笙的演奏技巧
笙的演奏主要应注意呼吸的运用以及舌与手指的互相配合。谈笙的演奏技巧，也就是要说明气、舌、指这三者运用的相互配合关系。其中，呼吸运用和舌的动作称口内技巧，手指动作（指法）称手指技巧。下面就来和我一起看看笙的演奏技巧吧。
一、口内技巧
口内技巧包括平吹和吐音两类及花舌、喉舌、颤音等。
（一）平吹
也称缓吹，吹奏时气流由口中徐缓地呼出和吸进。口内不存气，气流要均匀吞吐，舌在口中平放，处安静状态，吹出的音要平稳，不可忽弱忽强，还要控制两肋，吹时不鼓，吸时不凹。
（二）吐音
吐音是一种重要的口内技巧，用途很广，演奏每首曲子几乎都离不开吐音。每一个乐曲开头的音、向上大幅跳跃的音以及节奏较快、奔放的乐曲常用吐音吹奏。吐音分单舌吐音、双舌吐音和三舌吐音三类。
1.单舌吐音：吹奏吐音时，舌的运用与说话时舌的动作比较接近，但吹气时要注意运用技巧。单舌吐音又可分为软单舌、中单舌、硬单舌三种。
（1）软单舌：舌放松，舌尖抵住上腭，依靠气息的冲击，舌头自然伸开，结合声音发出一个“冷”（按普通话发音）字来，这样快速连续的舌尖运动就是软单舌的效果。软单舌吐音的效果可以使曲调各音之间连贯、流畅。
（2）中单舌：把舌尖顶在上牙和上牙床之间的位置上，依靠气息的冲击，舌尖突然打开，结合声音发出一个“打”字音来，就是中单舌的效果。
（3）硬单舌：它是一种有特殊效果的吐音，比其它吐音都结实、有弹性。舌尖用力顶在上牙和下牙中间，将横隔膜提起，用足气，依靠气息的冲击，将舌突然冲开，结合声音发出一个“邓”字来，就是硬单舌效果。
2.双舌吐音：它是从单舌吐音的基础上发展出来的一种吹奏方法。乐曲在快速进行中，单舌达不到要求速度时，就要用双舌吐音吹奏，双舌吐音分为软双舌、中双舌和硬双舌三种。
（1）软双舌：它是从软单舌发展而来的。舌要自然向上卷起，舌尖顶住上腭，利用气息的冲击，发出“冷”字音来，随着舌尖放下，紧接着又发出“跟”字音来，把“冷跟”二字连续起来就是软双舌的效果。
（2）中双舌：也称双吐，它是从中单舌发展而来的。舌尖用力顶在上牙和上牙床之间，由气息冲击，舌尖突然离开，发出一个“打”字单音来，随着舌尖离开，紧接着又发出“嘎”字的音来，“打嘎”快速连续起来就是中双舌的效果。
（3）硬双舌：它是从硬单舌发展而来的。用舌尖抵在上牙与下牙之间，用足气，依靠气息冲击突然松开，发出一个“邓”字音，随着舌的运动，舌腰和上腭相互作用，依靠气流与舌的弹性，再发一个“更”字音来，这样“邓更”快速连续起来，就是硬双舌的效果。
3.三舌吐音：它是由双舌和单舌结合构成的，它和单舌、双舌一样也分为软、中、硬三种。三舌适宜表现欢快、跳动、激奋的情绪，尤其是长时间连续吹奏，会形成很好的效果。
（三）花舌
花舌是在吹奏中利用呼出和吸进的气流对舌的.冲击，造成舌边及舌的前半部分在口腔内震动，造成某一音的快、慢、轻、重等碎音的一种奏法。花舌有吹花舌和吸花舌之分，舌的震动也有快慢之别，因而产生不同的效果。
1.吹快花舌：吹快花舌时，舌在口中自然展开，放松舌尖顶在上牙和上牙床之间，用吹出的气流冲击舌尖，从而使舌尖急速、均匀地震动，发出均匀紧密的碎音效果。
2.吸快花舌：先将舌自然展开，贴住上腭，然后将舌吸紧，把气阻在口外，再将舌尖的一侧拉开一条小缝用力吸气，让气流从拉开的小缝进入，冲击舌的边沿部分，使舌的边沿部分震动起来。
在上述两种花舌的吹奏基础上适当降低舌的震动频率，就产生了另外两种吹奏方法——吹慢花舌和吸慢花舌。这里不在赘述。
（四）喉舌
喉舌（也称呼舌）是一种很有特色的口内技巧。吹奏时用鼻呼吸，喉部肌肉放松，舌尽量往回缩，用舌根带动整个舌来回迅速地悬空抽动（有时舌尖稍稍触及一下上腭），利用舌的运动，在口腔内产生均匀的气流使舌震动，进而发出柔和而均匀的波状音，犹如微风吹起的湖水波纹。
（五）颤音
笙的颤音是利用人的喉、舌及腹部的运动激起强弱均匀的气流，使笙发出像弦乐器上揉弦的效果，主要用在长音上。笙的颤音分为3种：喉颤音、舌颤音、腹颤音，这3种颤音由于产生颤音的方法不同，各有特色。一般说来，喉颤音的音波较大且快；腹颤音的音波较小，慢而柔和；舌颤音则介于两者之间。
二、手指技巧
手指技巧即指法。一般分为基本指法和技巧指法两种。基本指法是技巧的基础。这里着重谈的是技巧性的指法。
笙的技巧性指法种类很多，经常使用的有颤指、倚音、历音、抹音和打音等。每一种指法和气息运用及口内技巧都有密切的关系。
（一）颤指
笙的颤指，就是手指在按孔上快速地开闭，形成颤音。在一根苗上使用时，是同音快速地反复出现，也有在两根苗上使用形成的三、四度的颤指。在运用颤指时，所颤的音要准确，音量要平衡。一般颤指的运用，以手指及手腕用力为主，有时为了使颤指速度更快，演奏得更粗犷而运用小臂的力量来带动手指。
（二）倚音
倚音是装饰音的一种，有单倚音和复倚音之分。每一种倚音又分为上倚音和下倚音。倚音一般在厚音之前，奏倚音一般用连音和吐音的奏法，奏得短促而与本音连得紧密。
（三）历音
历音是一连串音的逐级急速出现，分为自上而下和自下而上的历音，经常用在表现欢快的乐曲中，慢速度乐曲中的历音，有近似歌声的效果。
（四）抹音
抹音是在一个音孔上获得的，主要是靠手指在音孔上的逐渐开放和逐渐按闭的连贯动作，并结合气流的强弱使该音孔的音由本音起逐渐升高，又逐渐返回本音，具有特殊的效果。
（五）打音
打音是在音出现的同时，根据指法的方便，用其它几个音来衬托本音，衬托本音的各音是一响即止，手指一按一放比较急促。打音的目的是为了加强某一个音的气势。打音的强弱、软硬主要用气和舌来控制，要根据乐曲的内容、风格的要求及指法便利与否来决定多打几个音或少打几个音。
不好意思没找到.........笙是我国古老的簧管乐器，也是我国吹管乐器中惟一可以演奏和声的乐器。它是古代八音乐器之一，（八音即金、石、丝、打、匏、土、革、木。匏即笙。）公元前十五世纪，殷代甲骨文中就有关于“和”的记载（古时大笙称竽，小笙称“和”）。我国最早的一部诗歌总集《诗经》中的《鹿鸣》篇提到“吹笙鼓簧”；司马迁所著《史记》中有“女娲之笙簧”的记载。从这些史料中可以看到，笙不但历史悠久，而且在古时已广为流传。笙的演奏技巧非常丰富，其中呼舌的演奏技巧独具艺术魅力。呼舌是依据笙簧吹吸都能发音的原理产生的一种特有技法。五十年代，笙演奏家胡天泉、闫海登等人经过不懈探索，将这一新技巧运用于个人的创作和演奏，获得成功，极大地丰富了笙的艺术表现力。呼舌，是演奏者用均匀而微颤的呼吸力量，使乐器发出柔和而具有颗粒状的波浪音，其音响效果近似弦乐器的抖弓。吹奏这一技巧时，必须始终保持正常的鼻呼吸状态，咽喉肌肉放松，舌头悬空，尽量向后缩成团形，打开缝做含水漱口的动作；同时舌根向后收缩，将喉咙打开，使整个口腔至喉头部位向周围扩张（喉咙下降），气流被吸入。舌根向前移动的同时，喉臂向内收缩（喉结上升），迫使气流呼出口外。运用舌根前鼓后抽交替和咽喉来回扩张收缩交替两者相结合的力量，牵动整个舌头在口腔内有节奏地急速伸缩，构成口内气流的频繁进出。呼舌技巧的最大特点是口腔内使用“来回气”（不通过肺部）与鼻呼吸（通过肺部相分离），二者各引其“道”，互不干扰；即用喉头、舌头的联合运动，使气流在口内作极快速的吞吐交替，鼓动簧舌发音。因此，呼舌又有“喉舌”之称。由于呼舌的气息来源不是直接依靠肺部扩张与收缩供给，而仅仅靠口腔内舌、喉的抽动所获得，所以，比其它口内技巧的气息流量要少得多，音量也比较小。在气流吞吐的口腔范围内，空间的扩张范围和舌根的前后伸缩距离反差愈大，则吸入或呼出的气息愈多，乐器发出的声音亦愈响。相反，如果口腔空间狭小，舌的伸缩动作不大，则吸入或呼出的气息必然相应地减少，因而发出的声音也就比较微弱。倘若需要加强声音的力度时，便要最大限度地调动有关器官（舌、腮、喉、唇）的活动能量，以便获得更多的气息。呼舌练习应注意：①尽量保持舌的松弛状态，避免僵硬，舌向前后移动时，舌尖不要触及前方的上下门齿和上颚，应将舌根两侧边缘与臼齿面的摩擦减少到最低程度，以便保持舌运动的最大灵活性。②还要防止舌根与软腭贴得太紧，不然将会导致舌头过分紧张，从而影响伸缩的速度，这样发出来的声音既显得笨拙，同时也缺乏弹性。③禁忌鼓腮，以免影响演奏形象。同时还要防止嘴出现漏气现象，避免造成气息的浪费，以便保证有效的气源。呼舌音运用乐曲中，根据旋律所表达的不同情绪，不同风格，常常配以轻、重、缓、急不同的“打指”，犹如绿叶红花之趣，画龙点睛之妙。呼舌技巧，由于其音响具有恬静、清幽、甜美、华丽等特点，最适于表现大自然的绚丽景色，刻画乐曲中尽善尽美的意境。呼舌多用于散板或优美抒情的慢速旋律。用在表现诸如彩旗招展，麦浪翻滚、田园宁静、山雾蒙蒙、小溪流淌、鸟羽抖动等富有诗情画意的音乐段落，其表现力就更具独到之处。例如：《凤凰展翅》片段引子中，短短几小节的呼舌“唏嘘”之声，将百鸟之王——凤凰轻轻抖动羽翼展翅欲飞的优美姿态，描绘得惟妙惟肖。练习呼舌时，也可不借助乐器，只将唇缝打开，运用漱口动作，口内便会发出清晰可闻的快速气息。气息越大越快，结合到乐器上发出的碎音就越响越密。为了获得满意的呼舌效果，还必须注意乐器的维护，应严防笙脚与笙杆连接处漏气，并且要及时为簧片“敖缘”，使簧舌振动灵敏度永远处于最佳状态，否则，演奏起来会很费气息，甚至还可能出现有些音能“呼”出，而另一些音则“呼”不出来的音响不平衡情况。只有把口腔动态和乐器维护做到良好统一，才能吹奏出高质量的呼舌音。
掌握笙的吹奏和吸奏技巧，首先要有正确的演奏口型。正确的笙演奏口型应该是：面部的两颊稍用力向内收紧，口轮咂肌帮助上、下嘴唇稍用力靠紧上、下牙床，嘴唇中间松开一个小椭圆型，然后对准传统笙的吹嘴，稍加一点压力即可演奏，如果演奏30多苗全封闭加键笙，则口轮咂肌帮上、下嘴唇中间稍用力含住壶型吹嘴，要求演奏中吹、吸均不漏气。要正确的掌握笙演奏口型，一般是从演奏长音开始练习。练习者可以每分钟60拍的速度，吹奏长约8拍的长音，然后吸奏同样时值的音符。初演奏时，演奏者会觉得吹奏长音比较容易，吸奏长音则往往坚持不了8拍。究其原因，一般是吸奏时嘴形容易松动而造成有空隙，空气就从此处流入演奏者肺部，使演奏者的肺部不到8拍则过早地吸满了空气，吸奏则无法持续8拍。可见，要控制好气息，必先讲究正确的笙演奏口型。在笙演奏中，呼与吸的气息都要求均匀有力，一般来说，慢速吸气演奏后，接着就是慢速呼气演奏，快速吸气演奏后，接着就是快速呼气演奏。吹奏时气息要向笙斗方向翻滚送气；吸奏时则“感觉”气息从笙斗向自己的腹部翻滚进入。为了达到一些乐曲表现需要，笙演奏者经常要在肺部储存和释放很大的气量。例如：需要奏出强有力的和声音响，需要吹奏较长的长音作渐弱至结束的一些乐曲，这就要求笙演奏员需要有很好的气息技巧，一口气坚持到底。要达到此目的，就要通过训练来掌握多种呼与吸的方法。笙的吹奏与吸奏主要方法可分为以下几种：一是胸式呼吸方法。由胸部肌肉向内收缩，挤压肺部气息吹奏，笙演奏者吹奏到肺部残存一点气息时，胸部向外扩张，吸奏气流进入肺部。这种演奏方法几乎没有使用腹部肌肉，因此可称为“胸式呼吸方法”。使用此方法的优点是：吹奏与吸奏交递时间非常快，一般应用在乐曲偶然出现一次的“点描”。此种方法的缺点是：肺部吸入与呼出的气量不能达到较大值。因此，气息不能支持较长的乐句。二是腹式呼吸法。将横膈膜下降，引导上腹和下腹向外扩张。笙演奏者吸奏时，感觉气息逐渐充满整个腹部和腰部；吹奏时，小腹肌向上稍用点力，上腹腔仍需保持住扩张后形状，气息均匀地气吹出，腹腔和膈肌逐渐恢复到演奏前自然状态。此种演奏方法可称为“腹式呼吸法”，使用此方法的优点是：肺部吸入与呼出的气量能达到较大值，气息可支持演奏较长的乐句，还可根据音乐需要做出腹式颤音。其缺点是吸气太深、腹肌所承担的负荷稍大，容易引起演奏者的身体疲劳。三是胸腹式联合呼吸法。胸廓下部的肋肌向外扩张，横膈膜下降，引导上腹向外扩张，小腹肌肉则稍用力往里收缩。笙演奏者吸奏时，感觉气息进入丹田（即肚脐以下大约75px处），使胸廓下部的肋肌向外扩张，上腹腔和腰肌也逐渐涨大；吹奏时，肋肌和上腹腔仍需保持住扩张后形状，气息均匀地气吹出，胸廓下部的肋肌和腹腔以及横膈膜逐渐恢复到演奏前的自然状态。此种演奏方法可称为“胸腹式联合呼吸法”。使用此方法的优点是：肺部吸入与呼出的气量能达到很大值，吸气深度适中而且充实有力，还可根据音乐需要做出横膈膜式颤音；胸廓下部的肋肌和腹肌所承担的负荷均匀，演奏者不容易感到疲劳。胸腹式联合吹奏与吸奏方法是比较科学的笙演奏型式，所以在近几十年来的中国笙专业演奏员中广泛采用。
