之前也是为为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。 还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家： 论音乐听觉在钢琴教学中的实践 高校钢琴集体课教学模式探索 吕其明《红旗颂》双钢琴版本的演奏分析 试析贝多芬《第六钢琴奏鸣曲》Op10No2第一乐章 贝多芬《c小调第三钢琴协奏曲》Op37作品分析 莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色 试论西方音乐史对钢琴演奏的影响 开创“中国风”钢琴语境 由钢琴考级引发的琴童教学思考 从智能钢琴集体课看钢琴教育的新探索 大数据网络时代的钢琴教学构想 高校钢琴教育提升学生音乐素养的路径 OBE理念下高师钢琴课程教学改革探析 学前教育钢琴即兴伴奏教学的实践探索 传统与当下：博雅教育理念与钢琴教育相融合的理论思考 钢琴伴奏在高职艺术院校声乐教学中的作用分析 《钢琴家》：那些见过战争的人，怎么会不憎恨战争 疫情期间“互联网+”在高校钢琴教学中的实践应用探讨 钢琴界“扫地”朱晓玫：只想躲在音乐背后 基于核心素养的高职钢琴教学策略探讨 基于人工智能的钢琴编曲音色识别系统设计 浅析中国古典舞基训与芭蕾舞基训钢琴伴奏的差异 巴赫康塔塔钢琴改编曲《羊儿可以安静地吃草》乐曲分析及演奏处理 浅析黄自艺术歌曲的钢琴伴奏 浅析钢琴曲《浏阳河》的音乐技巧与情感表现 浅析舒伯特艺术歌曲钢琴伴奏的魅力 浅探克拉拉·舒曼的钢琴生涯 王建中改编钢琴曲的艺术手法与特征 职业学校钢琴课程教学模式及课程体系拓展研究 钢琴演奏教学中听觉培养的价值探讨 钢琴演奏教学中如何培养学生的心理素质 试论钢琴基本功练习在钢琴学习中的重要作用 浅析慢练在钢琴练习中的作用 巴洛克歌剧咏叹调钢琴伴奏教学研究 贝多芬钢琴奏鸣曲演奏风格及创作特点探析 对中职学前教育专业钢琴课教学的思考 浅谈儿童钢琴快乐教育 中国钢琴作品《皮黄》的曲式特征与艺术特性 钢琴伴奏在艺术歌曲中的作用 钢琴即兴伴奏在小学音乐课堂教学中的应用策略探析 钢琴家的脚 学前教育专业核心素养下的钢琴教学策略 探析高职学前教育专业培养和提升学生儿歌钢琴伴奏能力的方法 浅析个性化教学法在高职钢琴弹唱教学中的应用 高校钢琴教学“归元”思考 浅析管弦乐钢琴伴奏艺术 现代音乐美学对钢琴演奏的启示 高校钢琴即兴伴奏教学的创新模式探析 音乐专业钢琴弹唱能力培养方法解析 胡同里的钢琴师 浅析钢琴制造工艺对触键和音色改变的重要性 高校钢琴教育中学生音乐素养的培养 音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的措施分析 中职学前教育钢琴即兴伴奏课程有效分层教学分析 关于钢琴教学中的审美教育与情感教育 中职学前钢琴教学中的课堂语言艺术探究 幸福的钢琴 对高校钢琴课程体系中学生综合能力培养的研究 过程性评价的内涵、价值及其在独立学院钢琴教学中的应用 中西方钢琴艺术的文化融合 中专音乐表演专业钢琴教学方法探究 简论丁善德钢琴音乐的成就、特色与演奏 藏羌彝民间舞蹈钢琴伴奏编创论略 钢琴艺术欣赏中的审美意识分析 元认知理念指导下的师范类院校钢琴启蒙教学研究 学前教育钢琴基础教学的实践研究 信息化环境下的高职学前教育专业开放式钢琴弹唱课堂教学策略研究 分层教学模式在高职钢琴教学中的应用研究 互联网时代下的钢琴教学形式研究 微课在高校音乐教育钢琴课程中的应用研究 在线钢琴教育的利与弊 雅俗共赏角度下钢琴曲《炎黄风情·走西口》音乐分析 钢琴组曲《圆明园漫步》创作风格及演奏特征研究 钢琴伴奏在合唱艺术中的作用 浅析肖邦《b小调第一钢琴谐谑曲》的演奏技法 高叠和弦在格里格钢琴抒情小品中的应用 贝多芬C小调奏鸣曲对西方钢琴艺术史的发展影响探究 琵琶曲与钢琴改编曲《十面埋伏》的比较研究 浅析路德维希·范·贝多芬第7钢琴奏鸣曲作品10之3中的踏板使用 内心听觉在高师钢琴基本技术训练中的应用探索 高职钢琴教学中体验式教学法的运用探讨 双钢琴教学对学生钢琴学习能力培养的作用 信息化环境下钢琴教学模式的创新 浅谈少儿钢琴学习兴趣的激发与培养 高校音乐师范生钢琴合奏能力的培养与实践 试论钢琴的调音及日常维护 浅论中国钢琴音乐作品的组织结构与演奏 钢琴演奏中的触键技巧与音色效果探索 钢琴曲《百鸟朝凤》中的民乐元素渗透 李斯特钢琴曲《夜莺》的演奏诠释 波特凯维茨与他的钢琴练习曲 “思政”视域下美育与高校钢琴教学的融合研究 简析钢琴演奏者的心理因素对表演的影响 钢琴演奏中的音乐听觉作用探讨 《安娜的笔记本》在民办高校钢琴基础教学中的运用 高校钢琴教学中比较教学法的应用 立德树人视域下的钢琴教育创新研究 高职院校钢琴审美教学的设置与教学方式探索 幼儿园钢琴教学中形象化的教学语言研究 钢琴小品《喷泉》曲式结构与演奏分析 浅谈合唱中钢琴部分的运用 钢琴演奏与教学中的触键技巧问题研究 钢琴演奏中触键与踏板对音色的影响
学前教育专业毕业论文参考文献
紧张又充实的大学生活将要谢下帷幕，毕业生都要通过最后的毕业论文，毕业论文是一种有计划的检验大学学习成果的形式，那么写毕业论文需要注意哪些问题呢？下面是我精心整理的学前教育专业毕业论文参考文献，仅供参考，希望能够帮助到大家。
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张丽文 江苏电子信息职业学院 随着人们生活质量的不断提升，家长们对幼儿教师的需求日益增多。幼儿发展与 健康 管理这个新 兴专业也逐渐受到大家的青睐。钢琴作为该专业的核心课程之一，显得尤为重要。由于教学目标、教 学手段和教学资源等方面的差别，教学中容易存在教学脱离实际、学生学用分离等问题。文章将结合 笔者自身教学经验，对该问题进行阐述分析。 教学现状 教学目标脱离实际 幼儿发展与 健康 管理专业的人才培养目标主要是 为幼儿园、早教中心培养教师。钢琴作为该专 业的核心课程之一，是需要学生熟练掌握的重要技能。部 分教师会沿用音乐院校的教学模式，以学生弹奏车尔尼299 还是740，或是考八级、九级为教学目标。但是在实际教学 中，由于学生基础薄弱、课程种类繁多、课程时间有限等 因素，很难达到以上教学目标。同时，采用音乐院校专业 的教学模式，往往重表演、轻伴奏，很少将简谱与儿歌弹 唱的内容相结合，不能高效地培养学生专业实践能力。学 生不具备即兴伴奏以及边弹边唱的能力，只能对照乐谱进 行弹奏，无法面向幼儿开展歌唱类课程的教学。 教材使用不合理 在幼儿发展与 健康 管理专业现有的教材中，能体现出 技术性与专业性，但并没有科学地考虑学生对这些曲目 所能掌握的程度，以及这些曲目是否符合幼儿园的教学现 状。也有的教材较符合该专业学生的基础，但是以练习曲 为主，鲜少出现儿歌。这些练习曲虽可以提高学生的弹奏 技巧，但往往比较缺乏趣味性和实用性，不利于学生兴趣 的培养，也不利于幼儿园的实践教学。 教学形式单一 经调查研究发现，国内大部分高职院校幼儿发展与健 康管理专业的钢琴教学形式都较为单一，缺乏多样化，不 符合新时代背景下该专业钢琴课程的教学目标与要求。教 师在教学过程中，没有充分考虑到学生的钢琴基础和学习 能力，缺乏具有针对性的教学方式，只是一味地沿袭传统 的教学方法。很多教师从未采取过个别教学、小组教学、 集体教学和慕课教学等教学形式。在实际教学过程中，师 生间缺少交流与沟通，学习氛围不够浓厚，未能充分地调 动学生钢琴演奏的积极性。 