1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。5、论文正文：（1）引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义, 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、 论证过程和结论。主体部分包括以下内容：a.提出-论点；b.分析问题-论据和论证；c.解决问题-论证与步骤；d.结论。6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是：（1）所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。（2）所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。
之前也是为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。 还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家： 中国当代小剧场话剧的文学性与剧场性 空间表演：全球化时代舞台图形转换和空间剧场化 中国话剧演员文化研究(1977年-2014年) 《红楼梦》戏曲、曲艺、话剧研究 戏曲舞台现代叙述方式的导演探索与建构 维吾尔戏剧研究 民营剧社的品牌化运营研究——以民营剧社“开心麻花”为例 高等院校音乐剧人才培养（本科）课程设置与实施研究 产业融合背景下话剧IP影视化开发研究 《桃花扇》接受史研究 肢体语言在话剧表演中的运用——以校园戏剧实践为例 样板戏的发生与改编研究 新编历史剧生产体制研究 开心麻花喜剧创作中台词的二度创作应用研究 市场化经营下我国剧场的设计思路更新研究 中国话剧演员文化研究 二十世纪末叶戏曲现代戏研究 舞蹈元素在话剧表演中的应用——以《洒满月光的荒原》为例 高中语文戏剧教学策略研究 政治化与世俗化的合流与悖反—上海剧艺社研究 20世纪90年代以来山西高校话剧社团调查研究 林兆华戏剧舞台叙事观念与方法研究 古代学人戏曲观的生成与演进 舞台艺术中武术表演形式研究 中国话剧（2000-2015）舞台多媒体运用研究 论现代话剧艺术民族化的生命力 中国当代小剧场戏剧论 近代中国歌剧文学创作特性历史审视 中国当代话剧舞台叙事形式的演变 天津民营小剧场话剧运营研究——以美域话剧团为例 中国现代话剧：民族表演体系的探索和建构 延安戏剧运动研究（1937-1947） 兰州市小剧场——大河剧场调查报告 从苏区到延安：李伯钊与根据地戏剧发展研究 中国话剧的民族特色与诗化精神 论林兆华话剧对戏曲假定性的借鉴和发展 王延松关于曹禺经典剧作的诗意解读与美学建构 《分手大师》从话剧到电影的叙事转换 西方话剧对海派京剧的影响 市场细分背景下小型舞台演艺产业化运营研究——以我国二线城市小型歌舞剧、话剧等表演艺术为典型 声有情，词有味—台词二度创作探析 长沙小剧场话剧传播研究 “破”与“立”视域中的五四话剧新论 异态时空中的展演与观看—伪满洲国女作家杨絮的生存与写作 “译者登场”——英若诚戏剧翻译系统研究 以舞剧《原野》为例谈话剧元素在舞剧中的运用 中国当代小剧场校园话剧艺术研究 中国儿童戏剧发展史（1919-2010） “开心麻花”话剧改编电影的策略研究 黄河流域道情戏研究 戏曲表演程式研究 异化和归化策略在音乐文献翻译中的初步实践——以《文革文化史》的翻译为例 中国剧院管理经营研究——以上海为例 用戏曲搭建跨文化沟通的桥梁 传统美学与现代美学的融合——田沁鑫话剧艺术探析 1872-1919年近代报刊剧评研究 话剧表演与声乐的融合 十七年“戏改”过程中的民间与国家——以福建地方戏为考察中心 二十世纪前期（1904-1949）戏曲期刊与戏曲理论批评 新中国话剧演员文化生态研究（1949-1966） 中国戏曲剧本语言研究 新中国舞台美术研究 伪满洲国戏剧研究 双生与互动的美学历程——中国戏剧与电影的关系研究 赖声川即兴创作研究 试论中国话剧对民族传统戏剧的学习借鉴——兼及戏剧教育汲取戏曲养分的问题 论朱琳的话剧表演艺术 基于戏改背景的样板戏版本考察与美学分析——以《智取威虎山》为例 当代国内电影改编话剧作品的艺术方法及美学特征研究——以“表演工作坊”和“开心麻花”为例 韩国学生中文话剧表演教学设计与指导实践 英语表演式教学研究——以江西某高中英语教学为例 基于话剧表演式教学法的韩国小学汉语口语课教学设计——以《务安五味》的教学为例 演员话剧表演创作中的节奏研究 高中语文戏剧类文本教学研究 传统戏曲的经典化与再生产——以《赵氏孤儿》为中心 新时期以来中国话剧观众期待视野问题研究 直面戏剧在中国的接受 复合性观演空间设计研究 从先锋到大众——论中国小剧场话剧的发展 论我国经典话剧中的性格化表演——以《雷雨》人物周萍的角色塑造为例 投影艺术介入舞台戏剧的应用研究 新中国初期民族歌剧表演艺术研究 “十七年”戏剧与电影的互动研究——以戏剧对电影的影响为中心 表演艺术的肢体语言再探索 当代台湾戏剧在中国大陆的接受研究 近年来中国IP话剧电影改编的研究 《樊粹庭文集》整理与研究 非营利艺术表演团体社会导向研究 论“赖声川模式”对内地话剧产业的启示意义 浅谈话剧与戏曲在角色塑造上的差异 山西戏剧文化创意及其产业发展研究 建国后老舍的多重身份“表演”与话剧实践 斯坦尼体系与中国话剧演剧 话剧舞台表演节奏之总体观 近代戏曲改良运动研究 中等艺术学校戏剧（话剧）表演专业发展研究——以石家庄市艺术学校为例 电子音乐制作技术在话剧舞台表演声音呈现中的若干应用——以话剧《白露为霜》为例 戏逍堂商业戏剧运作模式研究 现代性理论视角下的新时期话剧发展与艺术特点研究
