说道墨子，大多数人那海里会浮现这样四个字：兼爱非攻。也许对于很多人来说，墨子的学说并没有什么特别之处，无非是倡导构建人人相爱的和谐社会，传达这种美好却又不可能实现的愿望，充其量也不过是一些对理想社会的渴望和脱离实际的空想罢了。 是的，墨子的确迭迭不休地说过许多人与人要彼此相爱的话，颇似一个社会道德家。他在《兼爱》中，将“察乱何自起”的原因归结为“不相爱”①，并且反复说明“兼爱”是根治乱世之道正确有效的方法。 墨子关于兼爱的学说则显得清浅易懂，以我们高中生的水平，看墨子的《兼爱》是用不着白话文翻译的，其意一目了然。但若以为墨子仅是以道德家的面孔泛泛地说了一些精简易懂的劝世的话，试图以人的道德来扭转社会的弊病，求得天下和谐，那么对墨子的理解便是浅薄而片面的。若是果真如此，墨家学派也不可能在战国时代成为与儒学并驾齐驱的思想主流。 要理解“兼爱”的内涵，首先可以从字面入手。墨子并不像其他学派那样单纯谈爱，或是想儒家谈仁爱，而是在前加了一个“兼”字。“兼”字除了有“广”和“全”的意思，还有一个一方对另一方的意思。将《兼爱》中提到的“兼相爱”与“交相利”②联系起来就更容易看出，在墨子看来，兼爱，是指一方对另一方的付出。所以所谓兼爱，就是包含平等，博爱与相互友爱的意思。 那么“兼爱”的双方是谁呢？这一点要结合当时的社会背景分析。墨子生活在政治黑暗，群雄割据的战国时代。那是延用周朝严格的等级制度，财富分配极不公正，造成了个等级之间严重的对立。所以，墨子兼爱的双方，核心就是指的这不平等且对立的双方。所以兼爱就是跨越等级封锁线的开始，就是平等意识的萌芽。若兼爱得以盛行，尊卑贵贱的等级秩序就有可能被打破。正因为此，在君主专制体制的中国，它被冷淡、被歪曲，其实都是情理之中的。 不平等且对立的各方能做到对等的彼此相爱吗？显然是不可能的。墨子认为，要让不平等双方彼此产生爱，必定是高贵的、强盛的一方，将理解、宽容，以及援助更多的给予卑贱的、弱小的一方，让卑贱的一方生活处境得到改善。所以，兼爱的目的很明确，就是要努力做到出身高贵的爱护出身低贱的，强大的爱护弱小的。所以，“兼爱”实质是反映贫弱者的心声，带有鲜明的平民色彩。 有些人可能认为儒家的“仁爱”与墨家的“兼爱”虽有区别但并没有本质上的不同。就我个人而言我是赞同这种观点的。但极富戏剧性的是，儒家和墨家历来争得不可开交。为什么呢？因为墨子的这种观念，确实碰撞到了儒家的要害。儒家“仁爱”的前提是尊重周礼所铺陈的等级秩序。而在墨家看来世界本来就应该是平等的，只有平等才有所有人的尊严。因此孟子曾批判墨家“墨氏兼爱，是无父也。无父无君，是禽兽也。”③孟子情急之下张口骂人，正说明兼爱学说真正戳到了等级界线的痛处。 也许以现代人眼光来看，儒家强调要有亲疏尊卑之分的“仁爱”思想较之墨家的“兼爱”思想显得更具人性化和可行性，但如果问我更倾向何方，我会毫不犹豫地回答：墨家。儒家的“仁爱”，太过讲究亲疏贵贱，反而造成了人际关系的恶化，原因就是“仁爱”较之“兼爱”，终究是不彻底的爱。而墨家的“兼爱”，虽然难以实现，却为天下提出了最纯粹最无私的爱的理想。注释：① 察乱何自起？起不相爱。出自《墨子•兼爱》② 故天下兼相爱则治，交相恶则乱。既爱自己也爱别人，与人交往要彼此有利。出自《墨子•兼爱》③ 墨氏兼爱，是无父也。无父无君，是禽兽也。出自《孟子.滕文公下》参考文献：1、《墨子智慧心解》，作者达流，中国城市出版社出版。2、《寻觅中华》，作者余秋雨，作家出版社出版。3、CCTV-10百家讲坛，百家争鸣系列之儒墨之争，主讲人易中天。
儒家创始人孔丘和墨家创始人墨翟都是伟大的思想家,儒家与墨家都重视教育问题,提出了许多重要的教育思想。下面是我给大家推荐的论孔子和墨子教育思想的异同论文，希望大家喜欢!
《试析孔子和墨子教育思想的异同》
作者：刘晓筝
摘 要:儒家创始人孔丘和墨家创始人墨翟都是伟大的思想家,儒家与墨家都重视教育问题,提出了许多重要的教育思想。孔子和墨子在教育作用上都肯定教育必须为社会政治服务,都认为人性可变,环境和教育能影响和改变人性。孔子提出培养统治阶级需要的德才兼备的治术人才。墨家主张培养必兴天下之利,除天下之害的兼士或贤士。在教育内容、教育教学原则、教育对象以及对待古代文化典籍等方面,孔子和墨子既有相同之处,也有不同之处。
关键词:孔子;墨子;教育思想
自公元前770年周平王东迁洛邑,至公元前221年秦并六国,前后500年,王室日衰,诸侯争霸,七国称雄,史称春秋战国时期。这一时期,是中国社会由奴隶制度向封建制度转变的过渡时期。这一时期,生产力的大解放,带来了经济的发展,经济基础的变革,促成了政治的变革,礼崩乐坏的局面标志着王权的衰落。在这种局面下,文化教育方面也随之发生变化。其主要标志是官学衰落,私学兴起。
一、孔子和墨子私学简介
1.孔子私学
孔子生活在春秋末期。当时的社会正处于王权衰落、礼崩乐坏的动荡期。此时,统治阶级忙于政治争斗,无暇顾及教育,天子失官,学在四夷,文化和教育下移。孔子适应社会需求,首创私学,而且规模、影响都很大,实现了从学在官府到百家之学的转变,破除了政教合一的禁锢,使教育独立化,开辟了中国古代教育发展的新篇章,推动了历史发展,培养了众多人才,为当时的社会作出了重大贡献,对后世影响深远。
2.墨子私学
墨子是孔子之后开设私学规模、影响较大者。墨子曾学儒者之业,受孔子之术,以为其礼烦扰而不说,厚葬靡财而贫民,(久)服伤生而害事,故背周道而用夏政。他自立门户,开办私学,创立了与儒家相对立的墨家学派。墨家学派独树一帜,重视科技教育,包括光学、几何学、物理学以及木工、防守器械等方面的知识和技术,从学者众多,徒属弥众,弟子弥丰,充满天下。吕氏春秋曰:孔墨之后学,显荣于天下者众矣,不可胜数。儒、墨两家在春秋战国时期并称显学。
儒家与墨家都重视教育问题,提出了许多重要的教育思想。但两者既有相同之处,也有不同之处。
二、孔子和墨子教育思想中的相同之处1.在教育作用上都肯定教育必须为社会政治服务
第一,孔子继承了文王、周公的道德和文化传统,倡导以德治国,执行德治、仁政。孔子认为,治理国家只靠政令、刑律,不如徳治和礼教。孔子认为政治、道德和教育三者是密不可分的统一整体,教育是德政教化的手段。他在论语为政篇中提出为政以德,希望国君用道德教化来治理国家。依靠政令和刑律,道之以政,齐之以刑,民免而无耻,不如道之以德,齐之以礼,使民众做到有耻且格。他指出只有重视道德修养与教育,才能形成良好的社会风气和社会秩序,百姓才能安居乐业,国家才能昌盛繁荣。孔子认为道德修养与道德教育,不仅可提高社会个体的道德素质,对治理国家、维护社会安定也有不可低估的作用。社会由个体组成,要建立良好的社会秩序和社会风气,必须注意个人的道德修养与教育,社会成员个人的道德素质是社会道德风气的基础,社会道德风气又影响着社会成员的道德面貌,两者相互依存,相互影响。孔子把教育看得比政令、刑律更为重要有效。他虽然认为教育和政治关系密切,但并不把二者等同,教育只是通过传播文化、培养人的道德情操、提高人的素养来影响政治。
第二,墨子代表小生产者的利益,他希望通过教育提高民众的觉悟和素质,实现社会的完善,使大家兼相爱,交相利。针对当时社会弊病,他认为连年征战,劳民伤财,百姓不得安居乐业,就是因为人们之间不相爱,交争利。因此,他提出兼爱、非攻的主张,强烈希望停止战争,使饥者得食,寒者得衣,劳者得息;他反对奴隶主世袭制度,主张尚贤、尚同,希望统治者与劳动人民兼相爱,交相利,共同建设一个公平正义、诚信友爱、安定有序的理想社会。
2.教育和环境能够改变人性
在教育和人性关系方面,孔子和墨子都认为人性可变,环境和教育能影响和改变人性。
第一,孔子明确提出性相近也,习相远也。性指的是人先天的素质,习则指的是后天教育与社会环境的影响。孔子认为人的本性是很接近的,后来有较大差别,主要是教育和学习的结果。人的聪明才智不是先天的,是后天学习的结果,任何人只要接受教育,努力向学,就一定能获得成功。因此,孔子特别重视教育。他认为人只有学而时习之才能获得一切知识能力和美德。但是孔子保留了命定论残余,把人性分成等级,认为唯上智与下愚不移,承认有少数生而知之的圣人和学而不能的下民。
第二,墨子也重视环境和教育的作用,他发展了孔子性相近,习相远的思想,他认为人的本性如素丝,染于苍则苍,染于黄则黄,人们所处的环境和所受的教育使人们形成了不同的人性。墨子以染丝为例,说明环境和教育对人的作用及影响。墨子反对命定论,认为官无常贵,民无终贱,否定了孔子唯上智与下愚不移的理论,强调人性平等,肯定了教育和环境可以改变人性,同时强调发挥人的主动精神,认为人的富贵贫贱不是先天决定的而是后天环境和教育以及人主观努力的结果。
三、孔子和墨子教育思想中的不同之处1.教育目的不同
第一,在教育目的上,孔子提出培养德才兼备的从政君子,即士和君子,让士和君子参与国家政事管理。同时孔子还主张仕而优则学,学而优则仕,将学优和仕优联系起来,以学优保证仕优,赞成任人唯贤,反对当时统治阶级内部任人唯亲的世袭制度,以培养统治阶级所需要的治术人才。
第二,墨子代表小生产者的利益,主张培养以兼易别的兼士或贤士,就是必兴天下之利,除天下之害的人。墨子认为只有兼士才能做到爱人若爱己,才能清除乱不得治饥不得食寒不得衣劳不得息的社会弊端,使天下太平。
2.教育内容不同
第一,在教育内容上,孔子从培养治国安民的治术人才的教育目的出发,以礼、乐、射、御、书、数六艺为主,学习诗书礼乐易春秋等六经,他认为诗礼乐具有重要的教育作用,因而重点突出对诗礼乐的学习并将其作为培养学生道德情感的教材。他要求学生:兴于诗,立于礼,成于乐。他说:诵诗三百,授之以政,不达;使于四方,不能专对;虽多,亦奚以为?他认为弟子们学习诗,可以培养他们迩之事父,远之事君的才能,要求学生要按照诗的观点立身处世。他主张行有余力,则以学文,特别强调思想品质和伦理道德教育。总体来说,孔子忽视自然科学知识的传授,轻视生产劳动知识、技能的教育,偏重于文事。
第二,墨子为了培养贤士、兼士,在主导思想上,以兼爱为中心,强调道德教育和无差别的爱,以培养贤士、兼士高尚的道德品质和坚定的政治信念。在教育内容和方法上,注意自然科学、生产技能、军事知识和技能以及论辩才能的培养、训练,帮助学生获得各从事其所能的实际本领;培养、锻炼学生的逻辑思维能力,使他们具有说服他人、推行自己政治主张的才能。总体来说,墨子的教育内容突破了六艺的范围,具有自己的特色。
3.对行的看法不同
第一,孔子强调的行是道德实践,以礼仁为核心,以孝为基础。在道德教育方法上,主张诉诸内,不主张诉诸外,主张培养具有礼仁孝品质的君子。他认为一般知识的学习也要贯穿着道德教育,以知识学习促进道德修养。渊博的学识能避免道德的偏差,学而不行,停留在口头,等于未学。他重视道德实践,把礼仁贯彻实施于社会关系的各个方面,提倡知行结合,学以致用。他重视伦理道德的培养,十分强调内心动机的问题。在道德修养方面,强调欲望服从理性,以行为动机作为衡量道德行为的标准。提出克己复礼为仁的道德标准,克己要求从自我做起,有一种高度的主观自觉能动性。仁是主观意识,道德是人们内心的思想情感,它通过行动体现出来。道德修养和道德教育的最终目的在于道德实践,身体力行是道德的基础。孔子所说的道德教育的内容包括道德认识、道德情感、道德意志和道德行为。在论语中有多处强调实践力行的言论,孔子提出君子耻其言而过其行,君子欲讷于言而敏于行,听其言而观其行,要达到我欲仁,斯仁至矣的理想道德境界,必须言行一致,把内在的道德品质与外在的表现完美地结合起来,质胜文则野,文胜质则史。文质彬彬,然后君子。质是指内在的道德品质,文则指外表的礼仪行动。孔子认为只有内在的好品质而没有相应的外在表现,就容易流于粗野;只有外在的表现而没有内在的道德品质,就会流于虚浮。把内在的道德修养与外在的道德实践统一起来,才能成为文质彬彬的君子。孔子以此来协调封建社会的人际关系,维护上尊下卑的封建统治。