考核机制不完善 幼儿发展与 健康 管理专业的钢琴课程大多采用专业院 校音乐专业的考核方式，即教师提前指定曲目，学生进行 弹奏。这样的考核方式可以在一定程度上检验学生对钢琴 弹奏的掌握情况，但同时也具有一定的局限性。该专业的 学生钢琴基础薄弱，学生易将注意力过多地放在考试曲目 上，部分学生忽略了平时的练习。同时，针对指定乐曲进 行弹奏，不利于提升学生的即兴弹奏水平，与幼儿园教学 实践相脱离。 改革策略 明确教学内容与目标 对于入校前大多学生为零基础的幼儿发展与 健康 管理 专业而言，其教学目标并不应该是培养音乐家或是专业的 音乐工作者，而是使学生能够具备即兴弹唱儿歌的能力， 并顺利开展教学活动，为幼儿音乐的早期启蒙奠定基础。 钢琴教学的内容应与专业特点相统一，更多地考虑实用 性，而不应将教学的重点完全放在钢琴的演奏能力上。 在教学过程中，我们通常会通过非连奏、连奏、跳奏 等基础训练，使学生具备演奏的基本技能。但是，幼儿发 展与 健康 管理专业的学生最终的培养目标是具备为儿歌进 行即兴伴奏的能力。要求他们在短时间内完成和声编配， 并选择合适的伴奏音型进行弹唱，如果不经过系统的训 练，对于这些零基础的学生来说则较为困难。因此，在教学内容上，不应仅仅局限于学生能够对照乐谱进行弹奏， 还应在乐曲讲解的过程中，融入调式调性分析、和弦讲 解、和声分析等内容，促使他们在打下扎实的演奏基础的 前提下，为即兴伴奏的学习打下理论基础。 在钢琴教学中，我们还可以将练习曲、儿歌和即兴伴 奏有机地结合起来。如在《车尔尼钢琴练习曲》中，左手 的伴奏音型较为丰富，学生可以加以借鉴，将其运用到幼 儿歌曲的伴奏中。例如599第14条，运用的是分解和弦的 伴奏音型，我们可以引导学生用该伴奏音型为《小红帽》 《上学歌》等儿歌进行伴奏。随着练习曲程度的提升、伴 奏音型的多样化，逐步丰富儿歌的伴奏形式，使学生具备 为儿歌进行即兴伴奏的能力。 合理选择教材 要想培养具备即兴弹唱能力的幼儿园教师，从教材的 选择来看，应合理分配好练习曲目和儿歌的比例。在练 习曲中，《车尔尼练习曲》《拜厄钢琴基本教程》等教材 是最为广泛使用的。通过以上练习，学生可以有效地提升 双手的灵活性及协调性，为钢琴弹奏打好扎实的基础。但 这些教材的选曲与幼儿发展与 健康 管理专业的学生今后 的工作内容并无太大关联，学生学起来也较为枯燥。因 此，教师可以以学前教育专业《钢琴》教材为主，通过讲 解非连音奏法、连音奏法、断音奏法等多种弹奏方法，以 及音阶、琶音等练习，使学生掌握钢琴的演奏技巧；同时 搭配《车尔尼》《拜厄》《哈农》等练习曲，有针对性地 选择相应的曲目进行练习，使学生的基本功得到一定的提 升。在使用上述教材的同时，还应结合具有大量儿歌的 教材，如《儿歌弹唱教程》等，在每个课时进行弹奏练 习，以增强学生学习的趣味性，以便学生今后在幼儿园 的实践教学。 在学生具备一定的弹奏能力的基础上，可选用即兴伴 奏的教材，如《即兴伴奏教程》，以柱式和弦、半分解和 弦、分解和弦伴奏音型的儿歌为主线，结合和弦编配的方 法，同时通过幼儿常用的D大调、F大调、G大调的移调练 习，使学生在具备了一定演奏能力，将钢琴演奏技能上升 到即兴伴奏技能，来更好地适应幼儿音乐教育的需要。 创新教学模式 1.集体课、小课相结合 传统的钢琴教学主要以一对一的授课形式为主，这种 方式不仅可以根据学生的个人情况改善教学内容与方法， 还能够有针对性地解决学生学习过程中遇到的问题。随着 高校学生人数的不断增加，师生比例差异日益显著，传统 的小课教学模式易造成教育资源的紧缺。因此，该专业的 钢琴教学往往以集体授课的形式为主。钢琴教室内包含一 台教学钢琴以及数十台学生使用的数码钢琴，课堂中学生 可以分别插上耳机弹奏，相互独立，互不干扰。这样的教 学模式大大提高了教学的效率，有利于课堂的互动性。但 是，集体授课也存在着一定的局限性。教学效果不如传统 的小课教学模式。对于悟性较好，掌握较快的同学，会觉 得课程节奏缓慢，无法得到进一步的提升；而对于悟性一 般，接受程度较慢的同学，则会觉得跟不上课程节奏，从 而降低学生学习的积极性，不利于达成教学目标。 针对这样的现状，我们可以采用集体课与小课相结合 的形式。在学生具备一定的演奏能力之后，根据学生的 学习情况来设置教学内容，对学生进行分层分类教学。以 小班的形式进行授课，不仅可以帮助掌握较快的同学得到 进一步的提升，而且对于掌握能力相对薄弱的同学，也可 以更加扎实基础。这样的授课形式有利于兼顾到所有的学 生，从而提升学生的学习效率，使教学达到最佳效果，提 高学生的钢琴演奏水平。 2.线上与线下教学相结合 钢琴是一门实践性较强的课程，要想熟练掌握，离不 开课后大量的练习。由于幼儿发展与 健康 管理专业的学 生大多为零基础，知识接受起来需要一定的时间。因此， 学生在弹奏时，常常会出现“课上一听就懂，课后一练就 懵”的情况。同时，教师也需要花费大量的时间去检查学 生的弹奏情况，督促学生保证练琴的时间，并及时了解学 生的掌握情况。该专业的学生人数较多，课堂时间有限， 随堂回课只能涉及到小部分的学生，无暇顾及大多数学生 的弹奏情况，不利于学生演奏水平的提升，同时也不利于 调动学生学习的积极性。 互联网信息技术的推进，使课程有了推广平台，线上 教学的模式得以广泛应用。利用好这些平台，为这门课 程的改革提供了新的思路。我们可以采用线上与线下教学 相结合的形式。在线下，教师需要针对学生弹奏过程中出 现的技术问题，进行逐一解决。在线上，可借助大学生慕 课、超星学习通等网络教学平台，实现课前—课中—课后 的任务连接。 课前，教师要提前布置新课任务，学生预习并借助平 台相互讨论，提高学习的参与度与积极性。课中，教师 根据学生课前讨论的情况和提出的问题进行阐述和讲解， 针对课程内容对学生进行逐一讲解与指导。课后，教师将 该课的知识点进行提炼总结，并将内容以多种形式上传至 该平台，学生可以及时、有效地复习课堂上没有吸收的知 识点。同时，教师利用超星学习通等网络平台布置课后作业，学生通过自己的学习和练习，将弹奏的乐曲录制成视 频上传，教师可以不占用课堂时间，及时掌握每一位学生 的实际弹奏情况，并在课堂上将常见问题集中、分类进行 逐一讲解，以提高课堂效率，提升学生练琴的积极性，从 而全面提升学生的弹奏水平。 3.充分利用各类APP 在互联网时代，各类手机APP蓬勃发展，方便了大家的 生活。如果将钢琴教学与相关APP较好地结合起来，不仅能 够使学生学习的效果事半功倍，同时也可以大大提升学生 学习的积极性和参与度。 幼儿发展与 健康 管理专业的学生在练习钢琴的过程 中，容易出现的问题有乐理基础薄弱、五线谱、键盘辨认 困难、节奏不稳定、错音多等等。 针对辨认五线谱、键盘薄弱的问题，可以借助“音壳 音乐学院”APP。该软件中包含了大量互动性强的乐理练习 题，例如五线谱辨认、音符音高时值辨认等，可以在学习 初期，让学生每天固定、大量地刷题。通过这样的方法， 学生可以在短时间内迅速熟悉五线谱及音符，为接下来的 顺利地进行钢琴弹奏做好准备。 针对学生节奏不稳的问题，我们往往会使用节拍器。 但是在集体课教学中，使用节拍器并不方便。因此，学生 可以借助“节拍器”APP，随时随地进行节奏训练，大大增 加了教具便携性。 在教学的过程中，我们发现学生们往往会出现很多错 音却不自知，难以完整准确地弹奏钢琴。这时，我们可以 利用“simply piano”“小叶子智能陪练”等APP，在学生 弹奏的过程中，通过此类软件的AI智能技术，及时发现学 生弹奏的错音、错误节奏等，并给出提示，学生可以及时 发现并减少错音，根据提示进行有针对性的练习，大大提 升弹奏效率。 