构图，意境，笔法，色彩运用，线条的运用，值得大家学习的地方要详细些，自己感觉画不足的地方也要指出。最重要的是要有个人见解。
首先：作品的绘画技巧解析（比如染色）；然后：意境延伸；最后：作者介绍。
当代社会经济繁荣发展，绘画艺术的发展呈现出一种多元化的趋势，人作为绘画的主体开始探究和分析人类自身的不足和缺陷以及对生存环境的特别关注，并期望发掘丑在当代社会的此在。下文是我为大家蒐集整理的关于的内容，欢迎大家阅读参考!
谈装饰性绘画
摘 要：装饰绘如果按照功能来划分，应该是具有装饰功能的绘画，但广义上来说，任何种类风格的绘画都具有装饰的功能。所以本文所提及的装饰绘画，是指采用形式美的规律和装饰设计手法创作的绘画形式，是相对于写实绘画而言的，具有抽象或变形特性，作品本身由绘画要素构成因素较多，例如强调点、线、面和色彩构成的绘画作品。
关键词：装饰绘画;传统装饰;艺术
伟大的艺术家米罗曾说：“装饰艺术有如生活的彩练，如果失去它，人类将失去光彩。”可见，装饰艺术在人类的艺术史上扮演着何等重要的角色。装饰绘画诞生于原始社会，原始居民将野兽的形象画于岩石上，起初是出于巫术性质的占卜或图腾崇拜，是一种本能的需要。但那粗犷质朴的风格和简练的极具装饰色彩的线条预示着人类的一种潜能。
1 不同国家民族的传统装饰艺术
纵观世界范围内的装饰艺术，每个国家都有其自身传统的经典装饰绘画门类。我们都知道埃及绘画中那独特的人物造型和姿态：侧面的头，四肢，正面的身体，还有动物和花卉的形态。埃及手法有一种巨大的优越性，就是使这些图画中，没有一样东西使人感觉没有计划，没有一样东西似乎可以挪动位置。就是这种强烈的秩序感使埃及人把形式美发挥到了极致。
希腊与埃及的艺术一样，同属于人类童年时期艺术。具有天然的天真，纯朴的特点和装饰的情趣。希腊瓶画以其匀称和谐的比例，精巧细致的工艺，生动地造型，写实的手法，追求理想化的风格，饱满的构图，富於戏剧性的情节，给人以美的抚慰与启迪，净化人们的心灵，陶冶人们的情趣。瓶画属于装饰画的范畴，它同希腊的雕刻，绘画占有同样的地位。后来毕加索、马蒂、汉斯等著名画家都被其所影响。毕加索曾说：希腊艺术，不是一种过去的艺术;它比以往任何时候都具有生命力。希腊瓶画中的线描人物和动物，每一根线都异常深刻地表达了人体与动物的微妙变化，线在这里所完成的形体表达的准确度达到令人吃惊的地步。
中国装饰绘画历史悠久，种类繁多，秦汉时期的画像石和画像砖，在世界装饰绘画史上具有无与伦比的地位。画像石和画像砖是秦汉时期用来装饰建筑及墓室祠堂四壁的装饰石刻壁画。其布局简洁疏朗，物象鲜明醒目，具有古朴豪放，深沉雄大的风格特点。以山东的武氏石祠为精品。
有这样一种艺术，它既不属于西方，也不属于东方;同时，它既是西方的，又是东方的。这就是古波斯画，亦称为波斯细密画。这种艺术从未出过宫廷，是在极少数人中流传。波斯装饰画所包含的巨大艺术魅力，使它从文学的附庸地位中解脱出来，成为独立的艺术。它的内容来自于波斯诗歌。波斯装饰画是一个二度空间的世界。作者以东方的观察方法创作非立体的世界。高明的波斯艺术家巧妙地运用了多层次，多视点，多侧面，多姿势装饰语言成功地三度空间的“平面世界”，产生了多姿多彩的异样效果，鲜明的对比，谱出了强烈的和谐。波斯细密画的表现手法具有多元性，是西方写实主义与东方的装饰手法交织并用的。整个画面是装饰的，有些细节又是写实的;整体是以线造型，区域性又有以面造型的方法。在画面上，常常以一种形象为主，成为统治画面的主调，其他形象又是按著有视觉次序的流动线组织起来的，往往出现的是一个既丰富又有规律的境界。为了象征拥有财富和恐慌心灵的空白。画面上充满了形象，很少留下空间，但并没有出现杂乱无章的现象。这无疑表现出了波斯艺术家控制艺术空间的特殊本领。
绘画进入现代，由塞尚开始引领新的艺术表现手法。之后的马蒂斯，毕加索和康定斯基均以其自身的魅力创造了各具特色的装饰语言。马蒂斯的线与以往的完全不同，从前的线是描写物件的轮廓，是从属于物件的，而他的线本身就具有自己的情感和形式。我们都会对他画中那充满装饰感的线条过目不忘，画中夸张的线条运用创造了美的秩序。义大利艺术家莫迪里阿尼，骨子里透出的义大利风格使他的作品优美而不造作，他画中那夸张的拉长的人物并不使人觉得怪诞，反而比写实的绘画更具有表现力量。装饰性的颜色和形象创造了莫迪里阿尼独具特色的艺术表现。说到对现代装饰绘画起到作用的艺术家，不能不提到蒙格里安这个名字，他能有效地使用直线的多种“性格”，使直线在他的画面中具有某种感情，它直接强有力地影响现代艺术与现代装饰艺术的造型观和构成观。
2 装饰绘画的语言
装饰绘画的语言包括点线面的构成，构图，造型，颜色的统一协调等。首先，点线面是绘画中最基础的运用元素，是人类再绘画发展历程中运用的永恒语言，“点”在几何图形中没有长宽厚的限制，是具有空间位置的视觉单位，它对活跃画面气氛，平衡画面组成是极为不可或缺的。点的各种形式的排列可以产生不同的线和面。有时，点这个在画面中最小的视觉符号被放大甚至成为画面的主角，很多著名的艺术家的作品就是直接以“点”这个元素来完成的。
点进行移动的轨迹就构造出了线，线在二维空间里只有长和宽，没有厚度，画家通过对线条的组织来表现描摹物件和画家的感受。尤其是传统的中国画，把线条本身的韵律当做艺术追求的目标，画家自己的思想与情绪寄托于线条的虚实辗转，抒发著画家的感性认识。线移动的轨迹就形成了面，与点和线相比，面的能量表现更占优势。面可以分很多种，其中包括虚面和实面，不同的质感给人不同的感受，反映着创作者不同的情感思绪。
点线面自身的韵味和装饰性在装饰绘画中充分发挥着自己的特性。在中国近代，将点线面的关系直接运用于画面，并达到了前人未有的高度的艺术家是吴冠中。他在80年代提出了形式美的观点，认为内容不应该大于形式，否定了一切以内容为主的艺术主张。
开始了对绘画形式的持续探索，无论他创作的江南水乡之白墙黑瓦，还是以植物花卉为物件的形式构图，或者以抽象点线面构成的画面，形式美都是他唯一的主题。他把中西方绘画的精髓巧妙地结合在一起，前期的江南水乡的作品中就开始有点线面贯穿于画面之间，尤其是后期的作品，进入了几乎纯抽象的装饰性表现，以油画语言中纯点、线、面融合成整体，独特的绘画风格让他的彩墨画具有不同凡响的时代气息。
同其他绘画门类相比较，装饰绘画更注重客观性和科学性，强调形式美，创造性和规律性，它的构成核心是夸张和理想化。装饰绘画的构图有几个基本特征，即理想化构图，规律化构图和题材的广泛性。
在莫迪里阿尼的作品中，我们经常看到一个脖子线条长而优美的女性形象，他创作的所有肖像画都具有这样的特征，在他的艺术观点里，脖子长动态优美是最理想的状态，这样，他就为他的作品构图找到了理想化的构成形式。以吴冠中的作品为例，传统的中国画讲究章法和布局，这是中国画的一种重要的装饰手法。吴冠中怎样把东西方绘画融合得那样具有形式感和装饰感，是一个值得研究的问题。
在70年代早期，吴冠中的艺术语言还没有那样鲜明，主要使用油画的材料和技法描绘风景，在以后的日子里，70年代中期，他开始大量创作水墨画，他的观点是“拿东方的韵来吞西方的形与色”。在其重要的水墨画作品《狮子林》中，画面流动的点线曲折盘旋，横来竖去，游目无所不至，清心洁韵无所不包朱砂、石青 石绿、藤黄像五彩斑斓的宝石一样，随墨点镶嵌在波涛汹涌的银色韵律中。具象、抽象和幻象，一切都融入混沌的势象律动中，呈现一派东方绘画的风骨和神韵。
造型是装饰绘画中的重要元素。早在东晋时期，顾恺之就提出了以形写神的思想，绘画艺术不是对客观事物简单的复制和模仿，而是重在表现它的神，只有这样能表达作者的主观情感意趣。装饰绘画的造型一般是以变形为基础，所利用的方法不外乎具象与抽象，分解与重组，新增与省略，拉长与缩短，归纳，夸张等。对具象形的研究是变形的前提，具象形是通过对自然形象的观察了解以写生的方式描绘客观物象，从而掌握鲜活、生动的创造素材，抽象形则是用各种几何形及各种符号来表达画家内心感情的手法，这些几何形与符号不代表具体的自然形象，而只是表现情感的艺术符号。
例如著名的毕加索画牛，先通过很长时间对牛的观察，先画出具象的牛，再一步一步简化，最终得到一个最简化的，具有装饰意味的牛的形象。在装饰绘画造型中，抽象的手法早已被广泛的运用。在抽象手法的渐进过程中，分解是一个必不可少的中间环节，指一个物体被概括、简化、夸张、变形、挑选、省略，并被有组织地组合成不同构件的只有某些特殊成分的画面。
分解和重组是抽象的一个必然阶段，把一个物体分解成多个部分再重新组装，或者把多个物体的部分分解再重新组装。欧洲立体主义时期的绘画就是分解重组的方法作画，毕加索著名的《下楼梯的裸女》中的元素被分解成多个部分，然后再重组，使观者在一个角度可以看到物体的多个角度的呈现。因为装饰绘画是理想主义的，新增和省略可以使造型扬长避短，趋于完美。
而拉长手法的运用能升华创作者的情感，增强画面的形式感。当然，拉长的程度要根据画面效果与创作者的感受而论。与拉长手法相对应的是缩短手法，即为将被表现物的比例缩短，以创造出物象形态的憨态稚拙、短粗敦实。埃尔格列柯所在的时代绘画作品都是规规矩矩，千篇一律的准确写实形象，但是在那个时代，他已经知道运用拉长变形的手法，使自己的绘画作品显示出超出当代人几百年的先进性，实在是难能可贵的。
装饰绘画的色彩也是其基本要素之一。“装饰色彩可以任意改变自然形态中色彩的固有面貌。在画面中，装饰色彩考虑最多的是色彩相互之间的和谐与主观情感的表达，而不必考虑是否是真实的色彩关系的再现。”也就是说，在装饰绘画中，花可以不是红的，叶可以不是绿的，艺术家可以根据画面或者情感需要，自行确定事物的颜色。例如凡?高的《床》，整幅画面涂满了明黄的色调，如果真有这样颜色的一个屋子，人住进去恐怕要疯掉。但是凡?高这样的处理恰恰表现出他内心对生活强烈的热爱和身体内极具的难以爆发的热情。
在装饰性绘画中，艺术家可以增强或减弱画面的明度饱和度。装饰绘画的颜色可以是平面的，在自然写实色彩上，色彩的处理大多具有对空间塑造的立体功用，而在装饰色彩的应用中，此功能被削弱了，而更多色彩呈给我们的是平面性的色彩美感。比如画一个美丽的少女，如果运用具象的表现手法，画家要区分出少女身上亮部暗部等复杂的颜色，但如果是装饰性绘画，画家要做的则是撷取少女身上最漂亮，最吸引人，抑或是最能表达作者情感的那一部分颜色，实施平面似的涂抹。装饰性绘画的颜色通常具有具象绘画中颜色所不具备的冲击力和感染力。
3 总结
装饰绘画是种很奇特的艺术，它能同时具备人类的天真质朴和最深思熟虑的对美的追求和营造。历代大师都告诫我们：要用儿童的眼睛看世界。儿童的绘画是艺术发展到现在，我们认识到的，十分有境界的美。就像我们对埃及金字塔的望尘莫及和对原始艺术的无比怀念。或许，在人类诞生之初的装饰性艺术，就道出了艺术的本质。装饰绘画为我们开启了一扇最明了的，眺望美的窗。
参考文献：
[1] 王卓敏.装饰绘画教学的探索[J].艺术教育，200712.
[2] 于会见.装饰绘画中的绘画性[J].装饰，20049.
[3] 刘晓毅.装饰与绘画[J].装饰，200511.