谈舞蹈教师肢体语言的美育功能摘要：舞蹈是有生命的、运动中的人体艺术，舞蹈教师要对舞者的肢体进行严格而科学的训练，以便达到舞蹈内涵所要达到、所要表现的最佳状态如从简单的站姿、坐姿、走姿到软开度的训练，以至于跳、转、翻等各种技能技巧的训练，这些都是更好地表现舞蹈最高境界之所需。同时还要通过老师的训导、示范等，使舞者日常的行为举止养成良好的习惯，从而显现出其人格及职业的魅力。关键词：舞蹈教育、肢体语言、内涵、美育功能、美感舞蹈教育是一种通过肢体语言进行的教育。身教重于言教，是专业教育和人格教育的统一，也就是教书(学)与育人的统一。这是一个对肢体进行严格训练和科学训练的过程，也是对一些良好的行为习惯、动作养成的过程，舞蹈教师是整个训练的执行者、诱导者和贯彻者。舞蹈教育是用肢体语言通过示范动作传递肢体艺术进行教学，其他学科的教师则是把所要教授的内容通过语言文字的形式传递给学生，因此，舞蹈教师的肢体语言有着更特别的意义，有着特殊的美育功能。舞蹈教师是用肢体语言把舞蹈的内涵、教育的内涵和老师本身的内涵，通过舞蹈中的肢体美、教学中教态每和生活中的自然美表现出来。它不仅带给人们精神上的愉悦和美的享受，而且还具有欣赏价值和对学生的美育作用，更重要的是可以激发学生学习舞蹈的兴趣和欲望，更是一种动力。它所传递的信息形式多样，内容丰富，多姿多彩。舞蹈教师的美育功能来自舞蹈艺术本身的美这种美是经过提炼组织和艺术加工的人体动作，这种美是经过严格训练后的精雕细琢，修饰性很强，具有艺术造诣所赋予的灵气，它符合舞蹈审美诸元素的需要。不同风格的舞蹈动作以及各种优美的舞姿和高难度的技巧等，是经过艰苦磨练后才能达到的专业性很强的富有艺术性的肢体美，是任何口头语言都难以比拟的。教师在教学中，把这些富有专业内涵的舞蹈动作，通过关的肢体语言，示范给学生们，如：在教授中国古典舞神韵所要表现的“形、神、劲、律”中的“律”时，其中一个简单的“亮相”，既可运用正律，也可运用反律。正律动作通过顺利顺势则顺水推舟，一气呵成，犹如行云流水。而反律，一个动作和动势的走向分明是往左却突然急转几下的往右，或者由前突然变化向后等等。这种反律通过教师的肢体表达，有着异峰突起、出其不意的效果，使动作有了扑朔迷离、瞬息万变的感觉。更美的是教师在动作过程中，从手指尖到脚指头、从头发梢到神经末梢、从眼神到呼吸都给人一种只可意会不可言传的美感。舞蹈只有通过美的肢体和美的神韵，配以美的音乐，才能表达美的内涵，达到美的享受。这种肢体语言美，给人一种美的意境。而学生在享受美的熏陶的同时，就会情不自禁地跃跃欲试，渴望效仿和追求……舞蹈教师的美育功能是教态语言的美这种美是人的本质力量的直接表现或理想的形象显现，与人的精神品质息息相关。这种美的教态语言是一种知识品位、文化修养、职业道德、聪明智慧、教学方法及态度等方面综合素质的体现。教师优雅的艺术气质，始终是学生竭力效仿和尊崇的榜样，尤其是教师的艺术涵养更能激发学生对艺术美的追求。教育的最高水平应该是无声胜有声，身教重于言教。舞蹈教师有着用肢体语言和教态语言传递美的内涵的教师职业内涵以及教师本人素养的融合。教师的一言一行，都会深深印在学生们的脑海里。作为教师不仅要教学生掌握舞蹈的技术、技能，更要教他们做人的标准。一个学生追求的生活目标是高深还是庸俗，是奋发还是功力，是诚实还是虚伪，舞蹈教师对学生的影响比任何其他教师更直接更有力更深远。大到教师的教学风格，人格魅力，小到教师的一言一行，一举一动，一个手势，一个呼吸，一个眼神，～个微笑，一个表情，教师在课堂上的举手投足和每一个细小动作都有他的用意所在。教师的表率作用是无穷的，是对学生具有强烈震撼力的感染力的，～个自身修养高的老师，常常是学生崇拜的偶像、模仿的榜样，在教学中其讲述的观点及阐述的内容，极易为学生接纳，其言行极易起潜移默化的作用，做到“亲其师，信其道”。教师身体力行、身先士卒、为人师表，既是一种很好的教学方法，也是教师对学生爱的体现。特别是舞蹈教师，以愉快的教态语言和学生沟通，将会取得很好的效果。舞蹈教师的美育功能是教师本身的一种自然美如果说第一种美是来自于舞蹈本身的肢体美，是经过专业训练才能达到的话，而第二种教态美则是教师综合素质在课堂上有意识的表现及活动，那么第三种美就是外在美和内在美的结合，是前两种美在教师心灵深处的烙印，或者说前两种美在脑海中的积淀，是一种渗透到骨子里的东西，是任何人无法拿走的东西，也就是人的内在气质的一种表现。这里既有职业特点，又有专业特点，是个人的学识水平和文化修养的整体显现，是一种不经意的表现，是一种下意识的最自然美的流露。有人常讲，一位好演员不一定是一位好教师，但好的专业教师一定是一位好的演员，这也充分说明对舞蹈教师的要求标准很高，在专业上既要会跳，又要会教，必须做到知其然还有知其所以然，并且还要学会教育学，心理学以及教法，更要学会做人。舞蹈教师所从事的是教育的职业，传授的是舞蹈的专业，因此，在舞蹈教师的肢体语言里，既有舞蹈演员的艺术气质，又有教师的学者风范，既有五大搜演员的个性张扬和坚韧的毅力，又有教师那种含蓄和丰厚的内涵。舞蹈教师的肢体语言或者说体态语言是一种外在形象，也反映着他的气质和内心，车尔尼雪夫斯基曾说：“形象在美的领域中占着统治地位。”教师把各种形式的美的形象，呈现在自己的学生面前，深深留在他们的脑海里，达到净化灵魂、提高境界、丰富知识、陶冶情操的美育目的，因而以形象——肢体语言美感教育人会有显著的功效，会帮助学生树立审美观，提高审美能力，培养他们对社会美、自然美、艺术美的感受、理解、想象和创造能力，完善审美心理结构，促进身心健康发展，从而早就一代人格完美、素质全面的新型人才。
表演心理学是支配外在形式的一种心理动态，每一个表演者在参与演出的过程中都要具备一定的心理素质，这样才会让整场演出很好的诠释出来。下面是我为大家整理的关于表演心理学的论文，希望大家喜欢!表演心理学的论文篇一 《心理学应用于表演的探讨》 摘 要：从心理学出发，本文覆盖了心理学基本科学原理及概念。心理学在表演中的应用，主要表现在分析人物的思想、性格和行为方式上，从心理生活形成的原因，找到思维 方法 上的逻辑，推断出突发事件中的行为表现。通过阅读大量中外文献与书籍，我了解大量关于心理学应用的大量知识及心理学对于表演的作用。文中诠释了心理学帮助演员在舞台上心理状态，并试图运用逻辑推理、心理分析、心理暗示等表演中常用到的心理学方法，解决怎样调整演员的心理状态。以心理学在创造人物方面进行了解析。并结合事例印证了学习心理学对演员创造人物起到的作用。通过自己演出过的实习剧目、 毕业 大戏作为素材，根据斯坦尼体系及心理学的指导，探讨心理学在表演中的重要作用，以及心理学的学习对于演员表演的帮助。 关键词：心理学;注意力集中;心理暗示 谈到演员表演的心理学，就必先表演天性的根源以及艺术鉴赏能力来做一探究，格林威而逊谈到“表演的天性来源于最初人类探索他们周围的环境以考验自身的体力和脑力的极限。”往往最初人们就是抱着这种心理，通过初级的游戏，挑战自己的能力,享受游戏的乐趣。心理达到愉悦，这就是表演心理的基本欲望。比如孩提时代的过家家或是扮演老师与学生，模仿大人的一些行为习惯，这中模仿的游戏使人类熟悉了周围的环境，逐渐获得了对心理控制的能力，戏剧作品之称作戏剧，实际也就是与游戏有关，并非处于偶然，因为戏剧的任务是向人们提供生活的不断经历和经历的不断排练。 