竹笛的训练与演奏技巧对音准的影响
音准是乐器学习者最感棘手的问题之一。因受竹笛本身结构、演奏者个人听觉或练习方法等因素的影响,所以,在竹笛演奏时音准成为较难解决的问题,通过科学(教学案例,试卷,课件,教案)有效的训练方法,可以把竹笛的音准解决好。下面是我为大家带来的关于竹笛的训练与演奏技巧对音准的影响的知识,欢迎阅读。
一、发声原理
要解决竹笛的音准问题,首先要了解竹笛的发声原理,从中找到影响竹笛音准的几个因素。
笛子的笛身一般为竹制,用浙江余杭一带的白竹,江西、安徽一带的紫竹做的笛子音色为上品。白竹做的笛子发音清晰、明快;紫竹做的笛子发音柔和、圆润。但并非所有的白竹或紫竹都能做出好的笛子,选料的好坏也直接关系到竹笛的音准。笛子属于木管乐器家族中的吹孔膜鸣乐器类。笛膜(演奏时贴于膜孔处的一个小薄片)一般用嫩芦苇杆中的内膜制成。它是典型的中国民族乐器,表现力十分丰富,可演奏出连音断音、颤音和滑音等色彩性音符;还可以表达不同的情绪;无论演奏舒缓、平和的旋律,还是演奏急促、跳跃的旋律,其独到之处都可从中领略。此外,笛子还擅长模仿大自然中的各种声音,把听众带入鸟语花香或高山流水的意境之中。
笛子的发声是靠吹奏者呼出的气流与吹孔的边棱相碰撞而发出声音的。具体的说就是演奏者通过风门将气流呼出,呼出的气流撞击吹孔前沿壁被边棱分成向内、向外二股气流。气流50%进入笛内,另外50%在笛外,这样笛子就会发出"基音"。演奏者呼出气流的粗细、快慢,以及气流与笛子吹孔的角度,直接影响笛腔内空气柱长短粗细的变化,也就是说直接影响竹笛发音的音度变化。由此可见,调整气流的速度以及气流的角度,是纠正竹笛音准误差的主要手段。根据这一物理(教学案例,试卷,课件,教案)现象,我们从气息的流向、流速、宽度等方面,做出准确要求,就能解决竹笛的音准问题。掌握了竹笛的发声原理,就找到了竹笛音准变化的根本原因。
二、树立音准观念,提高听辨能力
我们在进行练习或演奏当中,一定要有正确的音准概念,这样才能对所演奏的音高做以判断,并进行调整。 这就要求我们必须加强听觉训练。在练习过程中,耳朵要始终监听着你所练习的内容,用耳朵评判什么是好的,什么是不好的。可以把耳朵当作自己的`老师,对练习中的所有表现进行评判。在这一方面的练习中我们应该注意以下几点:
1. 不要一吹起笛子只顾练习乐曲或某种技巧,结果把音准抛得老远,或者干脆不去想音准。在吹奏之前,心理要有一个你所发出音的音准概念(音质、音品)。声音发出后,耳朵要立即鉴别发出的客观音高是否与主观预想的音高一致,如果觉得有差距,甚至差距很大,这时应马上调整直到理想为止。
2. 莫要只顾指法而不管音准。很多竹笛演奏者认为,只要指法正确,音准绝不成问题。竹笛本身构造有它的缺陷,就拿同一个调的笛子来说,在构造上,每支笛子的长短粗细,音孔的大小和孔距并不完全一样,吹奏出来的音并不一定每个都是完全精确的。比如用C调笛子吹奏小字2组升F和B这两个音时,我们指法正确,但实际演奏出来的音往往比标准的音高要低。所以说不要认为指法正确音准就正确,还需要用耳朵去听辨音准,并做出调整。
3. 不要只顾音色而忽视对音准的控制。音色固然很重要,需要花费大量的时间进行基本功练习,但在练习的过程中,音的准确度是前提,不要忘了好听的音色里包含有音准的因素。如果一味追求音色,而没有音准做保证的话,那音乐就无从表达了。
4. 在乐队当中一般是多个声部一起演奏,由于每个演奏者的吹法和控制力并不完全相同,要保持多声部演奏的音准都十分准确就更不容易了。这就要求我们一定要树立良好的音准观念,在演奏当中,不要只顾自己不顾他人,要同时监听自己和他人的音准,时刻作出调整,使声音相互和谐相互"抱团儿"。这样,多个声部在一起演奏时,音准才能相对准确。
三、进行正确的技术练习
我们由竹笛的发声原理了解到了气息的流速、流向、气息宽度等方面是影响竹笛音准的几个因素。由此可见,我们在练习当中对气流速度的控制和气流角度的调整是纠正音准误差的主要手段,这也是以技术解决竹笛演奏中音准问题的关键所在。因此在这方面我们要做出科学(教学案例,试卷,课件,教案)的、反复的练习。
1. 气流速度控制的练习
气流的速度有缓急之分,缓则音高会降低,急则音高会上升,为了达到笛子的音准和追求最佳的音色,在吹奏低音时,气流的速度应徐缓,音越低气流越缓;在吹中、高音时,气流的速度则需逐渐趋急,音越高气越急。从低音吹到高音时,要加大力度和加快气流速度,从高音下到低音时,气流的速度也要自然地缓下来。如果吹奏跳进型的从低音到高音或从高音到低音,则相对不容易控制。如果不迅速做出反应和调整流速,那音准就会出现高低不一的情况了。而有些演奏者不注意气流的控制与调整,在吹奏低音和高音时气流速度一成不变,或者在吹奏跳进音程时气流速度来不及调整,而这样演奏都会出现音准问题。因此,我们在练习中,一方面要进行从低音到高音,从高音到低音的长音练习和音阶练习,使每个音的流速都能做到心中有数。另一方面,要有意识地多进行高低八度等跳进音程的练习,以训练迅速调整气流速度的实际能力。这样,久而久之就能较好地把握对每个音的气流速度控制,从而对音准有所把握。
2. 调整气流角度的练习
气流的角度是指演奏者的风门与吹孔夹角的角度。气流的角度扩大音准易偏高,角度缩小音准易偏低。因此我们可以通过练习调整气流角度的方法来控制竹笛的音准。
在吹奏强音或渐强的音时,要求气量逐渐加大,气速逐渐加快。假设气流角度不做任何变化,此时渐强的音容易偏高。我们可以通过逐渐向内转动笛子吹孔的方法,寻找相对缩小气流角度的位置,以此把握强音或渐强音的音准。在吹奏弱音或渐弱的音时,要求气量逐渐减小,气速逐渐减慢。假设气流角度不做任何变化,此时渐弱的音容易偏低,我们可以通过逐渐向外转动笛子吹孔的方法,寻找相对扩大气流角度的位置,以此把握弱音或渐弱音的音准。而有的演奏者
在演奏中不能及时调整或者不会调整气流角度,这样演奏自然就会出现音准问题了,所以我们在这一方面要多加练习。
我们在实际练习当中要把气流速度的控制与气流角度的调整,以及风门的调整结合起来练习,使之互相协调,紧密配合。多进行从弱到渐强再到渐弱的长音练习。在练习当中要做到在吹奏渐弱音时,气流量减少,流速渐缓,风门渐小,气流的角度逐渐增大;在吹奏渐强音时气流量渐大,流速渐快,风门渐大,气流的角度逐渐缩小。只有按这样的方法练习,方可使竹笛的音色音准都得以保证。要在实际演奏当中运用自如,真正做到强音不高不噪,弱音不低不虚,还要下一番功夫,进行长时间的练习。
3. 手指配合控制音准
我们前面提到竹笛本身构造有它的缺陷,有的音即使进行气息的控制,有时音准还是有偏差,这时我们就需要手指的配合或改变原有的指法来控制音准。比如说用C调竹笛演奏小字2组B这个音,在正常吹奏下,此音会偏低。因为在笛子制造时,如果此音调整准确的话,而降B这个音就无法准确奏出,所以要兼顾这两个音的音准,在制笛时就得把B音调的略低。在吹奏当中,我们可以通过加强气流,加快流速和增大气流角度来控制此音,但音准有时还会偏低。这时我们可以将右手第三指稍抬起一点(右持笛者),以此来控制,求得相对标准的音准。再比如说用C调竹笛演奏小字3组升F这个音,以前传统的演奏指法是六个手指全打开,用这个指法演奏时,无论我们怎样加以气息控制,吹奏出来的这个音往往还是偏低。如果在这个音上要进行弱奏的话,音准就更容易偏低了,而且音色也不好。因此,我们就需要改变以前的指法,用更为科学(教学案例,试卷,课件,教案)的指法来演奏此音。其新指法是全按第三、第四孔,第二孔按半孔,其他手指全打开。这个指法是我的专业老师沈阳音乐学院孔庆山教授在进行竹笛十二半音演奏与教学的研究当中,所独创的一个指法。这个指法的科学(教学案例,试卷,课件,教案)性在于,不但吹奏出来的声音明亮,而且音准容易控制。它的音准可调性很大,因为第二孔是按半孔,所以可用第二指来加以控制音准。这样,无论演奏强音还是弱音,音准就都能控制自如了。
长笛演奏的技巧研究论文【1】
摘要:在乐器演奏中,竹笛是我国最古老民族乐嚣,具有深厚的民族传统意义。
长笛是一种音色优美动听而异常迷人的乐器,音域宽广,有较强的穿透力和丰富的表现力。
竹笛和长笛虽都属吹奏乐器,但他们的演奏技巧却各不相同。
关键词:竹笛;长笛:演奏技巧
一、竹笛的特点
竹笛的历史可以追溯到远古时代的“股哨”,经过长期的演变,发展为现在的竹笛。
竹笛历史悠久具有深厚的民族传统意义。
竹笛多年来以其“穿云裂石”之音和悠远的神韵,一直深受广大群众的喜爱。
但竹笛在很长的时期中一直处于伴奏乐器的地位,直到解放后,竹笛大师冯子存首次将独奏曲《放风筝》《喜相逢》通过舞台展现给全国观众,轰动全国。
从此后,竹笛改变了伴奏乐器的地位,以崭新的姿态屹立于音乐舞台。
二、长笛的特点
长笛是一种音色异常优美动听的乐器。
长笛音域宽广,穿透力强,表现力丰富,适合以独奏的形式表现音乐的丰富内涵。
同时长笛在交响乐和管乐队中也是十分重要的组成部分。
长笛与竹笛一样历史悠久,其发展既继承了传统乐器音色悠扬的特点,又具有其独特的时代性。
几百年以来长笛从木、金、到银;由孔到键,由单管到多节,由原来只能吹几个单音到现在交响乐团最妩媚的娇娇者。
长笛音色独特,其音色在低音区浑厚、朦胧,中音区清澈、抒情、柔和,高音区光辉、明亮、穿透力强,是当之无愧的木管乐之冠。
三、竹笛和长笛虽都属吹奏乐器,但他们的演奏技巧却各不相同。
竹笛的演奏技巧
传统的竹笛一般只有六个音孔,低音大笛也只有七孔,除了竹笛设计中原有的半音以外,乐曲演奏中的半音、转调主要是依靠演奏演员的演奏技巧和演奏经验,通过半孔按法及叉口指法来完成、这对于演奏人员的演奏水平和音准控制都有很高的要求。
在演奏过程中,演奏员怎样实现半音及转调,需要依靠演奏人员的经验。
具体使用手指的什么部位来实现半音及转调,不仅要根据音乐旋律的要求,还必须结合演奏人员自身的条件来决定。
竹笛第一、四孔的半音,一般用无名指按半孔或用指肚按上半孔;第二、五孔的半音,多用中指第二关节按里半孔,比如小工调(简音作5)中音“4”的半音演奏有两种方法:1.用食指按住第六孔的外半孔或上半孔。
2,打开第三、六孔,其它四孔全闭;小工调的高音“4”除了用食指按半孔外,还有两种交叉指法:1.开四、六孔,闭一、二、三、五孔,2.开一只也,闭其它四孔。
后一种指法音准偏高,需用第一孔的无名指在音孔边缘盖一点,加上风口控制,才能使音高准确。
竹笛在演奏时,手指按孔的面积大小,与手指的启孔距离远近,均以音准为准,通过手指与气流角度的互切面给,以及演奏者的主观听觉来共同完成,努力做到半音的演奏音准稳定、准确,无滑音痕迹。
五、长笛的演奏技巧
长笛是所有的管乐中对气息要求最为严格的乐器,长笛的演奏基本上都是依靠气息的转变来控制,气息对于长笛正如运弓对于小提琴般重要,气息的长短、强弱、收放自如与否直接关系到演奏的效果。
气息对于长笛的演奏重要是因为在演奏中演奏者的相当一部分的气息会直接吹出长笛的管外,这部分气息控制在什么范围内能达到最佳的演奏效果需要依靠的不仅仅是理论上的学习,更为倚重的是实践中的经验。
长笛演奏中正确的呼吸方式一般是胸腹式的呼吸方法。
这种呼吸法符合人类生理构造的正确的呼吸方法,可以保证演奏者呼吸的饱满、自如,这种呼吸方法为演奏者演奏技巧的展现提供了可靠的保证。
长笛的演奏不仅需要学会正确的呼吸方法,还应该掌握正确的口型。
长笛演奏中的口型要求:上唇自然下包,上唇贴紧下牙,轻轻向两边拉开,呈现微笑姿势,上下唇中间呈枣核形。
长笛演奏被称为术管乐之冠,对演奏技巧要求最为严格,不仅需要正确的呼吸方式和吹奏口型,还需要掌握准确的演奏指法,手指击健要灵活、流畅、手不能抬得过高,采用双吐演奏法。
总之,在乐曲中的演奏过程中不仅要靠手部的动作,更应该让大脑参与到手部的动作中,不能仅仅的按照教材上手部变化要求来演奏,而应该通过聆听、锻炼总结适合自己的演奏指法和演奏习惯,形成自己独特的演奏特色,在保证演奏中指法准确、音调优美的同时把握并充分的展现乐曲的悠远意境和悠扬的风格,使乐曲不仅入耳声美,还能营造引人入胜的如画意境。
长笛演奏技巧与音色探索【2】
摘要:演奏技巧是长笛演奏的基本条件,其水平的高低直接影响到作品的音色和音乐表现。
要使音乐作品表现得更具感染力,必须提高完善演奏技巧。
只有熟练地掌握长笛的演奏技巧,才能使作品更加具有歌唱性,音色柔美,音质更为统一,使音乐作品的思想感情和深刻内涵更加深入人心。
关键词:长笛演奏技巧音色音乐表现
一、长笛介绍
长笛是世界上管弦乐乐团、管乐队通用的重要乐器。
长笛分为:C调长笛、G调长笛、低音长笛、短笛,C调长笛是使用最为广泛的。
长笛音色柔美清澈,音域宽广;中、高音区明朗,低音区婉约、透明,它擅长乐曲的华彩部分,技巧华丽、变化多样,既能演奏明亮而欢快的旋律,又能演奏忧郁的旋律,是木管乐器中演奏最灵活的一种。
它在乐队中常担任主要旋律,是不可缺少的独奏乐器。
二、长笛的演奏技巧
(一)演奏口型
口型是长笛发音的先决条件,口型控制好了,才能吹出来声音,才能奏出纯美的音色,控制好口型才能尽量减少漏气,最大限度地发挥自身气息能量的效应。
下唇贴紧上牙,上唇放松,嘴角呈微笑状,轻轻向两边拉,上下唇间形成一个小孔,发音时一边吹一边调整角度。
掌握好的口型就是能将气息集中地进入到乐器中,发出清澈、流畅的音色。
(二)手型与指法
手型和指法是演奏技巧的基础。