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绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
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谈装饰性绘画
摘 要：装饰绘如果按照功能来划分，应该是具有装饰功能的绘画，但广义上来说，任何种类风格的绘画都具有装饰的功能。所以本文所提及的装饰绘画，是指采用形式美的规律和装饰设计手法创作的绘画形式，是相对于写实绘画而言的，具有抽象或变形特性，作品本身由绘画要素构成因素较多，例如强调点、线、面和色彩构成的绘画作品。
关键词：装饰绘画;传统装饰;艺术
伟大的艺术家米罗曾说：“装饰艺术有如生活的彩练，如果失去它，人类将失去光彩。”可见，装饰艺术在人类的艺术史上扮演着何等重要的角色。装饰绘画诞生于原始社会，原始居民将野兽的形象画于岩石上，起初是出于巫术性质的占卜或图腾崇拜，是一种本能的需要。但那粗犷质朴的风格和简练的极具装饰色彩的线条预示着人类的一种潜能。
1 不同国家民族的传统装饰艺术
纵观世界范围内的装饰艺术，每个国家都有其自身传统的经典装饰绘画门类。我们都知道埃及绘画中那独特的人物造型和姿态：侧面的头，四肢，正面的身体，还有动物和花卉的形态。埃及手法有一种巨大的优越性，就是使这些图画中，没有一样东西使人感觉没有计划，没有一样东西似乎可以挪动位置。就是这种强烈的秩序感使埃及人把形式美发挥到了极致。
希腊与埃及的艺术一样，同属于人类童年时期艺术。具有天然的天真，纯朴的特点和装饰的情趣。希腊瓶画以其匀称和谐的比例，精巧细致的工艺，生动地造型，写实的手法，追求理想化的风格，饱满的构图，富於戏剧性的情节，给人以美的抚慰与启迪，净化人们的心灵，陶冶人们的情趣。瓶画属于装饰画的范畴，它同希腊的雕刻，绘画占有同样的地位。后来毕加索、马蒂、汉斯等著名画家都被其所影响。毕加索曾说：希腊艺术，不是一种过去的艺术;它比以往任何时候都具有生命力。希腊瓶画中的线描人物和动物，每一根线都异常深刻地表达了人体与动物的微妙变化，线在这里所完成的形体表达的准确度达到令人吃惊的地步。
中国装饰绘画历史悠久，种类繁多，秦汉时期的画像石和画像砖，在世界装饰绘画史上具有无与伦比的地位。画像石和画像砖是秦汉时期用来装饰建筑及墓室祠堂四壁的装饰石刻壁画。其布局简洁疏朗，物象鲜明醒目，具有古朴豪放，深沉雄大的风格特点。以山东的武氏石祠为精品。
有这样一种艺术，它既不属于西方，也不属于东方;同时，它既是西方的，又是东方的。这就是古波斯画，亦称为波斯细密画。这种艺术从未出过宫廷，是在极少数人中流传。波斯装饰画所包含的巨大艺术魅力，使它从文学的附庸地位中解脱出来，成为独立的艺术。它的内容来自于波斯诗歌。波斯装饰画是一个二度空间的世界。作者以东方的观察方法创作非立体的世界。高明的波斯艺术家巧妙地运用了多层次，多视点，多侧面，多姿势装饰语言成功地三度空间的“平面世界”，产生了多姿多彩的异样效果，鲜明的对比，谱出了强烈的和谐。波斯细密画的表现手法具有多元性，是西方写实主义与东方的装饰手法交织并用的。整个画面是装饰的，有些细节又是写实的;整体是以线造型，区域性又有以面造型的方法。在画面上，常常以一种形象为主，成为统治画面的主调，其他形象又是按著有视觉次序的流动线组织起来的，往往出现的是一个既丰富又有规律的境界。为了象征拥有财富和恐慌心灵的空白。画面上充满了形象，很少留下空间，但并没有出现杂乱无章的现象。这无疑表现出了波斯艺术家控制艺术空间的特殊本领。
绘画进入现代，由塞尚开始引领新的艺术表现手法。之后的马蒂斯，毕加索和康定斯基均以其自身的魅力创造了各具特色的装饰语言。马蒂斯的线与以往的完全不同，从前的线是描写物件的轮廓，是从属于物件的，而他的线本身就具有自己的情感和形式。我们都会对他画中那充满装饰感的线条过目不忘，画中夸张的线条运用创造了美的秩序。义大利艺术家莫迪里阿尼，骨子里透出的义大利风格使他的作品优美而不造作，他画中那夸张的拉长的人物并不使人觉得怪诞，反而比写实的绘画更具有表现力量。装饰性的颜色和形象创造了莫迪里阿尼独具特色的艺术表现。说到对现代装饰绘画起到作用的艺术家，不能不提到蒙格里安这个名字，他能有效地使用直线的多种“性格”，使直线在他的画面中具有某种感情，它直接强有力地影响现代艺术与现代装饰艺术的造型观和构成观。
2 装饰绘画的语言
装饰绘画的语言包括点线面的构成，构图，造型，颜色的统一协调等。首先，点线面是绘画中最基础的运用元素，是人类再绘画发展历程中运用的永恒语言，“点”在几何图形中没有长宽厚的限制，是具有空间位置的视觉单位，它对活跃画面气氛，平衡画面组成是极为不可或缺的。点的各种形式的排列可以产生不同的线和面。有时，点这个在画面中最小的视觉符号被放大甚至成为画面的主角，很多著名的艺术家的作品就是直接以“点”这个元素来完成的。
点进行移动的轨迹就构造出了线，线在二维空间里只有长和宽，没有厚度，画家通过对线条的组织来表现描摹物件和画家的感受。尤其是传统的中国画，把线条本身的韵律当做艺术追求的目标，画家自己的思想与情绪寄托于线条的虚实辗转，抒发著画家的感性认识。线移动的轨迹就形成了面，与点和线相比，面的能量表现更占优势。面可以分很多种，其中包括虚面和实面，不同的质感给人不同的感受，反映着创作者不同的情感思绪。
点线面自身的韵味和装饰性在装饰绘画中充分发挥着自己的特性。在中国近代，将点线面的关系直接运用于画面，并达到了前人未有的高度的艺术家是吴冠中。他在80年代提出了形式美的观点，认为内容不应该大于形式，否定了一切以内容为主的艺术主张。
开始了对绘画形式的持续探索，无论他创作的江南水乡之白墙黑瓦，还是以植物花卉为物件的形式构图，或者以抽象点线面构成的画面，形式美都是他唯一的主题。他把中西方绘画的精髓巧妙地结合在一起，前期的江南水乡的作品中就开始有点线面贯穿于画面之间，尤其是后期的作品，进入了几乎纯抽象的装饰性表现，以油画语言中纯点、线、面融合成整体，独特的绘画风格让他的彩墨画具有不同凡响的时代气息。
同其他绘画门类相比较，装饰绘画更注重客观性和科学性，强调形式美，创造性和规律性，它的构成核心是夸张和理想化。装饰绘画的构图有几个基本特征，即理想化构图，规律化构图和题材的广泛性。
在莫迪里阿尼的作品中，我们经常看到一个脖子线条长而优美的女性形象，他创作的所有肖像画都具有这样的特征，在他的艺术观点里，脖子长动态优美是最理想的状态，这样，他就为他的作品构图找到了理想化的构成形式。以吴冠中的作品为例，传统的中国画讲究章法和布局，这是中国画的一种重要的装饰手法。吴冠中怎样把东西方绘画融合得那样具有形式感和装饰感，是一个值得研究的问题。
在70年代早期，吴冠中的艺术语言还没有那样鲜明，主要使用油画的材料和技法描绘风景，在以后的日子里，70年代中期，他开始大量创作水墨画，他的观点是“拿东方的韵来吞西方的形与色”。在其重要的水墨画作品《狮子林》中，画面流动的点线曲折盘旋，横来竖去，游目无所不至，清心洁韵无所不包朱砂、石青 石绿、藤黄像五彩斑斓的宝石一样，随墨点镶嵌在波涛汹涌的银色韵律中。具象、抽象和幻象，一切都融入混沌的势象律动中，呈现一派东方绘画的风骨和神韵。
造型是装饰绘画中的重要元素。早在东晋时期，顾恺之就提出了以形写神的思想，绘画艺术不是对客观事物简单的复制和模仿，而是重在表现它的神，只有这样能表达作者的主观情感意趣。装饰绘画的造型一般是以变形为基础，所利用的方法不外乎具象与抽象，分解与重组，新增与省略，拉长与缩短，归纳，夸张等。对具象形的研究是变形的前提，具象形是通过对自然形象的观察了解以写生的方式描绘客观物象，从而掌握鲜活、生动的创造素材，抽象形则是用各种几何形及各种符号来表达画家内心感情的手法，这些几何形与符号不代表具体的自然形象，而只是表现情感的艺术符号。
例如著名的毕加索画牛，先通过很长时间对牛的观察，先画出具象的牛，再一步一步简化，最终得到一个最简化的，具有装饰意味的牛的形象。在装饰绘画造型中，抽象的手法早已被广泛的运用。在抽象手法的渐进过程中，分解是一个必不可少的中间环节，指一个物体被概括、简化、夸张、变形、挑选、省略，并被有组织地组合成不同构件的只有某些特殊成分的画面。
分解和重组是抽象的一个必然阶段，把一个物体分解成多个部分再重新组装，或者把多个物体的部分分解再重新组装。欧洲立体主义时期的绘画就是分解重组的方法作画，毕加索著名的《下楼梯的裸女》中的元素被分解成多个部分，然后再重组，使观者在一个角度可以看到物体的多个角度的呈现。因为装饰绘画是理想主义的，新增和省略可以使造型扬长避短，趋于完美。
而拉长手法的运用能升华创作者的情感，增强画面的形式感。当然，拉长的程度要根据画面效果与创作者的感受而论。与拉长手法相对应的是缩短手法，即为将被表现物的比例缩短，以创造出物象形态的憨态稚拙、短粗敦实。埃尔格列柯所在的时代绘画作品都是规规矩矩，千篇一律的准确写实形象，但是在那个时代，他已经知道运用拉长变形的手法，使自己的绘画作品显示出超出当代人几百年的先进性，实在是难能可贵的。
装饰绘画的色彩也是其基本要素之一。“装饰色彩可以任意改变自然形态中色彩的固有面貌。在画面中，装饰色彩考虑最多的是色彩相互之间的和谐与主观情感的表达，而不必考虑是否是真实的色彩关系的再现。”也就是说，在装饰绘画中，花可以不是红的，叶可以不是绿的，艺术家可以根据画面或者情感需要，自行确定事物的颜色。例如凡?高的《床》，整幅画面涂满了明黄的色调，如果真有这样颜色的一个屋子，人住进去恐怕要疯掉。但是凡?高这样的处理恰恰表现出他内心对生活强烈的热爱和身体内极具的难以爆发的热情。
在装饰性绘画中，艺术家可以增强或减弱画面的明度饱和度。装饰绘画的颜色可以是平面的，在自然写实色彩上，色彩的处理大多具有对空间塑造的立体功用，而在装饰色彩的应用中，此功能被削弱了，而更多色彩呈给我们的是平面性的色彩美感。比如画一个美丽的少女，如果运用具象的表现手法，画家要区分出少女身上亮部暗部等复杂的颜色，但如果是装饰性绘画，画家要做的则是撷取少女身上最漂亮，最吸引人，抑或是最能表达作者情感的那一部分颜色，实施平面似的涂抹。装饰性绘画的颜色通常具有具象绘画中颜色所不具备的冲击力和感染力。
3 总结
装饰绘画是种很奇特的艺术，它能同时具备人类的天真质朴和最深思熟虑的对美的追求和营造。历代大师都告诫我们：要用儿童的眼睛看世界。儿童的绘画是艺术发展到现在，我们认识到的，十分有境界的美。就像我们对埃及金字塔的望尘莫及和对原始艺术的无比怀念。或许，在人类诞生之初的装饰性艺术，就道出了艺术的本质。装饰绘画为我们开启了一扇最明了的，眺望美的窗。
参考文献：
[1] 王卓敏.装饰绘画教学的探索[J].艺术教育，200712.
[2] 于会见.装饰绘画中的绘画性[J].装饰，20049.
[3] 刘晓毅.装饰与绘画[J].装饰，200511.