第二,墨子强调的行内容更宽泛。在道德教育上主张无差别的爱,以兼爱实现人与人之间的平等和睦;以非攻去除强凌弱,众暴寡的非正义征战;以尚贤破除世袭特权,实现贤人政治;以节用非乐制止劳民耗财;以非命鼓励人们发挥主观能动性,在社会实践中自强不息。通过天志明鬼约束统治者的行为,使之体恤百姓。生产、科学技术、军事方面的行,目的在于帮助兼士获得各种实际本领,培养思维逻辑能力和论辩能力,推行自己的政治主张。墨家所培养的兼士,不仅接受了兼爱非攻的系统道德教育,掌握了丰富的文化科学知识,而且还具备了运用科学技艺到实践中的能力。墨子主张动机与效果的统一,以此作为判断行的标准。他认为一个完全的道德行为,应该兼有内外各种因素。在行为未发之前,有动机、欲望等因素;在行为出现后,应有实际的效果。这两个方面是相互关联的。由此可见,墨家十分注重思想与实践的结合,在道德教育方法上不仅诉诸内也同时诉诸外。墨子的教育目的是培养具有高尚道德品质的兼士,这些兼士贤士必须具有一定的实践能力。
4.教育教学的原则不同
第一,关于教育教学的原则,孔子采取了叩则鸣,不叩则不鸣的消极等待态度,对传授学生知识方面,则采取了不愤不启,不悱不发,举一隅不以三隅反,则不复也的拱己以待的被动方法。
第二,墨子采取了与孔子完全不同的教育教学原则。墨子以兴天下之利,除天下之弊为己任,他想以上说下教的社会教育手段实现自己的社会理想,不赞成儒家拱己以待的教育原则。因此,墨子采取了积极主动的强说人的态度。他主张在教学中发挥教师的主导作用,对学生劝教说教,叩则鸣,不叩亦鸣,问则答,不问则讲。
5.教育对象不同
第一,在教育对象上,孔子教人是来者不拒,提出了有教无类的主张,扩大了受教育的对象,打破了少数奴隶主贵族对文化教育的垄断,使那些愿意学习而在经济上、时间上又允许学习的人,不论贫富、贵贱、国别,都有受教育的权利和机会,扩大了教育的社会基础,满足了平民入学受教育的愿望,适应了社会发展的需要,在当时的社会条件下,最大限度地开发了人才的来源。
第二,墨子则进一步拓宽了孔子的教育对象范围。他主张每个人都要接受教育,将王公大人和匹夫徒步之士都作为自己的教育对象,将受教育的群体扩大至下层劳动者。墨子对不来者也主动施教,他发挥强说人的主动精神,送教上门,以教人为己任,希望用上说下教的方法实现自己的政治主张。
6.对待文化典籍的差异
第一,在对待古代文化典籍方面,孔子注重述,偏重于古代文化知识、政治知识等间接经验,采取信而好古,述而不作的保守态度。晚年他以严谨的学术精神,整理编辑了5诗65书65礼65乐65易65春秋6等六书。孔子在文化教育方面的最大贡献之一就是整理、保存了我国古代文化典籍。
第二,与孔子相比,墨子在文化典籍方面更偏重作,即具有述而又作的创造性精神。他认为:吾以为古之善者则述之,今之善者则作之,欲善之益多也。不仅应该继承古代文化中善的东西,还要创造出新的善来,使善的东西日益增多;不仅要继承古代文化知识、政治知识等间接经验,而且要把它们运用于实践中,在实践中检验、完善、扩充和发展这些间接经验。
四、结论
春秋战国时期的社会变革,促使思想领域空前活跃,私学兴起,养士之风盛行,直接推动了各个学派发展,形成百家争鸣的局面。儒家和墨家当时并称显学,是当时影响最大的两个学派,它们之间既有激烈论争,也有相互吸收、渗透,从而达到了学术上的繁荣,极大促进了各自的进一步发展。儒家和墨家的教育思想都包含有很多的合理主张,对后世有十分深远的影响,至今仍有重大的启发和借鉴意义。
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[6] 刘晓筝.从5四书6看儒家道德修养与道德教育思想[J].河南财政税务高等专科学校学报,2008(5).
墨子“爱人、利民”的造物伦理思想
论文摘要：先秦时期墨家的代表墨翟在《墨子》一书中，从“兼相爱、交相利”的视角，提出“爱人、利民”的造物价值观，并围绕这一价值判断标准，阐释百工造器应遵守的工艺技术原则及职业，明确表达“重质轻文”的造物观念。
论文关键词：墨子；“爱人、利民”；百工；造物伦理思想 墨子，名翟，生卒于春秋战国之际，略后于。墨翟生、长于鲁之小 邾 国，其学术渊源亦来自于邹鲁文化( 邾 娄)。春秋战国时期，邹鲁造物文化发达，“古代舟、车、服、用器物，多称以 邾 或娄”。从《墨子·公输》、《墨子·各城门》等诸篇对于军用器械及守城防御器械制作的记载，墨翟本人就是能工巧匠，精通制造器械的各种技艺。
墨翟作为墨家学派的代表，其学术思想集中于《墨子》一书中。《墨子》一书在汉代存有71篇文章，目前只存留了53篇。据考证，其中《尚贤》《兼爱》《非命》等24篇记载了早期墨子及墨家思想，《经上》《经下》《经说上》《经说下》《大取》《小取》六篇是墨家后期思想。“兼相爱，交相利”的思想和伦说是墨子思想体系中的最主要的组成部分。在造物层面，“爱人、利民”的造物伦理思想贯穿于《法仪》《七患》《节用》《节丧》《备城门》等诸篇中。
一、“爱人、利民”的造物伦理价值观
先秦时期，首先提出了“仁者，爱人”“博施于民，而能济众”的伦理思想。“仁”作为儒家伦理学说的核心，其内涵可理解为“孝弟也者，其为仁之本也”“此言为孔子弟子有子所说，但是也表达出孔子对于“仁”之家庭血缘关系为基础的观点，发源于家庭血缘关系的“孝顺父母、敬爱兄长”的情感，扩展到层面非血缘的“泛爱众，而亲仁”，儒家的仁爱原则便具有上下、尊卑、远近的不同。与儒家不同，墨家则提出：“今天下无小大国，皆天之邑也。人无幼长贵贱，皆天之臣也”的伦理观。既国无大小，人无贵贱，皆为天之邑、天之臣，那么不论国与国之间，人与人之间都应遵守天之法度，实现彼此之间的尊重与友爱，遵循“兼相爱”、“交相利”的伦理准则，完成仁人所应完成的“兴天下之利，除天下之害”的使命。
由此也可以看出，“天下之大利兴”应是墨家“兼爱”思想的最终目标。从墨家功利主义观而言，“天下之大利兴”便是实现天下百姓的富庶、安定，这一价值判断标准同样适用于百工的造物活动。对百姓有利的，就要多加生产，对于百姓无利的，就停止生产，《节用》篇云：“古者明王圣人所以王天下、正诸侯者，彼其爱民谨忠，利民谨厚，忠信相连，又示之以利，是以终身不餍，殁世而不卷，古者明王圣人其所以王天下、正诸侯者，此也。是故古者圣王制为节用之法日：凡天下群百工，轮、车、 鞲 、 匏 、陶、冶、梓、匠，使各从事其所能。日：凡足以奉给民用诸，加费不加民利则止。”。造物的门类、量的多寡，质的高低均以是否与民有利为最终的评判标准，在造物层面体现出墨者“爱人、利民”的伦理价值观。
二、百工“遵法仪”“尽其能”、“大利至巧”的职业操守
《考工记》总论“国有六职，百工与居一焉审曲面势，以饬其材，以辨民器，谓之百工。”该处百工有多种含义，一种指周代主管营建制造等事的职官名，如汉代郑玄注：“百工，司空事官之属司空掌营城郭、建都邑、立社稷宗庙，造宫室、车服、器械，监百工者。”另一种指各种工匠，如《·徐无鬼》：“庶人有旦暮之业则劝，百工有器械之巧则壮。”《墨子》文中“百工”是第二层意思，作“从事各种行业的工匠”解。《墨子》文中虽谈政治理想与治国法则，但是常常以百工之事为例证。文中多处提及百工之职及“遵法仪”“尽其能”“大利至巧”的职业操守。 1．“遵法仪”作为百工，若要成其事，首要的便是“遵法仪”，《墨子·法仪》篇中提出：“天下从事者，不可以无法仪。无法仪而其事能成者，无有。虽至士之为将相者皆有法，虽至百工从事者亦皆有法。百工为方以矩，为圆以规，直以绳，衡以水，正以县。无巧工不巧工，皆以此五者为法。巧者能中之，不巧者虽不能中，放依以从事，犹逾已。故百工从事，皆有法所度。今大者治天下，其次治大国，而无法所度，此不若百工辩也。法仪：法度之义，应遵循的法则。抛却墨子治国、治天下的理念，仅从百工造物这一层面进行论述，墨子所论及百工应遵守的五种法则，在《考工记．舆人》篇。与《吕氏春秋．职分》篇中都有记载。墨子认为，巧匠遵守五法，能够造出符合标准的器物，拙匠依之，也可以做到不逾矩而成器。匠之不论巧、拙，若要成其事，皆应以此五法为度，不可违背。“遵法仪”是百工的成器之道，应遵循的技术法则。从百工的职业操守而言，若使所造之器符合使用要求，利于民用，不论是良工，还是拙工，都必然的要遵守上述这五法。没有规矩，不成方圆，五法的制定既是百工应遵循的技术原则，也是百工利人、利民、减少无谓耗费，兢兢业业、恪守职责的职业的要求。
2．“尽其能”《淮南子·兵略训》云：“若乃人尽其才，悉用其力。”墨子在《节用》篇中强调百工以“民用足”为标准各尽其能，“是故古者圣王制为节用之法日：凡天下群百工，轮、车、鞍、 匏 、陶、冶、梓、匠，使各从事其所能。日：凡足以奉给民用诸，加费不加民利则止”轮、车、鞍、 匏 、陶、冶、梓、匠，百工之事，皆关系到百姓日用的方方面面，百工尽其能，就能满足百姓日用：为良工，纵使王公大人，也要有所依托。墨子认为，百工各尽其能制器为用，但是所作之物皆要于民有用，民用足且加费不加民利则止。结合墨子“节用”“节丧”“非乐”等篇中尚质轻文的`文质观来看，此处“凡足以奉给民用诸，加费不加民利”可做两方面理解，一方面为日用器物生产量的多寡而言；另一方面为器物加工过程中实用功能的实现而言。综合这两方面论述，百工所造之器要做到器物量与质的满足民用，百工造器就应控制在适度的量的把握和器物实用功能的实现两个方面。先秦时期，百工并不能控制器物数量的生产权限，作为百工“尽其能”的“能”的职责发挥就是要要限定在物质功能性以满足百姓日用要求范围之内，完全避免“加费而不加利”的文饰性追求。从而使百姓获益。在物质财富尚不富足，普通百姓生活尚处于贫困的先秦时期，墨子对于当时的统治者及百工在制器之量与质两个方面提出的“尽其能”的职业道德性要求，是有时代的进步意义的。
3．巧与拙中国造物工艺史中非常重要的两部工艺性文献，一部是先秦时期《考工记》，另外一部是明末宋应星著《天工开物》，这两部工艺文献都在技术层面强调造物过程中“工巧”的重要性。“天时，地气，材美，工巧”既是贯穿《考工记》《天工开物》等工艺文献中主要的造物思想，也是中国传统造物的造物原则和价值评判标准。如果说“天时，地气，材美”是不以人的意志为转移的自然因素，“工巧”则是所有自然因素转化为良器的重要的技术手段，传统工艺造物中对于工之巧否多停留在对于工匾技艺精湛与否的评价层面。如许慎《说文》解释：“巧，技也，从工謦”《墨子》一文中也多次论及工之巧拙，《墨子》文中工之巧拙观念不仅停留于技术层面，而是以最大化功效性的实现为目标，进入到以“利人与否”为价值评判标准的造物的道德层面。如《鲁问》篇中以公输子制雀为例，来说明墨子的工巧观念： “公输子削竹木以为鹊，成而飞之，三日不下。公输子自以为至巧。子墨子谓公输子日：“子之为鹊也，不如匠之为车辖，须臾斫三寸之木，而任五十石之重。故所为巧，利于人谓之巧，不利于人谓之拙。” 文中公输子能够“削竹木制鹊，成而飞之，三日不下”，可谓之巧，公输子也自以为此举已是工之至巧，但是墨子并不以为然，墨子从造物的功效性、性出发，认为“匠之为车辖，须臾斫三寸之木，而任五十石之重”。才是真正的巧。对于巧拙的判断，墨子直言：“利于人谓之巧，不利于人谓之拙”。
