这个原来的论文我也有…要的话留下邮箱
茶叶本身没有错，错在喝茶的方式上，比如上面所说的，喝很烫的茶，喝浓茶，其实都是可以改变的，只有喝茶的方式对了，适当饮茶，对健康是有帮助的，而且喝茶，对于预防癌症也有帮助。 目前认为最能够预防癌症的就是适当饮用绿茶，2021年2月13日，美国伦斯勒理工学院生物科学系王春雨教授团队在 Nature Communications 杂志发表了相关研究论文。绿茶对肿瘤的化学预防作用主要归因于多酚类化合物，其中表没食子儿茶素没食子酸酯 （EGCG） 最为重要。EGCG占绿茶儿茶素的50-80%。一杯 （240毫升） 绿茶中含有200-300毫克的EGCG。而研究发现这个EGCC和我们人体内的最强抑癌因子p53之间存在着一种直接的相互作用，这种作用增强了抑癌因子p53的抗癌活性，能够防止人们体内的抑癌因子p53的突变， 并由此为开发抗癌药物指明了新靶点。
11 不同采摘季节对重发酵单枞茶香气品质影响研究 郑挺盛 1 ,张凌云 2 (1.泰顺县茶叶特产局，浙江泰顺325500)（2.华南农业大学茶业科学系，广东广州510642） 摘要：采用气相色谱-质谱(GC-MS)法对采自春、夏、暑、秋四个季节的重发酵型及传统型单枞茶进行分析。结果表明：重发酵 单枞茶比传统单枞乌龙茶香气成分种类多，且芳樟醇氧化物要远高于传统乌龙茶。在四个季节的重发酵单枞茶中，秋茶、春茶芳香物 质种类相对较少(分别为41种和43种)；而夏茶和暑茶芳香物质种类多(分别为45种和48种)、香精油总量占总挥发性成分比例比秋茶高。 夏、暑茶芳樟醇氧化物、剌伯烯、律草烯等含量较高，而香叶醛、吲哚、茉莉酮、橙花叔醇等花香型香气成分含量比秋茶低得多。夏 茶中芳樟醇及其氧化物的占总挥发性成分的比例达到69.77%，而春、暑、秋茶相应所占比例分别为50.98%、51.75%和51.72%。感官 审评表明，秋茶、春茶单枞香气品质得分比夏茶、暑茶高，即秋茶、春茶香气品质要比夏、暑茶好。 关键词：岭头单枞；乌龙茶；重发酵；采摘季节；香气成分 中图分类号：TS272.59；文献标识码：A；文章篇号:1673-9078(2007)02-0011-05 Effect of Different Plucking Season on Aroma Quatity of Lingtoudancong Oolong Tea by Deep Fermentation ZHENG Ting-sheng 1 ,ZHANG Ling-yun 2 (1.Zhejiang Taishun Tea Specialty Bureau,Taishun 325500,China) (2.Department of Tea Science,South China Agric.Univ.,Guangzhou 510642,China) Abstract:The effect of different plucking season on aroma constituents in fermentation Lingtoudancong Oolong tea was studied by gas chromatography and mass spectrometry analysis.Results showed that deep fermentation Lingtoudancong tea possessed more kinds of aroma constituents than traditional fermentation Oolong tea.The traditional fermentation Lingtoudancong Oolong tea showed higher content of linalool, α-terpineol,indole and cis-Jasmone,but less Linalool oxide content than those of deep fermentation tea.The different of characteristic aroma constituents is due to the changed contents of linalool and linalool oxide in different plucking season.The tea plucked in autumn and spring showed lower content of linalool and linalool oxide(50.98~51.72%).But tea plucked in summer showed higher content of linalool and linalool oxide(more than 69.77%).The concentration of essential constituents such as nerolidol,jasmine,indole,4-(2,4,4-Trimethyl-cyclohexa- 1,5-dienyl)-but-3-en-2-one andα-citral are higher in autumn tea than those in the other teas.The result of sensory evaluation showed that the autumn tea is better than the others. Key words:lingtoudancong;oolong tea;fermentation;plucking season;aroma constituents 岭头单枞是广东省重点推广的茶树品种，各地已 大面积栽种。目前除粤东山区大量栽植外，全国已有3 个省21个县引种并取得了成功，也取得了可观的经济 效益 〔1〕 。岭头单枞为半发酵茶，通常是通过碰青、摇 青与静置反复交替的做青过程完成发酵，发酵程度相 对较低。由于单枞茶揉捻程度较重，尤其是夏暑茶， 在正常冲泡条件下茶汤较浓，若在做青工艺后，再增 加发酵工艺，不仅可以降低夏暑茶的苦涩味，还可形 成具蜜香型红茶的特征，有利于提高单枞茶的经济效 收稿日期：2006-09-09 作者简介：郑挺盛，农艺师，主要从事绿茶种植加工技术研究、示范和推广 工作 益。一般地，在同样的加工技术情况下，茶叶质量优 次分别为春茶、秋茶、夏茶、暑茶 [2] 。然而关于生产季 节对茶叶香气影响的研究大多集中于绿茶品种 〔3-5〕 ，而 对单枞茶不同季节香气差异性研究得还较少。由于单 枞茶香气的优劣对于成茶品质有较大影响，因此，选 择合适的生产季节是生产品质优异的单枞茶的重要条 件。本研究以不同季节岭头单枞为原料，研究生产季 节对重发酵岭头单枞乌龙茶香气成分的影响。 1材料与方法 1.1供试材料 供试茶叶原料采自5年生岭头单枞茶树品种。按驻代食品科技》Modern Food Science and Technology Vol.23 No.2(总92) 12 芽三、四叶采摘标准分别采摘春季(2005年5月4日)、夏 季(2005年7月10日)、暑季(2005年8月15日)和秋季(2005 年9月24日)茶鲜叶。 1.2制茶工艺流程 鲜叶采收后，传统单枞对照样按照传统单枞乌龙茶 工艺做法进行生产。重发酵型单枞茶参照传统岭头单 枞加工工艺： 鲜叶→摊放→晒青(30~40min)→凉青→摇青?凉青(摇青、 凉青3~6次)→热风萎凋25~30℃，3~4h(春茶需要4~5h)→揉捻 40min→发酵5~6h(春茶发酵8h)→毛火20min→复烘干燥80min得 茶叶初制品。 茶叶初制品再经100℃传统炭焙工艺烘焙5h，冷却 后的成品茶密封保存待测。 1.3茶叶香精油提取 茶叶香精油提取参见文献 〔6〕 。 1.4 GC-MS分析条件 采用Finnigan TRACE GC-MS进行香气组分分析， 色谱柱：DB-1，30m×0.25mm；载气为氦气，流速 1.0mL/min，不分流。色谱条件：40℃保持5min，以5 ℃/min升温至100℃，保持1min，再以1℃/min升温至250 ℃，进样口温度250℃，连接口温度250℃。进样量0.3μL。 质谱条件：EI离子源，轰击电压70eV，倍增电压350V。 扫描质量35~390amu。 