心理学在表演中的应用，表现在分析人物的思想、性格和行为方式上，从心理生活形成的原因，找到思维方法上的逻辑，推断出突发事件中的行为表现。对于戏剧的创作与欣赏，如果没有心理分析作为基础，就失去衡量和诠释的标尺。心理学是行为和体验的科学，而戏剧是生活的返照，心理学与表演则有着相辅相成互相借助之处。在我们刚接触到剧本的时候，演员对剧本的理解，对角色在剧本中的最高任务的理解尤其重要。不仅要求演员对于剧本有很好的理解能力，还要求演员有很好的心理逻辑推理能力。我们通过心理分析与逻辑推理，设想在剧人本之外的信息。能否符合生活真实、构成艺术真实，关键在于人物心理活动是否符合逻辑。只要心理活动符合逻辑，一切不合理行为、意料之外行为，都符合生活真实，也都构成艺术真实。演员抓住人物心理活动的 “逻辑性” ，才能构成“艺术真实性” ，才能达到“戏剧性” 。 这些行为，都有性格心理方面的原因，因此，把心理学引入表演艺术是必要的。演员对于角色的分析，实际上是在初读剧本时就已经开始了。演员在初读剧本时，总会在自己的头脑中产生出这样或者是那样的印象来，这些感性的印象，已经是演员对于角色的认识与分析的开始了。然而，这种分析不是理性的分析，但是，在初读剧本时，演员对于角色的印象往往又总是最为真切，最鲜明生动，同时还会引起演员对于生活的许多真切的感受与许许多多的联想。这些感受与联想往往可能会成为演员以后进行人物形象创造的非常重要的契机和宝贵的财富。所以，它对于演员以后的角色创作来说，无疑是具有非常重要的作用的。 心理学中心理暗示行为，能够帮助演员成功的塑造好一个角色，有很多必备的因素，但其中可以肯定，心理准备是最重要的之一。从心理学的角度来讲就是更好的进行自我暗示――暗示自己就是角色，结合我自己的 经验 ，每次在上台前，我总会按照顺序依次在心理思考这几个问题进行心理暗示，首先我把做过的人物分析拿在手中在阅读一遍，思考一遍规定情景、上场目的，然后用大部分的时间进行心理暗示，我告诉自己就是角色，继而拥有的就是人物的性格、形体、语言等。当让我做好了这样的心理准备，这时上场演出总是信心满满。 精神分析学的创始人佛洛依德对表演学的贡献是对人类潜意识过程的揭示，提出人的精神活动在多种意识层次里发生和进行，包括欲望、冲动、思维、幻想、判断、决定情感等方面，在在演员对角色的体验中都可以找到相应的发展阶段，揭示出这些层面就能使演员对角色的体验更加具备自我意识和自我控制能力。表演的方方面面，心理学的渗透都伴随左右，两者有着缺一不可相辅相成的关系。斯坦尼斯拉夫斯基把心里技术视为表演创作的一种动力，他形象的运用“统帅“来比喻智慧、意志、情感等要素对于表演创作的推动作用和影响力。而智慧、意志和情感都属于心理学研究的范畴，智慧是心理学中思维品质的总和，斯坦尼把他们提到如此重要的位置上，衍生出表演学意义上的智慧、意志和情感，可见心理学和表演之间存在很大的交集。那么学习心理学对于演员增强自我控制能力，对于创作人物及演出都是有极大帮助的。 参考文献： [1]齐士龙.戏剧中的表演艺术.北京：中国电影出版社，1999年. [2][苏]К・С・斯坦尼斯拉夫斯基.演员自我修养.1955年. [3]李锦云.表演心理学. 北京：世界图书出版公司，2007年. 表演心理学的论文篇二 《浅谈声乐表演中心理因素的影响》 摘 要：在声乐表演中心理因素是导致演出成败的主要原因。声乐演唱本来就是高级的心理活动，是精神最为活跃的时刻，时刻伴随着复杂的心理活动。很多声乐演员在平时的声乐训练中，很重视声乐的技能和技巧，却不了解心理因素对演唱的影响，不重视心理素质的提高。人在歌唱时要求人体的发声、呼吸、共鸣、咬字等器官的协调合作来完成的，其中心理和精神对这种活动影响很大，是歌唱能否成败的关键。为此，本文从以下几个方面来探讨心理因素在声乐表演中的作用。 关键词：声乐表演;心理因素 一、感觉和知觉在声乐表演中的作用 人类的感觉来源于对世界的认识，世界的一切物质对人类本身的刺激都会产生人类自身的感觉，正是这种感觉人类知道了世界的物质，知道了它的形状、状态和形式。这个感觉保证了人类生存和正常生活。如果缺乏对世界物质的正确感觉或信息缺损，就会给人类自身带来不良的影响和生存威胁。知觉是人脑对当前客观事物的整体的反映。知觉和感觉一样，都是刺激物直接作用于感觉器官而产生的。 感觉和知觉是人的心理现象，很多高级的、较为复杂的心理现象都是在这两种心理现象中产生的。没有感知这个低级阶段的认识，人类就无法实现想象、思维等高级认识活动。就不会产生复杂的情绪体验，就不会有一定指向的兴趣、需要和动机。 在我们的社会生活中，我们经常听到很多种音乐。很多音乐是通过我们的感觉器官让我们得到刺激，产生各种情绪。或是愉悦，或是心碎、或是心潮激荡。让我们感觉到了音乐难以言传的美妙。这种感觉是最简单的音乐心理现象。只有经过这种感觉才能分辨、意识你所听到的音乐的属性，才能分清音乐的节奏、音色、音高等。对这种感觉的积累，越多、越深刻、越全面，越能了解音乐的本身。因此，声乐演员在演唱一首歌曲之前，一定要想做好案头工作，要反复聆听增加这种刺激，让自己感觉深刻，才能找到更好表达歌曲情感的方法。 二、意识在声乐表演中的作用 心理学认为，意识是能够被人自己觉知的心理现象。意识的结果可以分为两种，即有意识和无意识。很多时声乐演员在演唱中存在着大脑对演唱活动有意识与无意识的控制。在歌曲的处理方面如：速度、力度、音量是有目的的控制，而无意识的是长时间的练习把这些变成了习惯，就不用去控制了。这就引发了声乐演员平时要注意声乐基本功训练的问题，在不断地训练过程中，声乐演员的歌唱就进入了无意识状态，就不会出现歌唱障碍，影响歌唱了。 三、想象在声乐表演中的作用 想象是一种特殊的思维形式。它可以把储存在大脑中的表象加工成新的形象。很多时候我们会发现在阅读文学作品时，头脑中就能产生景象和画面，这就是我们平时留存在大脑中零散的表象经过作品中文字的启发被加工成了形象，还会在我们大脑中如同放电影的感觉。正是这个想象，也让我们在欣赏音乐时产生音乐形象。在音乐活动中因为有了想象，就能从认识音乐、改造音乐达到创作音乐。对于声乐表演者来说是进行“二度创作”必不可少的过程。想象可以让声乐表演者把自己的舞台形象设计成歌曲要求的人物;可以用角色的精神气质来表现作品。让声乐表演者很快进入角色，体验角色人物的生活感受，最后带来表演的成功。当然，想象也有它的负面作用。 声乐演员要重视想象的作用，充分利用想象让自己在舞台上表现更好。为此，声乐演员就要让自己多体验社会生活，要勤奋，接触大自然，接触社会上各种行业、各种人物、各种性格的人，并且多阅读文学作品，欣赏影视、戏曲、舞蹈、绘画等各类艺术作品。 