916年由大卫・格里菲斯拍摄的好莱坞电影《党同伐异》中就展现出大片级别的美术风格，影片把同一时期的构筑式布景展现得淋漓尽致，并邀请了著名的雕塑家弗兰克・渥特曼主要负责影片的美术设计工作。相信看过这部影片的观众一定不会忘记镜头画面中呈现出来的精彩绝伦的视觉艺术，包括恢弘的场景、别具一格的建筑、富有形态感的造型设计、望不到尽头的广场、密集的人物运动，影片中包含的这些美术元素无疑使其成为视觉艺术的一大奇观。再者，影片中刻画的“巴比伦宫”，这一建筑的规模可谓是令人惊叹，在广大观众心中留下了深刻的印象，这一建筑也成为空前绝后的美术场景。因此，电影《党同伐异》也在很大程度上引领了好莱坞电影场景造型的大片风格，具有里程碑式的意义。这一型别的电影作品往往以视觉冲击作为主打，电影场景具有恢弘的气势，犹如排山倒海的气魄，使电影场面形成一个巨大的美术造型，可容纳多人的运动，影片所营造出来的美术风格无疑是极尽奢华的。在此之后的好莱坞电影纷纷把《党同伐异》作为电影创作的典范，这种大片风格也逐渐得到了发扬和继承，特别是当代创作出来的好莱坞电影，一些具有深远影响力的影片无不具有大片风格和超级场面。

二、制片公司所属的风格与装饰风格

同一型别的电影作品在视觉上产生了不一样的艺术效果主要归因于来自于不同的出处。在好莱坞电影美术的发展历程中，曾经一度出现了以片厂公司作为辨别的系统，并通过美术设计师与导演等人一同商议，决定影片的美术场景、服装以及风格。而电影的装饰风格则在查尔斯・霍尔等人所属的影片公司得到了体现，他们往往通过不同的装饰让整个场景空间产生不同的视觉感受，并营造出不同的美术风格，这就直接促使影片的外在材质存在明显的区别。美国著名的美术指导汉斯・德赖尔原先从事于德国的制片厂，所以不难理解他的电影创作中存在显著的简练风格，这是欧洲人独有的风格，同时他还擅长于营造出富有浪漫、美轮美奂的美术场景，惯用较为奢华的装置场景，正是由于汉斯・德赖尔个人的审美风格，才逐渐地促使派拉蒙公司的影像风格形成。

另一个声名鹊起的制片公司当属环球电影公司，主要是由赫尔曼・罗斯以及查尔斯・霍尔共同营造出较为阴沉和抑郁的美术风格。几乎每一个制片厂制作的电影作品都可以从环境中抽取典型的装饰风格，并且他们的创作调性也能展现出具有不同审美艺术的生活质感，凸显出场景的基调，彰显出制片公司所具备的装饰风格。在好莱坞电影的制作中，偏向于质朴感的现实主义风格是华纳兄弟公司特有的视觉感受，这一风格有赖于安东・格格特的塑造。在20世纪享誉全球的福克斯电影公司的美术风格则是由威廉・达林等人共同确定的，他们分别通过不同的形式来塑造富有特色并符合本公司特征的美术风格。于1928年成立的雷电华电影公司是好莱坞黄金时期的电影公司之一，当时是由范内斯特等人作为主要负责人，并成功塑造了罗杰斯的音乐片，1941年的好莱坞电影《公民凯恩》就凸显出这种装饰风格。

三、数字技术与电影美术结合创造的视觉风格

一般来说，传统的电影特技制作手段对好莱坞电影的风格并没有多大的影响，严格说它只是一种电影创作的手段，并呈现出现实无法完成的镜头画面，但因为受到创作工具、技巧等方面的制约，还无法展现出立体的、富有动感的影视画面，这一点从早期创作的电影作品《宾虚》等就能窥探一二。随着数字时代的到来，好莱坞电影的创作也实现了质的突变，之所以当代好莱坞电影能在广大观众的心里占据一定的地位，还在于其具有质量的保证，具体表现在富有美式特征的多样性场景、跌宕起伏的情节设定以及精良的特技效果。

好莱坞电影伴随着计算机技术的日趋成熟，“数字特技”对电影的影像语言产生了突出的影响，并在一定程度上弥补了传统特性的艺术表现力的不足问题，从而实现了完美视觉效果的呈现，使电影特技的艺术手法演绎得淋漓尽致。以1977年拍摄的好莱坞电影《星球大战》为例，其首先开启了工业光影魔幻的数字技术。及至1992年，由詹姆斯・卡梅隆等人共同创办的数字公司成立，标志着数字技术与好莱坞电影实现了完美的结合，并走向了电影创作的高峰时期，成功为电影艺术开启了全新的视觉享受。随着好莱坞电影《侏罗纪公园》的诞生，这一部影片被公认为现代技术的奇迹，著名导演斯皮尔伯格倾注了自己对数字技术的热情和智慧，为观众展现出一个跨越一亿四千万年的恐龙时代，让存留在广大观众心中的梦想回归到现实。

