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《满城尽带黄金甲》，一部上映于2006年的古装动作片，这部影片自上映以来，评价便是两级严重分化，豆瓣评分，成绩平平。以下是我收集整理了分析《满城尽带黄金甲》的色彩运用论文，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
摘 要： 电影作为多模态语篇的表现形式之一，色彩符号是其表意的重要手段。本文以多模态隐喻理论为基础，对张艺谋电影《满城尽带黄金甲》中的颜色隐喻特点进行解读，分析电影的色彩选择以及色彩要素在构建多模态语篇的概念意义时所起的作用，导演如何借助色彩这一视觉范畴的概念通过跨域映射构建情感、社会范畴的概念，并在此过程中阐释意义、传递信息以及表达情感。
关键词： 《满城尽带黄金甲》;多模态语篇;色彩隐喻;张艺谋
20世纪80年代，Lakoff等人提出了概念隐喻的理论之后，学者对众多的语言现象从概念隐喻的角度进行了多角度、多层面的分析，普遍认为：隐喻是一种思维方式和行为方式，而语言只是隐喻的外在表现。(Lakoff & Johnson，1980)既然如此，语言符号作为隐喻的外在表现，不应该是惟一的，其他的媒介、符号和手段，如音乐、色彩、图案等都可以作为隐喻的表现形式。基于此，以Charles Forceville为代表的学者提出了隐喻研究可以并应该基于多模态的研究视角，关注除语言符号之外的声像音画等符号的概念意义传达，关注各个模态的相互作用、互动关系和意义构建过程，而这个意义构建过程应该是动态的、变化的。所以，对照单模态隐喻，也就是我们常说的隐喻的语言体现，Forceville提出了多模态隐喻的定义，多模态隐喻是一种类型隐喻，其目标域和源域用不同的模态体现出来。这些模态可以包括图像或视觉模态、听觉模态、嗅觉模态等人类用来感知世界的全部通道，这些通道都可以接受信息，构建意义。
电影作为多模态语篇的表现形式之一，通过光影、图像以及声音等一系列模态形式动态地构建意义、传递信息。同时其图像或视觉模态的隐喻通过跨域映射实现表意功能，其中，颜色作为视觉模态的主要元素之一承担了重要的意义构建任务。当然该功能的实现有时需借助声音和音乐等载体共同协作，但由于篇幅所限，本文不做综合分析。但同时需指出，电影中颜色隐喻的意义构建和人的认知水平、观察经验和文化基础等密切相关。本文将以张艺谋影片《满城尽带黄金甲》为例介绍张艺谋电影中的颜色隐喻的功能和作用。
张艺谋电影的颜色隐喻
如上所述，同语言无异，各种表意符号在构建意义时同样具备三大功能：概念功能、人际功能和语篇功能。本文重点考察色彩隐喻在构建概念意义上的作用。色彩作为一种表意符号，大量应用在张艺谋的影片中。几乎张艺谋所有的电影都利用色彩要素传递信息，在增强视觉冲击的同时，更注重其表意功能的实现和感情的传达，也就是我们所说的概念功能和人际功能。《满城尽带黄金甲》也是如此，下面将对该片的颜色隐喻做如下分析。
(一)黄色的隐喻
通过对张艺谋电影的色彩分析，笔者认为色彩三要素：明度、色相和色彩饱和度，都在不同程度上影响信息值。(1)色彩明度：明度高的颜色为重要信息，明度低的颜色为次要信息。(2)色相：波长的色彩，如红色，传达重要信息。(3)色彩饱和度：饱和度越高的颜色，传达的信息越重要。这也为张艺谋电影大量使用红色和黄色提供了认知理据，同时也成为颜色隐喻的经验基础。
《满城尽带黄金甲》中，颜色成为无声的语言，流淌着故事情节，述说着故事矛盾冲突。金黄色作为该影片的重要色彩符号，在影片中发挥重要作用。在色相环中由于黄色的明度高，它的鲜亮纯度也是最高的，具有凸显性，是皇权的象征。金黄色的具体表意功能如下：影片中，大王和杰王子在天福官驿会面中，大王身着金黄色铠甲，杰王子身着黑色铠甲，金黄色和深灰色的色彩明度不同，传达的信息不同，金黄色有更强的显著性。这样两种颜色与交际意义之间形成了隐喻映射：明亮(明)—主体(皇权)—统治者;暗淡(深灰)—从属(臣民)—被统治者。这也符合一般人的认知规律，人的视觉系统首先处理明亮的刺激，明度高的色彩具有凸显性。
凭借于此，张艺谋通过颜色隐喻凸显或弱化某种关系，如权利关系、君臣关系、等级区分等，在读者认知经验的共同作用下，使颜色发挥了语言的作用，即告知观众王就是王。
在影片中，本片中夺目的金黄色宫廷服装、神圣的宫殿，黄的菊花成为贯穿全片的重要线索，给人以华丽隆重的视觉感受的同时，也透露着伤感，而这种伤感在一定程度上是黄菊花的表意体现，菊花的黄色和具象的菊花共同构建了悲伤的气氛。这与我国传统文化和传统中丧事的黄色调不无关联。当人们看到黄色的菊花，在大多数人的认识范畴内，会映射出葬礼的画面。在《满城尽带黄金甲》中，张艺谋没有明确提出黄菊花的表征意义，但不能否定的是，满眼的黄菊花在观众的心里构建了一个悲剧的符号，预示着片中不伦的恋情、政治反叛以及扭曲的亲情终将走向悲剧的葬礼。黄菊花作为一个符号，通过跨域映射投射到影片的场景中预示着失败和死亡。而与菊花黄饱和度不同的金黄则体现了另外的意义。金黄色对皇权的表达绝无异议，中国数千年的皇权社会中，皇权是不可挑战、不可撼动、不可置疑的，任何对皇权的质疑和反对都将是灭顶之灾。色彩饱和度隐喻的意义差别如下：色彩高饱和度(金黄)——皇权——不可战胜;色彩低饱和度(菊花黄)——死亡——终将失败。在影片的结尾，王后、太子元祥、二王子元杰、小王子元成都无法逃脱死亡的命运，只有大王还在，在血腥中凸显出金黄色，因为在数千年的封建文化传统中肯定的是皇权不可战胜的思想。
(二)红色的隐喻
影片中，除了铺天盖地的黄，红色也是张艺谋导演钟爱的颜色，在众多的影片中，红色都成功地抓住了观众的眼球，实现了导演传递信息和传达感情的目的。从《红高粱》中红色映射的生命之美到《大红灯笼高高挂》里红色表达的.压抑和欲望，再到《菊豆》的红色展示的涌动和释放以及最后的《山楂树之恋》中红色的凄美，红色在以视觉模态为主要形式的电影语篇中，其作用被发挥到了极致。红高粱、红盖头、红色的天空、血红的太阳、红灯笼、血红的染缸、红色的布匹以及红辣椒等一系列的色彩符号向人们传达着不同的信息和意义，和观众原有的文化领悟以及经验基础相关联，在每个观众心里形成既相同又不同的认知体验，也就是张艺谋的电影在每个观众心里的个性化版本，而这一点恰恰是基于观众的认知经验对色彩隐喻的个体化处理。
在《满城尽带黄金甲》中，张艺谋一改对红色的独钟，大面积使用黄色，但这并不意味着他偏爱的红色失去了其地位和功能。影片中，在重阳登高时，大王一家围坐桌旁，红蓝相间的地毯以及朱红色的桌子给观众留下深刻的印象，大王逼王后服药，王后不从，众王子跪求母后服药，唯有杰王子恳求父亲顺母亲的意愿。大王的阴险、太子的猥琐、成王子的单纯、杰王子的正义、王后的不幸都围绕在红色的桌子周围。红色以其较高的色彩饱和度，给观众以迫近感，使观众更加深切地体会到王室成员箭在弦上的紧张关系，爱情和亲情荡然无存。用源域(红色)来构建目标域(争斗)的原因是争斗会导致带来紧张甚至血腥。
影片中，王后的形象是扭曲压抑的，在绝望和失望中饱受煎熬，王后的服饰也以金黄色为主，金黄色虽属暖色，但给人以高高在上不易接近的距离感。但是在王后正式通知杰王子要发动政变逼王退位而立杰为王的时候，观众会发现王后一改之前的金黄装扮，身着红袍。政变的计划是王后心中希望的火花，王后将对未来的希望，甚至生存的希望全部寄托在这次政变的成功。政变给王后带来的期盼和希望通过红色的服装得以体现，让观众感受到王后内心的欢喜与希冀，同时在红色的衬托下，王后与杰王子的亲情对话，也使王后的温暖的母性也得到了体现。源域(红色)成功构建了目的域(希望和温暖)，和大多数观众的认知经验中暖色的红象征温暖和希望不无关系。
在《满城尽带黄金甲》中，片末是金黄色的海洋，金甲武士，穿戴金黄袍的王室成员。但是，观众不难发现，杰王子带领的每一个金甲武士都佩戴红色蒙面巾，在满眼的金黄中，一点点的红显得格外引人注目。杰王子率领的大军为了捍卫母亲，推翻邪恶的父亲，起而反之，武士佩戴的红色恰恰代表了这种正义的力量。源域(红色)成功投射到目的域(正义)，这也吻合我们的文化传统和认知体验：红色是正义的象征。
在影片最后，大片的黄菊花中流淌着鲜血，最终被鲜血覆盖。这里的红色凸显了它的隐喻意义：即便是王权不可撼动、不可战胜，但是捍卫王权需要付出的是血的代价、骨肉残杀、众叛亲离。在这一环节上，满目黄色中流淌的鲜血使源域(红色)成功映射到目的域(代价)，意味着为权利和虚荣付出的巨大代价。
(三)黑色的隐喻
《满城尽带黄金甲》这部影片中宫廷间的有形的无形的争斗，通过黄色与红色的交替使用得到了揭示，但是令观众同样不能忘记的还有黑绿色的汤药。张艺谋在处理王后喝汤药时，使用了特写，从倒汤药到喝汤药到放下药碗，观众尽收眼底。如此细致的描写，旨在告诉观众在大王的精心设计下，王后一步一步地走向死亡，黑绿色的汤药，给观众以神秘感和不幸的预兆。此外，大王一直对元祥生母念念不忘，设堂纪念，但当大王得知元祥生母还活着，即刻决定杀其全家以灭口，派出杀手黑色装束，蒋太医惨死。黑色作为色明度最低的颜色，传递着冰冷、无情和恐怖，象征着大王丧失了最基本的感情，为了虚伪的尊严和权利，不惜放弃心中惟一的寄托。源域(黑色)成功映射到目的域(不幸和冰冷)，与我们的文化中对黑色的解读和体验相吻合。
结 语