对于工之巧拙，除了对公输子“削竹木制鹊”这一事例进行评判以外，在《外储说左上篇》还记载了“墨子为木鸢”的事例，同样说明了墨子对于工之“巧、拙”的这一观点。墨子认为自己“三年而成的木鸢，蜚一日而败”“不如为车鞔者巧，“用咫尺之木，不费一朝之事，而引三十石之任，致远力多，久于岁数”。李砚祖先生在《“目意中绳”：韩非子设计思想评述》一文中，提出“这里实际上摈弃了技术层面上的高低和巧拙的一般性讨论，而进入了从造物的经济性、效用性出发审视工艺技术的价值这一更高层面的探析，这是一个性的道德层面。” 三、“质先文后，去文重质”的造物观念
1．文与质“文与质”是中国古典一对基础范畴。“文”可以解释为人的感官所能感知的事物的声音、线条、色彩有机组合所形成的形式美感，“质”则是与文有别的实体。《系辞下》云：“物相杂，故日文。”其意为“文”是人的五官能够感知的声、色、形的协调组合；《周礼·冬官·考工记》“设色”篇中论述“画 缋 之事”，提出“青与赤谓之文”；许慎《说文解字》解释为：“文，错画也。”“质”概念的最初涵义，与物相关。《说文》云：“质，以物相赘，从贝，从所”“赘”意为“以物质钱，从敖，从贝”，由此可以看出许慎有关质的解释，质之内涵应与物之可交换的实用价值有关。清段玉裁在《说文解字注》中进一步解释日：“质，朴也、地也，如质有文是。”
2．质先文后与尚质反文有关文与质的美学关联，始见于经典，“子日：质胜文则野，文胜质则史，文质彬彬，然后君子”川，儒家从秩序之美视点出发，完成文饰与质实的观点的统一。与儒家文质观不同，墨家对于文与质的关系问题，从功利主义的层面先后提出了质先文后，甚至是尚质反文的观点。墨子曾言“故食必常饱，然后求美，衣必常暖，然后求丽，居必常安，然后求乐。为可长行可久。先质而后文，此圣人之务。”
由此可以看出墨子对于文、质的观点十分明确，先解决物质层面的生存需要，文饰形式美感的追求依附于物质功效性的最大化实现，质先文后。
对于文与质关系孰重孰轻的价值评判中，墨子分别对于宫室、四时服装、出行的舟车提出应遵循的“尚质去文”的制造法则，并对于违背这一法则有可能带来的严重后果提出警示。
(1)宫室建造对于宫室建造，墨子以节约用度，国富民安为最终目标，围绕最大化实现宫室的基本使用功效，提出宫室建造要遵循的原则，并对于当时统治者宫室建造“台 榭 曲直之望、青黄刻镂之饰”的追求提出批评。墨子认为，宫室功能有三：一为遮风挡雨；二为防盗。：三为别男女之礼。围绕这三项功能，宫室建造的尺度与规模要达到“高足以辟润湿，边足以 圉 风寒，上足以待雪霜雨露，宫墙之高足以别男女之礼。”宫室建造只要实现了这几项功能，就要停止、物力的继续投入，谓之“谨此则止。凡费财劳力不加利者，不为也。”然当时的统治者在宫室建造中并未能遵循墨子所提出的这一建造原则，而是劳民伤财，求美，求饰。墨子对于这一现象提出批评，并指出这一尚文的宫室建造追求“必厚作敛于百姓，暴夺民衣食之财”，其直接后果便是“国贫而民难治也。”文中也可看出，墨予以为“台 榭 曲直之望、青黄刻镂之饰”本身并非不美，只是耗费民财、使民疾苦的后果不美。故与功能无关，不能加利于民的装饰，则要一概废除掉。由此也可以看出，墨子认为，国利、民利是宫室建造中首要考虑的伦理责任。
(2)服装制作对于服装制作，墨子要求以服装的轻便适体，冬暖夏凉为标准，“冬则练帛之中，足以为轻且暖；夏则稀络之中，足以为轻且清谨此则止。”批评“锦绣文采靡曼之衣，铸金以为钩，珠玉以为佩”的制衣装饰的追求。认为这一追求一定是建立在“厚作敛于百姓，暴夺民衣食之财”，使“女工作文采，男工作刻镂，以为身服。”这一“荣耳目而观愚民”无用的行径上，提出“圣人为衣服，适身体，和肌肤而足矣。”而对于不能加利于民，反而要耗费民财、民力追求文采装饰这一无益的追求，墨子认为要完全废除。
(3)舟车制造舟车是先秦时期水陆方面主要的工具，墨子认为舟车制造“以便民之事”为制造目标。因此“全固轻利，可以任重致远”成为制造舟车应遵循的法则。其好处是“其为用财少而为利多，是以民乐而利之。”但是当时的统治者在舟车的制造中并未遵循这一原则，在舟车使用功能已经实现的情形下，“全固轻利皆已具，必厚作敛于百姓，以饰舟车，饰车以文采，饰舟以刻镂。”对于舟车装饰之美的追求，致使“女子废其纺织而修文采；男子离其耕稼而修刻镂。”。这对于以男耕女织为主要生产模式的小农将是一重要的打击，其导致的直接后果就是人民生活的“饥寒交迫”。
墨子以为，不论是宫室、服装、舟车、兵器等物制造，皆以“用材不费，民德不劳”为目标，强功用、去装饰为准则，实现造物功效的最大化，实现利民、爱人这一造物伦理原则。
结语
墨子作为先秦时期小生产者的代言人，以“兼相爱，交相利”的思想为，以“爱人、利民”为造物的最终目标及、价值评判标准，提出百工应共同遵守的约定俗成的法仪制度，各尽其能；在造物实践中表达出尚质反文的造物伦理思想，以实现造物功利的最大化。墨子的造物伦理思想，在感性质料的层面有其的局限性，但是造物为民，以百姓得利与否，造物的是否以实现“爱人、利民”作为造物的道德原则与最终的价值评判标准，今天看来仍然有其合理之处。
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原文墨者①有钜子②腹䵍③，居秦，其子杀人。秦惠王④曰：“先生之年长矣，非有它子也，寡人已令吏弗诛矣。先生之以此寡人也。”腹朜对曰：“墨者之法曰：‘杀人者死，伤人者刑。’此所以禁杀伤人也。夫禁杀伤人者，天下之大义也。王虽为之赐而令吏弗诛，腹朜不可不行墨者之法。”不许惠王，而遂杀之。予，人之所私也；忍所私⑤以行大义，钜子可谓公矣。——选自《吕氏春秋·去私》注释①墨者：指墨家。②钜子：墨家学派对墨家有成就的人称“钜子”。③腹䵍：人名。④秦惠王：战国时秦国国君。⑤所私：所偏爱的。翻译有个很有名望的墨家叫腹䵍，住在秦国，他的儿子杀了人。秦惠王说：“先生的年岁大了，也没有别的儿子，我已经命令官吏不杀他了。先生在这件事情上要听我的。腹䵍回答说：“墨家的法规规定：‘杀人的人要处死，伤害人的人要受刑。’这是用来禁绝杀人伤人，是天下的大义。君王虽然为这事加以照顾，让官吏不杀他，我不能不行施墨家的法规。腹䵍没有答应秦惠王，就杀掉了自已的儿子。儿子，是人们所偏爱的；忍心割去自已所偏爱的而推行大义，腹䵍可称得上大公无私了。中心作者以此赞扬了一种大公无私的伟大精神。 原文墨者巨子孟胜，善荆之阳城君。阳城君令守于国，毁璜以为符，约曰：“符合听之”。荆王薨，群臣攻吴起，兵于丧所，阳城君与焉，荆罪之。阳城君走，荆收其国。孟胜曰：“受人之国，与之有符。今不见符，而力不能禁，不能死，不可。”其弟子徐弱谏孟胜曰：“死而有益阳城君，死之可矣。无益也，而绝墨者于世，不可。”孟胜曰：“不然。吾于阳城君也，非师则友也，非友则臣也。不死，自今以来，求严师必不于墨者矣，求贤友必不于墨者矣，求良臣必不于墨者矣。死之所以行墨者之义而继其业者也。我将属巨子于宋之田襄子。田襄子贤者也，何患墨者之绝世也？”徐弱曰：“若夫子之言，弱请先死以除路。”还殁（mo4）头前于。孟胜因使二人传巨子于田襄子。孟胜死，弟子死之者百八十。二人以致令于田襄子，欲反死孟胜于荆，田襄子止之曰：“孟子已传巨子于我矣，当听。”遂反死之。墨者以为不听巨子不察。严罚厚赏，不足以致此。今世之言治，多以严罚厚赏，此上世之若客也。翻译墨家有一任巨子是孟胜，在楚国贵族阳城君的手下工作。阳城君下令孟胜带领墨家帮助他守城，并且把璜玉分成两半，做为符节。阳城君自己拿了一块，给孟胜另外一块，并定下了约定：“如果有人来接管封地，必须出示符节，如果符节符合（能够完整地拼合在一起），就表示是我的指令。（不然就不是）”后来楚王死了，群臣围攻追杀吴起，在楚王的葬礼上动了刀枪，阳城君也参与了这次行动。后来楚国要追究责任，阳城君就逃亡了，楚国要收回阳城这块封地，楚国派大军包围了阳城，并派出使者请求收回封地。派人来收回封地的人没有阳城君的那块璜玉，于是孟胜说：“接受别人的封地，与别人有符节约定。今天要收回封地，但是没有收到符节。但是依照我的能力无法阻止我守住阳城，为了遵守信义，帮助阳城君守城，看来我不死于阳城是不可能的了。”孟胜的弟子徐弱劝阻孟胜说：“就算死，如果对阳城君有益也就算了，但是这样做，不但对阳城君无益，还会断绝墨家组织，我认为是不可以的。”孟胜说：“不会的。我和阳城君，我是他的老师；即使不算他的老师，我也是他的朋友；即使不算他的朋友，我也是他的手下。如果我不死，那么以后拜见良师时就不会来找墨者了，结拜好友也不会来找墨者了，聘请好员工也不会来找墨者了。我是为了行墨者的道义而死，为了让墨家能继承事业，我将巨子的位置让给在宋国的田襄子。田襄子是一位贤能的人，一定可以带领墨家强大，这样怎么怕墨家断绝，墨者绝世呢？”徐弱说：“听了老师你的话，我受益匪浅，那么就请我先死为你在黄泉开道吧。”于是冲出去和楚军搏斗，死后让墨者们将自己的头颅送回到孟胜的前面。孟胜派遣了两个手下带人冲出重围，要将巨子的令牌穿送到田襄子那里。而阳城被楚军围困，孟胜死了，他的弟子追随他一起赴死的有一百八十人。冲出去的人中有两个人终于见到了田襄子，并且把巨子令牌和孟胜的指令（传巨子位于田襄）交给了田襄子，准备回去楚国和追随孟胜殉葬。田襄子制止他们说：“孟胜子已经把巨子的位子传给我了，你们要听我的，不要回去。”但是那两个人还是回去殉葬了。墨者认为不听巨子的的话就是不知墨家之义。如果仅仅实行严酷的刑罚和厚重的奖赏，（而没有信仰的指导），一定达不到墨家这种境界。今世的治理方法，大多都是仅仅实行严酷的刑罚和厚重的奖赏，这样像墨家的（崇高的境界）事情就不会出现，这就是古代所认为的以繁烦苛酷为明察啊。
相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放，千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族高度智慧、卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。中国画从形式上区分，大致可以归纳为工笔画和写意画两大类。其中工笔画的产牛源远流长，并有过辉煌的成就。1972午春在湖南长沙马王堆西汉(元前206—公元25年)墓中发现的汉代帛画，就显示出工笔画的高超水平。在唐代(公元618—907午)以前，工笔画可以说足中国绘画的主体。至宋代(公元960—1279午)工笔画和写意画虽然并重，但工笔画仍然占有一定的优势。只是到了元(公元1271—1368午)、明(公元1368—1644年)时期，某些文人画家崇尚写意手法，提倡水墨画而致使工笔画口趋衰微。然而发展到了近现代，人们受新文化运动的影响， 一些有识之士提出了革新中国画之后， 工笔画才逐渐有了转机，不过中国工笔画艺术真正得到复兴还是在现代。 1949年新中国成立之后， 国家重视民族艺术，提出了“百花齐放、推陈出新”的文艺创作方针， 中国画也随着整个文艺事业的发展进入了—个新的发展时期。不少画家在传统中国画以及年画、连环画、壁画等领域中，广泛地采用厂工笔画技法，在实践中取得了可喜的成绩。出现了如《考考妈妈》(姜燕作)、《西厢记》(王叔晖作)、《大闹天宫》(刘继卤作)、《同欢共乐》(刘文西作)、《玉兰黄鹂》(于非间作)等优秀作品。不过由于画坛积习甚深，致使工笔画这一画种尚未达到人们应有的重视程度。到了20世纪80年代中国大地才真正迎来了艺术的春天。这时工笔画艺术才得以显现出其蓬勃的生机。当今的工笔画创作题材广泛、形式多样，既有反映古历史题材或贴近现实生活内容的人物画， 又有意境清新、别开牛面的山水画以及牛机盎然、栩栩动人的花鸟画；画家们在艺术和技法的运用上也争相展示各自的特色， 并皆有所创新。更为可贵的足，画家们在实践与创新的过程之中，越来越发现工笔画艺术及其技法有着极大的潜能，其表现力之强、适应性之广，使其有着广泛的群众基础，也必然会有无限广阔的前途。艺术反映时代， 当今的工笔画艺术足在继承优秀传统的同时加以创造和革新的，它融进了新的内容和形式，在整体上真正展现出了时代的风采和面貌。这本画册正足反映这转变发展时期工笔画的艺术风貌。中国画构图的特点 1.散点透视 2.平面布置 3.随“意”组合 4.诗书画印 5.立轴、长卷、扇面、...构图，传统绘画中称为章法，现代绘画中称为构成，新老观念虽有不同，但基本含义还是共通的。人生活在时间与空间之中，现实世界的时间是流逝的、无限的，空间是三维立体的，无边无界的；而人的创造物——绘画，就时间而言是凝固的、有限的，就空间而言是二维平面的，有边界的。这两者是如此地截然不同，却又有着最密切的对应联系。所谓构图，就是将无限的立体结构转换成有限的平面结构。这种转换过程，本质上是一个创造过程。尤其是现代绘画，这种转换以纯粹创造的外表显示出来，生活与艺术之间的联系就更为抽象了。