在此之后的好莱坞电影，例如1994年拍摄的电影《真实的谎言》、1997年的《泰坦尼克号》等经典影片无疑不是数字技术和电影美术风格完美结合的例证。尤其是在2009年，由詹姆斯・卡梅隆执导的立体电影《阿凡达》更是创造了数字技术的一大奇观，充分地展现出现代化的视觉风格;2010年由克里斯托弗・诺兰拍摄的科幻大片《盗梦空间》，再一次给观众带来了视觉艺术的惊喜，引领观众穿梭在梦境与现实之间，可谓是完美的视觉盛宴。这些好莱坞电影的创作手段几乎改变了电影艺术的发展态势，实现了从传统介面上升到全新材质的电影制作，在这其中最突出的成就还在于视觉层面的提升，就如同美国视效专家比尔・乔治所认同的，电影今后的发展就是数字技术。当前，影视领域已经迈向了数字时代，数字技术必将完善好莱坞电影的制作，尽显好莱坞电影视觉风格。随着数字技术不断革新和发展，对于影视领域来说无疑是一次巨大的飞跃，它把莱坞电影的视觉风格演绎得淋漓尽致，为其今后的发展开拓了全新的技术领域。

四、混合式现代风格

好莱坞电影的美术风格随着时代潮流的变化也会发生相应的转变，但是要恰当地评价其具体的风格是一件难以把握的事情，虽然当前好莱坞电影的美学特征都是通过形象片展现出来的，然而透过这些形象所展现出来的美术风格，就如同好莱坞电影本身一样，并没有生成固定的创作模式，所以都是一种宽泛的外在介面。当前，随着新媒体一度成为决定电影美术走向的因素之一，追求创新和现代化的创作理念促使电影的表现形式走向了边缘化的趋势。同时，视觉理论以及西方哲学思想也在不同程度上导致好莱坞电影的美术风格发生突变，当代好莱坞电影美术已经展现出多样化的创作，并积极打破了传统的介面，影片的表现方式不尽相同。

事实上，从好莱坞电影诞生之初至今，极少出现单一化的电影美术风格，即使是写实主义等型别的电影美术风格也并不是以单一的风格为主，创作者时常在主体风格中融入其他的电影元素，但不会影响影片的整体美术风格，因为在大多数的美术场景中都紧密地切合主体风格，并采用多种不同的表现手法。例如2005年上映的好莱坞电影《美国怪谈》，导演把故事背景切入到现实空间，但是影片中出现了许多梦境的画面就是采用了超现实的手法来展现出强烈的视觉效果。而其他的好莱坞电影，如2000年上映的《入侵脑细胞》、2005年的《罪恶之城》等都是沿用了相同的影像表现手法，在这一型别的电影中最为鲜明的美术风格则是混合式表现风格，例如基努・里维斯的代表作品《黑客帝国》系列就综合了多种表现形式，把东西方的功夫片、童话、漫画、科幻片等元素都交融在一起，凸显出混合式的表现风格。

另外一部好莱坞电影《闪灵侠》于2008年上映，这部影片的创作也运用了多种语言风格，包括现实与超现实的元素，同时也备受后现代主义文化的薰染，这些元素都在影片中得到了具体的表现，展现出一种混合式的现代美术风格。好莱坞电影《闪灵侠》还着重凸显出具有美国式黑 *** 的美术风格，影片中采用了平面原理，雕塑、动画等电影元素得到了最大化的利用，在电影的创作中并不局限于单一的形式，无论是视觉形象还是表现方式都实现了多元化的发展。混合式美术风格的诞生与数字技术的发展息息相关，并与新媒体艺术相互作用，成为好莱坞电影创作中的主导美术风格。

五、结 语

总之，好莱坞电影美术本身就是一个繁杂而又庞大的体系，如果纯粹从表层含义来分析是很难把握其本质的，但通过列举出不同时期内的好莱坞电影作品及其表现形式，无疑让我们对好莱坞电影美术风格有了大概的了解。本文分别从不同的视角来概括出当代好莱坞电影的美术风格，这些观点或者是经由考察，或者是个人的主观看法，不可否认对问题的探析存在认知上的限制。但以发展的眼光看待好莱坞电影，其电影美术必将与影视作品一样还会延伸出更多富有创新性的美国风格，要真正地把握好莱坞电影的美术风格就应对其不断认识和探究，才能把握住好莱坞电影美术的发展取向和风格。通过对好莱坞电影的美术风格进行分析，也可以警醒我国的影视工作者也应注重艺术的创新，对我国影视领域的发展具有学习的意义。

[参考文献]

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[4] 胡佳佳.中国电影中美术设计元素探析[J].电影文学，201206.