电影作为以图像和声音为主要呈现方式的多模态语篇，电影导演通过对多模态符号的选择、改造和组合利用来实现特定的语篇目的和表达需要。在《满城尽带黄金甲》中，张艺谋利用黄色、红色、黑色等一系列多模态色彩符号，通过色相的选择，色彩明度的选择，色彩饱和度的选择，凸显和弱化某些信息、构建不同的概念意义、激发观众不同的情感体验，从而实现了对观众的引导和操控。这其中，导演个人的情感、价值观、人生观和艺术判断都贯穿和体现在电影创作和色彩符号的运用中。作为视觉艺术的主要体现形式，电影语言中色彩的作用在张艺谋的电影中得到了很好的诠释。虽然有些批评家认为，张艺谋的电影形式大于内容，情节简单、人物空洞，但是大家公认的是若干年后，具体的情节不再为人们熟知，但夺目的色彩和色彩代表的意义却永远留在脑海里。
参考文献：
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新美术课程标准要求在学习内容上改变专业化倾向，通过生动的教学活动，使学习内容变得鲜活充实，易于被学生掌握。在小学阶段，培养学生对色彩感受能力是一项重要的教学内容。色彩知识属于美术基础知识的范畴，其中的对比与协调是较专业性的。为上好江苏版美术教材第六册《色彩游戏——对比与协调》一课，我便尝试综合美术，音乐、文学等多种艺术门类，让学生在自主探究、体验，感受中理解色彩对比与协调不仅仅存在于人们生活的衣食住行，在我们所熟悉的音乐、文学作品中也是能体现的。 在游戏中感知色彩： 上课开始时，教师出示学生熟悉的三原色、三间色，接着让学生辨识：感知五彩缤纷的色相。 计“找朋友”的游戏活动，先让学生在纸片上涂出自己喜欢的—种颜色，根据纸片上的色彩“找朋友”。如教师提供的红色，提问：哪些颜色与红色可以成为“朋友”?把它找出来，贴到红色周围。由此学生感知色相接近地颜色组成的协调色画面。针对没有被选出的颜色，让学生说说不配成“朋友的理由，教师引导学生明确常见的红色与绿色、橙色与蓝色等对比色。（在此过程中，教师引导学生感受色彩对比与协调在视觉、心理感知上的区别，为下一步教学做好准备)。 于生活中寻找色彩：教师整理学生的发言，揭示课题(课题的展现要体现色彩的对比与协调)。提问：色彩规律中的对比与协调在生活中有吗?与生活有怎样的关系?带领学生先在教室内找一找(教室环境布置，学生服装等方面的色彩搭配)，再让学生在自己所熟悉的生活中找一找(学习、生活用品等)，由学生自己说一说找到的色彩对比与协调。记得采纳啊
无论你是个怎样的死硬派，你不得不承认色彩和生活的亲密程度，差不多到了难舍难离的地步。小如每天上班该穿著什么颜色的衣服，大如设计一国之国旗应用什么颜色，全反映出色彩在我们的生活中，担当了个吃重的脚色。事实上，除了黑白影片的人物外，没有人可以生活在一个无色世界中。色彩令这个世界变得缤纷，它能改变我们的心情，影响我们对某事某物的看法。企业因此愿意把花绿绿的钞票投资在设计代表企业的颜色上，设计师绞尽脑汁去表现每种颜色的特质，为的是他们相信，在你和颜色相遇的一刹那，你可以意会到在那或温柔，或暴烈的色彩底下，它所传递给你的讯息。色彩运用是门学问，它在设计中占的位置到底有多重要？就这方面我们专诚向设计师蔡启仁先生请教。蔡启仁先生表示，一件设计作品，一般包含三个元素：色彩、图像、文字。这三个元素中，以色彩较为重要。蔡先生解释，人对色彩是相当敏感，当他们首次接触一件设计作品，最先攫取其注意力的，就是作品的颜色，其次是图像，最后才是文字。色彩给其他人的印象特别强烈，所以设计师最容易通过色彩去表达他的设计意念，而身为设计师，就必须懂得和色彩沟通，了解他们。..........我们以前做过这个课题的可以和我们探讨###
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陕西历史博物馆-唐三彩的传奇故事唐三彩是唐代陶瓷中的精华，因为最早最多出土于洛阳，故被称为“洛阳唐三彩”。作为中国艺术瑰宝，唐三彩制品因其造型生动、颜色鲜艳、地域风情浓烈，有着迷人魅力，因此一直受到各博物馆、收藏家的追捧与热爱。 马可以多方位地折射出唐文化的绚丽光彩，不仅为人们提供了认识中国唐文化历史价值的宝贵实物资料，而且也使得一批又一批中外藏家为它的艺术魅力所倾倒。然而唐三彩在地下一千多年后重出于土时，却并不受待见！皆因为它是墓葬的陪葬品，带有阴气、晦气。1899年，勘探洛阳至开封铁路时，古墓中发现三彩器物，以晦气为由毁之。1905年，修建洛阳至开封铁路，古墓中发现的三彩器物被文物贩子运至北京琉璃厂古玩市场，无人问津。20世纪20年代，在北京古玩店的角落里，国学大师王国维和罗振玉慧眼识宝，中外收藏者始竞相收购。唐三彩的受棒核心原因在于唐三彩的不可复制性、稀缺性。自唐代之后，唐三彩的制作工艺已经完全失传，后人虽极尽其力，但终不能攻克复制。《中国历史密码》这本书中关于唐三彩的介绍和故事，也非常详尽。然而在20世纪90年代，唐三彩的制造终于被攻克，并且演绎出传奇的故事。话说在1994年，传闻河南某个大墓被盗，中国国家博物馆、故宫博物院等为了防止文物流失乃至流往国外，正在甩出巨资抢购新近出现在潘家园古玩市场上的三彩陶俑。倘若不抢购的话，将追悔莫及。然而当中国文博界的顶级专家曾扔下近百万，纷纷收购之后，并将之当成镇馆之宝时，却啥眼了！越是抢购，陶俑越多，总是抢不完！时任国家文物局局长吕济民回忆说：中国历史博物馆（现在的中国国家博物馆）买了3次，花了80万元；故宫博物院买了2次，花了10万元。于是警方开始介入，查来查去，追查到洛阳市孟津县南石山村，追到了高水旺先生的家里......事情终于揭开了谜底！原来是经过多年研究，农民高水旺攻克了唐三彩的高仿工艺。无论是胎釉特征、造型风格、光龄釉龄，还是银斑、细开片、哈利光等专家们借以辨识真假唐三彩的“眼上功夫”，甚至测试物质老化年代的碳14技术，都被攻破！高水旺已基本掌握了其中的技术秘密！高水旺只是按客户的图纸要求订作的。这让专家们大破眼镜！至今潘家园的“惊天大案”成了收藏界的笑谈。目前作假高手高水旺早已“身份更换”，成为国家级非物质文化遗产唐三彩烧制技艺项目代表性传承人（2009年）。本文摘自《中国历史密码》，除唐三彩外，此书还遴选出陕西历史博物馆及陕西境内代表性、典型性的精华文物遗迹，通过这些文物来诉说历史、人文、科技、经济、技术发展。还原中华文明风貌的历史变迁。
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1．[日]三辻利一主编，王世和、王维坤等著：《东アジア古代陶器の传播·流通に関にする研究》，奈良教育大学共同研究报告书，1991年。2．王维坤著：《西安案内》（日文版），陕西旅游出版社，1991年。3．张永禄主编，段浩然、王维坤等著：《唐代长安词典》，陕西人民出版社，1990年。4．湖北省博物馆编，王维坤等译：《鄂城汉三国六朝铜镜》，文物出版社、古代学研究会，1988年。5．西北大学文博学院编《考古文物研究(一)》(参编)三秦出版社1996年。6．王维坤著：《中日の古代都城と文物交流の研究》，（日本）同志社国际主义教育委员会，1997年。7．王维坤著：《中日の古代都城と文物交流の研究》，（日本）朋友书店，1997年。8．西北大学文博学院编《考古文物研究(二)》(主编)陕西人民出版社2002年。9．西北大学文博学院编《百年学府聚珍》(参编)文物出版社2002年。10．王维坤著：《中日文化交流的考古学研究》，陕西人民出版社，2002年。四、论文与译文1．戴彤心、王维坤、张洲：《宝鸡石咀头东区发掘报告》，《考古学报》1987年第2期。2．戴彤心、张洲、王维坤：《陕西华县、扶风和宝鸡古遗址调查简报》，《文博》1987年第2期。3．王维坤、冉万里：《唐长安城崇化坊遗址》，载中国考古学会编：《中国考古学年鉴》，文物出版社，1997年。4．王维坤：《隋唐长安城与日本平城京的比较研究——中日古代都城研究之一》，《西北大学学报》（哲学社会科学版），1990年第1期。5．王维坤：《日本平城京模仿中国都城原型探究——中日古代都城研究之二》，《西北大学学报》（哲学社会科学版）1991年第2期。6．王维坤：《中日出土的唐三彩工艺技术研究》，《西北大学学报》（自然科学版）1991年第4期。7．王维坤：《试论孔子学说的东传及其影响》，《孔子研究》1992年第3期。8．王维坤：《中国唐三彩与日本出土的唐三彩研究综述》，《考古》1992年第12期。9．王维坤：《唐章怀太子墓壁画“客使图”辨析》，《考古》1996年第1期。另载陕西历史博物馆编：《唐墓壁画研究文集》，三秦出版社，2001年。10．王维坤：《试论隋唐长安城的总体设计思想与布局——隋唐长安城研究之二》，《西北大学学报》（哲学社会科学版），1997年第3期。11.王维坤：《沙河古桥的新发现与研究》，《西北大学学报》（哲学社会科学版），2000年第3期。12.王维坤：《建国以来我国文物保护与开发利用的思考》，《西北大学学报》（哲学社会科学版），2001年第3期。13.王维坤：《睡虎地秦简《日书·玄戈》再析》，载西北大学秦汉史研究室编：《陈直先生纪念文集》，西北大学出版社，1992年。14.铃木重治、王维坤：《坦桑尼亚出土的中国陶瓷器》，《考古与文物》1992年第1期。15.王维坤：《日本平城京模仿隋唐长安城原型初探》，《文博》1992年第3期。16.王维坤：《试论日本正仓院珍藏的镀金鹿纹三足银盘》，《考古与文物》1996年第5期。17．王维坤：《试论隋唐长安城的总体设计思想与布局——隋唐长安城研究之一》，载西北大学文博学院编：《考古文物研究》，三秦出版社，1996年。18．王维坤：《武则天造字的分期》，《文博》1998年第4期。19．