手腕与手臂要保持直立,不能弯曲,手心要朝下,手指也要自然弯曲。
吹奏音符节奏均匀,避免手腕的变形,使手腕与手臂保持直线,手指要保持弯曲,形成一个近似椭圆形的空间。
在手指按下和弹起时一定要保持速度一致,保证每一个音均匀地吹出。
(三)呼吸
气息是吹奏能量的来源,在长笛演奏中,需要演奏者做到吸气短促、迅速无杂音;呼气平稳、均匀而悠长。
胸腹式呼吸法是整个肌肉组织都积极参与的呼吸运动,胸廓自由扩张,胸腔容积扩大,促成肺部内外循环交换,使横膈膜和肋骨发挥运动功能,而且会使人体整个呼吸肌肉有机的协调起来,胸腹式呼吸法是吹管乐器最佳的呼吸方法。
正确的呼吸方法可以使音色饱满、乐句完整、颤音幅度变大、音量对比度增大,从而对乐曲演奏的完整性和表现性起着重要的.作用。
(四)连、吐音奏法
在演奏连音时,要注意指法连接流畅、手指过渡自然、气息运用起伏连贯、力度适中。
音色要随着连线和音乐的起伏而起伏,力度也需要随旋律及情感表达做出调整。
吐奏,就是长音中的短音,在吹奏时,舌尖翘起,舌尖轻轻地撞击上下门牙牙龈的位置,口腔发出TTT的声音。
吐奏分为:单吐T、双吐TK、三吐(TKT、TTK、KTK),它需练习舌头的耐力,保证舌头的灵活性,吐奏时才能连贯、清晰、柔和。
三、长笛的音色与音色控制
音色,是演奏者与听众交流的桥梁,对于演奏者来说,掌握好的音色是极为重要的,要想吹出优美的音色,使音乐作品具有感染力必须具备正确的口型、呼吸、娴熟的技巧等因素。
在长笛演奏的音色控制中,气息的运用起到了至关重要的作用。
在演奏情绪欢快的音乐作品时,气息要流畅饱满,音色优美、纯净;在演奏情绪伤感、愤怒的作品时,气息控制要强弱结合,使音色表现更加紧张、激烈和忧郁,听起来更为深入人心。
演奏者自身的思想情绪也左右着音色的变化,内心的喜怒哀乐也会体现在音乐作品中。
在演奏圣桑的《天鹅》时,气息均匀而流畅,整首乐曲就会优美、婉约,使听众似乎化作美丽的天鹅置身于天鹅湖中;在演奏《幽默曲》时,短促的呼吸,清晰的吐奏,顺次的换气,则能使听众感受到幽默的意境。
由此看来演奏技巧在音色控制中起着举足轻重的作用,演奏者具备了演奏技巧,领悟了音乐作品的思想内涵,才能使音色更为优美动听。
四、演奏技巧与音乐表现
演奏技巧是长笛演奏的基本条件,提高演奏技巧,丰富音乐表现手法,使音乐变化更加丰富,才能使音色更为优美动听。
在演奏长笛乐曲时,要把技巧和优美的音色结合起来,才能使音乐表现更加丰富,音色变化更加富有歌唱性,使听众在欣赏音乐的过程中,感受到音乐的柔美和震撼。
除演奏技巧外,演奏者对作品的理解和感受也是音乐表现的重要因素,长笛演奏更需要演奏者具有很好的文化底蕴和文化基础,要了解作品所描写的内容,产生的历史背景,表达的思想感情,乐曲的艺术风格等,这可以与娴熟的演奏技巧相互促进,表达音乐中所具有的丰富情感及深刻内涵,当演奏者情感、涵养、演奏技巧都融于音乐作品时,才能使音色更为结实、圆润、透明、刚柔,表现出作品的内涵,达到精神、心灵与技术的完美结合。
如今,长笛越来越受到听众的喜爱,它优美的音色和丰富的表现力感染着无数听众,只有不断提高演奏技巧,丰富音乐表现手法,将自身的知识水平和艺术涵养融于作品的风格、内容、情感中,才能使音色变化更加丰富,音响更加和谐统一,音乐的色彩也才能更加绚丽多姿。
参考文献:
[1] 杨易和.音乐表演艺术原理和应用.安徽文艺出版社.
[2] 戴中晖.如何控制管乐作品的音色与力度.乐器.
[3] 张志远.长笛演奏的呼吸与训练.乐器.
[4] 郑义军,邵伟民.长笛演奏实用教材. 中国青年出版社.
[5] 郑义军.长笛演奏技巧教程.西南师范大学出版社.
(一)历音、花舌历音能增加乐曲热烈、粗犷、有力的气氛。花舌是用气流冲击翘起的舌头,使之滚动产生的碎音效果。历音:从本音前面的某一个音开始,自下而上或自上而下向本音急速、连续地级进,叫做“历音,它能增加乐曲热烈、粗犷、有力的气氛。历音所占的时间极短,吹奏上历者时,每个手指要依次急速而又均衡地开放,吹奏下历音时则要依次急速而有力地按闭音孔。每个音都要短促、清楚地吹出来。花舌:花舌是一种特殊的竹笛用舌技术,类似二胡的抖气弹拨乐器的滚奏,在北方的说唱音乐伴奏中,经常用到它。吹奏花舌是用气流冲击翘起的舌头,使之滚动产生的碎音效果,民间一般称为“打哮噜”,可先训练舌头“打嘟噜”,必须速度、力度均衡、持久笛子材料二:吹奏技法2006-12-0116:45循环换气法中国笛子开孔贴膜,使之脆亮的音色不同于世界上任何一种笛子,这是在我国有许多唢呐吹奏家,都能使气息不间断地进行吹奏,获得了广大听众的赞赏。他们创造了一种特殊的换气方法------“鼓腮换气法”。约在1957年间,笛子演奏家赵松庭先生,把唢呐这一“鼓腮换气”法运用在笛子上,定名曰“特长音演奏”。收到了很好的效果。它的方法是:在吹奏中,当第一口气即将吹完之际(约留三分之一左右),将余气存入两腮,使两腮鼓起(比吹唢呐时鼓得小些),然后用鼻吸气,与此同时,将两腮渐渐收缩,用储存在两腮的气吹奏笛子,直到接上第二口气时,又继续吹奏。这样一反一复,使笛音保持延续不断。这种鼓腮换气法,虽可解决笛子上的特长音演奏,但却因在以下缺点,所以效果不很理想:1.因要鼓起两腮,就会引起口形的变化,进而影响笛子的音色和音量。2.鼓起两腮,不但吹起来很费劲,同时也不雅观,容易引起观众为吹奏者担心,分散观众的注意力,影响乐曲的演奏效果。3.气的储存量小,强度较差,往往不能吹奏高强的特长音和大段乐曲,易使笛音中断。这种“鼓腮换气法”使用在唢呐上效果不错,而照搬在笛子演奏中就不很理想呢,通过研究和实践找到了如下原因:1.因为唢呐是双簧管乐器,它是用嘴包住扁圆形的哨子,用气息去吹,使哨子振动发音。也就是说,只要有气基本上就可以吹响。所以当你鼓腮之后口形外表虽已变化,但并不影响嘴里(口腔内)的吹奏形态。笛子是吹孔乐器,它是靠“风门”,将气息恰当地送入吹孔而发音。所以当两腮鼓起之后,口形就不能保持原样。风门就要引起变化,故笛子也就不能正常发音。2.唢呐上大多还有一个档片,这个档片可以帮助嘴的控制,在鼓腮之后,双唇有力地顶住档片,这就大大增加了两腮的压缩(控制)力量。也就有力地增大了气的储存和排气时的压力。而笛子上却不能装置和使用这个档片。五十年代末,演奏家们在原鼓腮换气(特长音演奏)的基础上,通过反复琢磨,练习和演奏实践,使这一技巧更加充实、完整和规范并把这一技巧定名为-----“循环换气”法和从理论上作了文字总结,于1962、1963年,先后
一、呼吸与口形因素:美妙动听的笛音,首先来源于正确的呼吸和口形,呼吸如同二胡的运弓,是吹奏的动力源泉,而喉腔、口腔在放松打开状态下,两颊、嘴角、上下唇肌自然向中间收拢形成的“椭圆形风门”则与笛子发出音色的优劣有直接关系。二者相互配合协调一致才能有效提高笛音质量,保证乐句、乐曲的连贯、完整,为竹笛各种技巧的有效运用打下坚实基础。 二、技巧因素:技巧是为音乐内容服务的,而音乐内容表现是演奏的最终目的。不同的技巧因素,音色,音响效果可以表现不同内容,不同风格的音乐作品。因此,要想得心应手的表现不同时代、不同风格的音乐作品,就必须具有全面的,娴熟的技巧,技巧学习越全面,掌握越熟练,技艺越精,就越能得心应手的表现音乐内容。就如我国笛子演奏家俞逊发等都具有非常娴熟全面的演奏技巧,任何一首乐曲都能被他们淋漓尽致的表现出来,并在竹笛演奏技巧上开拓创新,例如:演奏家俞逊发创作的笛曲《琅琊神韵》中模仿“小溪流水声”及吹口哨的余气灌入笛口中合成充满虚幻空灵的哨笛声;《秋湖月夜》中以泛音与噪音混合音响合成的仿钟声奏法;《汇流》演奏中采用两个音的快速重叠,形象模似的滴水声;《赤日》模似的刮风状,海鸥叫、恐龙吼叫,以大7度的大滑音,配以强弱骤变,以示地球的自转加速等。这些笛子演奏的新技术大大加强了乐曲的表现力,为笛子技法的开拓,作出了有益的尝试和创新。 三、节奏因素:节奏是音乐的生命,它给音乐注入了活力,所以节奏在音乐表现中起着极为重要的作用。
丰富多彩的拉丁美洲音乐 拉丁美洲指的是美国以南直到南美洲最南端的广大地区。面积相当于两个欧洲,包括墨西哥,中美洲,加勒比,南美洲四个部分,古代印第安人曾在这里创造了灿烂辉煌的玛雅、阿兹台克、印加三大文化。音乐在当时也得到了较高的发展。玛雅人的器乐与歌唱、舞蹈紧密地结合在一起,他们用敲击乐器较多,如用半个葫芦制成放在水盆中敲击的水鼓和用坚硬的长豆荚相互敲击的乐器,还有能吹出鸟鸣声的管乐器等。阿兹台克人则经常使用木鼓、竹笛、海螺和葫芦制成的摇铃。在印加人的音乐中,以排箫和竖笛著称,据说当时曾有多达百人的竖笛乐队为舞蹈伴奏。在印加贵族子弟的教育中,音乐是很重要的一部分。无半音的五声音阶是印第安人普遍采用的音阶。 经过300多年的殖民统治后,拉丁美洲的音乐文化发生了巨大的变化。由于大量欧洲(尤其是地处伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙)的音乐文化传播到了整个拉丁美洲。同时,来自非洲的黑人奴隶也带来了非洲的音乐艺术。长时期种族间的混血,也形成了各种新的混合民族。拉丁美洲的文化正是欧洲文化、印第安文化和非洲文化经过长期的碰撞、冲突、渗透、吸收后融合而成的一种统一而又多元的文化。它源于这三种文化而又不同于原有的文化,以崭新的面貌出现在世界上。从宏观的角度看,拉丁美洲音乐也是欧洲音乐、印第安音乐、非洲音乐的混合体。但由于混合的类型、层次、成份、程度各不相同,就形成了十分丰富、多种多样的音乐风格。如今,拉丁美洲音乐正以其色彩的丰富。节奏的独特,旋律的美妙,和声的浓郁,吸引着广大的音乐爱好者。它那无比的热情,充沛的活力,神奇的风貌,使世人为之瞩目。正如拉丁美洲伟大的革命家古巴诗人何塞·马蒂所说的:“这是一片用音乐和大自然秀丽景色装点的和谐和富有艺术的国土”。 拉丁美洲的音乐文化大致可分为三种类型:即印第安人音乐;以黑人音乐为中心的非洲--美洲音乐;以土生白人、混血人音乐为代表的拉美民间乐。 印第安人音乐大致可分为两类:一类是处于孤立偏僻地区印第安人的音乐,如亚马逊热带丛林区的印第安人。由于处于较原始的状态,其音乐比较简单;又如厄瓜多尔希法罗人的音乐只采用了三个音。巴西卡马尤拉人的音乐也比较简单,但却拥有世界上最长的管乐器--由两根植物茎(一长米、一长米)捆绑在一起的乐器,他们的音乐与舞蹈是紧密相连的,而且往往是在各种仪式、庆典上才表演。这些,对于研究音乐的起源和发展是很有用的。另一类是发展得较高的印第安人的音乐,如秘鲁、玻利维亚、厄瓜多尔等国的安第斯高原音乐,它是印加传统音乐的继承和发展。他们演奏的排箫、竖笛音乐很有特点,在表现高原印第安人的风情方面十分出色。庄严的太阳神颂歌,忧郁抒情的亚拉维情歌,欢快活泼的瓦衣诺舞曲,都是他们的创造。美妙动人的民间花腔女高音唱法一安第斯高原唱法是世界民间音乐中的瑰宝。印加古都库斯科被称为“美洲考古之乡”,每年6月24日是著名的太阳祭节日,在隆重的庆典上可以见到传统的印地安人音乐歌舞表演。玻利维亚高原的普诺也被誉为"美洲大陆民间歌舞之乡"。 黑人音乐亦称美洲--非洲音乐。这种音乐主要分布于加勒比海和巴西以及秘鲁、哥伦比亚、委内瑞拉的沿海地区。苏里南的原始森林中,逃亡的黑人奴隶和加勒比海的海地保存了较纯的非洲音乐。在巴西的巴伊亚地区和古巴、特立尼达多巴哥等国的黑人音乐,则受葡萄牙、西班牙文化的影响较多。美洲--非洲音乐的特点是节奏在音乐中起主导作用,切分很强烈,常采用多线条节奏,呼应式的歌曲,乐段结构不方整,使用欧洲乐器多,且偏爱敲击乐器。加勒比海流行的钢鼓乐就是黑人的创造。这是一种用汽油桶制作的旋律性敲击乐器。这种来自汽油桶的美妙音乐震惊了世界。巴西的桑巴、伦都和古巴的伦巴,加勒比海的卡立普索、曼波、恰恰恰以及秘鲁的马里涅拉、冬德达等舞曲,都是较典型的美洲--非洲音乐歌舞体裁。 拉美民间音乐指的是:主要受到欧洲音乐强烈影响的土生白人、印欧混血人的音乐。这类音乐直接来源于伊比利亚半岛,但在几百年的漫长岁月中己适应了拉丁美洲的风土人情,产生了变异。它基本保留欧洲音乐体系的基础(包括调式、和声、节拍、乐段结构等),但它那热情洋溢的风格,激荡人心的气氛,已根本不同于伊比利亚半岛的民族音乐了。这种音乐的特点是带有淡淡的怀乡、忧愁的色彩,重唱形式多,唱法放松,音色柔和抒情,采用3/4及6/8节拍多,乐段结构较方整,采用吉他很多。来自西班牙的竖琴在拉美也流行很广,但乐器音色变得嘹亮明快、"竖琴之国"巴拉圭还发展了用竖琴伴奏的独唱、重唱等形式。具有小吉他形状和曼陀林音域的恰朗戈(五弦琴)、蒂波里(三弦琴)、瓜德罗(四弦琴)等弹拔乐器都是欧洲音乐文化与印第安音乐文化巧妙结合的硕果,现已成为拉美音乐中不可缺少的乐器。在墨西哥还发展了一种溶吉他、小号、小提琴、低音吉他为一体的马里阿奇乐队音乐,特色鲜明,很受欢迎。 墨西哥的松,智利的库艾卡,阿根廷的探戈,秘鲁的秘鲁园舞曲等都是典型的拉美民间音乐歌舞体裁。
在日复一日的学习、工作或生活中,大家都有写作文的经历,对作文很是熟悉吧,作文是经过人的思想考虑和语言组织,通过文字来表达一个主题意义的记叙方法。还是对作文一筹莫展吗?以下是我精心整理的我的拿手好戏吹竹笛作文600字(通用3篇),仅供参考,欢迎大家阅读。
俗话说:“十八般武艺,样样是好戏。”人人都有一个拿手好戏,我最擅长的本领当属吹竹笛啦!