2结果与分析 2.1重发酵单枞茶香精油组分总体特征（见表1） 由表1可知，重发酵型单枞茶香气成分都要比传 统单枞乌龙茶复杂，在检测出的65种芳香成份中，其 中春茶43种，夏茶45种，暑茶48种，秋茶41种， 传统对照样为31种。传统单枞乌龙茶的香精油总量也 最低，仅为88.93%。但与重发酵型单枞相比，传统做 法单枞茶中芳樟醇、萜品醇、吲哚、茉莉酮、刺伯烯、 3,7,11,15-四甲基-2-十六烯-1-醇的含量都要比重发酵 单枞中的高，尤其是芳樟醇的含量，几乎可以高出暑 茶1倍。而芳樟醇氧化物、苯乙醛、水杨酸甲酯、香 叶醇等含量明显比发酵单枞低。这与前人的研究结果 一致，即发酵程度较轻的茶叶中含有较多的橙花叔橙、 吲哚和芳樟醇，但发酵程度重的茶叶含有较多的芳樟 醇氧化物、香叶醇等，而含有较少的橙花叔橙、吲哚 和芳樟醇等成分 〔7〕 。 在不同季节的重发酵单枞茶中，香气组分所占比 例较大、变化也较明显的有芳樟醇氧化物、芳樟醇、 香叶醇+香叶醛、刺伯烯、法呢烯、2,6-双(1，1二甲 基乙基)4-甲基酚、橙花叔醇、松柏烯、3,7,11,15-四甲 基-2-十六烯-1-醇、棕榈酸等10种。如表2所示，这 些组分在不同季节和传统工艺样品中分别占香精油总 量的76.67%、80.17%、73.38%、72.20%和81.64%。 其中芳樟醇在传统工艺中占比例最高，而芳樟醇氧化 物在重发酵茶含量高，二者的总和在各样品中均可达 到50%以上。说明以上10种香气成分是形成岭头单 枞乌龙茶的特征性香气成分。尤其是芳樟醇及其氧化 物的含量，与岭头单枞乌龙茶的品质密切相关。 2.2不同采摘季节对重发酵单枞茶香精油组分的影响 从表1还可以看出，重发酵单枞春茶香气成分的 特点是：芳樟醇、香叶醇、3,7,11,15-四甲基-2-十六烯 -1-醇、棕榈酸、1.4苯二甲酸-〔4-(甲氧基羰基化)苯〕 甲基甲酯、月桂油烯、苯并噻唑、雪松醇、石竹烯、 亚麻酸甲酯等的含量要比其它季节的单枞茶含量高， 独有香叶酸、大马酮、5,6-环氧紫罗兰酮、11,14,17- 二十碳三烯酸甲酯等；但芳樟醇氧化物、萜品醇、杜 松醇的含量较低。 单枞秋茶中青叶醛、苯乙醛、萜品醇、水杨酸甲 酯、香叶醛、3-环己-1-烯2-烯醛、吲哚、茉莉酮、法 呢烯、橙花叔醇、香柠檬醇、4-(2,4,4-三甲基-1,5-环己 二烯基)-2-丁烯-4-酮、棕榈酸甲酯等的含量要高于其 它季节的产品，尤其是1-乙基-1H-吡咯-2-甲醛成分， 在春、夏、暑茶叶中并没有检测得到。由于在秋茶中 含有较高的醛类和醇类，而烯类物质含量较少，尤其 是呈现青草气味的石竹烯、律草烯、杜松烯等含量较 低或较少。这也是秋茶比其它茶叶花香明显的主要原 因之一。 2.3不同采摘季节对重发酵单枞茶感官品质的影响 不同季节重发酵单枞茶感官评审结果表明，秋茶 的感官得分要比传统对照样还要高，而重发酵春茶感 官品质要比传统做法要略低。其中秋茶花蜜香较清醇 持久，滋味浓醇且有回甘，总体得分最高(如表3)，故 品质较为优异。夏茶、暑茶花香低微，香气和滋味得 分相应低于秋茶、对照与春茶。说明夏、暑茶的感官 品质不如传统轻发酵做法，而春茶的品质与传统加工 方法较为接近。重发酵型秋茶的感官品质是最好的。 3小结与讨论 茶叶香气是由不同种类芳香物质的组成比例和浓 度决定的，因此，只要芳香物质种类或相对含量改变 都会影响茶叶的香气成分 〔8〕 。环境条件对茶树体内的 芳香物质合成有直接关系。已有研究表明：茶叶糖苷 类香气前体含量的季节性变化明显,在香气前体总量上, 春、秋季含量较高而夏季较低。糖苷类香气前体种类不同,随季节变化的消长规律也存在明显差异 〔3〕 。据报 道 〔9〕 ，春茶含有较高清香型的戍烯醇、己烯醇等物质， 夏茶则低，秋茶含有带花果香气的苯乙醇、苯乙醛等 物质；据王华夫等 〔10〕 报道，键合态单萜烯醇总量春茶 高于夏茶；乌龙茶中的冬茶(雪片)和秋茶，香高浓郁， 而夏茶则低淡。季节性差异主要是气象要素差异，即 光照、温度、湿度等因子的不同所造成的。 本研究表明，和传统单枞相比，在重发酵单枞茶叶 中，夏、暑茶香气成分种类较为复杂，而春、秋茶相 对简单。芳樟醇氧化物、芳樟醇、香叶醇+香叶醛、 刺伯烯、法呢烯、2,6-双(1，1二甲基乙基)4-甲基酚、 橙花叔醇、松柏烯、3,7,11,15-四甲基-2-十六烯-1-醇、 棕榈酸等10种香气成分是形成岭头单枞乌龙茶的特 征性香气成分。尤其是芳樟醇及其氧化物的含量，与 岭头单枞乌龙茶的香气品质密切相关。 重发酵单枞秋茶中青叶醛、苯乙醛、萜品醇、水 杨酸甲酯、香叶醛、3-环己-1-烯2-烯醛、吲哚、茉莉 酮、法呢烯、橙花叔醇、香柠檬醇、4-(2,4,4-三甲基-1,5- 环己二烯基)-2-丁烯-4-酮、棕榈酸甲酯等的含量要高 于其它季节的产品。由于秋茶中含有较高的醛类和醇 类，而烯类物质含量较少，所以秋茶花香要比它季节 的茶叶更明显。烯类物质含量高，醛、酮、醇类物质 含量低，可能是单枞夏、暑茶花香低淡的原因。不同 季节的单枞茶香气分析结果与感官审评一致，即秋茶 花蜜香较清醇持久，浓醇，回味甘，具有优异的单枞 品质特征。从研究结果来看，选择秋季生产重发酵型 单枞茶可获得较好的品质。 参考文献 [1]唐行,丘森林.广东岭头白叶单丛茶栽培技术[J].茶业通 报,1999,21(3):17-18. [2]陈慧聪.闽南水仙、永春佛手茶品质特征和审评要点[J].中 国茶叶加工,2003,(4):34-35. [3]张正竹，宛晓春，施兆鹏.茶鲜叶在不同季节及绿茶加工 贮藏过程中糖苷类香气前体含量变化研究[J].食品与发酵 工业,2003，29(3)：1-4. [4]方世辉，张秀云，等.茶树品种、加工工艺、季节对乌龙 茶品质影响的研究[J].茶叶科学,2002，22(2)：135-139. [5]张正竹，宛晓春，陶冠军.茶鲜叶中糖苷类香气前体的液 质联用分析[J].茶叶科学,2005，25（4）：275-281. [6]商业部茶叶畜产局,商业部杭州茶叶加工研究所.茶叶品质 理化分析[M].上海：上海科学技术出版社，1989. [7]陆松侯，施兆鹏.茶叶审评与检验〔M〕.北京：中国农业出 版社，2000.36-40. [8]宛晓春.茶叶生物化学(第3版)[M]．.北京：中国农业出版 社，2003.108-116. [9]程启坤，姚国坤，沈培和，等．茶叶优质原理与技术[M]．上 海：上海科学技术出版社，1985.30-41. [10]王华夫，游小清．祁门红茶单萜烯醇形态转变研究[J].中 国茶叶，1996，6：22-23. ---------------是这篇么？？？ 抱歉，没足够时间帮你修改格式了。要的话告知邮箱，我可以给你把原文发过来
天天喝茶的人会得癌症,这个说法是错误的。适量喝茶一般不会致癌。
选题的依据 看了暮光之后听到《月光》这首曲子 意义 听到《月光》这首曲子 感受到德彪西当时写这首曲子的一些东西（背景 心理 你既然有素材 音乐史课也讲到过 可以结合） 研究的主要问题 德彪西写《月光》的背景（结合你的素材 你想研究什么）达到的目的 与德彪西与《月光》心灵上的沟通或者心灵上的感受或者心灵上更拉近一步或者对《月光》的感受又升华了一步（主要你想研究什么达到什么）研究方法 研究步骤 通过网络 书籍了解德彪西的事例和德彪西写《月光》的背景 研究步骤要结合你的素材 第一步看德彪西的事例 第二步看德彪西写《月光》的背景 第三步用心灵去感受这首《月光》 研究工作进展计划 就总结一下了 先进行了解德彪西 再感受《月光》 从而达到目的把我说的改成你想要的 结合你的素材 扩展扩展开题报告就行了 开题报告不需要字数很多吧？
只能是简要叙述了，自己扩充扩充吧。。。古典时期的音乐，结构严谨，调性固定，节奏稳定好找，速度变化不大，三部曲，快板奏鸣曲等等的音乐格式也很好找，动机，第一主题，第二乐章都很明显。个人情感的成分相对少一点。比如说贝多芬的月光，第一乐章三连音从头到尾连续重复不断，速度变化也相对不明显。德彪西属于印象派音乐的典型代表，印象派音乐经过了浪漫主义时期的发展，个人情感的比重很大，通过音乐的旋律，强弱，快慢来表现，结构松散，调性不固定，有的甚至是无调性音乐，节奏也不好找，跟人的感情一样，很随性，格式也不固定，有以下部分都不一定有。但是因为他自由，情感表现里和音画更强一些。不如说德彪西的月光，通过明明暗暗的上行结构，来营造一种静谧，幽静的感觉，也表现了作者心情的舒畅等。创作手段，古典主义时期的音乐，种类特点都很固定，比如说交响曲就是四个乐章，协奏曲三个乐章，奏鸣曲三个乐章等等。印象派的音乐则没有，德彪西的月光，大海，拉威尔的镜子组曲，柏雷罗舞曲等等，都是新兴的曲式的代表作，交响诗，交响组曲等等的不仅仅拘泥于四个乐章的作品也越来越多文艺复兴和启蒙运动之后，人性和个性得到了宣传张扬，音乐上也将个人情感更多的表现了进去，而不仅仅是单纯的来引起听众美得共鸣。