王维坤：《试论中国古代都城的构造与里坊制的起源》，载史念海主编：《中国历史地理论丛》1999年第1期。20．王维坤：《中国古代都城的历史演变与定型研究》，载《远望集》编委会编：《远望集——陕西省考古研究所华诞四十周年纪念文集》，陕西人民美术出版社，1998年。21．王维坤：《关于中日古代文化交流的几个问题》，载黄留珠主编：《西北大学史学丛刊1·周秦汉唐研究》，三秦出版社，1998年。22．王维坤：《略论日本出土武则天造字的历史意义》，载黄留珠主编：《西北大学史学丛刊2·周秦汉唐研究》，三秦出版社，2001年。23．王维坤：《再论汉唐时代的长安渭河三桥》，载史念海主编：《中国历史地理论丛增刊·汉唐长安与关中平原》，中日历史地理合作研究论文集第二辑，1999年 。24．王维坤：《建国以来我国文物保护与开发利用的思考》，《西北大学学报》（哲学社会科学版），2001年第3期。25．王维坤：《隋唐墓葬出土的死者口中含币习俗溯源》，《考古与文物》2001年第5期。26．王维坤：《科学的考古发掘与合理的开发利用》，（中共陕西省委政策研究室主办：《调研与决策》）2001年第10期。27．王维坤：《长安の都と平城京から探る日中文化の交流》，（日本）《富山市日本文化研究所报》第14号，1995年。28．[日]太田进著，郭笃信、王维坤译：《我在中国的经历——与阿六有关的事情》，《西北大学校刊》第105期，1984年12月13日。29．王维坤：《漫话元宵节》，载西安市历史学会、西安市地方志馆：《西安今古》1985年第2期。30．王维坤：《虞世南及其书法艺术》，载西安市历史学会、西安市地方志馆：《西安今古》1985年第6期。31．王维坤：《漫谈昭陵》，载张铭洽主编：《长安史话·隋唐分册》，陕西旅游出版社，1991年。32．王维坤：《正仓院超す大量の唐代织物》，《毎日新闻》1987年7月2日。33．王维坤：《中国の秦始皇帝の兵马俑》，《同志社国际学生》，（日本），1986年第2号。34．王维坤：《中国陕西法门寺の歴史と考古発掘记》，《同志社国际学生》，（日本），1987年第3号。35．王维坤：《龙生九子の传说につぃて——考古学の立场からみる》，载森浩一编：《同志社大学考古学シり－ズⅢ·考古学と地域文化》，（日本），1987年。36．王维坤：《古代中日文化交涉史の一考察——日本の遣唐使のルートを中心に》，载森浩一编：《同志社大学考古学シり－ズⅣ·考古学と技术》，（日本），1988年。37．王维坤：《古代中日の都城に関にする研究——长安城と平城京を中心として》，（日本）同志社大学大学院修士论文，1988年。38．王维坤：《平城京の模仿原型》，载上田正昭编：《古代の日本と东アジア》，（日本东京）小学馆，1991年。39．[日]吉川忠夫著，王维坤译：《五、六世纪东方沿海地域与佛教——摄山栖霞寺的历史》，《敦煌学集刊》1992年第2期。40．王维坤：《唐代耀州窑の考古学的新发见》，载同志社大学文化史学会：《文化史学》第49号，（日本），1993年。41．王维坤：《シルクロードと死者の口に货币を含ませる习俗》，载森浩一编：《同志社大学考古学シり－ズⅥ·考古学と信仰》，（日本），1994年。42．王维坤：《长安の都と平城京から探る日中文化の交流》，《富山市日本海文化研究所报》第14号，（日本），1995年。43．王维坤：《考古学から见た孔子学说の东传とその影响》，（日本）佛教大学综合研究所编：《佛教大学综合研究所纪要·アジアのなかの日本》第2号，1995年。44．王维坤著、气货泽保规訳：《长安城のプランニング》，《月刊しにか》1996年第9号。45．王维坤：《则天造字と日本における“则天文字”の受容》，载上田正昭编：《古代の日本と渡来の文化》，（日本）小学馆，1997年。46．王维坤：《中国陕西の古代陵墓出土の文字瓦当》，载森浩一编：《古代探求》，（日本）中央公论社，1998年。47．王维坤：《试论中国古代都城的构造与里坊制的起源》，载（韩国）汉城大学地理教育科编：《’97首届韩中日古代都市国际学术研讨会文集》，1997年。48．王维坤：《中国古代都城的历史演变与定型研究》，载（韩国）韩中考古学研究所编：《韩·中考古学研究5》，1998年。49．王维坤：《隋·唐长安城の総设计プランと平城京におけるその受容》，（日本）同志社大学文化史学会编：《文化学年报》第48辑，1999年。50．王维坤：《唐长安城における 大明宫含元殿の発掘と新认识》，载森浩一、松藤和人编:《同志社大学考古学シり－ズⅦ·考古学に学ぶ 遗构と遗物》，（日本），1999年。51．王维坤：《汉·唐代の桥》，载（日本）春日井市教育委员会、春日井シンポジウム実行委员会编:《第六回春日井シンポジウム 古代を 步く 旅と 道——道路、桥、駅、渡し、布施屋》，1998年11月13日—14日。52．王维坤：《日本の三角缘神兽镜は日本の工人が 制作した》，载（日本）古代研究编辑室编：《古代研究》（隔月刊），1999年9月、10月。53．王维坤：《汉·唐代の桥》，载森浩一、门胁祯二编：《旅の古代史― 道·桥·関をめぐって》，（日本）大巧社，1999年。54．[日]大泽正昭著，王维坤译：《唐代的蔬菜生产与经营》，《文博》1985年第4期。55．王维坤：《日本的“曲江池”和“西内苑” 》，《陕西日报》1990年3月4日第4版。56．[日]成家彻郎著，王维坤译：《睡虎地秦简《日书·玄戈》》，《文博》1991年第3期。57．张岂之著，王维坤译：《孔子の文化と日本の文化》，载上田正昭编：《古代の日本と东アジア》，小学馆，1991年。58．[日]镰川茂雄著，王维坤译：《贤首大师法藏与法门寺》，载张岂之、韩金科主编：《首届国际法门寺历史文化学术研讨会论文选集》，陕西人民教育出版社，1992年。59．[日]小谷仲男著，王维坤、刘勇译：《关于死者口中含币的习俗——汉唐墓葬中的西方因素（一）》，《人文杂志》1991年第5期。60．[日]小谷仲男著，王维坤、刘勇译：《关于死者口中含币的习俗——汉唐墓葬中的西方因素（二）》，《人文杂志》1993年第2期。61.王士伦著，王维坤译：《后汉“屋舍人物画像镜”の图像に関する研究》，《古代学研究》第129号，1993年。62．[日]气贺泽保规著，王维坤译：《试论法门寺出土的唐代文物与“衣物帐” 》，《文博》1996年第1期。63．[日]上田正昭著、王维坤译：《古代中日关系史上的问题点——以隋、唐、渤海的交流为中心》，《西北大学学报》（哲学社会科学版）1996年第3期。64．[日]气贺泽保规著，王维坤译：《法门寺的起源与拓跋育》，《文博》1997年2期。65．[日]岸俊男著，王维坤、李自智译：《探寻日本古代都城的源流》，《考古与文物》1998年第4期。66．[日]杉本宪司著，王维坤译：《关于中国古代文明起源研究》，《西北大学学报》（哲学社会科学版）2001年第5期。67．王维坤《科学的考古发掘与合理的开发利用》中共陕西省委政策研究室主办《调研与决策》2001年第10期。68．王维坤《唐代乾陵应为“寿陵”之蠡测》黄留珠主编《周秦汉唐文化研究》第二集、三秦出版社2003年。69．王维坤《丝绸之路沿线发现的死者口中含币习俗研究》《考古学报》2003年第2期。70．王维坤《死者の口に货币を含ませる习俗の再研究》松藤和人编《同志社大学考古学シリーズⅧ考古学に学ぶ(Ⅱ)考古学研究室开设五十周年记念》2003年。71．王维坤《中国の死者の口に玉を含ませる习俗の研究》敬和学园大学人文社会科学研究所《环日本海の玉文化の始源と展开》富山県民会馆2003年12月13日。72．王维坤、张小丽：《论隋唐洛阳城的设计思想与影响》，《西北大学学校报》2004年第4期。73．王维坤：《关于中日古代都城的最新研究》，西安市社会科学界联合会编：《空海入唐1200周年纪念文集》，三秦出版社，2004年。74．王维坤：《唐代乾陵陵寝制度的初步探讨》，日本京都大学人文科学研究所《东方学报》第76册，明文舍，2005年。75．王维坤：《关于唐日本留学生井真成墓志之我见》，《西北大学学校报》2005年第2期。76．王维坤：《井真成墓志に関する诸问题》，《东アジアの古代文化》123号，2005年。77．王维坤：《唐の日本留学生の井真成墓志に関する私见》，《东アジアの古代文化》124号，2005年。78．王维坤：《遣唐留学生の井真成の渡唐の歴史的背景と改名の问题》，专修大学·西北大学共同プロジュクト：《井真成墓志研讨会资料》，专修大学·朝日新闻社，2005年。79．王维坤：《遣唐留学生の井真成の渡唐の背景と改名の问题》，专修大学·西北大学共同プロジュクト：《遣唐使の见た中国と日本》，朝日新闻社，2005年。80．王维坤、杜辉远：《日本关于井真成墓志国际学术研讨会纪要》，黄留珠、魏全瑞主编：《周秦汉唐文化研究》第四辑，三秦出版社，2006年。81．铃木靖民撰、王维坤译：《中国西安的日本遣唐使墓志与墓主井真成》，黄留珠、魏全瑞主编：《周秦汉唐文化研究》第四辑，三秦出版社，2006年。82．石见清裕撰，王维坤、杨洁译：《关于入唐日本人井真成墓志的性质——从中国唐代史的角度来看》，黄留珠、魏全瑞主编：《周秦汉唐文化研究》第四辑，三秦出版社，2006年。83．王维坤：《唐日本留学生井真成改名新证》，《中国文物报》2006年9月15日第7版。84．王维坤：《再论唐章怀太子墓壁画“客使图”的两个问题》，陕西历史博物馆编：《唐代壁画研究论文集》，三秦出版社，2006年。85．王维坤：《唐日本留学生井真成墓志的初步考释》，西北大学考古学系、西北大学文化遗产与考古学研究中心编：《西部考古——纪念西北大学考古学专业成立五十周年专刊》第一辑，三秦出版社，2006年。86．王维坤：《乾陵的陵寝制度似为前后双室墓之蠡测》，樊英峰主编：《乾陵文化研究》（二），三秦出版社，2006年。87．王维坤：《遣日使になりたい》，《奈良新闻》2006年11月14日第8版。88．王维坤：《古代からアジアは一つ》，《奈良新闻》2006年10月25日第9版。