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绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
下面的是给你的成品论文，满意加分论文选择关键字：1.乡土油画题材在中国的地位、发展现状。2.油画语言的表达特点及独特规律。3.美术创作中怎样体现人文精神、民族。4.浅析中国经济与艺术发展关系。摘要：创作设计指导方向 1、版画 2、油画 3、平面设计论文指导方向：1、美术创作中的人性化运用。 2、油画创作的色彩运用3、书籍封面的构成。4、文学作品插图的艺术性。5、美术创作中的人性化运用中国版画研究：1.试析设计中绘画元素的运用。2.试论黑白木刻中点、线、面的运用。3.试析绘画中的形式与精神的关系。4.浅析黑白木刻中灰色的组织及表现。5.我看当代艺术理想的演变。6.绘画创作中的个性表现——谈谈我的毕业创作。7.中国山水画和西方风景画的比较。8.浅析中国画人物的形神论。9.传承、创新、流行——浅谈中国画艺术的现状。10当代西方绘画对中国绘画的影响。11当代室内设计的观点与发展。12装饰设计表现形态的多样性。13浅谈现代重色彩画中色彩的运用。14浅论谢赫的“六法论”对中国画的影响。古代园林与现代环艺设计。15传统因素在现代设计中的运用（比如中国画的造型、色彩、构图等因素在设计中的运用）。 16浅论《清明上河图》的历史地位以及影响。17现代流行文化对绘画的影响。18绘画（或设计）中的个人风格。19设计中的人性化问题。20论新具像绘画的兴起与其体现的时代特征。21论色彩的分寸及其在油画创作中的运用。22论线条在绘画语言中的表现力。23装饰设计表现形态的多样性。24色彩在室内设计中的运用。25绘画创作的技法与形式语言的研究。26少数民族服饰、用具图案的研究。27艺术作品中的情感、形式及表现因素。28室内装饰的精神的个性化。29广告发展中国际化与本土化。30论色彩的分寸及其在油画创作中的运用。31造型基础训练与创作及设计的关系。32艺术中的民族精神体现。33造型艺术中的个性化特征及寓于形式的“趣、奇、情、理”。34论绘画的再现与表现及写真与变实。35民间美术的发掘、传承与保护。36大美术”教学的社会调研。37少数民族服饰、用具图案的研究。38艺术作品中的情感、形式及表现因素。39寻找生命中的个性特征——关于绘画创作的思考40谈基础素描中的创造性思维。 41浅析艺术设计专业素描教学的意义。创作之我见—关于油画艺术的思考内容 提要： 美术作品的创作是一种复杂的精神活动和生产制作活动，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。 艺术 美是真善美的高度统一，它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的。每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解。现实美和现实丑都是美术创作的源泉。通常被看作内容的东西，只是艺术借以表现自身的真正形式，而通常认为只是形式的东西，恰恰构成了一件艺术品的真正内容。美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。 关键词：艺术创作 艺术美 现实美 现实丑 内容 形式 美术作品的创作，是一种复杂的精神活动和生产制作活动。它包括两个相互衣存、互为表里的方面：一是对 社会 生活的观察、体验和审美认识；二是运用物质媒介材料和技艺手段将这种审美认识表现出来，使其物化。这样，一幅油画作品在成为艺术品之前，则要经历两个大的阶段，前者是创作的构思活动阶段，后者是美术创作的传达活动阶段。这种创作活动是一种追求艺术美的过程。那么，怎样的作品才是真正的艺术作品呢？或者说什么样的作品才具有艺术价值？苏珊-朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造，一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式，这种创造出来的形式是供我们的感官去知觉或供我们想象的，而它所表现的东西就是人类情感。” 在希腊语中，艺术一词兼有两种涵义：一是指美的作品；二是指创造、技巧、技艺。艺术品就是具有审美价值的人工技术制品。由此，我们又可得出一点启示，当我们称赞一部艺术品优美时，往往是蕴涵着两层意义：一是指这件作品的表现形态非常优美，二是指这件作品的制作技艺非常优美。这两种不同的评价，前者对物、对作品。后者对人、对艺术家。一件真正的艺术作品，必须满足两个基本条件：一是它必须是人类劳动和智慧的创造物，二是它必须能给人以精神上的愉快感受，即具有审美价值。这两点，可以说是艺术品与伪艺术品相区别的根本特征。首先我们应当排除一种错觉。有人认为，凡是优美的事物，就都属于艺术。这种看法没有区分优美中的 自然 美与艺术美。而自然美尽管可以是艺术的对象，却绝不是真正的艺术本身。油画创作表现的是自然美，是对现实美的再创造。 但艺术美不等于自然美，它高于自然美。油画作品反映的是现实美，现实中美的事物或事物的美，是油画创作的有力根据或根源。比如，这样一幅生活情景：在暮色苍茫的天空下，有一对衣着朴素，身体健康的农民夫妇，在田野斜斜相对而言地站着，都低了头，把手放在胸前，身边倒着一辆手推车和一个盛满马铃薯的篮子。他们在辛勤劳动了一天正要回家的时候，远处传来了教堂的钟声，于是他们脸上现出虔诚肃穆的神色，双双心情平和地做起了晚祷。这不是法国19世纪 农村 典型的生活景象吗？在这幅生活景象中，我们看到的不正是劳动人民那种纯朴善良的性格美和人与人之间和谐诚挚的关系美吗？是的。但是，这种现实生活中的景色和美，是法国农民画家米勒在他的名作《晚钟》里为我们描绘出来的。现实的生活是丰富多彩的，美术正是以这种在一定 历史 条件下多彩的现实生活为源泉而创造的。现实中无论人、自然事物或社会事物，只要与人类的社会生活相关，都可以成为美术创作的源泉。假若没有丰富多彩的现实生活，也就不会有所谓的美术。当然，现实中有些不美或丑的事物，也可以成为美术创作的根据，反映到美术中来，经画家审美意识的加工改造而成为美术作品的艺术美。实际上，人们对艺术与美有许多误解。人们总是以为艺术就是美的；凡是不美的就不是艺术，丑是对艺术的否定。事实上，艺术并不一定都是美的。即是说美术既能根据美的现实而创造现实美，也能根据丑的现实反映现实丑，并且通过审美创造使现实丑转化为艺术美。为什么美的艺术可以表现丑恶？对于艺术家来说， 问题 并不在于表现对象的丑恶，而在于必须对丑恶作出卓越的表现。例如，在罗丹的雕刻名作《美丽的欧米哀尔》（又名《老妓》）中，现实的丑神奇地转化成了 艺术 的美。罗丹自己解释说：“平实的人总以凡是在现实中认为丑的，就不是艺术的材料——他们想禁止我们表现 自然 中使他们感到不愉快的和触犯他们的东西。这是他们的错误。在自然中一般人所谓“丑”，在艺术中能变成非常美、、、、、、委拉斯贵支画菲力浦四世的侏儒赛巴斯提恩时，他给他如此感人的眼光，使我们看了，立刻明白这个残废者内心的苦难——为了生存，不得不出卖他作为一个人的尊严，而变成一个玩物，一个活傀儡、、、、、、这个畸形的人，内心的苦越是强烈，艺术家的作品就越显得美，米勒表现一个可怜的农夫，一个被疲劳所摧残的、被太阳所炙晒的穷人，像一头遍体鳞伤的牲口似的呆钝，扶在锹柄上喘息时，只要在这受奴役者的脸上，刻画出他任凭“命运”的安排，便能使这个噩梦中的人物，变成全人类最好的象征。在作品中，现实丑的本质范畴转化了，其现实性削弱了，艺术性加强了。作品中的形象已经不是原来的现实中的丑的事物或人物，已经渗透了创作主体的认识、情感和评价等主观精神因素，从而成为一个典型形象。它从反面揭示出 社会 生活的本质真理，是形象的真理，亦即艺术的美。对丑的深刻剖析和否定，就是对美的肯定。罗丹的《老妓》是这样，委拉斯贵支的《赛巴斯提恩—莫拉》和米勒的《扶锄人》，朱耷的“白眼向人”的《荷花水鸟图》等都是这样。在国内外美术史上，有许多这样把现实丑转化为艺术美的成功之作。事实上，丑恶只是题材的丑恶，它只构成艺术作品的表现形式；而优美却来自艺术家的智慧和表现力的超绝，它形成了艺术作品的深层结构。由此可见，美的价值具有超越性。在自然美中，它超越自然，而达到仿佛拟人化的理性结构。而在人类的艺术中，它又超越了人类，仿佛回到了本色的自然，返噗归真。在油画作品中，通常被看作 内容 的东西，其实只是艺术借以表现自身的真正形式。而通常认为只是形式的东西，即艺术家对美的表现能力和技巧，恰恰构成了一件艺术作品的真正内容。人们对一件作品的估价，正是根据这种内容来确定的。拉斐尔的《圣母》像就是这样。在一个早以被表现过千百遍的旧题材中，他以自己的精湛造诣为之赋予了崭新的艺术内容。从而使这个已死的形式获得了新的灵魂和生命。他的这种艺术表现是如此深刻，正如黑格尔赞叹：“我们确实可以说，凡是妇女都可以有这样的情感，但却绝不是每一个妇女的面貌都可以完全表现出这样深刻的灵魂。”一个事物，只有当它以其现象的真实充分地体现出其本质的真理，以其具体的形式充分地表现出其内容的必然性，以其形象的个别性充分地显现出其种类的普遍性，而且这现象，这形式，这形象又必须是非常的突出，鲜明生动，那它才是美的。这就是美的 规律 。凡是美术作品都离不开形象，离不开生动的视觉形式；凡是优秀的美术作品都离不开创造高度真实、高度概括的视觉形象，离不开创造艺术典型；而创造了艺术典型的美术作品，都必定以其鲜明生动的视觉形式充分的表现出社会生活的真理，同时又都突出地体现出创作主体真挚的思想情感和个性的善。而这感情和善，作为审美价值，却体现了艺术在文化中内在的价值品格和价值理想。这就是艺术的美。在这个意义上，美术作品的艺术美，是真、善、美三位一体，高度统一的，在艺术审美经验中得到了融合。在油画创作中，艺术美是必然的。因为美，是一切艺术创作必须设定的自觉目的。每个艺术家，都应该在作品中显现他对于美的独特感受和理解。艺术理想的本质在于这样使外在的事物还原到具有心灵性的事物，因而使外在的现象符合心灵，成为心灵的表现。（黑格尔）而在 现代 社会，有些想借艺术平步青云的人，总是在思考着画什么，什么样的画才可以出名的 问题 。这种画缺少对艺术的真诚，缺乏那种能打动人的真实情感。这种人实际是在究研成功之路，而非 研究 艺术本身。画油画重要的不在于你画什么样的内容，内容只是作为一种载体来表达你对生活的种种感悟，对生活的态度。社会在不断 发展 ，我们的认识也在不断变化。绘画就是在记录这种变化，就像写日记一样，记录着对生活的理解，自己的感受，画自己感兴趣的，最激动人心的。其实可画的内容很多，关键在于能真实的反映生活，反映自己的真情实感。画画，最痛苦的莫过于心中有了灵感的火花，却无法把这种感动表现出来。黑格尔有名话很形象：“艺术家常遇到这种情形，他感到苦闷，但是由于把苦闷表现为形象，他的情绪的强度就缓和了，减弱了。甚至在眼泪里也藏着一种安慰。”绘画有时是一种情感的宣泄。绘画是一种视觉艺术，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。这种反映不是机械被动地照搬生活，而是一种高于生活的再创造。绘画创作是具有强烈个性和情感色彩的精神劳动，是生活与心灵碰撞之后激发出来的情感流露，，绘画作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。吴冠中说过：艺术家是最憧憬美的一群人。艺术家的天职就是要将自己血液中携带的，对人类的命运，前途那一缕淡淡的哀愁表现出来，感染他人引发思考。而我描绘生活在城市边缘人的印象，通过自己的视角观察体验 时代 的发展变化，用形象揭示人性中最善良，最质朴，最美好的一面。我深刻地感到他们有一种贴近我的心灵，伴随着我的呼吸的东西。具体说不清是什么，也许是一种感动吧！但他永远吸引着我，打动着我内心深处。 参考 文献 ：[1]《艺术的真谛》〔英〕赫伯特.里德著 王柯平译， 中国 人民大学出版社。[2]《美术社会观――当代美术与公共文化》 邹文著，人民大学出版社[3]《历代名画记》研究 袁有根著，北京图书馆出版社[4]《艺术 分析 与美学思辩》 何新著，时事出版社。[5]《美术概论》 高等 教育 出版社[6]《吴冠中速写意境》广东人民出版社[7]《李玉昌言谈录》 《中国油画》1997年第3期[8]《情感的寄托》 《中国油画》2003年第1期
论文指导教师评语，是针对论文进行的综合性的评价。下面是2017年论文指导教师评语，希望对你有帮助。
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文题相符，论点突出，论述紧扣主题。语言表达流畅，格式完全符合规范要求;参考了较为丰富的文献资料，其时效性较强;未发现抄袭现象。
中：
论文选题符合专业培养目标，能够达到综合训练目标，题目有一定难度，工作量一般。选题具有学术研究(参考)价值(实践指导意义)。
该生查阅文献资料能力一般，能收集关于考试系统的资料，写作过程中基本能综合运用考试系统知识，全面分析考试系统问题，综合运用知识能力一般。
文章篇幅完全符合学院规定，内容基本完整，层次结构安排一般，主要观点集中邮一定的逻辑性，但缺乏个人见解。
文题基本相符，论点比较突出，论述能较好地服务于论点。
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论文选题符合专业培养目标，基本能够达到综合训练目标，题目难度较小，工作量不大。论文选题一般。 该生查阅文献资料能力较差，不能全面收集关于考试系统的资料，写作过程中综合运用考试系统知识，全面分析考试系统问题的能力较差强。
文章篇幅符合学院规定，内容不够完整，层次结构安排存在一定问题，主要观点不够突出，逻辑性较差，没有个人见解。