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在古代的文献记载和诗词中，有很多描述琵琶的精采篇章。六世纪，随着中国与西部地区商业文化交流的加强，一种曲香琵琶从中亚传入，当时称为“胡琵琶”。它的形状是一个弯颈、梨形扬声器，有四根柱子和四根弦，很像阿拉伯国家常用的oud或UD。水平地握住琵琶，用拨片弹奏。现代琵琶就是从这种琵琶发展而来的。
在唐代（公元7-9世纪），琵琶的发展达到了顶峰。当时，从宫廷乐队到民歌，琵琶成为当时非常流行的乐器，在乐队中处于领先地位。这一盛会被大量中国古诗所记载。如唐代诗人白居易在其名诗《琵琶行》中生动地描述了琵琶演奏及其音效：“大弦如雨，小弦如耳语，响声如噪，大珠落玉盘”。历史上所谓的琵琶，不仅是指带有梨形共鸣盒的曲香琵琶，还有各种各样的弹拨乐器，被称为“琵琶”，“琵琶”就是根据这些乐器的右手弹奏技巧而成的。也就是说，琵琶和琵琶原本是两种演奏技法的名称。琵琶右手向前弹奏，琵琶右手向后弹奏。
当时形似琵琶、大小不一的“琵琶”，如月琴、阮等，可以说是琵琶乐器。琵琶是我国历史悠久的主要弹拨乐器。经过几代演奏家的改进，它的形状已经统一，成为一种六段二十四级的四弦琵琶。琵琶音色广泛，演奏技巧居民族乐器之首，表现力是民间音乐中最丰富的乐器。弹奏时，左手指的是相应级别的琴弦，右手戴着赛璐珞（或霍克斯比尔贝壳）制成的假指甲，拨动琴弦发音。《琵琶》是模仿中国古代演奏技法的形声字，是一部古老的作品《批准》。东汉刘锡的石明世乐器：“Pi Ba起源于胡的中间，立即鼓起，在推手之前被称为Pi，但它在手之后被称为巴，它被称为鼓，”在古代，所有演奏这种乐器的乐器叫做琵琶，如阮、三仙、秦琴等。
宋代以后，琵琶成为一种曲颈半梨形音箱的乐器弹拨乐器的名字也叫曲靖琵琶。曲靖琵琶于公元四世纪从印度传入中国，是中国固有的弦乐乐器“弦乐时代”。隋唐时期是一种常见的乐器，经过一代又一代的改进。它不仅用于歌舞、说唱和歌剧伴奏，而且还是一种优秀的独奏乐器。琵琶有四根弦，音色清脆柔和，演奏技巧多样，表现力丰富。
音乐表演课程,提高的不仅是学生的音乐理论知识,而且能够提高学生的音乐表演专业技能,同时还能使学生具备教学、音乐组织能力,综合知识、技能、实践三者为一体。下面是我为大家整理的音乐表演专业 毕业 论文，供大家参考。
《 音乐表演教学论文 》
内容摘要：随着社会的飞速发展，当今时代急需培养适应社会全面发展的有用人才，这就给 教育 工作者提出了更高的要求，既要继承优良传统，又要与时俱进。因此，探索音乐表演的多元化教学，显得尤为重要。只有这样，才能更有效地提高教学质量，密切联系实际，满足社会的发展需求，为社会培养全面发展的合格人才。 文章 对如何采用多元化教学以及采用多元化教学所产生的实际效果进行了分析和论述。
关键词：音乐表演多元化教学
音乐表演的种类有很多，其中包括声乐、器乐、舞蹈、钢琴等专业的人才培养。多元化教学是指多种 渠道 、多种形式的教学，在音乐表演中，如舞台演出、教学实践、举办音乐会、参加录音录像，包括欣赏、观看录音录像等，都属于多元化教学范畴。当然舞台的演出形式是多种多样的，仅以器乐演奏形式为例，就有很多种，如独奏、重奏、合奏、伴奏等，这些都属于多元化教学中的一部分，都可以称之为多元化教学。实践证明，在音乐表演专业的教学过程中，在以传统教学为主的基础上与时俱进，对学生有计划地、弹性地采用多元化教学，具有良好的效果。这一教学方式受到学生的普遍认可和欢迎，学生普遍感到受益匪浅。笔者认为科学地采用多元化教学，在科技飞速发展的今天，具有深远的现实意义。
一、多元化教学的几种形式
1.舞台演出
这是音乐表演最主要的表现形式之一，是最终要达到的目的。舞台的演出形式繁多，这里重点例举器乐演奏的舞台形式。器乐演奏的舞台形式包括独奏、重奏、合奏、伴奏。
(1)独奏
只要具备演奏基础，有一定的基本功训练，具备一定数量的演奏曲目，老师就应尽可能地创造机会让学生上舞台进行表演，让学生多参加独奏的演出。独奏也需要 经验 的积累和心理素质的调试、培养。首先要把上台前的准备工作做好，例如，检查一下乐器的状态如何，音准调试得是否准确等。调整放松自己的心情，有了充分的思想准备，在舞台上才能充分发挥并展示自己的技术水平。一般音乐表演的考试大都以此种形式出现。笔者抓住考试前的机会，给学生上公开点评课，也就是每个学生上舞台演奏准备要参加的考试曲目，其他同学进行点评。同时寻找不足，当场改进。能解决的问题马上解决，一时解决不了的问题，下去反复练习，下次必须解决。通过公开点评课的训练，学生进步很快，而且在考试过程中，每个学生的进步幅度都非常明显，收效极佳。
(2)重奏
重奏不同于独奏。它讲究相互配合。因此双方的互相配合十分关键，二者是一体，在演奏自己声部的同时，也能倾听到或感受到对方的演奏声部的进行，要使两个声部有条不紊地结合，这样才能够配合好。要倾听和声的整体效果，积极主动、和谐合作、默契配合。在短学期教学期间，笔者采用多元化教学，给学生布置两首器乐重奏作品，要他们亲自演奏，体会音乐感觉。虽然刚开始对于没有过合奏经历的学生来讲，挺有难度，但最终还是坚持下来了，而且得到了很好的锻炼和提高。学生热情很高，都主动找老师给他们安排重奏训练。
(3)合奏
合奏是器乐演奏最常见的一种演奏形式，是非常重要的一个环节。平时要多积累这方面的经验，会对将来的工作有很大的帮助和影响，很多人就缺少合奏意识及合奏经验，最终无法胜任合奏。除了依靠学院的合奏课，还要寻找各种机会多参加合奏训练，及时 总结 ，不断积累经验。
(4)伴奏
伴奏是音乐表演中的另一种形式，如独奏伴奏、独唱伴奏、舞蹈伴奏等，是大家非常熟悉多见的一种形式。伴奏所处的地位不同，它处于辅助地位，起配合和烘托、衬托的作用。伴奏时要突出主旋律，要做好陪衬和铺垫工作。学生要多参加 社会实践 ，克服困难，多参加伴奏，有意识地培养自己的服务意识。
2.录音
录音和平时演奏不同，一说到录音学生就都会有一种紧张感，不过这样他们会更加认真对待，必要的紧张还是要有的，但不能失控。在没有录像的条件下，笔者就组织学生录音，每次的考试都要录下来，反复听，帮助学生查找不足之处。这对学生的提高非常有帮助。录音时演奏者本身所用的力度和平时也有所区别，因为麦克风的灵敏度极高，它所处的位置、角度的不同都会产生不同的音响效果，包括演奏者的松弛度和紧张度等，都会对录音产生影响。所以在录音时，要多讲究音色和音质。这样对录音的效果有益。在录音时，往往不用平时舞台演出时的力度，则会有更好的音响效果。否则，麦克风的灵敏度大，用平时的力度来演奏带来的噪音大，效果极差。录音时，应该多在演奏技巧上下工夫，例如，在进行琵琶演奏时左手要多加些“吟”弦的技巧，这会使声音更加有润性，音色柔美好听，获得很好的效果。
有时笔者把学生带进录音棚，进行多元化教学，表面上看给人比较松散的感觉，其实更接近于现实。实际上更接近实际，这就是实践，是学生在一对一的课堂上所学不到的知识，也是超前实现目标的良好途径。如果没有实际操作，就没有以上经验的积累。
就像学生在学校学习，只有理论基础，没有社会实践是不完美的。年轻时应抓住大好时光，勇于创造，拼搏进取，我们就会有收获，就会有成绩。如果在学校时就积累经验，等到走上社会后就能够很快地适应社会，满足社会需求。采用多元化教学，能解决这一难题。
3.录像
录制音乐要讲究声情并茂，这是表演的进一步升华，必须自然松弛，美观大方。这是听觉艺术和视觉艺术的完美结合，不可紧张或松懈。有的演奏员，一录制作品就很假，很做作，或录制不好反复地接录，这些都会对录制产生一定的影响。在学校学习期间就要定时安排录像，可以在学期的期末考试时给学生录制。先讲录制的要求，然后再由有经验的老师进行点评，找出每个学生存在的不同问题进行总结，不断积累提高录制效率。这也是多元化教学的体现。
4.举办演奏会
定期组织学生举办演奏会，对积累舞台经验大有好处。有的学生基础不好，弹奏几首曲子就没劲了，弹不动了，基本功匮乏。这样的同学就要求多练习基本功，练习力度、速度、耐力等，这些提高后，方可上台演奏。有的学生怯场，无法控制自己紧张的情绪，导致不能正常发挥和演奏。所以要多为他们创造演出机会，多锻炼从而缓解紧张度。对于特别爱紧张的同学，刚开始可以安排和其他同学一起演奏，经过锻炼逐渐适应后，再让他自己进行表演。这样就逐渐缓解了学生的紧张心理，让他们更加松弛，从而达到自由发挥的境地。5.参加教学实践
要有计划地让学生亲自参加教学实践。在短学期教学工作期间，笔者安排了两名大一年级的学生，来给两名小学生授课。课的内容是一首短小的琵琶复调二重奏作品，这些内容笔者事先并没有教过他们。对他们来说都是刚刚接触的新作品，笔者在旁边现场指导，学生们换位了，现在他们不是学生，是老师。老师在教学时，就要有迅速试奏的能力，科学安排指序、把位，还要回答学生提出的问题。这时他们的注意力是绝对的高度集中，这时他们的试谱、安排指序指法等就显得更加积极主动了。当遇到问题，笔者认为这个问题他们解决起来有难度时，就会主动有意识地引导学生一起分析解决。这样他们在小学生面前既不失去自尊，又可以进一步增强他们的自信心。当发现他们的演奏姿势懈怠时，笔者就在旁边提醒他们，注意自己的演奏形态，学生会学你们的。小同学也是不一样的，有的小同学，积极主动配合老师的思维，主动试奏，很快可以学会。有的小同学试奏本来就不快，也不主动配合老师，就等着老师一句一句地教，这就考验老师的耐力和耐心了。等到笔者送两位同学离开课堂的时候，他们异口同声地说：“老师，其实你当老师也挺不容易啊!”笔者开心地笑了。通过实践，首先，让他们懂得了老师的辛苦和用心。这样回到他们自己的课堂，他们会更加积极地配合老师的教学。其次，他们得到了教学上的训练，也为将来教学积累了经验，为他们逐渐适应社会做准备。这就是多元化教学带来的益处。所以，有计划地采用多元化教学，结合多媒体进行教学，多看、多听大师及演奏家的演奏和表演，解放思想，开阔视野，声情并茂，更有助于学生的学习和进步。
二、如何采用多元化教学
要做好多元化教学，教与学是相互的。无论是对老师的专业素质还是对学生的本身素质要求都是较高的。
1.多元化教学对学生的要求
(1)学生要具备较好的基础和音乐素质。人人知道，无论做什么，基本功都是最重要的。然而基本功的训练往往是一些学生的弱项。如何有效地调动学生的学习热情，苦练基本功，提高学生练功的积极性。对于这个问题，笔者采取了集体练功的形式，互相勉励、互相促进的 方法 ，一起练功，从而调动起学生的积极性。他们听到同学在练功，马上放下手里的工作，主动要求参加到练功的行列，取得了很好的效果。