4.学生之间组成“互助帮帮团” 学生的学习具有个体差异性。经过一段时间的学习， 学生之间的差距会日渐拉大。此时，学习能力相对较弱的 学生容易觉得学习较为吃力。这时，我们可以根据学生钢 琴弹奏的情况对学生进行分组，每个掌握情况较好的学生 依据自己的能力带领几名学习能力较弱的学生，形成“互 助帮帮团”。一方面，可以帮助基础较弱的学生更好地学 习，以达到“教学相长”的目的；而另一方面，可以互相 督促练琴，共同进步。 完善考核机制 1.提高平时考核占比 钢琴的学习三分靠教师教，七分靠学生自己练。因 此，课后学生的自主练习显得尤为重要。少数学生平时不 努力练琴，指望考前临时抱佛脚，想通过几天的突击练习 通过考试，非常不利于扎实钢琴演奏基础。针对这一现 象，为了进一步保证学生平时的练琴时间，我们可以提高 平时考核占比，将期末考试结合过程性考核，使学生持续 处于认真练琴的紧张氛围中，帮助他们更好地保持练琴的 热情和积极性。 2.增加考核形式 该专业钢琴考试，大多为乐曲弹奏形式考核，学生在 考试前已得知考试的曲目范围，大多可以在短期内通过勤 加练习掌握乐曲的弹奏技巧。但区别于音乐院校的学生， 幼儿发展与 健康 管理专业的学生需要具备较好的即兴伴奏 能力，因此，在考核形式上，我们应该针对不同的学期， 适当加入视奏以及儿歌即兴弹唱的考核内容，以及时检验 学生视奏能力以及即兴伴奏能力的掌握情况，帮助学生持 之以恒地进行即兴弹奏的练习，以更好地达到幼儿园教师 的从业要求。 3.积极组织汇报演出 除了考核内容和形式的改革以外，我们还可以在每学 期组织学生进行钢琴专业的汇报演出与技能比赛，通过演 出与比赛，学生和教师可以更好地了解大家的掌握情况， 实现以赛促学、以赛促教的效果。同时，许多学生独自练 琴时可以弹奏自如，但是在教师或同学们面前弹奏就非常 紧张，磕磕绊绊，多参加各类比赛与演出，可以提高学生 的表演能力及心理素质。 综上所述，幼儿发展与 健康 管理专业教师在进行钢琴 教学时，可以参考以上几点建议。教师们要认清当下教学 现状，改善课堂中存在的问题，结合学科特点，革新教学 手法，制定出合理有效的方案，继而促进师生共同进步。 参考文献 [1]吴思孝,胡剑波.实践导向的学前教育专业课程改革实践—— 以温州城市大学为例[J].浙江工贸职业技术学院学报,2017,17(03):81- 85+91. [2]金铃玲.学前教育专业艺术技能教学模式改革探析[J]. 鸡西大学学报,2012,12(08):16-17. [3]吴姗姗,季珍慧,洪新丹.幼教专业钢琴教学改革的 探索 与思考[J].课程教育研究,2015(14):209. [4]宿宏双.幼儿师范院校钢琴教学研究[J].赤子(上中 旬),2015(23):334. [5]王思佳.基于多元化背景下高校钢琴教学模式的改革 思路[J].黄河之声,2019(15):79.
钢琴教学教育艺术论文
一、学生扎实的基本功和娴熟的演奏技巧的培养
扎实的基本功和娴熟的演奏技巧是提高音乐表现力的前提。要想使我们的钢琴演奏真正具有美感，首先就要有扎实的基本功训练，掌握正确的演奏技巧。
（一）正确的读谱
培养正确的读谱是钢琴教学和学习十分重要的课题。正确读谱是演奏一首作品的基础。演奏者通过认真细致地研究乐谱，对音乐作品的忠实理解进行二度创造和创作，在作曲家与广大听众之间架起一座沟通心灵的桥梁，使静止的乐谱转化为变化万千、令人难忘、丰富多采的音乐语言。读谱包含两层涵义：第一，必须严格遵循作曲家在乐谱上的一切标记，以及标记所约束和决定的意思。这里包括谱号、调号、拍号、节拍的律动、音高、指法、奏法、速度、力度、表情记号等等。因为作曲家在乐谱上标写每一个标记以及每一个音乐术语时都饱含深意。第二，要准确、科学的透过这些标记，进一步弄清乐谱的曲式结构、和声、乐句、乐段；旋律与伴奏的关系；特别要注重复调因素、注意乐谱上音符的符干朝向，弄清声部的层次，做好保持音和不同层次、不同音色的对比，决不能忽视休止符。另外，还要从谱面上的各种符号中领会音乐的内容和本质，推测作曲家的意图，以及作曲家字里行间更深刻的涵义，揭示音乐的内容和精神。譬如：对作品的创作时代、风格、旋律、节奏、和声布局、句子段落、声部、结构，音乐的性格特点，写作手法和织体特点，有什么对比，主题如何发展，有哪些高潮，最主要的高潮在哪里，以及音响的想像，使之在乐思的奔流中，展现它们应有的生命力。在教学中，要严格要求学生对乐谱进行深入细致的研究，不断地挖掘探索其中的内涵，悉心领会作曲家的创作精神，加入时代感，以至完全正确地把乐谱中的精髓全部诠释出来为止。
（二）正确掌握节奏和速度
节奏是音乐中最重要的构成因素之一。节奏展示了音乐的生命和存在，它是音乐的脉搏，是音乐的骨架，也是音乐的灵魂，任何音乐都离不开节奏。没有节奏的音乐就像人失去了脉搏，音乐可以不用乐音，但永远离不开节奏。一首作品往往是通过一种特定的节奏韵律来表现出它的性质和风格。弹奏者只有把握乐曲节奏的均代、不同作曲家、不同体裁的作品匀、弹性、动力、惯性、重音、各种特性节奏，才能和谐有致的抒情达意。加强节奏教学，培养和提高学生的'节奏能力是提高学生音乐表现力的重要途径。在教学中，教师除了要在概念上对之强调和固化，要特别强调它除了是稳定音乐的要素，更是把握音乐的运动趋势的能力，是决定提示音乐主题、增强音乐表现的根本保证。一首乐曲的特殊节奏抽象地概括这首乐曲，能使听众在丰富的联想中还原作品。如李斯特改编的《魔王》开篇便以其独特的节奏揭示了音乐的内涵。在全曲的气氛渲染中，出现的在同音上的三连音（表现疾奔的马蹄声）起着很大的作用，这时隐时现、时弱时强的三连音除了具有描绘的写实作用外，也是造成局促不安的心理的重要因素，低声部的间息乐句则暗示不时掠过的林间阴风。在教学中，教师应该选取诸如此类的具有很强代表性的作品，作为节奏的训练，注重学生的体验，并注意尽可能地体现作品的强弱、断句和起伏，使学生获得良好的直觉。所有的音乐作品，除了特有的节奏韵律外，还要凭借不同的速度来表现其不同的性质和风格。乐曲的性质指乐曲内容、情绪、形象意境等所决定的乐曲的局部特性和总体风格，而音乐风格则是遏制音乐分享有些样式或有某些元素共同兴趣的类别。而用什么样的速度去弹奏乐曲呢？要根据乐曲的性质来确定。一般来说，欢快的情绪不可能采用缓慢的速度去表现，而悲伤的乐曲也不宜快速弹奏。进行曲、圆舞曲等体裁也都有它们各自特有的速度。在教学中重要的是，教师要指导学生从中体会演奏家对作品风格的表现、对音乐的处理，以进一步掌握其音乐性质和风格。另外，练琴方法上，教给学生难点部分要单独抽出来反复练习，直到弹得和较容易的部分一样好才行。整首乐曲的速度要以难点部分所能达到的速度来确定。弹奏快速的乐曲要以慢速、中速练习为基础。
处理好力度力度就是音量，即声音强弱、轻重、大小的程度。音乐是表现人的心情的，而人的心情变化和活动不像机器那样呆板，必然有强、有弱、有急、有缓。因此力度处理对于音乐表现有着重大的意义。在古曲音乐中，一般从pp（很弱）到f（f很强）间就有p（弱）、mp（中弱）、mf（中强）、f（强）的六个不同层次。而浪漫乐派及后期作品从pppp（比弱还要弱）到ffff（比强还要强），幅度更宽，还有sf（个强）、sfz（突强）或crese（渐强）、dim（渐弱）等，这些具体的力度记号，同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。对于没有力度标记的作品，我们可依据音的自然倾向和音乐发展的自然趋势。如在弹奏音阶时，根据音一级一级向上推动的原则，我们可以把音乐处理成渐强，反之，则可以弹成渐弱。另外，音乐本身的特性也会告诉我们应该如何运用力度。如进行曲是坚定有力的，舞曲是活泼欢快的。强弱在音乐中不是一种外部现象，也没有无缘无故的强弱及变化，它同音乐表现的内容、形象及情感连在一起，在教学中还要指导从音乐表现的内容、形象去把握音乐的力度，从而提高学生音乐表现力。例如《雪绒花》主题音调在全曲中出现三次，赞颂祖国祝愿祖国之情贯穿全曲。A段节奏舒缓，旋律起伏较小。B段节奏变化出现休止，与前段相比，情绪更加激动，力度加强，要表现出主人公热爱祖国的感情。