选题的依据：我就是喜欢；研究的主要问题：为什么用小提琴演奏的《月光》比用钢琴演奏的更好听；达到的目的：把论文交上去；研究方法和步骤：百度上搜、百度上抄；研究工作进展计划：先在知道上要别人帮我拟个开题报告，然后到百度上搜刮素材，最后将素材穿成一串，大功告成。
当然这也不能片面的理解为只能在和声变换的地方更换踏板，如吴祖强的《水草舞》的引子部分8个小节，但只换了1次和声，如果只换一次踏板的话，就会声音获得过多的泛音而变得浑浊，这是极其错误的。 2．节奏的需要 节奏影响着乐曲所要表达的情绪，而为传递乐曲的情绪所服务的踏板在使用时必须基于节奏的需要来考虑。往往是为加强节奏的效果而使用节奏性的直踏板法。 3．作品风格 作品的风格可以说最应当要注意的一点，在你选择踏板的使用的时候如果你不考虑作品的风格那将是致命的错误。因为每一首钢琴音乐作品均有其特定的风格，而同时期的作品也有其叫明显的共性风格特征。 在演奏巴赫的作品的时候对于巴赫的音乐作品，许多演奏家持有这样一种观点：巴赫的那些作品诞生的年代还没有右踏板的出现。在演奏中如果使用踏板，将影响作品的原始风貌。但不知是否有人考虑过在巴赫创作这些乐曲的年代同样没有现代钢琴的出现，那些作品是为羽管键琴和古钢琴所创作的。可见，我们在现代钢琴上演奏巴赫的作品就已经破坏了巴赫作品的原始风貌。 在巴赫作品中如何使用踏板的问题上菲鲁奇奥·布索尼的这段话可以给我们一些启示“踏板在巴赫的钢琴作品中是需要的，在钢琴作品中使用踏板而有听不出来，才是唯一正确的方法。有关这一点，我们指的是用踏板来连接两个依次进行的单音或和弦，为强调一个悬留音，为延续一个单声部，等等；一种处理方式其中并不显出具体的踏板效果……在任何地方只要可能，尽量用手而不是用踏板来延续一些音。”由于巴洛克时期和19世纪的声音概念不同，19世纪喜欢主要为密集的洪亮度、音型的融合和延续长的低音持续音而使用踏板，但巴洛克时期是具有对位的声部清晰，并且每个声部有对比性奏法的观念的时期，因此在弹巴赫的作品时不能将作品的踏板处理为19世纪时期的那种方式，应当要： （1） 不要把踏板踩得太深，以免产生太强的泛音； （2） 不要把踏板踩得太长，根据线条而不是根据和声使用踏板，多换踏板，保持声部清晰 如在下面巴赫的《平均律钢琴曲第一集》《降b小调前奏曲》的这段乐曲中就是用右踏板帮助在重复音中做到连音连接。 巴赫的作品在结尾处的尾奏部分往往使用的是一种完满终止，即Ｋ→Ⅳ→Ⅴ→Ⅰ这种极具有宗教色彩的结尾很大程度上是在模仿宏伟的“全奏的风琴”效果，如果不踩踏板就无法在现代钢琴上表现出这种效果。如下例是巴赫的《平均律钢琴曲第一集》《升C大调赋格》的结尾部分。 在演奏古典乐派海顿、莫扎特的作品的时候，由于在他们的音乐中，织体的清晰度、句法和奏法决不能搞得含糊不清。如同在钢琴上弹奏巴赫一样，在莫扎特或海顿中使用踏板必须觉察不出来。在使用时要注意 （1）在设计踏板使用时，应该首先不用踏板学习音乐，所有的奏法单独用手指完成，以后可以为了音色而少量的增加一些踏板，或为使一个难于应付的连奏变得更为容易而短时间的使用； （2）在快板乐章中，尤其在快速音群时，不使用延音踏板，而使用颤音踏板； （3）在中速或慢速的乐曲中，为增加共鸣，加强乐曲的连贯与和声的丰满可使用延音踏板。 由于贝多芬是要求踏板的使用达到可以感觉的程度的第一位著名的作曲家，在演奏贝多芬的作品时，有贝多芬亲自标明使用踏板的地方，必须要按照标记去做。在下面一些地方可以使用踏板： （1） 为保持逐渐的均匀的渐强和渐弱，可以使用踏板； （2） 为有助于演奏legato，增强乐句的连贯，可以使用踏板； （3） 为使音响更丰富饱满； （4） 为获得色彩性效果； （5） 为加强力度对比； （6） 为连接个乐章而使用踏板。 同时我们应当认识到，虽然贝多芬的作品中大量的出现了使用踏板的标记，但是他所做的标记是为他所知道的钢琴写作，而不是为了今天的乐器，特别是更少的传送力量，以及音域之间更大的区别的问题，会不时的影响踏板的使用，这时对贝多芬的踏板使用方法做适当的修改以适应现代乐器，但要注意的是有关气氛朦胧的原来概念应该保持下来。`另外一方面有迹象表明贝多芬使用踏板比他所标记的要多，但这不应作为可以毫无选择的使用踏板，或不去了解贝多芬最希望踏板为他的音乐做些什么的一种许可。 4 钢琴踏板的运用--我的毕业论文 到了浪漫派的肖邦，舒曼，李斯特的钢琴作品中，踏板的运用得到了极大的发展，他们极大的发掘了钢琴音色变化的可能性。作为音色变化的重要手段之一的踏板的使用也更复杂更精细。尤其是李斯特，在他的许多钢琴作品中见到的暗指的踏板效果以及明确的踏板标记，这表明他具备了一种远远走在他时代前面的对踏板用法的理解。至少在他的晚年，他用了切分或连音踏板，一种当时认为先进的技术，在现今已被普遍使用和讲授。 李斯特的写作一般要求踏板的丰满、充足的使用，特别当需要它作为长持续音的一个支持时。在他为声乐和其他乐器的作品的钢琴改编曲中，踏板被大量的或几乎经常的使用。在所有长的旋律音上使用踏板，特别是那些在高音区的，即使它们没有被下面的和声材料所支持。 李斯特和贝多芬以及舒曼这样的作曲家一样，在踏板标记上经常指示一个特殊效果，而不是普通任凭演奏者自行处理可以做到的一个习惯用法。任何数目的这种特殊效果都可以被找到，它们有许多反应了明确的诗意的、形象化或甚至哲学的思想。 在印象主义的德彪西、拉威尔的钢琴作品中，虽然在他们作品的乐谱中几乎完全没有踏板指示，所存在的为数极少的几个也往往是粗略和模糊的，但是在他们的作品中不能想象倘若不使用踏板，印象主义的神奇和美丽将如何去表现。印象主义音乐的流畅、充满水分，润泽的声音，以及连贯的、斑斓的、变化的色彩只有在准确的使用踏板的基础上才能得以实现。因此，需要我们谨慎而敏感的使用踏板。 综上所述，我们应该知道，对于踏板使用的说明，一千句话都比不上一次演奏。踏板是任何钢琴演奏中极具个性的部分，没有两个演奏者会用完全相同的方法去使用踏板，而同一个演奏家也不会在每次演奏中用同样的踏板法，然而每人在演奏当时都能同样具有说服力。这种灵活性可由多种因素来解释。诸如速度、力度、声音、奏法、声部的平衡、作品的风格和时代、音乐厅、乐器等这样一些多种多样的可变因素，甚至还有演奏者当时的情绪，也时常会影响踏板使用方法的选择。写下来的踏板使用方法指示，不管它们是如何仔细地被标记的，甚至是作曲家提供的，也往往需要演奏者的修改。因此“只有耳朵本身，才永远是艺术性演奏的最终指导，而不是一套印出来的指示。” 每个曲子有不同的要求，这就必须学会用自己的耳朵去听！因为由于踏板是一种性质的技巧，想完全学到运用的每一个细节，和老师们用得一样，是不可能的，唯一永远的老师只能是自己的耳朵，经过老师的指导和训练，要使自己的耳朵能够敏锐地察觉到踩在踏板上的脚或大或小的动作所引起的声音的任何反应。想象出将要弹奏的音响效果，并指示脚的动作，以实现希望的音响。
论文都是某某某研究
论文题目是浓缩文章最精华的部分,好的题目具有画龙点睛之校,让人眼睛一亮,产生好感.下面学术堂精心整理了十五个体育舞蹈专业论文题目,供大家参考:1、拉丁舞对中年及中老年人身心健康影响的研究2、体育舞蹈专项教学与竞赛中安全防范的研究3、国内外体育舞蹈研究进展分析--基于科学知识图谱的可视化研究4、大众体育中推广体育舞蹈运动的意义探究5、高校体育舞蹈运动开展的受制因素分析及对策研究6、体育舞蹈在大众健身中的作用7、大学生体育舞蹈运动损伤原因与预防策略研究8、体育舞蹈对大学生身心健康的影响9、中小学体育舞蹈特色课程开展的可行性研究10、体育舞蹈运动损伤的原因分析与预防11、济宁市业余体育舞蹈培训机构发展现状研究12、体育舞蹈之美学价值的研究进展13、岁老年人生活方式对骨质健康状况的影响研究14、体育舞蹈中运动损伤的成因及其预防研究15、体育舞蹈运动员膝关节本体感觉研究