(2)吃苦耐劳，任劳任怨。基本功训练往往很枯燥，还需要一定的体力、毅力。有的传统乐曲很长，不好背谱。这需要有能吃苦耐劳的精神，任劳任怨，不厌其烦地反复训练才能达到要求。
(3)德艺双馨。学生不但要有吃苦耐劳的精神，而且要有严禁谦虚的学风，品学兼优，德才兼备。要培养人情、人格、人性等全面发展的人才，要以此为积淀培养合格的人才。
2.多元化教学对教师的要求
教师在多元化教学中主要应实现以下方面的内容。
(1)引导启发。音乐表演本身就是对音乐作品的艺术再创造，要求学生有创新，有自己的构思和想法，教师不要过多干涉其思路，关键在于引导。在不违背音乐规律和原则的前提下，允许学生尽情发挥，给学生充分展示自己的空间。
(2)归纳重点。教师要调动学生的学习积极性。让学生有计划地学习、复习学过的乐曲，预习不同时代的新作品，分析它们的结构和特点。老师可以归纳重点，鼓励学生改编创作。通过实践，充分调动学生的学习积极性。
(3)由浅入深。音乐表演是综合性的艺术，教师要把握难度和进度，做到循序渐进，由浅入深。有了老师的正确引导，学生的积极配合，多元化教学才会取得好的效果。
当今社会需要全面发展的优秀人才，就应采用多元化教学的培养方式，培养全面发展的合格人才，更有效地满足社会发展的需求，培养合格人才。
三、实行多元化教学带来的社会效益
1.自食其力，信心倍增。笔者在多年的音乐表演的实际教学中，尝试着采用多元化教学的方式。有的学生在校期间就不断地实践，逐渐积累经验，自食其力。通过多种形式的锻炼学习，学生增强了学习热情和自信心。多元化教学收到了很好的效果。
2.理论密切联系实际。在大学生接受高等教育期间，对学生采用多元化教学，可使教学更加灵活、切合实际。这是一种非常有效的、理论联系实际的教学。
3.积累经验，符合社会发展。采用多元化教学，有助于帮助学生在校期间就不断地摸索和积累实践经验，将来他们就能够很快地适应社会发展，满足社会的需求。通过不断地探索并采用多元化教学，学生能够迅速成长，这是技术能力的培养，符合市场要求，学生从中受益匪浅。
总之，音乐表演的多元化教学，灵活多样，积极有效。它补充了传统教学方式的不足，是传统教学与现代化教学的完美结合体。多元化教学有助于理论与实际的密切配合，使学生迅速有效地适应社会的发展需求，这点是符合社会发展要求的。社会发展到今天，我们要有 文化 ，更要有能力。
《 音乐表演中创造性分析论文 》
内容摘要：音乐表演不仅仅是一种再现的艺术，更重要的是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。如何加强在表演中的创造性是众多的音乐教师和演奏者不断探索的重要课题。文章试从创造性在音乐表演中的地位及创造性与原作风格、个人风格、情感表现等方面作了探讨。
关键词：创造性原创风格个人风格情感表现
音乐作为一种表演艺术，它必须通过表演者的参与才能将其中的乐音、思想、内涵等加以传达。它不同于绘画、文学等艺术形式能够直接地展示在人们面前，使人们能够感受到它的思想内涵。音乐可以说是一时一刻都不能离开表演的艺术，单独的乐谱是不能够给人以听觉上的享受的，只有和表演一起，才使得音乐具有了不断发展的生命力。
一、创造性在音乐表演中的地位
对于一首音乐作品来说，它的形成应该由三个环节组成——作曲家的创作、演奏(唱)家的表演、听众的欣赏，这三个环节缺一不可。只有在这三个部分完整的情况下，一首作品才能完整地被人们感知，获得审美上的一种享受。作曲家的创作，毋庸置疑是作品的本源，没有这个环节的完成就根本谈不上后两个环节的存在。而演奏(唱)家的表演处于中间环节，有着重要的作用，他对于能否正确表达音乐思想，能否使作品与听众之间达到情感的共鸣，能否为听者带来美感……都起着承上启下的作用。因此，音乐表演作为“二度创作”有着不可替代的重要地位。科普兰曾经有这么一段话：“如果了解作曲家的作品风格对聆听者来说是重要的话，对演绎者来说更是如此，因为演绎者是音乐的中间人。聆听者更多地听到的是演绎者对作曲家的想法，而不是作曲家。”①所以，对音乐作品的再创造从某种程度上来说比原作品更为重要，因此科普兰还有这样一个观点：“在作完曲之后，可怜的作曲家必须把它交给演绎艺术家，任其摆布——而我们又必须记住，后者是有自己的音乐风格和个性的人。”②英国著名的指挥家亨利·伍德在《论指挥》一书中也说道：“音乐是写下来没有生命的音符，需要通过表演来给予它生命。”③而在表演的过程中，演奏(唱)者作为“执行者”势必将音乐打上自己的“烙印”。音乐表演是赋予音乐作品生命力的创造性行为，它不仅仅是原样地再现，而是通过演奏(唱)者富于创造性、独特的表演，使音乐作品焕发新的光彩。从表演艺术美学的历史来看，表演美学主要有浪漫主义音乐表演、新古典主义音乐表演、原样主义音乐表演、当代音乐表演的综合倾向这几个流派，而钢琴表演也被包含其中。在这几种表演美学的观点中，演奏者对于同一首作品都有着不同的创造性表现，这样表现出的音乐就被打上了自己的或者不同流派的“烙印”。
二、音乐表演中的创造性应该注意的几个问题
音乐表演是由具有主观能动性的人执行的，因此在表演过程中音乐作品必然要被蒙上表演者的个性与创造性。但是，这种个性与创造性的表现并不是没有“度”的随意表现，它必须遵循一定的原则，否则，演奏的音乐就会“面目全非”。笔者认为，在钢琴表演中至少要注意创造性与原作风格、个人风格、情感表现之间的关系，才能使自己的表演更能为作曲家和听众之间做好“桥梁”。
1.创造性与原作风格
任何一首音乐作品都是产生于一定的历史年代，一定的社会环境中。因此，这些作品自一出现就带有了当时历史时代的风格与审美特征，它主要表现于乐谱上，这就是原作的真实性。在音乐表演中首先应处理好的一对关系，就是创造性与原作风格的关系。真正的表演艺术家都努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并且力求将这种风格真实、完美地加以再现。他们尽可能地使自己去熟悉、体会作曲者生活的时代环境，努力体验作者当时的心理活动及思想，以便能够真切地表现作品的历史风格。著名的罗马尼亚作曲家、小提琴家埃涅斯库曾经说过：“我觉得我在演奏巴赫的一部奏鸣曲时，不置身于18世纪，那么我恐怕就不能很好地把作品表达出来了。”④在“第二次世界大战”之后，西方盛行的原样主义音乐表演不仅仅要求要严格按照原版乐谱演奏，而且还努力“还原”原来的演奏乐器、方法等等，努力恢复作品的原貌，这也是一种对作品风格的再现。当然，这样的演奏在今天看来也并不是我们大力提倡的，这毕竟是历史中的一个分支。
在表演中，除了要对原作风格进行较深入的了解，在保持原作风格不被破坏的情况下，还应该对作品进行创造性的表现。毕竟，表演者所处的时代已经与作曲家所处的时代不能完全等同，他们总是不自觉地站在自己时代的立场上，对音乐作品进行处理和创造。这样的音乐作品才更具有时代精神和美感，所以，表演者应该在自我创造性与原作风格之间找到更好的切入点，使自己的表演既能体现作曲家的原作风格，又具有自己的创造性，还能给听众以美的享受。
2.创造性与个人风格
音乐演奏是由演奏的执行者——人通过自己的认知活动而产生的，所以在这个过程中表演者必然体现自己长期形成的演奏风格。比如，在听美籍俄国钢琴演奏家霍洛维茨和阿根廷女钢琴演奏家阿格里希对同一首作品的诠释，应该有不同的感受。因为霍洛维茨更注重于技巧的表现，最大限度地发挥自身的创造个性。而阿格里希对音乐的表现更加“自我”，她综合了浪漫主义和新古典主义的表演美学观念，使她的表演焕发出新的光彩。因此相对来说，霍洛维茨的表演要稍微严谨一些。这些个人的风格就来自于演奏者长期的经验积累、知识积累，并且与自身的文化修养、阅历等也有着密切的关系。达尼埃利·玖尔克说：“表现个性是演奏者的主要任务。他应当致力于全身心地浸透乐曲的情绪，并通过如诉的音响将自己的感觉传达给听众。”⑤在音乐表演中也特别要求表演者艺术个性的自觉发挥。正是由于不同个性的存在，才使得音乐作为一种表演艺术在历史的发展中大放光彩。而表演者也将个性作为自己表演走向成熟的标志，表演者根据自身的条件，找到适合于自己的表演方式，从而形成自己的表演风格。所以，在表演过程中我们应该将创造性与个人风格结合起来，使音乐具有鲜明的个性，在表演中能够“独树一帜”。但是，在充分表现个人风格的同时还应注意一个问题：切莫将所有作曲家的作品都表演成一种风格，或者说这个也似乎有点像，那个似乎也有点感觉，这也是在表演中应该忌讳的。
3.创造性与情感表现
音乐如同其他艺术形态一样，通过音符、节奏、织体等表现手段，表达人的感情和对社会、生活的感受。音乐以其乐音的运动这种特殊的表达方式，以隐讳的手法(相对于文学作品来说)表现作曲家蕴含在作品中的感情。如果从乐曲中抽掉感情内容，乐曲就会沦为毫无意义的零碎的音响。⑥而在音乐表演中，演奏者不仅仅需要把谱面上应有的东西表达出来，还应该根据自己对乐曲的理解(这种理解包括作曲家的个性、创作时的心理、演奏者的生活阅历等)进行创造性地表演。表演者在表演过程中，应该完全进入该作品的情绪、内容，才能比较充分地表达出作曲家的本意。匈牙利伊施特万·加提写道：“如果我们想正确地演奏某一首乐曲，那么就应该在我们自身首先唤醒支配那首乐曲的热情。如果我们不适于产生这种热情，我们就不应演奏这首乐曲。”⑦比如在巴赫的赋格曲和贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲中表达的是深刻寓意和哲理性的思想，只有演奏者自己真切体会和融入其中才能使听众产生同样的感受，使听众似乎回到了那个时代。因此，表演者永远都不要做转述者，只有在我们内心唤醒对乐曲中的某一华彩乐段、某一颤音的感情时，我们才能够很好地演奏它们，那么听众也会产生一种身临其境的感觉。所以，真正富有天才的演奏家绝不会满足于那种自我陶醉的音响美，他更多的是在发音中追求一种内容上的深度和真谛，从而达到艺术的最高层次。就如同现今存在的一种现象：掌握了高超的钢琴表演技巧的青少年大有人在，但是真正能够成为钢琴演奏家的却并不是很多。浪漫时期著名的作曲家和钢琴演奏家李斯特已经给我们指出了他们之间的不同之处：“在音之诗人和普通的音乐家之间有着巨大的差别，前者力求表达自己的感受，把这些感受再现于音乐中，后者循着传统的陈规，将音符排列、组合，轻巧地超越种种障碍，得到的至多是一些新奇而任意复杂的音响配合。”⑧但是，我们也不应该有这样的想法：既然钢琴表演中需要“我”的情感表现，那么“我”就可以没有限制地随意发挥。这样的观点无疑是走入了另外一个情感表现的极端。在音乐表演的过程中，表演者应该以作品原有的情感表现为基础，糅和自我的、有节制的感情表达，这样的表演才能做到“感人至深”，使自己的艺术追求逐渐走向“真、善、美”的境界。
结语
以伽达·默尔为代表的现代释义学认为，音乐表演不仅仅要追寻音乐的历史视界，即对音乐的历史意义做出解释;另一方面，也是更重要的，解释者必须有自己的视界。从这个意义上说，音乐表演就不仅仅是一种再现的艺术，更重要的应该是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。不同的人具有不同的创造力，不同的人也具有不同的理解力，即使是同一个人在不同的时期也会有不同的音乐体验。因此，音乐就随着不同表演者不同的创造性而具有不同的姿态，而这些也恰恰构成了音乐的多样性，也体现出了演奏者的综合素质和能力。所以，创造性在音乐中不是偶然的，而是必然的。
注释：
①②艾伦·科普兰.怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版.