那是我读三年级时,经常听高年级的哥哥姐姐们吹竹笛,那余音绕梁的音乐回荡在我的心间,让我对吹竹笛充满了向往,有一天,我也能吹出这美妙的声音,该多好啊!一次偶然的机会,爸爸送给我一只竹笛。甭提多开心了。我迫不及待的跃跃欲试,以为竹笛很容易吹,可我很卖力气地吹着五音不全的“乐曲”,高昂中夹杂着几许低沉,听起来就像是鸭子叫。连我自己的不忍心听下去了,只好沮丧的收场。
但是在爸爸的鼓励下,我坚持不懈的练习吹竹笛,再加上老师的悉心指导,我的技艺突飞猛进。在静谧的夜晚中,总可以听到我的小屋里传出断断续续的笛声,每一个从指尖流出的音符,都是与心灵的交流,这,就是乐曲的最高境界吧!
经过半年的磨练,我迎来了一次展示的机会。那是四年级的元旦联欢会上,我用竹笛独奏悠扬的歌曲——《放牛》,看到台下“观众们”听得那样沉醉,我仿佛遇见知音,我更加自信了,表演结束后,同学们送来了阵阵雷鸣般的掌声,此时我才深刻体会到“台上一分钟,台下十年功”的艰辛与喜悦。
从那以后,我试着吹更难的曲子,一次又一次的失败吹不灭我自信的火种。每一支曲子我都练习了不计其数遍,功夫不负有心人,终于很多曲子被我的毅力征服,到达了炉火纯青的地步。
从这跟细长的竹笛身上,我不仅享受到了吹竹笛的乐趣,还悟出了一个道理:任何事情,只要坚持不懈的去追求,去努力,就能有新的突破,此时,竹笛更像是我的老朋友,我的知音!
听!是谁家玉笛暗飞声?在幢幢楼宇间,隐约飘来的笛子声,时而清淡悠远,时而热情奔放,时而如泣如诉,时而又高亢豪迈……没错,这就是我的拿手好戏——吹竹笛。
一年级的时候,我开始练习吹竹笛。可是,万事开头难,我费尽吃奶的力气却一直吹不响它,还怪它是根“哑巴笛”。直到后来我遇到了我的竹笛老师,用正确的嘴型和方法,才找到了窍门。当我像金鱼吐泡泡一样吹出第一个音时,像干了一件了不起的大事,内心激动坏了,恨不得昭告天下我会吹竹笛了。但接下来,我就遇到了更大的`拦路虎——吹长音。每次吹得稍长我就缺氧,感觉天昏地暗,眼冒金星,没吹两下就直接倒床上了,真是让人哭笑不得。
好在面对每一个困难时,我都没有放弃。冬练三九,夏练三伏。写完作业我练竹笛,洗脚的时候我吹竹笛,外出旅游时我也带着竹笛……虽然,我现在吹得不像大师们那样炉火纯青、出神入化,但是我以优秀的成绩考过了十级,也在比赛中获得了一些奖,这给了我许多前进的动力。最最重要的是竹笛像朋友一样,在我开心时能与它分享,在我难过时能找它倾诉。当我吹起《快乐的小笛手》,我就好像化身在“牧童归去横牛背,短笛无腔信口吹”的诗境中;当我吹起《荷塘月色》,我又仿佛来到朱自清先生笔下幽静的荷塘,欣赏着银纱笼罩下,亭亭玉立的荷花;当我吹起《塞上铁骑》,我似乎又来到了羌笛回荡的玉门关,与守卫边疆的战士,一同感受那份苍茫与孤独……
笛韵悠扬,不仅给我的思绪添上了飞翔的翅膀,而且练竹笛的过程是一种磨砺,它使我成长,让我懂得业精于勤而荒于嬉。你们觉得我的这个拿手好戏如何呢?
“竹笛世难觅,行云流水满乾坤。”没错,我的拿手好戏就是——竹笛独奏。
从接触竹笛开始,我就觉得自己天生是演奏竹笛的好苗子。我不仅乐感好、手指灵活,记谱也非常快。学习一首新曲,别人要死记硬背一两个月,而我只需练习几天就能记住。
一堂音乐课上,音乐老师为了让同学们直观感受《牧民新歌》中竹笛的音色,便邀请我为大家进行竹笛演奏。我心里一喜,哈哈,终于有机会在同学面前展示我的才华啦!于是我欣然答应,我可是“竹笛小王子”呢!
第二天,我手握竹笛,自信满满走到讲台中央,气定神闲地站定,便开始演奏。我用长、连、吐三技演奏完第一段影子部分,大家用赞赏的目光看着我,让我更加自信。美妙的乐曲声从我的手指尖缓缓流淌,同学们注视着我,静静地听着,陶醉其中。我闭上双眼,身体微微前倾,手指按压越来越熟练灵活,音符仿佛在教室里的每一个角落兴奋地飞舞,环绕在同学的身旁。
我仿佛看到了一缕一缕轻纱似的微云在蔚蓝的天空中浮动,一望无际的草原上无比幽静,只有远处偶尔传来几声牛羊叫。放眼望去,洁白的羊群像给无边的绿毯绣上了白色的大花。这时,一声枪响打破了这片寂静。几十个人穿着各色的衣裳骑着马,从远处疾驰而来。赛马开始了,马群狂奔起来。忽然,一匹白马从马群中奋力冲出,第一个冲过终点。欢呼声,车声,马蹄声,响成一片,好不热闹。
我鞠躬致敬,教室里沉寂了片刻后骤然响起雷鸣般的掌声,看到老师赞许的目光,看着同学们佩服的表情,我心里美滋滋的。有个拿手好戏,真不错!
一声声优美的笛声从一栋居民楼的二楼传出,在寂静的夜晚,显得格外悠远声长,那笛声无拘无束地飘向望不见尽头的远方……听到的人只听到了悦耳的笛声,又何曾听到那笛声背后藏着的无穷艰辛呢?
我,一个对竹笛无限热爱的小女孩,在学习竹笛的过程中遇到过无数困难,我品尝到了许多滋味:担心的滋味,伤心的滋味,快乐的滋味,自豪的滋味……伴我成长的,正是这些变化无穷的滋味。
担心的滋味
初学竹笛时,有一天,我到琴行去学习,可是脚在门口就停下了,我担心起来:完了,这个星期没练几次,会不会挨批呀?不知过了几分钟,才犹犹豫豫地踏进琴行。这时,老师已经在做准备工作了,我也手忙脚乱地做起来。过了好一会儿,我才磨磨蹭蹭地吹起来,那笛声真是“此曲只应地下有,人间难得几回闻”啊!我自己都觉得难听。老师皱了皱眉,缓缓问道:“欣悦,你最近是不是没有练习呀?”我听了,畏畏缩缩地承认了:“我……最近是……没……没练习。”语无伦次地回答后,就等着挨批,却听老师说:“欣悦啊,笛子这东西就是要练,不练习怎么能学好呢?”我哑口无言,这一刻,我感受到了担心的滋味,担心自己不努力,品尝不到收获的甘甜。
伤心的滋味
国庆节时,老师让我去参加琴行举行的表演,我摆弄了半天笛膜,就是弄不好!我只好向老师请教,老师教了我一遍又一遍,笛子就是发不出声音来,我着急了,可偏偏这个时候,轮我上台了。我一焦急,坏了,气息没控制住,笛子几乎没有声音。胡乱吹完《知音》,只听见台下响起一片笑声,我的脸绯红绯红的,悻悻地走到母亲身边,再也止不住的泪水哗哗地淌下来,真想找个地缝钻进去,此时此刻,伤的不是我的面子,真正伤的是我好强的自尊心。我的泪水像奔流不息的江河,源源不断地流下,这一刻,我品尝到了伤心的滋味。
快乐的滋味
经过几年的学习经历,我终于能演奏好竹笛了,那时的我心宽广豁达起来,每每走出琴行,清新的空气让我心情舒爽,抬头看着湛蓝的天空,那天空蓝得晶莹,蓝得澄澈,偶尔滑过几片白云,宛若轻纱飞絮,玲珑轻薄而不可捉摸。此时的我眼前豁然开朗,我终于品到了快乐的滋味。
自豪的滋味
竹笛学好了,我的心情一直不能平静,因为我想展示自己长时间努力的成果。终于,这样的机会来了,老师让我去“沃尔玛”超市表演。接到通知后,我每天练1个多小时竹笛,就是希望在表演的那一天能将自己最好的一面展示出来。我选择吹的曲目是《枉凝眉》——红楼梦的主题曲。上台表演了,我尽自己最大的努力认真地吹奏,最终赢得了观众热烈的掌声,同时还赢得了一些老爷爷老奶奶的称赞与肯定,我心中别提有多高兴啦!“沃尔玛”外虽然下着倾盆大雨,冷飕飕的,但我的心里却感觉格外温暖,脸上泛着红晕,但这回不是因为羞愧,而是因为自豪!这一刻,我感受到了自豪的滋味!
学笛子就是这样的,只有经历酸甜苦辣,加上勤奋的练习才能把它学好!我热爱竹笛,始终对它不离不弃,我要用最真正的那颗心去喜欢它,热爱它,这样才能让自己闪烁光彩!
那一声声优美的笛声,还在夜空中回荡,继续飘向那遥远的地方……
[作文 -学吹笛子]那天的音乐课上,张虎用笛子为我们吹奏了一首曲子,作文 -学吹笛子。
他的动作非常熟练,手指灵活地按着笛子上的孔,美妙的音乐就从笛子里飘了出来。我听得入了神,心想,要是我也能吹得这么好,那该多好啊! 下课的时候,我对张虎说;“你刚才吹得太好听了!我也想学吹笛子,请你帮我报个名好吗?”张虎同意了。
我一蹦三尺高。放学后,我高兴地对妈妈说:“妈妈,我可以学吹笛子了!” 现在,我已经学了四五天,就已学会吹好几首曲子了,小学三年级作文《作文 -学吹笛子》。
虽然我吹得没张虎好听,但我相信,只要努力地学,我一定会赶上张虎的。 (指导教师:孙定国)。
春天来了,美丽的春天来到了我们的身边。天气一天天温暖起来了。到处可见春天迷人的景色。
春天来了,美丽的春天来到了我们的身边。天气一天天温暖起来了。到处可见春天迷人的景色。
小河边,春风吹绿了柳树,柳树随风起舞;春风吹绿了小草,光秃秃的大地变成了绿油油的草坪。草坪上开着五颜六色的小花,有黄的,有白的,有红的……十分美丽。牧童们骑着水牛在草坪上放牛,有的吹笛子,有的看书,有的玩耍。小鸟们在天空中欢乐地歌唱春天的到来。
春天的景色可真美啊!