四、情绪和情感在声乐表演中的作用 情绪和情感是人的一种主观心理活动，受客观条件制约，客观条件的变化往往会给人的情绪和情感带来变化。经常会有这样的状况，刚刚还是一个兴高采烈的一个人，当听到与他(她)有关的坏消息马上情绪大变，前后判若两个人。这种情况在声乐表演中也会遇到。例如：一个声乐演员正准备上台演唱，舞台的灯光突然熄灭了，一下子影响了这个演员的情绪。当舞台灯光回复后，这名声乐演员上台歌唱时就失去了往日的色彩。这就是因为客观条件影响了演员的情绪，给他心理带来了压力。 声乐表演本来就是一种情感表达，也可以说情感是艺术的灵魂。从事声乐表演不能没有情感。声乐表演者的情感是来自对社会生活的体验，人们在社会生活中，经常受到来自不同事物的影响，并不断自主地产生认识事物的态度。例如：我们听了一首健康向上的歌曲，就能让人产生积极向上的情感;而听到一首思想堕落的靡靡之音，就会感到厌恶的情感。这里还表现了人们的价值取向对客观事物反映的不同，表现出爱与恨，悲与乐，这就是人的情感。 声乐表演中的情绪与情感作用与生活中的情绪与情感是不同的，生活中的情绪与情感很多是因为利益的关系而带来的，与生存和安全有最直接关系。声乐表演中的情绪与情感是构成艺术的核心，是艺术具有生命力的根本。声乐表演中的情绪与情感的运用是为了表现艺术的内涵和灵魂。是为观众提供带有共性的认识与感受，不存在实用的功利目的。演唱者把情绪与情感用在作品中，把对客观事物的体验与观众分享，让观众与他同愤怒、同欢喜，同悲伤，就是为了让艺术更加展示魅力，让声乐表演“以情感人，以情动人”。 综上所述，心理因素在声乐表演中的作用，目的是让声乐表演者重视心理因素的作用，加强学习提高心理素质，更好地把歌唱好。 参考文献： [1]张凯.音乐心理[M].西南师范大学出版社，2010. [2]徐厚道.心理学概论[M].北京工业大学出版社，2004. [3]喻宜萱.喻宜萱声乐艺术[M].北京华乐出版社，2004. 表演心理学的论文篇三 《谈艺术心理学在声乐表演中的应用与实践》 摘要：舞台演唱是一种复杂的心理过程。在演唱过程中，无论是歌曲的歌词、旋律、声乐技巧，以及舞台的表演与观众的交流、声情并茂的演唱等，心理活动都是起着重要的作用。本文主要探讨艺术心理学在声乐表演中的重要性，及当前声乐表演中心理调控能力缺失的表现，从而提出如何加强声乐表演心理的培养。 关键词：艺术心理学;声乐表演;调控 人的任何活动都是一种心理活动，歌唱自然也不例外，也总是在一定的心理背景下进行的，不同的心理状态会对歌唱产生积极或消极的影响，因此，作为一名歌唱者，良好的心理调控能力是必不可少的，而且歌唱中的心理调控，是一个连续的、变化的、动态的过程，几乎所有的声乐学习者，在进行学习和表演时，都会遇到心理调控方面的问题，所以探究声乐教学和演唱中的心理调控，对于提高演唱者的演唱水平和能力有着切实的积极意义。 1艺术心理学在声乐表演中的重要性 声乐是音乐艺术的重要形式。其目的是感动人，是传达思想、情感、情绪和描绘情景。只有歌者以情感正确表达歌曲的本意，才可能使听众受到感染，同时，我们也应该意识到事物的另一个方面，依靠歌唱心理思维的指导，培养敏锐的知觉，发展充分的 想象力 ，不断对复杂的歌唱现象做出理智的分析、判断和思考的表达，取决于演唱者本身的理解能力和想象力。"音乐想象是复杂的心理过程，人们对它实质认识还很肤浅，它与感觉、知觉、意象、联想、思维、情感及意识活动有着密切联系。"黑格尔也曾指出："创作就是艺术想象活动，最杰出的艺术本领就是想象。"演唱中的艺术想象是一种特殊形式的 思维方式 ，它给人一种超越现实的感觉，能增强演唱者的情感活动。在对作品演唱时，演唱者应使自己进入想象的境界，将情感化为意象。通过想象的情感、画面空间，运用听觉、视觉、触觉、味觉等表象来表达，就如自己在生活中亲身经历过的事物，在演唱时借助于想象来完成。 良好的歌唱状态包括呼吸、共鸣腔(胸腔、咽腔、口腔、鼻腔和头腔)的协调使用，以及具有较自由、轻松、自如、充满信心的良好歌唱心理，在歌唱中二者形成一个整体的感觉，这是歌唱训练的基础。事实证明：歌唱表演的成功与否，除了本身应有较高的艺术水平和精湛的演唱技巧，还应具有良好的心理素质，两者缺一不可，歌唱的技巧可以在有经验的教师指导下，经过努力掌握，但这并不等于获得了歌唱的全部能力。 我们在进行声乐指导的过程中，经常发现许多学生在课堂学习中唱得很好，但一到舞台上演唱或参加比赛就出现心跳加快、身体僵硬、两腿发抖、脸色发白、直冒冷汗、气息上浮、声嘶力竭、节奏不稳、忘词跑调，有时甚至伴奏都听不清，失去自控力，脑海一片空白的心理异常，乃至于失去了对歌唱器官的调节能力，因而导致了演唱的失败。因此，歌唱对人的心理状态或心理素质的好坏，对其歌唱的训练和学习，对教师教学成果的优劣，对歌唱者的水平发挥，起着十分重要的作用，应引起我们的足够重视。 2声乐表演中心理调控能力缺失的表现 演出中的过度紧张 很多歌唱者，特别是没有过太多舞台经验的初学者，站在舞台上会感到明显的进展，表现为手脚多汗、呼吸不均、腿部打颤等现象，甚至更为严重者，大脑会突然一片空白，不知道自己站在台上要做什么，亦或着演唱中突然忘词等等，这些心理调控的能力的欠缺，严重了影响了正常的歌唱，更不用说完美的、超水平发挥的歌唱了。 高音恐惧症 高音的训练和演唱，是声乐教学中一个重点，更是一个难点。因为很多声乐作品，为了情感抒发的需要，需要用更为高亢和明亮的声音，才能够予以淋漓尽致的表达。长期以来，因为观众对于声乐这门学科的了解有限，将高音的演唱看作是演唱成败和演唱能力高低的唯一标准。即便是在声乐学习者中间，也存在着这种倾向，认为高音唱得好，就是演唱能力强，这无疑是一种片面的看法。 环境适应能力差 琴房是每一个声乐学习者停留时间最长的场所，琴房更是见证了一个声乐学习者学习的全过程，但是很多声乐学习者在不自觉中，形成了一种"琴房依赖症"，即在琴房里演唱，往往是自然和从容的，甚至还会超水平发挥。而一旦离开了琴房，到了新的演唱环境，面对着自己不熟悉的环境，演唱的效果就会大打折扣。 3加强声乐表演心理的培养策略 首先， 学 唱歌 的人要适当学习心理学知识。通过学习心理学学会控制和运用自己的心理形态，指导自己对技巧表现的控制。在教学中，教师应多教导学生克服紧张情绪的方法，帮他们找出原因，消除障碍，获得声乐学习的成功。此外，还应根据学生的气质特点进行教学。根据每个学生的气质特点，因材施教。比如对性情急躁、喜欢急于求成的学生，老师就可控制其急躁、任性的情绪，培养他们的坚韧、顽强的能力;而对于怯弱、迟疑、反应慢的学生，老师则要帮助其克服孤僻、忧虑和自卑的心理，培养他们的顽强、自信的精神。 