③闫妍.浅议钢琴教学中音乐表演能力的培养，《宿州师专学报》，2002年6月.
④引自《音乐译文》，1959年第4辑.
⑤⑥⑦(匈牙利)约瑟夫·迦特.钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版.
⑧引自《音乐的哲学与演奏者的创造》，《国外音乐资料》，人民音乐出版社编，第14辑.
参考文献：
[1]张前.音乐表演艺术论稿，中央民族大学出版社出版2004年11月.
[2](匈牙利)约瑟夫·迦特.钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版，2000年8月.
[3]魏廷格.钢琴学习指南，人民音乐出版社1997年1月.
[4]艾伦·科普兰.怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版.
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一、学生扎实的基本功和娴熟的演奏技巧的培养
扎实的基本功和娴熟的演奏技巧是提高音乐表现力的前提。要想使我们的钢琴演奏真正具有美感，首先就要有扎实的基本功训练，掌握正确的演奏技巧。
（一）正确的读谱
培养正确的读谱是钢琴教学和学习十分重要的课题。正确读谱是演奏一首作品的基础。演奏者通过认真细致地研究乐谱，对音乐作品的忠实理解进行二度创造和创作，在作曲家与广大听众之间架起一座沟通心灵的桥梁，使静止的乐谱转化为变化万千、令人难忘、丰富多采的音乐语言。读谱包含两层涵义：第一，必须严格遵循作曲家在乐谱上的一切标记，以及标记所约束和决定的意思。这里包括谱号、调号、拍号、节拍的律动、音高、指法、奏法、速度、力度、表情记号等等。因为作曲家在乐谱上标写每一个标记以及每一个音乐术语时都饱含深意。第二，要准确、科学的透过这些标记，进一步弄清乐谱的曲式结构、和声、乐句、乐段；旋律与伴奏的关系；特别要注重复调因素、注意乐谱上音符的符干朝向，弄清声部的层次，做好保持音和不同层次、不同音色的对比，决不能忽视休止符。另外，还要从谱面上的各种符号中领会音乐的内容和本质，推测作曲家的意图，以及作曲家字里行间更深刻的涵义，揭示音乐的内容和精神。譬如：对作品的创作时代、风格、旋律、节奏、和声布局、句子段落、声部、结构，音乐的性格特点，写作手法和织体特点，有什么对比，主题如何发展，有哪些高潮，最主要的高潮在哪里，以及音响的想像，使之在乐思的奔流中，展现它们应有的生命力。在教学中，要严格要求学生对乐谱进行深入细致的研究，不断地挖掘探索其中的内涵，悉心领会作曲家的创作精神，加入时代感，以至完全正确地把乐谱中的精髓全部诠释出来为止。
（二）正确掌握节奏和速度
节奏是音乐中最重要的构成因素之一。节奏展示了音乐的生命和存在，它是音乐的脉搏，是音乐的骨架，也是音乐的灵魂，任何音乐都离不开节奏。没有节奏的音乐就像人失去了脉搏，音乐可以不用乐音，但永远离不开节奏。一首作品往往是通过一种特定的节奏韵律来表现出它的性质和风格。弹奏者只有把握乐曲节奏的均代、不同作曲家、不同体裁的作品匀、弹性、动力、惯性、重音、各种特性节奏，才能和谐有致的抒情达意。加强节奏教学，培养和提高学生的'节奏能力是提高学生音乐表现力的重要途径。在教学中，教师除了要在概念上对之强调和固化，要特别强调它除了是稳定音乐的要素，更是把握音乐的运动趋势的能力，是决定提示音乐主题、增强音乐表现的根本保证。一首乐曲的特殊节奏抽象地概括这首乐曲，能使听众在丰富的联想中还原作品。如李斯特改编的《魔王》开篇便以其独特的节奏揭示了音乐的内涵。在全曲的气氛渲染中，出现的在同音上的三连音（表现疾奔的马蹄声）起着很大的作用，这时隐时现、时弱时强的三连音除了具有描绘的写实作用外，也是造成局促不安的心理的重要因素，低声部的间息乐句则暗示不时掠过的林间阴风。在教学中，教师应该选取诸如此类的具有很强代表性的作品，作为节奏的训练，注重学生的体验，并注意尽可能地体现作品的强弱、断句和起伏，使学生获得良好的直觉。所有的音乐作品，除了特有的节奏韵律外，还要凭借不同的速度来表现其不同的性质和风格。乐曲的性质指乐曲内容、情绪、形象意境等所决定的乐曲的局部特性和总体风格，而音乐风格则是遏制音乐分享有些样式或有某些元素共同兴趣的类别。而用什么样的速度去弹奏乐曲呢？要根据乐曲的性质来确定。一般来说，欢快的情绪不可能采用缓慢的速度去表现，而悲伤的乐曲也不宜快速弹奏。进行曲、圆舞曲等体裁也都有它们各自特有的速度。在教学中重要的是，教师要指导学生从中体会演奏家对作品风格的表现、对音乐的处理，以进一步掌握其音乐性质和风格。另外，练琴方法上，教给学生难点部分要单独抽出来反复练习，直到弹得和较容易的部分一样好才行。整首乐曲的速度要以难点部分所能达到的速度来确定。弹奏快速的乐曲要以慢速、中速练习为基础。
处理好力度力度就是音量，即声音强弱、轻重、大小的程度。音乐是表现人的心情的，而人的心情变化和活动不像机器那样呆板，必然有强、有弱、有急、有缓。因此力度处理对于音乐表现有着重大的意义。在古曲音乐中，一般从pp（很弱）到f（f很强）间就有p（弱）、mp（中弱）、mf（中强）、f（强）的六个不同层次。而浪漫乐派及后期作品从pppp（比弱还要弱）到ffff（比强还要强），幅度更宽，还有sf（个强）、sfz（突强）或crese（渐强）、dim（渐弱）等，这些具体的力度记号，同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。对于没有力度标记的作品，我们可依据音的自然倾向和音乐发展的自然趋势。如在弹奏音阶时，根据音一级一级向上推动的原则，我们可以把音乐处理成渐强，反之，则可以弹成渐弱。另外，音乐本身的特性也会告诉我们应该如何运用力度。如进行曲是坚定有力的，舞曲是活泼欢快的。强弱在音乐中不是一种外部现象，也没有无缘无故的强弱及变化，它同音乐表现的内容、形象及情感连在一起，在教学中还要指导从音乐表现的内容、形象去把握音乐的力度，从而提高学生音乐表现力。例如《雪绒花》主题音调在全曲中出现三次，赞颂祖国祝愿祖国之情贯穿全曲。A段节奏舒缓，旋律起伏较小。B段节奏变化出现休止，与前段相比，情绪更加激动，力度加强，要表现出主人公热爱祖国的感情。
（四）掌握良好的触键方法
旋律在音乐语言中是最具感染力的，好的旋律是音乐表现的一个方面。要想弹奏出好的旋律就需要掌握适当的触键方法。首先是指法的训练。音阶、琶音、和弦等都有它规律性的指法，如白键音阶，右手上行除F大调外都是1231234指，左手上行除B大调外都是543213—21。但没有绝对固定不变的指法。在一定的原则下，根据乐曲的要求、作曲家的风格，再结合每个弹奏者自身的生理特点、手的条件来灵活地选用指法。手有大、小，宽窄之分，指的距离有松紧之分，手指有长、短、粗、细、强、柔之分，不强能求一律。根据乐曲要求，对照各种不同版本，分析、考虑、确定指法，并赋予它一定的艺术处理，是钢琴教学中提高学生音乐表现力的重要环节。正确的触键犹如画家的神笔，笔下生花，反之则是拙劣的涂鸦。此外，还需要正确运用踏板。踏板的学习和运用是音乐表现的重要内容。俄罗斯钢琴家安东鲁宾斯坦曾说“钢琴的踏板是钢琴的灵魂”，他甚至夸张地提到能运用好踏板，就是演奏成功的四分之三。钢琴的踏板使用首先要以和声、色彩效果的需要、以作品的不同风格为依据。例如三个踏板，即强音踏板、柔音踏板和保留音踏板，作用各不相同，如强音踏板能产生很多泛音，使声音更优美、更和谐，根据需要按踩踏板的深浅，可分为全踏板、半踏板、四分之一踏板、三分之一踏板等。教师必须要求学生了解三个踏板的不同作用，分析乐曲和声的进行与层次，按照不同色彩、不同风格来运用踏板，使其成为音乐表现的重要手段。
二、学生把握音乐作品内涵能力的培养
分析和理解钢琴作品，启发学生把握好作品的风格和情感，是学生能够充分表现钢琴作品的重要前提之一。只有让演奏者与表现作品之间产生共鸣，情意交融，演奏者才能进入忘我的境界，完全沉浸在作品的意境之中，演奏出来的音乐才会有感染力，演奏技巧也往往能够得到充分的发挥。如果对作品的内涵没有把握好，把活泼的作品弹成了抒情的，或者是把舞曲弹成了进行曲，那就会变得一塌糊涂，更不要说去表现音乐了。作品内涵的把握离不开作品创作意图的认识。任何艺术背后都隐藏着创作者的心声。而创作者必定则生活在当时社会大环境中的人，因而对时代背景的了解也有助于更好认识作品创作意图。首先，教师帮助并要求学生理解作者及其创作意图。一首音乐作品往往是作曲家内心体验的再现，只有理解和掌握了作品所内含的感情，并用熟练的技巧来表现，这样弹奏出来的音乐才有生命力和感染力。我们在教学中，了解作者的有关情况和他的创作意图，要善于从理解入手，启发、引导学生深入理解、细心体会作品的内容。采用恰如其分的方法，把一部作品经过彻底地消化，有血有肉并富有感染力地再创造出来并展现在我们面前，使我们透过谱面上的音符，深入体会到作品的潜在含义和音乐语言特点，掌握作者所要表达的形象和感觉。使我们不至于“就事论事”地、“完成任务式”地演奏，既“站得高看得远”又“设身处地”地“进入角色”，对作品从“泛泛的了解”变成“切身感受”，并通过自身的演奏“言之有物”地表达出来。正如一个“读不懂”贝多芬的人，就无法把握他那大智大仁大勇《命运》的灵魂，也就无法把它的艺术魅力淋漓尽致地演奏来。其次，要把握作者的时代背景。音乐是以感悟的形式出现的，但是在这个形式内部都凝聚着深厚的文化内涵，每一部音乐作品都产生于特定的时代和环境，它同创作者的世界观、人生观、美学观有着密不可分的关系。例如：中世纪的音乐创作是严格遵照已定的法则来写作，古典时期的音乐创作主要是为满足一些人或机构对音乐的需要而创作，浪漫时期作曲家们从不同的角度来考虑自身在社会中所起的作用，并探索个自作品的社会作用和美学，因而这时期的音乐创作过程是与作曲家强有力的内心冲动相联系的。等等……只有演奏者对当时的生活具有深刻的感受和见解以及良好的素养，才能真正领会创作者在作品中要表达的内容。多了解熟悉而同时代的美术、舞蹈、戏剧、电影、文学、诗歌等多种艺术为我们开启了理解时代的窗口，只有学生广泛涉猎这些姊妹艺术作品，并逐渐融会贯通，才能使学生对音乐作品的内涵有着更为深刻的理解。
三、培养学生对音乐敏锐的听觉和想象力