钢琴踏板的运用--我的毕业论文 “踏板被人称为钢琴的灵魂。”从鲁宾斯坦的这一名言我们不难看出钢琴踏板的运用在钢琴演奏中占有非常重要的地位。不论是水平粗浅的初学者，还是蜚声海内的钢琴大家，在演奏中无一不会不使用到踏板，但是关于踏板使用方面的文献却寥若晨星。在钢琴教学，尤其是初、中级程度的钢琴教学过程中，很少有教师对学生系统的教授钢琴踏板的使用技巧，只是在需要学生使用踏板时才会零碎的作出一些指导。而这样导致的诸如：只顾踩踏板而不及时放、为追求所谓的“气势”“热闹”而胡乱的使用踏板、更有甚者将踏板作为技术缺陷，力度不足的掩饰等毛病。有鉴于此，我在总结了前人的经验的基础上结合我多年来在钢琴学习上的一些心得对钢琴踏板的运用做一番探讨，有不足和疏漏之处还望予以斧正。 一．踏板的基本功能 钢琴踏板的使用是弹奏方法中一项必不可少的内容。踏板使用得好坏，直接影响到弹奏的声音、色彩和风格。因此在谈钢琴踏板的使用技巧之前，有必要先简介一下钢琴踏板的最基本的功能。 1、右踏板是延音踏板，一踩下去，钢琴里的制音器全部打开，所有弹到的音就会延长。当脚一抬起来，制音器又压在琴弦上，音的延长就中止。 2、左踏板是弱音踏板(ulna cord) 在一般家用立式钢琴上，踩下左踏板，琴槌整个往前挪一些，离琴弦的距离就缩短了，声音相应就弱了。在演奏用的三角钢琴上，一旦踩下左踏板，则是整个键盘向右稍挪动。在三角钢琴上原来每个琴槌应击中三根弦，踩了左踏板以后，整套琴锤就会稍向左侧移动，这时琴槌只能击一根弦了。这样声音不但弱多了，而且产生了不同的音色变化。所以有时乐谱上标明"一根弦"或"三根弦"就是表示用左踏板式是放开左踏板。由于左踏板在演奏琴上能作出这样的力度和音色的变化，它的作用就不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。左踏板往往被比作“旋乐演奏者的弱音器”。 3、中踏板最经常地的被称做延长音踏板（sostenuto）。在立式钢琴上，它会使击弦机上方一块厚绒降下来，挡在琴槌与琴弦之间，这样弹出来的声音就小得只有自己听得见，屋外的人则听不见，这是为了不影响别人，没有演奏上的意义。而在演奏用三角钢琴中的作用与在立式琴上的作用完全不同。这个踏板的作用有点象巴罗克时期乐队里的通奏低音。用来支持旋律声部的流动，换句话说，如果钢琴的高音声部极为复杂，但是左手的跨度又很大，必须弹奏低音（控制和声节奏）需要将低音延长，如此一来，钢琴家就不能两头兼顾（因为没有第三之手），这时候，左踏板的优势就极为明显了！它的作用就是在这是发挥了出来。钢琴家踩住这个踏板，再弹低音，这个低音就会被持续（而不象右踏板那样使整架钢琴当时发出的音都延长）然后，在这个低音的支持下，就能很从容的弹奏较高声部的曲调。所以，这踏板就是解放左手，有目的的减低弹奏难度的踏板。 二．踏板运用的基本技巧 首先有必要补充一下一些踏板技术动作的基本要领 1．脚的位置 脚的位置在使用踏板的时候是非常重要的，因为在演奏当中脚的错误位置会妨碍脚和手之间的敏感的相互作用，尤其是在同一时间用同一只脚使用两个踏板的时候，如有时需要这样用中踏板和左踏板时。正确的方法是脚应放在能使最大的压力点来自脚趾和脚的交界处的位置上。不要太靠近钢琴，脚尖几乎顶着琴板，用脚心踩踏板，这样不灵便；也不要偏远，只用脚趾踩踏板，这样不塌实。 2．脚的动作 脚跟不要离开地面，以脚踝为主要动作部位，用前脚掌将踏板踩下去、放起来。放掉时，脚掌可以一直不离踏板，如果为了放得干净也可以稍离一点点。 下面我们开始探讨一下踏板使用的一些基本技巧 由于我们常用的是右踏板，而另外两个踏板的使用比较少见。因此我在这一部分内容里主要对于右踏板的使用技巧进行分析。(附表 ) 1． 踏板，又称节奏踏板或重音踏板，在这个技巧中踏板与一个和声同时被踩下去，在下一个和声前一刹那被放掉，然后再和下面新的和声发声的同时踩下去。适用与强调节奏特点的乐曲中，可以产生增强音量，获得浑厚共鸣的效果。在肖邦《前奏曲》OP．28 NO．20中由于整首乐曲都是柱式和声连接，属于一种进行曲风格，如果使用音后踏板就会使得旋律变得过于连贯，而失去乐曲本身的那种类似沉重步伐的效果，因而在踏板法的选用上要使用直踏板，一个和声一换。（本身乐谱上也有标记要使用直踏板）（谱例 肖邦 《前奏曲》OP．28 NO．20） 舞曲风格的乐曲踏板的使用在于表现舞蹈风格的特点，如《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》中4个小节构成一个乐句，前3小节踏板踩在节奏重拍上，而第4小节踩在节奏弱拍上这是和蒙古舞蹈的舞步相一致的(《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》) 2． 音踏板 我们常说的“切分踏板”和“跟随踏板”，两者和“连音踏板”都是一回事，即连奏中的更换踏板。“切分”的意思是，弹奏连奏中的第2个音时，手往下时，脚往上（而后再踩下），类似切分音的节奏。跟随的意思是，脚跟着第2个音弹下后重新踩下的。——目的都是一个，连上两个音，又不使前后音相混。它是最常用的踏板技巧，它的最简单的应用是出现于当两个音或和弦要用一个无缝的，又不被模糊的连奏连接起来时。如果想要清楚的换好踏板，没有以前的和声的遗留，并在声音中没有裂缝，以下的步骤是必要的： （1）弹奏，并用踏板抓住第一个和弦。 （2）接着当弹奏下一个和弦时，抬起踏板。 （3）听新的和弦的声音。在锤子重新打击琴旋的一刹那，制音器应该已经制止了原来和声的声音。 （4）当手指继续按住琴键时，重新踩下踏板。再仔细听，要肯定没有以前的和声被留在新换的踏板中。 （5）每个新的和弦重复以上过程。 在格里格的《致春天》OP.43 NO.6中右手的和弦是在模仿春风在吹拂的效果，如果使用直踏板那么就无法表现这种意境，但是如果使用如图示中的方式来踩踏板的话可以使的右手的和声进行更加连贯。（格里格 《致春天》OP.43 NO.6） 当然在不可能把低音的每个新变化保持足够长的时间，以保证踏板的清楚更换的时候是可以把踏板提前抬起的。如在肖邦《夜曲》OP.27 NO.1中象谱例中所标识的那样,既可以使和弦在衔接时声音不会有明显的间断,也不会由于将踏板踩到新和弦出现后所带来的声音浑浊的效果。（谱例） 3． 抖动踏板，又称颤音踏板。是利用脚在踏板上快速的，相当浅的踩动（附表） 这种踏板的使用主要是为了追求特殊的音色，或降低声音的亮度。 在肖邦《奏鸣曲》OP.35的最后乐章中，为表现一种“坟墓上的风”的效果，就必须使用抖动踏板，来表现它的轻薄的、不规则的模糊感。 4． 全踏板，半踏板这是基于踩踏板的深浅而言的。全踏板即将踏板踩到底，是音响获得持续而连贯的效果。半踏板当乐曲的和声背景上保持一个低音时，而上面的和声出现混浊，用很小的动作，把踏板放起一半，然后迅速踩下，以获得既使低音长久，又使高音纯净的效果。还有将踏板踩1/4 1/3 1/2 3/4 等用法来使钢琴产生各种各样的音色变化，从而使音乐更加完美，音色更加丰满。这对演奏者对音乐内容的正确理解及脚下的工夫深浅与灵敏的听觉要求很高了。 5． 有一种跟脚没有太大关系的“手指踏板法”： 每一个断奏的音下键到底不放并且不需脚踏板的帮助从而使击弦机不归位——弦的震动持续，和踏板的效果一样而且不会与其他音符浑浊成一团，这多在谱面的连线处且尤其是没有踏板的地方（比如赋格）使用 要注意：保持不放的下的过程和触键的位置对音色有很大的影响。 三．踏板的运用 对于如何选用踏板我们应当基于以下几点考虑 1和声的变化 乐曲中随着和声的变换而变换踏板，这是一个比较基本的常识。演奏者在演奏时要对乐曲的和声变换有所了解，以选择正确的踏板使用方法，如果对乐曲的和声没有做出恰当的分析，那么所选择的踏板使用方法就有可能不恰当，造成声音混乱，破坏演奏的效果。因此正确而恰当的和声分析是关系到踏板的使用是否正确的根源。使用时必须在和声的每一个新的变化之前的一瞬间放掉踏板，然后在弹新的和声的瞬间精确的踩下踏板。如果采用适当的速度，声音就不会有明显的间断。因为和声的音响会填满踏板更换之间的空隙，使和声清楚连贯。尤其是演奏古典乐派和浪漫派的作品中，这种更换踏板的方法增强了和弦的效果，不免了声音的浑浊。如柴科夫斯基的《四月》中每小节换一次和声，踏板也每小节换一次。