（四）掌握良好的触键方法
旋律在音乐语言中是最具感染力的，好的旋律是音乐表现的一个方面。要想弹奏出好的旋律就需要掌握适当的触键方法。首先是指法的训练。音阶、琶音、和弦等都有它规律性的指法，如白键音阶，右手上行除F大调外都是1231234指，左手上行除B大调外都是543213—21。但没有绝对固定不变的指法。在一定的原则下，根据乐曲的要求、作曲家的风格，再结合每个弹奏者自身的生理特点、手的条件来灵活地选用指法。手有大、小，宽窄之分，指的距离有松紧之分，手指有长、短、粗、细、强、柔之分，不强能求一律。根据乐曲要求，对照各种不同版本，分析、考虑、确定指法，并赋予它一定的艺术处理，是钢琴教学中提高学生音乐表现力的重要环节。正确的触键犹如画家的神笔，笔下生花，反之则是拙劣的涂鸦。此外，还需要正确运用踏板。踏板的学习和运用是音乐表现的重要内容。俄罗斯钢琴家安东鲁宾斯坦曾说“钢琴的踏板是钢琴的灵魂”，他甚至夸张地提到能运用好踏板，就是演奏成功的四分之三。钢琴的踏板使用首先要以和声、色彩效果的需要、以作品的不同风格为依据。例如三个踏板，即强音踏板、柔音踏板和保留音踏板，作用各不相同，如强音踏板能产生很多泛音，使声音更优美、更和谐，根据需要按踩踏板的深浅，可分为全踏板、半踏板、四分之一踏板、三分之一踏板等。教师必须要求学生了解三个踏板的不同作用，分析乐曲和声的进行与层次，按照不同色彩、不同风格来运用踏板，使其成为音乐表现的重要手段。
二、学生把握音乐作品内涵能力的培养
分析和理解钢琴作品，启发学生把握好作品的风格和情感，是学生能够充分表现钢琴作品的重要前提之一。只有让演奏者与表现作品之间产生共鸣，情意交融，演奏者才能进入忘我的境界，完全沉浸在作品的意境之中，演奏出来的音乐才会有感染力，演奏技巧也往往能够得到充分的发挥。如果对作品的内涵没有把握好，把活泼的作品弹成了抒情的，或者是把舞曲弹成了进行曲，那就会变得一塌糊涂，更不要说去表现音乐了。作品内涵的把握离不开作品创作意图的认识。任何艺术背后都隐藏着创作者的心声。而创作者必定则生活在当时社会大环境中的人，因而对时代背景的了解也有助于更好认识作品创作意图。首先，教师帮助并要求学生理解作者及其创作意图。一首音乐作品往往是作曲家内心体验的再现，只有理解和掌握了作品所内含的感情，并用熟练的技巧来表现，这样弹奏出来的音乐才有生命力和感染力。我们在教学中，了解作者的有关情况和他的创作意图，要善于从理解入手，启发、引导学生深入理解、细心体会作品的内容。采用恰如其分的方法，把一部作品经过彻底地消化，有血有肉并富有感染力地再创造出来并展现在我们面前，使我们透过谱面上的音符，深入体会到作品的潜在含义和音乐语言特点，掌握作者所要表达的形象和感觉。使我们不至于“就事论事”地、“完成任务式”地演奏，既“站得高看得远”又“设身处地”地“进入角色”，对作品从“泛泛的了解”变成“切身感受”，并通过自身的演奏“言之有物”地表达出来。正如一个“读不懂”贝多芬的人，就无法把握他那大智大仁大勇《命运》的灵魂，也就无法把它的艺术魅力淋漓尽致地演奏来。其次，要把握作者的时代背景。音乐是以感悟的形式出现的，但是在这个形式内部都凝聚着深厚的文化内涵，每一部音乐作品都产生于特定的时代和环境，它同创作者的世界观、人生观、美学观有着密不可分的关系。例如：中世纪的音乐创作是严格遵照已定的法则来写作，古典时期的音乐创作主要是为满足一些人或机构对音乐的需要而创作，浪漫时期作曲家们从不同的角度来考虑自身在社会中所起的作用，并探索个自作品的社会作用和美学，因而这时期的音乐创作过程是与作曲家强有力的内心冲动相联系的。等等……只有演奏者对当时的生活具有深刻的感受和见解以及良好的素养，才能真正领会创作者在作品中要表达的内容。多了解熟悉而同时代的美术、舞蹈、戏剧、电影、文学、诗歌等多种艺术为我们开启了理解时代的窗口，只有学生广泛涉猎这些姊妹艺术作品，并逐渐融会贯通，才能使学生对音乐作品的内涵有着更为深刻的理解。
三、培养学生对音乐敏锐的听觉和想象力
音乐是通过声音来塑造形象、表达情感的艺术形式。无论演奏者还是听众都需要通欣赏音乐，鉴别其艺术效果的优劣。大凡优秀的演奏者都是有敏锐的听觉和内心歌唱性的这种能力。因此在教学中，我们要培养出一双有着高度审美力和鉴赏力的敏锐“耳朵”是至关重要的。钢琴演奏都必须具备敏锐的音乐听觉能力，使之能胜任钢琴音乐的演奏要求。培养学生的敏锐听觉，一方面要让学生学会“聆听”自己的琴声。启发学生善于聆听自己演奏的“音质”，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合作品的要求，是否能恰如其分地表现音乐内容，使他们逐渐对悦耳动听的声音充满追求与想象。通过让学生对钢琴音色、音质的辨听与理解，以及对旋律感、节奏感和多声部和声听觉感的把握。从而达到培养学生在钢琴演奏中音乐表现力的目的。另一方面，还应该让学生多欣赏一些经典的音乐作品。不仅要听钢琴音乐，还要涉及到优秀的声乐、器乐作品，并对歌剧、交响乐等音乐形式有所了解。从广博的音乐世界里汲取营养、开阔视野、提高修养，才能增强对音乐的感受力。我们在教学中就有这样的体会，如果教学生一首他曾经听过的乐曲，那么他对音乐的领悟就会快得多，教学也变得较为顺利。因此，应该鼓励学生抓住一切机会欣赏音乐，尤其要多听名家的演奏。听后可谈谈自己的感受，大胆地进行评论，并与教师或其他人交流。这也是加强听力训练和提高音乐表现力的有效方法。另外，提高学生音乐表现力还要注重对其音乐想象力的培养。通过教师生动的语言，把学生带入到艺术情境中，放飞学生而对音乐想象力。教师的语言越生动，学生的艺术想象就越丰富。需要指出的是，除了课堂教学外，艺术实践也是高师钢琴教学不可缺少的部分。课堂教学是系统地学习技术、作品，而实践则是进一步把课堂上学到的东西加以巩固和深化，不管是以上培养学生扎实的基本功和娴熟的演奏技巧还是灵敏的听觉感受和音乐想象力，都需要在实践中巩固、提高。作为教师我们也可以带着学生到艺术中专院校举办钢琴普及讲座，让他们上台演奏，让他们能到艺术院校教孩子们弹琴，让他们在艺术实践和教学实践中不断提高音乐表现力。