音乐是通过声音来塑造形象、表达情感的艺术形式。无论演奏者还是听众都需要通欣赏音乐，鉴别其艺术效果的优劣。大凡优秀的演奏者都是有敏锐的听觉和内心歌唱性的这种能力。因此在教学中，我们要培养出一双有着高度审美力和鉴赏力的敏锐“耳朵”是至关重要的。钢琴演奏都必须具备敏锐的音乐听觉能力，使之能胜任钢琴音乐的演奏要求。培养学生的敏锐听觉，一方面要让学生学会“聆听”自己的琴声。启发学生善于聆听自己演奏的“音质”，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合作品的要求，是否能恰如其分地表现音乐内容，使他们逐渐对悦耳动听的声音充满追求与想象。通过让学生对钢琴音色、音质的辨听与理解，以及对旋律感、节奏感和多声部和声听觉感的把握。从而达到培养学生在钢琴演奏中音乐表现力的目的。另一方面，还应该让学生多欣赏一些经典的音乐作品。不仅要听钢琴音乐，还要涉及到优秀的声乐、器乐作品，并对歌剧、交响乐等音乐形式有所了解。从广博的音乐世界里汲取营养、开阔视野、提高修养，才能增强对音乐的感受力。我们在教学中就有这样的体会，如果教学生一首他曾经听过的乐曲，那么他对音乐的领悟就会快得多，教学也变得较为顺利。因此，应该鼓励学生抓住一切机会欣赏音乐，尤其要多听名家的演奏。听后可谈谈自己的感受，大胆地进行评论，并与教师或其他人交流。这也是加强听力训练和提高音乐表现力的有效方法。另外，提高学生音乐表现力还要注重对其音乐想象力的培养。通过教师生动的语言，把学生带入到艺术情境中，放飞学生而对音乐想象力。教师的语言越生动，学生的艺术想象就越丰富。需要指出的是，除了课堂教学外，艺术实践也是高师钢琴教学不可缺少的部分。课堂教学是系统地学习技术、作品，而实践则是进一步把课堂上学到的东西加以巩固和深化，不管是以上培养学生扎实的基本功和娴熟的演奏技巧还是灵敏的听觉感受和音乐想象力，都需要在实践中巩固、提高。作为教师我们也可以带着学生到艺术中专院校举办钢琴普及讲座，让他们上台演奏，让他们能到艺术院校教孩子们弹琴，让他们在艺术实践和教学实践中不断提高音乐表现力。
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戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文
当代，论文常用来指进行各个学术领域的研究和描述学术研究成果的文章，简称之为论文。它既是探讨问题进行学术研究的一种手段，又是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。下面是我帮大家整理的戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文，仅供参考，欢迎大家阅读。
摘要：
戈特沙尔克是美国第一位获得国际声誉的钢琴家，也是第一位采用了美国黑人、克里奥尔人民间音乐和拉丁美洲音乐节奏和旋律的作曲家，他一生创作了大量的钢琴作品。本文从戈特沙尔克的主要钢琴作品入手，探究他音乐创作的道路，探讨他的音乐特征和他独特的音乐风格，让更多的人了解戈特沙尔克，走进戈特沙尔克。
关键词：
戈特沙尔克;钢琴作品;民间音乐;舞蹈性
一、戈特沙尔克的生平
1829年5月8日路易斯莫劳戈特沙尔克(LouisMoreauGottschalk)出生于美国新奥尔良，他的父亲是英国人，母亲是克里奥尔人，他有六个兄弟姊妹，住在新奥尔良法国区里的一间小屋里，后来和亲戚搬到新奥尔良孔蒂街，他的外祖母和保姆都出生在圣多明格岛(后称海地)。因此，他在那里接触到了各种传统音乐，如克里奥尔的旋律和加勒比海的节奏，以及悠扬的民歌。他很小就开始演奏钢琴。音乐天赋很快就显露出来，1840年小戈特沙尔克在新圣查尔斯酒店首次非正式的公开露面，人们把他称作为神童。1842年，年仅13岁的戈特沙尔克离开美国前往欧洲进行学习，并意识到要想达到他的音乐目标就必须经过专业的训练。在他13岁就能做出这样职业化的规划通常情况都是和父母的雄心壮志分不开的。从他的信中能清楚地看出，他对自己有着极高的要求。他在写给他母亲的信中这样写道：“我很期待我自己在两年或更短的时间能够自食其力”。
然而在欧洲，戈特沙尔克有一个颇为坎坷的开始，巴黎音乐学院拒绝了他的申请，他只能私下跟随查尔斯哈莱(KarlHalle)、卡米尔斯塔梅第(Camile-MarieStamaty)和皮埃尔梅里顿(PierreMalenden)进行学习，之后又师从柏辽兹。1844年举行的钢琴首演确立了他职业生涯的开始，并得到了肖邦的高度赞扬，肖邦预测他很快将成为本世纪最重要的钢琴家之一。当他享誉欧洲后，于1853年回到美国，举行了一系列的音乐会，他可能试图逃避一个他认为被自私和虚荣支配的环境，重新适应美国文化这个问题似乎一直伴随着他。在今后的岁月里，他不得不为谋生而开始他走南闯北的日子。
1854年，戈特沙尔克在古巴停留了很长的时间，他的音乐兴趣正逐渐转向中美洲和南美洲。19世纪60年代，戈特沙尔克确立了他在美国音乐界的地位，很大部分原因都和他的勤奋息息相关，仅用了四个半月的时间就在纽约一个地方演出了85场音乐会。1865年5月旧金山报纸上这样提到他：“通过铁路走遍了95000英里，举行了1000场音乐会”。波士顿出版社的音乐杂志这样评论道：“说实在的，我们还没有听到过比这更辉煌的演奏……他的演奏极其潇洒、峻峭，表现得雅致而万无一失;触键干净利落，优美清脆;运指洗练、流畅;音型总是那么匀称、确切;快速的八度经过句，操运得其妙惊人。从此，我们也许就品尝到名家演奏技巧的特有醇味了”。戈特沙尔克在1865年9月遭遇了他人生中的一个急转弯，他与他的学生在奥克兰女修女院的丑闻被曝光后，他不得不离开美国前往南美洲，开始着手他的巡回演出。在那里他开始了他频繁的音乐会，他前往智利圣地亚哥、布宜若斯艾利斯、里约热内卢等地方举行音乐会，向南美洲的观众展示了他的技艺，赢得了热烈的赞赏。1869年戈特沙尔克不幸在里约热内卢得了黄热病，苦熬了三个星期后年仅40岁的艺术家在巴西迪如卡地区病逝，由于他的英年早逝使他鲜为人知。
二、戈特沙尔克的主要钢琴作品简析
《冥想曲“垂死的诗人”》(TheDyingPoet，)。作品创作于1863年，出版于1865年，是戈特沙尔克的代表作之一，也是他在音乐会中演奏次数最多的曲子。这是一首悲伤的作品，6/8拍，降E大调，行板。此曲采用三部曲式写成，8小节的引子后，如歌的主旋律从低声部奏出，随后忧伤的旋律移到高声部，高声部采用重复音的出现，把该曲推上了高潮，最后以极弱的力度来终结诗人的情绪。此作品是戈特沙尔克的转型性的作品，在此之前他的作品大都是以舞曲为主，此曲是他在他的父亲去世后创作的，悲伤的情绪在曲子中也有深刻体现。《波多黎各的回忆》(SouvenirdePortoRico，)。作品是一首拉美风格的作品，副标题为《吉巴罗斯进行曲》或《农民进行曲》(MarchedesGibaros)，Gibaros就是当地的农民。
第一次听到这首曲子时，竟有种在听李斯特一首未曾面世的作品的错觉：明快的感觉与铿锵节奏的交织，充分发挥着钢琴的演奏技巧。1853年到1854年间以及1857年到1862年间，戈特沙尔克抵达古巴，在这段时间里他游览了波多黎各、海地等国，这首作品就创作于1857年，取材于波多黎各的一首圣诞歌曲，2/4拍，降e小调，变奏曲式。在这首作品的创作中，作曲家将四种典型的加勒比海地区的节奏和类似波洛涅兹的节奏融入其中，写成了一首变奏曲变奏而成。此曲一开始从pp开始，经过四次变奏将全曲以ff推向高潮，最后又渐渐地消失在人群中，仿佛让我们感受到行进乐队从远处正朝着我们走来，从身边经过，又逐渐远去。《冥想曲“最后的愿望”》(TheLastHope，)。这是一首为迎合当时观众喜好的作品。1853年10月，戈特沙尔克的父亲去世，他深深地陷入了沉痛之中。为担负起家庭的重担，他不得不到处去演出来增加自己的收入。此曲也是戈特沙尔克广为流传的作品之一，于1854年出版，伤感中又带有甜美的感觉。
作品先以b小调开始，再转向B大调，是一首单二部曲式的作品，3/4拍。戈特沙尔克用简单具有浪漫主义悲歌性的旋律描述出悲伤的情绪，运用了很多快速音群、颤音等华彩手法来表达虔诚的情怀。《西班牙随想曲“阿拉贡风格霍塔”》(LaJotaAragonesa,CapriceEspagnol,)。这是戈特沙尔克的代表作之一，系作曲家为10架钢琴而作的《华丽的钢琴交响曲“在萨拉戈萨”》(ElsitiodeZaragoza)的片段。10架钢琴交响曲堪称钢琴史上的首创，曾先后演出过两次，一次在马德里，一次在哈瓦那。作品取材于西班牙的'霍达舞曲(Jota)，霍达舞曲(Jota)是流行于西班牙阿拉贡(Aragon)地区的一种民谣和民俗舞蹈，快速地三拍子节奏，一对或多对男女在一起以跳跃和旋转的方式跳起激烈的舞蹈，常采用吉他、铃鼓、响板、班杜里亚琴(Bandurria)等乐器来伴奏。戈特沙尔克的这首曲子就是建立在阿拉贡舞曲的基础上，降E大调，6/8拍，采用三种固定的伴奏音型，欢快、热情，具有典型的西班牙音乐的风格。《安达卢希亚的回忆》(Souvenird’Andalousie，)。这是戈特沙尔克1851年在马德里的一场音乐会上即兴创作表演的一首音乐会随想曲。作品为d小调，3/4拍。该曲是根据西班牙民间歌舞的旋律进行变奏而创作的，高音区的音色十分鲜明，速度较快，几乎都由二度和三度音程写成，三连音的节奏让我们感受到了西班牙音乐的自由奔放、开朗和热情。
三、戈特沙尔克钢琴作品的艺术特色
(一)作品的民间音乐特性
戈特沙尔克生于美国奥尔良市，他的父亲是英国商人，母亲是具有法国贵族血统的克里奥尔人，少年时代曾住在新奥尔良法国区里，他的外祖母和保姆都出生在圣多明格岛，他的祖父在圣罗斯地区做总督时拥有农场和黑奴。因此，在他童年时代就接触到了各种传统的民间音乐，少年时代他又到欧洲学习了11年，在接下来用11年的时间旅行、演出，横跨两大洲，深入到了民间，接触到了劳动人民的音乐，扑捉到加勒比海的节奏和种植园的旋律。这些音乐里包含了很多的舞蹈音乐，使得他的作品也极具舞蹈性。
(二)跨国界的音乐风格
戈特沙尔克所处的时期正是民族主义音乐刚刚盛行的时期，他的音乐作品风格既继承浪漫主义音乐的创作风格，同时也具有民族乐派的音乐风格。他从小在克里奥尔音乐的熏陶下成长，又受到欧洲音乐的影响，并在南美各国有一系列的巡演。他的创作也取材于美国当地印第安人及黑人音乐，从中捕捉到了民间舞蹈的节奏，特别是黑人舞蹈的独特节奏。并在自己的创作实践中不断地加以吸收、利用、扬弃、尝试和创新。这些经历使得他最终形成了他自己独特的创作风格，作品不仅具有美国本土的克里奥音乐的特点，同时还具有西班牙音乐和南美洲音乐的特点。