三彩陶器 中国陶瓷珍品之唐三彩 唐三彩是唐代的一种精美陶器。盛唐时代发达的政治经济文化使当时的制陶业十分繁荣，唐三彩陶器是这种制陶工艺繁荣的重要标志。在全世界的许多博物馆、闰术馆及私人藏家手中，保存着许多造型优美、釉色斑斓的唐三彩作品，有立体陶塑，有各种形制的器具。当我们看到那些奔腾的骏马、被誉为“沙漠之舟”的骆驼、看到那些形态各异的文侍俑、武士俑、仕女俑以及形态各异的动物、禽鸟等唐三彩精品时，会从心底里发出对唐代发达制陶工艺的赞叹。这些栩栩如生的艺术形象，以普通的黏土制成，运用火的艺术使之成为不朽的艺术品，这是唐代无数不知名的陶艺家艺术和智慧的结晶。 唐三彩的制作，使中国古代陶瓷发展史翻开了新的一页，它的制作是人类制陶史上的一个闪光点。 什么是唐三彩呢？ 唐三彩实际上是唐代彩色釉陶的总称，由于它烧制于唐代，所烧作品用得最多的色彩是黄、绿、白三种颜色，所以得到了唐三彩的名称，实际上，它所用的色彩还包括蓝、赭、紫、黑等。这种彩色釉陶是在汉代低温铅釉陶工艺的基础上，通过长期实践，对含有有色金属元素的各种原料有了新的认识而制作成功的。之间历经了一个由粗到精的缓慢烧造发展过程，到唐供时，终于烧成了著名的唐三彩陶器。 唐三彩一词，不见于古代文献，最早的记载是民国时期。而世人对唐三彩的重视大约在本世纪初，1905-1909年，陇海铁路修筑期间，洛阳北邙山一带因工程而毁损了一批唐代墓葬，发现了为数颇多的唐三彩作品。这批唐三彩被运到了北京市场上，受到了国内外古器物研究者的重视和古玩商的垂青，从此，世人皆知唐三彩之名。建国以来，唐三彩之名长期沿用至今，当然，专业研究者则多以“唐彩色釉陶”之名称呼，从严格意义上说，后者更具科学性，因为从工艺上看，唐三彩是“釉”而算不上“彩”，但唐三彩是约定俗成的名称，有广泛的影响，因而保持这一名称具有普遍意义。唐三彩在唐代的盛行并予以大量制作有其深刻的历史背景和现实意义。7世纪至世纪的唐朝，政治相对稳定，经济空前繁荣，文化艺术昌盛，国宾的强大促使了各方面的发展。陶瓷业也取得了较大的成就。从另一角度看，唐三彩的出现是社会发展到一定历史阶段的必然产物。经济的发展，也进一步导致了唐代统治阶级生活走向奢侈和豪华。这种追求奢华、讲究排场的生活方式，集中反映于等级森严的典章制度在殉葬品的使用方面，亦即唐三彩陶器方面。在唐代，自上而下形成了一种厚葬之风，上自王室成员，下至士大夫阶级乃至平民百姓，都流行以唐三彩陶器陪葬。厚葬之风使唐三彩的烧造数量及质量有了很大的提高，另外，商品经济的发展也大大刺激了唐三彩陶器的生产。对外贸易的发达使唐三彩陶器有了十分广阔的海外市场。至公元9世纪，唐三彩陶器开始向外输出。由于政治经济的发达，致使各国商贾有的远涉重洋、有的沿着“丝绸之路”来到长安、洛阳和扬州等地，把包括唐三彩在内的商品运回自己国家。根据外国考古发掘资料，在不少国家的许多地方已发现了唐三彩的踪迹。较重要的地区如埃及开罗南郊的福斯特、伊拉克巴格达北面的萨马拉和伊朗的内沙布尔等。另外在朝鲜半岛和日本也有大量唐三彩陶器发现，尤其是日本奈良的大安寺遗址，福冈县宗像郡玄海町冲之岛、御坊山古坟和福冈大牢府遗址等发现了唐三彩壶、瓶、罐、枕等不同造型的器物和陶片。一些国家在输入了唐三彩陶器后，仿烧了类似的风格的三彩陶器，如伊朗的“波斯三彩”、朝鲜的“新罗三彩”、日本的“奈良三彩”等。这些国家制作的三彩陶器，在风格上与唐三彩陶器各有不同，但从这些陶器上还是可以看到唐三彩的基本风格。 唐三彩从唐初开始制作，其间经历了初创走向成熟时期、高峰时期和衰退时期三个历史阶段，这三个阶段与通常划分的唐代三个重要历史时期即初唐、盛唐、晚唐大致相同。公元7世纪初到8世纪即武德年间至武则天执政以前，是唐三彩在唐代漫长烧造过程中的初创时期。其在量制作的多为单一色釉而不是色彩斑斓的三彩陶器，品种较为单一。这个时期的产品以陕西礼泉县唐太宗时代的名将张士贵墓出土的釉陶器和郑仁泰墓出土的彩绘釉陶器为代表。但这两墓出土的陶器还不能算是典型的唐三彩陶器，当然，这时期唐三彩肯定已经开始烧造了。第二阶段为武则天上台到唐玄宗统治时期，即公元8世纪初到8世纪中叶，这一阶段包括了开元天宝和整个盛唐时代。随着唐朝国力的强盛，唐三彩陶器也随之进入鼎盛时期。因为经济的发展，厚葬之风随之滋漫，无论皇亲国戚、文武大臣还是平民百姓，都有唐三彩陪葬。现今所见的唐三彩陶器，大量的都出于这一时期，其烧制数量之多，质量之精，代表了唐三彩烧造的最高水平。公元8世纪中叶到10世纪初，“安史之乱”的出现导致了唐王朝政权的动摇，政治经济严重衰退，唐三彩的制作也随之进入了衰退期，典章制度和厚葬之风一去不复返。唐三彩的烧造已成了强弓之末，随着唐政权的减亡，唐三彩也结束了它的历史使命。 “洛阳唐三彩”是今人十分熟悉的一个概念，顾名思义，洛阳是唐三彩的产地，其实，这可能是一个不十分确切的概念，因为洛阳只出土了大量的唐三彩陶器，但至今未找到烧造唐三彩的窑场，倒是离洛阳不远的河南巩县却是唐三彩的故乡。从现有考古资料来看，唐三彩陶器窑场较多的分布于北方地区，主要有河南巩县、陕西铜川耀州、河北内丘和临城。除此之外，还有四川邛崃。其中最有名的要属河南巩县的唐三彩窑场。 唐三彩的品种很多，有器物、有立体塑像、有明器、也有生活用具。从现存的各种唐三彩看，它反映了唐代社会生活最完整的手工艺品，几乎没有一种唐代手工艺品的种类可以超过唐三彩的品种。概括起来，唐三彩大致有以下几种类型： 一、人物塑像（包括人首兽身的镇墓兽） 人物塑像亦即是我们通常所说的俑类，唐三彩的俑也有多种，大型作品如文官俑、武士俑、天王俑，还有人首兽身的镇墓俑或镇墓兽。中小型作品如男立俑、女立俑、骑马男俑、骑马女俑、胡俑、戏弄俑等。文官俑、武士俑、天王俑、及镇墓兽通常出土于身份很高的皇亲国戚和官吏墓中，这些作品一般身材很高，有的七八十厘米，有的可达一百多厘米。 二、动物塑像（包括飞禽走兽） 除各式陶俑外，唐三彩中的动物塑像也是丰富多彩的，在各种动物塑像中，马和骆驼最为引人注目。在唐三彩中出现如此之多的马和骆驼，是与当时的社会发展历史相一致的。集中反映了当时发达的交通运输业。唐三彩中还有其它造型的动物诸如：猪、羊、兔、鸡、鸭等应有尽有。 三、生活用具 唐三彩中最常见的是那些与生活密切相关的器具，如盘、三足盘、洗、碗、壶、罐、瓶、尊、钵、枕等。那些生活用具中包括饮食用器、文房用器、化妆用器、储藏器等多种类别，但大多数器物可能作为明器用以陪葬，因为从实物看，绝大多数生活用具是从墓葬中出土的，尤其是一些小件器更是毫无价值，只能是明器。 四、模型 唐三彩中还有一种模型类制品，作为陪葬品中的一个方面，唐三彩模型的多样化是显而易见的，为了使那些已死去的人过与生前相同的生活，一些有身份的人墓中通常会被安排置放各种不同的模型，为在历代墓葬中均可见到。 唐三彩是局限于唐代制作的三彩陶器，随着唐王朝的减亡，唐三彩也随之消失。唐代以后，唐三彩的制作工艺在北方地区流传繁衍，其中包括契丹民族的三彩和北宋三彩，还有金代的金三彩等。但它们的艺术水平与唐三彩相比较为逊色。风格也有较大的区别。
1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。5、论文正文：（1）引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义, 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、 论证过程和结论。主体部分包括以下内容：a.提出-论点；b.分析问题-论据和论证；c.解决问题-论证与步骤；d.结论。6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是：（1）所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。（2）所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。
美术教育专业本科毕业论文参考题目
一、美术教育方向
1．营造良好美育氛围、提高学生美术素质
2．“审美素质教育”——中小学美术教育应解决的问题
3．浅谈小学美育
4．中学美术教学探究--中学美术课应解决的两个问题
5．试论美术课中轻松愉快氛围的营造
6．中小学美术课应解决的问题
7．从激发兴趣入手培养幼儿的绘画能力
8．如何正确对待儿童美术素质教育
9. 浅谈中小学美术绘画技能的训练
10. 让学生在主动参与绘画创作中增强美术素质
11. 提高中小学美术教学，塑造完美人格
12. 如何才能当一名合格的美术教师
13. 中学美术欣赏课学习方法研究
14. 浅谈培养儿童学画
15. 谈谈中小学美术教育的意义
16. 怎样搞好美术特长生培养
17. 怎样才能提高中学生美术教学
18. 中学美术教育与提高素质教育的关系
19. 中学美术如何渗透环境意识
20. 中学美术教育改革之我见
21. 怎样体现小学美术课堂教学的价值
22. 谈中小学美术教育的意义
23. 保持儿童美术的原创性