今天,我给大家讲一件我学习吹笛子的故事。
那是发生在三年级下学期时候的事情。一天,妈妈突然说要给我报一个兴趣班,说是让我自己选一个。
我以为妈妈在跟我开玩笑,就没当真,随口而出:“那就学笛子吧”。可没想到,第二天,妈妈就对我说:“我给你报了兴趣班,报的是笛子演奏班。”
当时我就愣住了,心想:原来,妈妈说的是真的!到了该去笛子演奏班学习那天,我怀着好奇的心情去上学了。可没想到,那天就我一个是新生,我很不好意思。
不过,同学们都很热情,去了几次以后,我就不害羞了,跟同学们也渐渐熟悉起来了。开始一段时间,学习的都是练习曲,我演奏不好,心里有点要气馁了,还好在老师和同学们的鼓励下我坚持了下来。
就在前几天,我们学习了演奏歌曲,名字叫《我有一头小毛驴》,这首曲子比我想象中的要好演奏多了。我们是上周学习的,老师说这周六要检查。
于是,回到家,我就坚持天天练。这不,昨天周六,我早早的到了笛子演奏班的教室里。
老师细心地听着我们的演奏。轮到我的时候,我心里紧张极了。
可当我演奏完后,老师很高兴地对我说:“刘馨泽,你进步真大,演奏得非常好!”听了老师的表扬,我心里美滋滋的,心想:我以后还要好好练习,争取演奏得更好!这就是我学习吹笛子的故事。接下来,请听我为大家演奏……。
一次偶然的机会,我在音乐学校看到几个学生在吹笛子,美妙的音乐使我沉醉其中。妈妈看出我的心声,趁热打铁地对我说:“孩子,想不想学吹笛子?”我正巴不得有这样的好机会呢!我马上说:“想,我太想学了。”于是妈妈给我报了笛子班。
第一堂笛子课,我拿着新笛子,心里美滋滋的,笛子上有十个孔,其中一个孔上粘着笛膜,通过笛膜的颤动发出美妙的音乐。老师吹了几首动听的曲子,我羡慕极了,迫不及待地拿起笛子就吹,可是不管怎么吹始终也吹不出声音。老师演示给我看,教我如何吹笛子,把笛子口放在嘴边,转动十五度再吹,手指配合着按口,就吹出音律了。我仔细地听着,心里想:原来吹笛子也有这么大的学问啊!听了老师的教导,我掌握了窍门。我很镇定地拿起笛子,平稳地放在嘴边使劲地一吹,哈,终于吹出声来了!我喜出望外,高兴地跳了起来。很快一堂课就结束了。
回到家中,我想起老师对我说得要鄞加练习才会成功,于是开始认真地练习吹笛子。功夫不负有心人,在我不懈地练习下,终于学会了吹笛子。
通过学习吹笛子,使我明白了学习任何本领,都要鄞学苦练才能成功。三天打鱼,两天晒网可不行啊!成功其实无处不在的,并没有大小之分。我们在羡慕别人的成功,感叹自己的平凡渺小时,不妨经常做一些力所能及的事情,这样也能感受到成功的满足和喜悦。任何事情,只要尽力去做就一定能成功!( 聚金文学 w
“哆、来、咪、发、唆、啦、西”是谁在吹笛子?哈哈,猜不出来吧!告诉你,就是我!厉害吧!我可学了三天才会的。吹笛子看似简单,其实里面要有很多技巧的,还要勤学苦练,接下来,我就说一说吧!
我刚去学的时候,我使出吃奶的力气用力吹,脸胀得红得似一个熟透的西红柿,没吹一会儿,就头晕目眩的,还差点晕倒。后来老师告诉我,一是我没找准吹孔,二是我没放好气,吹得太用力了。回去之后,我按老师的指导勤加练习,果然,我头晕的“毛病”就消失的无影无踪了。
第二天,我在老师那里一下子就吹出了响亮的声音,老师还夸奖了我,我的心里比吃了蜜还甜。接着,老师开始教我吹“哆、来、咪、发、唆、啦、西”,我认真记下老师所讲的手指按法。回到家,我又努力地按老师的指导不断地练习着。
功夫不负有心人,第三天,我可以在老师那里熟练地吹出“哆、来、咪、发、唆、啦、西”,那时,我一边不禁开心地雀跃,一边大喊:“我成功了!万岁!”
如今,我已经开始学吹曲子了。在学习吹笛子的过程中,我悟出了一些道理:不管做任何事,都要有耐心、有决心和要勤学苦练,这样才能做好一件事。所以,我一定要努力,在这个暑假里,更上一层楼。
第一章 如何吹响笛子 很简单,只要能吹响“笔套“这个简单的小玩意儿,您就已有足够的天份来学笛子了!现在,请先相信自己, 再配合以下说明及方法要领,吹笛是用口将气息吹进笛子的吹孔而发出的声音。
吹响它的要领 1、嘴唇自然闭合,双手捧着笛子两端,左手握笛头,右手握笛尾,将吹孔置于嘴唇下沿,对准吹孔 吹气。 2、当气息冲出时,只让出小空隙使气息通过,并使成为一束气柱往吹孔下方斜着吹去。
其原理就如同吹响 笔套一样。 3、为使气息冲出时不将两唇冲开,而致气息散掉,两颊肌肉必须用劲,保持气息的出口很小。
4、吹出来的声音要求纯净,避免夹杂气声。 5、要对着镜子常练,休会如何对准气孔,使发音位置正确,不偏不倚,使气息全部化为笛音。
几个专用名词的解释: 1、何谓“风门”? 风门是指上、下唇间的小孔。吹低音时风门要大,吹高音时风门要小。
吹强音时风门要大,吹弱音时风门要小。 2、何谓“口劲”? 口劲是控制唇部松紧的肌肉伸缩力。
通过口劲的松或紧,达到控制音量、音色、音高的目的。在初学时,用一般的口劲,随着练习的进度,逐步提高控制的能力。
3、何谓“口风”? 口风是指吹气的强度及用气的流量。 4、何谓“筒音”? 筒音是指告诉你笛子的指孔现在要全按作1或2或其它的“指法”提示。
5、何谓“小工调”、“正宫调”、“尺字调”、“乙字调”? “小工调”是全按作5的指法;“正宫调”是全按作2的指法;“尺字调”是全按作6的指法;“乙字调”是全按作1的指法。 第二章 笛子演奏中的姿势问题 吹笛要讲究姿势,这不仅仅是演奏形象问题,更重要的是为了适应演奏者的生理特点,充分发挥技巧,更好地表现音乐内容。
南派竹笛大师赵松庭先生曾经在其《笛艺春秋》一书中,提出了一个关于姿势要领的口决:风门正,笛身平,头要直,胸要挺。姆指小指相扶持,莫使笛子柳摇金。
虎口之间可容蛋,关节舒畅手才灵。六指按孔要严密,指指放松成弧形。
高低起落有规格,多余动作丢干净。口劲松紧随我意,口风粗细由我心。
双臂张开四十五, 青龙白虎全都行。演奏姿态忌做作,严肃认真见真情。
(其中青龙、白虎指的是左撇子持笛叫左青龙,右撇子叫右白虎。)另外须注意“小指轻贴笛身”是持笛的需要, 也是日后增加音孔的需要,初学者手指一定要摆好位置。
“指指放松”亦是重点,持笛手指最忌僵直,僵直则欠缺弹性。关于坐姿或立姿,大致需要身体稍侧向右方,面向正前, 两眼平视前方,下颌微微抬起,胸部自然挺起,腹部放松,两脚自然分开呈小八字形。
持笛向左向右其实都一样,只是国际上由于波姆式长笛的广泛采用,乐器构造一律向右,因此, 初学者以右方持笛为宜,习惯左方持笛者亦无妨。 另外,赵先生对于呼吸要领亦有一诀,与姿势略有相关: 双肩不可上下动,胸腹同时来扩张。
缓吹平吹全身松,腹肌不必空自忙。急吹超吹劲往下,丹田鼓气力度强。
口鼻兼用看需要,切忌呼吸有声响。莫到无气才吸气,始终要有余气藏。
强而不噪弱不虚,均匀呼气流水长。 最后,提醒自己养成以笛就人的好习惯,千万不要以人就笛。
笛膜的选用及粘贴 笛膜的种类、品牌众多,有人用竹膜(品质差、缺乏韧性、弹性、易吹破是其缺点)也有人演奏边疆民族音乐时使用羊肠膜(振动不良、音色较硬或闷,别有一番风味),但是人们大都采自芦苇管内壁之上苇膜(也称管膜),由于质地细致,韧性佳,弹性又好, 发音明亮清脆,振动情形良好,而广受欢迎。市面上可买的笛膜品牌常见的大致有一般的管膜、佳音牌笛膜、敦煌笛膜、百花牌笛膜、安徽龙潭湖笛膜。
不管是哪种牌子的笛膜,选用时以细白、半透明、无杂质或纤维和膜为上选,以目前苇膜产地的质量来看,要数安徽 的五河、小溪、淮南一带的苇膜为最佳,由于当地土壤关系,那里的苇膜厚薄均匀,富有弹性,是专业笛子演奏家 理想的笛膜。(近来俞逊发先生介绍的“明贵笛膜”品质相当好)笛膜的运用,首先是选择黏合剂,目前使用的有阿胶、驴皮膏、黄鱼胶、树脂、白芨。
等,何胶、白芨最常使用,一般中药店、药材行皆可购得。由于笛膜本身具有一定的伸缩性和吸水性,贴好的笛膜还会有一定程度的自动还原,所以贴膜时可稍偏紧些,等它自动还原后,笛膜的松紧度为适中,能发出悦耳的声音,但是如果要随贴随用的时候,笛膜就要放松来贴。
贴膜时,先剪下一正方形的笛膜,使笛膜本身的纤维与笛子的纤维平行、重叠,再用阿胶沾水涂在膜孔四周,用左右手大姆指和食指捏住笛膜两侧,拉出与苇膜纤维纹路成垂直的皱纹,而后慢慢地往下侧按贴上,调整均匀后按住一下子,即告完成。 笛膜的收藏要注意防潮、防晒,笛膜变黄、变老、失去弹性时要更换使用。
(新鲜的笛膜如需保存长久,可将笛膜用塑料袋包好放进冰箱冷藏室中即可常保新鲜 谈谈笛子演奏中的技巧问题 笛子的演奏由于技巧、地域的关系,简单形成两大流派,一为南派;一为北派,就技巧而言:南曲出手颤、叠、振、打;北曲拿手吐、滑、剁、花。因此区分了不同的演奏风格,以下简单介绍几种常用的笛子技巧: 颤音(tr):例如6的颤音相当于演奏。
在我读小学二年级的时候,参加了学校的一项独特的艺术培训活动——吹笛子,你可别以为这吹笛子是一件很容易的事———只要学会一些指法,能吹响就算学会了,其实要吹响这支笛子也是要花上一些功夫的的,要想吹出美妙的曲子,那就非得下苦功不可,笛子的指法也是多种多样,不同的指法就能吹出不同的音色。
记得那一天,我刚拿到横笛时,欣喜若狂,心想:这横笛可比我的竖笛好看多了,也更精致,拿着横笛就象一位行走江湖的”女侠”。以前我还很羡慕那些大哥哥大姐姐能吹出那么纯熟那么优美的乐曲,现在我也有了横笛,一定能比他们吹得更好。
我想着,不由地拿起笛子,架在肩膀上,看起来还真有点那么回事。我将嘴对准笛子的吹口,深深地吸了一口气,往里面使劲地吹,“咦?怎么没声音?”我试了好几次,可还是吹不出声来。
这是怎么回事呀?于是不愿服输的我跑到大姐姐家拜师学艺。姐姐把吹奏方法、换气方法、注意事项等、都告诉了我。
我又拿起笛子按姐姐教我的方法吹了一口气,咦?出来一个萧叫声,我把脸都涨红了,才出来个这么刺耳的声音,我一气之下,把笛子扔在了一边,说:“哼!我的竖笛比你乖多了,随便怎么吹都有声音。你有什么了不起的,不过就是颜色暗了点,样子横了点,拿着气派了点……”我越说越生气,气我的笛子怎么不乖乖听我话,气自己这么没用,知道方法却还是学不会。
到后来我是无语了,一旁的姐姐看见了,把笛子递给我,说:“没关系的,不会可以慢慢学,不要泄气,一定能吹好的!”我默许地点点头,又恢复了信心。就这样,经过我几天的努力,终于学会了怎么控制气息,吹出各种音来。
渐渐地,在老师的指导下,我也学着吹简单的歌曲,如《姑苏行》《小放牛》。到现在,我学横笛已经有五年了,也经常参加学校的笛子兴趣小组和笛子考级,多次在校、镇的文艺演出中进行表演,学吹笛子不仅是一门技术、艺术 ,而且它也教会了许多人生的道理。
一、呼吸与口形因素:美妙动听的笛音,首先来源于正确的呼吸和口形,呼吸如同二胡的运弓,是吹奏的动力源泉,而喉腔、口腔在放松打开状态下,两颊、嘴角、上下唇肌自然向中间收拢形成的“椭圆形风门”则与笛子发出音色的优劣有直接关系。二者相互配合协调一致才能有效提高笛音质量,保证乐句、乐曲的连贯、完整,为竹笛各种技巧的有效运用打下坚实基础。 二、技巧因素:技巧是为音乐内容服务的,而音乐内容表现是演奏的最终目的。不同的技巧因素,音色,音响效果可以表现不同内容,不同风格的音乐作品。因此,要想得心应手的表现不同时代、不同风格的音乐作品,就必须具有全面的,娴熟的技巧,技巧学习越全面,掌握越熟练,技艺越精,就越能得心应手的表现音乐内容。就如我国笛子演奏家俞逊发等都具有非常娴熟全面的演奏技巧,任何一首乐曲都能被他们淋漓尽致的表现出来,并在竹笛演奏技巧上开拓创新,例如:演奏家俞逊发创作的笛曲《琅琊神韵》中模仿“小溪流水声”及吹口哨的余气灌入笛口中合成充满虚幻空灵的哨笛声;《秋湖月夜》中以泛音与噪音混合音响合成的仿钟声奏法;《汇流》演奏中采用两个音的快速重叠,形象模似的滴水声;《赤日》模似的刮风状,海鸥叫、恐龙吼叫,以大7度的大滑音,配以强弱骤变,以示地球的自转加速等。这些笛子演奏的新技术大大加强了乐曲的表现力,为笛子技法的开拓,作出了有益的尝试和创新。 三、节奏因素:节奏是音乐的生命,它给音乐注入了活力,所以节奏在音乐表现中起着极为重要的作用。
在日复一日的学习、工作或生活中,大家都有写作文的经历,对作文很是熟悉吧,作文是经过人的思想考虑和语言组织,通过文字来表达一个主题意义的记叙方法。还是对作文一筹莫展吗?以下是我精心整理的我的拿手好戏吹竹笛作文600字(通用3篇),仅供参考,欢迎大家阅读。
俗话说:“十八般武艺,样样是好戏。”人人都有一个拿手好戏,我最擅长的本领当属吹竹笛啦!