其次，帮助学生树立正确的表演态度。第一，要对自己的水平有清醒的认识，不要有不切实际的期望;第二，要放下包袱，既要理智地正视自我，又要勇于表现自我，以饱满的激情和专注的状态进入演唱，唱出自己的真实水平。在演出过程中，老师应多教导学生懂得全神贯注，告诉他们，如果此时还想如何一鸣惊人，对演出效果作过分企求的话，势必会影响到演出的质量。另外，在平时训练中，老师也要有意识地引导学生进行系统的意志锻炼，尤其是帮助性情怯弱、迟疑的学生克服孤僻、忧虑的心理，培养他们对演唱事业高度的责任感、荣誉感和自豪感等。要告诉他们，对曾经的怯场失利自己要勇敢面对，并认真 总结 失败原因，找出解决办法，增强自信心，促进表演心理的健康发展。 最后，加强基本功的训练，提高演唱技艺。紧张恐惧的关键性问题就是信心问题，而信心则在很大程度上来源于自己的实力，即演唱水平的高低。俗话讲："艺高人胆大。"作为一名优秀的歌唱者，只有熟练地掌握了各种技巧和技术，才能在演出时淋漓尽致、声情并茂地发挥。成功的表演来源于平时扎实的训练和心理素质的培养，表演者一定要具有正确的心理状态。歌唱者在训练或演唱时，全身放松但不松懈;注意力高度集中，但不紧张;积极、热情、主动地训练及唱歌，但不慌乱。具备了正确的心理状态，就是打好了心理素质培养和训练的前提和基础。 结论 近年来随着声乐 教育 学和心理学的发展，已经有越来越多的声乐工作者认识到了心理调控在声乐演唱中的重要意义，心理调控，看起来有一种只可意会不可言传的味道，但是将其放到实际的教学和表演过程中，就会发现，心理调控是实实在在存在的，也是完全有规律可循，从容把握的。 参考文献： [1]苏明海.声乐表演中"怯场"的分析与解决[J].大众文艺.2010(11)：98-100. [2]曲波.歌唱应具有良好的心理素质[J].安徽文学(下半月).2008(12)：76-77. [3]刘芳.论声乐表演者的心理调适[J].赤峰学院学报(汉文哲学社会科学版).2009(09)：45-46. 猜你喜欢： 1. 表演艺术毕业论文范文 2. 有关音乐表演的心理论文 3. 浅析心理学的论文3000字 4. 心理学方面的论文2000字 5. 表演学术论文范文
谈戏曲旦角表演艺术特点论文
在社会的各个领域，说到论文，大家肯定都不陌生吧，论文写作的过程是人们获得直接经验的过程。怎么写论文才能避免踩雷呢？下面是我精心整理的谈戏曲旦角表演艺术特点论文，仅供参考，希望能够帮助到大家。
【摘要】 吕剧是山东地区最具代表性的一个剧种，可以运用戏曲的方式来对地方民情、民风与民俗进行展现，其中旦角等戏曲行当的表演都有其独特的艺术魅力与特色。为了更好地提升旦角的表演效果，有必要提前明确其表演艺术特点。本文以吕剧旦角为研究对象，重点对其表演艺术特点进行了探讨，旨在为相关戏曲人员学习旦角表演知识提供一些理论参考。
【关键词】 戏曲；吕剧；旦角；表演艺术特点；
戏曲演员是戏曲这门表演艺术的主体，其演绎能力与表演能力是促进戏曲艺术蓬勃发展的重要基础。为了可以对角色形象进行更好的塑造，就必须要利用恰当的表演技法以进行有效的表达，尤其是要注意对相关角色的性格特征等进行充分的理解与深入的把握，从而保证可以更好地塑造出特定的角色形象。其中旦角是戏曲中的重要行当，也需要系统化地依据“四功”与“五法”的基本表达方式及其本身的艺术特点来展现其艺术魅力。
一、吕剧旦角概述
（一）吕剧概述
吕剧是我国山东地区一种非常具有地域性的戏曲剧种，在20世纪五六十年代发展到了顶峰，期间诞生了《借年》、《小姑贤》、《李二嫂改嫁》等众多经典剧目以及李岱江、郎咸芬等众多吕剧名角。基于自身蓬勃发展的态势与广泛的影响力，吕剧被评为了国家级非物质文化遗产。吕剧作为一种地区性剧种，具有优美朴实、贴近群众与自然流畅等艺术特点，其优美朴实主要体现在唱腔兼有曲牌与板腔体特征，曲调动听、朴实、顺口、灵活，相应的伴奏乐器可以分为武场和文场两种类型，并且还有效地融入了一些西洋管弦乐器，使得伴奏乐器整体展现出朴实、优美的特征。而在演唱的过程中，吕剧主要用真声，针对个别高音的演唱则会相应地利用真假声有机结合的演唱方法，从而使得最终演唱出来的曲调流畅、自然，同时在吐字的过程中保持清晰，使整个唱腔优美、动听。
（二）吕剧旦角特征
吕剧旦角主要可以分成老旦、彩旦、花旦、武旦、青衣、闺门旦几种类型，具体表现特征如下：其一，老旦。主要在戏曲中扮演中老年妇女，表演中展现出老态，在唱、念及做的过程中展现出稳重大方，如《穆桂英挂帅》当中的“佘太君”这一角色。其二，武旦。主要扮演掌握武打技艺的女子，要保证身段灵活、轻捷，如《打焦赞》当中的“杨排风”这一角色。其三，彩旦。主要扮演喜欢搬弄是非、狠毒、可恶狡猾的妇女，其表演动作以及台词多来源于现实生活，如《小姑贤》当中的“刁氏”这一角色。其四，花旦。主要扮演热情、活泼、可爱的青年或少年女性，要保证吐字清晰，唱腔甜润，身段也要娇俏、灵活。其五，青衣，主要扮演成年妇女，一般会非常重视唱功，要求演唱细腻清亮，行腔流畅委婉，如《井台会》当中的“兰瑞莲”这一角色。其六，闺门旦，主要扮演贫苦人家有教养的妙龄少女或者未出阁的大家闺秀，唱腔具有缠绵委婉的特征，并注重形体与水袖功夫的运用。
二、吕剧旦角表演艺术特点
（一）台步艺术特点
在吕剧旦角表演的过程中，台步是一种最基本的表演方式，也就是戏曲界俗称的“走身架”，即演员在表演过程中需要运用脚步进行展现。为了可以有效地将所演绎的.旦角角色表现出来，首先需要走好台步，保证可以将所表演的人物以生动、直观的方式展示出来。旦角表演过程中人物形象的塑造直接体现在旦角台步的表现当中，具体表现方式需要结合角色的年龄特征、性格特征以及周边的环境特征等进行把握，不同的旦角角色需要通过台步的有效应用来将特定的角色形象完美地展现出来。也正是基于这一要求和特点，针对不同的旦角人物，形成了具有差异化的台步。
比如，针对青衣角色而言，由于其主要表现成年妇女，一般会非常重视唱功，所以在台步运用上要更加侧重稳健；闺门旦要采用小步距进行表现，展现出温柔、细腻的台风；武旦则要讲求流畅、迅捷、有力、刚劲的台步。此外，吕剧旦角表演过程中，台步还需要相应地展现出山东地区浓郁的地方色彩，使台步具有更强的表现力。因此，针对吕剧旦角的台步艺术而言，要在旦角人物特征及吕剧作品表演内容的基础上进行综合考虑，采用恰当的台步技巧来生动地塑造出旦角形象，展现其真正的艺术魅力。
（二）身段艺术特点