(三)作品的技术特色
1.模仿性手法的应用19世纪初钢琴的发音装置和击弦系统都得到了改良，踏板也得到了充分的使用，作曲家力图用更多的方法将钢琴的表想力发挥到最大化。戈特沙尔克就常采用一些创作手法去模仿民间弹拨乐器、打击乐以及动物的叫声。如《安达卢希亚的回忆》中就有对吉他的三连音轮指的模仿;《班卓琴》(TheBanjo，)是利用钢琴模仿流行于非洲的一种民间乐器班卓琴的作品;《拉加丽娜》(LaGallina，)从附点节奏的主题中能听到模仿母鸡的叫声出现，等等。
2.舞曲特性节奏在戈特沙尔克的钢琴音乐装作中，常采用舞曲特性节奏为主导，具有极强的舞蹈性。《西班牙随想曲“阿拉贡风格霍塔”》取材于西班牙的霍达舞曲，节奏欢快而活泼。《波多黎各的回忆》取自于波多黎各的一首圣诞歌曲，采用了南美洲的探戈节奏，节奏丰富而富有热情。《舞蹈》(Danza,)一开始就以法国波尔卡音乐出现，随后转入到一种西班牙舞蹈的哈巴涅拉的节奏上，再加入独特的切分节奏，更加显现出舞曲的特征。
3.炫技手法的运用戈特沙尔克的钢琴技巧有许多是借鉴李斯特的技巧，但他的作品中很少使用辉煌的技巧，他偏爱使用高音区的明亮音色并在高音区做出华丽的炫技，更多的是使用重复音、颤音、装饰音和经过句，以及使用大量的切分节奏，从而表现出轻快和活泼的舞蹈性。如在《巴西国歌变奏曲》()和《波多黎各的回忆》中，他都采用了和弦震音以及切分节奏的创作手法，这些炫技手法使作品更加绚丽，具有迷人的魅力。
结语
19世纪的美国音乐正如海绵般不断地吸收着欧洲音乐带来的精华，在20世纪之前美国的音乐都是用欧洲音乐的标准来建立的，是戈特沙尔克把美国音乐推向了世界。戈特沙尔克从小的生活环境和各地的巡演经历给他的创作提供了多民族的音乐创作要素，他到民间捕捉到了劳动人民的音乐，吸引着他创造出新奇而独具特色的音乐，使这些民间的舞蹈和歌曲能够以钢琴音乐的形式得到充分的展示，他对美国音乐寻找自身民族特色的探索做出了极大的贡献。
钢琴（拼音：gāng qín，英文：piano）是源自西洋古典音乐中的一种键盘乐器，普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出，用于作曲和排练音乐十分方便。弹奏者通过按下键盘上的琴键，牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌，继而敲击钢丝弦发出声音。钢琴被称为乐器之王。
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钢琴表演中身心的紧张与放松探析论文
在日常学习和工作中，大家都写过论文，肯定对各类论文都很熟悉吧，论文的类型很多，包括学年论文、毕业论文、学位论文、科技论文、成果论文等。你写论文时总是无从下笔？下面是我帮大家整理的钢琴表演中身心的紧张与放松探析论文，欢迎阅读与收藏。
摘 要：
在钢琴演奏的过程当中保持一个良好的情绪状态有利于实现更好的演出效果，这就需要演奏者能够对自身的情绪进行良好的掌控，不宜出现过度紧张或过度放松的状态。本文对钢琴演奏中的紧张与放松情绪进行了分析和研究，提出了对演出中紧张与放松情绪的控制方法。
关键词 :
钢琴演奏；紧张和放松；情绪控制；
引言：
近年来，随着我国经济的不断发展，我国的文化事业愈加繁荣，社会对艺术文化领域也有了更多的关注。钢琴作为最受欢迎的乐器之一，也逐渐成为不少人追求精神愉悦所关注的对象。但是不少人在学习钢琴的过程中会碰到一些问题，如在演奏的时候没有调节好情绪，使得这些演奏者在演奏的时候没有实现理想中的效果，这就需要演奏者在演奏钢琴的过程当中把握好演奏的张弛度，做到收放自如，这样才能将音乐中的情感抒发出来，进而准确无误地传达给听众，给人带来身心上的愉悦。但是，在绝大多数情况下，钢琴演奏除了受钢琴演奏者本身的演奏技巧影响外，还容易受到外界的多种因素影响，其中环境给钢琴演奏者带来的影响不容忽视。演奏者一旦受到外界的影响就容易产生紧张的情绪，进而会导致演奏出现问题。因此，这就需要通过对演奏时紧张与放松的情绪进行分析，从而找出掌控和调节情绪的方法，实现更好的演出效果。
一、钢琴演奏中身体上的放松与紧张
钢琴演奏要求演奏者利用肢体动作来施展演奏技能，演奏者需要通过肢体将自身的情感融入到演奏当中，运用自身的演奏技巧将这些情绪更好地表达出来，进而实现声音与情感的高度契合。因此，在演奏过程当中要想实现良好的演奏效果，就需要演奏者能够拥有熟练的演奏技巧，能够将演奏曲目中的内容灵活地表现出来，同时在肢体的运用方面也要做到收放自如，这样才能够达到最好的演奏状态，发挥出最高的演出水平。
要想在演奏过程当中实现收放自如、张弛有度，可以先从手指控制开始，确保手指能够在演奏过程当中做到紧张与放松的自由切换。如在演奏哈农的过程中，要保持手指放松的状态，尽可能地让手指在运动的过程当中以放松的状态触碰琴键，发出声音。演奏者可以利用慢速练习方法观察自身手指的运动状态，在演奏过程当中适度地调整放松和紧张的状态，从而找到一个放松的舒适程度。在演奏准备阶段，对手指进行适当的放松和调节，可以避免手指因紧张而过度用力的情况出现，从而保持一个良好的触键状态。在指尖触碰琴键的过程当中，关节也要同时发力，这样才能让指尖更好地触碰到对应的琴键。只有合理调节手指紧张和放松的状态，演奏者才能够精湛地演奏出钢琴曲目。在演奏的过程当中，除了手指的紧张与放松外，手腕的控制也十分重要。手腕的灵活程度直接决定了演奏者是否可以完美地演奏出钢琴曲目，良好的手腕控制可以让整个演奏锦上添花，让弹奏出来的音色更加动人。只有灵活地调整紧张与放松的状态，才能更加自如地进行演奏，发挥出乐器的潜力，从而实现更完美的演出。
在演奏不同曲目的时候，演奏者要结合自身对曲目特点的理解，利用手指和手腕的配合进行不同方式的演奏。由于钢琴演奏过程中可能需要弹奏跨度较大的音，只通过手指的调节是无法完成演奏的，这时候就需要通过对手腕的灵活运用来进行演奏。因此，手指与手腕相互配合，才能够实现好的演出效果。除此之外，在利用手臂运动来弹奏的时候，要保持手指与手腕的放松，要让手指与手腕拥有一个较好的灵活度和弹性，这样才能够顺利完成演奏。利用手臂运动来弹奏时，要注意对手臂力量的控制，这对于钢琴演奏来说有很大的影响，因此要求演奏者在演奏过程当中能够协调好上肢，从而实现不同的声音效果，营造理想的现场演奏气氛。关于上肢紧张与放松状态的调节，需要演奏者在日常的演奏训练当中，重视曲目内容与肢体的配合，让身体各个部位都能够在演奏过程当中实现适度的放松与紧张，从而保持一个高水平的演奏状态，更好地表达曲目的感情。
二、钢琴演奏中心理上的放松与紧张
除了肢体状态对钢琴演奏的影响以外，演奏者的心理状态对于演出效果来说也有着十分重要的影响。环境与演奏者的心理状态有着直接的关系，一个好的演奏者能够适应各种环境，在不同场合下都能完美地应对演出，发挥出应有的演出水平。演奏者如果没有适应现场的演出环境，就会影响自身演奏技能的发挥，从而没有办法实现自身最高水平的演出。所以，演奏者要在平时的训练过程当中，主动关注自身的心理素质，提高自身对环境的适应能力。在钢琴演奏训练过程当中应该选择符合自身实力水平的曲目，不宜选择过分简单或过分困难的曲目，应该逐渐地将自身练习曲目的难度慢慢提高，这样可以让演奏者循序渐进地学会如何提高自身演奏时的心理素质。除此之外，在进行曲目练习的时候，演奏者还可以根据曲目的内容展开分析。在深入地了解练习曲目后，进一步提升个人的音乐素养，使自己在演奏过程中很好地表达出自己的情感，最终实现更好的演奏效果。通过这种方式，演奏者可以拓宽自己的知识体系，打下更加夯实的'基础，让自身逐渐地成长。同时，演奏者还要结合合理的练习计划，强调科学的训练频率，让自己能够在适度的练习范围内，不断地提高自我，提升自身演奏曲目的音色效果，提高对于曲目的把控能力和专注力，最终实现钢琴演奏与情感的互相融合。
三、钢琴演奏中的建议、策略
在钢琴演奏的过程当中，紧张与放松的状态会使得整场演出展现出不一样的演出效果。要想在钢琴演奏中拥有更加良好的表现，演奏者就需要能够很好地调节紧张与放松的状态。演奏者可以通过下列不同的方式训练情绪的调节。
(一)在钢琴练习时有意识地对情绪进行训练
演奏者在进行演奏的时候，要注意对自身情绪的把握和调节，要拥有基本的心理调控能力。钢琴演奏之前，需要做好演奏准备工作，这样不但能够更好地应对演奏中的各种突发事件，同时也有利于稳定自身的心态，在演奏中做到镇定自如，从而能够将更多的精力放到演奏曲目本身上，也就更能够将自身的情感集中到演奏当中，在演奏中真正做到人琴合一。其次，在平时的训练过程当中，要注重对上肢的训练。要在训练过程当中适当地增加一些手臂放松的训练，同时也要对情绪进行适当的调整，强化自身在演奏时的自信心和表现力，这样才能够在演奏时缓解自身由于环境造成的紧张与焦虑。最后，在钢琴演奏的过程当中，要持续关注自身的情绪状态，有意识地使自己保持在一个良好的情绪状态中，尽可能地将感情与情绪融入到演奏的曲目中去，这样才能够完全沉浸在曲目所表现出来的情感当中。除此之外，演奏者还需要在每场演出之后进行相关的演奏总结，对整场演奏进行自我反思，肯定自我表现好的地方，并找出不足加以弥补。在不断反思和总结中，演奏者最终将找到属于自己的演奏方法，使自己稳定在一个最佳的演奏情绪中。
(二)提升自身的钢琴演奏技能水平
俗话说：“台上一分钟，台下十年功。”好的专业技能水平能够直接增强钢琴演奏者的自信心和现场表现能力，同时过硬的专业水平也能够让演奏者拥有一个良好的心理状态，这样就能够积极地应对各种临场突发状况。如果演奏者没有经过系统正式的训练，在技能水平上没有达到演出的标准，那么就不能够很好地根据曲目的内容进行演奏，从而难免会出现一些指法不流畅、情绪表达不充分的情况，这又会催生一些紧张的负面情绪，让整场演出效果不佳。所以，钢琴演奏者应该努力提升自身的专业技能，在日常练习的时候，要认真对待每一次练习，充分地学习和掌握各种钢琴弹奏技巧，打好基础，这样才能够保证演奏的流畅。此外，由于钢琴对手部灵活程度要求较高，钢琴演奏者应该适当地增加一些手指的灵活训练，这样才能够在演奏钢琴时利用灵活的手指做出一些技巧动作，也让身体与手部实现良好的配合。演奏者要在日常的训练过程当中，积极挖掘和学习演奏的方式和技巧，这样才能找到属于自己的演奏学习道路，在这条道路上不断提高自身的演奏技术水平。