那是我读三年级时,经常听高年级的哥哥姐姐们吹竹笛,那余音绕梁的音乐回荡在我的心间,让我对吹竹笛充满了向往,有一天,我也能吹出这美妙的声音,该多好啊!一次偶然的机会,爸爸送给我一只竹笛。甭提多开心了。我迫不及待的跃跃欲试,以为竹笛很容易吹,可我很卖力气地吹着五音不全的“乐曲”,高昂中夹杂着几许低沉,听起来就像是鸭子叫。连我自己的不忍心听下去了,只好沮丧的收场。
但是在爸爸的鼓励下,我坚持不懈的练习吹竹笛,再加上老师的悉心指导,我的技艺突飞猛进。在静谧的夜晚中,总可以听到我的小屋里传出断断续续的笛声,每一个从指尖流出的音符,都是与心灵的交流,这,就是乐曲的最高境界吧!
经过半年的磨练,我迎来了一次展示的机会。那是四年级的元旦联欢会上,我用竹笛独奏悠扬的歌曲——《放牛》,看到台下“观众们”听得那样沉醉,我仿佛遇见知音,我更加自信了,表演结束后,同学们送来了阵阵雷鸣般的掌声,此时我才深刻体会到“台上一分钟,台下十年功”的艰辛与喜悦。
从那以后,我试着吹更难的曲子,一次又一次的失败吹不灭我自信的火种。每一支曲子我都练习了不计其数遍,功夫不负有心人,终于很多曲子被我的毅力征服,到达了炉火纯青的地步。
从这跟细长的竹笛身上,我不仅享受到了吹竹笛的乐趣,还悟出了一个道理:任何事情,只要坚持不懈的去追求,去努力,就能有新的突破,此时,竹笛更像是我的老朋友,我的知音!
听!是谁家玉笛暗飞声?在幢幢楼宇间,隐约飘来的笛子声,时而清淡悠远,时而热情奔放,时而如泣如诉,时而又高亢豪迈……没错,这就是我的拿手好戏——吹竹笛。
一年级的时候,我开始练习吹竹笛。可是,万事开头难,我费尽吃奶的力气却一直吹不响它,还怪它是根“哑巴笛”。直到后来我遇到了我的竹笛老师,用正确的嘴型和方法,才找到了窍门。当我像金鱼吐泡泡一样吹出第一个音时,像干了一件了不起的大事,内心激动坏了,恨不得昭告天下我会吹竹笛了。但接下来,我就遇到了更大的`拦路虎——吹长音。每次吹得稍长我就缺氧,感觉天昏地暗,眼冒金星,没吹两下就直接倒床上了,真是让人哭笑不得。
好在面对每一个困难时,我都没有放弃。冬练三九,夏练三伏。写完作业我练竹笛,洗脚的时候我吹竹笛,外出旅游时我也带着竹笛……虽然,我现在吹得不像大师们那样炉火纯青、出神入化,但是我以优秀的成绩考过了十级,也在比赛中获得了一些奖,这给了我许多前进的动力。最最重要的是竹笛像朋友一样,在我开心时能与它分享,在我难过时能找它倾诉。当我吹起《快乐的小笛手》,我就好像化身在“牧童归去横牛背,短笛无腔信口吹”的诗境中;当我吹起《荷塘月色》,我又仿佛来到朱自清先生笔下幽静的荷塘,欣赏着银纱笼罩下,亭亭玉立的荷花;当我吹起《塞上铁骑》,我似乎又来到了羌笛回荡的玉门关,与守卫边疆的战士,一同感受那份苍茫与孤独……
笛韵悠扬,不仅给我的思绪添上了飞翔的翅膀,而且练竹笛的过程是一种磨砺,它使我成长,让我懂得业精于勤而荒于嬉。你们觉得我的这个拿手好戏如何呢?
“竹笛世难觅,行云流水满乾坤。”没错,我的拿手好戏就是——竹笛独奏。
从接触竹笛开始,我就觉得自己天生是演奏竹笛的好苗子。我不仅乐感好、手指灵活,记谱也非常快。学习一首新曲,别人要死记硬背一两个月,而我只需练习几天就能记住。
一堂音乐课上,音乐老师为了让同学们直观感受《牧民新歌》中竹笛的音色,便邀请我为大家进行竹笛演奏。我心里一喜,哈哈,终于有机会在同学面前展示我的才华啦!于是我欣然答应,我可是“竹笛小王子”呢!
第二天,我手握竹笛,自信满满走到讲台中央,气定神闲地站定,便开始演奏。我用长、连、吐三技演奏完第一段影子部分,大家用赞赏的目光看着我,让我更加自信。美妙的乐曲声从我的手指尖缓缓流淌,同学们注视着我,静静地听着,陶醉其中。我闭上双眼,身体微微前倾,手指按压越来越熟练灵活,音符仿佛在教室里的每一个角落兴奋地飞舞,环绕在同学的身旁。
我仿佛看到了一缕一缕轻纱似的微云在蔚蓝的天空中浮动,一望无际的草原上无比幽静,只有远处偶尔传来几声牛羊叫。放眼望去,洁白的羊群像给无边的绿毯绣上了白色的大花。这时,一声枪响打破了这片寂静。几十个人穿着各色的衣裳骑着马,从远处疾驰而来。赛马开始了,马群狂奔起来。忽然,一匹白马从马群中奋力冲出,第一个冲过终点。欢呼声,车声,马蹄声,响成一片,好不热闹。
我鞠躬致敬,教室里沉寂了片刻后骤然响起雷鸣般的掌声,看到老师赞许的目光,看着同学们佩服的表情,我心里美滋滋的。有个拿手好戏,真不错!
钢琴(拼音:gāng qín,英文:piano)是源自西洋古典音乐中的一种键盘乐器,普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出,用于作曲和排练音乐十分方便。弹奏者通过按下键盘上的琴键,牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌,继而敲击钢丝弦发出声音。钢琴被称为乐器之王。
之前也是为为论文苦恼了半天,网上的范文和能搜到的资料,大都不全面,一般能有个正文就不错了,而且抄袭的东西肯定不行的,关键是没有数据和分析部分,我好不容易搞出来一篇,结果还过不了审。 还好后来找到文方网,直接让专业人士帮忙,效率很高,核心的部分帮我搞定了,也给了很多参考文献资料。哎,专业的事还是要找专业的人来做啊,建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目,分享给大家: 论音乐听觉在钢琴教学中的实践 高校钢琴集体课教学模式探索 吕其明《红旗颂》双钢琴版本的演奏分析 试析贝多芬《第六钢琴奏鸣曲》Op10No2第一乐章 贝多芬《c小调第三钢琴协奏曲》Op37作品分析 莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色 试论西方音乐史对钢琴演奏的影响 开创“中国风”钢琴语境 由钢琴考级引发的琴童教学思考 从智能钢琴集体课看钢琴教育的新探索 大数据网络时代的钢琴教学构想 高校钢琴教育提升学生音乐素养的路径 OBE理念下高师钢琴课程教学改革探析 学前教育钢琴即兴伴奏教学的实践探索 传统与当下:博雅教育理念与钢琴教育相融合的理论思考 钢琴伴奏在高职艺术院校声乐教学中的作用分析 《钢琴家》:那些见过战争的人,怎么会不憎恨战争 疫情期间“互联网+”在高校钢琴教学中的实践应用探讨 钢琴界“扫地”朱晓玫:只想躲在音乐背后 基于核心素养的高职钢琴教学策略探讨 基于人工智能的钢琴编曲音色识别系统设计 浅析中国古典舞基训与芭蕾舞基训钢琴伴奏的差异 巴赫康塔塔钢琴改编曲《羊儿可以安静地吃草》乐曲分析及演奏处理 浅析黄自艺术歌曲的钢琴伴奏 浅析钢琴曲《浏阳河》的音乐技巧与情感表现 浅析舒伯特艺术歌曲钢琴伴奏的魅力 浅探克拉拉·舒曼的钢琴生涯 王建中改编钢琴曲的艺术手法与特征 职业学校钢琴课程教学模式及课程体系拓展研究 钢琴演奏教学中听觉培养的价值探讨 钢琴演奏教学中如何培养学生的心理素质 试论钢琴基本功练习在钢琴学习中的重要作用 浅析慢练在钢琴练习中的作用 巴洛克歌剧咏叹调钢琴伴奏教学研究 贝多芬钢琴奏鸣曲演奏风格及创作特点探析 对中职学前教育专业钢琴课教学的思考 浅谈儿童钢琴快乐教育 中国钢琴作品《皮黄》的曲式特征与艺术特性 钢琴伴奏在艺术歌曲中的作用 钢琴即兴伴奏在小学音乐课堂教学中的应用策略探析 钢琴家的脚 学前教育专业核心素养下的钢琴教学策略 探析高职学前教育专业培养和提升学生儿歌钢琴伴奏能力的方法 浅析个性化教学法在高职钢琴弹唱教学中的应用 高校钢琴教学“归元”思考 浅析管弦乐钢琴伴奏艺术 现代音乐美学对钢琴演奏的启示 高校钢琴即兴伴奏教学的创新模式探析 音乐专业钢琴弹唱能力培养方法解析 胡同里的钢琴师 浅析钢琴制造工艺对触键和音色改变的重要性 高校钢琴教育中学生音乐素养的培养 音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的措施分析 中职学前教育钢琴即兴伴奏课程有效分层教学分析 关于钢琴教学中的审美教育与情感教育 中职学前钢琴教学中的课堂语言艺术探究 幸福的钢琴 对高校钢琴课程体系中学生综合能力培养的研究 过程性评价的内涵、价值及其在独立学院钢琴教学中的应用 中西方钢琴艺术的文化融合 中专音乐表演专业钢琴教学方法探究 简论丁善德钢琴音乐的成就、特色与演奏 藏羌彝民间舞蹈钢琴伴奏编创论略 钢琴艺术欣赏中的审美意识分析 元认知理念指导下的师范类院校钢琴启蒙教学研究 学前教育钢琴基础教学的实践研究 信息化环境下的高职学前教育专业开放式钢琴弹唱课堂教学策略研究 分层教学模式在高职钢琴教学中的应用研究 互联网时代下的钢琴教学形式研究 微课在高校音乐教育钢琴课程中的应用研究 在线钢琴教育的利与弊 雅俗共赏角度下钢琴曲《炎黄风情·走西口》音乐分析 钢琴组曲《圆明园漫步》创作风格及演奏特征研究 钢琴伴奏在合唱艺术中的作用 浅析肖邦《b小调第一钢琴谐谑曲》的演奏技法 高叠和弦在格里格钢琴抒情小品中的应用 贝多芬C小调奏鸣曲对西方钢琴艺术史的发展影响探究 琵琶曲与钢琴改编曲《十面埋伏》的比较研究 浅析路德维希·范·贝多芬第7钢琴奏鸣曲作品10之3中的踏板使用 内心听觉在高师钢琴基本技术训练中的应用探索 高职钢琴教学中体验式教学法的运用探讨 双钢琴教学对学生钢琴学习能力培养的作用 信息化环境下钢琴教学模式的创新 浅谈少儿钢琴学习兴趣的激发与培养 高校音乐师范生钢琴合奏能力的培养与实践 试论钢琴的调音及日常维护 浅论中国钢琴音乐作品的组织结构与演奏 钢琴演奏中的触键技巧与音色效果探索 钢琴曲《百鸟朝凤》中的民乐元素渗透 李斯特钢琴曲《夜莺》的演奏诠释 波特凯维茨与他的钢琴练习曲 “思政”视域下美育与高校钢琴教学的融合研究 简析钢琴演奏者的心理因素对表演的影响 钢琴演奏中的音乐听觉作用探讨 《安娜的笔记本》在民办高校钢琴基础教学中的运用 高校钢琴教学中比较教学法的应用 立德树人视域下的钢琴教育创新研究 高职院校钢琴审美教学的设置与教学方式探索 幼儿园钢琴教学中形象化的教学语言研究 钢琴小品《喷泉》曲式结构与演奏分析 浅谈合唱中钢琴部分的运用 钢琴演奏与教学中的触键技巧问题研究 钢琴演奏中触键与踏板对音色的影响