身段也是吕剧旦角表演过程中非常重要的一种表演艺术，主要表现为表演的动作、技巧以及展示出来的架势等，如不同动作的衔接、前后动作的连贯以及不同种类姿势的展示等等。在演绎角色的过程中，旦角演员要注意把握好台步的移动、眼神的运用以及水袖的抛收等等，力求使旦角表演中的身段与手部动作、台步移动、眼神运用等形成有机、协调的配合。对吕剧旦角演员而言，婀娜多姿的身形与优美的体态对最终呈现出来的表演效果有重要的影响。
因此，在吕剧旦角演员实际表演的过程中，要注意采取恰当的身段表现方法来将山东地区浓郁的地方色彩进行有效的展现，力求可以更好地凸显出山东地区的历史、风俗、文化等。基于此，吕剧旦角表演者平时除了要注意学习身段表演技巧之外，还需要多接受戏曲美学方面的熏陶，保证可以不断地提升自身的气质，同时还要注意有效地对肢体表达进行调节，确保其协调性与优雅性。只有善于运用这些协调、优雅的肢体语言才能够将戏曲旦角的特征有效地表现出来，展现出不同角色的个性特点与情绪特色，保证可以更好地展现出戏曲旦角表演艺术真正的魅力，不断提升旦角表演的整体效果。
（三）念白艺术特点
念白是吕剧旦角表演中所涉及到的白口、道白或说白，或者说就是人们日常生活中说话这一行为的戏剧化表现，是一种基本的戏曲台词表现形式，也是构成戏曲的重要部分，需要旦角在表演过程中加以注意。吕剧旦角的念白艺术需要进行艺术层面的美化与加工，力求可以形成一种艺术化的语言形式。而吕剧本身的念白同样具有地方性特征，也需要旦角表演者借助念白的有效表达来展现出地方特色，如利用念白艺术来对山东地区的文化习俗、语言风格进行展现。
此外，吕剧中念白的难度较大，其难于唱腔的表达，吕剧本身的地方性特征决定了其非常注重念白的有效表达，所以要通过有效的表达方法来提升念白的艺术表达效果，使其为吕剧旦角的表演增加亮点。为了提升整体的表达效果，旦角表演者必须要注意在念白方面多下功夫，多进行刻苦的训练，力求使自身在语气与字音等的表达上做到准确，表现出地方韵味，这样才能整体上提升旦角表演的艺术效果。
（四）演唱艺术特点
演唱是吕剧旦角表演中最为关键的一个环节，会对最终的表演效果产生决定性的影响，所以为了保证吕剧旦角表演的整体效果，就必须要注意对演唱技巧进行准确把握。在演唱过程中，吕剧旦角主要展现出了吟诵性和抒情性相结合的戏曲艺术特色，具体表现就是类似于曲艺当中“夹叙夹唱”的艺术表达方式，以此来突出吕剧本身的戏剧性功能，具体表现如下：
1、在半说半唱的过程中实现词与曲的有机结合。吕剧旦角在演唱曲目的时候常常会采用半说半唱的方式，借助这种说唱的表达方式来对曲目中的唱词内容进行有效的表达。而在说唱当中，吕剧旦角尤为依赖念白。通过采取这种“夹叙夹唱”的说唱表达方式，可以有机融合多种声腔，更容易展现出戏曲艺术本身的真实性特征，如可以唱一句之后再念一句词，又或者念多句词之后再接一句唱。
2、在似说似唱的过程中实现词与曲的有机结合。似说似唱主要指的是要注意音乐旋律和唱词字调，使旦角演员在对曲词进行说唱的时候有效地融入音乐旋律当中，可以给人一种“唱”的感觉。在演唱的过程中，音乐旋律也犹如唱词表达当中的口语字调，可以强化唱词表达，借助这种艺术表现方式更容易展现出山东地区浓郁的地方特色。比如，在《王定保借当》中，旦角的唱段涵盖了垛板、流水以及快二板等唱段，在旦角演唱时，采用半说半唱和似说似唱的表达方式，能使得整体的音乐表现更加多彩、质朴，避免呆板、平淡，从而展现出浓郁的山东地方特色。
3、在又说又唱的过程中实现词与曲的有机结合。吕剧旦角是一种非常独特的角色，许多曲目当中的旦角唱段都是以故事情节当中的矛盾冲突为基础来对唱和说进行安排和布局的，这时候一般会运用口语化的说白来对故事背景以及故事中涉及到的人物的关系进行交代，还要运用吕剧唱腔来对人物的思想情感进行抒发，具体可以采用快二板、流水、垛板、散板等多种唱腔吟诵板式，从而通过交替出现的大段的说和唱来实现词与曲的有机结合，提升整体演唱效果。综上所述，旦角是吕剧表演中一个非常重要的角色，其表演的成效直接关系到最终吕剧表演的效果。在吕剧旦角实际表演的过程中，要重点做好身段、念白、台步和演唱几个方面的艺术表达，确保可以凸显出吕剧表演的本土特色与艺术魅力，不断提升吕剧表演的整体效果。
三、参考文献
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电影艺术赏析论文范文精选篇2 浅谈《红高粱》中色彩艺术的运用与赏析 [摘 要] 当前，影视作品已经成为人们视觉审美最为重要的一部分，它是一种视觉艺术，图像是其造型语言，而色彩是其造型语言中最重要的组成元素之一。影视作品的画面质量直接影响着观众的视觉享受，而人的视觉感受在人的感官中最为强烈。电影《红高粱》是最能反映张艺谋早期风格的一部经典作品。电影中一个个油画似的场景，勾勒出了一个以红色为基调的“红高粱”世界，歌颂黄土高坡上的中华儿女抗日生活的电影，用来祭奠那些激荡在无边无际的如火如荼的高粱地里的灵魂。 [关键词] 《红高粱》;色彩艺术;人性;魅力 高粱，象征着狂野的、自然的人性，它们在风中劲舞，自生自灭，是世间生命万物的象征。《红高粱》对红色渲染达到了无以复加的地步。红高粱，红褂，红裤，红轿子，在烈日的灼烧下通红的汉子背，以及影片最后染满整个银幕的鲜血，既象征了面对恶势力的践踏，以最本质的方式进行反抗的原始生命力，也使整个电影充满了诗情画意。《红高粱》，以浓烈的色彩、豪放的风格，歌颂了中华儿女激扬亢奋的民族精神，叙事和抒情结合得恰到好处、写实与写意联系得相得益彰，把电影语言的独特魅力发挥得淋漓尽致。该部电影充满了神奇的色彩，它颂扬了人性的本质及生命的不可抗拒，对大自然色彩的运用也达到了登峰造极的境界。 一、电影《红高粱》的色彩艺术效果 《红高粱》中所营造出的以红色为基调的画面以及恢宏的氛围，部分来自于作者自身所注入的感情，部分则来自于客观事物烘托的意境，情境自然结合，“情与景会，意与象通”。这正是影片创作的基础，同时也是观众喜欢的魅力所在。在这部电影意境的营造方面，色彩发挥了至关重要的作用。色彩在电影创作中有助于情感的表达，它主要依赖于人们的联想来获得，即人们通过色彩而获得的感受。 人物的内心深层次的刻画能够烘托其复杂的心理活动及其性格特点。而要想在限定的较短时间里，有限的场景中来形象、细致刻画一个人的内心活动，那就需要能够让观众看到一个恰到好处的视觉载体，而美术色彩艺术的巧妙作用就恰好可以充当这一载体。张艺谋导演就是巧妙地把色彩艺术运用到《红高粱》这部影片中，形象刻画了影片中人物的内心世界。他通过美术色彩的多样变换，为观众准确、清晰展现了片中角色的内心活动及所要表达的思想内容。 该部电影中红色基调的大量运用，不仅对观众产生了强烈的视觉冲击，也传达出了影片所承载的象征意义。