谈好莱坞宗教电影与文字之间的关系

【摘 要】电影《埃及王子》以《圣经・出埃及记》为基础，对一个耳熟能详的宗教故事进行了好莱坞式的改编。电影《出埃及记》表现出现实主义的基调，彰显著人的精神，凸显著娱乐性。而文字的《出埃及记》则表现出宗教的基调，强调了神的威严，体现出神的不可侵犯性。这两者是各有取舍，但是并不妨碍两者之间的相互促进。

【关键词】出埃及记;埃及王子;现实主义;神本主义;好莱坞影像

电影是一门综合艺术，它同经济、政治、宗教、科技有着空前密切的联络，而电影对其他艺术种类的吸收容纳更是它快速发展的力量之源。而以语言为载体的文学作为一种成熟发达的艺术种类，在人类社会发展的开始阶段就承载着记录历史的变迁、文明发展的重任。年轻的电影对古老文学的汲取是水到渠成的事情，可以说电影以文学为根基，用影像来表达自己的存在方式。但是电影并不拘泥于对原著绝对忠实的改编，而是根据视觉艺术的特点，呈现出自由选择的状态，其落脚点注重的是电影的“影像本质”的展现，也就是展现出来的画面是否好看的问题。电影《埃及王子》和文字《出埃及记》之间由于各自的特征不同，导致各自呈现出不同的取向。

一、电影的现实主义基调，文字的宗教基调

麦特白指出：“虽然好莱坞为观众逃避现实生活提供了承诺，但它却始终保持了社会的惯例，在情节和主题中，仍然描述了一种我们可加以辨识的社会状况。”现实主义的基调一直是好莱坞电影的主调。吴贻弓以“现实主义依然是不可取代的”为题，认为“美国电影是非常现实主义的，虽然有各种各样的美学形式，根本上说是现实主义的，否则不会调动全世界的观众。”关注现实的人的生活，才能在票房上大获全胜。蓝爱国认为“好莱坞电影奇观思维和梦幻逻辑的底层结构原则仍始终是大众现实的生存状态。”好莱坞电影经常探讨的是与日常生活密切相关的主题，如事业、爱情、家庭、社会问题等，这些问题都是生命在现实中每天要面对的诸多事情，反映出电影对人生的思索。

基本上来说，电影《埃及王子》只是借用《圣经・出埃及记》中为大家所熟知的人物和大致的情节，凭借著书中描写的寥寥几段话，通过电影的虚设，成就电影版的《埃及王子》。电影着重渲染的摩西的爱情和事业。电影的前半部份都定格在摩西的成长和爱情的收获上，摩西的事业是伴随着他的成长而进行的。摩西作为神的代言，替神来完成拯救大众的使命，影片呈现出一幅幅现实主义的画面。从总体上来看，电影讲述的是一个人间英雄的故事，我们处处看到是作为一个人的英雄事迹，其间经历很多的磨难，而不是仅仅依仗神的威力。电影只讲述了文字《出埃及记》前半部分的故事，对后半部分就没有提及。好莱坞版本《埃及王子》在摩西带领以色列人逃出埃及法老的残酷统治，奔向幸福之地中就结束了，英雄在救美与救世中成就了自己，成就了好莱坞的英雄主义情结，强调了反抗压迫，追求自由的美国精神。

《圣经》文字重在描写耶和华的威力和对民众的恩惠。文字的重点在对耶和华神威的展示上，在“神召唤摩西”和“神赐摩西行神迹的权能”中，摩西见识了神的法力无边，然后神让摩西去代替他拯救自己的子民。摩西按照神的指示，见法老请求让以色列人离开埃及，去寻找自己的幸福。但是法老不肯，文字中就描写神的雷霆之怒，降下十灾，即血灾、蛙灾、蝨灾、蝇灾、畜疫之灾、疮灾、雹灾、蝗灾、黑暗之灾、击杀长子的警告，最后到埃及头生的被杀，都在着重描述神的奇迹。过红海的时候，神在海中劈出一条生路让以色列人避开埃及人的追杀，同时又把埃及人全部淹死。耶和华的力量让以色列人顶礼膜拜，这在文字的4到14章中重点描述，显示出神强大的威力。摩西作为一个人，在文字中成为神的傀儡，摩西所有的力量都来自这个无所不在的神，而且处处要显示出神的威严和神的不容怀疑。文字的长度分为40章，在15到40章中，描写了旷野的旅程、在西奈立约、有关崇拜以及会幕的指示、盟约的破坏与重定、建造会幕的事情，都在渲染宗教的气氛。