钢琴表演中身心的紧张与放松探析论文
在日常学习和工作中,大家都写过论文,肯定对各类论文都很熟悉吧,论文的类型很多,包括学年论文、毕业论文、学位论文、科技论文、成果论文等。你写论文时总是无从下笔?下面是我帮大家整理的钢琴表演中身心的紧张与放松探析论文,欢迎阅读与收藏。
摘 要:
在钢琴演奏的过程当中保持一个良好的情绪状态有利于实现更好的演出效果,这就需要演奏者能够对自身的情绪进行良好的掌控,不宜出现过度紧张或过度放松的状态。本文对钢琴演奏中的紧张与放松情绪进行了分析和研究,提出了对演出中紧张与放松情绪的控制方法。
关键词 :
钢琴演奏;紧张和放松;情绪控制;
引言:
近年来,随着我国经济的不断发展,我国的文化事业愈加繁荣,社会对艺术文化领域也有了更多的关注。钢琴作为最受欢迎的乐器之一,也逐渐成为不少人追求精神愉悦所关注的对象。但是不少人在学习钢琴的过程中会碰到一些问题,如在演奏的时候没有调节好情绪,使得这些演奏者在演奏的时候没有实现理想中的效果,这就需要演奏者在演奏钢琴的过程当中把握好演奏的张弛度,做到收放自如,这样才能将音乐中的情感抒发出来,进而准确无误地传达给听众,给人带来身心上的愉悦。但是,在绝大多数情况下,钢琴演奏除了受钢琴演奏者本身的演奏技巧影响外,还容易受到外界的多种因素影响,其中环境给钢琴演奏者带来的影响不容忽视。演奏者一旦受到外界的影响就容易产生紧张的情绪,进而会导致演奏出现问题。因此,这就需要通过对演奏时紧张与放松的情绪进行分析,从而找出掌控和调节情绪的方法,实现更好的演出效果。
一、钢琴演奏中身体上的放松与紧张
钢琴演奏要求演奏者利用肢体动作来施展演奏技能,演奏者需要通过肢体将自身的情感融入到演奏当中,运用自身的演奏技巧将这些情绪更好地表达出来,进而实现声音与情感的高度契合。因此,在演奏过程当中要想实现良好的演奏效果,就需要演奏者能够拥有熟练的演奏技巧,能够将演奏曲目中的内容灵活地表现出来,同时在肢体的运用方面也要做到收放自如,这样才能够达到最好的演奏状态,发挥出最高的演出水平。
要想在演奏过程当中实现收放自如、张弛有度,可以先从手指控制开始,确保手指能够在演奏过程当中做到紧张与放松的自由切换。如在演奏哈农的过程中,要保持手指放松的状态,尽可能地让手指在运动的过程当中以放松的状态触碰琴键,发出声音。演奏者可以利用慢速练习方法观察自身手指的运动状态,在演奏过程当中适度地调整放松和紧张的状态,从而找到一个放松的舒适程度。在演奏准备阶段,对手指进行适当的放松和调节,可以避免手指因紧张而过度用力的情况出现,从而保持一个良好的触键状态。在指尖触碰琴键的过程当中,关节也要同时发力,这样才能让指尖更好地触碰到对应的琴键。只有合理调节手指紧张和放松的状态,演奏者才能够精湛地演奏出钢琴曲目。在演奏的过程当中,除了手指的紧张与放松外,手腕的控制也十分重要。手腕的灵活程度直接决定了演奏者是否可以完美地演奏出钢琴曲目,良好的手腕控制可以让整个演奏锦上添花,让弹奏出来的音色更加动人。只有灵活地调整紧张与放松的状态,才能更加自如地进行演奏,发挥出乐器的潜力,从而实现更完美的演出。
在演奏不同曲目的时候,演奏者要结合自身对曲目特点的理解,利用手指和手腕的配合进行不同方式的演奏。由于钢琴演奏过程中可能需要弹奏跨度较大的音,只通过手指的调节是无法完成演奏的,这时候就需要通过对手腕的灵活运用来进行演奏。因此,手指与手腕相互配合,才能够实现好的演出效果。除此之外,在利用手臂运动来弹奏的时候,要保持手指与手腕的放松,要让手指与手腕拥有一个较好的灵活度和弹性,这样才能够顺利完成演奏。利用手臂运动来弹奏时,要注意对手臂力量的控制,这对于钢琴演奏来说有很大的影响,因此要求演奏者在演奏过程当中能够协调好上肢,从而实现不同的声音效果,营造理想的现场演奏气氛。关于上肢紧张与放松状态的调节,需要演奏者在日常的演奏训练当中,重视曲目内容与肢体的配合,让身体各个部位都能够在演奏过程当中实现适度的放松与紧张,从而保持一个高水平的演奏状态,更好地表达曲目的感情。
二、钢琴演奏中心理上的放松与紧张
除了肢体状态对钢琴演奏的影响以外,演奏者的心理状态对于演出效果来说也有着十分重要的影响。环境与演奏者的心理状态有着直接的关系,一个好的演奏者能够适应各种环境,在不同场合下都能完美地应对演出,发挥出应有的演出水平。演奏者如果没有适应现场的演出环境,就会影响自身演奏技能的发挥,从而没有办法实现自身最高水平的演出。所以,演奏者要在平时的训练过程当中,主动关注自身的心理素质,提高自身对环境的适应能力。在钢琴演奏训练过程当中应该选择符合自身实力水平的曲目,不宜选择过分简单或过分困难的曲目,应该逐渐地将自身练习曲目的难度慢慢提高,这样可以让演奏者循序渐进地学会如何提高自身演奏时的心理素质。除此之外,在进行曲目练习的时候,演奏者还可以根据曲目的内容展开分析。在深入地了解练习曲目后,进一步提升个人的音乐素养,使自己在演奏过程中很好地表达出自己的情感,最终实现更好的演奏效果。通过这种方式,演奏者可以拓宽自己的知识体系,打下更加夯实的'基础,让自身逐渐地成长。同时,演奏者还要结合合理的练习计划,强调科学的训练频率,让自己能够在适度的练习范围内,不断地提高自我,提升自身演奏曲目的音色效果,提高对于曲目的把控能力和专注力,最终实现钢琴演奏与情感的互相融合。
三、钢琴演奏中的建议、策略
在钢琴演奏的过程当中,紧张与放松的状态会使得整场演出展现出不一样的演出效果。要想在钢琴演奏中拥有更加良好的表现,演奏者就需要能够很好地调节紧张与放松的状态。演奏者可以通过下列不同的方式训练情绪的调节。
(一)在钢琴练习时有意识地对情绪进行训练
演奏者在进行演奏的时候,要注意对自身情绪的把握和调节,要拥有基本的心理调控能力。钢琴演奏之前,需要做好演奏准备工作,这样不但能够更好地应对演奏中的各种突发事件,同时也有利于稳定自身的心态,在演奏中做到镇定自如,从而能够将更多的精力放到演奏曲目本身上,也就更能够将自身的情感集中到演奏当中,在演奏中真正做到人琴合一。其次,在平时的训练过程当中,要注重对上肢的训练。要在训练过程当中适当地增加一些手臂放松的训练,同时也要对情绪进行适当的调整,强化自身在演奏时的自信心和表现力,这样才能够在演奏时缓解自身由于环境造成的紧张与焦虑。最后,在钢琴演奏的过程当中,要持续关注自身的情绪状态,有意识地使自己保持在一个良好的情绪状态中,尽可能地将感情与情绪融入到演奏的曲目中去,这样才能够完全沉浸在曲目所表现出来的情感当中。除此之外,演奏者还需要在每场演出之后进行相关的演奏总结,对整场演奏进行自我反思,肯定自我表现好的地方,并找出不足加以弥补。在不断反思和总结中,演奏者最终将找到属于自己的演奏方法,使自己稳定在一个最佳的演奏情绪中。
(二)提升自身的钢琴演奏技能水平
俗话说:“台上一分钟,台下十年功。”好的专业技能水平能够直接增强钢琴演奏者的自信心和现场表现能力,同时过硬的专业水平也能够让演奏者拥有一个良好的心理状态,这样就能够积极地应对各种临场突发状况。如果演奏者没有经过系统正式的训练,在技能水平上没有达到演出的标准,那么就不能够很好地根据曲目的内容进行演奏,从而难免会出现一些指法不流畅、情绪表达不充分的情况,这又会催生一些紧张的负面情绪,让整场演出效果不佳。所以,钢琴演奏者应该努力提升自身的专业技能,在日常练习的时候,要认真对待每一次练习,充分地学习和掌握各种钢琴弹奏技巧,打好基础,这样才能够保证演奏的流畅。此外,由于钢琴对手部灵活程度要求较高,钢琴演奏者应该适当地增加一些手指的灵活训练,这样才能够在演奏钢琴时利用灵活的手指做出一些技巧动作,也让身体与手部实现良好的配合。演奏者要在日常的训练过程当中,积极挖掘和学习演奏的方式和技巧,这样才能找到属于自己的演奏学习道路,在这条道路上不断提高自身的演奏技术水平。
(三)强化自身心理素质
要想成为一名优秀的钢琴演奏者,不但要有高超的演奏技能,还需要拥有极强的心理素质。只有拥有过硬的心理素质,演奏者才能维持心态的稳定,不会因为外界的干扰而影响到演出的效果,从而能够应对演奏中的各种突发状况。拥有过硬的心理素质能够使演奏者在演出前就做好演出的相关准备工作,从而更加轻松地应对演出,保证演出有一个良好的效果。因此,在日常的演奏训练过程当中,演奏者要注意对自身心理素质的培养,可以适当地增加一些干扰训练来强化自身在演奏时的心理素质,帮助自己自如地调节情绪。除此之外,钢琴演奏者也应该给自己一个积极的心理暗示,让自己能够更快地进入到演奏的状态,确保能够在正常演出的基础上进行更好的情绪表达。
四、结语
综上,情绪对于钢琴演奏来说是十分重要的,不论是初学者还是大师,在钢琴的演奏上都应该对自己的情绪进行自我把控。只有在良好的情绪状态下,演奏者才能够带来一场完美的演奏。但是这并不意味着演奏者在表演的过程当中需要做到完完全全地放松,而是应该将情绪控制在一个合理紧张的范围内,确保自己能够自然地演出。
参考文献
[1]孟梦.浅谈“自然的紧张”一钢琴演奏的放松理论[J].音 乐时空。2016,000(007): 109-110.
[2]向杨.论钢琴演奏中心理情绪的紧张与放松[J] .音乐时空, 2015,000(022):91.
[3]吴铮玉钢琴演奏中的紧张与放松研究[J]艺术品鉴, 2017,000(03X):251.
[4]李霄浅谈钢琴演奏中的放松[J]读天下(综合),2020,000(008):1.