摘 要：宋元时期是中国传统绘画的巅峰，宋代的山水画也逐渐发展成熟，形成了许多具有生态意蕴的生态文本，在这些生态文本中，自然山水，人与自然，艺术与生命之间形成了对生性中和，共生性中和，和整生性中和，进而构成了宋元山水画的生态大和。 关键词：宋元山水;生态美蕴;共生之美;整生之美 宋元时期是中国传统绘画的巅峰时期，而描绘自然情怀又是中国画的重要母题之一，从宋代开始中国山水画开始逐渐发展成熟，并体现出了极其深厚的文化精神内涵和哲学底蕴。中国人通过对自然山水的描述，把自己和大自然融为一体，而艺术作为“天地之和”的产物，首先就是天地间万物和谐共生的反映，是宇宙广大和谐生命的缩影，作者通过艺术作品表达了自己的人生理想进而体现出生态中和之韵味，从而形成了山水画这个不断生长的生态文本，在这个生态文本中，自然山水，人与自然，艺术与生命之间形成了对生性中和，共生性中和，和整生性中和，儒家与道家和禅宗的思想也在其中耦合发展，构成了生态大和，深刻地影响着宋元山水画独有的生态审美意蕴。 一、宋元山水画生成背景 早在东晋时期著名的书法家顾恺之的《画云台山记》中最早的山水画就已经出现了，文中写道：“山有面，则背向有影，可令庆云西而吐于东方……西去山，别详其远近……”这些文字便体现出了山水的特有样貌。在之后，艺术家宗炳在山水画论《画山水序》中阐明的山水与道的关系，也为中国的山水画奠定了一定的理论基础，从而影响了后代山水绘画的趋势与山水画的特征。之后，王微创作的山水绘画理论著作《叙画》，点明了传统山水画不是地理绘图，而是为了进一步表达文人与画家们真情实感。这些系统的理论的出现，使中国古代文人画家们的创作开始逐步深入，并且开始注意到山水画的内在的表现效果。从宋代开始，传统的山水画已经开始达到了顶峰时期，这一阶段的官僚与皇室贵族士大夫阶级都开始关注与沉醉于山水画的创作。传统的山水画在宫殿与贵族厅堂中几乎到处都可见，并且也有一些小尺幅的山水画作品出现在案头与家中。伴随着生产力的提高，和经济的不断发展，人们对于文化与艺术的重视与钟爱程度日益加深，很多人为了体验自然万物的美好，常常亲身投入自然当中，去体验大自然的美妙与万物的灵性，并为此创作了大量的精品山水画作品，从而便开启了宋代这个山水绘画最为繁盛的时期。 二、宋元山水的生态之美 在宋元山水画中处处都渗透着无限的生态之美，天地山川，花鸟树木，都在画家的秒笔下呈现出气韵生动、虚实结合、缥渺致远的生态景致，而山水画作品便构成了一幅生机盎然的生态山水风景画。中国传统的生态山水作品从来都是秉承着“师法自然”的创作准则，徜徉于天地万物之间，品味着自然天地的美好，并将创作者内心的感情寄托于山水之中，创作出了大量的优秀的山水画作品。 由于南北地貌气候条件的差异，反映在山水绘画中就呈现出不同的生态意向：在北方的山水场景中多峻岭与巨石、悬瀑与峭壁。在艺术创作与山水画描绘中石头菱角分明，树木褐色参天，山峦起伏，笔法刚劲有力。正如郭熙在《林泉高致》中描绘到的“西北之山多浑厚，天地非为西北偏也。西北之地极高，水源之所出，以冈陇臃肿之所埋，故其地厚，其水深，其山多堆阜盘礴而连延不断于千里之外。介丘有顶而迤逦拔萃于四逵之野。如嵩山少室，非不拔也，如嵩少类者鲜尔，纵有峭拔者，亦多出地中而非地上也”。可见，北方的山水人文特征大体上给人以一种雄伟、壮观、粗犷、凌厉的生态美感。而南方的山水地貌却有着别样的风貌，南方峰峦叠起，雾霭繁花，江河复苏，画中用笔多温和细致，线条平缓朦胧。从山水画意上更突显出天真淡泊，宁静致远，婉丽和谐。董源作为南方山水画派的开山之祖，作品多描写江南之景，在他的作品《潇湘图》中，山峦起伏平缓，山脚林木扶疏，郁郁葱葱，水波不兴。整幅画作清新秀丽，雅致和谐，这便是典型的江南之景。因此，南方的山水作品给人一种平淡天真、秀雅温柔的生态美感。南北方的山水画作在审美特征和意态状貌上形成了深层次的对生之美，也进一步构成了生态中和之美。 三、人与自然中和的共生之美 宋时有名的艺术家们常常过着隐居山林的生活，这也对他们的绘画创作产生了深刻的影响。由于艺术家们倾心于传统山水画的创作，使宋代的山水画取得了巨大的发展和历史成就，进而形成了人与自然中和之美。 纵观宋代山水画作品，具有极其丰富的内容与内涵，但人物往往不占主导地位或根本没有在画作中出现，可这并不能说明人只是山水画创作中的衬托部分，而是进一步表达人与自然万物和谐相处的审美情境。这并不是刻意的表现自然或人文，而是“天地任自然，无为无造。”（三国魏・王弼：《老子注・第五章》）在这期间，人作为自然万物的一部分理应尊重自然、敬畏自然万物，这样才能使人与自然的精神达到和谐与统一，并且使人与自然相互促进发展，进而最终达到人与自然和谐的审美生境。在艺术创造中，人与自然不是主客对立的关系，而是一种中和的共生发展。在“天人合一”的道家观点中，人与自然是合二为一的，人融入自然万物的同时，也使本心回归自然当中。米友仁云：“画之为说，心画也”。在文人的艺术创作中，人与自然不是相互对立的，而是与自然息息相关的生命存在。所以在艺术创作过程中，不是人对于自然的掌控，而是自然与生命交融的过程。宋代艺术家讲求“外师造化，中得心源”，他们在艺术创作过程中，认真留意体味自然万物，抓住山水的细微特点，精妙的表达出直接内心的真情实感，最终达到 “中得心源”的艺术境界，从而实现人与自然和谐的境界。这不仅是对艺术家们内心的真实写照，也是欣赏者们在欣赏艺术作品的时候与艺术家产生共鸣的巧妙途径，这是一种对生性中和，在这种生态的中和中体现出画作之传神。因此在宋代，人们将传“神作”为创作中的最高要求，此处的传神之作便是人与自然中和构成的美的整体。例如，宋代著名山水画家范宽创作的《溪山行旅图》，在整幅画采用全景式构图，上有天，下有地，树木高低错落。从外部看，高耸的山峰，飞泻的瀑布，山丘与亭台，和若隐若现的溪流，这些创作元素都在范宽的笔下被生动的描摹出来。这些线条不仅表达出作者体味到的山水美蕴，也表达了作者内心的情感意蕴。这中的天地万物，与儒家“礼”的思想不谋而合，体现出儒家的伦理纲常。这幅画表面上似乎描绘的是关陕地区的自然风光，但是我们在当地却未曾发现与画中类似的景象，可见这是范宽对这一地区山水意象总结与提炼，其实这也更是作者对自己内心中自然的浓缩，整部作品展现出宋代山水画作品可游可居的高深境界，表现出山水之间的中和美，体现人与自然共生的情境，形成最具美感的生态意境。 四、艺术与生命“气韵生动”的整生之美 宋代的传统山水画意境幽深，在画中往往通过刚柔、动静、远近、虚实等技法，展现出自然生态与生命律动相契合的生态艺术作品，从而显示出人的生命与自然生态相融合后所体现出的自然整生之美。 中国绘画的第一准则便是“气韵生动”，在山水画的创作中正是体现出了这种自然生态审美智慧。正像曾繁仁先生所说的：“国画‘气韵生动’的重要美学原则是将大自然作为有生命的灵性之物加以描绘的。”并且此时的艺术作品不是独立的生命体现，而是自然生命之整体蕴含。在对自然生命的整体观照中，人之生命融合于自然万物生命中，并且人之生命与自然生命融合的同时，人之生命得到了进化与升华。在生态审美艺术作品中，作者追求的是自然生命的整体和谐之美，艺术家把山水自然视为一大生命。生命万物彼此相连，相互需要，构成了一个有机的生命整体。正如郭熙在《林泉高致》中所说：“山以水为血脉，以草木为毛发，以烟云为神彩。故山得水而活，得草木而华，得烟云而秀媚。水以山为面，以亭榭为眉目，以渔钓为精神，故水得山而媚，得亭榭而明快，得渔钓而旷落。”山川、草木、云霞全都是自然万物生命整体的组成部分，在这万物的生命整体之中，各个部分和谐共生，焕发出别样的生机与活力。 总之，宋元山水画虽是艺术的，但也是生命的，宋元山水画将人与自然和艺术连接起来，用艺术的手法，表现自然万物的美的同时，表达出艺术家关于生命的感悟与人生的追求。在中国画论中，绘画不仅是人与自然和谐共生理想的诗意表达，更是宇宙和谐生命系统的一部分。艺术家以中和为美，致力于表现的是宇宙生命的广大和谐。在构图、笔墨等作品构成的形式方面也渗透着浓郁的生态意识。它在人与自然和谐相处同时，在方寸间，感知万物，感悟生命，纵情于山水之中，表达人们对自然生命的崇敬;同时也让人们留恋与山水性情，体味生命的情趣，让人突破时间与空间的界限，将人与大自然万物真正的融合起来，只有这样，山水画的创作才能超越人类审美的想象，和大自然和谐共生达到全新的艺术境界。进而使人与自然和谐共存艺术与生命合二为一的整生生态审美境界。 在宋元山水的世界里，山水画家以儒家思想为正统，却又融合着道禅思想。人们感受到使心灵深沉、静默的和无限的自然汇合在一起的巨大力量，就像倪云林的一山、一水、一丘、一壑，简之又简、确实自然最深最厚的形状，纵然天地毁灭，此山此水精神不灭，这便是生态的永恒。山水之间融汇了一条回家的路，在当今社会中，人们若想再建美学传统，更要回归中国古典山水美学中的美妙意境。中国人看山看水其实就是在看我们自己的人生，山水中的自然是一个让人心驰神往的自然，也是古人为我们留下的永恒的精神家园。如今的人们依然向往山林悠壑，依然渴望行到水穷处，坐看云起时，所以宋元山水所蕴含的主客体共生的中和神韵也就显得特别的深厚，所显示的中华文化气韵也就特别深长。 参考文献： [1]周积寅.《中国历代画论》 南京：江苏美术出版社 2007 [2]夏晓春.《论中国画意境审美动态》《装饰》.2004年3期 [3]李泽厚.《美学三书》天津社会科学院出版社.2001年3月 [4]徐复观.《中国艺术精神》华东师范大学出版社2001年 [5]宗白华.《艺境》北京大学出版社，1999年 [6]袁鼎生.《超循环生态方法论》科学出版社 [7]朱良志.《中国艺术的生命精神》安徽教育出版社2006年 [8]邵金峰.《中国画论中生态审美智慧研究》 [9]杨建 康琼.《论中国山水画的生态美蕴》美术天地 [10]连晓红.《试谈老庄沂弊裸星翔寸中国山水画意境的影响》美术大观2007（3）12 [11]张子程.《论中国古典山水画之生态美蕴》绘画美学
关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。推荐内容关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。最佳答案浅谈对中国画的认识首先我想说对于我们建筑学来说，对国画的认识是更有裨益的。各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美，在使人在了解画的同时，也得到审美能力的锻炼在着我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。