浪漫主义时期的作曲家及音乐 勃拉姆斯 约翰奈斯·勃拉姆斯，德国作曲家。 勃拉姆斯是德国音乐史上最后一个有重大影响的古典作曲家，被视为19 世纪浪漫主义音乐时期的“复古”者。他是创作与演奏并重的作曲家。但他没有进过音乐学校，靠他自己的勤奋好学、他的卓越才能和对自己所献身的事业重要性和必要性的觉悟。他的成熟的作品证明了他掌握着登峰造极的艺术技巧和才华。他的作品兼有古典手法和浪漫精神，极少采用标题，交响作品中模仿贝多芬的气势宏大，然而笔法工细，情绪变化多端，时有牧歌气息的流露，仍带有自己特点。 勃拉姆斯的音乐既反映出他德国北部故乡的朴实无华，又反映出维也纳的妩媚动人。在他的最大型作品《德意志安魂曲》中表现出了这两个方面。他出自对人类善良的信念和对德国人民的爱，紧紧依靠德国古典音乐大师——自巴赫、莫扎特、贝多芬到舒伯特和舒曼的传统，创作出足以同十九世纪末德国音乐中开始出现的一些颓废现象相对抗的包罗万象的作品来。这正是他创作的主要历史功绩所在。在德国音乐中，人们常把勃拉姆斯同巴赫、贝多芬姓名的第一个字母总称为“三B”原因概在于此。 勃拉姆斯继承贝多芬交响乐的传统，以深刻的人道主义和热烈的爱国主义精神出发，着力表现时代精神风貌和斗争生活，作品成为贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。难怪人们把他的《第一交响曲》誉为“贝多芬第十交响曲”。勃拉姆斯自己也曾记叙说：“在我背后不断地听到巨人（指贝多芬）的脚步声。”勃拉姆斯写作交响曲并不追求色彩和光辉的表现，但他的乐队表现却格外精致而富有表情。在继承古典乐派交响乐的结构形式的同时，勃拉姆斯又赋予作品浪漫主义的色彩和气质。作品结构严谨，情思蕴藉，规模庞大。他还将德国古典作曲家严密的复调技术和动机发展手法运用到交响曲的创作中。重要作品还有《D大调小提琴协奏曲》，《匈牙利舞曲》第五、第六，管弦乐《学院典礼序曲》及乐作品《摇篮曲》等优秀曲目。 代表作： C小调第一号交响曲； 其他管弦乐作品：降B大调第二号钢琴协奏曲；D大调小提琴协奏曲； 声乐作品： 《德意志安魂曲》 《德意志安魂曲》：与前人的安魂曲作品相比。无论在内容或在音乐上，勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开创一个全新的意境，更富于人性。这一作品是勃拉姆斯最伟大的声乐作品，标志着他的音乐创作达到了一个顶峰，也使他在整个欧洲赢得了极高的声誉。《德意志安魂曲》把合唱、独唱与管弦乐完美的结合在了一起，其创作灵感来源于亨德尔的复调音乐传统。 乔治·比才——法国的自然主义者：法国作曲家 代表作：管弦乐作品：阿莱城姑娘，组曲第一号，组曲第二号 歌剧： 《卡门》 《卡门》 ：歌剧的序曲为A大调，四二拍子，回旋曲式。整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上，以华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。序曲中集中了歌剧内最主要的一些旋律，而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来 （片段1、片段2），主题选自歌剧最后一幕中斗牛士上场时的音乐。 本剧的序曲是音乐会上经常单独演奏的曲目。 第一幕中换班的士兵到来时，一群孩子在前面模仿着士兵的步伐开路。孩子们在轻快的2/4拍子,d小调上,唱着笛鼓进行曲《我们和士兵在一起》（片段3）。在这一幕塑造了吉卜赛姑娘卡门热情、奔放、富于魅力的形象。主人公卡门的著名咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》是十分深入人心的旋律，行板、d小调转F大调、2/4拍子,充分表现出卡门豪爽、奔放而富有神秘魅力的形象（片段4和片段5）。 卡门被逮捕后，龙骑兵中尉苏尼哈亲自审问她，可她却漫不经心地哼起了一支小调（片段6），此曲形象地表现出卡门放荡不羁的性格。还是这一幕中，卡门在引诱唐·豪塞时，又唱出另一个著名的咏叹调，为快板、3/8 拍子，是一首西班牙舞蹈节奏的迷人曲子,旋律热情而又有几分野气 （片段7）， 进一步刻画了卡门性格中的直率和泼辣。 第一幕与第二幕之间的间奏曲也十分有名， 选自第二幕中 唐·豪塞的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》,大管以中庸的快板奏出洒脱而富活力的主旋律（片段8）。 第二幕中还有一段吉普赛风格的音乐， 表现的是两个吉普赛女郎在酒店跳舞时纵情欢乐的场面（片段9），跳跃性的节奏和隐约的人声烘托出酒店里喧闹的气氛。 第二幕与第三幕之间的间奏曲是一段轻柔、优美的旋律,长笛与竖琴交相辉映，饱含脉脉的温情（片段10）。 第三幕中著名的 《斗牛士之歌》，是埃斯卡米里奥为感谢欢迎和崇拜他的民众而唱的一首歌曲。这首节奏有力、声音雄壮的凯旋进行曲，成功地塑造了这位百战百胜的勇敢斗牛士的高大形象（片段11）。 第四幕的结尾，正象柴科夫斯基所说的那样： “当我看这最后一场时，总是不能止住泪水，一方面是观众看见斗牛士时的狂呼，另一方面却是两个主人公最终死亡的可怕悲剧结尾，这两个人不幸的命运使他们历尽辛酸之后还是走向了不可避免的结局。” 剧中还有一段脍炙人口的西班牙风格舞曲“阿拉贡”， 也是音乐会上经常单独演出的曲目（片段12）。 威尔第——意大利歌剧的辉煌（歌剧之王） 居塞比·威尔第是意大利杰出的歌剧作曲家，他一生创作了27部歌剧，其中一些已被列入世界著名歌剧之列，在世界各国上演。他被誉为歌剧之王。 代表作：歌剧：阿伊达（Aida)，弄臣(Rigoletto) 《茶花女》(La Traviata) 游吟诗人(Il travatore) 法斯塔夫 其他声乐作品：安魂弥撒（Requiem Mass) 《茶花女》 ： 《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部（其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》），它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。 这是根据1852年法国的作家小仲马而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调，其出现密度之高，使得和比才的《卡门》一样，成为美歌集一般，即使不太明白剧情，但绝对不会感到有「冷场」，所以，它也是很好的欣赏入门的歌剧． 威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演，虽然由于各种社会原因而遭到失败，但它很快就得到了全世界的赞誉，被认为是一部具有出色艺术效果的巨著，并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说："五十年后， 也许谁也记不起我的小说《茶花女》了，但威尔第却使它成为不朽。" 《茶花女》的意大利名称为Traviata，原意为"一个堕落的女人"（或"失足者"），一般均译作"茶花女"。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时，才华出众，过着骄奢淫逸的妓女生活，却并没有追求名利的世俗作风，是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情，但她为了挽回一个所谓"体面家庭"的"荣誉"，决然放弃了自己的爱情，使自己成为上流社会的牺牲品。 剧情：薇奥莱塔原是周旋于巴黎上流社会的名妓，为青年阿尔弗莱德真挚的爱情所感，毅然抛弃纸醉金迷的生活，来到巴黎近郊与阿尔弗莱德共同酿造爱情的蜜。但是，阿尔弗莱德的父亲乔治欧激烈反对，强要她承诺与他的儿子断绝来往。为了顾全阿尔弗莱德的家庭和幸福，她决心牺牲自己的爱情，忍受着内心的极大痛苦，重返风月场。阿尔弗莱德误以为她变了心，盛怒之下，在公开场合羞辱了她。薇奥莱塔信守对乔治欧的诺言，未向自己的情人道破真情，但患有肺病的身体承受不了这一致命打击，就此卧床不起。不久，乔治欧良心发现，把全部真情对儿子言明。但当阿尔弗莱德回到薇奥莱塔身边，她已经奄奄一息了，疾病和不公正的社会夺去了她的爱情和生命。 音乐以细微的心理描写、诚挚优美的歌调和感人肺腑的悲剧力量，集中体现了中期威尔第歌剧创作的基本特点。序曲采用第二幕中的爱情主题和下行的悲怆动机，对全剧作了提纲挈领的概括。