之前也是为为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。 还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家： 论音乐听觉在钢琴教学中的实践 高校钢琴集体课教学模式探索 吕其明《红旗颂》双钢琴版本的演奏分析 试析贝多芬《第六钢琴奏鸣曲》Op10No2第一乐章 贝多芬《c小调第三钢琴协奏曲》Op37作品分析 莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色 试论西方音乐史对钢琴演奏的影响 开创“中国风”钢琴语境 由钢琴考级引发的琴童教学思考 从智能钢琴集体课看钢琴教育的新探索 大数据网络时代的钢琴教学构想 高校钢琴教育提升学生音乐素养的路径 OBE理念下高师钢琴课程教学改革探析 学前教育钢琴即兴伴奏教学的实践探索 传统与当下：博雅教育理念与钢琴教育相融合的理论思考 钢琴伴奏在高职艺术院校声乐教学中的作用分析 《钢琴家》：那些见过战争的人，怎么会不憎恨战争 疫情期间“互联网+”在高校钢琴教学中的实践应用探讨 钢琴界“扫地”朱晓玫：只想躲在音乐背后 基于核心素养的高职钢琴教学策略探讨 基于人工智能的钢琴编曲音色识别系统设计 浅析中国古典舞基训与芭蕾舞基训钢琴伴奏的差异 巴赫康塔塔钢琴改编曲《羊儿可以安静地吃草》乐曲分析及演奏处理 浅析黄自艺术歌曲的钢琴伴奏 浅析钢琴曲《浏阳河》的音乐技巧与情感表现 浅析舒伯特艺术歌曲钢琴伴奏的魅力 浅探克拉拉·舒曼的钢琴生涯 王建中改编钢琴曲的艺术手法与特征 职业学校钢琴课程教学模式及课程体系拓展研究 钢琴演奏教学中听觉培养的价值探讨 钢琴演奏教学中如何培养学生的心理素质 试论钢琴基本功练习在钢琴学习中的重要作用 浅析慢练在钢琴练习中的作用 巴洛克歌剧咏叹调钢琴伴奏教学研究 贝多芬钢琴奏鸣曲演奏风格及创作特点探析 对中职学前教育专业钢琴课教学的思考 浅谈儿童钢琴快乐教育 中国钢琴作品《皮黄》的曲式特征与艺术特性 钢琴伴奏在艺术歌曲中的作用 钢琴即兴伴奏在小学音乐课堂教学中的应用策略探析 钢琴家的脚 学前教育专业核心素养下的钢琴教学策略 探析高职学前教育专业培养和提升学生儿歌钢琴伴奏能力的方法 浅析个性化教学法在高职钢琴弹唱教学中的应用 高校钢琴教学“归元”思考 浅析管弦乐钢琴伴奏艺术 现代音乐美学对钢琴演奏的启示 高校钢琴即兴伴奏教学的创新模式探析 音乐专业钢琴弹唱能力培养方法解析 胡同里的钢琴师 浅析钢琴制造工艺对触键和音色改变的重要性 高校钢琴教育中学生音乐素养的培养 音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的措施分析 中职学前教育钢琴即兴伴奏课程有效分层教学分析 关于钢琴教学中的审美教育与情感教育 中职学前钢琴教学中的课堂语言艺术探究 幸福的钢琴 对高校钢琴课程体系中学生综合能力培养的研究 过程性评价的内涵、价值及其在独立学院钢琴教学中的应用 中西方钢琴艺术的文化融合 中专音乐表演专业钢琴教学方法探究 简论丁善德钢琴音乐的成就、特色与演奏 藏羌彝民间舞蹈钢琴伴奏编创论略 钢琴艺术欣赏中的审美意识分析 元认知理念指导下的师范类院校钢琴启蒙教学研究 学前教育钢琴基础教学的实践研究 信息化环境下的高职学前教育专业开放式钢琴弹唱课堂教学策略研究 分层教学模式在高职钢琴教学中的应用研究 互联网时代下的钢琴教学形式研究 微课在高校音乐教育钢琴课程中的应用研究 在线钢琴教育的利与弊 雅俗共赏角度下钢琴曲《炎黄风情·走西口》音乐分析 钢琴组曲《圆明园漫步》创作风格及演奏特征研究 钢琴伴奏在合唱艺术中的作用 浅析肖邦《b小调第一钢琴谐谑曲》的演奏技法 高叠和弦在格里格钢琴抒情小品中的应用 贝多芬C小调奏鸣曲对西方钢琴艺术史的发展影响探究 琵琶曲与钢琴改编曲《十面埋伏》的比较研究 浅析路德维希·范·贝多芬第7钢琴奏鸣曲作品10之3中的踏板使用 内心听觉在高师钢琴基本技术训练中的应用探索 高职钢琴教学中体验式教学法的运用探讨 双钢琴教学对学生钢琴学习能力培养的作用 信息化环境下钢琴教学模式的创新 浅谈少儿钢琴学习兴趣的激发与培养 高校音乐师范生钢琴合奏能力的培养与实践 试论钢琴的调音及日常维护 浅论中国钢琴音乐作品的组织结构与演奏 钢琴演奏中的触键技巧与音色效果探索 钢琴曲《百鸟朝凤》中的民乐元素渗透 李斯特钢琴曲《夜莺》的演奏诠释 波特凯维茨与他的钢琴练习曲 “思政”视域下美育与高校钢琴教学的融合研究 简析钢琴演奏者的心理因素对表演的影响 钢琴演奏中的音乐听觉作用探讨 《安娜的笔记本》在民办高校钢琴基础教学中的运用 高校钢琴教学中比较教学法的应用 立德树人视域下的钢琴教育创新研究 高职院校钢琴审美教学的设置与教学方式探索 幼儿园钢琴教学中形象化的教学语言研究 钢琴小品《喷泉》曲式结构与演奏分析 浅谈合唱中钢琴部分的运用 钢琴演奏与教学中的触键技巧问题研究 钢琴演奏中触键与踏板对音色的影响
戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文
当代，论文常用来指进行各个学术领域的研究和描述学术研究成果的文章，简称之为论文。它既是探讨问题进行学术研究的一种手段，又是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。下面是我帮大家整理的戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文，仅供参考，欢迎大家阅读。
摘要：
戈特沙尔克是美国第一位获得国际声誉的钢琴家，也是第一位采用了美国黑人、克里奥尔人民间音乐和拉丁美洲音乐节奏和旋律的作曲家，他一生创作了大量的钢琴作品。本文从戈特沙尔克的主要钢琴作品入手，探究他音乐创作的道路，探讨他的音乐特征和他独特的音乐风格，让更多的人了解戈特沙尔克，走进戈特沙尔克。
关键词：
戈特沙尔克;钢琴作品;民间音乐;舞蹈性
一、戈特沙尔克的生平
1829年5月8日路易斯莫劳戈特沙尔克(LouisMoreauGottschalk)出生于美国新奥尔良，他的父亲是英国人，母亲是克里奥尔人，他有六个兄弟姊妹，住在新奥尔良法国区里的一间小屋里，后来和亲戚搬到新奥尔良孔蒂街，他的外祖母和保姆都出生在圣多明格岛(后称海地)。因此，他在那里接触到了各种传统音乐，如克里奥尔的旋律和加勒比海的节奏，以及悠扬的民歌。他很小就开始演奏钢琴。音乐天赋很快就显露出来，1840年小戈特沙尔克在新圣查尔斯酒店首次非正式的公开露面，人们把他称作为神童。1842年，年仅13岁的戈特沙尔克离开美国前往欧洲进行学习，并意识到要想达到他的音乐目标就必须经过专业的训练。在他13岁就能做出这样职业化的规划通常情况都是和父母的雄心壮志分不开的。从他的信中能清楚地看出，他对自己有着极高的要求。他在写给他母亲的信中这样写道：“我很期待我自己在两年或更短的时间能够自食其力”。
然而在欧洲，戈特沙尔克有一个颇为坎坷的开始，巴黎音乐学院拒绝了他的申请，他只能私下跟随查尔斯哈莱(KarlHalle)、卡米尔斯塔梅第(Camile-MarieStamaty)和皮埃尔梅里顿(PierreMalenden)进行学习，之后又师从柏辽兹。1844年举行的钢琴首演确立了他职业生涯的开始，并得到了肖邦的高度赞扬，肖邦预测他很快将成为本世纪最重要的钢琴家之一。当他享誉欧洲后，于1853年回到美国，举行了一系列的音乐会，他可能试图逃避一个他认为被自私和虚荣支配的环境，重新适应美国文化这个问题似乎一直伴随着他。在今后的岁月里，他不得不为谋生而开始他走南闯北的日子。
1854年，戈特沙尔克在古巴停留了很长的时间，他的音乐兴趣正逐渐转向中美洲和南美洲。19世纪60年代，戈特沙尔克确立了他在美国音乐界的地位，很大部分原因都和他的勤奋息息相关，仅用了四个半月的时间就在纽约一个地方演出了85场音乐会。1865年5月旧金山报纸上这样提到他：“通过铁路走遍了95000英里，举行了1000场音乐会”。波士顿出版社的音乐杂志这样评论道：“说实在的，我们还没有听到过比这更辉煌的演奏……他的演奏极其潇洒、峻峭，表现得雅致而万无一失;触键干净利落，优美清脆;运指洗练、流畅;音型总是那么匀称、确切;快速的八度经过句，操运得其妙惊人。从此，我们也许就品尝到名家演奏技巧的特有醇味了”。戈特沙尔克在1865年9月遭遇了他人生中的一个急转弯，他与他的学生在奥克兰女修女院的丑闻被曝光后，他不得不离开美国前往南美洲，开始着手他的巡回演出。在那里他开始了他频繁的音乐会，他前往智利圣地亚哥、布宜若斯艾利斯、里约热内卢等地方举行音乐会，向南美洲的观众展示了他的技艺，赢得了热烈的赞赏。1869年戈特沙尔克不幸在里约热内卢得了黄热病，苦熬了三个星期后年仅40岁的艺术家在巴西迪如卡地区病逝，由于他的英年早逝使他鲜为人知。