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指导教师对毕业论文的评语应该客观、准确、全面，同时也要提供建设性意见和建议。以下是一些常见的评语写法：1、对整篇论文的评价：该论文在思路清晰、结构合理、论述充分等方面表现出色。论文内容严谨，能够深入探讨问题，具备一定的学术水平。论文研究设计和实验操作都比较完善，但还有提高的空间。2、对论文写作风格的评价：表达清晰，逻辑严密，用词得当，语言简练，使读者易于理解和接受。论文表述过于复杂，需要浓缩文意，避免冗长的篇幅和重复性表达。论文体裁和格式符合规范，但需要注意语法、拼写和标点的错误。3、对论文结论和建议的评价：论文结论准确、明确，有数据或实验证明支撑。对所研究的问题提出了一些有价值的建议和改进措施。论文结论不够深刻或未能回答论文所提问题，需要加强分析和思考。对学生表现和未来发展的评价:学生在本论文研究中表现出积极进取的态度，具备一定的研究能力和创新意识。学生需要继续努力提高自己的学术水平，尤其是对研究方法和实验技能的掌握。学生在今后的学习和研究中应积极面对挑战，把握机遇，持续提升自己的学术水平和研究能力。
1、论文选题有意义，在吸收学术界研究成果的基础上，有自己的心得体会，提出自己的看法，言之成理。论述观点正确，材料比较充实，叙述层次分明，有较强的逻辑性。文字通顺、流畅。行文符合学术规范。今后要进一步总结经验，对音乐教育模式进行比较，这样可以把音乐教学教得更好。论文能按时交稿，经过认真修改，已经达到本科论文的要求。
2、本论文选题有很强的应用价值，文献材料收集详实，综合运用了所学知识解决问题，所得数据合理，结论正确，有创新见解。另外论文格式正确，书写规范，条理清晰，语言流畅。今后要进一步总结经验，对德育教育模式进行比较，这样可以把德育教育工作得更好。论文能按时交稿，经过认真修改，已经达到本科论文的要求。
3、在为期三个月的毕业设计中，该同学能在老师的严格要求下顺利完成整个毕业设计工作和论文的撰写。程序能正确的运行，界面安排合理，论文符合要求。在整个毕业设计的过程，态度端正，学习也比较认真，时间安排也很合理，能按时到实验室，不存在无故早退或迟到的情况。能基本在每个阶段完成相应的任务，还能主动加班，做到时间上前紧后松。当然，在这其间也存在一些不足和需要提高的地方。例如，知识面不够广，处理问题和运用知识的能力还有待提高，不能积极主动的和老师交流工作的进程。希望该同学在以后的工作或学习中注意这些问题，争取更大的提高和进步。
4、论文选题符合专业培养目标，能够达到综合训练目标，题目有较高难度，工作量大。选题具有较高的学术研究(参考)价值(较大的实践指导意义)。该生查阅文献资料能力强，能全面收集关于考试系统的资料，写作过程中能综合运用考试系统知识，全面分析考试系统问题毕业论文，综合运用知识能力强。文章篇幅完全符合学院规定，内容完整，层次结构安排科学，主要观点突出，逻辑关系清楚，有一定的个人见解。文题完全相符，论点突出，论述紧扣主题。语言表达流畅，格式完全符合规范要求;参考了丰富的文献资料，其时效性较强;没有抄袭现象。
5、论文选题符合专业培养目标毕业论文，能够达到综合训练目标，题目有难度，工作量较大。选题具有学术研究(参考)价值(实践指导意义)。该生查阅文献资料能力较强，能较为全面收集关于考试系统的资料，写作过程中能综合运用考试系统知识，全面分析考试系统问题，综合运用知识能力较强。文章篇幅完全符合学院规定，内容较为完整，层次结构安排科学，主要观点突出，逻辑关系清楚，但缺乏个人见解。文题相符，论点突出，论述紧扣主题。
6、论文选题符合专业培养目标，能够达到综合训练目标，题目有一定难度，工作量一般。选题具有学术研究(参考)价值(实践指导意义)。该生查阅文献资料能力一般，能收集关于考试系统的资料，写作过程中基本能综合运用考试系统知识，全面分析考试系统问题，综合运用知识能力一般。文章篇幅完全符合学院规定，内容基本完整，层次结构安排一般，主要观点集中邮一定的逻辑性，但缺乏个人见解。文题基本相符，论点比较突出，论述能较好地服务于论点。
7、论文选题符合专业培养目标，基本能够达到综合训练目标，题目难度较小，工作量不大。论文选题一般。该生查阅文献资料能力较差，不能全面收集关于考试系统的资料，写作过程中综合运用考试系统知识，全面分析考试系统问题的能力较差强。文章篇幅符合学院规定，内容不够完整，层次结构安排存在一定问题，主要观点不够突出，逻辑性较差，没有个人见解。文题有偏差，论点不够突出，论述不能紧紧围绕主题。语言表达较差，格式符合规范要求;占有资料较少，其时效性较差;有部分内容与他人成果雷同。
1.论文结构严谨，层次分明，采用了递进式的分析结构，逻辑性强，文笔流畅，表达清晰，重点突出。文章格式符合学术规范。反映作者具有较强的独立科研能力。论文表明作者掌握了企业管理学专业的基本理论和分析方法，论文达到了硕士学位论文水平，同意其参加论文答辩，并建议授予硕士学位。
2.论文长于思辨和综合，而短于对实际需求和现实情况的考量，比如各用户对于专业设置的需求以及数据挖掘中数据的可采集性及可用性等。建议今后在相关研究中采取更广泛视角。
3.该生对数据库的设计细节讲解详细，研究深入，论坛设计部分独立完成，有一定的科研能力，答辩中思路清晰，回答得简明扼要，语言流利。答辩组经过认真讨论，一致同意通过该生成绩为良好，但要求该生纠正论文中尚存的某些错误。
4.论文题与论文的内容基本相符，结构完整，语言比较流畅。即或在初稿中除了分段过细外，也没有发现多少严重的语法或拼写错误。作者试图从列夫托尔斯泰和曹禺的作品中寻找其小说中某个人物的关联。从内容看，作者对原著比较了解，也收集到了相关的资料，如何通过分析资料得出自己的结论这是论文写作应达到的目的，而恰恰在这一点上，作者下了苦功夫。
5.论文结构完整，各部分基本符合论文的写作规范。论文的选题很好，有创意。为了写好这篇论文，作者作了一定研究，特别是斯坦贝克的原著。从作者对原著的引用情况不难看出，作者对原著的内容是相当熟悉的。语言也非常犀利，论文条理清晰说理充分，观点具有独创性，有一定的参考价值，不失为一篇好文章。
6.在五分钟的陈述中，该生介绍了论文的主要内容与结构，以及为此进行的研究，显示出对所研究的问题有一定的认识。视频设计很漂亮，但不太符合专业要求，若多从计算机专业的角度对实现过程进行设计则更好。
7.该生流利地陈述了写作该论文的目的理论与实践意义，古玩网站设计过程很规范，但实体和概念之间联系少，整个设计应该尽量符合计算机方面的要求。
8.该生陈述清楚，回答问题流利。虽论文立意比较好，有一定的研究价值，但构架和内容都比较庞大，需要较强的独立研究能力，论文题目和客户端登陆服务器模块也需稍作修改。该生准备工作充分，环节陈述完整，论文构思清晰，体现了较好的专业基础，时间把握也很好。就是论文中有需求但缺乏需求分析，对部分答辩问题回答不太清楚，图的表示方式不规范。
9.该生用dreamweave和access数据库等技术对甘孜旅游网站进行设计，设计清新美观，主要问题回答准确，基本概念清楚，望对论文中指正的数据库存放问题进行修改。
10.该生专业素养比较好，对所提问题回答流利，正确率高，对实现过程中遇到的难题认识到位，时间把握得当，若能用比较新的运行环境进行实现相对好。
11.该生对数据库的设计细节讲解详细，研究深入，论坛设计部分独立完成，有一定的科研能力，答辩中思路清晰，回答得简明扼要，语言流利。答辩组经过认真讨论，一致同意通过该生成绩为良好，但要求该生纠正论文中尚存的某些错误。
12.在十分钟的陈述中，该生介绍了论文的主要观点内容与结构，以及论文的写作过程，条理清晰，语言无大错，对老师的提问做出了基本正确的回答，体现了一定的专业素养。但设计过程有点小问题，流程图不很完善，希望及时纠正。
13.从答辩可以看出该生总体专业基础比较扎实，准备工作充分，对论文内容非常熟悉，能简洁明了的陈述设计思想和过程，系统展示流畅，回答问题有理有据，基本概念清楚，论文有一定创新。希望继续完善论文中的部分文字和符号，争取规范使用。
14.该生在规定时间内比较流利清楚的阐述论文的主要内容，能恰当回答与论文有关的问题，态度谦虚，体现了比较扎实的计算机基础。建议把图像的打开功能用适当的文字表达出来，继续完善使论文格式规范化。
15.结合数学知识用计算机技术来处理地质问题，对方法原理掌握透彻，论文有比较好的创新。对快速傅里叶和小波变换图的结果分析到位，处理结果良好，计算机基础素养好。答辩中主要问题回答准确深入。论文中变换的指标若有对比会更好。
1.本文选题符合行政管理专业要求，又充分反映出社会现实的需要性。全文结构安排合理，思路清晰，观点正确，能很好的将行政管理专业知识与要分析论证的问题有机地结合起来。该文在写作的过程中查阅的资料不仅充分而且与主题结合紧密。但格式欠规范，案例论证不够。
2.全文以xx为题。重点探讨出xx的问题，然后针对问题提出有效的建议。全文结构符合要求，逻辑思路清晰，论据较充分，观点表达准确，语言流畅，论证方法教合理。参考的资料与主题结合紧密。
3.本文以xx为主题，选题具有很强的现实性和应用性且符合行政管理专业培养目标要求。该论文结构基本合理，全文共分xx大部分。其中第一部分xx，在此基础上重点探讨xx-。在论证过程中，该生的参考文献资料与所要论证的观点及内容结合紧密，运用的研究方法主要是理论研究与事例研究法。用词基本准确。但存在的问题主要是论据不够充分，还缺乏说服力，个别引用内容没有标明出处。
4.选题较具时代性和现实性，全文结构安排合理，观点表达基本准确，思路基本清晰，全文内容基本上按照行政管理专业培养要求来写，查阅的相关资料也较多，但行政管理专业特色体现的还不够充分，属于自己创新的东西也还不多。总体上符合毕业论文要求。
5.本文以官员问责制为题进行研究，能为解决我国官员问责制存在的问题提供参考和借鉴作用。在全文结构中，首先对官员问责制的基本原理问题进行了分析，然后再对我国官员问责制存在的问题进行深入的分析，最后为解决前面的问题提出有效的建议。全文体现专业特色要求，部分与本分之间衔接的比较紧密，真正属于自己创新的内容还不是很多。总体上达到毕业论文要求。
6.该文选题符合行政管理专业培养目标要求，能较好地综合运用行政管理知识来分析企业行政管理实践问题，论文写作态度比较认真负责，论文内容较充分，参考的相关资料比较切合论题的需要，层次结构比较合理，主要观点表达的比较明确，逻辑思路基本符合要求，语言表达基本通顺。但论证的深度还不够，创新点不足。
7.本文选题较合理，符合行政管理专业要求。全文以xx为主题来分析论证，对提高我国行政管理的xx具有参考与借鉴意义。内容论证也较科学合理，格式较规范，参考的资料紧扣文章主题需要，但创新点不够，论证不够，尤其文章最后一部分论证太薄弱，缺乏说服力。总体上基本达到毕业论文的要求。
8.这篇议论文观点明确，题记就亮明自己的看法，正文部分运用引用论证举例论证道理论证等论证方法有力的论证了自己的观点，论述条理清晰，是一篇成功的习作。
9.论文选题比较适当，观点正确，但缺少独创性的思想，论证内容比较充分，但缺乏论证深度。英语表达比较通顺，但存在少量语法错误。论文格式符合规范要求。
10.论文选题缺乏新意，论证不够充分，具体例证较少，老生常谈的内容偏多，引用他人观点的比例偏大。英语表达基本达意，但存在较多的语法错误。论文格式基本符合要求。
11.选题不适当;观点不正确;语法错误过多;抄袭现象严重;论文格式不符合规范要求;没有按时间要求完成论文。
12.论文选题有新意，有实际应用价值，论文有自己独到的观点，能够反映出学生的创造性劳动，结构安排合理，论证充分透彻，有足够的理论和实例支撑，英语语言表达顺畅得体，没有语法错误，论文格式符合规范要求。
13.本论文选题有很强的应用价值，文献材料收集详实，综合运用了所学知识解决问题，所得书记合理，结论正确，有创新见解。另外论文格式正确，书写规范，条理清晰，语言流畅。
14.该论文的文献调研全面系统，立题指导思想明确，实验设计合理可行，能够按照实验计划进行，并达到预期效果。
15.论文撰写思路清晰，语言流畅简练，层次清晰，逻辑性较强，用词准确，各种数据图表齐备规范，文献引用正确，科学性较强。表明该学生具有一定的理论基础和科研能力。
16.该论文选题正确,结构合理,内容丰富,数据资料充分,分析方法先进,写作进度安排合理,结论和建议具有区域现实意义,建议推荐为校级优秀毕业论文
17.论文选题适当，有一定的独立见解，论证充分，占有资料广泛，但理论和实例支撑不够。英语语言表达基本顺畅，仅存在个别语法错误，论文格式符合规范要求。
18.该论文选题较为新颖，视角较为独特，体现了一定的人力资源管理理论的扎实功底，特别是文章能够结合相关的案例对课题进行论证分析，具有一定的.实用价值。经过对论文的审核可以看出，作者在资料和案例收集上花了不少功夫，也能够提出一些较为深刻的观点，但在理论的深度和部分论据的引证上还存在一定的欠缺之处。总体而言，这是一篇合格的论文。
19.该同学针对当前实务界关注的热点问题，完成了资产减值准备存在的问题及对策的写作工作。论文以上市公司利用资产减值准备调节利润的现象为出发点，以资产减值准备存在的问题及成因为主要议题，采用规范分析法，重点讨论了资产减值准备存在的问题成因及对策，得到了完善企业会计准则，并采取相关措施来规范准则，以进一步完善资产减值会计，科学合理地计提资产减值准备的结论。整个写作过程该生思维较严谨，能够面对复杂的问题作出合理的判断。
20.该生对待毕业论文写作态度较端正，写作过程认真刻苦勇于专研，较主动地与指导教师沟通，虚心听取指导教师的指导及修改意见，修改及完成毕业论文。
1.该作品设计方向明确，与主题紧密结合，能较好表现人与自然和谐相处之一主题。界面安排合理，绘图规范。色彩搭配较为得当。但是，在整个作品中，我们发现作者创意灵感不够，独创性不足。
2.该生在完成在作品的整个设计过程中态度积极，充分发挥了自己创作的能动性。该作品表达的主题正确鲜明。结构合理，整体效果良好。但应该认真提炼主题，创作出记忆犹新的广告语。