第一幕的《饮酒歌》，是以单二部曲式为基础的分节歌，轻快的舞曲节奏，明朗的大调色彩，以及贯穿全曲的大六度跳进的动机，表现阿尔弗莱德借酒抒发他对真诚爱情的渴望和赞美，洋溢着青春的活力。薇奥莱塔的咏叹调，则表现女主人公复杂微妙的心理矛盾。前半部分表现她初次感受到爱情时内心的波动，音调诚挚、直率；后半部分表现她对爱情的大胆追述和渴望，大跳的音调反映了她内心抑制不住的喜悦。终场的二重唱，是一个感人的音乐场面，第一段中近乎口语式的急切语调，是这一对久经磨难的情人终又重逢时狂喜而激动心情的描写；第二段的分节歌洋溢着浪漫曲的抒情气质，抒发他们对爱情和幸福的向往。但后来，与阿尔弗莱德热情奔放的旋律交织一起的微奥莱塔声部中，出现了半音滑行的痛苦呻吟的音调，并逐渐发展扩大，最后占据了主导地位。威尔第应用这种对比手法，刻划了垂死的薇奥莱塔对爱情至死不渝的追求，揭示了歌剧深刻的悲剧主题，具有震撼人心的戏剧力量。 《奥赛罗》： 达到威尔第一生创作的高峰，成为真正的音乐喜剧。《奥赛罗》是继《阿依达》所作的结构突破， 而且充分发挥管弦乐队在歌剧中的作用，没有通常的曲线直接开始于风暴场景帕格尼尼（1782~1840）：意大利小提琴家、作曲家。 曲目：1.二十四首无伴奏小提琴随想曲。2.第一、二号小提琴协奏曲。3.摩西幻想曲。4.《心中类乱》主题变奏曲。 5.小提琴与吉他的奏鸣曲 普契尼（1858~1924）： 意大利歌剧作曲家。 推荐曲目：1.歌剧《波西米亚人 》。2.歌剧《托斯卡 》。3.歌剧《蝴蝶夫人 》。4.歌剧《曼侬?蕾丝考》。5.歌剧《西方少女》。6.歌剧《杜兰朵 》。7.歌剧《强尼?史基基》。 小约翰·史特劳斯（1825~1899）： 奥国作曲家。 推荐曲目：1.圆舞曲：《蓝色多瑙河》、《南国玫块》、《维也纳森林的故事》、《醇酒、女人与歌》、《艺术家的生涯》、《皇帝》、《一千零一夜》。2.波卡舞曲：《拨奏》、《雷鸣与闪电》、《闲聊》、《狩猎》、《爆炸》。3.《蝙蝠》序曲、《喜普赛男爵》序曲、《威尼斯之夜》序曲。4.轻歌剧《蝙蝠》。 通常我们讲到斯特劳斯都是说斯特劳斯家族，其成员有，老约翰-斯特劳斯，代表作《拉德斯基进行曲》，小约翰-斯特劳斯，爱德华-斯特劳斯和约瑟夫-斯特劳斯。 德彪西（1862~1918）： 法国作曲家。 推荐曲目：1.钢琴作品：《贝加马斯克》组曲（包括著名的《月光 》）、《版画》（三曲）、《映象》（二卷，各三曲）、《儿童天地》（六曲，包含著名的《黑娃娃的步态舞》）、《前奏曲》（二卷，共二十四曲）、《梦》、《二首华丽曲》、《欢乐岛》、《为钢琴》。2.管弦乐曲：《海》、《牧神的午后前奏曲》、《三首夜曲》、《神圣舞曲与世俗舞曲》、（竖琴与管弦乐）。3.室内乐；《G小调弦乐四重奏》、《小提琴奏鸣曲》、《大提琴奏鸣曲》、《长笛、中提琴与竖琴奏鸣曲》。 瓦格纳 威尔第和比才的比较 把他们三个并在一起是因为他们都在歌剧方面有着很大的成就，其次他们各自代表着一种派别。 在音乐界，风格并不是大一统的，浪漫主义中还分早期浪漫主义，民族浪漫主义，民族浪漫主义中还分意大利浪漫主义，法兰西浪漫主义。。。。。而这三只，正好代表着德国歌剧，意大利歌剧和法兰西歌剧三种风格。 瓦格纳在作品创作中非常重视器乐伴奏的效果，这正是德意志民族特色 威尔第则突出人声演唱的地位，具有意大利民族特色 比才强调语言节奏的作用，体现了法兰西民族特色 当然，要弄清这三种风格光是几句话是无法理顺的，大家可以节选三只代表歌剧中的经典片段（瓦格纳《罗恩格林》第三幕前奏曲，威尔第《茶花女》饮酒歌，比才《卡门》爱情 瓦格纳试图通过重视管弦乐团的发展将和声的活动充分变现出来进而把她转化成多种多样的戏剧效果（长喘一口气，缩句，就是说用管弦乐团的演奏表现和声活动从而体现戏剧效果）。威尔第则直接用人声来表达情感，所以他的作品通常都是热情洋溢（虽然他基本上都是写悲剧）。而比才则是将演奏和歌唱融合，用一种明快的节奏来体现戏剧效果（话说LZ在听《爱情是一只自由鸟》的时候总是有种翩翩起舞的冲动，掩面。。。） 总结成一句话，威尔第的写实风格，瓦格纳的交响戏剧，比才的抒情色彩并不是三者独立的，它们相互影响，相互交融。 瓦格纳与勃拉姆斯 倘若把具有强烈表情效果的浪漫主义音乐分成相互对立的两派，那么一派是强调表情的广度，该派代表人物有柏辽兹，李斯特，瓦格纳，我们称之为瓦格纳派。 另一派则强调的是表情的深度，代表人物有德国早期浪漫主义大师（舒曼，门德尔松。。。）以及勃拉姆斯，我们称之为勃拉姆斯派。 对于表情的广度和表情的深度，我们可以简单的用亨德尔和巴赫的区别来帮助理解。 事实上，上面所讲到的各音乐家之间的风格的差异只是为了更好的了解而做出的对比，并没有把他们放在对立的两面，而这两只却引起了音乐爱好者甚至于媒体的旷日持久的争论，真正做到了在拔高自己的同时，不忘狠狠地踩对方两脚。
《快乐岛》L'Isle Joyeuse ，作于1904年。标题是德彪西对法国罗浮宫中法国画家华特（1684～1721）的名画《乘船赴西德尔岛》引起的想像而取的。在克里特岛西北的西德尔岛，是古代希腊爱的女神“维纳斯岛”，情人们都向往于此岛。这首乐曲以这种幻想，把钢琴技巧发挥到最大的限度，全曲充满了爱的欢乐。乐曲开始部分，节奏自由自在地在跃动中变化，钢琴的技巧已扩大成近似管弦乐。其音色有多样性的幻想，富于变化的音的组合所产生的音响如魔术一般。装饰音及节奏急速的变化、速度的巧妙运用等给乐曲增加了多种色彩。如果《草稿本》与《海》有着血缘关系，《欢乐岛》则与《海》有着气质上的类似。它不仅与德彪西的管弦乐曲的风格大体相通，而且与他早期的《节日》就更加接近了。这首作品的音乐成分几乎是德彪西风格在这时期创作上的一个缩影。一开始他以半音与全音音阶的混合材料构成了一段适中的华彩乐段，并且在非常清醒的意境中回忆着牧神的笛音。后面的舞曲乐段在德彪西的许多作品中是作为补充乐段来对待的，这种手法的主要来源恐怕是《一千零一夜》。不管它的来源如何，其中总带有一种刺激性的异国情调。后一部分有些地方留有德彪西托卡塔风格的痕迹，甚至某些印象主义的水声四射的描绘在一条骇浪似的旋律出现以前已被一扫而光，而这种手法用于《海》中未必恰到好处。麦勒斯认为，《欢乐岛》是德彪西生平最美妙的作品。
1、马勒1860年、7月7日，生于波希米亚卡里施特。1866年、开始学习钢琴，教师维克洛林、布劳施。1969年、受益于钢琴师布洛罗什。1870年、在伊格拉夫举行第一次公开演奏会。1874年、13岁的弟弟恩斯特去世。1875年、9月20日进维也纳音乐学院学习钢琴。和声、作曲。开始创作歌剧《恩斯特·冯·斯瓦本公爵》1876年、在钢琴和作曲课中获奖，在伊格拉夫和维也纳举行钢琴五重奏和小提琴奏鸣曲。1877年、再获钢琴课奖，在伊格拉夫通过中学结业考试。1878年、帮助布鲁克纳将其《第三交响曲》改编成《钢琴二重奏》，开始创作《悲叹之歌》。1880年、第一次受聘担任哈尔夏季剧院的指挥。1881年、在菜巴赫担任指挥。1882年、在奥尔姆茨担任指挥。1884年、在卡赛尔担任指挥，完成《旅行者之歌》1885年、在布拉格担任指挥，完成《青春之歌》第一卷。1886年、在莱比锡担任尼基什的助理指挥，在此期间，应韦伯后人之请，根据《三个平托》的片断编写一部歌剧。1888年、在布达佩斯皇家歌剧院担任指挥三年，创作《第一交响曲》。11月20日，《第一交响曲》在布达佩斯公演，亲任指挥，开始为《少年魔角》谱曲。1889年、1月，在布达佩斯指挥《莱茵的黄金》和《女武神》的演出。1891年、在汉堡歌剧院担任首席指挥。1892年、率汉堡歌剧院去伦敦演出瓦格纳的《指环》和《特里斯坦》以及贝多芬的《菲岱里奥》，完成《青春之歌》第二、三卷。1894年 开始创作《第二（复活）交响曲》，其间彪罗去世。【1895年、3月4日，《第二交响曲》在柏林公演，理查·施特劳斯任指挥。1897年、皈依天主教，5月起，在维也纳皇家歌剧院任指挥，至l907年止。完成《第三交响曲》。1898年、完成《悲叹之歌》。1900年、开始创作《第四交响曲》。1901年、6月，《第三交响曲》在克雷费尔德公演。11月25日，《第四交响曲》在慕尼黑公演，均亲任指挥。1902年、3月10日，与阿尔玛·申德勒结婚，创作《第五交响曲》、《亡儿之歌》。1904年、11月18日，《第五交响曲》在科隆公演，亲任指挥。开始创作《第六交响曲》。1905年、《亡儿之歌》和《吕克特的五首歌》在维也纳公演，亲任指挥，创作《第七交响曲》。1906年、5月27日，《第六交响曲》在埃森公演，亲任指挥。