二、戈特沙尔克的主要钢琴作品简析
《冥想曲“垂死的诗人”》(TheDyingPoet，)。作品创作于1863年，出版于1865年，是戈特沙尔克的代表作之一，也是他在音乐会中演奏次数最多的曲子。这是一首悲伤的作品，6/8拍，降E大调，行板。此曲采用三部曲式写成，8小节的引子后，如歌的主旋律从低声部奏出，随后忧伤的旋律移到高声部，高声部采用重复音的出现，把该曲推上了高潮，最后以极弱的力度来终结诗人的情绪。此作品是戈特沙尔克的转型性的作品，在此之前他的作品大都是以舞曲为主，此曲是他在他的父亲去世后创作的，悲伤的情绪在曲子中也有深刻体现。《波多黎各的回忆》(SouvenirdePortoRico，)。作品是一首拉美风格的作品，副标题为《吉巴罗斯进行曲》或《农民进行曲》(MarchedesGibaros)，Gibaros就是当地的农民。
第一次听到这首曲子时，竟有种在听李斯特一首未曾面世的作品的错觉：明快的感觉与铿锵节奏的交织，充分发挥着钢琴的演奏技巧。1853年到1854年间以及1857年到1862年间，戈特沙尔克抵达古巴，在这段时间里他游览了波多黎各、海地等国，这首作品就创作于1857年，取材于波多黎各的一首圣诞歌曲，2/4拍，降e小调，变奏曲式。在这首作品的创作中，作曲家将四种典型的加勒比海地区的节奏和类似波洛涅兹的节奏融入其中，写成了一首变奏曲变奏而成。此曲一开始从pp开始，经过四次变奏将全曲以ff推向高潮，最后又渐渐地消失在人群中，仿佛让我们感受到行进乐队从远处正朝着我们走来，从身边经过，又逐渐远去。《冥想曲“最后的愿望”》(TheLastHope，)。这是一首为迎合当时观众喜好的作品。1853年10月，戈特沙尔克的父亲去世，他深深地陷入了沉痛之中。为担负起家庭的重担，他不得不到处去演出来增加自己的收入。此曲也是戈特沙尔克广为流传的作品之一，于1854年出版，伤感中又带有甜美的感觉。
作品先以b小调开始，再转向B大调，是一首单二部曲式的作品，3/4拍。戈特沙尔克用简单具有浪漫主义悲歌性的旋律描述出悲伤的情绪，运用了很多快速音群、颤音等华彩手法来表达虔诚的情怀。《西班牙随想曲“阿拉贡风格霍塔”》(LaJotaAragonesa,CapriceEspagnol,)。这是戈特沙尔克的代表作之一，系作曲家为10架钢琴而作的《华丽的钢琴交响曲“在萨拉戈萨”》(ElsitiodeZaragoza)的片段。10架钢琴交响曲堪称钢琴史上的首创，曾先后演出过两次，一次在马德里，一次在哈瓦那。作品取材于西班牙的'霍达舞曲(Jota)，霍达舞曲(Jota)是流行于西班牙阿拉贡(Aragon)地区的一种民谣和民俗舞蹈，快速地三拍子节奏，一对或多对男女在一起以跳跃和旋转的方式跳起激烈的舞蹈，常采用吉他、铃鼓、响板、班杜里亚琴(Bandurria)等乐器来伴奏。戈特沙尔克的这首曲子就是建立在阿拉贡舞曲的基础上，降E大调，6/8拍，采用三种固定的伴奏音型，欢快、热情，具有典型的西班牙音乐的风格。《安达卢希亚的回忆》(Souvenird’Andalousie，)。这是戈特沙尔克1851年在马德里的一场音乐会上即兴创作表演的一首音乐会随想曲。作品为d小调，3/4拍。该曲是根据西班牙民间歌舞的旋律进行变奏而创作的，高音区的音色十分鲜明，速度较快，几乎都由二度和三度音程写成，三连音的节奏让我们感受到了西班牙音乐的自由奔放、开朗和热情。
三、戈特沙尔克钢琴作品的艺术特色
(一)作品的民间音乐特性
戈特沙尔克生于美国奥尔良市，他的父亲是英国商人，母亲是具有法国贵族血统的克里奥尔人，少年时代曾住在新奥尔良法国区里，他的外祖母和保姆都出生在圣多明格岛，他的祖父在圣罗斯地区做总督时拥有农场和黑奴。因此，在他童年时代就接触到了各种传统的民间音乐，少年时代他又到欧洲学习了11年，在接下来用11年的时间旅行、演出，横跨两大洲，深入到了民间，接触到了劳动人民的音乐，扑捉到加勒比海的节奏和种植园的旋律。这些音乐里包含了很多的舞蹈音乐，使得他的作品也极具舞蹈性。
(二)跨国界的音乐风格
戈特沙尔克所处的时期正是民族主义音乐刚刚盛行的时期，他的音乐作品风格既继承浪漫主义音乐的创作风格，同时也具有民族乐派的音乐风格。他从小在克里奥尔音乐的熏陶下成长，又受到欧洲音乐的影响，并在南美各国有一系列的巡演。他的创作也取材于美国当地印第安人及黑人音乐，从中捕捉到了民间舞蹈的节奏，特别是黑人舞蹈的独特节奏。并在自己的创作实践中不断地加以吸收、利用、扬弃、尝试和创新。这些经历使得他最终形成了他自己独特的创作风格，作品不仅具有美国本土的克里奥音乐的特点，同时还具有西班牙音乐和南美洲音乐的特点。
(三)作品的技术特色
1.模仿性手法的应用19世纪初钢琴的发音装置和击弦系统都得到了改良，踏板也得到了充分的使用，作曲家力图用更多的方法将钢琴的表想力发挥到最大化。戈特沙尔克就常采用一些创作手法去模仿民间弹拨乐器、打击乐以及动物的叫声。如《安达卢希亚的回忆》中就有对吉他的三连音轮指的模仿;《班卓琴》(TheBanjo，)是利用钢琴模仿流行于非洲的一种民间乐器班卓琴的作品;《拉加丽娜》(LaGallina，)从附点节奏的主题中能听到模仿母鸡的叫声出现，等等。
2.舞曲特性节奏在戈特沙尔克的钢琴音乐装作中，常采用舞曲特性节奏为主导，具有极强的舞蹈性。《西班牙随想曲“阿拉贡风格霍塔”》取材于西班牙的霍达舞曲，节奏欢快而活泼。《波多黎各的回忆》取自于波多黎各的一首圣诞歌曲，采用了南美洲的探戈节奏，节奏丰富而富有热情。《舞蹈》(Danza,)一开始就以法国波尔卡音乐出现，随后转入到一种西班牙舞蹈的哈巴涅拉的节奏上，再加入独特的切分节奏，更加显现出舞曲的特征。
3.炫技手法的运用戈特沙尔克的钢琴技巧有许多是借鉴李斯特的技巧，但他的作品中很少使用辉煌的技巧，他偏爱使用高音区的明亮音色并在高音区做出华丽的炫技，更多的是使用重复音、颤音、装饰音和经过句，以及使用大量的切分节奏，从而表现出轻快和活泼的舞蹈性。如在《巴西国歌变奏曲》()和《波多黎各的回忆》中，他都采用了和弦震音以及切分节奏的创作手法，这些炫技手法使作品更加绚丽，具有迷人的魅力。
结语
19世纪的美国音乐正如海绵般不断地吸收着欧洲音乐带来的精华，在20世纪之前美国的音乐都是用欧洲音乐的标准来建立的，是戈特沙尔克把美国音乐推向了世界。戈特沙尔克从小的生活环境和各地的巡演经历给他的创作提供了多民族的音乐创作要素，他到民间捕捉到了劳动人民的音乐，吸引着他创造出新奇而独具特色的音乐，使这些民间的舞蹈和歌曲能够以钢琴音乐的形式得到充分的展示，他对美国音乐寻找自身民族特色的探索做出了极大的贡献。
钢琴伴奏在声乐教学的作用论文
摘要： 作为最知名乐器之一，钢琴艺术发展迅速，同时也成为了声乐教学过程中十分重要的一项教学技能。教师在教学过程中科学合理地使用钢琴伴奏，可以使自己的指导艺术化、简洁化，以声乐语言代替文字语言，可以有效地拉动学生们的学习积极性，提升学生声乐素养。本文就钢琴伴奏在声乐教学中的运用进行浅谈，希望能给广大教师群体带来些许帮助。
关键词： 钢琴伴奏；声乐；教学运用