3.该作品能科学完整地表现主题，具有丰富的想象能力和创新精神。构思独特，巧妙。具有一定的设计水平。符合平面广告的构成要素。但是，在色彩搭配时还显得单调。
4.该平面广告作品创意独特，充满创新元素。能正确运用形色空间明暗等美感元素。构图完整合理和谐。正确运用计算机软件作图，具有一定的制图基础。但是，在一些元素的细节搭配时还不足。
5.该作品体现作者的原创性。在制作过程中，作者参考的元素很多，同时，能巧妙的灵活运用到实际的创作中，此举值得学习。色彩整体搭配较和谐。结构严谨。但是，广告语和广告标题与图片联系的力度还不够。
6.该生具有扎实的广告专业基础知识。构图结构合理。版面整洁。绘图规范。能较好的表现设计主题。符合设计的基本要求。但是，此平面广告的整体效果一般，应该加强整体效果的设计考虑。
7.该作品具有一定的视觉冲击力。给广告受众一定的视觉感染力。整体效果统一自然。注意整体结构的布局。留给大家想象的空间。但广告语还不够经典，还有些色彩的细节忽略了。
8.该副作品采用对比的手法来表现，灰色调和彩色形成鲜明的对比。代表后学生对地球未来的思考和对环保的关注。具有一定的创意元素。图片整体搭配和谐，标题发人深醒。
9.该作品体现作者具有一定的计算机绘图功底。主题突出明确。创意较好。设计理念清晰。结构基本合理。色彩的搭配较合理。优化处理图片较得当。但是广告标题值得推敲。
10.该作品创意新颖，体现作者的创作能力。布局合理，色彩搭配合理。该生在设计过程中表现积极，态度端正，及时与老师沟通，并能合理听取意见。在创作中，该作品体现一定的创新精神。但是，在整体结构的考虑上还做得不够。
11.该作品设计思路清晰，中心思想突出，主题明确。整体切合毕业设计要求。在制作过程中，作者煞费苦心，积极构思，努力找突破口，基本实现了自主化设计。作品整体布局得当，效果较好。
12.该作品体现作者所学的理论与实践的结合，创作灵感丰富。体现作者的个性和刻苦精神。绘图整体规范，效果较好。结构布局合理。总体设计效果好。但是作品原创性不足，还应改进。
13.该作品具有一定的想象力，同时具有一定的创造力。在制作过程中，作者深思熟虑，把广告学的基本知识融入在具体创作实践中，取得一定的突破。作品整体效果一般，缺乏独创。
14.该作品切合主题，条理清楚，构图协调，广告元素运用充分。在制作过程中，该同学态度认真，虚心向指导老师请教，积极发挥自己的智慧。作品整体符合设计大纲要求。但还缺乏独创性，在色彩的搭配上还做得不够。
15.该生创作灵感丰富，积极运用计算机绘图技术和自己具备的专业知识，完成了这幅作品。此作品结构布局合理，内容丰富，整体效果良好。但缺乏创意点，广告词也不够好。
16.该生广告学功底较好，在设计中虚心听取他人的意见和建议，设计积极。作品色彩鲜明，线条清晰，主题表现明确，整体效果良好，符合平面广告的基本构成要素。是一副合格的作品。
17.该同学在设计过程中，多次与指导老师交流沟通，悉心听取老师的建议，并把它融入到自己的作品创作中。整个过程均自主完成作品。作品整体效果较好，体现广告主题要求。
18.该作品能充分表现主题，构图整体和谐美观大方。作者注重色彩和线条的搭配，能把广告基础理论知识与专业实践有机结合在一起，值得表扬。但是，该平面广告整体缺少吸引要素，不能起到让人记忆深刻的效果。
19.该同学设计理念切合主题，表意鲜明，突出主题。设计中，该生积极寻求指导和帮助，大量吸取他人的意见和建议。作品整体效果美观大方，有一定的广告宣传效果。但广告部够经典，不能发人深省。
20.该作品体现人与自然和谐相处的主题。这是全人类共同关注的话题，要把它体现在一幅作品中，难度可想而知。作者积极运用自己已有的广告基础知识，结合实践创作出该副作品，具有一定的时代性。该作品整体效果好，主题突出。但是，依然缺乏原创。
美术毕业设计论文
美术专业的同学在毕业设计论文方面会选择怎么开展呢?下面就随我一起去阅读美术毕业设计论文，相信能带给大家启发。
“成功的教师之所以成功，因为他们把课讲活了。如果说一种教法是一把钥匙，那么在各种教学之上还有一把总钥匙，它的名字就叫做“活”想。发挥课堂教学这一主渠道作用，促进学生思维创新，教学关键就在于教师把握这一个“活”字。事实确实如此，轻松和谐的课堂氛围，可以使教学收到事半功倍的效果，难以想象课堂气氛过于拘谨，甚至死气沉沉，学生在这种环境中学习，思维能活跃起来?因此，教师要尽量从本身和学生的实际出发，为学生营造轻松和谐的教学氛围，树立学生的自信心，活跃学生的思维。
一、创设课堂教学情境
在教学中设置符合课程内容的教学情境来激发学生的学习兴趣，是行之有效的方法之一。一个优秀情境的创设，对激发学生的学习兴趣、情感和思维以及教学效果都产生积极的影响。美术学科以其得天独厚的“美育”优势更适合于开展情境教学。为此，笔者在教学实践中做了一些教学情境尝试，取得了较好的效果。
如在上三年级《找果子的小刺猬》这一课时，笔者设计了一场小刺猬出门找果子的旅行游戏。孩子们展开丰富的想象，绘声绘色地讲述小刺猬如何去找果子，找到了哪些美味的果子，这时大家仿佛置身于小刺猬的童话世界，他们联想翩翩，一幅幅生动的画面呼之欲出。
绘画和音乐是姐妹艺术。音乐具有强烈的感染作用，能调动人的情绪反应。在美术课上运用一些音乐教材，将更好地辅佐美术教学。如在上五年级《江南民居》这一课时，笔者用多媒体播放《姑苏行》作为背景音乐，学生就在这个背景音乐下欣赏江南民居的美，清新淡雅的乐曲在无形中牵引着同学们的思想进入画境，感染画中精神、画中韵律，更强烈地激发感情，提高审美能力和审美情趣。在绘画的时候，笔者又播放了几首古筝曲，让同学们在音乐声中作画。课后有同学悄悄告诉我：“老师，我最喜欢一边画画一边听音乐，我的手好像更灵活了。”
二、呈现多变教学形式
《美术课程指标》指出，“应以活泼多样的课程内容呈现形式和教学方式，激发学生的学习兴趣。多变的教学形式并非只为吸引学生的
注意力，重要的是让孩子们参与，因为他们是教学活动的主体。除了本课导入部分的猜谜语形式外，还有很多不同的教学形式。例如：实验不该成为科学课的专利，美术课同样可以进行。
在上《三原色和三间色》这一课时，为了让学生对三原色和三间色有深刻印象，笔者设计了一个实验激发学生的好奇心，调动学生的学习积极性，主动仔细地观察并发现问题。第一组学生到教室外面，用红、黄、蓝三种颜色的透明塑料纸实验。要求先对着太阳分别感受三种纸的色彩，然后再分别将红色的塑料纸和蓝色的塑料纸叠加;蓝色的塑料纸与黄色的塑料纸叠加;红色的塑料纸与黄色的塑料纸叠加，并对着阳光观察叠加后的色彩。最后把观察到的现象记录在纸上，笔者发现学生在实验的时候各个兴致勃勃、做着记录。第二组学生留在教室里进行水粉颜料的调和实验，学生把红、黄、蓝三种颜料按照不同比例进行调和，然后将每次调和的记录写在纸上。离下课的时候让两组不同实验的学生进行实验结果交流得出三间色。课后有好多学生问笔者：“这是不是美术课?太好玩了!”笔者反问他们：“你们觉得这节课上有没有学到什么美术知识呢?”，有学生说：“我知道红+蓝=紫，红+黄=橙，黄+蓝=绿。”笔者说：“在实验中你们能够自主地学习，懂得了颜色的调配，知道了紫色、橙色和绿色是三间色，是由三原色的`等比例调配而得的。你说这样的美术课算不算美术课?”这位学生高兴地说：“刘老师，我喜欢这样的美术课。”。这种通过实验方法学习颜色的调配，能够很好地调动学生的学习积极性，促进学生更好地学习。
三、感悟生活，激发创新思维
生活是海洋，凡是有生活的地方就有快乐和宝藏，就孕育着灵感和热望。美术课更应该努力贴近学生的生活，向学生提供让他们“感受美，热爱生活美以及表现生活美”的领地，这样才能与他们的经验相联系，触碰到他们的“兴趣点”，这种兴趣来自于他们的心底，他们会积极主动地参与到本课的学习和研究中，激起创造美好生活的愿望与动力。
五年级《悠悠老街》这课以探访家乡老街的历史与文化的活动，让学生从美术角度去感受、体会其中的历史文化内涵。学习用简洁的文字或速写等方法记录下来，作为创作的素材。教材选用了安徽的西屯老街、浙江的西塘老街、绍兴的老街等摄影作品，通过赏析，感受各地老街在岁月的沉淀中显露出浓郁而独特的古韵和人文气息。通过与现代城市建筑的对比，学会了解、欣赏历史文化建筑的特点，感受老街古建筑群所展现出来的线条韵律美、色彩简约美、构造节奏美、雕刻典雅美和意蕴和谐美。不同季节、不同时间的老街风光照片的呈现，使学生犹如穿越时空。漫步老街，踏着磨得光溜溜的青石板小路，穿过曲曲折折的小巷，在那些乌黑发亮的门板上，在写满岁月沧桑的街面店铺中感受昔日的繁华;拾阶而上，在拱桥上感受老街上特有的文化底蕴;临窗而倚，从白墙黛瓦中呼吸着老街浓厚的诗情画意。在学生凭吊古物、品玩老街、寻觅人文的活动中，激发他们探访历史文化活动的热情。一组反映老街传统风俗的图片，向学生展示了这些正在慢慢淡出人们视线的老行当。学生在探究传统文化的同时，进一步培养尊重、热爱传统文化的情感。教材还提供了一组同龄人作品，通过赏析，使学生学习用丰富的美术手段记录传统历史文化的方法，拓宽思路，创作出富有个性的作品。
总而言之，笔者认为我们的艺术教育，应该使受教育者得到全面发展，成为有个性、有思想、有活力、有创新意识、多能力的人。我们应该不懈努力，在美术新课程改革的教学活动中探索一种更趋合理的教学模式和更好的教学手段。
开放式的美术教学应适应素质教育的要求，面向全体学生，以学生的发展为主，培养学生的人为精神和审美能力，教师应充分发挥美术教学特有的魅力结合开放性的教学手段使课程内容与不同年龄阶段的学生的情趣和认知特征相适应，以活泼多样的课程内容呈现形式和教学方式，激发学生的学习兴趣，并使这种兴趣转化为持久的情感、态度，为此在美术课堂教学中，应紧紧把握教学内容与学生的生活经验紧密相连，结合采取开放式的教学手段使学生在实际生活中领悟美术的独特价值。
在美术教学中我结合六年级美术课《我设计的服装》一课来谈一下怎样实施开放性的课堂教学。
一、 培养开放式的师生关系。
开放式的师生关系就是改变教师居高临下、盛气凌人的教态，和学生保持一种谦虚合作的态度，蹲下来与学生交流，以关爱的心态走进学生，理解学生，当学生不舒服时你能关心的摸摸他的额头及时陪她到卫生所就诊，冬天给每一位学生倒一杯热水嘘寒问暖，给困难学生买几个作业本、几枝画笔、几盒水粉，美术课帮学生铺铺纸、涮涮笔、调调色，学生都会投给你无限的感激之情。课外活动时和他们一起做游戏、捉迷藏、搞运动、练舞蹈，成了学生中真正的孩子王，和学生无拘无束的相处、自由自在的交往才能深入的了解学生，了解他们的困难和需要，了解他们的兴趣和爱好，了解他们的苦恼和欢乐等，
以自己的宽容走进学生，思想上成为学生的知心姐姐，生活上成为学生的父母，学习上成为学生亲密合作伙伴，这种开放性的师生关系缩短了师生间的距离、消除了师生间的隔阂，培养了师生间的感情，他们在老师面前，心无所忌、事无所隐、敢想、敢说、敢争论、敢探究，激发了学生的创新意识。培养了学生的积极参与合作的精神。
二、 创设开放式的导入形式，激发学生兴趣、
俗话说“良好的开始是成功的一半”，教学时我会用各种生动有趣的教学手段，如课件、范画、多媒体，甚至故事、游戏、音乐及小舞台剧等方式引导学生增强对形体的感知能力和想象力，用多种方式调动学生参与美术学习活动的兴趣。如《我设计的服装》一课，教师先播放“时装秀”片段，其中模特们形象生动的表演会把同学引入情景，教师适时拿出几块简单的布，几枚曲别针，把自己装扮起来，穿上“晚礼服”放音乐，走几遍模特步，学生观看并作出评价，自由发言如：教师的颜色搭配不合理，模特步应夸张些等。在评价的过程中提高学生的审美力和想象能力为服装的设计奠定了基础。同时模特人物的欣赏使学生产生了新奇感和求知欲，激发了学生的学习兴趣，充分调动学生的积极性和主动性。
三、提供开放式的课堂教学活动，让学生体验“能创新”的成功感。
教师不失时机的再出示十几块花布和其它装饰品，让学生现场设计，现场表演，从而过把“小设计师”的瘾。教师播放轻音乐，学生以小组为单位充分发挥群体作用，自由选材，根据布料的颜色不同，
大小不一和人物形体特点装扮各组的“模特”。从中把死板的师“教”生“学”改为学生探究学习，让学生从中体验学习的快乐。教师此时在引导学生运用自己喜欢的形式表现自己喜欢的服饰。教师的轻音乐让学生在宽松和谐的氛围中自由创作，此时学生的思维处于兴奋状态急于创作，此时奥特曼服，甜美服，淑女服，休闲服等构思出现在各小组中间。学生小组内进行交流，并结合各自模特的特点，介绍服装设计的方案，这样同学之间有交流、有碰撞、有互助后的提升，提高了学生的创造能力、想象力和口语交际能力。
四、开放式的评价引导出开放式的拓展活动。
根据小学生的好奇、好胜、好表现的心理特征，学生设计完时教师及时播放模特走T台的音乐，让“模特”们不由自主的走起来展示自己，再走几趟模特步，秀出自己，让学生通过观看、鉴赏互相作评价，打破了过去教师只评价学生的一贯做法。在开放性的师生关系下，他们畅所欲言，这样学生在评价的过程中提高了想象力和审美观，激发了学生的创作欲望。在巧手的装扮下，短小精悍的肚脐装;温文尔雅的淑女装;个性张扬的休闲装;奇形怪状的时尚装等相继而出，“模特”们都身不由己的走起模特步，他们惟妙惟肖的表现让我赞叹不已。这样开放性的活动，给同学们提供了更多参与的机会，学生自然而然被吸引过来。始终处于主动参与的角色，激发了学生自求发展不断创新的内在动力，充分发挥了学生的主体能动性和创造性。
总之，开放性的美术教学是教师转变教学观，重视教材内容的整合、开发和利用，改变学生的学习方式，形成师生互动的课堂教学氛围的有力措施;是努力为学生提供观察生活、欣赏他人作品、合作交流的自由创作空间。
绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
美术作为艺术的最直接表现形式，其不仅给人带来视觉上的享受，而且还是一门深刻的艺术课题。下文是我为大家搜集整理的关于美术生 毕业 论文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!