24. 美术课中培养学生创造性思维能力的思考
25. 谈美术教育在中小学全面素质教育中的作用
26. 中小学美术教学改革的初步设想
27. 做现代中学美术教师
28. 培养儿童绘画的想象力和创造力
29. 中小学美术课应解决的问题
30. 小学美术教育畅想
31. 素质教育观下的早期美术教育浅论
32. 在初中美术教育中绘画技能的训练
33. 浅谈对中小学美术教学中美术常识与欣赏课的几点认识
34. 中学美术教育改革初探
35. 浅论美术课堂中轻松愉快的气氛营造
36. 试论初中美术设计应用课的教学方法
37. 激发学生兴趣让学生发现美创造美
38. 美术课中如何渗透爱国主义思想教育
39. 浅谈怎样搞好中学素描教学
40. 论儿童个性化的发展
41. 中小学美术教学中速写作用之散论
42. 对现今中学美术教学的思考
43. 浅谈在美术教学中培养学生良好品德
44. 美术教育与儿童创造思维发展
45. 如何迈向开放式教学新格局——论素质教育与美术
46. 中小学美术课的再评价与再创造
47．浅谈中学色彩教学
48. 浅谈风景写生教学
49. 素描静物在基础教学中的重要性
50．从“像不像”看美术教学
51．幼儿美术教育初探
二、绘画方向
1．中国画创新的道路探索
2．浅谈中国工笔人物画的“传神写意”
3．浅谈素描写生
4．简论书法用笔与中国画笔墨
5．谈画好素描的窍门
6．浅谈艺术中的“目视”与“神遇”
7．浅谈中国山水画的意境
8．论水粉画写生“水”和“白粉”的运用
9．素描作为独立的艺术形式的魅力
10．浅析中国画的美学理念
11．中国画设色中的变色
12．重视眼、脑、手的训练
13．浅论中西绘画中的线条艺术
14. 浅谈美术的功利价值早于审美价值
15. 浅谈中国山水画
16. 浅谈中国画的”形“与”神”
17. 浅谈素描创新——造型、审美、感知能力
18. 略论中国画的构图
19. 浅谈写意花鸟的赋彩
20. 如何看待“笔墨等于零”
21. 浅谈中国画的“笔法”和“墨法”
22. 浅谈中国画的气韵生动
23. 试谈当代油画的写意特征
24. 浅谈自然色彩写生
25. 浅谈中国古代人物画——敦煌壁画“飞天”
26. 水墨画的美学特色
27. 中国水墨画的现状与出路
28. 浅谈中国人物画
29. 浅谈对山水画的认识
30. 浅谈中国画“线”的艺术
31. 面对未来的中国水墨画
32. 浅谈色彩写生
33. 中西绘画色彩比较
34. 浅谈中国画的构图特点
35. 浅谈中国传统绘画的造型观念
36. 浅淡“书画同源”
37. 浅谈中国画的空白
38. 头像素描学习的要求是什么
39. 简论中国画与书法艺术的关系
40. 浅谈文人画对中国画之影响
41. 中国画贵在创作
42. 浅谈中国画中的“气韵生动”
43. 谈徐渭的杂花图卷
44. 如何对待西方现代派美术
45. 线描艺术的魅力
46. 传统水墨与都市水墨
47. 浅论山水画写石方法
48. 论"线"在素描绘画中的作用
49. 浅谈中国画空间的创新
50. 论白描仕女画
51. 谈中国画的现状和出路
52. 浅谈国画百年之变迁
53. 浅谈色彩与人的心理
54. 论白描
55. 笔精墨妙与意趣心契
56. 浅谈基督教对米勒的影响
57. 古代书法论所涉“道”“理”“法”三者关系
58. 论写生与创作的关系
59. “线条、色彩、构图”——绘画美的本质
60. 散谈中国画的特点----作为阅读符号的中国画
61. 线——造型艺术的独特语言
62. 谈临摹
63. 对中国水墨画传统技法的几点认识
64. 油画之我见
65. 散论中国画的继承与发展
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美术教育论文开题报告
范文一
一、课题的目的意义：
课题的目的
1、现实的景色不同于绘画表现，绘画是对表现的再创造，它承载了作者对景色认识与对作者内心感受的表现意图。将现实中斑驳的光影、繁杂的色彩、以及杂乱的空间层次进行梳理，将绘画回归到简约、直接的画面形式语言中，明确并增强画面的表现力度。
2、将客观现实转化为绘画作品过程中，明确画面表现意图，探求现实世界和画面平面化语言需求之间的关系，更直接的明确体现画面视觉语言的本质。
课题的意义
1、将绘画者从现实世界中解放出来，使绘画者面对现实世界进行表现时能够变得从容、清晰，意图更加明确。
2、通过对平面化油画语言的研究，明确平面化油画语言在画面形式意味中的组织技巧和审美彰显，为更好的提高绘画水平和作品质量提供理论的支持和方法的指导。将有助于绘画实践中更自由的进行表现，形成自己独特的绘画风格。
二、文献综述 (分析国内外研究现状、提出问题，找到研究课题的切入点，附主要参考文献，约2000字)：
“平面化”在如今的绘画领域，出现的频率越来越多。所谓的平面化，指的就是在绘画的作品中不追求三维真实空间为目的，更好地运用色彩、形状、线条等形式因素，使绘画更臻于作为平面艺术的本质。英国美术评论家赫伯特·里德在《现代绘画简史》中对艺术史的发展有过经典的概括：“整个艺术史就是一部关于视觉方式的历史，是关于人类观看世界所采用的各种不同方式的历史”。康定斯基认为，画家作为创造者应该追求对自己内心世界的表现，不应把模仿自然现象当做自己的目的，画家应当用绘画自身的形式语言，创造出能够展现意图的画面;美国视觉艺术批评家苏珊·格朗在《艺术的问题》中指出：“艺术品是种在某些方面与符号相类似的表现形式，这个表现形式就是艺术符号。”这些论述讲明了绘画形式与现实的关系，现实只是画面创作的依托完全不同于现实世界。更有英国艺术理论家克莱夫·贝尔在《艺术》中提出：“艺术是一种有意味的形式”。清晰地表述出绘画的表现不同于现实的写照，而是创造一种平行于现实世界的平行体。” 与土地和乡村的亲近，仿佛是人与生俱来的天性。无论是在再现现实世界风景画还是个性平面化语言的画面再造的形成都一开始便于土地和乡村息息相关。在土地和乡村同呼吸共命运的绘画取向中，无不充满着生命的气息，无不闪耀着人性的光芒。油画进入二十世纪已不再满足于再现现实世界，逐步进入到对人的本性和个性语言的画面再创造的研究和探索中。在这个多元化的时代，艺术语言形式丰富多样，平面化的艺术语言形式在其中占据了重要的分量。说起平面画，早在旧石器时代晚期，图绘在岩洞深处墙壁上的“洞穴壁画”就初露端倪。平面化的形式语言在印象派时期已经有明确的倾向，在塞尚、高更、和梵高的部分作品中已经能够看到作者在逐步的减弱所现物体的明暗、体积，把更多的精力放在画面的形式布局和结构当中，塞尚以画面的独立表现为目标，从而实现了平面化。他对空间进行再构成，使二维画面可咀自由处理，而不再一味的拘泥于再现。应该说是从塞尚的画法之后，绘画史上开始出现了平面化的画面自立。梵高的作品，在东方绘画的影响下只保留了一些微弱的颜色变化。毕加索在其作品《梦》中突出运用了平面化的形式手法，将画面用舒缓的线条分割，填充色块，形成了具有立体主义语言特点和装饰性效果的油画。马蒂斯是法国二十世纪最为著名的表现性画家之一，他笔下的物体完全是他在作品当中把人物和物体做出了极大地简化处理，有些作品中甚至只保留了物象的大致轮廓;其作品利用色彩的对比关系和画面形的分割，将画面进行了平面化的组织、表现，达到了强烈的视觉效果。在抽象主义的绘画当中，多数作者更加彻底的放弃了现实世界，更为自由的在画面上进行着形与色的自由组合，用更为直接的个性语言传达着对世界的认识，代表性的画家有米罗、克里、康定斯基和蒙德里安等。康定斯基和蒙德里安的作品在抽象表现主义绘画里面具有很强的代表性，康定斯基的热抽象绘画，画面热情，色彩跳动，充满运动感;蒙德里安的作品相比之下则显得安静、理性，简单的色块对比和线条分割，展现着画家对世界和画面平面化语言构成的理性思考。由国内绘画的发展和演变来看，传统的中国画主要是由平面化的形式语言构成，但由于文化背景和认识的不同，其视觉构成不同于西方油画的平面化形式语言。由于受到西学东渐的影响，中国出现了不少油画家，但运用平面化形式语言进行表现创作且能够融汇中西美学思想的为数不多。主要的代表性画家有：四五十年代的林风眠由于受到了西方现代绘画思想特别是马蒂斯等画家的影响，经过多年的探索形成了具有东方韵味的平面化表现形式的油画，成就了很高的艺术造诣。在他的影响下，现代画家吴冠中也形成了运用平面化形式语言结合中国文化和审美特点的绘画形式。另外，现代还有画家如：王克举、谭平等在不断地探索能够融汇中西审美的平面化表现形式，并取得一定得成就。 在探索的过程中，作为中国的画家面临着西方审美思想和东方审美思想的碰撞，西方的绘画材料和中国传统审美根基的不协调等问题。虽然西方油画当中也存在大量的平面化形式语言的绘画形式，但毕竟审美的根基不同，不能完全适合画面意图的表现。 绘画源于对现实世界的观看，观看中将审美意识、意图与现实世界融汇，形成最终的画面。平面化表现语言应注重展示视觉理解世界的方式，在最初的观看中将本民族的审美融汇到画面的平面化形式语言当中。绘画发展越来越注重个性化语言的形成和主体意识的张扬，对平面化形式语言的研究符合本民族审美需求，符合绘画中主体意识增强的发展趋势，亦将促进绘画个性化语言展现。
提出问题：
通过对平面化油画语言的研究，笔者发现在国内外对其的研究不计其数。但真正将画面回归到简约、直接的画面形式语言和真正探究现实世界与画面化语言需求之间关系，还需要在前期学习的基础上做进一步的探索。如何真正将画面回归到简约、直接的画面形式语言?真正探究现实世界与画面平面化语言需求之间关系?