钢琴教学教育艺术论文
一、学生扎实的基本功和娴熟的演奏技巧的培养
扎实的基本功和娴熟的演奏技巧是提高音乐表现力的前提。要想使我们的钢琴演奏真正具有美感,首先就要有扎实的基本功训练,掌握正确的演奏技巧。
(一)正确的读谱
培养正确的读谱是钢琴教学和学习十分重要的课题。正确读谱是演奏一首作品的基础。演奏者通过认真细致地研究乐谱,对音乐作品的忠实理解进行二度创造和创作,在作曲家与广大听众之间架起一座沟通心灵的桥梁,使静止的乐谱转化为变化万千、令人难忘、丰富多采的音乐语言。读谱包含两层涵义:第一,必须严格遵循作曲家在乐谱上的一切标记,以及标记所约束和决定的意思。这里包括谱号、调号、拍号、节拍的律动、音高、指法、奏法、速度、力度、表情记号等等。因为作曲家在乐谱上标写每一个标记以及每一个音乐术语时都饱含深意。第二,要准确、科学的透过这些标记,进一步弄清乐谱的曲式结构、和声、乐句、乐段;旋律与伴奏的关系;特别要注重复调因素、注意乐谱上音符的符干朝向,弄清声部的层次,做好保持音和不同层次、不同音色的对比,决不能忽视休止符。另外,还要从谱面上的各种符号中领会音乐的内容和本质,推测作曲家的意图,以及作曲家字里行间更深刻的涵义,揭示音乐的内容和精神。譬如:对作品的创作时代、风格、旋律、节奏、和声布局、句子段落、声部、结构,音乐的性格特点,写作手法和织体特点,有什么对比,主题如何发展,有哪些高潮,最主要的高潮在哪里,以及音响的想像,使之在乐思的奔流中,展现它们应有的生命力。在教学中,要严格要求学生对乐谱进行深入细致的研究,不断地挖掘探索其中的内涵,悉心领会作曲家的创作精神,加入时代感,以至完全正确地把乐谱中的精髓全部诠释出来为止。
(二)正确掌握节奏和速度
节奏是音乐中最重要的构成因素之一。节奏展示了音乐的生命和存在,它是音乐的脉搏,是音乐的骨架,也是音乐的灵魂,任何音乐都离不开节奏。没有节奏的音乐就像人失去了脉搏,音乐可以不用乐音,但永远离不开节奏。一首作品往往是通过一种特定的节奏韵律来表现出它的性质和风格。弹奏者只有把握乐曲节奏的均代、不同作曲家、不同体裁的作品匀、弹性、动力、惯性、重音、各种特性节奏,才能和谐有致的抒情达意。加强节奏教学,培养和提高学生的'节奏能力是提高学生音乐表现力的重要途径。在教学中,教师除了要在概念上对之强调和固化,要特别强调它除了是稳定音乐的要素,更是把握音乐的运动趋势的能力,是决定提示音乐主题、增强音乐表现的根本保证。一首乐曲的特殊节奏抽象地概括这首乐曲,能使听众在丰富的联想中还原作品。如李斯特改编的《魔王》开篇便以其独特的节奏揭示了音乐的内涵。在全曲的气氛渲染中,出现的在同音上的三连音(表现疾奔的马蹄声)起着很大的作用,这时隐时现、时弱时强的三连音除了具有描绘的写实作用外,也是造成局促不安的心理的重要因素,低声部的间息乐句则暗示不时掠过的林间阴风。在教学中,教师应该选取诸如此类的具有很强代表性的作品,作为节奏的训练,注重学生的体验,并注意尽可能地体现作品的强弱、断句和起伏,使学生获得良好的直觉。所有的音乐作品,除了特有的节奏韵律外,还要凭借不同的速度来表现其不同的性质和风格。乐曲的性质指乐曲内容、情绪、形象意境等所决定的乐曲的局部特性和总体风格,而音乐风格则是遏制音乐分享有些样式或有某些元素共同兴趣的类别。而用什么样的速度去弹奏乐曲呢?要根据乐曲的性质来确定。一般来说,欢快的情绪不可能采用缓慢的速度去表现,而悲伤的乐曲也不宜快速弹奏。进行曲、圆舞曲等体裁也都有它们各自特有的速度。在教学中重要的是,教师要指导学生从中体会演奏家对作品风格的表现、对音乐的处理,以进一步掌握其音乐性质和风格。另外,练琴方法上,教给学生难点部分要单独抽出来反复练习,直到弹得和较容易的部分一样好才行。整首乐曲的速度要以难点部分所能达到的速度来确定。弹奏快速的乐曲要以慢速、中速练习为基础。
处理好力度力度就是音量,即声音强弱、轻重、大小的程度。音乐是表现人的心情的,而人的心情变化和活动不像机器那样呆板,必然有强、有弱、有急、有缓。因此力度处理对于音乐表现有着重大的意义。在古曲音乐中,一般从pp(很弱)到f(f很强)间就有p(弱)、mp(中弱)、mf(中强)、f(强)的六个不同层次。而浪漫乐派及后期作品从pppp(比弱还要弱)到ffff(比强还要强),幅度更宽,还有sf(个强)、sfz(突强)或crese(渐强)、dim(渐弱)等,这些具体的力度记号,同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。对于没有力度标记的作品,我们可依据音的自然倾向和音乐发展的自然趋势。如在弹奏音阶时,根据音一级一级向上推动的原则,我们可以把音乐处理成渐强,反之,则可以弹成渐弱。另外,音乐本身的特性也会告诉我们应该如何运用力度。如进行曲是坚定有力的,舞曲是活泼欢快的。强弱在音乐中不是一种外部现象,也没有无缘无故的强弱及变化,它同音乐表现的内容、形象及情感连在一起,在教学中还要指导从音乐表现的内容、形象去把握音乐的力度,从而提高学生音乐表现力。例如《雪绒花》主题音调在全曲中出现三次,赞颂祖国祝愿祖国之情贯穿全曲。A段节奏舒缓,旋律起伏较小。B段节奏变化出现休止,与前段相比,情绪更加激动,力度加强,要表现出主人公热爱祖国的感情。
(四)掌握良好的触键方法
旋律在音乐语言中是最具感染力的,好的旋律是音乐表现的一个方面。要想弹奏出好的旋律就需要掌握适当的触键方法。首先是指法的训练。音阶、琶音、和弦等都有它规律性的指法,如白键音阶,右手上行除F大调外都是1231234指,左手上行除B大调外都是543213—21。但没有绝对固定不变的指法。在一定的原则下,根据乐曲的要求、作曲家的风格,再结合每个弹奏者自身的生理特点、手的条件来灵活地选用指法。手有大、小,宽窄之分,指的距离有松紧之分,手指有长、短、粗、细、强、柔之分,不强能求一律。根据乐曲要求,对照各种不同版本,分析、考虑、确定指法,并赋予它一定的艺术处理,是钢琴教学中提高学生音乐表现力的重要环节。正确的触键犹如画家的神笔,笔下生花,反之则是拙劣的涂鸦。此外,还需要正确运用踏板。踏板的学习和运用是音乐表现的重要内容。俄罗斯钢琴家安东鲁宾斯坦曾说“钢琴的踏板是钢琴的灵魂”,他甚至夸张地提到能运用好踏板,就是演奏成功的四分之三。钢琴的踏板使用首先要以和声、色彩效果的需要、以作品的不同风格为依据。例如三个踏板,即强音踏板、柔音踏板和保留音踏板,作用各不相同,如强音踏板能产生很多泛音,使声音更优美、更和谐,根据需要按踩踏板的深浅,可分为全踏板、半踏板、四分之一踏板、三分之一踏板等。教师必须要求学生了解三个踏板的不同作用,分析乐曲和声的进行与层次,按照不同色彩、不同风格来运用踏板,使其成为音乐表现的重要手段。
二、学生把握音乐作品内涵能力的培养
分析和理解钢琴作品,启发学生把握好作品的风格和情感,是学生能够充分表现钢琴作品的重要前提之一。只有让演奏者与表现作品之间产生共鸣,情意交融,演奏者才能进入忘我的境界,完全沉浸在作品的意境之中,演奏出来的音乐才会有感染力,演奏技巧也往往能够得到充分的发挥。如果对作品的内涵没有把握好,把活泼的作品弹成了抒情的,或者是把舞曲弹成了进行曲,那就会变得一塌糊涂,更不要说去表现音乐了。作品内涵的把握离不开作品创作意图的认识。任何艺术背后都隐藏着创作者的心声。而创作者必定则生活在当时社会大环境中的人,因而对时代背景的了解也有助于更好认识作品创作意图。首先,教师帮助并要求学生理解作者及其创作意图。一首音乐作品往往是作曲家内心体验的再现,只有理解和掌握了作品所内含的感情,并用熟练的技巧来表现,这样弹奏出来的音乐才有生命力和感染力。我们在教学中,了解作者的有关情况和他的创作意图,要善于从理解入手,启发、引导学生深入理解、细心体会作品的内容。采用恰如其分的方法,把一部作品经过彻底地消化,有血有肉并富有感染力地再创造出来并展现在我们面前,使我们透过谱面上的音符,深入体会到作品的潜在含义和音乐语言特点,掌握作者所要表达的形象和感觉。使我们不至于“就事论事”地、“完成任务式”地演奏,既“站得高看得远”又“设身处地”地“进入角色”,对作品从“泛泛的了解”变成“切身感受”,并通过自身的演奏“言之有物”地表达出来。正如一个“读不懂”贝多芬的人,就无法把握他那大智大仁大勇《命运》的灵魂,也就无法把它的艺术魅力淋漓尽致地演奏来。其次,要把握作者的时代背景。音乐是以感悟的形式出现的,但是在这个形式内部都凝聚着深厚的文化内涵,每一部音乐作品都产生于特定的时代和环境,它同创作者的世界观、人生观、美学观有着密不可分的关系。例如:中世纪的音乐创作是严格遵照已定的法则来写作,古典时期的音乐创作主要是为满足一些人或机构对音乐的需要而创作,浪漫时期作曲家们从不同的角度来考虑自身在社会中所起的作用,并探索个自作品的社会作用和美学,因而这时期的音乐创作过程是与作曲家强有力的内心冲动相联系的。等等……只有演奏者对当时的生活具有深刻的感受和见解以及良好的素养,才能真正领会创作者在作品中要表达的内容。多了解熟悉而同时代的美术、舞蹈、戏剧、电影、文学、诗歌等多种艺术为我们开启了理解时代的窗口,只有学生广泛涉猎这些姊妹艺术作品,并逐渐融会贯通,才能使学生对音乐作品的内涵有着更为深刻的理解。
三、培养学生对音乐敏锐的听觉和想象力
音乐是通过声音来塑造形象、表达情感的艺术形式。无论演奏者还是听众都需要通欣赏音乐,鉴别其艺术效果的优劣。大凡优秀的演奏者都是有敏锐的听觉和内心歌唱性的这种能力。因此在教学中,我们要培养出一双有着高度审美力和鉴赏力的敏锐“耳朵”是至关重要的。钢琴演奏都必须具备敏锐的音乐听觉能力,使之能胜任钢琴音乐的演奏要求。培养学生的敏锐听觉,一方面要让学生学会“聆听”自己的琴声。启发学生善于聆听自己演奏的“音质”,听时要充满对音乐的追求与想象,努力分辨自己弹奏的声音是否符合作品的要求,是否能恰如其分地表现音乐内容,使他们逐渐对悦耳动听的声音充满追求与想象。通过让学生对钢琴音色、音质的辨听与理解,以及对旋律感、节奏感和多声部和声听觉感的把握。从而达到培养学生在钢琴演奏中音乐表现力的目的。另一方面,还应该让学生多欣赏一些经典的音乐作品。不仅要听钢琴音乐,还要涉及到优秀的声乐、器乐作品,并对歌剧、交响乐等音乐形式有所了解。从广博的音乐世界里汲取营养、开阔视野、提高修养,才能增强对音乐的感受力。我们在教学中就有这样的体会,如果教学生一首他曾经听过的乐曲,那么他对音乐的领悟就会快得多,教学也变得较为顺利。因此,应该鼓励学生抓住一切机会欣赏音乐,尤其要多听名家的演奏。听后可谈谈自己的感受,大胆地进行评论,并与教师或其他人交流。这也是加强听力训练和提高音乐表现力的有效方法。另外,提高学生音乐表现力还要注重对其音乐想象力的培养。通过教师生动的语言,把学生带入到艺术情境中,放飞学生而对音乐想象力。教师的语言越生动,学生的艺术想象就越丰富。需要指出的是,除了课堂教学外,艺术实践也是高师钢琴教学不可缺少的部分。课堂教学是系统地学习技术、作品,而实践则是进一步把课堂上学到的东西加以巩固和深化,不管是以上培养学生扎实的基本功和娴熟的演奏技巧还是灵敏的听觉感受和音乐想象力,都需要在实践中巩固、提高。作为教师我们也可以带着学生到艺术中专院校举办钢琴普及讲座,让他们上台演奏,让他们能到艺术院校教孩子们弹琴,让他们在艺术实践和教学实践中不断提高音乐表现力。
之前也是为为论文苦恼了半天,网上的范文和能搜到的资料,大都不全面,一般能有个正文就不错了,而且抄袭的东西肯定不行的,关键是没有数据和分析部分,我好不容易搞出来一篇,结果还过不了审。 还好后来找到文方网,直接让专业人士帮忙,效率很高,核心的部分帮我搞定了,也给了很多参考文献资料。