山水画，中国画的一种。描写山川自然景色为主体的绘画。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。 系中国画，特有的画种之一。以下是整理好的关于山水画论文题目，供大家参考。山水画论文题目（导师拟定标题124个）山水画论文题目一：1、 河北山水画发展史2、 王蒙山水画中的繁密感探析3、 胸中丘壑是吾乡——我的山水画创作4、 山水画中的渔父形象5、 李可染现代山水画变革的学理启示6、 新疆山水画创作与“西北宗”实践的可行性7、 中国山水画与欧洲风景画的比较研究8、 山水画纵横谈9、 从“贵有古意”到“逸笔草草”——元代文人山水画的审美理想嬗变10、 分流与失道:从后结构符号学论清代山水画的衰落11、 从平面构成的角度解析黄秋园后期山水画:兼谈其平面化12、 从平面构成的角度看黄秋园后期山水画13、 胸中山水奇天下,删去临摹手一双——齐白石山水画独特性辨析14、 画吾自画——齐白石山水画的创作历程及特点15、 传统山水画大数据分析下的长三角地区山水资源的特色研究16、 生态美学观照下的六朝山水画论17、 略论文徵明青绿山水画的风格18、 董其昌对晚明青绿山水画发展大转变的作用19、 唐代青绿山水画点景研究——以“阎氏父子”“大小李将军”山水画为例20、 李圣峰山水画作品 为了心中的圣峰——李圣峰山水画漫谈21、 傅抱石山水画探微22、 山水画艺术在茶叶包装平面设计中的应用23、 在宋代山水画的意境里找寻当代建筑之路——以董豫赣、王澍的思考与实践为例24、 茶馆结合城市题材山水画元素的艺术风格探析25、 张正恒山水画的特色与成就探源山水画论文题目二：26、 为溪山写真——中国山水画写生中的人文情怀27、 论山水画写生中的笔墨造型28、 道释思想对山水画影响刍议29、 划时代的丰碑——李可染的山水画30、 浅析仇英青绿山水画风及形成的影响因素31、 临界与超越 许钦松山水画的创造特征32、 沈阳故宫藏明清山水画33、 写生:回归与重彰山水画学真义34、 文人意趣在山水画中的渗透——米芾、米友仁父子的水墨山水35、 生成意境与构成境域——黄宾虹山水画与塞尚风景画的比较36、 “对象化思维”与“非对象化思维”——基于中国传统山水画的讨论37、 山水画图案在现代旗袍创新设计中的应用研究38、 中国山水画审美意识与现代建筑设计39、 探寻山水画“象思维”之源流——“永嘉论道”综述40、 齐长城遗迹的山水画呈现41、 “一带一路”下之当代中国海洋山水画创作探析——以广西北部湾海洋景观为例42、 从顿悟到渐修——张捷的山水画43、 从择吉到气势——“龙脉”观念的社会民俗学内涵及其向山水画创作的递变44、 吞吐自然 意笔纵横——岳黔山山水画、花鸟画之语言特征45、 “《千里江山图》暨青绿山水画国际学术研讨会”纪要46、 墨非蒙养不灵 笔非生活不神——颜景龙山水画流向蠡测47、 符号延异与图像缺失:明代山水画中的寻道者意象与艺术主流的终结48、 听唱新翻杨柳枝——尤建清和他的山水画49、 以色写意 以彩畅神——张跃华山水画解读50、 孙宽山水画作品 赏心乐事谁家院山水画论文题目三：51、 石涛山水画点景人物研究52、 堪舆学在传统山水画中的运用探略53、 读汤江云的山水画54、 厌恶与洁癖——读肖培金的山水画55、 从环境美学的角度看唐代山水画论56、 马远、夏圭山水画中的“留白”理念与当代平面设计57、 略论晚唐五代山水画屏与仕隐心态58、 朴拙清新的世界——读董雷山水画59、 黄宾虹、李可染山水画写生观比较60、 《千里江山图》与宋代青绿山水画的复兴61、 展子虔《游春图》对中国青绿山水画的范式化意义62、 “文人山水画”文化建构功能摭论63、 从魏晋到南宋山水画概说64、 笔底刚柔任所之 千山奇秀墨华滋——记顾坤伯的山水画艺术65、 清代冷枚《避暑山庄图》皇苑实景山水画的新风尚66、 理学思想影响下的中国山水画67、 中国山水画的阴阳关系研究68、 中国山水画与中国古典园林的关联性发展研究69、 青绿山水画与边疆民族高校美术专业教学70、 魏晋南北朝时期山水画兴起的原因71、 黄秋园山水画作品中树木山石云水及点景笔法特征72、 由“似”而“真”——晋唐山水画流变的内在趋向性考察73、 新中国山水画时空表现中的速效填充现象74、 建构新图式——满维起山水画谈
插画的参考文献~！在线等
简述插画艺术在平面设计中的作用及意义
在个人成长的多个环节中，许多人都有过写论文的经历，对论文都不陌生吧，论文是探讨问题进行学术研究的一种手段。那么你知道一篇好的论文该怎么写吗？以下是我为大家整理的简述插画艺术在平面设计中的作用及意义论文，仅供参考，欢迎大家阅读。
摘 要： 插画，具有悠久的历史，它是一种用图形语言进行信息传达的艺术形式，是为文字做的附图，对文字进行更形象的解释说明。当前，插画在平面媒体，电子媒体以及多媒体领域中起着重要的作用。这其中，插画也与平面设计领域的联系越来越紧密。插画以其独特的艺术魅力感染着观者，让观者在读取信息的同时体验到艺术欣赏的乐趣并产生视觉共鸣与认知。因此我认为，在纯艺术与设计艺术相互交融的当代艺术中，插画艺术对于平面设计这个庞大的领域有着不可抹灭的影响。
关键词： 插画艺术;平面设计;信息;传达;装饰;视觉
插画，具有悠久的历史，它是一种用图形语言进行信息传达的艺术形式，是为文字做的附图，对文字进行更形象的解释说明。从古到今在人类的社会生活中也都扮演着重要的角色。特别是在当前，插画在平面媒体，电子媒体以及多媒体领域中也起着重要的作用。这其中，插画也与平面设计领域的联系越来越紧密。在平面设计的领域中，插画以其独特的艺术魅力感染着观者，让观者在读取信息的同时体验到艺术欣赏的乐趣。这也是越来越多的高校将插画专业归为视觉传达设计，也就是我们常说的平面设计范畴内的理由。
在我看来，设计是一种以人为主体，并有特定目标对象的创造性行为，其价值在于观念的创新与传达，从而达到人类发展的社会实现。从字面上面来说，“设”就是设想，创造;“计”即是计划，安排。现代设计大师蒙荷里·纳基认为：艺术是一种以生产某种产品为目的，将社会的、人类的、经济的、艺术的、技术的、心理的多种因素星河起来，进行产品产生构思和计划的艺术。归根到底就是人类用意识、用艺术创造力形成的一种构思和思想意图。而平面设计作为设计范畴中运用最广泛的一个重要组成部分，更是将设计的宗旨发挥的淋漓尽致：即通过一定的审视与选择，最后用文字，图形等视觉元素实现最初设想意图的过程。而这其中图形语言是最直接也是最能够引起观者的视觉注意，提高观者的视觉共鸣的最重要的元素。越来越多的艺术家也开始从图形语言这个最直观的元素来挖掘探索，从而提高视觉表现力及视觉表达效果。也就是之前所说到的插画艺术。与此同时，就插画本身而言，进行信息传达是其主要功能与作用，但是如果没有审美价值，缺少艺术内涵和感染力，也无法达到有效传达信息的目的。然而说到审美价值，自然又会回归到视觉美感，跳回到平面设计的领域。因此我认为，在纯艺术与设计艺术界限越来越模糊的当代艺术中，插画艺术对于平面设计这个庞大的领域有着不可抹灭的影响。
1 插画辅助平面设计设计(版式)传达信息
版式设计是整个平面设计的中心，也是运用得最为广泛的平面设计。其中，以文字为主体的版式设计也在市场中占了绝大多数的比例。例如：报刊，杂志，书籍，网页等，它们都是以文字为主体的版式设计。它们为了满足信息传播的需要，以文字为主要元素，对信息传播的载体进行艺术加工，使其鲜明、生动、准确，生动地实现信息传达。然而更多的时候，有些信息用过简单的文字达不到所要传达的情感及要求，难以用语言文字表达清楚所要传达的内容。这时候，我们就需要借助一些插图插画来辅助文字信息，或者说是将文字信息所要传达的内容概括成简练的插图插画元素，通过对元素进行艺术处理，浓缩要传达的文字信息，从而提高整个信息所要传达的准确性，生动性，让读者更易理解跟接受，产生强烈的认同与认知感;另外，这些插图还可以引导读者展开自己的联想跟想象，从而更加立体全面的传达出文字所要表达的内容;再者，长时间阅读文字会产生强烈的视觉疲劳，辅助的插画可以适当地缓解跟调节读者的阅读节奏，让信息传达的内容更长久，坚固，效果更完善，深刻。例如：儿童画报。因为儿童识别文字的能力有限，因此绝大多数的时候都难以用纯文字完整的将信息内容传达清楚，这时候如果没有插图插画的形象说明跟辅助补充，儿童就会很难理解其中的内容;另外，就儿童心理，生理的特点而言，儿童无法集中注意力进行长时间的文字阅读，因而在这种情况下，插画是不可缺少的重要组成部分。
2 插画帮助平面设计(招贴)吸引观者的视觉注意力
平面设计里的`招贴设计，又称“海报”设计或宣传画设计，属于户外广告，在国外被称为“瞬间”的街头艺术。主要用招贴的形式来吸引观者的视觉注意力。这里说的“吸引视觉注意力”是指用图形，色彩等因素的强烈刺激，快速地吸引观者的注意力。也只有当观者的目光被强烈的刺激所吸引而停留在画面上时，才能产生“交流”。而招贴设计所承担的任务就是抓住消费者的目光。然而观者的目光往往总是会停留在某个具象的图案而不是抽象的几何图形或者是创意图形。这个道理就等同于我们能记住一个人正面的五官特征而很少能从背面的轮廓人出一个人。这就是我们的视觉系统接受信息时本能的接收与取舍。这也是越来越多的招贴设计都将插画与平面结合起来的理由。例如2010年世界杯北欧可口可乐的招贴就将可乐本身与插画进行结合，不仅能够更加充分的传达出作者的创作意图更是通过人物插画的元素大幅度的吸引了观者的注意;再如可口可乐Sambodromo招贴插画，整个招贴全部运用插画的形式，在众多传统的平面招贴中夺目而出，牢牢的抓住了观者的视觉。
3 插画提升平面设计(包装)的装饰美化效果
包装设计作为平面设计中最直接的视觉设计，它直接影响到消费者的购买欲。好的包装设计甚至可以提升产品的价值跟消费群体的定位。作为包装设计本身而言，它以产品的外包装作为载体来达到装饰美化载体的作用。而插作艺术的表现形式跟手法本身就具有装饰跟美化载体的作用，它不仅可以插入前面所说的版式，招贴灯平面媒体，更可以应用到产品设计这样的三维设计领域中。因此，如果没有插画元素就很难使产品包装产生视觉美感。例如美国最畅销的碳酸饮料MountainDew推出的系列限量版碳酸饮水包装设计，就是以插画为主要包装设计的元素，为原本平淡的瓶体增添了一抹亮丽色彩，起到了很好的装饰美化作用，提升了产品的视觉吸引力。消费者可以从精美的插画上领略到独特的视觉美感。这使得整个包装设计动感，时尚，灵动，同时也拉近了产品与年轻消费群体的距离。
4 插画为表目的平面设计补充艺术情感
插画作为一门独立的学科，同时兼并纯艺与设计的艺术内涵。但就艺术效果跟功能而言，插画的艺术价值还是表现在艺术鉴赏跟欣赏上，所传达出的是一种艺术情感，强调的是创作过程。而平面设计则侧重于目的，它必须依据所传达的主题，所承载的信息进行整体的设计，强调的是设计结果。而当代，纯艺与设计的界限也越来越模糊。提倡两者相结合的现代艺术。这也就是说，将插画作为载体附到平面设计(版式，招贴，包装等)中，也可以让平面设计成为插画作品。让平面设计在有目的的传达信息之余，成为艺术作品供观者进行艺术鉴赏，同时赋予平面设计透过插画所传达，传递出的艺术情感。
总之，在如今纯艺与设计相互交融的当代艺术中，纯艺的感情表达与设计的传递信息，两种艺术相互影响，融会贯通。从而迸发出不断创新，层出不穷的艺术形式与艺术体验。这其中，就设计领域中庞大的平面设计而言，插画艺术对于它的影响，作用，作用都是不容忽视，不可抹灭的。
参考文献：
[1] 彭彭.插画与设计[M].高等教育出版社，2010.
[2] 肖蕾，江鸿，等.版式设计精品解读[M].电子工业出版社，2008.
[3] 郭勇.每天懂一点创意心理学[M].陕西师范大学出版社，2010.