1907年、创作《第八（千人）交响曲》，7月5日，大女儿玛丽亚·安娜去世。几天之后，发生一次心力衰竭，年底赴纽约大都会歌剧院担任指挥。1908年、1月 1日，在大教会指挥上演《特里斯坦》，年底出任纽约爱乐乐团指挥。9月19日，《第七交响曲》在布拉格公演，亲任指挥，完成《大地之歌》。1909年、完成《第九交响曲》，开始起草《第十交响曲》。1910年、9月12日，《第八交响曲》在慕尼黑公演，亲任指挥。1911年、5月18日，在维也纳去世。11月20日，遗作《大地之歌》在慕尼黑公演，布鲁诺·瓦尔特任指挥。1912年、6月29日，《第九交响曲》在维也纳首演，瓦尔特担任指挥。2、德彪西法国作曲家，音乐评论家，在三十余年的创作生涯里，形成了一种被称为“印象主义”的音乐风格，对欧美各国的音乐产生了深远的影响。1873年入巴黎音乐院，在十余年的学习中一直是才华出众的学生，并以大合唱《浪子》获罗马奖。后与以马拉美为首的诗人与画家的小团体很接近，以他们的诗歌为歌词写作了不少声乐曲，并根据马拉美的同名诗歌创作了管弦乐序曲《牧神午后》，还根据比利时诗人梅特林克的同名戏剧创作了歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》。他摆脱瓦格纳歌剧的影响，创造了具有独特个性的表现手法。钢琴创作贯穿了他的一生，早期的《阿拉伯斯克》、《贝加摩组曲》接近浪漫主义风格；《版画》、《欢乐岛》、两集《意象集》和《二十四首前奏曲》则是印象主义的精品。管弦乐曲《夜曲》、《大海》、《伊贝利亚》中都有不少生动的篇章。第一次世界大战期间，他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品，创作风格也有所改变。此时他已患癌症，于1918年德国进攻巴黎时去世。3、勋伯格勋伯格的主要作品有：交响诗《光明之夜》、《佩列阿斯与梅丽桑德》、《室内交响曲》、歌剧《期望》以及为朗诵、男声合唱和乐队而写的《一个华沙的幸存者》。此外还有几首弦乐四重奏和许多钢琴、声乐作品等。 勋伯格除写有大量音乐作品外，还有许多音乐理论著作，其中有《和声学教程》、《和声的结构与功能》和《风格与思想》等等。1951年7月13日，勋伯格在美国的洛杉矶逝世，终年七十六岁。 4、巴托克巴托克,贝拉 （Bartok Bela,1881－1945），现代最重要的作曲家之一。生于匈牙利的纳吉圣米克洛斯，自幼学习音乐，十岁登台演奏自作钢琴曲。1903年毕业于布达佩斯音乐学院，1907年任该院钢琴教授。 1905年开始从事匈牙利民歌的收集、整理、研究工作，并将研究范围扩大到东欧各国、北非和土耳其，收集民歌达三万首以上。并对民歌的结构来源作了科学的分析，写了三部论著和数篇文章。这对他的创作产生了强烈的影响，形成了以民间特点为主，充满节奏活力与丰富想象的独特风格。 主要作品有歌剧《蓝胡子公爵的城堡》，舞剧《奇异的满大人》，乐队曲《舞蹈组曲》、《弦乐打击乐与钢片琴的音乐》、《乐队协奏曲》，三部钢琴协奏曲，六部弦乐四重奏以及许多乐曲、钢琴曲。其生活与创作道路坎坷不平，经历了两次世界大战；由于法西斯迫害，于1940年流亡美国，生活凄苦，精神孤独，终因白血病客死他乡。
克劳德·德彪西(法国:阿希尔·克劳德·德彪西，1862年8月22日至1918年3月25日)。弗伦奇是19世纪末20世纪初欧洲音乐界颇具影响力的作曲家和革新家，也是现代“印象主义”音乐的鼻祖，对欧美各国音乐产生了深远的影响。音乐特征德彪西的音乐与古典音乐相去甚远。在他的作品中，看不到古典音乐严谨的结构、深刻的思想内容和逻辑，也看不到浪漫主义音乐丰富的情感。取而代之的是奇怪的幻想因素，朦胧的感情，变幻莫测的色彩。他的和声细腻复杂，配器新颖多彩，旋律略显淡然，这是古典音乐和浪漫音乐所不具备的。虽然德彪西一生作品不多，但他的作品在每一个首都都有自己的突出特点。他的很多作品都成为了“印象主义”音乐的典范，其中比较著名的有:歌剧《佩雷阿斯与梅利桑德》、管弦乐《田园午后》、夜曲、三首交响小品《大海》、钢琴曲《版画集》等，此外还有一些声学乐器和室内乐作品。德彪西的音乐具有划时代的意义，尤其是他独特的“印象主义”风格，直接影响了20世纪的现代音乐。因此，德彪西常被视为20世纪现代音乐的先驱。除了作曲和教学，德彪西还从事音乐批评。因为他中肯的评论和犀利的言辞，他相当受人尊敬，并出版了音乐评论集。此时巴黎艺术界的发展正处于巅峰，雷诺娃、莫奈、塞尚等画家非常活跃。当时，莫奈因完成了一幅名为《日出印象》的画作而闻名，这是印象派、印象主义以及其他艺术形式的开端。另外，文学作品都标榜“印象主义”，这些作家和艺术家相互影响，对音乐家的影响很大。德彪西随后将其理论运用到作品中，发展成为印象主义，成为印象主义的创始人和完成者。德彪西生命的最后十年是德彪西艺术的巅峰，许多伟大的杰作相继完成，名扬天下。他们经常在欧洲国家表演和导演自己的作品。从50岁开始，他被癌症所困，身体变得虚弱。
印象主义音乐产生于十九世纪末，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的 一种音乐流派。印象主义音乐带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端。 它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义有着很大的分歧与差别。由法国作曲家C.德彪西首创。印象主义一词借用自美术。1874年巴黎“落选者沙龙”展出画家C.莫奈一幅题为《日出印象》法国莫奈《日出印象》的绘画，引起嘲笑和议论，此后人们把艺术理想与表现手法大致与之相似的画家，如E.德加、C.毕沙罗、A.西斯莱、P.A.雷诺阿称为“印象派”。他们反对学院派的保守思想，热爱大自然,面向现代生活,采取在户外的阳光下直接描绘景物的方法，在光与色的变化中表现对象的整体感与周围的气氛，对绘画的发展有很大影响。印象主义一词在音乐中首次出现于1887年，法兰西美术研究院的评委指责德彪西在罗马进修时的第 2部“交卷作品”交响组曲《春天》结构不明确，要他“警惕模糊的印象主义”。1894年其《弦乐四重奏》在布鲁塞尔首演时，评论家开始用“印象主义”加以赞扬；1905年以后，此词常用以概括德彪西及风格与他接近的音乐，不再带有贬意。 古典主义音乐的创作原则与风格是严谨、规整，浪漫主义音乐是注重情感的表现与激情的发挥。 与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画， 而是更多地描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。 印象主义音乐盛行的时间不很长，它很快就被更加激进与富于变化的现代音乐所代替，但印象主义音乐 却是音乐发展史上的一个非常重要的阶段，从此音乐艺术开始了一个具有根本意义的转变。 正因为如此，印象主义音乐才得到了非常的重视，其艺术性与重要性也被越来越多的人们所理解与承认。 德彪西法国音乐家德彪西和拉威尔是公认的印象主义音乐的集大成者。除此之外，法国作曲家杜卡和 意大利作曲家雷斯庇基也是印象派音乐的代表人物。[编辑本段]二、法国印象主义音乐 像其他法国作曲家的作品一样，德彪西的音乐是标题音乐而不是绝对音乐。 十九世纪末， 法国出现了一派叫做“印象主义者”的画家和诗人，他们追求的是一种梦幻的美，于是作曲家德彪西力图用音乐来达到“印象主义者”用绘画所达到的同样效果。 在使用新的和声和音乐方面，德彪西是现代音乐的先驱。他建造的那种古怪的、非尘世的音乐，主要是采用完全没有半音关系的“全音阶”和许多在空气中根本听不见的“泛音”。德彪西还在 管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的带有闪烁性的音响效果。起初人们听他的音乐觉得 不知所云，但当他们听惯了的时候，便发现其中妙趣无穷了。 印象派大师--拉威尔仿效德彪西的最重要的作曲家就是他的同胞拉威尔了，但拉威尔并没有象德彪西那样过多使用全音阶 和听起来奇怪的和弦，他更擅长从管弦乐队里抽取音色的深浅明暗度，在这方面无人能及。例如 《波莱罗舞曲》，节奏和旋律一遍又一遍地重复，但这首西班牙舞曲借助拉威尔对力度的纯熟使用 （从轻到响或从响到轻的变化）和对音色的巧妙结合，听起来使人感觉变幻莫测，趣味无穷。