人物通过色彩掺入了复杂的感情，使影片人性化。《红高粱》这部电影通过运用大量的色彩来营造一种红色中国的意境，进而捕捉观众的眼球，以达到产生共鸣的效果。影片中铺天盖地的红色，极具象征意义。每处场景的色彩、色调无不把片中人物的特点刻画得淋漓尽致。从最初象征生命力、如火如荼的红高粱、红袄、红鞋、红盖头，到最后布满银幕的血红色，这些色调极具感染力，经导演的精心设计与故事情节结合得天衣无缝，为全片定下了恢弘壮烈的基调。 二、电影《红高粱》的色彩赏析 画面与音乐，作为构成电影的两大元素，在电影中发挥着举足轻重的作用。色彩是电影语言的一部分，恰当使用色彩，可以表达不同的情感及感受，有助于电影情绪的准确表达，渲染影片的风格气氛。同时，音乐在电影中也发挥着不可或缺的作用，而且具有很强的情绪性。音乐是电影中声音的一种特殊的表现形式，影响着影片的气质，深化其主体，强化观众的心理活动。一部成功的电影，出色的电影音乐是必不可少的。 夺得多项大奖的电影《红高粱》，算不上张艺谋最经典的作品，却是最激情的一部。影片自始至终，都致力于表现出感性生命的躁动。《红高粱》不仅是一部好作品，更是一部很好看的电影。 电影《红高粱》改编自莫言先生的中篇小说，讲述了20世纪二三十年代一伙纯朴的农民的狂野生活以及他们浴血抵抗日本侵略者的故事。影片经过演员的成功演绎，颂扬了生命的奔放，敢爱敢恨，大生大死的人生。故事情节跌宕起伏，令人难以预料。节奏松弛有度，画面、色彩、光线及其视觉形象热烈、活泼。该影片突破了传统的抗日战争题材，在《红高粱》中，自由奔放、气势恢宏的生命跃上了银幕。与同时代的影视作品相比，战争画面明显减少，而且不涉及任何政治色彩。影片结束时，战斗场面十分写意，虽然不如传统国产战争影片中的场面宏大，人物也不多，但画面却更多了几分震撼。日食、红霞映衬下的世界，嘹亮的歌谣响彻天地，如血海汪洋的火红高粱地…… 《红高粱》在观众心中留下了深深的战争烙印。影片成功在于纯美，颂扬了爱就真爱、恨就真恨、敢爱敢恨、大生大死、气势恢宏的生命。 和大多数的中国人一样，张艺谋导演对鲜艳的红颜色是情有独钟，红色自然成了电影《红高粱》的主色调。正如大家所了解的，在中华民族的传统文化中，红色被视为喜庆和美满的象征，后来红色逐渐被人们赋予了积极、向上、正义、革命的内涵。而且，在美术绘画领域，红色也是彰显个性与烘托氛围的一种常用手段。 影片《红高粱》一开始，映入人们眼帘的就是如血海汪洋般的火红色，影片女主角“九儿”那象征喜庆的大红的嫁妆：红盖头，红褂，红裤，红鞋;还有那大红的花轿;还有那火红的高粱地，以及在高粱地里让观众心情为之荡漾的野合。这些火红的画面一开始就给观众带来了强烈的视觉冲击，给人们内心带来了一次红色的洗礼。虽然整部影片的色调多是红色的，但并没有让观众感觉这是打破常规的矫揉造作，而是很自然接受了高粱本就是火红色的。另外，影片还把那种放荡不羁、肆无忌惮、自由激情和那欢乐愉悦氛围与红色的主色调巧妙地结合起来，在红色基调的衬托下，“爷爷”和“奶奶”的凄美爱情故事姗姗而来。 整部电影由“爷爷”与“奶奶”的相遇、相知、相爱、互助的情感构成。他们通过与世俗观念的抗争，最终走到了一起，最后浴血奋战反抗日本侵略者。影片结尾，女主人公“九儿”和其他汉子们全都死了，“爷爷”和“爹爹”静静站在那里，一动不动，相互凝视着对方，在血红色的太阳光下相互凝望着，很久很久，直到天空中日食出现时，天空突然暗淡了下来，紧接着出现的还是一种血红色。张艺谋导演巧妙把美术色彩在这部影片中用到了极致，画面唯美，故事感人，无限放大了人物的形象，更是对中华儿女的高度歌颂与赞美。影片歌颂了这片荒凉的土地，这段不畏世俗，令人崇敬的爱情故事，并深深颂扬了这块土地上的那种无拘无束的野性，更表达了对中华儿女不畏强暴、浴血奋战到底的优良品质。全片表达的就是对原始生命勃勃生机的崇拜之情。 在整部电影中，作者还是保留了大量的个人的风格及其自己主观的认知.影片较多固定于同一个镜头，来刻画人物的变化过程，吸引观众把心沉下来认真观看。影片多通过近景来刻画“奶奶”，当“爹爹”在酿酒缸里蹦来蹦去，不停地喊着“娘”时，“奶奶”脸上露出了会心的笑容。然后，“奶奶”注意到了远处的一个身影，侧影映在他身上，衬托出罗汉瘦小的身躯。太阳金色的光环绕在他周围，暗示着暴风雨即将来临。“奶奶”焦急地追赶过去，“爷爷”一脸不解，逆光从其身后射来，凸显他更加忧郁，好想看到了什么似的，仿佛危机正在来袭，就像光似的压在他身上，继而鬼子的掠夺呼之而出。 电影《红高粱》巧妙地将故事情节串连在一起，一个个油墨泼成的画面，扣人心弦。整片的高粱地被血色残阳染成了血红色，那是被鲜血染成的高粱地，那是象征着凄凉的残阳，是“爷爷”“爹爹”失去爱妻、母亲后心口的伤疤，是作者对高粱地上中华儿女的歌颂。一块高粱地被践踏了，但是还有如血海汪洋的高粱在疯长着，它象征着中华民族不屈的生命力，生生不息的文明，也是“爷爷”身上那股野性。“爷爷”身上的野性是原始的、野兽的疯狂，是中华男子汉所共有的特殊品质，更是中华儿女不畏强暴，奋力反抗的基础。影片呼吁人们追求真善美，追求勃勃生机的人生。 三、电影《红高粱》的画面鉴赏 色彩具有象征性。人们在各种色彩掺杂的世界里生活着，培养了很多视觉经验。这些经验与外来刺激相呼应，而情感则在其中慢慢升华，深刻地表达着人们的信念和思想，激起了人们的思绪。 出身于摄影师的张艺谋，电影画面及色彩一直都非常唯美，如有神相助。电影《红高粱》中的画面中红色为影片的主色调。在中国，红色既代表着喜庆、美满，也代表着革命。影片中最熟悉的画面就是那片火红的高粱地，郁郁葱葱的高粱高过人头，密得让人喘不过气来。秋风袭来，掀起层层波浪，一阵阵清脆的摇摆声;还有就是那血色残阳的画面，“九儿”出嫁，当花轿来到十里坡时，遇到了日本鬼子，最后死在了鬼子的刺刀下。那天的日食把整个世界都染成了血红色，“娘，娘，上西南，高高的大路，足足的盘缠，娘，娘，上西南……”影片结束时，嘹亮的歌谣响彻天地人间，无边的高粱地如血海汪洋，“九儿”躺在血泊中，安详地死去了。暗红的鲜血把太阳染成了血红色，血红的太阳燃烧着，把整个世界都烧成了红色……这就是影片的结尾 张艺谋对色彩特殊的审美价值运用恰到好处，为观众呈现了一个血红的世界。电影《红高粱》既有唯美的观赏性，更有很强的思想性，它的成功与色彩特殊的审美价值的准确把握息息相关。 影片中红色为主要基调，色彩对于人们的审美观有着特殊的视觉效应，它可以勾起人们悠远的遐想，成功唤起人们的视觉体验。 