拓展：
学位论文答辩技巧
论文答辩一般程序
学生必须在论文答辩会前，将经过指导老师审定并签署过意见的毕业论文连同提纲、草稿等交给答辩委员会。
在答辩会上，先让学员用15分钟左右的时间概述论文的标题以及选择该论题的原因，较详细地介绍论文的主要论点、论据和写作体会。
答辩老师提问。老师提问完后，有的学校规定，可以让学生独立准备15-20分钟后，再来当场回答，有的则要求学员当场立即作出回答(没有准备时间)，随问随答。
学员逐一回答完所有问题后退场，答辩委员会集体根据论文质量和答辩情况，商定通过还是不通过，并拟定成绩和评语。
召回学员，由主答辩老师当面向学员就论文和答辩过程中的情况加以小结。
对答辩不能通过的学员，提出修改意见，一般允许学生另行答辩。
论文答辩技巧
熟悉内容
参加论文答辩的同学，首先必须对自己所著的毕业论文内容有比较深刻的理解。这是为回答毕业论文答辩委员会成员就有关论文的深度及相关知识而可能提出的问题所做的准备。
图表穿插
图表不仅是一种直观的表达观点的方法，更是一种调节论文答辩会气氛的手段，特别是对论文答辩委员会成员来讲，长时间地听述，听觉难免会有排斥性，不再对你论述的内容接纳吸收，这样，必然对你的毕业论文答辩成绩有所影响。所以，应该在论文答辩过程中适当穿插图表或类似图表的其他媒介以提高你的论文答辩成绩。
语速适中
进行毕业论文答辩的同学一般都是首次。无数事实证明，他们论文答辩时，说话速度往往越来越快，以致毕业答辩委员会成员听不清楚，影响了毕业答辩过程中的语速，要有急有缓，有轻有重，不能像连珠炮似地轰向听众。
目光移动
毕业生在论文答辩时，一般可脱稿，也可半脱稿，也可完全不脱稿。但不管哪种方式，都应注意自己的目光，使目标时常地瞟向论文答辩委员会成员及会场上的同学们。这是你用目光与听众进行心灵的交流，使听众对你的论题产生兴趣的一种手段。
时间控制
一般在比较正规的论文答辩会上，都对辩手有答辩时间要求，因此，毕业论文答辩学生在进行论文答辩时应重视论文答辩时间的掌握。对论文答辩时间的控制要有力度，到该截止时的时间立即结束，这样，显得有准备，对内容的掌握和控制也轻车熟路，容易给毕业论文答辩委员会成员一个良好的印象。
文明礼貌
在答辩过程中，除以上几点需要注意外，这一条也需要注意，虽然起不上很大的作用，但可以给答辩老师留下一个好的印象，在你和他人势均力敌的情况下，一般而言答辩老师选择的是你。
论文答辩常见问题
1、自己为什么选择这个课题?
2、研究这个课题的意义和目的是什么?
3、全文的基本框架、基本结构是如何安排的?
4、全文的各部分之间逻辑关系如何?
5、在研究本课题的过程中，发现了那些不同见解，自己是怎样逐步认识的?又是如何处理的?
6、论文虽未论及，但与其较密切相关的问题还有哪些?
7、还有哪些问题自己还没搞清楚，在论文中论述得不够透彻?
8、写作论文时立论的主要依据是什么?
我国的传统插花艺术历史悠久，博大精深，目前已经越来越多的人学习插画艺术了。下面是我为大家整理的插花艺术论文，供大家参考。插花艺术论文 范文 篇一：《浅论东西方的插花艺术》 摘要：东西方在插花艺术方面有着与众不同的特点。东方的插花艺术(以中国和日本为代表)，更加注重的是意境美，而西方的插花艺术(以欧美各国为代表)更加注重的是造型，追求的是理性美。本文就是由东西方插花艺术的特点探讨，试图对其中的共性和个性做一个归纳 总结 ，为插花艺术的全面发展创造一个良好的理论环境。 关键词：东方插花艺术;西方插花;特点;原因 一、 前言 插花艺术历史悠久，源远流长，流派众多，但是从总体上来说，可以分为两类，一类是东方插花，以中国和日本为代表，另一类是西式插花，以欧美等国为代表。东西方的插花艺术因其历史及地域的影响，其所表现出的风格特点也不尽相同。大体上来说，东方的插花更加注重的是整体的线条美、意境美和自然的姿态美，而西方的插花艺术更多的是讲究热情奔放的美感，讲究的是整体的几何造型。 二、东方式插花艺术的特点 东方式的插花艺术的主要代表就是中、日两国，其中日本的插花艺术源于中国，但经过近千年的发展之后也形成了自己独有的特点，总体来说，就是深受几千年来儒家思想的影响。在传统的 文化 积淀下，东方式的插花艺术逐渐形成了追求意境美、线条美、自然姿态美的审美趣味，其具体的风格特点如下： (一)不求数量，更多的是要画龙点睛。东方的插花艺术非常讲究用青枝绿叶来衬托鲜花的美好，对造型进行勾勒，经常用到松、竹、梅等枝叶。 (二) 强调线条和自然姿态的美。东方式的插花追求的是线条的自然流畅和构图的意境深长，自然的姿态美胜于一切，或是两三杆青竹，或是一两朵折枝花卉，或是幽静的风景小品，都要求自然流畅。东方式的插花艺术要求遵循由3大主枝构成的不等边三角形的定位法原则，但是也要力求“合同于一体”，不能拘泥于规则。 (三) 用花要求简洁明快，朴素大方，不追求花色和数量的多寡。东方式插花较为淡雅，在花色选择上，一般多是只用两三种，在对色彩的处理方面，对比色方面运用的较多，比如说在容器的选用方面，其色调要可以更好的反衬花卉的效果，当然冲突不能过重，协调色的作用也就十分重要，所以，枝叶的衬托作用也就显现出来了。 (四) 注重诗情画意的意境美。色彩和线条并不是东方式插花的全部因素，用插花来传情达意才是东方式插花的主要目的。东方式插花讲究形神兼备，即不仅要能够欣赏到插花的外在形态美，还要能够深入地理解插花作品的富有深意的内涵美，追求其美的意境。“内外兼修”才是东方式插花的最重要特点。 三、西方式插花艺术的特点 西方式的插花艺术主要以欧美各国为代表，由于其历史、地域等因素与东方的截然不同，也就造就了其在插花艺术上有别于东方式插花的艺术风格，西方式的插花艺术多追求插花的造型，用花量大，而且色彩艳丽，富有理性。 (一) 西方式插花用花数量大。其讲究要有花木繁盛之感，所以用花多选用草木花卉，如百合、菊花、月季、菖兰、香石竹、扶郎花等。 (二)讲究造型，一般多为几何构图。西方式插花多讲究对称，要求要有雍容华贵之态，例如对称式的球形、半球形、等腰三角形等，不对称式的则有新月形、S形等。 (三)色彩艳丽，气氛热烈。西方式的插花多追求强烈的色彩，要有雍容华贵之感。西方式的插花往往会在一件作品上选用多个颜色的花朵，将每个颜色进行组合，以形成多个彩色的块面，所以西方式的插花也常会被称为色块的插花;当然，西方式插花有时也会将各种颜色的花混合在一起进行扦插，以创造出五彩缤纷的效果。 四、东西方插花艺术风格不同的原因 (一)东方式插花艺术特点形成的原因 东方式的插花深受东方特有的哲学思想所影响，而且也与文学艺术、建筑艺术等密切相关。而且以中、日两国为代表的东亚地域的人性格趋于内向稳重，喜欢探究的是事物的内涵，所以在进行插花时较多的追求的是插花艺术的意境美。 1、中国传统的儒家学说深深地浸润到东方式插花的的每个枝条中。先秦时期，我国的插花艺术开始起步，与此同时，孔子的儒家学说也已成型，经过几千年的发展，儒家学说已经深深的影响到我们生活的方方面面，儒家学说在插花方面，讲究的是人文之善与自然之美兼修，此思想也就随着中国文化的传播而在东亚地区流传开来。 2、东方式的插花是由中国传播开来的。而传统的中式插花的形成基础则是基于文学艺术的全面发展。中国的书法、绘画、诗词歌赋、戏曲等对东方插花艺术产生了极为深远的影响。另外，东方式的插花枝条众多，是为了追求枝条带来的外延美，这无不与传统的中国文化密切相关。 (二)西方式插花艺术特点形成的原因 1、 西方式的插花艺术与其民风和地域密切相关。西方人性格多奔放，讲究征服自然，酷爱冒险，所以其体现到插花上的特点也就是注重色彩美和形式美，讲究插花作品所要达到的整体效果，而对作品的深刻意境则没有过多追求。 2、 西方的哲学思想大多比较强调理性，讲求一切事物都要“唯理”。将一切物体程式化、规范化的思想深深地影响了插花艺术的发展。所以，西方式的插花多讲究的是色块、色彩的热烈绚丽，以此来营造热烈奔放的气氛。 参考文献： [1]李林，唐世斌，林倩.提高学生动手能力――插花艺术课程实验教学改革探索[J].高教论坛，2010，(07). [2]沈鹏飞.中国古典插花艺术的特点及影响因素[J].合肥学院学报(社会科学版)，2007，(06). [3]刘薇萍，杨从玉，宛成刚，汪海平.中国艺术插花意境[J].中国花卉园艺，2004，(07). 插花艺术论文范文篇二：《试谈艺术插花及环境布置》 艺术 插花是指将剪切下来的植物的根、茎、叶、花、果作为素材，经过一定的技术(修剪、整枝、弯曲)和艺术(构思、造型、设色)加工，重新配置成一件精致美丽、富有诗情画意，能再现大 自然 美和人工美的花卉艺术品。插花看似简单容易，但要真正插成一件好的作品却并非易事。因它不是单纯的各种花材的组合，也不是简单的造型，是溶生活情趣、 文化知识、艺术修养为一体的一种艺术创作活动。插花界的朋友都认为：插花是用心来创作花型，用花型来表达心态的一门造型艺术。 一、艺术插花的种类和特点 插花种类从形式上可分瓶插、盆插、悬挂式插花、异型花器插花、花篮插花、花架插花、人造花插花等。从风格上可分东方式插花、西方式插花、 现代 自由式插花。 (一)东方式插花：是以 中国 和日本为代表的一种插花形式。由于受东方各国 传统文化 和习俗 影响 ，它和东方园林一样特别崇尚自然，师法自然而高于自然，善于利用花材的自然美来感人。讲究借物寓意，以形传神。东方式插花选材讲究简练，以少而精的花材有机组合取胜，造型注重自然，以流畅线条勾勒为主，形体小巧玲珑，色彩朴素淡雅，意境含蓄深远，主题突出，耐人寻味。因而东方式插花以形式美和意境美著称于世。 日本插花：插花在日本称为花道，公元六世纪至七世纪初，日本飞鸟 时代 圣德太子派小野妹子来中国(隋朝)建立邦交，作为遣隋使节的他，在潜心 研究 佛学之时，兼学佛教插花，回到日本后，将日本当时的佛前供花 发展 起来，形成池坊花道。它是日本插花史上最为悠久的插花流派。中国插花进入日本后，经几代插花艺术家的不懈努力，已形成 目前 3000多个流派，其中的池坊流、草月流、宏道流、小原流，为日本著名四大插花流派。日本插花和中国插花均属东方式插花范畴，它以线条的变化为主，将人的思想转嫁到插花之中，表现东方人细腻、含蓄和富有内涵的特点。 (二)西方式插花：以欧美各国为代表的一种插花形式。与东方式插花迥然不同。它受西方人崇尚自然、开敞外露、热情奔放的传统文化和民族性格影响，擅长用花材的人工美来表现主题。西方式插花选材讲究繁盛，以表现植物的群体美取胜，造型注重规则，以对称的几何图形为主，形体大而端正，色彩鲜艳丰富，追求块面效果，表现出热情奔放、雍容华贵、富丽堂皇的风格。 (三)现代自由式插花：是一种抽象、写意、非常个性化的插花形式。随着东、西方文化的不断交流，插花交流也日趋增多，现代自由式插花是在东、西方插花的基础上发展起来的，兼容了东西方插花特点。在花器花材的选择、构思造型的确定，花叶色彩的处理等方面更趋自由、随意。常用非植物材料如金属、玻璃、塑料、棉织品等陪衬和点缀，表现的主题往往使人较难理解，作品完全溶入了个人的性格、 爱好 和气质，给人以耳目一新之感。 二、艺术插花的布置 根据 环境的不同，插花布置的手法和要求是有区别的。如展览馆、宾馆大堂、会议室等大型公共场所，以西方式插花或现代自由式插花为主，要求体量大、数量多、色彩丰富。如居室等小型空间范围，则以东方式插花为主，只需少数小体量的插花作品点缀，即可起到锦上添花的作用。 (一)展览馆插花布置：这种场合的插花布置，首先是区域划分，因参展单位众多，若无指定场所和地段，不但给布展造成混乱，而且参观者也难觅自己钟爱的参观 内容 。如今年5月在深圳高交会馆举办的"首届中国国际插花花艺博览会"，组委会按参展对象不同，分境外展区、省(区)市展区、宾馆饭店展区、花店业展区、切花 企业 产品展区、押花作品展区、家居布置展区、中国插花花艺史展区等八个区域，使布展者和参观者一目了然。