研究切入点：
在国内外对平面化油画语言研究的基础上，在《乡村》创作中将画面回归到简约、直接的画面形式语言中，更直接的体现画面视觉语言本质作为切入点进行研究。
主要参考文献：
[1] 英.克莱夫·贝尔.薛华译.艺术[M].南京.江苏教育出版社,2005
[2] 房建平另一种艺术上的真实——浅析油画的平面化特征,2011(5)
[3] 赫伯特·里德.现代绘画简史[M].上海.上海人民出版社，1979
[4] 莫里斯·梅洛-庞蒂. 眼与心[M].北京.商务印书馆,2007
[5] 让-吕克·夏吕姆.解读艺术[M].北京.文化艺术出版社,2005
[6] 朱良志.中国艺术的生命精神[M].合肥.安徽教育出版社,2006
[7] 张元、赵扬.艺术材料的遐想.北京.高等教育出版社，2005
[8] 王凡.浅谈当代油画创作中平面化倾向[D].四川美术学院
[9] 易苗苗.中西方现当代油画平面性风格比较[j].美术大观，2009(4)
[10] 靳凤华绘画的抽象性--从中西方绘画比较谈抽象[期刊论文] (2004(4)
[11] 何政广.世界名家画集——克里姆特.石家庄.河北教育出版社，2006
[12] 张弘昕.西方画论辑要[M].南京.江苏美术出版社,1998
三、课题研究的内容、方法和预期目标：
课题研究的内容
1、现实世界与画面平面化形式语言表现的需求存在巨大的差异，如何将现实世界转换成画面意图的需要，成为油画创作的重点。在转换过程中，如何体现绘画的意图和如何有意图的观看成为平面化形式语言形成的关键。
2、如何在创作中把握形式语言：创造能够彰显个性特征的平面化形式语言，并能在油画创作中熟练地运用，能够很好的展现创作意图，使创作意图与平面化形式语言完美结合是创作的最终目的。
3、利用平面化油画语言创作油画作品《乡村》。把现实中斑驳的光影、繁杂的色彩杂乱的空间进行梳理，在画面中充分体现出来，将画面回归到简约、直接的画面语言形式中去。
课题研究的方法：
1、读画法：搜集各种相关平面化形式语言表现的作品进行研读，包括不同画种、不同材料和不同国度的绘画。对比、比较大师平面化表现语言的差异，领会画面中表现技法与表现意图和内容的关系。
2、临 摹 法：选择自己喜欢，适合自己的名画进行临 摹 ，研究名家在创作过程中的材料运用、表现方法、意图与画面的结合等，提升对平面化表现形式语言技法的把握能力。
3、实验法：对材料和表现技法结合个性化的表现意图进行反复的实验，在实验过程中发现问题、修正问题，不断寻求更好更适合的表现方法。
课题研究的预期目标：
通过对油画创作中平面化油画语言的研究和应用，初步形成适合画面意图和自我个性化语言的表现形式，形成一篇优秀的论文，并且能够应用平面性油画语言创造出一幅完整的有意味形式的油画作品《乡村》。
四、所需仪器设备、材料情况：
1、各种纸、笔等;2、油画颜料;3、油画内框、油画布;4、媒介剂、乳胶等。五、课题分阶段的进度计划 序号 起止日期工作内容 阶段成果 1 2012年10月22日-2013年1月12日查阅收集论文资料，完成 读书笔记 确定论文选题 2 2013年1月13日-2013年3月14日分析资料，撰写开题报告完成报告开题3 2013年3月15日-2013年4月20日论文开题答辩，确定设计(创作)草图完成论文框架和创作草图4 2013年4月21日-2013年5月10日撰写论文初稿，绘制设计(创作)初稿 完成论文初稿和创作初稿5 2013年5月11日-2013年5月20日修改完善论文初稿，绘制设计(创作)正稿完成论文二稿修改创作正稿6 2013年5月21日-2013年6月10日修改完善论文二稿，绘制设计(创作)正稿完成论文三稿和创作正稿7 2013年6月11日-2013年6月15日修改论文三稿和设计(创作)正稿，参加评审答辩资格审查8 2013年6月16日-2013年6月25日 毕业论文答辩，毕业汇报展览 成绩评定推优
指导 教师 意见 (详细填写指导教师意见) 签字： 年 月 日
范文二
题目：试论水彩画创作的表现形式
(一)选题的根据：
1)本选题的理论、实际意义
理论意义：
水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的`效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。颜色携带方便，也可作为速写，搜集素材用。绘画艺术审美意识物化形态的特征简单说来，就是——“写意性”。不同的表现形式能够表现出不一样的情感。
实际意义：
对水彩画家来说，作品中表现的物象与反映生活，都有自己的认识和方法。在水彩画作品中,写意性也可以直接作用于观赏者的心理感官,强化着作品所要表达的内涵和作品的意图,以产生深刻的寓意,来丰富作品的艺术表现力和艺术感染力。同时,写意性的运用也进一步触动了人们的潜意识,并感染观赏者对作品的欣赏情绪。掌握水彩画中的写意性的规律和技巧，能够准确、鲜明、生动自然地描绘对象及其色调的特征的惟一途径就是时刻和大自然保持着联系，并且从自然中获取充足的养分，去更进一步追求更高的境界。艺术家借助一定的表现形式直接塑造出可感的艺术形象，以此来表现艺术家对现实的审美认识和创作体验，以此来表达他的情感内容。通过表现形式的运用，艺术家能够灵活、自由、含蓄地表现复杂的现实生活，抒写自己丰富的情感和独特的审美体验。
2)综述国内外有关本选题的研究动态和自己的见解
研究动态:
国外研究动态：有明确文字记载的就可以追溯到150万年以前，西班牙旧石器时代的阿尔太米拉石窟壁画中的野牛、古埃及盛行于Memphie时期用芦笔画在草纸和墙壁上的画以及我国西南地区诸省的崖画，都可以说是原始社会早期的水彩画。水彩画是标志人类文化与文明的最早的艺术形式之一 。但水彩画真正发展成为独立画种，则主要是通过英国水彩画家们的努力来完成的。18世纪到19世纪中期，英国水彩画取得辉煌成就，使水彩画作为一门独立画种真正登上艺术殿堂，在世界艺术格局中占有一席之地。因此，人们把英国作为水彩画的发源地。但几经沿革，由钢笔淡彩发展成多彩风格，直至逐步突破古老画法，大胆追求自然光色，从而创造出英国水彩画最辉煌的时代。技法日趋成熟， 水彩画特性更为明显，名家辈出，享誉世界， 19世纪中期，达到了可与油画相媲美的水平，终于登上绘画艺术的巅峰。然而现代水彩画在美国发展蓬勃，美国已成为 20世纪以来新崛起的“水彩画王国”。流派纷呈，画家众多，如大卫.理勒 .米勒得 (David Lyle Millard)、安德鲁.怀斯 (Amdrew Wyeth)、法兰克.韦伯 (Frank Webb )、查理斯.雷德 (Charles Reid)等。美国最大、最有权威的水彩画组织——“美国水彩画会”建于1866年(前身为纽约水彩画会)，每年举行一次画会年展，推动着水彩画的进一步繁荣和发展。现在，水彩画不仅在西方，也在东方蓬勃发展，水彩画已成为一个世界性画种。
在国内研究动态：新中国成立后，在“百花齐放、百家争鸣”方针的指引下，水彩画蓬勃发展。 1949年，“中华全国美术工作者协会”在北京成立，组织创作活动。1954年，中国美术家协会举办“全国水彩画、速写展览”。1956年举办的“全国第一届青年美术作品展览”展出水彩画一百多件。20世纪五六十年代，画家们深入生活，用水彩画来反映新中国的新面貌，写实风格得以确立，奠定了中国水彩画重写实的传统模式。李剑晨的《晨 曦 中的人民英雄纪念碑》、古元的《延河饮马》、萧淑芳的《丁香花》都是当时影响广泛的佳作。
20 世纪50年代，苏联格拉西莫夫、茹可夫、克里马中等画家的水彩画相继传入中国，他们“讲究造型严谨和色彩真实 ” 的写实传统极大地影响了中国水彩画艺术的发展。
自己的见解：
目前存在的许多问题比较复杂，很难归纳。从近几年举行的几次大型美展来看，有一个很突出的现象：水彩画作品中缺少画家内心活动的具体表现。现在画画的人大多都是靠临 摹 照片，缺少对事物的感触，缺乏自己对事物的认识和产生的独特的感觉。水彩画进一步发展，绘画形式的多元化与单纯的技法进一步影响着水彩画的意境。还有一些高科技手段开始被运用到水彩画创作中，甚至使用微喷技术，在专业的美展上这应该是受谴责的。
(二)研究内容
本文从理论出发，联系实际，对水彩画中的写意性进步作了一系列的研究，并对提出了各种技艺对水彩画创作的影响，具体内容如下：
一、题材选择是水彩画创作的“质”
二、作画技巧是水彩画创作中的“法”
(一)干画法和湿画法影响着画中的空间变化
(二)水分是水彩画中不可或缺的媒介
1、时间问题
2、空气的干湿度
3、画纸的吸水程度
(三)“留空”为水彩画中的“点睛之笔”
三、构图方式是水彩画创作中的“形”
四、艺术内容是水彩画创作中的“情”
(一) 静物水彩画
(二)风景水彩画
(三)人物水彩画
五、总结
(三)研究方法、技术路线及可行性分析
研究方法：
(1)调查法：通过对近现代画家的调查，了解水彩虚实技法的发展进步过程。
(2)文献研究法：通过查阅大量的书籍资料，从而全面的、正确的了水彩技法及在当代中国艺术教育中的发展过程和状态，以及在这个过程中出现的一些问题。
(3)定性分析法：对于本研究课题，我们除了要掌握一些资料之外，更多的要形成自己的思维体系。对获得的各种资料进行思维加工，从而了解中国当代水彩技法的虚与实在美术教育中的地位和影响。
可行性分析：
1、资料来源充足：现代网络设备，各种的期刊，报纸杂志都能为我们提供信息。相应的理论研究比较多，对本课题的研究提供了丰富的基础性支撑;
2、导师的精心指导：在导师的精心指导下，我修改论文，查找相关资料，使论文研究更彻底;
3、准备及研究时间充足：我校开展论文写作的时间充足，从2010年7月份开始选题，到2011年5月中旬定稿，将近半年的时间可以供我们写作和研究。
(四)进度安排和采取的主要措施
1、2010年7月10日——8月10日 收集资料，重读作品，确定论文题目，查阅相关资料。
2、2010年9月1日——9月12日 在指导老师的指导下，拟定写作提纲，并按学校相关要求完成开题报告，准备开题答辩。
3、2010年7月13日——12月30日 完成论文初稿，并交指导老师评审。
4、2011年1月1日——3月10日 认真听取指导老师的意见，修改论文。完成论文2稿。
5、2010年3月11日——5月10日 完成第三、四稿，毕业论文中期考核。
6、2010年5月11日——5月20日 定稿，装订，成册，准备答辩。
(二)主要措施：
1、查阅有关文献，去期刊网或报纸、杂志等媒体了解相关资料;
2、分析问题，运用所学知识、结合事实分析并解决问题;
3、与指导老师及同学共同探讨有关本题的相关内容。
(五)主要参考文献
[1] 孔新苗,张萍.中西美术比较[M].济南:山东画报出版社,2002.
[2] 蒋跃.水彩画艺术[J].美术杂志社,2000,(5).
[3] 张道一.美术鉴赏[M].北京:高等教育出版社,2003.
[4] 孙宜生.意象素描[M].武昌:华中工学院出版社,1986.
[5]童丽莉.水彩画的当代视野彩绘当代—中国水彩画高峰论坛纪要[N],浙江美术在线-世纪美术
[6]关维兴.我和水彩,光明日报[J]1998,10,(25).
[7]于然.绘画色彩基础[M].乌鲁木齐:新疆美术摄影出版社,1988.
[8]中国水彩画(第六期)[J].天津:天津人民美术出版社, 2002.
[9]文金扬.绘画色彩学[M].济南:山东美术出版社,2001.