(三)强化自身心理素质
要想成为一名优秀的钢琴演奏者，不但要有高超的演奏技能，还需要拥有极强的心理素质。只有拥有过硬的心理素质，演奏者才能维持心态的稳定，不会因为外界的干扰而影响到演出的效果，从而能够应对演奏中的各种突发状况。拥有过硬的心理素质能够使演奏者在演出前就做好演出的相关准备工作，从而更加轻松地应对演出，保证演出有一个良好的效果。因此，在日常的演奏训练过程当中，演奏者要注意对自身心理素质的培养，可以适当地增加一些干扰训练来强化自身在演奏时的心理素质，帮助自己自如地调节情绪。除此之外，钢琴演奏者也应该给自己一个积极的心理暗示，让自己能够更快地进入到演奏的状态，确保能够在正常演出的基础上进行更好的情绪表达。
四、结语
综上，情绪对于钢琴演奏来说是十分重要的，不论是初学者还是大师，在钢琴的演奏上都应该对自己的情绪进行自我把控。只有在良好的情绪状态下，演奏者才能够带来一场完美的演奏。但是这并不意味着演奏者在表演的过程当中需要做到完完全全地放松，而是应该将情绪控制在一个合理紧张的范围内，确保自己能够自然地演出。
参考文献
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竹笛的训练与演奏技巧对音准的影响
音准是乐器学习者最感棘手的问题之一。因受竹笛本身结构、演奏者个人听觉或练习方法等因素的影响，所以，在竹笛演奏时音准成为较难解决的问题，通过科学(教学案例，试卷，课件，教案)有效的训练方法，可以把竹笛的音准解决好。下面是我为大家带来的关于竹笛的训练与演奏技巧对音准的影响的知识，欢迎阅读。
一、发声原理
要解决竹笛的音准问题，首先要了解竹笛的发声原理，从中找到影响竹笛音准的几个因素。
笛子的笛身一般为竹制，用浙江余杭一带的白竹，江西、安徽一带的紫竹做的笛子音色为上品。白竹做的笛子发音清晰、明快;紫竹做的笛子发音柔和、圆润。但并非所有的白竹或紫竹都能做出好的笛子，选料的好坏也直接关系到竹笛的音准。笛子属于木管乐器家族中的吹孔膜鸣乐器类。笛膜(演奏时贴于膜孔处的一个小薄片)一般用嫩芦苇杆中的内膜制成。它是典型的中国民族乐器，表现力十分丰富，可演奏出连音断音、颤音和滑音等色彩性音符;还可以表达不同的情绪;无论演奏舒缓、平和的旋律，还是演奏急促、跳跃的旋律，其独到之处都可从中领略。此外，笛子还擅长模仿大自然中的各种声音，把听众带入鸟语花香或高山流水的意境之中。
笛子的发声是靠吹奏者呼出的气流与吹孔的边棱相碰撞而发出声音的。具体的说就是演奏者通过风门将气流呼出，呼出的气流撞击吹孔前沿壁被边棱分成向内、向外二股气流。气流50%进入笛内，另外50%在笛外，这样笛子就会发出"基音"。演奏者呼出气流的粗细、快慢，以及气流与笛子吹孔的角度，直接影响笛腔内空气柱长短粗细的变化，也就是说直接影响竹笛发音的音度变化。由此可见，调整气流的速度以及气流的角度，是纠正竹笛音准误差的主要手段。根据这一物理(教学案例，试卷，课件，教案)现象，我们从气息的流向、流速、宽度等方面，做出准确要求，就能解决竹笛的音准问题。掌握了竹笛的发声原理，就找到了竹笛音准变化的根本原因。
二、树立音准观念，提高听辨能力
我们在进行练习或演奏当中，一定要有正确的音准概念，这样才能对所演奏的音高做以判断，并进行调整。 这就要求我们必须加强听觉训练。在练习过程中，耳朵要始终监听着你所练习的内容，用耳朵评判什么是好的，什么是不好的。可以把耳朵当作自己的`老师，对练习中的所有表现进行评判。在这一方面的练习中我们应该注意以下几点：
1. 不要一吹起笛子只顾练习乐曲或某种技巧，结果把音准抛得老远，或者干脆不去想音准。在吹奏之前，心理要有一个你所发出音的音准概念(音质、音品)。声音发出后，耳朵要立即鉴别发出的客观音高是否与主观预想的音高一致，如果觉得有差距，甚至差距很大，这时应马上调整直到理想为止。
2. 莫要只顾指法而不管音准。很多竹笛演奏者认为，只要指法正确，音准绝不成问题。竹笛本身构造有它的缺陷，就拿同一个调的笛子来说，在构造上，每支笛子的长短粗细，音孔的大小和孔距并不完全一样，吹奏出来的音并不一定每个都是完全精确的。比如用C调笛子吹奏小字2组升F和B这两个音时，我们指法正确，但实际演奏出来的音往往比标准的音高要低。所以说不要认为指法正确音准就正确，还需要用耳朵去听辨音准，并做出调整。
3. 不要只顾音色而忽视对音准的控制。音色固然很重要，需要花费大量的时间进行基本功练习，但在练习的过程中，音的准确度是前提，不要忘了好听的音色里包含有音准的因素。如果一味追求音色，而没有音准做保证的话，那音乐就无从表达了。
4. 在乐队当中一般是多个声部一起演奏，由于每个演奏者的吹法和控制力并不完全相同，要保持多声部演奏的音准都十分准确就更不容易了。这就要求我们一定要树立良好的音准观念，在演奏当中，不要只顾自己不顾他人，要同时监听自己和他人的音准，时刻作出调整，使声音相互和谐相互"抱团儿"。这样，多个声部在一起演奏时，音准才能相对准确。
三、进行正确的技术练习
我们由竹笛的发声原理了解到了气息的流速、流向、气息宽度等方面是影响竹笛音准的几个因素。由此可见，我们在练习当中对气流速度的控制和气流角度的调整是纠正音准误差的主要手段，这也是以技术解决竹笛演奏中音准问题的关键所在。因此在这方面我们要做出科学(教学案例，试卷，课件，教案)的、反复的练习。
1. 气流速度控制的练习
气流的速度有缓急之分，缓则音高会降低，急则音高会上升，为了达到笛子的音准和追求最佳的音色，在吹奏低音时，气流的速度应徐缓，音越低气流越缓;在吹中、高音时，气流的速度则需逐渐趋急，音越高气越急。从低音吹到高音时，要加大力度和加快气流速度，从高音下到低音时，气流的速度也要自然地缓下来。如果吹奏跳进型的从低音到高音或从高音到低音，则相对不容易控制。如果不迅速做出反应和调整流速，那音准就会出现高低不一的情况了。而有些演奏者不注意气流的控制与调整，在吹奏低音和高音时气流速度一成不变，或者在吹奏跳进音程时气流速度来不及调整，而这样演奏都会出现音准问题。因此，我们在练习中，一方面要进行从低音到高音，从高音到低音的长音练习和音阶练习，使每个音的流速都能做到心中有数。另一方面，要有意识地多进行高低八度等跳进音程的练习，以训练迅速调整气流速度的实际能力。这样，久而久之就能较好地把握对每个音的气流速度控制，从而对音准有所把握。
2. 调整气流角度的练习
气流的角度是指演奏者的风门与吹孔夹角的角度。气流的角度扩大音准易偏高，角度缩小音准易偏低。因此我们可以通过练习调整气流角度的方法来控制竹笛的音准。
在吹奏强音或渐强的音时，要求气量逐渐加大，气速逐渐加快。假设气流角度不做任何变化，此时渐强的音容易偏高。我们可以通过逐渐向内转动笛子吹孔的方法，寻找相对缩小气流角度的位置，以此把握强音或渐强音的音准。在吹奏弱音或渐弱的音时，要求气量逐渐减小，气速逐渐减慢。假设气流角度不做任何变化，此时渐弱的音容易偏低，我们可以通过逐渐向外转动笛子吹孔的方法，寻找相对扩大气流角度的位置，以此把握弱音或渐弱音的音准。而有的演奏者
在演奏中不能及时调整或者不会调整气流角度，这样演奏自然就会出现音准问题了，所以我们在这一方面要多加练习。
我们在实际练习当中要把气流速度的控制与气流角度的调整，以及风门的调整结合起来练习，使之互相协调，紧密配合。多进行从弱到渐强再到渐弱的长音练习。在练习当中要做到在吹奏渐弱音时，气流量减少，流速渐缓，风门渐小，气流的角度逐渐增大;在吹奏渐强音时气流量渐大，流速渐快，风门渐大，气流的角度逐渐缩小。只有按这样的方法练习，方可使竹笛的音色音准都得以保证。要在实际演奏当中运用自如，真正做到强音不高不噪，弱音不低不虚，还要下一番功夫，进行长时间的练习。
3. 手指配合控制音准
我们前面提到竹笛本身构造有它的缺陷，有的音即使进行气息的控制，有时音准还是有偏差，这时我们就需要手指的配合或改变原有的指法来控制音准。比如说用C调竹笛演奏小字2组B这个音，在正常吹奏下，此音会偏低。因为在笛子制造时，如果此音调整准确的话，而降B这个音就无法准确奏出，所以要兼顾这两个音的音准，在制笛时就得把B音调的略低。在吹奏当中，我们可以通过加强气流，加快流速和增大气流角度来控制此音，但音准有时还会偏低。这时我们可以将右手第三指稍抬起一点(右持笛者)，以此来控制，求得相对标准的音准。再比如说用C调竹笛演奏小字3组升F这个音，以前传统的演奏指法是六个手指全打开，用这个指法演奏时，无论我们怎样加以气息控制，吹奏出来的这个音往往还是偏低。如果在这个音上要进行弱奏的话，音准就更容易偏低了，而且音色也不好。因此，我们就需要改变以前的指法，用更为科学(教学案例，试卷，课件，教案)的指法来演奏此音。其新指法是全按第三、第四孔，第二孔按半孔，其他手指全打开。这个指法是我的专业老师沈阳音乐学院孔庆山教授在进行竹笛十二半音演奏与教学的研究当中，所独创的一个指法。这个指法的科学(教学案例，试卷，课件，教案)性在于，不但吹奏出来的声音明亮，而且音准容易控制。它的音准可调性很大，因为第二孔是按半孔，所以可用第二指来加以控制音准。这样，无论演奏强音还是弱音，音准就都能控制自如了。
长笛演奏的技巧研究论文【1】
摘要：在乐器演奏中，竹笛是我国最古老民族乐嚣，具有深厚的民族传统意义。
长笛是一种音色优美动听而异常迷人的乐器，音域宽广，有较强的穿透力和丰富的表现力。
竹笛和长笛虽都属吹奏乐器，但他们的演奏技巧却各不相同。
关键词：竹笛;长笛：演奏技巧
一、竹笛的特点
竹笛的历史可以追溯到远古时代的“股哨”，经过长期的演变，发展为现在的竹笛。
竹笛历史悠久具有深厚的民族传统意义。
竹笛多年来以其“穿云裂石”之音和悠远的神韵，一直深受广大群众的喜爱。
但竹笛在很长的时期中一直处于伴奏乐器的地位，直到解放后，竹笛大师冯子存首次将独奏曲《放风筝》《喜相逢》通过舞台展现给全国观众，轰动全国。
从此后，竹笛改变了伴奏乐器的地位，以崭新的姿态屹立于音乐舞台。
二、长笛的特点
长笛是一种音色异常优美动听的乐器。
长笛音域宽广，穿透力强，表现力丰富，适合以独奏的形式表现音乐的丰富内涵。
同时长笛在交响乐和管乐队中也是十分重要的组成部分。
长笛与竹笛一样历史悠久，其发展既继承了传统乐器音色悠扬的特点，又具有其独特的时代性。
几百年以来长笛从木、金、到银;由孔到键，由单管到多节，由原来只能吹几个单音到现在交响乐团最妩媚的娇娇者。