浅谈美术作品中的地域 文化 特色
摘 要：不同地域文化特色在艺术领域产生了丰富多彩的审美层次，本文从分析地域文化特色对美术创作的启发着手，重点以三峡民间美术图像、藏族主题美术和新疆主题美术为例，解析了美术作品中地域文化特色的体现。
关键词：美术创作;地域;文化;特色
我国疆域辽阔，多民族文化并存，长期以来，形成了不同地域文化下风格迥异的艺术流派，对于美术创作而言，不同地域文化所衍生的民风民俗、特色建筑以及自然风光，都给美术创作提供了不可或缺的创作素材。
一、三峡民间美术图像的文化特色
三峡民间图像是涵盖了以巴楚文化在内的长江流域一带的民间文化所形成的地域性民间美术，其总体内容大致可分为三大部分：第一部分为注重实用功能的民间艺术，包括了劳动者衣、食、住、行所需的实用性装饰艺术品，如民间扎缝编染、民间建筑等;第二部分为注重观赏功能的民间艺术品，有民间雕塑、民间绘画、民间书法、皮影、刻板印画、捏塑等;第三部分为注重祭祀礼仪的民间艺术品，包含节令用品、年寿用品、祭祖用品、祭神用品等。众多分们别类的三峡民间美术却有着共同之处，那就是诞生于勤劳勇敢的三峡人民之手，也造福了子孙后代，并通过美术作品记载了悠久的巴楚文化。
以三峡民间美术图像“梁平 年画 ”为例，梁平年画起源于十七世纪明末清初，有着三百多年的历史，它的艺术特点不同于绵竹年画的浓艳鲜亮，又异于杨柳青年画的细腻典雅，又别于山东潍坊年画的明快活拨，显得朴素凝重，浓艳深沉，表现出独特的古朴粗、浑厚野俗之美，独显巴渝山民特有的纯朴慈厚气质。梁平年画的内容常以传统题材为主，表现手法极浪漫，用色大胆，对比强烈，整个画面简洁明快，梁平年画的图像元素可为现代设计所用，例如在表现手法上，运用精炼的线条概括出生动的造型;运用鲜明的色彩，形成强烈的视觉冲击;运用夸张A对比，形成浓厚的装饰性和趣味性。在现代设计之中，巧妙地运用这些图像特征及元素以使现代设计更加具有艺术价值。
当然，梁平年画只是三峡民间美术长廊中的微微一角，除此之外，梁平门神、三峡民间竹帘、三峡民间皮影、 刺绣 、挑花、 雕刻 等等，都展现了不同历史时期，三峡地区的自然环境、社会环境、宗教信仰和民风民俗，表达了巴楚人民对生活的美好向往。
二、藏族主题美术作品中的乡土文化特征
藏族独特的自然气候和地理环境造就了其独特的乡土文化，相对于汉族而言，藏族的乡土文化更体现在农牧生活中，比如高原、草地、牛羊和青稞麦，而描述这一类乡土文化场景的美术作品有李焕民的《初踏黄金路》，表现了藏族农民喜获丰收的壮观场景，还有周春芽的《剪羊毛》，展现了藏族人民日常劳作的画面。
朴实和本真的藏族儿女也是藏族乡土文化的代表之一，著名画家陈丹青在在《进城》、《牧羊人》、《康巴汉子》等作品中，描绘了一个个藏族男女，但令人印象深刻的是，画中的主人公并没有很具体的身份，不是英雄不是劳模，他们作为画面形象只在于一个简单的理由生命的存在，用作者自己的话来说就是他们站着，就是一幅画。
除此之外，藏族乡土文化还表现出对传统和原始生活的探究，美术作品《扎西德勒图》也充分展示了藏历新年的传统民俗风情，这幅壁画展现了人物71位、动物49个、吉祥图案和节日用品100余种，全图中心为吉祥双斗、白色羊头、青苗及各类吉祥物周围为跳锅庄舞的藏族男女。家家团圆，吉祥如意的新年主题在画面上铺开，充分反映了藏族 传统文化 的丰富魅力。
三、新疆美术作品中的民族风情
在新疆这片热土上，生活着质朴的各个民族，他们的衣食住行独具民族特色，比如绚丽多彩的各式地毯，精巧别致的手工艺品，飞奔的马群，四季飘香的瓜果等等。以这些为创作素材的有很多作品，其中不乏油画创作，如阿不都克里木?纳思尔丁的《摇篮曲》、柴新春的《天伦之乐》、白昆亭的《维吾尔妇女》、张怀的《伊犁姑娘》、卓然木?雅森的《赶集》、玉素甫江?拜尔地的《于田人》、毛玉龙的《伊犁人家》等等。其中阿不都克里木?纳思尔丁的油画创作《摇篮曲》，此幅油画创作体现出艺术家善于挖掘生活中非常入画的题材表现，能捕捉容易被人们所忽略的那种美好。作品描绘出了一种少数民族平凡的生活场景，一位柯尔克孜非常年轻的母亲正在摇篮旁边，为孩子吹着舒缓的摇篮曲。通过以美术创作的形式，艺术家让如此寻常的场景就能深深地打动观者的心弦，更从作品中流露出作者对于生活的挚爱。
另外，节日是新疆少数民族文化意味最为浓郁的一种精神状态，像维吾尔族的“肉孜节”，“古尔邦节”，哈萨克族的“诺吾鲁孜节”，回族的“圣纪节”，塔吉克族有“祈脱齐地尔节”，柯尔克孜族有 “诺鲁孜节”，“巴罗提节”，他们的活动丰富多彩，新疆美术艺术家在感受不同民族节日的同时，必然会时将这种节日的气氛融入自己创作中。诸如赵培智的油画创作《盛装》，刘建新的油画创作《欢乐的日子》，就是以此为内容的绘画作品。由此可见，尽管新疆自然环境相比内地艰苦一些，有着恶劣的气候，贫瘠的土地，但人们在这样的环境中更加激发了对生命、生活的渴望，并通过绘画这种方式，来表达对生命的崇敬、对生活的热情，在精神世界寻求另一种寄托。
四、结语
当然，巴楚地区、藏族地区和新疆地区只是我国特色地域的一部分，更是世界范围内地域文化的沧海一粟，每个地区都有气质独特的历史轨迹和挥之不去的文化记忆，而文化是艺术家创作的底蕴，是作品的精神和灵魂，是根脉。古往今来，深厚博大的地域文化生长出了无数鲜活、生动的文学艺术作品，宛若群星璀璨，闪烁在历史文化的天空。
参考文献：
[1]邹璐. 浅谈地域文化影响下的艺术创作研究――乌江流域 民俗文化 与美术创作随感[J]. 美术界，2011，11：81.
[2]王颖. 新疆美术创作中的民族性与时代性研究[D].新疆师范大学，2014.
[3]王宏伟. 藏族主题美术创作与当代国家形象研究[D].中央民族大学，2011.
[4]刘利霞. 谈地域文化对高校美术创作的影响[J]. 艺术 教育 ，2009，06：124+113.
论文艺复兴时期美术的意义
摘 要：世界美术史上具有划时代意义的时期即是文艺复兴时期，这个时期绘画的表现主题受到了人文主义思想的影响，虽然宗教题材所占的比例较大，但是这种思想推动和成就了一批美术大师，这一时期的美术作品影响了全世界美术的发展。
关键词：文艺复兴;人文主义;美术
14世纪在意大利兴起的文艺复兴运动，推动着时代向前迈进，随之在15世纪影响了整个欧洲的思想，一场空前的思想复兴解放运动蓬勃发展起来。这场运动是欧洲文学和艺术发展的一次飞跃，也成就了欧洲科学技术发展的黄金时期。并推动了欧洲历史文化的大繁荣时代的到来，历史学家把这个时期称之为为古代希腊、罗马文化在经历了近千年的黑暗与衰落之后的再生时代。
一、文艺复兴时期美术是一种社会意识形态的进步
中世纪时期欧洲人们思想愚昧，社会文化落后，社会等级非常森严，会就趁虚而入，基督盖地的深入到了人民中来，宗教开始影响人民的生活和画家的表现题材。当然，这个时期的画家选择绘画自然题材作品不单是表达自己对自然的热爱，更多的是通过自然题材的形象来象征传达自己内心的宗教信仰。以形象的自然刻画来表达内心精神的真实，这种绘画特点在这个时期普遍存在。
“文艺复兴”运动出现的根本原因是资本主义的萌芽的出现，文艺复兴给人们一次思想大解放，推动了历史前进的步伐，同时，也促进了科学技术的飞跃和文化艺术的繁荣。资本主义萌芽时期的生产关系发生变化，资产阶级需要建立新型社会模式，宗教控制模式已经严重阻碍了资本主义生产关系的发展，资本主义社会需要崇尚自然和科学，更加注重体现人自身的价值。随之，美术也要冲破封建宗教意识，开始注重“人性”和对人自身的表达，开始真实地表达真实的自然世界。
终于冲破“神性”和宗教的束缚，表达“人性”的美好。达?芬奇的著名美术作品《蒙娜丽莎》就是那个时代典型女性的作品，画面是以风景为背景，女性形象蒙娜丽莎呈现出无尽的优雅气质，脸庞上稍有微笑，却又有着若有有无的悲伤。达?芬奇刻画了一个内心情绪复杂、面庞带有微笑却又夹杂忧伤的少妇形象。这已经不再是宗教题材的人物形象了，不再是神的传播者了，而是崇尚人自身美感和内心情感表达，所以，这段时期的美术作品都富有鲜活的生命力，饱含着艺术家的灵感，同时也是美术发展史上一个重要的时期，为近代美术的产生和繁荣奠定了坚实的基础。
二、文艺复兴时期美术在思想和形式上的解放
在中世纪时期，人被压榨的无所作为、消极和自卑，人的价值根本就是微不足道。而文艺复兴时期提倡的人文主义思想， 大力提倡人性要得到解放，人需要自由，需要关注人自身的价值和创造力，打破“神性”的束缚，实现“人性”的解放和追求;关注人的现世生活，重视对人的个性的关怀，强调维护人性尊严，主张自由平等和自我价值体现。反对中世纪的宗教神学主义和禁欲主义，强调追求物质幸福及肉欲上的满足。因此，这一时期的人们转而关注自身及个性，对生活的追求也变得世俗化。人文主义思想也给艺术家带来了重大的影响，指引他们在思想上进行了一次深刻的变革。
他们不再受到宗教的管制和束缚，不再有打压，变得大胆起来，敢于在绘画作品中勇敢表达自己的观点，表达“人性”，表达自己对人的自由的追求，对人自身的关注。如威尼斯画派著名画家提香的名作《乌尔宾诺的维纳斯》，它是一幅女性的裸体画，其中的女性形象不再是像之前中世纪时期的作品一样，不再是神圣得高高在上的样子，而是像普通世俗生活中的少妇。提香不仅将画中人物表现成清醒的模样， 而且眼神中充满了企盼的神情。提香的这幅作品是对禁欲主义权威的挑战，体现了人类肉体的生命力，同时还表达了肉体的诱惑，而这些都体现出了作者受到人文主义思想的深刻影响。
三、文艺复兴时期美术在画材和技法上的突破
技术创新，是文艺复兴时期一个重要方面。其中，在美术上最为显著的技术创新之一就是15世纪尼德兰画家扬?凡?艾克对于油画技法的革新。中世纪时期的画家在绘制油画作品时，一般采用蛋彩颜料。由于这种颜料会在几分钟内干掉，画家在作画时就会受到很大的局限。他们必须在画板上一小块一小块地迅速作画，而这不利于画面长时间的精细刻画。直到15世纪初用油作为媒介剂调色的技术才引起艺术家们的普遍重视。当时的调色油多以蓖麻仁油做媒介， 但这种油干燥时间过长，延长了绘画的制作周期。
扬?凡?艾克首先在曝晒浓缩后的蓖麻仁油中掺入一定成份的具有挥发性的植物油，这样配置的调色油干燥时间大大缩短，这样画家在作画时限上不再受很大的局限，有利于长时间的精细作画。颜料的透明性赋予了他的绘画珠宝般的质地，它们似乎能从内部发出光亮。例如他的名作《根特祭坛画》，每一个细节都以自然写实的手法栩栩如生地描绘出来，这种表现手法是以油彩的发展为前提的。尼德兰的油画技术传入了意大利， 并在意大利发扬光大，意大利的威尼斯画派在油画的依托材料上又进行了革新。
综上所述，文艺复兴时期的美术在整个美术发展史上具有划时代意义，它是美术史上一个重要的时期，为近代美术的发展奠定了基础，指明了方向。
参考文献：
[1]朱龙华：《意大利文艺复兴的起源与模式》人民出版社 2004年出版
[2]赵振宇：《欧洲文艺复兴时期美术作品浅谈》 文教资料 2006年出版
[3]杨贤宗：《文艺复兴观念的起源与发展》 南京艺术学院学报 2007年出版
网上有类似的论文，你可以看看的。创作过程可以写的。关于格式，你们应该有论文指导老师吧
美术毕业创作开题报告
导语：美术毕业创作的开题报告有什么特色呢?美术毕业创作的开题报告内容包括哪些方面呢?下面是我分享的美术毕业创作的开题报告，欢迎阅读!