就学术界认知而言，钢琴伴奏的别名为艺术指导，这个现象表明：钢琴与艺术者并不仅仅是单纯地附属关系，而且在更高层次上是对演奏者所表演的艺术作品的整体把握和指导。一场声乐表演的有序进行，必然离不开钢琴对其合理地引导指挥；其情感的抒发，也离不开钢琴的渲染烘托。钢琴伴奏作为提高作品表现力的重点之一，在声乐教学中有着极为关键的作用。
一、当前阶段钢琴伴奏在声乐教学中的运用状况
根据我国当前对音乐理论的研究，声乐教学过程对钢琴伴奏的重视程度越来越高，更多的声乐演唱者与声乐授课教师认可并赞赏钢琴伴奏所具有的艺术指导性作用。相比之前，人们将钢琴伴奏职业冠以“配角”的头衔，而今的钢琴伴奏事业也呈现广泛被人们所青睐的趋势。
1.学生不够重视钢琴伴奏。就当前学生方面而言，钢琴伴奏在现阶段声乐教学中存在的问题。虽然人们对钢琴的态度与之前已千差万别，但在实际教学过程中，钢琴伴奏在教学过程中的艺术指导性并未得到学校的充分开发与利用。对于学生这个声乐学习群体，其较大一部分仍然忽视了钢琴伴奏的重要性，他们认为只要学习技巧，即使没有钢琴的伴奏，也可以充分领略声乐的内涵，对钢琴伴奏的学习、练习也只有在面对考试与表演前的一小段时间，与钢琴节奏的契合度、默契度不达标，纯粹为了应付而学习钢琴伴奏，钢琴伴奏在声乐演奏、教学过程中的艺术指导性作用也根本不会得到任何的体现。
2.教师钢琴伴奏能力较差。就当前教师方面而言，声乐教学课堂仍有许多年老的教师，由于受到学校资金问题等部分客观环境因素的.影响，没有很好的掌握即兴伴奏方法与技巧。而今虽然具备了充分的条件去学习，但年龄较大，学习知识速度下降，从心理上产生了对方琴伴奏的排斥感，低估钢琴伴奏对声乐教学过程的作用。即使部分教师学习了部分钢琴弹奏技巧，但是“一指禅”弹奏方法并不能带给课堂活跃的生命力，学生的课堂学习效率也会因此低下，使学生在面对如此伴奏时，便已经丢失了对声乐的兴趣。
二、科学合理的钢琴伴奏在声乐教学中的应用分析
虽然现阶段学校在教学过程中对钢琴伴奏的应用并不是很理想，但仍有很多学校正确的运用了钢琴伴奏，充分将钢琴伴奏的艺术指导性作用体现出来，其取得的成效也是显而易见的。下面就该部分学校对钢琴伴奏的运用方面加以介绍。
声乐技巧教学。声乐技巧教学存在三大重点：一是气息教学，在该教学部分，钢琴的指导性作用得到了充分的体现。首先，钢琴伴奏下学生会更富有热情，钢琴伴奏通过节奏的变换有效地引导学生们体验嗓音、气息等完美的搭配，当二者的节奏达到同步时，就表明学生的自然气息状态得到了提升，气息训练的成效也得到充分的体现。这是一种帮助同学们检验学习成效，锻炼气息变化细节的有效途径。其二是共鸣教育，钢琴具备一种共鸣音色，学生可以在这种钢琴基音上进行共振，在课堂的演唱训练过程中又快又好地找到伴奏共鸣音，从学生的视听效果角度产生积极影响。利用钢琴伴奏使学生们掌握运用人体共鸣箱的有效办法，并使整个演奏过程中出现的音色与音调完美融合，从而使学生根据不同的曲目风格，即使转换不同的个人气息。其三是技巧训练，声乐技巧包括连音、挑音、噎音等，要求学生在表演时能够准确连贯的表现出来。例如，在连音训练中，即使有部分辅音加入，元音也必须保持连贯，方琴伴奏在帮助学生完成该训练过程中可以通过多声旋律弹奏的技巧，直接引导学生精确地完成连音训练。钢琴伴奏地融入可以提示学生及时转换演唱风格，帮助演唱者统一节奏、抒发情感，更加生动地传达出创作者所想要表达的情感。
2.即兴钢琴伴奏。即兴伴奏指的是伴奏者在没有钢琴伴奏谱的情况下，要求其即兴为演唱者提供助力、渲染氛围的一种伴奏形式。这要求伴奏者对音乐理解程度、熟悉程度高，声乐教师要充分接触各种曲式、曲调以及声学，对其把握要达到较高境界，即兴钢琴伴奏的进行以及优势才能得到更好的体现。即兴演奏可以代替语言说教传达出教师突然产生的灵感或者学生存在的问题，含蓄的传达方式又能够锻炼学生发现错误、把握音乐节奏与旋律的能力，从而引导学生学会自发性纠错。教师在对低年级学生进行声乐伴奏指导过程中，应当选择比较直白的曲目，着力表现该曲目的旋律，并根据该曲目的节奏与力度进行即兴创作，举一反三、当堂检验，以引导学生准确流利地演唱。
3.声乐表演教学。钢琴伴奏以其独特的艺术表现手法，可以在声乐表演过程中辅助学生展现乐曲的特点，突出作者想要表达的情绪。首先，对于即将登上舞台表演的同学而言，加入钢琴伴奏能够帮助表演者放松自己紧张的情绪，快速进入应有的状态，并且对表演者的形体表现技巧也有一定的指导，使其更好的利用个人姿态、手势等为表演增光添彩。可以培养学生个人心理素质有着良好的作用；其次，在表演训练中加入钢琴伴奏，可以让学生们根据曲谱进行表演，兼顾自身发音与音乐节奏的呼应，使之具有更好的协调性，给予了学生们二度创作的机会；最后，表演元素中添加钢琴伴奏，使演唱者的表演更加丰满，能够丰富观众的直观感受，帮助观众理解作者的创作情感，声乐表演的质量与效果也就得到了充分发挥。
三、总结
不同的学生拥有不同的嗓音，其对音乐的把握、运用也会有较大的差异，对于人数较多的大型声乐课堂，教师很难顾及到每个学生，而钢琴伴奏的运用能够很好的解决这个问题，多种不同的音符、音色与音量等可以满足大部分学生的学习需要。在教学中，钢琴可以很好地引导学生们理解和把握作品，在学生训练过程中起到指导性作用。科学合理的利用该方法，能够帮助学生们创造更好的学习条件，锻炼更扎实的音乐技巧。
参考文献：
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《歌曲钢琴即兴伴奏》 冯德刚《即兴伴奏实用教程》 泰尔《钢琴即兴伴奏教程新编》刘聪、韩冬
钢琴（拼音：gāng qín，英文：piano）是源自西洋古典音乐中的一种键盘乐器，普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出，用于作曲和排练音乐十分方便。弹奏者通过按下键盘上的琴键，牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌，继而敲击钢丝弦发出声音。钢琴被称为乐器之王。
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钢琴表演中身心的紧张与放松探析论文
在日常学习和工作中，大家都写过论文，肯定对各类论文都很熟悉吧，论文的类型很多，包括学年论文、毕业论文、学位论文、科技论文、成果论文等。你写论文时总是无从下笔？下面是我帮大家整理的钢琴表演中身心的紧张与放松探析论文，欢迎阅读与收藏。
摘 要：
在钢琴演奏的过程当中保持一个良好的情绪状态有利于实现更好的演出效果，这就需要演奏者能够对自身的情绪进行良好的掌控，不宜出现过度紧张或过度放松的状态。本文对钢琴演奏中的紧张与放松情绪进行了分析和研究，提出了对演出中紧张与放松情绪的控制方法。
关键词 :
钢琴演奏；紧张和放松；情绪控制；
引言：
近年来，随着我国经济的不断发展，我国的文化事业愈加繁荣，社会对艺术文化领域也有了更多的关注。钢琴作为最受欢迎的乐器之一，也逐渐成为不少人追求精神愉悦所关注的对象。但是不少人在学习钢琴的过程中会碰到一些问题，如在演奏的时候没有调节好情绪，使得这些演奏者在演奏的时候没有实现理想中的效果，这就需要演奏者在演奏钢琴的过程当中把握好演奏的张弛度，做到收放自如，这样才能将音乐中的情感抒发出来，进而准确无误地传达给听众，给人带来身心上的愉悦。但是，在绝大多数情况下，钢琴演奏除了受钢琴演奏者本身的演奏技巧影响外，还容易受到外界的多种因素影响，其中环境给钢琴演奏者带来的影响不容忽视。演奏者一旦受到外界的影响就容易产生紧张的情绪，进而会导致演奏出现问题。因此，这就需要通过对演奏时紧张与放松的情绪进行分析，从而找出掌控和调节情绪的方法，实现更好的演出效果。