[10]王伯敏.中国画构图[M].天津:天津人民美术出版社,1981
[摘要] 在视觉艺术的形式语言中，构图、造型、色彩是三大要素。在视觉设计中，色彩作为给人的第一视觉印象的艺术魅力更为深远，常常具有先声夺人的力量。人们观察物体时，视觉神经对色彩的反应最快，其次是形状，最后才是表面的质感和细节，因此色彩在艺术设计中具有极其重要的意义。艺术设计师总是通过色彩这一重要手段在设计作品中赋予特定的情感和内涵，为人们创造着美好的生活，诠释着美的真谛。
[关键词] 艺术设计 色彩基础 色彩构成 归纳色彩 设计色彩
约翰·伊顿指出：色彩就是生命，因为一个没有色彩的世界，在我们看来就像死的一般。色彩具有强烈的情感表现力，只有热爱色彩的人，才能领会色彩的美及其内在的实质。色彩可供所有的人使用，然而只向热心研究的人显示其更深的奥秘。在视觉艺术的形式语言中，构图、造型、色彩是三大要素。在视觉设计中，色彩作为给人的第一视觉印象的艺术魅力更为深远，常常具有先声夺人的力量。人们观察物体时，视觉神经对色彩的反应最快，其次是形状，最后才是表面的质感和细节，因此色彩在艺术设计中具有极其重要的意义。艺术设计师总是通过色彩这一重要手段在设计作品中赋予特定的情感和内涵，为人们创造着美好的生活，诠释着美的真谛。
在大学本科的艺术设计专业的基础色彩教学中主要开设的课程有色彩构成、归纳色彩、设计色彩等，课程设置的侧重点不同，主要是研究如何让学生们从绘画性色彩转移到设计性色彩上来，使设计专业的`色彩基础课程一步步走向设计专业的轨道，为学生们以后的设计活动打下坚实的基础。色彩构成侧重于理论，归纳色彩是从对物的观察、体会去表现和创造，设计色彩侧重主观色彩的表达和运用，通过这些课程把色彩一步步引向深入。
对于刚入校的设计专业的学生来说，色彩知识非常有限，对于色彩仅限于高中时期对于风景及静物写生的绘画色彩，强调再现性，重视物体的固有色、条件色和环境色，色彩讲求微妙、客观、空间和写实。而艺术设计教育中对于色彩的要求是与人的情感密切相关，还要具有科学性和实用性，讲求强烈、构成、平面和写意。所以对学生必须在认识上要求一个重要的转变，就是思维方式的转变。观察方法由静止变为运动，认知方式由常规变为主客观的结合，思维方式由形象思维变为逻辑思维和辩证思维的结合。以下具体从这三大色彩基础课程的核心展开说明。
一、色彩构成
色彩构成是从理论上研究不同配色的调和，表情及其对形态和空间的影响。在这门课程中，学生们最易在琐碎的调色中迷失方向，很多学生会问：我们这样不断练习各种配色就能掌握普遍的色彩规律吗？这些练习对以后的设计会起作用吗？对于这个问题，伊顿早就有过回答：如果你能不知不觉地创作出色彩的杰作来，那么你创造时就不需要色彩知识。但是，如果你不能在没有色彩知识的情况下创作出色彩的杰作来，那你就应当去寻求色彩知识。为了避免学生们一开始的无目的性，在讲述了三属性的基础理论之后，可以安排色彩的采集、重构和转移的课题。在这个课题中，首先可以让学生们了解优秀配色的条件和面貌，分析优秀配色的主要色彩关系，色彩面积的比例关系，三属性的特点，从而抓住色谱组成的本质，然后以色轮为参照，举一反三可以发展新的色彩形象，产生不同的心理效应。
在这个课题结束之后，学生们对于色彩三属性的认识、调色的经验、配色的规律都会有一个基本的认识，之后可以进行色调和色彩形象的研究，把色彩的配置与人的情感相联系，不再从色相或明度、纯度上做简单的色调练习，可以分别布置几组形象联系，构图和造型可以依据形象做抽象的点线面组合。如最经常训练的对“四季”的色彩感受，对“自己的形象”的色彩表达，对“情绪”的表达都可以分组进行，在这里会出现两个问题：一个是会发现学生们的色彩偏爱，在色彩构成的课程里是对基础色彩知识的学习和运用，因此对色彩偏爱要加以限制，应该让学生们尝试所有的色彩面貌，这些新鲜的面孔可能会产生新的不可预知的创造力；另一个是会发现学生们虽然感受体会各有不同，但对于季节的描绘都会有非常准确的表达，从这里我们可以让学生们明确，艺术不能只停留在只可意会不可言传上，而要客观地了解掌握所有的配色规律和表情，用训练有素的色彩思路和色彩基础知识去指导我们的设计实践活动。
二、归纳色彩
有了色彩构成的理论基础，在转入归纳色彩的学习时就会轻松些。色彩归纳是艺术设计专业中十分重要的一门课程，该课研究和探讨新的绘画写生方式，以建立绘画写生与艺术设计之间的关系，在观察方法、思维方式以及表现形式上均构成了独自的指向。在高中的色彩写生中，多强调直觉和感性认识；色彩归纳写生则是在面对客观物象的感性基点上，强化了主观表现和理性的设计意识，它不以描绘对象的客观存在状态为目的，而是以设计专业的造型需要和思维发展为取向，其训练的目的在于为艺术设计服务，在进行写生练习时，面对同样的一组静物，每个学生都会有不同的感受，鼓励他们把这种新鲜的感受记录整理，概括或者依据需要夸张表现，你会发现每个学生都会有创造性的表达。正如马蒂斯所说，色彩问题不是一个量的问题，而是一个选择的问题。
三、设计色彩
在色彩构成、归纳色彩结束之后，就进入到设计色彩课程的学习了。设计色彩是在探索自然色彩中获取色彩内在表现力，超越色彩表象的模仿，达到主动地认识和创造。真正的把色彩应用到设计中去，使色彩通过这样三个步骤真正成为学生驾驭设计的一个重要部分。
这三门课程环环相扣，从不同角度诠释色彩知识，根据认识掌握色彩普遍规律的方法，由浅入深，由表征到应用的学习了色彩这一重要的是设计元素，为学生们以后的设计道路打下坚实的基础。
参考文献：
[1]赵云川，安佳.色彩归纳写生教程.辽宁美术出版社，2000年10月.
[2]赵勤国.色彩形式语言.山东美术出版社，2002年8月.
[3]伊顿.色彩艺术.上海人民美术出版社，1996年8月.
[4]辛华泉.色彩构成.湖北美术出版社，2002年8月.
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亨利·马蒂斯（Henri Matisse 1869年12月31日—1954年11月3日）是法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。编辑本段简介马蒂斯生于法国南部勒卡多小镇。父亲是个商人，母亲曾做过陶瓷厂的画工。少年时代的他在维尔曼杜瓦度过，中学毕业后他遵照父亲旨意赴巴黎攻读法律，完成学业后，他回到家乡附近的圣-康丹，在一家律师事务所当上了办事员。21岁那年，他患阑尾炎而住进医院，为了打发无聊时间，母亲送给他一盒颜料、一套画笔和一本绘画自学手册作为礼物。在画画当中，马蒂斯平生第一次感觉到“自由、安宁和闲静”。马蒂斯的绘画热情一发不可收拾，偶然的机缘成为他一生的转折点。用他自己的话说：“我好像被召唤着，从此以后我不再主宰我的生活，而它主宰我。”对他影响最大的老师是奥古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau,1826-1898），可以说是莫罗塑造了马蒂斯。莫罗曾对马蒂斯说过“在艺术上，你的方法越简单，你的感觉越明显。”正是这句话引导了马蒂斯绘画风格，使他能够用简捷的线条和鲜明的色彩塑造出他所构想的一切，对他终生的艺术创作产生了深远的影响。在1905年的秋季沙龙里马蒂斯率领野兽派——走上声名大噪之途，在那次沙龙中他展出了“开着的窗户” 和一幅马蒂斯夫人的肖像，题为“戴帽子的妇人”。“开着的窗户”也许是第一个主题达到充分发展的例子，马蒂斯的余生，一直偏爱着这种主题。它只不过是墙面的一小部分，窗户占了一大片地方。窗扉对着外部世界大大敞开——阳台上摆着花盆，还长着藤蔓，然后就是大海、天空和船只。这里的内墙和窗扉，是由一条条宽宽的竖条构成，用了鲜艳的绿色、蓝色、紫色和橙色；户外世界，则是一片鲜艳的小笔触构成的装饰华丽的图案。笔触从绿色的小点，扩展到笔触更宽一点的淡红色、白色，还有海和天空的蓝色。由于“戴帽子的妇人”在形式上进行了大刀阔斧地舍弃，所以比“开着的窗户”引起了更强烈的轰动。颜料不分青红皂白地铺在画面上，不仅仅是背景和帽子，还有这位妇人的脸部、她的容貌，都是用大胆的绿色和朱红色的笔触，把轮廓勾勒出来的。马蒂斯是一个善于吸取各种艺术门类的优点的人，他研究东方地毯和北非景色的配色法，发展成一种对现代设计有巨大影响的风格。“餐桌”是他1908年的画作之一，从这幅作品我们能够看见马蒂斯把眼前的景象改变为装饰性的图案。糊墙纸的设计花样和摆着食物的台布纹理之间相互作用，形成这幅画的主要主题。连人物和穿过窗户看到的风景也变成这个图案的一部分。那位妇女和树木的轮廓大为简化、甚至歪曲其形状去配合糊墙纸的花朵，也显得完全协调一致。在这幅鲜艳色彩和简单轮廓的画中，我们还能够看出儿童画的某些装饰性效果。编辑本段生平1869年12月31日生于法国南部勒卡多小镇。1879年 10岁 进入公学，主要学习拉丁文和希腊文。1887年 18岁 中学毕业。父亲把他送到巴黎学习法律，他顺利地通过了考试。1889年 19岁 正式完成学业后，他回到家乡附近的圣——康丹，在一家律师事务所当上了办事员，他的主要工作是抄写存入档案的资料。1890年 21岁 患盲肠炎住进医院，为打发无聊时间，母亲送来一箱画具让他临摹箱盖上的图画。未料想，马蒂斯的绘画热情一发不可收拾，偶然的机缘成为其一生的转折点。1891年 22岁 说服父亲，怀抱当一名画家的志向，再次来到巴黎。马蒂斯先就学于学院派画家布格罗门下。1892年 23岁 转入象征主义画家莫罗的画室学习。在莫罗鼓励下，他认真研习卢浮宫的藏画，不间断地临摹各艺术大师的作品，在巴黎街头写生，探索着自己的艺术道路。1896 年27岁 他的4幅油画第一次在“国家美术联盟沙龙”公开展出，获得成功。1898年 29岁 初露头角的马蒂渐成家立业，妻子是个温顺而贤慧的女性，画家夙愿得偿，且在绘画间隙尝试雕塑的创作。