题目：试论水彩画创作的表现形式
(一)选题的根据：
1)本选题的理论、实际意义
理论意义：
水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。颜色携带方便，也可作为速写，搜集素材用。绘画艺术审美意识物化形态的特征简单说来，就是——“写意性”。不同的表现形式能够表现出不一样的情感。
实际意义：
对水彩画家来说，作品中表现的物象与反映生活，都有自己的认识和方法。在水彩画作品中,写意性也可以直接作用于观赏者的心理感官,强化着作品所要表达的内涵和作品的意图,以产生深刻的寓意,来丰富作品的艺术表现力和艺术感染力。同时,写意性的运用也进一步触动了人们的潜意识,并感染观赏者对作品的欣赏情绪。掌握水彩画中的写意性的规律和技巧，能够准确、鲜明、生动自然地描绘对象及其色调的特征的惟一途径就是时刻和大自然保持着联系，并且从自然中获取充足的养分，去更进一步追求更高的境界。艺术家借助一定的表现形式直接塑造出可感的艺术形象，以此来表现艺术家对现实的审美认识和创作体验，以此来表达他的情感内容。通过表现形式的运用，艺术家能够灵活、自由、含蓄地表现复杂的现实生活，抒写自己丰富的情感和独特的审美体验。
2)综述国内外有关本选题的研究动态和自己的见解
研究动态:
国外研究动态：有明确文字记载的就可以追溯到150万年以前，西班牙旧石器时代的阿尔太米拉石窟壁画中的野牛、古埃及盛行于Memphie时期用芦笔画在草纸和墙壁上的画以及我国西南地区诸省的崖画，都可以说是原始社会早期的水彩画。水彩画是标志人类文化与文明的最早的艺术形式之一 。但水彩画真正发展成为独立画种，则主要是通过英国水彩画家们的努力来完成的。18世纪到19世纪中期，英国水彩画取得辉煌成就，使水彩画作为一门独立画种真正登上艺术殿堂，在世界艺术格局中占有一席之地。因此，人们把英国作为水彩画的发源地。但几经沿革，由钢笔淡彩发展成多彩风格，直至逐步突破古老画法，大胆追求自然光色，从而创造出英国水彩画最辉煌的时代。技法日趋成熟， 水彩画特性更为明显，名家辈出，享誉世界， 19世纪中期，达到了可与油画相媲美的水平，终于登上绘画艺术的巅峰。然而现代水彩画在美国发展蓬勃，美国已成为 20世纪以来新崛起的'“水彩画王国”。流派纷呈，画家众多，如大卫.理勒 .米勒得 (David Lyle Millard)、安德鲁.怀斯 (Amdrew Wyeth)、法兰克.韦伯 (Frank Webb )、查理斯.雷德 (Charles Reid)等。美国最大、最有权威的水彩画组织——“美国水彩画会”建于1866年(前身为纽约水彩画会)，每年举行一次画会年展，推动着水彩画的进一步繁荣和发展。现在，水彩画不仅在西方，也在东方蓬勃发展，水彩画已成为一个世界性画种。
在国内研究动态：新中国成立后，在“百花齐放、百家争鸣”方针的指引下，水彩画蓬勃发展。 1949年，“中华全国美术工作者协会”在北京成立，组织创作活动。1954年，中国美术家协会举办“全国水彩画、速写展览”。1956年举办的“全国第一届青年美术作品展览”展出水彩画一百多件。20世纪五六十年代，画家们深入生活，用水彩画来反映新中国的新面貌，写实风格得以确立，奠定了中国水彩画重写实的传统模式。李剑晨的《晨曦中的人民英雄纪念碑》、古元的《延河饮马》、萧淑芳的《丁香花》都是当时影响广泛的佳作。
20 世纪50年代，苏联格拉西莫夫、茹可夫、克里马中等画家的水彩画相继传入中国，他们“讲究造型严谨和色彩真实 ” 的写实传统极大地影响了中国水彩画艺术的发展。
自己的见解：
目前存在的许多问题比较复杂，很难归纳。从近几年举行的几次大型美展来看，有一个很突出的现象：水彩画作品中缺少画家内心活动的具体表现。现在画画的人大多都是靠临摹照片，缺少对事物的感触，缺乏自己对事物的认识和产生的独特的感觉。水彩画进一步发展，绘画形式的多元化与单纯的技法进一步影响着水彩画的意境。还有一些高科技手段开始被运用到水彩画创作中，甚至使用微喷技术，在专业的美展上这应该是受谴责的。
(二)研究内容
本文从理论出发，联系实际，对水彩画中的写意性进步作了一系列的研究，并对提出了各种技艺对水彩画创作的影响，具体内容如下：
一、题材选择是水彩画创作的“质”
二、作画技巧是水彩画创作中的“法”
(一)干画法和湿画法影响着画中的空间变化
(二)水分是水彩画中不可或缺的媒介
1、时间问题
2、空气的干湿度
3、画纸的吸水程度
(三)“留空”为水彩画中的“点睛之笔”
三、构图方式是水彩画创作中的“形”
四、艺术内容是水彩画创作中的“情”
(一) 静物水彩画
(二)风景水彩画
(三)人物水彩画
五、总结
(三)研究方法、技术路线及可行性分析
研究方法：
(1)调查法：通过对近现代画家的调查，了解水彩虚实技法的发展进步过程。
(2)文献研究法：通过查阅大量的书籍资料，从而全面的、正确的了水彩技法及在当代中国艺术教育中的发展过程和状态，以及在这个过程中出现的一些问题。
(3)定性分析法：对于本研究课题，我们除了要掌握一些资料之外，更多的要形成自己的思维体系。对获得的各种资料进行思维加工，从而了解中国当代水彩技法的虚与实在美术教育中的地位和影响。
可行性分析：
1、资料来源充足：现代网络设备，各种的期刊，报纸杂志都能为我们提供信息。相应的理论研究比较多，对本课题的研究提供了丰富的基础性支撑;
2、导师的精心指导：在导师的精心指导下，我修改论文，查找相关资料，使论文研究更彻底;
3、准备及研究时间充足：我校开展论文写作的时间充足，从2010年7月份开始选题，到2011年5月中旬定稿，将近半年的时间可以供我们写作和研究。
(四)进度安排和采取的主要措施
1、2010年7月10日——8月10日 收集资料，重读作品，确定论文题目，查阅相关资料。
2、2010年9月1日——9月12日 在指导老师的指导下，拟定写作提纲，并按学校相关要求完成开题报告，准备开题答辩。
3、2010年7月13日——12月30日 完成论文初稿，并交指导老师评审。
4、2011年1月1日——3月10日 认真听取指导老师的意见，修改论文。完成论文2稿。
5、2010年3月11日——5月10日 完成第三、四稿，毕业论文中期考核。
6、2010年5月11日——5月20日 定稿，装订，成册，准备答辩。
(二)主要措施：
1、查阅有关文献，去期刊网或报纸、杂志等媒体了解相关资料;
2、分析问题，运用所学知识、结合事实分析并解决问题;
3、与指导老师及同学共同探讨有关本题的相关内容。
(五)主要参考文献
[1] 孔新苗,张萍.中西美术比较[M].济南:山东画报出版社,2002.
[2] 蒋跃.水彩画艺术[J].美术杂志社,2000,(5).
[3] 张道一.美术鉴赏[M].北京:高等教育出版社,2003.
[4] 孙宜生.意象素描[M].武昌:华中工学院出版社,1986.
[5]童丽莉.水彩画的当代视野彩绘当代—中国水彩画高峰论坛纪要[N],浙江美术在线-世纪美术
[6]关维兴.我和水彩,光明日报[J]1998,10,(25).
[7]于然.绘画色彩基础[M].乌鲁木齐:新疆美术摄影出版社,1988.
[8]中国水彩画(第六期)[J].天津:天津人民美术出版社, 2002.
[9]文金扬.绘画色彩学[M].济南:山东美术出版社,2001.
[10]王伯敏.中国画构图[M].天津:天津人民美术出版社,1981
[11]潘公凯,等.中国绘画史[M].上海：上海古籍出版社，2004.