一、钢琴演奏中身体上的放松与紧张
钢琴演奏要求演奏者利用肢体动作来施展演奏技能，演奏者需要通过肢体将自身的情感融入到演奏当中，运用自身的演奏技巧将这些情绪更好地表达出来，进而实现声音与情感的高度契合。因此，在演奏过程当中要想实现良好的演奏效果，就需要演奏者能够拥有熟练的演奏技巧，能够将演奏曲目中的内容灵活地表现出来，同时在肢体的运用方面也要做到收放自如，这样才能够达到最好的演奏状态，发挥出最高的演出水平。
要想在演奏过程当中实现收放自如、张弛有度，可以先从手指控制开始，确保手指能够在演奏过程当中做到紧张与放松的自由切换。如在演奏哈农的过程中，要保持手指放松的状态，尽可能地让手指在运动的过程当中以放松的状态触碰琴键，发出声音。演奏者可以利用慢速练习方法观察自身手指的运动状态，在演奏过程当中适度地调整放松和紧张的状态，从而找到一个放松的舒适程度。在演奏准备阶段，对手指进行适当的放松和调节，可以避免手指因紧张而过度用力的情况出现，从而保持一个良好的触键状态。在指尖触碰琴键的过程当中，关节也要同时发力，这样才能让指尖更好地触碰到对应的琴键。只有合理调节手指紧张和放松的状态，演奏者才能够精湛地演奏出钢琴曲目。在演奏的过程当中，除了手指的紧张与放松外，手腕的控制也十分重要。手腕的灵活程度直接决定了演奏者是否可以完美地演奏出钢琴曲目，良好的手腕控制可以让整个演奏锦上添花，让弹奏出来的音色更加动人。只有灵活地调整紧张与放松的状态，才能更加自如地进行演奏，发挥出乐器的潜力，从而实现更完美的演出。
在演奏不同曲目的时候，演奏者要结合自身对曲目特点的理解，利用手指和手腕的配合进行不同方式的演奏。由于钢琴演奏过程中可能需要弹奏跨度较大的音，只通过手指的调节是无法完成演奏的，这时候就需要通过对手腕的灵活运用来进行演奏。因此，手指与手腕相互配合，才能够实现好的演出效果。除此之外，在利用手臂运动来弹奏的时候，要保持手指与手腕的放松，要让手指与手腕拥有一个较好的灵活度和弹性，这样才能够顺利完成演奏。利用手臂运动来弹奏时，要注意对手臂力量的控制，这对于钢琴演奏来说有很大的影响，因此要求演奏者在演奏过程当中能够协调好上肢，从而实现不同的声音效果，营造理想的现场演奏气氛。关于上肢紧张与放松状态的调节，需要演奏者在日常的演奏训练当中，重视曲目内容与肢体的配合，让身体各个部位都能够在演奏过程当中实现适度的放松与紧张，从而保持一个高水平的演奏状态，更好地表达曲目的感情。
二、钢琴演奏中心理上的放松与紧张
除了肢体状态对钢琴演奏的影响以外，演奏者的心理状态对于演出效果来说也有着十分重要的影响。环境与演奏者的心理状态有着直接的关系，一个好的演奏者能够适应各种环境，在不同场合下都能完美地应对演出，发挥出应有的演出水平。演奏者如果没有适应现场的演出环境，就会影响自身演奏技能的发挥，从而没有办法实现自身最高水平的演出。所以，演奏者要在平时的训练过程当中，主动关注自身的心理素质，提高自身对环境的适应能力。在钢琴演奏训练过程当中应该选择符合自身实力水平的曲目，不宜选择过分简单或过分困难的曲目，应该逐渐地将自身练习曲目的难度慢慢提高，这样可以让演奏者循序渐进地学会如何提高自身演奏时的心理素质。除此之外，在进行曲目练习的时候，演奏者还可以根据曲目的内容展开分析。在深入地了解练习曲目后，进一步提升个人的音乐素养，使自己在演奏过程中很好地表达出自己的情感，最终实现更好的演奏效果。通过这种方式，演奏者可以拓宽自己的知识体系，打下更加夯实的'基础，让自身逐渐地成长。同时，演奏者还要结合合理的练习计划，强调科学的训练频率，让自己能够在适度的练习范围内，不断地提高自我，提升自身演奏曲目的音色效果，提高对于曲目的把控能力和专注力，最终实现钢琴演奏与情感的互相融合。
三、钢琴演奏中的建议、策略
在钢琴演奏的过程当中，紧张与放松的状态会使得整场演出展现出不一样的演出效果。要想在钢琴演奏中拥有更加良好的表现，演奏者就需要能够很好地调节紧张与放松的状态。演奏者可以通过下列不同的方式训练情绪的调节。
(一)在钢琴练习时有意识地对情绪进行训练
演奏者在进行演奏的时候，要注意对自身情绪的把握和调节，要拥有基本的心理调控能力。钢琴演奏之前，需要做好演奏准备工作，这样不但能够更好地应对演奏中的各种突发事件，同时也有利于稳定自身的心态，在演奏中做到镇定自如，从而能够将更多的精力放到演奏曲目本身上，也就更能够将自身的情感集中到演奏当中，在演奏中真正做到人琴合一。其次，在平时的训练过程当中，要注重对上肢的训练。要在训练过程当中适当地增加一些手臂放松的训练，同时也要对情绪进行适当的调整，强化自身在演奏时的自信心和表现力，这样才能够在演奏时缓解自身由于环境造成的紧张与焦虑。最后，在钢琴演奏的过程当中，要持续关注自身的情绪状态，有意识地使自己保持在一个良好的情绪状态中，尽可能地将感情与情绪融入到演奏的曲目中去，这样才能够完全沉浸在曲目所表现出来的情感当中。除此之外，演奏者还需要在每场演出之后进行相关的演奏总结，对整场演奏进行自我反思，肯定自我表现好的地方，并找出不足加以弥补。在不断反思和总结中，演奏者最终将找到属于自己的演奏方法，使自己稳定在一个最佳的演奏情绪中。
(二)提升自身的钢琴演奏技能水平
俗话说：“台上一分钟，台下十年功。”好的专业技能水平能够直接增强钢琴演奏者的自信心和现场表现能力，同时过硬的专业水平也能够让演奏者拥有一个良好的心理状态，这样就能够积极地应对各种临场突发状况。如果演奏者没有经过系统正式的训练，在技能水平上没有达到演出的标准，那么就不能够很好地根据曲目的内容进行演奏，从而难免会出现一些指法不流畅、情绪表达不充分的情况，这又会催生一些紧张的负面情绪，让整场演出效果不佳。所以，钢琴演奏者应该努力提升自身的专业技能，在日常练习的时候，要认真对待每一次练习，充分地学习和掌握各种钢琴弹奏技巧，打好基础，这样才能够保证演奏的流畅。此外，由于钢琴对手部灵活程度要求较高，钢琴演奏者应该适当地增加一些手指的灵活训练，这样才能够在演奏钢琴时利用灵活的手指做出一些技巧动作，也让身体与手部实现良好的配合。演奏者要在日常的训练过程当中，积极挖掘和学习演奏的方式和技巧，这样才能找到属于自己的演奏学习道路，在这条道路上不断提高自身的演奏技术水平。
(三)强化自身心理素质
要想成为一名优秀的钢琴演奏者，不但要有高超的演奏技能，还需要拥有极强的心理素质。只有拥有过硬的心理素质，演奏者才能维持心态的稳定，不会因为外界的干扰而影响到演出的效果，从而能够应对演奏中的各种突发状况。拥有过硬的心理素质能够使演奏者在演出前就做好演出的相关准备工作，从而更加轻松地应对演出，保证演出有一个良好的效果。因此，在日常的演奏训练过程当中，演奏者要注意对自身心理素质的培养，可以适当地增加一些干扰训练来强化自身在演奏时的心理素质，帮助自己自如地调节情绪。除此之外，钢琴演奏者也应该给自己一个积极的心理暗示，让自己能够更快地进入到演奏的状态，确保能够在正常演出的基础上进行更好的情绪表达。
四、结语
综上，情绪对于钢琴演奏来说是十分重要的，不论是初学者还是大师，在钢琴的演奏上都应该对自己的情绪进行自我把控。只有在良好的情绪状态下，演奏者才能够带来一场完美的演奏。但是这并不意味着演奏者在表演的过程当中需要做到完完全全地放松，而是应该将情绪控制在一个合理紧张的范围内，确保自己能够自然地演出。
参考文献
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