1899年 30岁 马蒂斯的风景画、人物画、静物画已与昔日大相径庭，形体之简洁、色彩之鲜亮，让老师莫罗甚感惊讶。1896-1904年 是艺术家寻找新方向时期。马蒂斯内心萌动了革新意念，开始注视印象主义、新印象主义、后印象主义的作品，欲从各种风格汲取营养。一段时间，他跑到街头、咖啡馆等地画了无数的画，使他迸一步熟悉了色彩的特性，塞尚的技巧又促进他研究新的技法。1903年 34岁 带有明显“野兽派”特征的作品，便提前出现在他的笔下。1905年 36岁 巴黎秋季沙龙美术作品展揭幕时，一位名叫路易·沃塞尔的批评家被一幅幅用纯色随意涂抹成的油画惊得目瞪口呆。室中间有一尊多那太罗的雕像，批评家指着雕像惊呼“多那太罗被野兽包围了！”这一句戏言，使西方美术史上出现了一个崭新的流派——野兽派，作为这个潮流的灵魂人物，马蒂斯的大名也不胫而走，蜚声世界。1903-1906年 野兽派盛行的三年。这期间反对者的咒骂声此起彼伏，马蒂斯也遭到强烈攻击，幸好有几个收藏家独具慧眼，大量购买他的作品，马蒂斯一时身价百倍。1906年之后 马蒂斯的艺术创作进入多产时期。他的个展在巴黎、纽约、莫斯科、伦敦、斯德哥尔摩、柏林等城市辗转展出。他也借机旅行欧洲、北非，巡礼各地艺术寻求新的灵感源泉。他成为当时国际画坛最活跃的画家之一。1914 45岁 马蒂斯年年到南方的尼斯港过冬，在一间闲静的画室里完成了许多作品，室内的女人及静物是他最喜欢画的题材。1920年之后 马蒂斯扩大了创作领域，他在雕塑、版画、壁画、插图方面的造诣同样展示出过人的才赋。1930年之后 他的艺术达到高峰，他被同行推为本世纪最负盛名的美术巨匠。1941年 72岁 马蒂斯患了肠道疾病，经历了两次痛苦的手术，从此病魔就再没离开过他。身体的虚弱使他再也不能站在画布前作画，于是他又开始了一种新的艺术创作——剪纸。为了剪出色彩鲜丽的作品，他亲自动手，染出自己需要的彩纸，靠在床上不停地剪。这位老人仿佛在以孩子的娱乐消磨最后的时光。虽然他生命的最后两年几乎都是在病床上度过的，但他的创造力却从来没有停息过。1954年11月3日，马蒂斯逝世在长期居住的尼斯，享年85岁。马蒂斯(Henri Matisse,1869-1954)他与毕加索是20世纪最重要的两位画家，出生在法国北部皮卡第地区勒卡托一个药商兼粮商家庭。1882－1887年间学习法律，后来放弃了法律界的工作，转而学习绘画，在朱利安学院预科班就学于威廉－阿道夫•布格罗门下，1892年考入美术学院，在象征主义画家莫罗的画室学习。莫罗对绘画色彩的主观性论述，给马蒂斯很大的影响。莫罗认为：“美的色调不可能从照抄自然中得到，绘画中的色彩必须依靠思索、想象和梦幻才能获得”。离开美术学院后，受西尼亚克新印象主义的点彩画法影响，作《豪华、宁静、欢乐》（1904），该画取材于波德莱尔的诗篇《西苔岛之游》：“在那里，一切如此美丽而秩序井然，豪华、宁静，充满欢乐。”此画表现出作为色彩画家的马蒂斯那巨大的构思能力。粉红色、黄色和兰色的色点的组合，充满幸福和欢乐的情调。这幅画使他赢得了许多青年画家的崇敬。最初，马蒂斯本人对《豪华、宁静、欢乐》一画中线与色的关系处理不满意，而高更的作品提示他采取一种装饰风格，用弯弯曲曲的阿拉伯式线条所分隔的平面色彩区域的组合，来解决线条与色彩的冲突。这一成果在他于1905年后完成的‖生活的欢乐‖中体现得更明显。一群东方闺秀式的女子在景色迷人的海边尽情享受着生命的欢乐。远景有一群女子围成圈跳舞，而近景裸女的静止姿态与之形成对比。以视觉艺术的方式表现人间天堂或黄金时代的概念，可追溯到文艺复兴时期。马蒂斯画中一圈舞蹈者可以在卡拉奇的《黄金时代的爱》（1589－1595）以及安格尔《黄金时代》（1862）等作品中见到。尽管马蒂斯总是以西方古老的主题为素材，但他的灵感却来源于东方艺术。这幅画的巨幅尺寸和大胆的色彩，在当时引起了轰动。西尼亚克在展出前见到这幅画，写信给他一个画友说：“马蒂斯的探索我至今是喜欢的，但现在他对我来说已经堕落了。在两米半的画布上，他用像大拇指般粗的线条勾勒出一些奇怪的人物，然后在整个画面上覆盖以平涂的、相当确定的色彩。这是一种纯色——看上去真令人恶心。”岂知马蒂斯的这一作品被现代艺术史证明是20世纪先于毕加索《阿维尼翁少女》的第一幅力作。它体现了野兽主义的美学观念，那就是大胆的色彩、简炼的造型，和谐一致的构图以及强烈的装饰性趣味。1905年秋季沙龙上，马蒂斯展出的作品除这幅画外，还有两件：《开着的窗户》和《戴帽的妇人》。热情洋溢的强烈色彩似乎已经挣脱冷酷的外形的束缚 ，比高更、莫罗和贝尔纳更加前进了一步。1908年，马蒂斯发表了他的《画家札记》，生动地论述了自己的艺术观，对现代绘画影响极大。他说：“奴隶式地再现自然，对于我是不可能的事。我被迫来解释自然，并使它服从我的画面的精神。如果一切我需要的色调关系被找到了，就必须从其中产生出生动活泼的色彩的合奏，一支和谐的乐曲。颜色的选择不是基于科学（像在新印象派那里）。我没有先入之见地运用颜色，色彩完全本能地向我涌来。”“我所梦想的艺术，充满着平衡、纯洁、静穆，没有令人不安、引人注目的题材。一种艺术，对每个精神劳动者，像对艺术家一样，是一种平息的手段，一种精神慰藉的手段，熨平他的心灵。对于他，意味着从日常辛劳和工作中求得宁静。”他毕生的作品，包括后来在两次世界大战期间的作品，无不贯彻了这种精神。例如《红色的调和，食桌上》、《弹吉他的少女》等。1927年，马蒂斯获美国卡内基基金会的奖金，赴美国旅行，并创作了著名壁画《舞蹈》。晚年因风湿病不能执笔，便以彩纸剪贴作装饰性画面，别具特色。为了研究人体，马蒂斯借助于雕刻。他一生创作了大约70件雕塑作品，以粘土来塑造人物，有助于他更好地将坚实的形体压缩在二维的平面上，从而取得整体效应。他说：“这样做是为了构成，为使我的感觉条理化，发现适合于我的风格。当我在雕塑中发现它时，它在绘画上便帮助了我。”这个时期的代表性作品是《奴隶》。这个“奴隶”的姿态令人想起罗丹的《行走的人》。这里似乎给人一种预兆，马蒂斯的雕塑正在从传统性向现代性转变着。马蒂斯对雕塑艺术所贯注的极大热情，如同他在绘画中使用着饱满、单纯的色彩一样，他希图做到体量和形态“本能地向我涌来”。1907年所作的《斜倚着的裸体I》，是将他同时所作的油画《兰色的人体》“翻译”为雕塑。后来的《装饰人物》（1908）、《蛇形人》（1909）、《胸前的十字架》（1910）都反映了他在雕塑语言上的探索，对现代雕塑影响极大。野兽主义作为一场有声势的现代主义思潮，到1908年以后就销声匿迹了。但对于马蒂斯来说，野兽主义并不意味着他风格的形成，而只是一个开端。勃拉克后来成为立体派大师，鲁奥被德国表现主义者邀请参加他们的画展，他成为现代艺术中少有的伟大宗教画家。而野兽主义中大多数画家在后来的艺术生涯中则变得平庸而默默无闻了。他们在野兽主义时期爆发出的创造力的闪光在逐渐熄灭。在野兽主义之后，马蒂斯继续他的探索。直至1920年之前，他采用各种自由的手法创造一种新的绘画空间，而且还经历了短暂的立体主义时期。著名的《红色中的和谐》（1911）与他早年的印象主义作品《餐桌》相比，似乎又一次显示了马蒂斯的绘画发生的革命性变化。他抛弃了传统的透视，用色彩关系以及蔓藤花纹的暗示来建立新的空间幻觉，创造了一种充满异国情调的、神秘奇特的新境界。1907－1910年间，马蒂斯继续在他偏爱的人间天堂、黄金时代之类的享乐主义主题中探索线条、色彩与空间的关系。其中最著名的是绘于1909年的《舞蹈》，这个题材曾在《生活的欢乐》一画的远景中出现过。马蒂斯于1910－1913年间访问了西班牙和摩洛哥，创作了他一生中最为丰富多采的风景画，表现出对阳光和异国风情的热爱。他的立体主义探索，就开始在这一时期。著名的作品有《德希姆的静物的变体画》（1915－1917）、《摩洛哥人》（1916）等。马蒂斯的立体主义绘画从未出现支离破碎的物像。他通过这些作品训练自己如何将物体几何化、简化，如何避免过分装饰化。《钢琴课》（1916－1917）是他最具特色、最成功的立体主义作品。马蒂斯在不改变视点的前提下，将大块的鲜明色彩作抽象的安排。达到既富于装饰性，又具有空间深度的效果。第一次世界大战结束后，马蒂斯画了大量人物画。这些绘画要么有强烈的造型感，要么以线条表现为主，十分优美动人，表现了马蒂斯艺术的洗炼与纯粹。晚年，马蒂斯通过彩色剪纸来试验色彩关系。他为书籍作插图，或进行室内装饰，运用这一独特形式，取得了优美的装饰效果。马蒂斯晚年的艺术是极其简练的，带有平面装饰性的艺术，然而他的伟大之处正在于能够超越令人乏味的、狭小的装饰天地，从而创造了“大装饰艺术”的概念。马蒂斯在晚年仍和在野兽派时代一样激进。1941年以来疾病的考验加诸战争本身，都提高了其领悟能力。40年代后期他画过一系列充满了光和色彩的室内景物。1950年，他画中的色块已开始具独立趣味。这一时期，马蒂斯日益虚弱，开始采用色彩剪贴，这种技法成为其暮年的主要创作手段--纸片根据其要求先涂好色，然后剪下来，用以拼组画面。这种要求极度单纯的方法，磨练了马蒂斯的装饰才能（见作品《爬行》）。其在晚年作品中所取得的活泼的色彩效果，对那些年轻艺术家则具有重要的意义。作品：舞蹈，创作于1909-1910年,马蒂斯在创作时,把模特儿带到地中海岸边,他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连,画中背景的蓝色,寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空,一大片绿色让人想起翠的绿地,人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体.在这幅狂野奔放的画面上,舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制,他们手拉着手围成一个圆圈,扭动着身躯,四肢疯狂的舞动着.