课题名称：初中美术学生兴趣培养
一、课题的提出
《初中美术新课程标准》指出：在推进素质教育的过程中，越来越多的人认识到美术教育在提高与完善人的素质方面所具有的独特作用。尤其是美育列入教育方针以后，美术教育受到了空前的重视，迎来了新的发展机遇，进入了重要的发展时期。同时我们也应该看到，我国义务教育阶段的美术教育还有许多不能适应素质教育要求的地方，如课程综合性和多样性不足;过于强调学科中心，过于关注美术专业知识和技能;在一定程度上脱离学生的生活经验，难以激发学生的学习兴趣。这影响了美术教育功能的充分发挥，制约着我国义务教育阶段的美术教育事业的发展。
一方面，在素质教育的背景下，重视美术教育的呼声越来越高，美育的重要作用日益突显;而另一方面，如何利用现有资源，想方设法地提高学生学习美术的兴趣，进而提高学生的审美用美能力，就成了亟待解决的问题。
心理学告诉我们，兴趣是个体以特定的事物、活动及人为对象，所产生的积极的和带有倾向性、选择性的态度和情绪。每个人都会对他感兴趣的事物给予优先注意和积极地探索，并表现出心驰神往。例如，对美术感兴趣的人，对各种油画、美展、摄影都会认真观赏、评点，对好的作品进行收藏、模仿;
兴趣不只是对事物的表面的关心，任何一种兴趣都是由于获得这方面的知识或参与这种活动而使人体验到情绪上的满足而产生的。例如，一个人对跳舞感兴趣，他就会主动地、积极寻找机会去参加，而且在跳舞时感到愉悦、放松和乐趣，表现出积极而自觉自愿。
兴趣是和个人的认识和情感密切联系着的。如果一个人对某项事物没有认识，也就不会产生情感，因而也就不会对它发生兴趣。相反，认识越深刻，情感越丰富，兴趣也就越深厚。例如，集邮，有的人对集邮很入迷，认为集邮既有收藏价值，又有观赏价值，它既能丰富知识，又能陶冶情操，而且收藏的越多，越丰富，就越投入，越情感专注，越有兴趣，于是就会发展成为一种爱好。兴趣是爱好的前提，爱好是兴趣的发展和行动，爱好不仅是对事物优先注意和向往的心情，而且表现为某种实际行动。例如，对绘画感兴趣，而且由喜欢观赏发展到自己动手学绘画，那么就对绘画有了爱好。有了兴趣爱好，就有了学习的动力。才能言及美术教育的效果和质量问题。
美术教学的现状及存在的问题：
1.师资缺乏。象我们这样偏远的农村初中，基本没得专业的美术师资，更谈不上对学生进行专门的美术训练。即使偶尔上了几节美术课，也只是"放羊"式的，让学生随便涂鸦，然后给个分数。
2.重视不够。虽然按部颁计划每班每周开设了一节美术课，但老实说，大都没上过，更谈不上认真上美术课。美术课的地位还不如生物、地理这些所谓的"豆芽课",它几乎全被语文数学这些主课给挤占了。
3.教育评价存在弊端。虽然素质教育推行好多年了，但在我们这些偏远的农村地区，仍然是应试教育占主导地位，主要以学生成绩来评价教师，没得对美术教师的评价制度和细则。
4.社会认可率低。家长和社会普遍认为，主科成绩仍然是学生升学的最重要的筹码，艺术培养只是成绩差的学生和有背景的学生才愿意做的。美术成绩与上高中关系不大，甚至没有关系。
综上所述，我们将通过本课题的研究，从教学的一点一滴做起，着力针对以上问题进行教学实践研究，从而很好地培养学生学习美术的兴趣、习惯，培养学生发现美和创造美的能力。
美术毕业创作论文开题报告
导语：美术毕业创作论文开题报告既是规范本科生毕业论文工作的重要环节，又是完成高质量毕业创作（设计）的有效保证。为了使这项工作规范化和制度化，特制定本要求。以下是我整理的资料，欢迎阅读参考。
本科毕业创作（设计）开题（立意）报告
创作（设计）题目：《放飞希望》风筝系列包装设计
学院：美术学院
专 业 、 班 级：艺术设计·装潢00级0班
学生姓 名：指导教师 （职称）：xx（讲师）xx（助教）
20xx年xx月xx日填
美术学院毕业创作（设计）开题（立意）报告要求
开题（立意）报告既是规范本科生毕业论文工作的.重要环节，又是完成高质量毕业创作（设计）的有效保证。为了使这项工作规范化和制度化，特制定本要求。
一、选题依据
1.创作（设计）题目及研究领域；
2.创作（设计）工作的理论意义和应用价值；
3.目前研究的概况和发展趋势。
二、创作（设计）研究的内容
1.重点解决的问题；
2.拟开展研究的几个主要方面（写作大纲或创作、设计思路）；
3.创作（设计）预期取得的成果。
三、创作（设计）工作安排
1.拟采用的主要研究（创作、设计）方法；
2.创作（设计）
进度计划。
四、文献查阅、（创作、设计）资料综述
学生应根据所在学院及指导教师的要求查阅一定量的文献和搜集创作、设计资料，并在此基础上通过分析、研究、综合，形成综述。必要时应在调研或实习的基础上递交相关的报告。综述或报告作为开题（立意）报告的一部分附在后面，要求思路清晰，文理通顺，较全面地反映出本课题的创作、设计的背景或前期工作基础。
五、其他要求
1.开题（立意）报告应在毕业创作（设计）工作开始后的前两周内完成；
2.开题（立意）报告必须经学院教学指导委员会审查通过；
3.开题（立意）报告不合格或没有做开题（立意）报告的学生，须重做或补做合格后方能继续创作（设计）工作，否则不允许参加答辩；
4.开题（立意）报告通过后，原则上不允许更换题目或指导教师；
5.开题（立意）报告的内容，要求打印并装订成册（部分专业可根据需要手写在统一纸张上，但封面需按统一格式打印）。
随着人们自身素质提升，报告的用途越来越大，写报告的时候要注意内容的完整。那么，报告到底怎么写才合适呢？以下是我为大家收集的美术毕业论文开题报告，希望对大家有所帮助。
一、论文题目
论线条在油画语言中的表现力—马蒂斯作品中线的表现与研究
二、研究意义
线是视觉艺术的初始形式，是人们观察和描绘自然的一种基本方式。绘画艺术中的线条起到了描摹物象的外围轮廓，为之勾勒骨架的重要作用。线条在东西方绘画历程中演变出了丰富多彩的表现方式，绘画的表现语言由此变得生动和充实，不同的画家以风格各异的线条丰富着绘画的语言。研究线条为深入研究画家的创作个性，艺术样式的演变提供了一条有价值的道路。
20世纪初以马蒂斯为代表的“野兽派”具有突出的意义，虽然这并不是一个实在的团体，但马蒂斯在这一个解放色彩、探索形式创新的时代却独具代表性，他的素描和绘画都不是简单描摹自然，而是以线条来抽象地展现精神世界。他以他的线条创造了一种新的空间感知方式，对油画技法的创新影响深远。
今天，研究法国现代派画家亨利?马蒂斯的人是越来越多，要出新意并非易事。就个案研究，限于篇幅、个人能力及资料限制，笔者只能抓住马蒂斯绘画作品中笔者认为最重要的线条语言来分析研究，并把他“自由的精神家园”作为突破点。如今，在我们具体的创作实践中，就如何使线条形式与情感精神同在；如何提高线条语言的表现力；如何体现时代精神。马蒂斯的绘画艺术作品都提供了最有价值的参考和启示，具有重要的现实指导意义。因此，对课题《解读马蒂斯绘画作品中的形式语言》的研究将有利于我们在二十一世纪里，更清楚地认识到艺术创作的多元性，表现手法的多样性。可见，中国油画艺术应从本民族自身特点出发，在不忘“本”的前提下，以“拿来”的精神和勇气有选择地吸取国外文化艺术精髓，是大有益处的。
三、国内外研究现状
马蒂斯和野兽派的出现，标志着西方美术发展的一个新阶段，一个“形式革命”的阶段。这个阶段的主要标志是强调形式，把形式提高到独立的地位。这些重视形式的流派通常被称作“形式主义流派”。这里所谓的“形式主义”，并非不要内容，不同的仅仅是侧重点，犹如十九世纪中期文艺中的自然主义并非完全排斥艺术概括一样。形式主义的侧重点在于形式，忽视题材、情节、所述故事等属于内容范畴的因素在绘画中的作用。形式主义流派理解的“内容”是由形式传达出来的一种较为抽象的感情和情绪，是体现在形式要素中的细致、微妙的感觉。因此，这些作品往往一时不被大众所理解，因为大众的审美趣味和能力，远远比不上在形式上有特别研究的艺术家来得细腻和敏锐。但是，也正是这种思潮和这些艺术家的作品不断地拓展着人欣赏能力的“接受度”，不断地提高和革新着人们的审美趣味。
马蒂斯和野兽派画家们的创作成果，实际上是印象派之后法国艺术探索的一个总结，标志着法国以至欧洲艺术中以唯物主义的反映论为指导的派别让位于以强调作者主体的观念和意识的主体论为指导的新思潮。当然，在此以后法国和欧洲艺术的发展并非完全按马蒂斯开辟的方向前进。除了马蒂斯这一类随意、自由的写意风格外，还出现了一种理性的、严格的几何形画风。它们相互排斥，又相互推进，使艺术愈来愈抽象化。在这个转折中，唯心主义的哲学和美学起了不可低估的作用。尤其是柏格森和克罗齐的美学观念，曾经直接影响了马蒂斯和野兽派。
柏格森在1900年发表的《笑》的文章中说：“有人热爱色彩和形，同时由于他为色彩而爱色彩，为形而爱形，也由于他爱色彩和形而不是为他自己才看到色彩和形，所以他通过事物的色彩和形所看到的乃是事物的内在生命。他然后逐渐使事物的内在生命进入我们原来是混乱的视觉之中。至少在片刻之间，他把我们从横隔在我们的眼睛与现实之间的关于色彩和形式的偏见中解除出来。这样，他就实现了艺术的最高目的，那就是把自然显示给我们。”柏格森同时指出，另外一些人并不注意于物象的色彩与形，而反求之于他们自身，“喜欢到自己的内心中去探索。在那些把某一情感形之于外的万千萌芽的行动底下，在那表达个人精神状态并给这种精神状态以外的平凡的社会性的言语背后，他们探索的是那个纯粹朴素的情感，是那个纯粹朴素的精神、状态”。
从气质上说，马蒂斯即用色彩和形去把握事物的“内在生命”，又是漠视形和色而去追求那内心纯粹朴素的精神状态的艺术家。或者更确切地说，他善于把这两者结合起来。他提倡的“均衡性、纯粹性以及清澈性”是最高的目的和境界，当形和色的表现妨碍这个目的和影响这一境界时，他可以舍弃形和色，如他在以勾线为主的素描与版画中所做的那样。马蒂斯主张艺术的“均衡性、纯粹性以及清澈性”，和柏格森的要求相吻合。这位哲学家认为，绘画、雕刻、诗歌和音乐“应该除去那些实际也是功利性的象征符号，除去那些为社会约定俗成的一般概念，总之是除去掩盖现实的一切东西，使我们面对现实本身”。（这里的所谓“面对现实”，是指现实的原始、内在的生命。）克罗齐在1901年写的《美学》中认为，形象认识是独立的，不需理智、概念和逻辑的帮助。他说：“形象观感就是对真实存在事物的感觉和对可能存在事物的想象二者无区别的混合。”
在克罗齐看来，纯粹的形象包含着从真实中得到的感觉和虚幻两个方面，而且这两者彼此难解难分。这种形象是怎样创造出来的`呢?克罗齐强调儿童心理，强调非理性的“原始的心理状态”。这实际上是对现实生活的一种回避。这和马蒂斯回避社会的矛盾和动乱，排斥“麻烦和令人沮丧的题材”，是同出于一个思想体系。这也就是沃林格在其美学著作中所阐述的那种“抽离”的倾向，是文艺家们对社会的一种消极反映。上世纪末、本世纪初，西方资本主义社会面临重重危机，给知识分子的心灵投下了阴影，重物质、重机械，轻视精神、压抑人性，使人们对社会丧失崇高的信念。文艺家们不能从现实中获得鼓舞和刺激去歌颂和赞美人生，便把精力用在探索形式如何表达感觉上。唯美的、象征的、抽象的艺术便应运而生。这些含有消极思想倾向的艺术现象又包含着积极的方面：使艺术家更深入地探讨艺术特点和规律，摆脱社会和心理的种种压力，自由地抒发感情，把握和发挥创作个性。这些艺术以其精美的形式“拨动我们胸中早就在等待弹拨的心弦”（柏格森语）。王尔德在《意向》一书中曾经说：“审美是一种比理性更高深、且更富于灵性的世界。唯有从美的鉴赏中，才能到达如色彩感觉之类的精微的境域，它在个性发展上所具的意义，远比?正邪之念?更重大。”这一论述对于我们理解马蒂斯艺术的特色也是有帮助的。不过，在含有唯美倾向的艺术家中，马蒂斯的艺术是健康和明朗的，它不颓废和神秘莫测，它精妙而不晦涩。因此，我们在指出马蒂斯艺术所具有那个时代的一般特征的同时，要充分肯定这位大师在世界艺术上的不朽地位。我们不必去责怪这位艺术家没有去表现重大题材，因为艺术创造中最重要的不是题材，而是艺术家的热情和真诚，以及在这种热情和真诚中所体现出来的崇高和纯洁的人类感情。恰恰在这一点上，马蒂斯的艺术是经得起检验的，我们不应要求也不可能要求所有艺术品都产生同样的社会作用和效果。各门艺术有各门艺术的特性，每个艺术家有相异于他人的气质和风度。马蒂斯在重视人类的自然生活和本能生活，重视个人的创造价值方面所做的努力，对二十世纪西方艺术是有力的推动，对我们今天也不无借鉴作用。
四、研究方法及内容
研究方法：（1）观察法；（2）文献法；（3）经验总结法。
研究内容：马蒂斯认为观察是一种创造性活动，要求得到一种效果。现代艺术中线条是至关重要的。线条可以突出、可以表意、也可以控制与整合整个画面。马蒂斯强调的是表达事物本质的线条—“如果我要画一个女人体，我首先就要赋予她优雅妩媚的情韵，不过我明白必须给她更多的东西。我将通过追求本质的线条来浓缩它的意义。一瞥之下，妩媚会显得不怎么突出了，可它最终会从有着更宽广意义的、更富于人性的新形象中显露出来。由于妩媚将不是绘画的惟一特点，它会不那么显眼了，但是，由于它的生命包含在形象的总构想中，它将如往昔一样存在下去。”54妩媚是女人体的一个瞬间特征，而这个瞬间包含在更本质的生命中，“通过追求本质的线条”来保存它，最后妩媚就包含在了作品整体形象之中获得了它的永恒性。所以，要让线条这个绘画语言元素发挥其自身的作用。
五、论文写作计划：
xx年12月～10年01月搜集资料和消化资料。
xx年01月～10年04月完成论文初稿。
xx年04月～10年05月论文修改定稿。
六、论文写作提纲
（一）线条产生及其情感表达
（二）油画发展历程中的线条
1、线条的定义
2、线条的音阶
3、线条的节奏
4、情感的传达
（三）马蒂斯“本质的线条”
1、曲线
2、直线和曲线
3、线的抽象结论
参考文献
致谢
七、主要参考文献：
1、呼喜江著，论线语言在油画造型中的作用，西北民族学院学报，1996年4期。
2、高彦飞著，绘画线条的审美意蕴，艺术理论，2008年12期。
3、董晓丽著，颜色与线条的游戏家—亨利·马蒂斯的绘画世界，中国艺术，2004年4月。
4、滑侨新著，论马蒂斯艺术作品的表现技法，许昌学院学报，2005年6期。
5、孙霞著，论西画中的“线”，南京艺术学院硕士论文，2004年5月。
6、李冬冬、杨林著，论马蒂斯绘画作品中的革命性，新乡教育学院学报，2007年4期。
7、邓太平著，浅谈马蒂斯的绘画艺术，美术大观，2008年9月。
8、闵燕著，试论马蒂斯油画艺术创作经验，苏州丝绸工学院学报，1999年12月。
9、巴美芳、巴鹏飞著，线条—视觉形式的基本语言，安徽文学，2009年2期。
10、雅克·德比奇、让·弗兰索瓦·法弗尔、特利奇?格鲁纳瓦尔德、安东尼奥·菲利浦·皮芒代尔著：《西方艺术史》徐庆平译，海南出版社，2001年。
11、[英]赫伯特?里德著:《现代绘画简史》，刘萍君泽，上海人民美术出版社，1979年。
12、[法]安格尔著：《安格尔论艺术》，朱伯雄译，西师范大学出版社，2004年。
13、[德]康德著：《判断力批判》，邓晓芒泽，杨祖陶校，人民出版社，2002年。
14、[法]波德莱尔著：《我看德拉克洛瓦》，毛燕燕、谢强泽，山东画报出版社，2005年。
15、[英]弗雷德·奥顿、查尔斯·哈里森编：《现代主义，评论，现实主义》，崔诚、米永亮、姚炳昌译，上海人民美术出版社，1991年版。