其次是空间补白，展馆留一定的空间是需要的，但对于空中、墙面等处可利用的场所放弃是一种浪费，或者说是一种不够到位的布置。如今年3月在马来西亚绿野仙踪国际展览中心举办的"马中插花艺术交流展"，对墙体和展厅柱子的利用就非常得体。布展者根据墙体的大小，布置了形状各异、规格不等、以下垂式为主的插花作品。展览中心的柱子四面均呈凹字形，作者就在凹字形上作 文章 ，用三把大、中、小绸伞倒挂串连起来，上缀垂挂的花叶，既利用了柱子，弥补了柱子的缺陷，又美化了环境，丰富了空间内容，可谓一举两得。又如杭州大厦购物中心空中悬挂的大小不等、高低错落的花球，这种布置手法，若能利用在展馆中，那将会达到很好的布展效果。 (二)宾馆大堂的插花布置： 插花能为宾馆舒适的环境平添几分热情、优美和高雅，使客人有宾至如归的感觉。大堂插花因等级不同，以及平时和 节日接待档次不同，其布置手法和要求有所区别。原则上要求布置在大堂中央、几架和花器上乘;造型以规划的几何图形为主，常见的有圆形、半圆形;花材新鲜、色彩丰富、花朵大而艳丽;体量较大且可四面观的西方式插花。若大堂是按中国传统的民族特色来装潢布置的。则插花形式必须要与之相协调，否则，不伦不类，给客人以别扭的感受。至于大堂副理、吧台、收银台、总台等处的插花以插花小品布置为主。近几年来，流行仿真人造花插花，它鲜艳、明快、亮丽、逼真，可达到以假乱真的观赏效果。 (三)会议室插花布置： 会议室插花布置的形式以低矮、匍匐形，宜四面观赏的西方式插花为主，在沙发转角处或靠墙处茶几上也可用东方式插花。无论哪重插花形式，一是花要新鲜、艳丽、盛开。二是花无异味或浓香。三是花的高度切忌遮挡与会者发言或交谈的视线。插花的规格依会议的级别而定。一般会议只是在主席台或中间(圆桌会议)插制一至数盆不等，而高级会议在一般会议布置的基础上，不但花要高档，而且数量也要增多。如签到处、贵宾休息处、会议室四角等处都应布置。 (四)居室插花布置： 随着人民生活水平的提高和居住 环境的改善，人们已不满足在风景区赏花，要把大 自然 的绿色和鲜花带回家，用它们来美化居室，装饰生活环境，丰富日常生活。居室摆上1～2盆插花，可使居室充满生机。同时通过自己动手和布置，可以调剂生活，陶冶情操，所以插花越来越受大家的喜爱和青睐，正慢慢地走入千家万户，成为美化居室不可缺少的一部分。 客厅的布置： 一般来讲，客厅是家庭中最大的一个空间，是主人休息和会客的地方，插花的风格宜选择西方式插花，这种风格的插花，用花的数量较多，一般以草本花卉为主，如香石竹、非洲菊、唐菖蒲、百合、玫瑰等，形式注重几何构图，比较多的是对称型插法，常见款式有半球形、椭圆形、三角形或扇形，色彩力求浓重艳丽，营造出热情、友好的待客气氛，花色的搭配，常采用的是几种颜色的混用，给客人以春天般的五彩缤纷之感，插花宜摆放在茶几中央，其大小一般来讲是茶几桌面积的四分之一较为适宜，高度在40厘米之内，以不挡住交谈者彼此间视线为宜，插花要四面均可观赏，形状多为半球形、椭圆形等，如茶几是靠墙摆放，插成单面观赏即可，可高大些，形状多为三角形或扇形。 书房的布置 书房是主人看书、 学习 的地方，空间范围不大，宜布置东方式插花，这种风格的插花，使用的鲜花不多，只需几支鲜花，再配以绿叶，便能产生一种很好的观赏效果。造型较多运用青枝绿叶来勾线，作框架，常用的有藤蔓、小竹、水蜡烛、银柳、针葵、松枝等。造型构图讲究简洁明快，一般采用三主枝构成不等边三角形的定位 方法 ，花色朴素大方，不宜艳丽，一般只用1～2种花色即可，简洁明了，常用的花有菊花、马蹄莲、梅枝、荷花、水仙等，再配以绿叶。 卧室的布置： 卧室的空间较小，不宜布置西方式插花，以东方式的插花较恰当。但更多的是采用一种随意的插花方式，从花店里购来一种或几种鲜花，往玻璃瓶等容器里放入即可，或一把玫瑰，或一把满天星，以单个品种配以少许绿叶为宜。 厨房的布置： 环境较为特殊，做饭时产生的煤气、油烟味和较高的温度等因素对鲜花极为不利，但有情趣的家庭主妇不妨将买回来的蔬菜和水果，在消费它们之前，进行巧妙的组合和搭配，能创作出一件别具匠心的果蔬 艺术 品。这里简单向大家介绍一种。选择一只较大的果盘或鱼盘作容器，用4～5枝芹菜作背景，上部插开花的蔬菜如韭菜花、葱花等，中部放若干粗壮的鲜红长辣椒，下部一边放一串香蕉，一边放茄子，用卷边的生菜叶作铺垫，上述材料处的空隙处用香菜填充，红绿和黄紫两种色彩对比强烈，一件别致的果蔬作品就诞生了，使厨房环境徒然增色。形式别具一格，你不妨一试。 餐桌的布置： 餐桌是供主人用餐的，布置的鲜花应无刺、无异味、无病虫害痕迹。宜选1～2朵鲜花配以绿叶和满天星，用瓶插即可，有条件的话，布置可精巧些，用一白色台布作铺垫，上摆2～3瓶形状各异的洋酒和酒杯，点缀一些亮丽的水果诸如葡萄、芒果、柠檬等，再配以少许绿叶和鲜花，使餐桌的布置别具匠心。 墙体的布置： 居室布置中的墙体装饰被人们越来越重视，除悬挂 风景画 、挂历、 布艺 作品等外，用于花装饰与点缀正被大家慢慢接受，墙体作品一般悬挂在较高外，适应仰视，若用鲜花布置，给制作、固定、浇水、调换等带来诸多不便。干花不用浇水， 管理方便，且不需要浇水调换，加之干花可以达到以假乱真的效果。特别是仿真花，更是逼真，所以用干花装饰墙体正渐渐流行开来。 插花艺术论文范文篇三：《东西方插花的艺术特色》 摘要：指出了插花艺术是表现植物自然美的造型艺术，也是自然美和人工装饰美的结晶，是人类对自然景观的再创造。插花艺术主要依靠植物生动优美的形态和作者赋于的情感给人们一种感染力，激起人们的美感，为人们的文化生活创造了无穷的艺术魅力和生活乐趣。 关键词：插花艺术;艺术特色;艺术形式 1引言 当今社会插花艺术流派众多，从总体上可分为两种，一种是以中国、日本等国为代表的东方式插花，另一种是以欧美等国为代表的西方式插花。插花艺术的表现，在较大程度上受民族习惯、地域的影响，使东、西方插花各具特色。西方式插花讲究强烈的美感，给人以热情奔放的印象。东方式插花注重线条造型，着重于自然姿态美，清雅绝俗。随着社会的发展，各种艺术形式也在不断地被人们认识和吸收。东、西方插花出现了相互渗透的局面，彼此取长补短，不断得到改善和发展。 2东方式插花艺术 东方式插花起源于中国，早在东汉时，插花即作为佛前供花。隋唐时，插花从佛前供花扩展到宫廷和民间，出现了花文化。宋元时期，插花艺术进入了兴盛时期。明清时期，插花艺术发展到鼎盛时期，有关插花的专著也随之出现。插花艺术随着文化、宗教活动的交流传入日本，并在日本得到了发展。 东方式插花的艺术特点 (1)崇尚自然。东方式插花以植物的自然形态为基础，通过作者的艺术创造，使作品充满自然的生命力和美感。 (2)讲究意境，以形传神。东方式插花不仅注重花材的形体美和色彩美，而且更讲究以花传情，以花达意，形神兼备。既追求插花作品的内涵和神韵，又注重作品外在的形态美和色彩美。 (3)注重线条造型。东方式插花通过不同线条的长短、粗细、强弱、虚实、疏密、曲直、顿挫等变化勾勒出或飘逸、或粗犷的不同形态。此类插花不失自然风姿，形式多样，婀娜多姿，具有极强的表现力。 (4)色彩朴素雅致。东方式插花选用花材考究而精练，不以量取胜，而以花材的姿态和质量取胜。使用花材以木本居多，作品中用花种类少，数量少，色彩简单。 (5)东方式插花注重季节特点，在不同季节选取具有该季特色的花材着力表现该季节的主题。如兰桃迎春，荷榴庇夏，菊桂护秋，梅竹斗寒等。使人真切地感受到自然界四季变化的景象(图1)。 东方式插花的艺术形式 东方式插花的艺术形式大致可分为盛华与瓶花两类。所谓“盛华”是指在阔口浅身的花器内，使用“剑山”或花泥插出的插花作品。而瓶花，是指在口小而身高的花器内，进行插制的插花作品。东方式插花采用不对称式自然构图。基本构图形式有直立式、倾斜式、平展式、下垂式等四类，但没有不变的固定格式，在基本构图形式的基础上，根据作品的主题和植物的自然形态，通过高低错落、动势呼应、俯仰顾盼、刚柔曲折各得自然之妙，形成千变万化的不对称式自然结构。其作品清新自然，秀丽多姿。 3西方式插花艺术 西方式插花起源于古埃及，早在4600年前古埃及人就将睡莲花插在瓶、碗里作为装饰品、礼品或丧葬品。在14～16世纪文艺复兴运动以后，插花艺术得到了迅速发展，插花技术有了很大的提高，初步形成了造型简单规整，花朵均匀丰满，色彩艳丽，形态直立的西方大堆头式插花风格。 18～20世纪，插花作品已广泛应用在室内装饰和社交活动中。同时它还吸收了东方插花艺术的一些特点，不仅所用花材种类丰富，而且量大，各种几何图形的构图既匀称、丰满而且对称和规则，充分表现出自然的形态美和色彩美;又注重用枝、叶表现线条美。既表现直立的线条，也追求斜出、下垂和弯曲等各种流畅的线条。这种丰满而活泼的构图更进一步地完善和形成了西方插花艺术风格。 由于受当前世界现代艺术潮流影响，为适应表达现代意识和情感，西方插花艺术也呈现出百花齐放的局面。 西方式插花的艺术特点 (1)注重几何图案的丰满造型。在构图上较多采用对称式几何造型，不论采用哪种形式，插出的作品，互相对称，图案美丽。 (2)注重装饰美、色彩美、图案美。不考究花材个体的线条美和姿态美，只强调整体的艺术效果。运用花色较多的花枝配置在一起，形成各种颜色的块面，也可多种颜色巧妙地混插在一起，形成华美的图案和色彩。 (3)采用的花材种类多、数量大，以盛取胜。西方式插花作品多使用草本花材，讲究造型对称、比例均衡、色彩艳丽。给人雍容华贵、富丽堂皇、端庄大方的感受。 (4)通过外形表现作品主题。西方式插花作品大多直接用外表形式来阐明作品的主题，如用红色心形作品表现爱情，用十字架形作品表示哀悼等，充分表现了西方插花豁达率直的风格(图2)。 西方式插花的艺术形式 西方式插花以几何形体构成为其主要形式，根据外形轮廓不同，常见的有：圆球形、球面形、椭圆形、金字塔形、直角三角形、新月形等，这几种形式是西方传统的普通插法。 东方式和西方式插花艺术的形式，之所以有着迥然不同的风格和特色，是由各民族所具有的独特性质决定的。东方人含蓄内敛，喜爱温和雅致的意境，少见外露手法。而西方人热情奔放，喜欢能够直接表露的东西。 4结语 进入信息时代，东西方插花艺术交流日益频繁，通过相互学习，互相融合，使插花艺术日臻完美。西方插花吸取东方插花线条造型的优点，使作品显得更活跃，更流畅，更诱人了，还吸取了东方插花不对称式自然构图的长处，突破了规整的几何图形的限制，在注重外形美的同时，注重作品的内涵，使插花真正成为一门艺术。随着西方插花的引入，特别是礼仪插花的广泛应用，东方式插花也已随着时代的发展有了相应的创新和改变，形成了具有时代特色的新型插花艺术体系。但还应该采取有效的 措施 对传统的插花艺术进行传承，使其不断发扬光大。这是东方插花艺术的本源，是进一步弘扬东方插花艺术的基础。还应该在充分体现传统插花艺术风格和特点的基础上，融入西方插花其他插花的优点和精髓，使之顺应时代的变化，不断创新，才能不断改善缺点，弥补不足，更好地美化人们的生活，陶冶人们的情操。 参考文献： [1]卜复明.花卉应用[M].北京：中国劳动社会保障出版社，2004. [2]王迎迎.插花艺术[M].北京：中国林业出版社，2003. [3]马晓梅.浅析东方式插花艺术[J].南方农业，2008(2). [4]王静.东西方插花艺术风格比较[J].文学 教育 ，2009(6). 猜你喜欢： 1. 艺术插花的技巧和注意 2. 中国传统插花花艺与茶道的关系 3. 人造花和艺术插花的固定技巧有哪些 4. 插花艺术的东方特色怎么体现 5. 插花艺术比赛主持词范文
有国外的电子书 插画 速度联系 毕业答辩过后就删了