[编辑本段]三、印象主义音乐的影响 印象主义音乐是浪漫主义音乐向现代音乐过渡的桥梁之一，虽然这一乐派主要集中在十九世纪末到 二十世纪初的法国，但这种风格对于近现代音乐的发展所起的作用是不可估量的。后来二十世纪音乐中的 “表现主义”、“十二音体系”以及“序列音乐”等几种流派都或多或少地受到印象主义音乐的影响。 印象派代表德彪西反对后期浪漫派以自我为中心的英雄崇拜以及音乐过度庞大膨胀，从当代法国的社会背景、心理特质和美学观出发，力图恢复法国音乐明晰、典雅的特征，追求艺术形象的真实与新颖独创。当时，象征派诗人追求辞藻声韵的微妙效果，印象派画家利用色彩抓住自然景物的瞬息变化，给他以很大启迪。90年代以后陆续创作的管弦乐曲《牧神的午后前奏曲》（1892～1894）、室内乐《弦乐四重奏》(1893)、歌剧《普莱雅斯和梅丽桑德》(1893～1902)、钢琴曲《版画集》（1903）、歌曲《波德莱尔的五首诗》（1889）等，都是印象主义音乐风格的成熟之作。这种风格的特征为：崇尚柔和，抑制、排除过分的激情；避免文学性的铺叙，借助标题和丰富的色调变化引起联想；含蓄的暗示多于热情直率的表达，强调朦胧的感觉印象和变化多端的气氛。德彪西认为，音乐比绘画更能有效地把印象主义的理想付诸实践，绘画只能表现光的静止状态，而音乐却能表达光的流动变化。莫奈需要一系列画幅才能绘出同一场面的光的不同效果，而音乐却能创造出不间断的光的流动。 印象主义音乐常常使用的艺术表现手法，可归纳为以下几点： ①在曲调发展上避免使用浪漫主义音乐中常见的重复、扩充、展开等表现手段，而以短小的曲调细胞组合成一种新颖的动机语汇。声乐曲调与言语音调密切结合，近似朗诵；器乐曲调也很少有气息宽广的线条。 ②在节奏上喜欢使用复节拍与复节奏，节拍不规则地细分减弱了推动力，呈现松散流动的状态。 ③重视调式的表现力，根据形象要求采用相应的调式，如各种五声音阶、中古调式及全音音阶。扩大调性概念，常避免出现明确的收束式。全音音阶的运用使调式中的每一个音居同等地位,减弱了调中心感,出现多调性因素。 ④由于喜好对不同的色彩与音响作平面的、绘画式的并列，和声成为最重要的表现手段。通过增加和弦结构的可能性与减弱和声进行的功能性，得到极其丰富的和声色彩。 ⑤音色丰富、独特而新颖。在声乐作品中，男高音与女高音常使用缺乏光彩和戏剧力量的低音区；广泛运用各种乐器演奏法上的色彩手段，如木管的低音区、铜管大量使用弱音器与阻塞音，铜管在乐队中的作用往往不在于加强力度，而为了取得多变的色彩效果等。 ⑥配器与织体安排新颖。如弦乐组常常细分，小提琴的高音伸展到过去很少用的音区，大提琴担任小提琴的角色，中提琴演奏低音，造成模糊不清之感；突出竖琴、钢片琴、三角铁和钟琴清澈的音响，使管弦乐色彩缤纷，把力度与音色联系起来。 ⑦结构往往松散模糊，但许多作品仍可看到三部曲式的轮廓。 印象主义音乐的产生是从后期浪漫派和民族乐派中演变出来的。在德彪西之前，印象主义音乐的某些因素已显露于F.F.肖邦、F.李斯特、E.格里格、П.穆索尔斯基以及 C.-A.弗朗克、R.瓦格纳等人的作品之中。肖邦充分认识到色彩的价值，将其作为音乐中一种独立的重要因素。格里格的复杂、朦胧、富于色彩的和声，亦可谓具有一定的印象主义气质。他们对钢琴音乐的细致要求和踏板的出色运用，对印象主义钢琴音乐有重要影响。李斯特某些作品标题的本身就含有印象主义的性质，如《鬼火》表现光的快速运动；瓦格纳的歌剧里已有许多新颖的音响组合，《莱茵河的黄金》序曲所呈现出波涛起伏、雾气缭绕的意境。此外，东方音乐亦是印象主义音乐的重要养料，例如1889年巴黎万国博览会中演出的爪哇及东南亚的音乐，对德彪西有很大启示。 德彪西以后，虽然难于将某个作曲家截然归入印象派的行列，但是，印象主义音乐风格及手法的实际影响已遍及整个音乐世界。在法国，拉韦尔同样喜好选择象征派诗人C.波德莱尔、P.魏尔兰、S.马拉梅的诗歌为歌词。他的音乐尽管结构严谨，有些接近于古典主义，但有人仍将他归之于印象主义。P.迪卡斯采用象征派诗人M.梅特林克的戏剧为歌剧脚本，运用全音音阶与德彪西式的和声，与A.鲁塞尔、F.施米特等同时代的法国作曲家一样，在采用印象主义音乐语汇的同时，保持了自己的个性。在英国,受德彪西影响最大的是F.迪利厄斯,他的《夏日的花园》、《河上之夏夜》等乐曲，充分反映了印象派的特点。R.沃恩·威廉斯在其《伦敦交响曲》中，对泰晤士河上朦胧黎明及威斯敏斯特教堂洪亮钟声的描绘，都有印象主义音乐的特征。此外，还可列举G.霍尔斯特的《行星》中的《海王星》、F.布里奇的《萤火虫》、《春天来临》，A.巴克斯的《范德花园》。西班牙作曲家M.de法利亚的不少作品，既有鲜明的印象主义倾向,又有民族特征,《西班牙庭园之夜》就是这一类型的代表作。匈牙利B.巴托克的早期作品《两幅图画》中的《鲜花盛开》，《在户外》中的《夜音乐》，Z.科达伊的《九首小曲》、《夏日的黄昏》等都表现出印象主义的意境。 印象主义音乐作为一种新的艺术风格曾启迪了20世纪初一大批作曲家的创作，但它的题材、内容只是对自然景物的描绘，缺乏深刻的思想性和社会意义，因而仅盛行于20世纪初，不久就被新的音乐风格与音乐流派所代替。[编辑本段]四、印象主义的特征 印象派的音乐注重的是和声的色彩变化,强调朦胧感。 印象主义音乐是19世纪末在欧洲文化活动中心巴黎萌生的一种新音乐风格，它深受当时印象主义绘画和象征派诗歌的影响，追求刻画实物周围的色彩与光影在瞬间的迷离变幻。因此，在印象派的音乐中，富有色彩效果的和声远比旋律重要。由于钢琴兼有和声以及音色精致变化的功能，又能在琴槌、琴弦和踏板的巧妙组合之中产生奇妙的泛音效果，最能表达云雾水性音响的灵动之感，因而十分适宜表现印象主义的风格。不仅如此，印象主义音乐在听觉感受、观念意识和心灵体验上都超越传统进行了全方位的更新。法国印象主义钢琴音乐作曲家中最具代表性的是克劳德•德彪西和莫里斯•拉威尔。 作为印象派音乐的创始人，德彪西的创作特点与浪漫主义有着直接的承传关系。从他的钢琴作品标题来看，德彪西喜欢把创作寄托于梦幻世界，而这正是浪漫主义音乐的一大特点。尽管德彪西描绘大自然的题材比比皆是，但他并没有像浪漫主义音乐那样借景抒情，而是超然物外，精神遨游在水光山色之中，在虚无缥缈的意境中进入一个忘我无我的境界。德彪西是继肖邦之后的又一位挖掘钢琴内在音响的大师，他打破了调性的束缚，开拓了钢琴音色的微观世界。 与德彪西相比，作曲家拉威尔在钢琴音乐创作风格上有着很大的差异，他在逐渐摆脱印象主义美学思想的约束，回到更古老纯粹的法国传统。拉威尔享有管弦乐配器大师的盛名，敏锐的色彩感大大地影响了他的钢琴创作。如果说德彪西主要从钢琴本身去发掘表现潜力和音响层次，拉威尔则更注重从乐队配器的角度来发挥钢琴音响的色彩性。其钢琴作品以组曲《镜子》、《夜之幽灵》和两首钢琴协奏曲最为著名。 五、代表作曲家 德布西和拉威尔是公认的两位印象主义作曲家。另外，法雅，席曼诺夫斯基，保罗·杜卡，意大利的雷斯皮基[1]和英国的沃恩·威廉斯也是该流派音乐的杰出代表[5]。 虽然德布西力图让自己远离「印象主义」这个词，但是他音乐的核心无疑正正体现了印象主义的理念。他深受同时代印象主义文学和艺术的影响，并吸收了外国和东方的一些音乐元素，创作出了自己独特的作品。德布西的音乐色彩朦胧，如梦如幻，其歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》，管弦乐《牧神午后》，《春天》，《大海》，《意象集》，还有他的钢琴曲都是印象主义音乐中的扛鼎之作。而他的名字，也紧紧地与印象主义音乐相连，「德布西主义」（Debussyism）也成为了印象主义音乐的同义词[4]。 而另一位印象主义巨匠拉威尔则有著不同的风格。他的音乐以描述身外之物为主，但不像标题音乐般刻意描写事物，而是远离象徵主义中深染的主观元素，以一种远距离、极度客观的立足点来创造音乐的印象。他虽与德布西并称为印象乐派的大师，但是拉威尔所追求的效果更精确犀利，他避开象徵主义中暧昧的光线与阴影，以大量的装饰效果点缀音乐结构[6]。其中《库普兰之墓》，《为死公主而作的帕凡舞曲》，舞剧《达夫妮与克罗伊》，《G大调钢琴协奏曲》都是极具印象主义特色的作品。
选题的依据：我就是喜欢；研究的主要问题：为什么用小提琴演奏的《月光》比用钢琴演奏的更好听；达到的目的：把论文交上去；研究方法和步骤：百度上搜、百度上抄；研究工作进展计划：先在知道上要别人帮我拟个开题报告，然后到百度上搜刮素材，最后将素材穿成一串，大功告成。