二、电影的娱乐性 文字的神圣性

在克罗齐“一切历史都是当代史”的经典阐释中，道出了好莱坞电影人的智慧。他们总是能让任何电影去适合当代人的当下口味，以美国当代的文化价值去演绎一个千古的圣经传奇，既能体现出人文精神，又能和商业元素结合。基督教和大众娱乐的结合能否“使自己免于臣服于文化时尚”而保持自身的神圣性也不得而知。当今的时代技术发展迅速，而且多元文化流行的时代，宗教的神圣性到底在多大程度上能被在影像中表现出来，的确是一件很困难的事情，世俗的娱乐性与宗教的神圣性毕竟还是有所冲突的。文字充满了宗教的严肃性，在文字中，绝对禁止任何对神不敬的行为，连神的形象都是不容许被塑造出来，否则会被降以灾难。神没有形象，不容许凡人亵渎。文字处处都在加强这种神圣感，而不允许有任何的懈怠。因此，圣经中的人的自由与权利不是与生俱来的，要听命于上帝的意志。这些权利来自上帝的赐予，以上帝所启示的律法为标准。人要爱神，因为神就是真理，不容有半点的怀疑。而且要与上帝建立正确的关系还有一点就是人类要彼此相爱，建立一种和谐相处的根基。只有这样，神对人的拯救才能最终获得成功，而文字的神圣性也在救赎之中体现出来。

这部电影可以说是圣经故事与当代美国流行元素的拼贴。电影的娱乐性主要提供视听 *** ，在乎视觉和听觉的享受。同时在情感层次上，提供满足人 *** 望的内容，讲究的是以情动人。好莱坞电影惯于营造美国梦想和精神，对和平、自由的向往与追求成为寓教于乐最好的诠释。再者动画片用科技的手段将现实中不可能出现的场面绘制出来，比如水变成血水，红海中出现的路，电影用自己的魔术效应，让我们的视觉感官得到强烈的冲击。摩西分开红海那一段，虽然只有7分钟，但是由16画师花上3年心血，经历318000个电脑制作小时完成。这是动画中首次出现超高真实度的水，给观众强烈的视觉冲击力。观众不厌其烦地选择相同的型别电影，除了满足自己期待视野不会落空外，更深层的原因是在熟悉的影像空间中去寻找视觉娱乐。在视觉和听觉的双重娱乐下，消解了宗教带来的压迫感。

三、文字与影像传播的互动性

尽管文字和影像这两者是有矛盾的，但并不妨碍两者之间的相互促进。电影依然要忠实于文字最核心的内容与框架，尤其是面对一些经典文字，更是慎重。如果改编太背离原著文字，会引来很多指责和批评。影象的优点是生动形象，资讯量大，但是影象浅显易懂，直白解说，理解的难度很大程度上降低，缺乏审美上的想象力，观众只需被动接受就可以了，一些研究大众媒体的人对此是有着清楚的认识的。人面对文字是要主动思索，进行想象虚构的难度，这种阅读的乐趣就在陌生化的语言中得到延伸。历史上，影象总是处于被歧视的地位。在《理想国》中，柏拉图著名的“三张床”理论就把影象看做最低阶的摹本。在《圣经・出埃及记》中，人们要给神塑造形象，把神塑造成一只金牛犊的样子，结果引来了神的愤怒，给民众带来了灾难。同样，在把文字改编成电影的时候，很多人对影像的制作也是颇有微词的，因为影像抹杀了人的想象力。但是在日常生活中，影象的传播已经无处不在，而且还作为一种不可或缺的力量促成了人的现实活动。

四、结语

如此看来，影像和文字之间的不同是基于各自不同的价值取向，和各自不同的艺术门类的特点来规定的。每一个艺术门类的都有自己各自的特点，每一个艺术门类想要去和别的艺术门类相关联，都首先应该考虑的是自己的特征问题。文字以语言取胜，电影以画面取胜，电影对文学作品的改编，一切都源自于对自身完美的追求，采取一种“拿来主义”的原则。好的影像传播不会丢弃文字的人文情怀的核心价值，而好的文字也力图通过语言来展现自己的价值所在。

参考文献

[1] [美]理查德・麦特白著.好莱坞电影[M].华夏出版社， 2005.

[2] 吴贻弓.现实主义依然是不可取代的[N].社会科学报， 2006-6-1.

[3] 郝一匡等译.好莱坞大师谈艺录[M].中国电影出版社， 1998.

[4] 麦格拉斯Alister McGrath著，董江阳译.福音派与基督教的未来[M].北京：中央编译出版社，2005.