水墨人物是中国传统绘画中的重要形式之一，它通过墨色的表现和线条的描绘来表现人物的神态、气质和特征。水墨人物的笔墨语言运用有以下几点：用墨表情：水墨人物主要通过用墨表情来表现人物的情感和气质，墨色淡重、轻重缓急、干湿起伏等都可以表现不同的情感和气息。线条描绘：水墨人物的线条描绘也是其重要的表现手段之一，线条的粗细、长短、方圆等可以表现人物的外貌特征和姿态。构图和构造：水墨人物的构图和构造也非常重要，这包括了人物的形态、位置、大小、角度等方面，可以表现人物的关系和位置。在国外的艺术领域，水墨人物也受到了广泛的关注和欣赏。不少艺术家在创作中融入了水墨人物的元素，创作出独具特色的作品。此外，国外的博物馆、画廊等文化机构也积极举办了许多水墨人物相关的展览和活动，推广了中国传统水墨文化。然而，由于文化和历史背景的差异，国外艺术领域对水墨人物的理解和欣赏还有待进一步深化。一些艺术家可能更倾向于将水墨人物视为一种“异国风情”的元素，而非深入了解其文化内涵和艺术魅力。因此，推广和传播水墨人物的文化价值仍需不断加强。
王飞涯
王飞涯，字持源，职业画家，1975年出生于江西新余，中国美术学院中国山水画专业，师承方严，中国美院竹林会馆会员。
▎入展获奖：
花鸟作品《默香》入选2015年湖南省五市花鸟作品联展获优秀作品奖
山水作品《秋山农居图》获2015首届江西省优秀美术作品展优秀奖
山水作品《清泉人家》获2015山水家园首届全国山水画创作展优秀作品奖
2014年6月参加中国美院举办《万壑家园第三届山水画作品展》
2015年10月长沙举办《智绘画堂-王飞涯师生作品展》
2015年12月江西举办《持源-王飞涯中国画回乡展》并举办过多次个人画展
感悟中国传统笔墨精神
文丨王飞涯
说起中国画，看如今国画名家及国画大作遍地，风格多样，个性千般！也是有所感悟，想想早些年没真正学习中国画的时候，认为只要是用毛笔和墨在纸上画画就是中国画。
后来进入中国美术学院学习，才对中国画有了真正的理解和体会，更有甚受方严老师指导，对中国画的博大精深有了更深的领悟，中国画的高度，更体现在画家的内外兼修的高度，不光在笔墨技法上要达到一定的水准，内在的学识修为更为重要。
现在很多画家都想尽办法追求个性，总想用很特别的东西去博眼球，什么是个性和创新？就如方严老师所说：”个性本来每个人天生就有的，有什么可追求的？人要学的无非是共性，而不是个性，个性是不能抹杀的，个性和创新要在共性里面去表现去创造，就像我们说的走路必须直立行走，这是共性。
任何人都应该直立行走，但任何人都有自己的步伐，在这个共性里面让你去学别人的步伐你也是学不会的。“如今有多少画家继承了中国画的笔墨精神？又有多少画家在中国传统笔墨技法和理法有过更深的学习和探索？作为一个职业画家，中国画的传统文化及理法我们理应传承和尊崇！
二、论墨朗日高悬，天地万物色彩生而形象出。光束推移，投影折射，明暗顺逆，形象鳞错，朝暮有差，仪态频生。风雷涛声，威势时作，山川草木，生机纷呈，画者驾驭形象，捕捉关系，状物抒情，虽曰以用笔为主，而墨色不备，则笔线无以谈起。宋以前，凡画多以色彩敷衍而成。至元季，审美眼光由复色进入单色，由繁丽进入肃穆，由世俗进入高雅，由院体进入文人画。文人雅士，借喻事态，思虑人生，咏物寄言，抒发感怀，时势所致，墨色脱颖而出，运墨之法亦与时俱进，至清乃集大成。雾失楼台，月迷津渡，虚实相生，似有若无，灵动变化，不可捉摸，幽明融替，清寒透亮，用墨之法，尽在其中。墨色凭籍水分渗化，可以细如肌理，宣纸性能荣枯不一，若遇水分，亦渗化无常，碳素借水顺势而行，其沉淀厚薄以规模大小与距离远近计，于是浓淡相生，层次推移，明暗成象，光效应凭空得来。一笔之中，大有天地，笔尖、笔肚、笔根含水虽匀，而笔头蘸墨，稍事蠕动，由尖至根，墨色过渡，则层次推移，有无限可分之色阶。干湿浓淡，是为墨之四极，四极之中，相互铺排靠拢，由淡到浓，由干到湿，亦有无穷可分之亮度。由淡薄而浓郁，由简郎而厚密，由框架而层面而肌理，积墨也。由主题到全面，由强烈到一般，由浓郁到清淡，由刚健到柔和，由焦浓泼洒到皴擦点染，最后收拾全局，泼墨也先淡后浓，先干后湿，先色后墨，抑或反向而为之，其间必须删削适时，重叠有度，相互破坏而干扰之，于是疑脱鲜活，趣味横生，出风出韵，多有可观，是谓破墨也。墨可泼可破，色亦然也。两极互应之道先而存焉，相互巧合之妙，却在潜研若炼之后，方能得其要领。大手笔泼墨泼彩，往往穷神归化，自非一日之寒暑也。西画以光学原理析离色谱，以三原色为色彩之基础，以环境色、光源色、固有色为色彩存在之基础状态。若论以黑白，则予以否认。中国画以感受经验为本，以墨白赤黄青为本色，另有朱砂、石绿、胭脂、花青、赭石之类，本属复合色范围，然其复合殊不易，又因天假其便，就地可取，所以亦作为固有色而单列。中西相较，西画固科学矣，然色域狭窄，尽管细腻绝伦，而风采则略偏一隅。中国画以黑白为色彩两极，于是沉重与响亮皆造绝顶，对比强烈，极具张力，三原色皆灰调，柔和有余，力度不足，婉约低回，缺乏石破天惊之气概，而以黑白入画，则可势峻而响烈矣，两极高亢，色域大开，余者中而辅之，百层千绪，其色度可以无限分割，于是变化百端，趣味隽厚，而风采于此亦彰矣。中国画于三原色之外，偏重于用墨及留白，可谓以音谱入色谱，虽未必科学，却更有艺术性。科学、艺术，本非一词，是非标准不一，偏执枉言，可以休矣。科学以实用，艺术以审美，目的不同，取法各异，标准不一，且莫妄加断言。致使后学界限不清，取法失途，李瑞枉耽时日。运墨之法，当首推气象品格，气有清浊，可识可受，象有形质，可嫩可苍，墨之铺陈是其表，展示精神是其里，贤良之质、乖猾之质、敏颖之质、愚钝之质、豪壮之质、纤秀之质，皆可显露于墨之气象间，可谓毫发不爽矣。黄胄运墨，以泼辣取胜，石鲁用墨，以雄豪见长，李可染运墨，以浑厚为本，石涛运墨以沉郁酣畅称于世，凡此种种，均可体而谅之，有胜枚举矣。水墨淋漓，华彩湮润，明净清澈。黑中透亮。笔迹可辨，淡而有骨。润含春雨，燥烈秋风，烟云供养，天假神思，是为运墨之上品。干湿随意，浓淡应手，体物穷变，表现得趣，泼破烘染，收放有法，清新鲜活，通篇可观，是为运墨之中品。笔行墨随，浓淡生动，状物得体，不失规矩，渲染适中，谨分向背，拘泥程式，才思平淡，如有意境，不无可观，此为运墨之下品。浓无重点，淡不含物，诸侯对峙，全局失衡，一线到底，浓淡不分，一物崛起，焦如黑炭，周边割烈，于他无关，混浊满纸，不入品也。运墨贵分层次，墨色轻细，可随水分漂走游移，宣纸疏密，乃植物纤维组压而成，宜于水分渗化，水载墨色，由着墨点以次扩散，近浓远淡，自然成象。善运墨者，察以识微，顺势铺陈安排，仔细珍惜，视墨如金，视水如血，些微变化，皆保留完好，一画托起上墙，则满纸自然精妙，似非人力之所为者。运墨当求变化，变化始有层次可言，变而化之则气行而韵生焉。墨之变化，一曰顺笔应变。物有阴阳向背，趣有巧拙清浊，力有轻重疾笔，法有收放工写，如此应物象形，其笔过处，力度情趣，风采己生，如再以墨色之干湿浓淡随而辅之，则百物灵透，有如天光云影，虚实照应，不动亦活矣。墨之变化，二曰施水应纸，墨纸遇水，其性能了然于胸。熟驭泼墨破墨之能事，不同浓度之色墨干湿浓淡推移之中，相互渗化，巧为弥合，趣味平添，凡景象常入化境。（摘自《徐义生画集》）
作者：徐义生一、论笔中国画绘画语言的主体是笔墨，千余年的实践和目前绝大多数画家所遵循的模式不允许我们对它妄加臆断。所谓笔，实际上是指线这种表现形式在其运用过程中所展示出来的表现程式而言的。在中国画长期的发展过程中，各家各派不约而同地赋予线以性格特点。对线提出了很高的审美标准，并且反复强调线在表现程式中的地位和能动性。对于墨的解释就更加直观。墨，不仅是一种色彩符号，它的含意也包括这种单色在塑造形象的同时所展示出来的丰富而优雅的表现力，如轻重薄厚及干湿浓淡的相互照应，明暗度的对比推移以及配合工具材料时所出现的韵味。中国画塑造形象、撑持语言体系的主体是线。面对大千世界，它把西画所遵循的光色块面等造型因素弃之不顾，只选用了明快、犀利、多变的线来扑捉、记录、描绘对象的骨架、纹理、形象和风采。同时也有意无意地记录了画家当时当地的心理刺激和感受。一幅成功的作品，它的线，总是紧扣结构的要害部位，删繁守精，使描绘对象在缩小无数倍之后仍然活灵活现，入木三分。线的另一种表现力是讲究力度。力，就是要富有弹性，度，是对力的规范和调控。力度赋予线以性格和风采，成就了线的千变万化。强化了画面的综合效果，使所塑的形象和精警洗炼，或入格传神，或气概十足。即使蒙尘百年，画面上灰暗陈旧，而观之仍然栩栩如生，令人神清气爽，这就是线的力度所造成的视觉效果。中国画的线具有独立于描绘对象之外的审美价值和审美标准，尤其是写意，这种标准与价值就更显而易见。如线的曲折与率直，艰涩与舒展，凝重与活泼，迟钝与飘逸，苍辣与稚嫩，严谨与奔放，简约与繁密，质朴与修饰，犀利与浑厚，刚健与柔顺，雄壮与清秀等等。从视觉效应的情绪因素和审美观念的文化内涵看，这些堆彻起来的词汇下面，掩盖着三种情况：1.这些词汇大都在表述一种与审美有关的视觉效果和心理状态，这种效果与状态又是人生百味的一种浓缩与抽象。它在具备文化含蕴的同时还具备着社会化很强的人性品格。2.线本身的风格个性首先是相比较而互为依存的一种对立统一体。这是掩盖在风格个性之下的一种理性结构。尽管人们在发生常规审美行为的时候，理性思维往往处于一种潜意识状态，但是它却能以强有力的思维依据、强化视觉效应，即风格、个性、力度与气韵所表现出来的震撼力。3.这种理性结构和属于感性范围的风格个性相结合，线便具备了可以和普遍性识识经验容易沟通的可识性。这样，线在画面上施展铺陈的过程中，便直观的促成了艺术语言的社会化。强化了艺术与观众的心理溶渗度。
通常我们将具有原子厚度的二维碳材料，称为石墨烯,石墨烯(Graphene)，这是一种二维晶体，厚度只有一个原子的直径，但是它比钻石还硬，传输电流的速度比电脑芯片里的硅元素快100倍。
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它是一种二维晶体，其特性是其中电子的运动速度达到了光速的1/300，超过电子在一般导体中的运动速度。将石墨剥离，形成薄薄的石墨片。当把石墨片剥成单层之后，这种只有一个碳原子厚度的单层就是石墨烯。
1、题目：题目应简洁、明确、有概括性，字数不宜超过20个字（不同院校可能要求不同）。本专科毕业论文一般无需单独的题目页，硕博士毕业论文一般需要单独的题目页，展示院校、指导教师、答辩时间等信息。英文部分一般需要使用TimesNewRoman字体。2、版权声明：一般而言，硕士与博士研究生毕业论文内均需在正文前附版权声明，独立成页。个别本科毕业论文也有此项。3、摘要：要有高度的概括力，语言精练、明确，中文摘要约100—200字（不同院校可能要求不同）。4、关键词：从论文标题或正文中挑选3～5个（不同院校可能要求不同）最能表达主要内容的词作为关键词。关键词之间需要用分号或逗号分开。5、目录：写出目录，标明页码。正文各一级二级标题（根据实际情况，也可以标注更低级标题）、参考文献、附录、致谢等。6、正文：专科毕业论文正文字数一般应在3000字以上，本科文学学士毕业论文通常要求8000字以上，硕士论文可能要求在3万字以上（不同院校可能要求不同）。毕业论文正文：包括前言、本论、结论三个部分。前言（引言）是论文的开头部分，主要说明论文写作的目的、现实意义、对所研究问题的认识，并提出论文的中心论点等。前言要写得简明扼要，篇幅不要太长。本论是毕业论文的主体，包括研究内容与方法、实验材料、实验结果与分析（讨论）等。在本部分要运用各方面的研究方法和实验结果，分析问题，论证观点，尽量反映出自己的科研能力和学术水平。结论是毕业论文的收尾部分，是围绕本论所作的结束语。其基本的要点就是总结全文，加深题意。7、致谢：简述自己通过做毕业论文的体会，并应对指导教师和协助完成论文的有关人员表示谢意。8、参考文献：在毕业论文末尾要列出在论文中参考过的所有专著、论文及其他资料，所列参考文献可以按文中参考或引证的先后顺序排列，也可以按照音序排列（正文中则采用相应的哈佛式参考文献标注而不出现序号）。9、注释：在论文写作过程中，有些问题需要在正文之外加以阐述和说明。10、附录：对于一些不宜放在正文中，但有参考价值的内容，可编入附录中。有时也常将个人简介附于文后。