长笛音色独特，其音色在低音区浑厚、朦胧，中音区清澈、抒情、柔和，高音区光辉、明亮、穿透力强，是当之无愧的木管乐之冠。
三、竹笛和长笛虽都属吹奏乐器，但他们的演奏技巧却各不相同。
竹笛的演奏技巧
传统的竹笛一般只有六个音孔，低音大笛也只有七孔，除了竹笛设计中原有的半音以外，乐曲演奏中的半音、转调主要是依靠演奏演员的演奏技巧和演奏经验，通过半孔按法及叉口指法来完成、这对于演奏人员的演奏水平和音准控制都有很高的要求。
在演奏过程中，演奏员怎样实现半音及转调，需要依靠演奏人员的经验。
具体使用手指的什么部位来实现半音及转调，不仅要根据音乐旋律的要求，还必须结合演奏人员自身的条件来决定。
竹笛第一、四孔的半音，一般用无名指按半孔或用指肚按上半孔;第二、五孔的半音，多用中指第二关节按里半孔，比如小工调(简音作5)中音“4”的半音演奏有两种方法：1.用食指按住第六孔的外半孔或上半孔。
2，打开第三、六孔，其它四孔全闭;小工调的高音“4”除了用食指按半孔外，还有两种交叉指法：1.开四、六孔，闭一、二、三、五孔，2.开一只也，闭其它四孔。
后一种指法音准偏高，需用第一孔的无名指在音孔边缘盖一点，加上风口控制，才能使音高准确。
竹笛在演奏时，手指按孔的面积大小，与手指的启孔距离远近，均以音准为准，通过手指与气流角度的互切面给，以及演奏者的主观听觉来共同完成，努力做到半音的演奏音准稳定、准确，无滑音痕迹。
五、长笛的演奏技巧
长笛是所有的管乐中对气息要求最为严格的乐器，长笛的演奏基本上都是依靠气息的转变来控制，气息对于长笛正如运弓对于小提琴般重要，气息的长短、强弱、收放自如与否直接关系到演奏的效果。
气息对于长笛的演奏重要是因为在演奏中演奏者的相当一部分的气息会直接吹出长笛的管外，这部分气息控制在什么范围内能达到最佳的演奏效果需要依靠的不仅仅是理论上的学习，更为倚重的是实践中的经验。
长笛演奏中正确的呼吸方式一般是胸腹式的呼吸方法。
这种呼吸法符合人类生理构造的正确的呼吸方法，可以保证演奏者呼吸的饱满、自如，这种呼吸方法为演奏者演奏技巧的展现提供了可靠的保证。
长笛的演奏不仅需要学会正确的呼吸方法，还应该掌握正确的口型。
长笛演奏中的口型要求：上唇自然下包，上唇贴紧下牙，轻轻向两边拉开，呈现微笑姿势，上下唇中间呈枣核形。
长笛演奏被称为术管乐之冠，对演奏技巧要求最为严格，不仅需要正确的呼吸方式和吹奏口型，还需要掌握准确的演奏指法，手指击健要灵活、流畅、手不能抬得过高，采用双吐演奏法。
总之，在乐曲中的演奏过程中不仅要靠手部的动作，更应该让大脑参与到手部的动作中，不能仅仅的按照教材上手部变化要求来演奏，而应该通过聆听、锻炼总结适合自己的演奏指法和演奏习惯，形成自己独特的演奏特色，在保证演奏中指法准确、音调优美的同时把握并充分的展现乐曲的悠远意境和悠扬的风格，使乐曲不仅入耳声美，还能营造引人入胜的如画意境。
长笛演奏技巧与音色探索【2】
摘要：演奏技巧是长笛演奏的基本条件，其水平的高低直接影响到作品的音色和音乐表现。
要使音乐作品表现得更具感染力，必须提高完善演奏技巧。
只有熟练地掌握长笛的演奏技巧，才能使作品更加具有歌唱性，音色柔美，音质更为统一，使音乐作品的思想感情和深刻内涵更加深入人心。
关键词：长笛演奏技巧音色音乐表现
一、长笛介绍
长笛是世界上管弦乐乐团、管乐队通用的重要乐器。
长笛分为：C调长笛、G调长笛、低音长笛、短笛，C调长笛是使用最为广泛的。
长笛音色柔美清澈，音域宽广;中、高音区明朗，低音区婉约、透明，它擅长乐曲的华彩部分，技巧华丽、变化多样，既能演奏明亮而欢快的旋律，又能演奏忧郁的旋律，是木管乐器中演奏最灵活的一种。
它在乐队中常担任主要旋律，是不可缺少的独奏乐器。
二、长笛的演奏技巧
(一)演奏口型
口型是长笛发音的先决条件，口型控制好了，才能吹出来声音，才能奏出纯美的音色，控制好口型才能尽量减少漏气，最大限度地发挥自身气息能量的效应。
下唇贴紧上牙，上唇放松，嘴角呈微笑状，轻轻向两边拉，上下唇间形成一个小孔，发音时一边吹一边调整角度。
掌握好的口型就是能将气息集中地进入到乐器中，发出清澈、流畅的音色。
(二)手型与指法
手型和指法是演奏技巧的基础。
手腕与手臂要保持直立，不能弯曲，手心要朝下，手指也要自然弯曲。
吹奏音符节奏均匀，避免手腕的变形，使手腕与手臂保持直线，手指要保持弯曲，形成一个近似椭圆形的空间。
在手指按下和弹起时一定要保持速度一致，保证每一个音均匀地吹出。
(三)呼吸
气息是吹奏能量的来源，在长笛演奏中，需要演奏者做到吸气短促、迅速无杂音;呼气平稳、均匀而悠长。
胸腹式呼吸法是整个肌肉组织都积极参与的呼吸运动，胸廓自由扩张，胸腔容积扩大，促成肺部内外循环交换，使横膈膜和肋骨发挥运动功能，而且会使人体整个呼吸肌肉有机的协调起来，胸腹式呼吸法是吹管乐器最佳的呼吸方法。
正确的呼吸方法可以使音色饱满、乐句完整、颤音幅度变大、音量对比度增大，从而对乐曲演奏的完整性和表现性起着重要的.作用。
(四)连、吐音奏法
在演奏连音时，要注意指法连接流畅、手指过渡自然、气息运用起伏连贯、力度适中。
音色要随着连线和音乐的起伏而起伏，力度也需要随旋律及情感表达做出调整。
吐奏，就是长音中的短音，在吹奏时，舌尖翘起，舌尖轻轻地撞击上下门牙牙龈的位置，口腔发出TTT的声音。
吐奏分为：单吐T、双吐TK、三吐(TKT、TTK、KTK)，它需练习舌头的耐力，保证舌头的灵活性，吐奏时才能连贯、清晰、柔和。
三、长笛的音色与音色控制
音色，是演奏者与听众交流的桥梁，对于演奏者来说，掌握好的音色是极为重要的，要想吹出优美的音色，使音乐作品具有感染力必须具备正确的口型、呼吸、娴熟的技巧等因素。
在长笛演奏的音色控制中，气息的运用起到了至关重要的作用。
在演奏情绪欢快的音乐作品时，气息要流畅饱满，音色优美、纯净;在演奏情绪伤感、愤怒的作品时，气息控制要强弱结合，使音色表现更加紧张、激烈和忧郁，听起来更为深入人心。
演奏者自身的思想情绪也左右着音色的变化，内心的喜怒哀乐也会体现在音乐作品中。
在演奏圣桑的《天鹅》时，气息均匀而流畅，整首乐曲就会优美、婉约，使听众似乎化作美丽的天鹅置身于天鹅湖中;在演奏《幽默曲》时，短促的呼吸，清晰的吐奏，顺次的换气，则能使听众感受到幽默的意境。
由此看来演奏技巧在音色控制中起着举足轻重的作用，演奏者具备了演奏技巧，领悟了音乐作品的思想内涵，才能使音色更为优美动听。
四、演奏技巧与音乐表现
演奏技巧是长笛演奏的基本条件，提高演奏技巧，丰富音乐表现手法，使音乐变化更加丰富，才能使音色更为优美动听。
在演奏长笛乐曲时，要把技巧和优美的音色结合起来，才能使音乐表现更加丰富，音色变化更加富有歌唱性，使听众在欣赏音乐的过程中，感受到音乐的柔美和震撼。
除演奏技巧外，演奏者对作品的理解和感受也是音乐表现的重要因素，长笛演奏更需要演奏者具有很好的文化底蕴和文化基础，要了解作品所描写的内容，产生的历史背景，表达的思想感情，乐曲的艺术风格等，这可以与娴熟的演奏技巧相互促进，表达音乐中所具有的丰富情感及深刻内涵，当演奏者情感、涵养、演奏技巧都融于音乐作品时，才能使音色更为结实、圆润、透明、刚柔，表现出作品的内涵，达到精神、心灵与技术的完美结合。
如今，长笛越来越受到听众的喜爱，它优美的音色和丰富的表现力感染着无数听众，只有不断提高演奏技巧，丰富音乐表现手法，将自身的知识水平和艺术涵养融于作品的风格、内容、情感中，才能使音色变化更加丰富，音响更加和谐统一，音乐的色彩也才能更加绚丽多姿。
参考文献：
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[5] 郑义军.长笛演奏技巧教程.西南师范大学出版社.
（一）历音、花舌历音能增加乐曲热烈、粗犷、有力的气氛。花舌是用气流冲击翘起的舌头，使之滚动产生的碎音效果。历音：从本音前面的某一个音开始，自下而上或自上而下向本音急速、连续地级进，叫做“历音，它能增加乐曲热烈、粗犷、有力的气氛。历音所占的时间极短，吹奏上历者时，每个手指要依次急速而又均衡地开放，吹奏下历音时则要依次急速而有力地按闭音孔。每个音都要短促、清楚地吹出来。花舌：花舌是一种特殊的竹笛用舌技术，类似二胡的抖气弹拨乐器的滚奏，在北方的说唱音乐伴奏中，经常用到它。吹奏花舌是用气流冲击翘起的舌头，使之滚动产生的碎音效果，民间一般称为“打哮噜”，可先训练舌头“打嘟噜”，必须速度、力度均衡、持久笛子材料二：吹奏技法2006-12-0116:45循环换气法中国笛子开孔贴膜，使之脆亮的音色不同于世界上任何一种笛子，这是在我国有许多唢呐吹奏家，都能使气息不间断地进行吹奏，获得了广大听众的赞赏。他们创造了一种特殊的换气方法------“鼓腮换气法”。约在1957年间，笛子演奏家赵松庭先生，把唢呐这一“鼓腮换气”法运用在笛子上，定名曰“特长音演奏”。收到了很好的效果。它的方法是：在吹奏中，当第一口气即将吹完之际（约留三分之一左右），将余气存入两腮，使两腮鼓起（比吹唢呐时鼓得小些），然后用鼻吸气，与此同时，将两腮渐渐收缩，用储存在两腮的气吹奏笛子，直到接上第二口气时，又继续吹奏。这样一反一复，使笛音保持延续不断。这种鼓腮换气法，虽可解决笛子上的特长音演奏，但却因在以下缺点，所以效果不很理想：1．因要鼓起两腮，就会引起口形的变化，进而影响笛子的音色和音量。2．鼓起两腮，不但吹起来很费劲，同时也不雅观，容易引起观众为吹奏者担心，分散观众的注意力，影响乐曲的演奏效果。3．气的储存量小，强度较差，往往不能吹奏高强的特长音和大段乐曲，易使笛音中断。这种“鼓腮换气法”使用在唢呐上效果不错，而照搬在笛子演奏中就不很理想呢，通过研究和实践找到了如下原因：1．因为唢呐是双簧管乐器，它是用嘴包住扁圆形的哨子，用气息去吹，使哨子振动发音。也就是说，只要有气基本上就可以吹响。所以当你鼓腮之后口形外表虽已变化，但并不影响嘴里（口腔内）的吹奏形态。笛子是吹孔乐器，它是靠“风门”，将气息恰当地送入吹孔而发音。所以当两腮鼓起之后，口形就不能保持原样。风门就要引起变化，故笛子也就不能正常发音。2．唢呐上大多还有一个档片，这个档片可以帮助嘴的控制，在鼓腮之后，双唇有力地顶住档片，这就大大增加了两腮的压缩（控制）力量。也就有力地增大了气的储存和排气时的压力。而笛子上却不能装置和使用这个档片。五十年代末，演奏家们在原鼓腮换气（特长音演奏）的基础上，通过反复琢磨，练习和演奏实践，使这一技巧更加充实、完整和规范并把这一技巧定名为-----“循环换气”法和从理论上作了文字总结，于1962、1963年，先后