影片中还有很多唯美的画面：“九儿”出嫁时的红鞋、红袄、红裤及红盖头，甚至花轿都是红的;汉子们被烈日晒得发亮的古铜色皮肤以及他们肆无忌惮的光头;日食时血色汪洋的红，高粱地里令人喘不过气来的绿…… 四、结 语 在《红高粱》中，导演张艺谋把视觉享受与造型艺术结合得淋漓尽致，几乎每一个镜头都可看作是唯美的水墨画。造型艺术也被运用到了登峰造极的地步。在此之前，还从未有人能够如此把画面拍摄如泼墨般肆意自如，而且色彩还极为浓厚。那血色残阳的红色，既愉悦了人们的视觉享受，又象征了一种不屈的生命力，一种要爱真爱、要恨真恨、敢爱敢恨、敢作敢为、淋漓奔放、肆意自如的人生态度。两者成功结合在一起，使人恋恋不舍，回味无穷。 [参考文献] [1] 尹秀茶.对生命的渴求与赞美――《红高粱》欣赏[J].作家，2008(08). [2] 辛宇杰.浅谈语言与文化的关系[J].华章，2011(07). [3] 黄巽斋.汉字文化丛谈 [M].长沙：岳麓书社，1998. [4] 贺友龄.汉字与文化[M].北京：警官教育出版社，1999. 猜你喜欢： 1. 电影艺术鉴赏论文 2. 电影赏析论文范文 3. 电影音乐赏析论文范文 4. 关于电影论文范文 5. 艺术鉴赏论文范文参考
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毕业论文对于每一位学子来说，都是完成学业的重要一笔，它不但影响最终的学位成绩，同时也是从另一侧面反映出所学知识的汇总，领悟以及应用程度，但对于大部分的学生来说，缺少毕业论文的写作经验，便成了致命伤，如果写得一篇即合格又有一定水平的毕业论文呢？以下是本站根据经验汇总的一些心得，希望对广大学子们都能有所帮助！ 首先，论文的开端――选题 万丈高楼平地起，只有目的明确、正确才能使事情事半功倍。那么在选题时将从何下笔呢？当然，有二个原则你必需考虑 1 价值性原则 对于拿学位的人来说，写论文不单单是完成任务，更主要的是论文的内容要具有价值性，所以在选题时，不单单要看难易程序，要从两方面考虑其价值，即理论价值或者应用价值，这里以应用价值为首选，否则写出来的东西将没有实际应用和交流的意义，那么纵使华丽丰富，也是华而不实，所谓应用价值就是针对现实中的问题，当下社会中出现的问题，做到理论联系实际去分析。 2 可行性原则 选题时要充分考虑主、客观条件，即要选择那些客观上需要，主观上又有能力完成的题目。 所谓客观条件主要是写作的时间、地点、环境；主观条件包括个人的才能、学识和所掌握的材料等。只有量力而行，才能有所发挥。 在这里试举一例，如学企业管理专业的学生，可以选题的范围非常广，你可以从企业的产、购、销等流程某一环节入手，从财务、人员、工序、战略等等方面入手，当然时下人们比较关注的是人才的引进和培养，以及外资的合作上，那么就可以在此基础上提出有价值性的问题来讨论，但如果你只是感兴趣，却对此知之甚少的话，最好放弃，从其它入手，否则很难有始有终，最后只能中途放弃。 其次，当选题确定后，接下来就是搜集材料。 材料从哪里来？途径有三： 1 来源于生活。 生活是取之不竭的素材来源，尤其对于已经有一定的工作经验的人来说，许多的实践经验，将是写作中的最鲜明的好材料。 2 来源于书本和网络 书中自有黄金屋，当你的选题已经确定，便可以寻这条线索，去查找相关的书籍、报刊，把它们汇聚在一起，自然会在阅读中寻出文章的脉络来，当然，提醒你，在阅读中做笔记是个事半功倍的好办法，这样当你在回头想起什么时，不会海里寻针，同时对于论文最后的参考出处也会水到渠成。另外，由于目前网络的发达，在网上找资料也变得很方便，但一般来讲网上资料不易过多，这样可能会使你的文章权威分量下降。最后，最好在阅读前了解毕业论文对于文献的数目分量和来源要求，这样在查找时可以准备出允足的数量和比例安排，才不至于最后麻烦。 3 来源于一手资料。 在有些论文的写作中，学校要求学生亲自做一些调查和采访，这样的材料就是一手材料，那么上面所提到的第二种途径可以称之为二手材料。一般来说，如果学校没有特殊要求，最好是以二手资料为主，因为相比于自已所做的调查，其一不但耗费精力、物力、财力，更主要的是不一定可以说明问题的实质。 第三步下来，就是立意。 当你寻着选题方向备好资料并阅读后，从中你会发现你要写的问题可以是什么，有的时候会有好几个，那么在选择时就要注意几个原则： 1 符合现实需要，体现时代精神。 2 反映客观事物本质。 3 要有独到的见解。 这里就不多说了，主要说说下面文章框架的建立吧。 第四，谋篇布局 所谓谋篇布局，就是考虑和安排文章的整体结构。结构是文章的骨架。确定了主题，选定了材料，接着就要把文章的框架搭起来。 一般来说，毕业论文是遵寻：提出问题→分析问题→解决问题，三部分来安排的，开头和结尾会有摘要和结论，当然根据各人的不同情况，也不能一概而论。无论怎么样，一定切记脉络清楚，符合一定的逻辑性，而不能忽东忽西，杂乱无章，而且还要做到在安排结构时，做为重点段落要多着笔墨，有详有略，重点突出，这样才能做到文章层层深入，发展流畅，并且赏心阅目。 以下介绍一下构局要点： 安排结构的基本要求是：(一)要围绕主题安排结构；(二)要有明确、清楚的层次；(三)要完整、自然、严密。 第五，起草论文。 此前的一切工作准备就绪后，就可以开始动笔了。把思绪沉淀下来，不要顾虑什么，只要一气把它写下来就好。 第六，修改。 好文章都是改出来的，没有哪一个作者可以写完就订稿，修改是无论什么写作都必需经过的程序。然而修改也不是盲目的，当一篇文章完成后，你可以试着从以下方面入手： 1 斟酌主题。 主题是文章的价值所在。主题要正确、鲜明、深刻、集中、新颖。主题如果有问题，就非改不可。 2．掂掇材料。 可以从以下几点： ＊ 引用材料的地方是否恰当，是否可以说明问题 ＊ 看是否有还需要增、删材料的地方 ＊ 全文引用材料比例是否合适，一般来说不易过多，当然太少也不会有说明力 ＊ 材料引用出处是否完整，正确 补充一下，一般引用的材料都要有一定的介绍或分析在里面，这样才能使材料更加有说服力，在修改时需要注意。 3．调整结构。 畅读全文，思考结构安排是否合理，如有不妥之处，还需要进一步调整。 4．锤炼语言。 语言是思想的载体。在修改中，要注意那些罗嗦，烦琐、空话、长话、粗糙的语言地方，以及错字、多字、标点不合适的地方，努力把它们修改得简洁、准确、清楚、正确，这样才能使一篇文章更鲜明，阅目起来。 当然一篇好的毕业论文，绝不仅仅是以上这些步骤，每个人可以因人而异，从实际情况出发，希望以上这些能对您现在的近况有所帮助. 给楼主一些范文参考，希望有所帮助~ 这里有很多:
影视毕业设计论文参考文献
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