哎,专业的事还是要找专业的人来做啊,建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目,分享给大家: 论音乐听觉在钢琴教学中的实践 高校钢琴集体课教学模式探索 吕其明《红旗颂》双钢琴版本的演奏分析 试析贝多芬《第六钢琴奏鸣曲》Op10No2第一乐章 贝多芬《c小调第三钢琴协奏曲》Op37作品分析 莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色 试论西方音乐史对钢琴演奏的影响 开创“中国风”钢琴语境 由钢琴考级引发的琴童教学思考 从智能钢琴集体课看钢琴教育的新探索 大数据网络时代的钢琴教学构想 高校钢琴教育提升学生音乐素养的路径 OBE理念下高师钢琴课程教学改革探析 学前教育钢琴即兴伴奏教学的实践探索 传统与当下:博雅教育理念与钢琴教育相融合的理论思考 钢琴伴奏在高职艺术院校声乐教学中的作用分析 《钢琴家》:那些见过战争的人,怎么会不憎恨战争 疫情期间“互联网+”在高校钢琴教学中的实践应用探讨 钢琴界“扫地”朱晓玫:只想躲在音乐背后 基于核心素养的高职钢琴教学策略探讨 基于人工智能的钢琴编曲音色识别系统设计 浅析中国古典舞基训与芭蕾舞基训钢琴伴奏的差异 巴赫康塔塔钢琴改编曲《羊儿可以安静地吃草》乐曲分析及演奏处理 浅析黄自艺术歌曲的钢琴伴奏 浅析钢琴曲《浏阳河》的音乐技巧与情感表现 浅析舒伯特艺术歌曲钢琴伴奏的魅力 浅探克拉拉·舒曼的钢琴生涯 王建中改编钢琴曲的艺术手法与特征 职业学校钢琴课程教学模式及课程体系拓展研究 钢琴演奏教学中听觉培养的价值探讨 钢琴演奏教学中如何培养学生的心理素质 试论钢琴基本功练习在钢琴学习中的重要作用 浅析慢练在钢琴练习中的作用 巴洛克歌剧咏叹调钢琴伴奏教学研究 贝多芬钢琴奏鸣曲演奏风格及创作特点探析 对中职学前教育专业钢琴课教学的思考 浅谈儿童钢琴快乐教育 中国钢琴作品《皮黄》的曲式特征与艺术特性 钢琴伴奏在艺术歌曲中的作用 钢琴即兴伴奏在小学音乐课堂教学中的应用策略探析 钢琴家的脚 学前教育专业核心素养下的钢琴教学策略 探析高职学前教育专业培养和提升学生儿歌钢琴伴奏能力的方法 浅析个性化教学法在高职钢琴弹唱教学中的应用 高校钢琴教学“归元”思考 浅析管弦乐钢琴伴奏艺术 现代音乐美学对钢琴演奏的启示 高校钢琴即兴伴奏教学的创新模式探析 音乐专业钢琴弹唱能力培养方法解析 胡同里的钢琴师 浅析钢琴制造工艺对触键和音色改变的重要性 高校钢琴教育中学生音乐素养的培养 音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的措施分析 中职学前教育钢琴即兴伴奏课程有效分层教学分析 关于钢琴教学中的审美教育与情感教育 中职学前钢琴教学中的课堂语言艺术探究 幸福的钢琴 对高校钢琴课程体系中学生综合能力培养的研究 过程性评价的内涵、价值及其在独立学院钢琴教学中的应用 中西方钢琴艺术的文化融合 中专音乐表演专业钢琴教学方法探究 简论丁善德钢琴音乐的成就、特色与演奏 藏羌彝民间舞蹈钢琴伴奏编创论略 钢琴艺术欣赏中的审美意识分析 元认知理念指导下的师范类院校钢琴启蒙教学研究 学前教育钢琴基础教学的实践研究 信息化环境下的高职学前教育专业开放式钢琴弹唱课堂教学策略研究 分层教学模式在高职钢琴教学中的应用研究 互联网时代下的钢琴教学形式研究 微课在高校音乐教育钢琴课程中的应用研究 在线钢琴教育的利与弊 雅俗共赏角度下钢琴曲《炎黄风情·走西口》音乐分析 钢琴组曲《圆明园漫步》创作风格及演奏特征研究 钢琴伴奏在合唱艺术中的作用 浅析肖邦《b小调第一钢琴谐谑曲》的演奏技法 高叠和弦在格里格钢琴抒情小品中的应用 贝多芬C小调奏鸣曲对西方钢琴艺术史的发展影响探究 琵琶曲与钢琴改编曲《十面埋伏》的比较研究 浅析路德维希·范·贝多芬第7钢琴奏鸣曲作品10之3中的踏板使用 内心听觉在高师钢琴基本技术训练中的应用探索 高职钢琴教学中体验式教学法的运用探讨 双钢琴教学对学生钢琴学习能力培养的作用 信息化环境下钢琴教学模式的创新 浅谈少儿钢琴学习兴趣的激发与培养 高校音乐师范生钢琴合奏能力的培养与实践 试论钢琴的调音及日常维护 浅论中国钢琴音乐作品的组织结构与演奏 钢琴演奏中的触键技巧与音色效果探索 钢琴曲《百鸟朝凤》中的民乐元素渗透 李斯特钢琴曲《夜莺》的演奏诠释 波特凯维茨与他的钢琴练习曲 “思政”视域下美育与高校钢琴教学的融合研究 简析钢琴演奏者的心理因素对表演的影响 钢琴演奏中的音乐听觉作用探讨 《安娜的笔记本》在民办高校钢琴基础教学中的运用 高校钢琴教学中比较教学法的应用 立德树人视域下的钢琴教育创新研究 高职院校钢琴审美教学的设置与教学方式探索 幼儿园钢琴教学中形象化的教学语言研究 钢琴小品《喷泉》曲式结构与演奏分析 浅谈合唱中钢琴部分的运用 钢琴演奏与教学中的触键技巧问题研究 钢琴演奏中触键与踏板对音色的影响
戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文
当代,论文常用来指进行各个学术领域的研究和描述学术研究成果的文章,简称之为论文。它既是探讨问题进行学术研究的一种手段,又是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。下面是我帮大家整理的戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文,仅供参考,欢迎大家阅读。
摘要:
戈特沙尔克是美国第一位获得国际声誉的钢琴家,也是第一位采用了美国黑人、克里奥尔人民间音乐和拉丁美洲音乐节奏和旋律的作曲家,他一生创作了大量的钢琴作品。本文从戈特沙尔克的主要钢琴作品入手,探究他音乐创作的道路,探讨他的音乐特征和他独特的音乐风格,让更多的人了解戈特沙尔克,走进戈特沙尔克。
关键词:
戈特沙尔克;钢琴作品;民间音乐;舞蹈性
一、戈特沙尔克的生平
1829年5月8日路易斯莫劳戈特沙尔克(LouisMoreauGottschalk)出生于美国新奥尔良,他的父亲是英国人,母亲是克里奥尔人,他有六个兄弟姊妹,住在新奥尔良法国区里的一间小屋里,后来和亲戚搬到新奥尔良孔蒂街,他的外祖母和保姆都出生在圣多明格岛(后称海地)。因此,他在那里接触到了各种传统音乐,如克里奥尔的旋律和加勒比海的节奏,以及悠扬的民歌。他很小就开始演奏钢琴。音乐天赋很快就显露出来,1840年小戈特沙尔克在新圣查尔斯酒店首次非正式的公开露面,人们把他称作为神童。1842年,年仅13岁的戈特沙尔克离开美国前往欧洲进行学习,并意识到要想达到他的音乐目标就必须经过专业的训练。在他13岁就能做出这样职业化的规划通常情况都是和父母的雄心壮志分不开的。从他的信中能清楚地看出,他对自己有着极高的要求。他在写给他母亲的信中这样写道:“我很期待我自己在两年或更短的时间能够自食其力”。
然而在欧洲,戈特沙尔克有一个颇为坎坷的开始,巴黎音乐学院拒绝了他的申请,他只能私下跟随查尔斯哈莱(KarlHalle)、卡米尔斯塔梅第(Camile-MarieStamaty)和皮埃尔梅里顿(PierreMalenden)进行学习,之后又师从柏辽兹。1844年举行的钢琴首演确立了他职业生涯的开始,并得到了肖邦的高度赞扬,肖邦预测他很快将成为本世纪最重要的钢琴家之一。当他享誉欧洲后,于1853年回到美国,举行了一系列的音乐会,他可能试图逃避一个他认为被自私和虚荣支配的环境,重新适应美国文化这个问题似乎一直伴随着他。在今后的岁月里,他不得不为谋生而开始他走南闯北的日子。
1854年,戈特沙尔克在古巴停留了很长的时间,他的音乐兴趣正逐渐转向中美洲和南美洲。19世纪60年代,戈特沙尔克确立了他在美国音乐界的地位,很大部分原因都和他的勤奋息息相关,仅用了四个半月的时间就在纽约一个地方演出了85场音乐会。1865年5月旧金山报纸上这样提到他:“通过铁路走遍了95000英里,举行了1000场音乐会”。波士顿出版社的音乐杂志这样评论道:“说实在的,我们还没有听到过比这更辉煌的演奏……他的演奏极其潇洒、峻峭,表现得雅致而万无一失;触键干净利落,优美清脆;运指洗练、流畅;音型总是那么匀称、确切;快速的八度经过句,操运得其妙惊人。从此,我们也许就品尝到名家演奏技巧的特有醇味了”。戈特沙尔克在1865年9月遭遇了他人生中的一个急转弯,他与他的学生在奥克兰女修女院的丑闻被曝光后,他不得不离开美国前往南美洲,开始着手他的巡回演出。在那里他开始了他频繁的音乐会,他前往智利圣地亚哥、布宜若斯艾利斯、里约热内卢等地方举行音乐会,向南美洲的观众展示了他的技艺,赢得了热烈的赞赏。1869年戈特沙尔克不幸在里约热内卢得了黄热病,苦熬了三个星期后年仅40岁的艺术家在巴西迪如卡地区病逝,由于他的英年早逝使他鲜为人知。
二、戈特沙尔克的主要钢琴作品简析
《冥想曲“垂死的诗人”》(TheDyingPoet,)。作品创作于1863年,出版于1865年,是戈特沙尔克的代表作之一,也是他在音乐会中演奏次数最多的曲子。这是一首悲伤的作品,6/8拍,降E大调,行板。此曲采用三部曲式写成,8小节的引子后,如歌的主旋律从低声部奏出,随后忧伤的旋律移到高声部,高声部采用重复音的出现,把该曲推上了高潮,最后以极弱的力度来终结诗人的情绪。此作品是戈特沙尔克的转型性的作品,在此之前他的作品大都是以舞曲为主,此曲是他在他的父亲去世后创作的,悲伤的情绪在曲子中也有深刻体现。《波多黎各的回忆》(SouvenirdePortoRico,)。作品是一首拉美风格的作品,副标题为《吉巴罗斯进行曲》或《农民进行曲》(MarchedesGibaros),Gibaros就是当地的农民。
第一次听到这首曲子时,竟有种在听李斯特一首未曾面世的作品的错觉:明快的感觉与铿锵节奏的交织,充分发挥着钢琴的演奏技巧。1853年到1854年间以及1857年到1862年间,戈特沙尔克抵达古巴,在这段时间里他游览了波多黎各、海地等国,这首作品就创作于1857年,取材于波多黎各的一首圣诞歌曲,2/4拍,降e小调,变奏曲式。在这首作品的创作中,作曲家将四种典型的加勒比海地区的节奏和类似波洛涅兹的节奏融入其中,写成了一首变奏曲变奏而成。此曲一开始从pp开始,经过四次变奏将全曲以ff推向高潮,最后又渐渐地消失在人群中,仿佛让我们感受到行进乐队从远处正朝着我们走来,从身边经过,又逐渐远去。《冥想曲“最后的愿望”》(TheLastHope,)。这是一首为迎合当时观众喜好的作品。1853年10月,戈特沙尔克的父亲去世,他深深地陷入了沉痛之中。为担负起家庭的重担,他不得不到处去演出来增加自己的收入。此曲也是戈特沙尔克广为流传的作品之一,于1854年出版,伤感中又带有甜美的感觉。
作品先以b小调开始,再转向B大调,是一首单二部曲式的作品,3/4拍。戈特沙尔克用简单具有浪漫主义悲歌性的旋律描述出悲伤的情绪,运用了很多快速音群、颤音等华彩手法来表达虔诚的情怀。《西班牙随想曲“阿拉贡风格霍塔”》(LaJotaAragonesa,CapriceEspagnol,)。这是戈特沙尔克的代表作之一,系作曲家为10架钢琴而作的《华丽的钢琴交响曲“在萨拉戈萨”》(ElsitiodeZaragoza)的片段。10架钢琴交响曲堪称钢琴史上的首创,曾先后演出过两次,一次在马德里,一次在哈瓦那。作品取材于西班牙的'霍达舞曲(Jota),霍达舞曲(Jota)是流行于西班牙阿拉贡(Aragon)地区的一种民谣和民俗舞蹈,快速地三拍子节奏,一对或多对男女在一起以跳跃和旋转的方式跳起激烈的舞蹈,常采用吉他、铃鼓、响板、班杜里亚琴(Bandurria)等乐器来伴奏。戈特沙尔克的这首曲子就是建立在阿拉贡舞曲的基础上,降E大调,6/8拍,采用三种固定的伴奏音型,欢快、热情,具有典型的西班牙音乐的风格。《安达卢希亚的回忆》(Souvenird’Andalousie,)。这是戈特沙尔克1851年在马德里的一场音乐会上即兴创作表演的一首音乐会随想曲。作品为d小调,3/4拍。该曲是根据西班牙民间歌舞的旋律进行变奏而创作的,高音区的音色十分鲜明,速度较快,几乎都由二度和三度音程写成,三连音的节奏让我们感受到了西班牙音乐的自由奔放、开朗和热情。
三、戈特沙尔克钢琴作品的艺术特色
(一)作品的民间音乐特性
戈特沙尔克生于美国奥尔良市,他的父亲是英国商人,母亲是具有法国贵族血统的克里奥尔人,少年时代曾住在新奥尔良法国区里,他的外祖母和保姆都出生在圣多明格岛,他的祖父在圣罗斯地区做总督时拥有农场和黑奴。因此,在他童年时代就接触到了各种传统的民间音乐,少年时代他又到欧洲学习了11年,在接下来用11年的时间旅行、演出,横跨两大洲,深入到了民间,接触到了劳动人民的音乐,扑捉到加勒比海的节奏和种植园的旋律。这些音乐里包含了很多的舞蹈音乐,使得他的作品也极具舞蹈性。
(二)跨国界的音乐风格
戈特沙尔克所处的时期正是民族主义音乐刚刚盛行的时期,他的音乐作品风格既继承浪漫主义音乐的创作风格,同时也具有民族乐派的音乐风格。他从小在克里奥尔音乐的熏陶下成长,又受到欧洲音乐的影响,并在南美各国有一系列的巡演。他的创作也取材于美国当地印第安人及黑人音乐,从中捕捉到了民间舞蹈的节奏,特别是黑人舞蹈的独特节奏。并在自己的创作实践中不断地加以吸收、利用、扬弃、尝试和创新。这些经历使得他最终形成了他自己独特的创作风格,作品不仅具有美国本土的克里奥音乐的特点,同时还具有西班牙音乐和南美洲音乐的特点。
(三)作品的技术特色
1.模仿性手法的应用19世纪初钢琴的发音装置和击弦系统都得到了改良,踏板也得到了充分的使用,作曲家力图用更多的方法将钢琴的表想力发挥到最大化。戈特沙尔克就常采用一些创作手法去模仿民间弹拨乐器、打击乐以及动物的叫声。如《安达卢希亚的回忆》中就有对吉他的三连音轮指的模仿;《班卓琴》(TheBanjo,)是利用钢琴模仿流行于非洲的一种民间乐器班卓琴的作品;《拉加丽娜》(LaGallina,)从附点节奏的主题中能听到模仿母鸡的叫声出现,等等。
2.舞曲特性节奏在戈特沙尔克的钢琴音乐装作中,常采用舞曲特性节奏为主导,具有极强的舞蹈性。《西班牙随想曲“阿拉贡风格霍塔”》取材于西班牙的霍达舞曲,节奏欢快而活泼。《波多黎各的回忆》取自于波多黎各的一首圣诞歌曲,采用了南美洲的探戈节奏,节奏丰富而富有热情。《舞蹈》(Danza,)一开始就以法国波尔卡音乐出现,随后转入到一种西班牙舞蹈的哈巴涅拉的节奏上,再加入独特的切分节奏,更加显现出舞曲的特征。
3.炫技手法的运用戈特沙尔克的钢琴技巧有许多是借鉴李斯特的技巧,但他的作品中很少使用辉煌的技巧,他偏爱使用高音区的明亮音色并在高音区做出华丽的炫技,更多的是使用重复音、颤音、装饰音和经过句,以及使用大量的切分节奏,从而表现出轻快和活泼的舞蹈性。如在《巴西国歌变奏曲》()和《波多黎各的回忆》中,他都采用了和弦震音以及切分节奏的创作手法,这些炫技手法使作品更加绚丽,具有迷人的魅力。
结语
19世纪的美国音乐正如海绵般不断地吸收着欧洲音乐带来的精华,在20世纪之前美国的音乐都是用欧洲音乐的标准来建立的,是戈特沙尔克把美国音乐推向了世界。戈特沙尔克从小的生活环境和各地的巡演经历给他的创作提供了多民族的音乐创作要素,他到民间捕捉到了劳动人民的音乐,吸引着他创造出新奇而独具特色的音乐,使这些民间的舞蹈和歌曲能够以钢琴音乐的形式得到充分的展示,他对美国音乐寻找自身民族特色的探索做出了极大的贡献。