毕业论文的题目是开展论文写作的前提，直接影响论文质量。下面是我带来的关于艺术设计类论文题目的内容，欢迎阅读参考! 艺术设计类论文题目(一) 1. “谈服装设计中的趣味性” 2. “服装设计中独特性的表达” 3. “明清服饰图案的应用分析” 4. “色彩与情感” 5. “印地安文化与礼服的关联性” 6. 服装外空间的发展与演变形式” 7. “刺绣工艺在服装设计中的运用” 8. “面料在服装中的重要性” 9. “解读设计师品牌与高级成衣品牌风格异同” 10. “论服装设计中的‘蝴蝶效应’” 11. “结构设计在高级成衣中的应用” 12. “谈‘东西方’服装的发展与应用” 13. “服装品牌文化效应” 14. “浅析街头服装文化形态及发展” 15. “服装卖场的个性化设计” 16. “服装市场营销对服装设计的重要性” 17. “浅析原生态色彩在服装中的应用” 18. “涂鸦艺术在服饰设计中的运用与研究” 19. “浅谈服装中‘性’的 展示与研究” 艺术设计类论文题目(二) 1.国内外室内设计的发展 2. 论视觉传达设计的创新 3. 浅析CI设计中的企业文化冲击力 4. 图形创意的表现 5. 平面艺术设计的本土语言 6. 传统美学观对现代广告招贴设计的影响 7. 浅析现代标志设计与传统图形艺术的结合 8. 浅谈技术的发展对插图设计的影响 9. 包装设计的定位 10. 平面图形设计中的符号学原理 11. 现代包装设计的文化观 12. 品牌包装设计 13. 中国古代图徽与现代标志设计 14. 医药商标标志设计之我见 15. 浅议汉字标志的存在价值与竞争优势 16. 论计算机图形艺术设计 17. 西方现代美术教育理论中的工具论和本质论 艺术设计类论文题目(三) 1. 谈广告创意的几种方法及其应用 2. 创意与生活经验 3. 广告创意的设计要求 4. (恐惧悬念幽默拟人等)技巧在广告设计中的应用 5. 公益类广告的创意与构思特点 6. 论视觉传达设计的创新 7. 谈平面设计的本土语言 8. 图形创意的表现在广告中的运用 9. 中国传统符号在现代招贴设计中的应用 10. 平面广告中色彩要素与人的情感联系 11. 多媒体广告与平面广告的表现特点 12. 计算机数码技术与手绘原创结合 13. 平面广告的形式美 14. 动漫广告设计的创意思维 15. 构成理论在广告设计中的应用 16. 广告作品中节奏感的控制 17. 网络媒体在当今广告行业的应用 18. 公益类广告的表现手法 19. Flash广告的使用与特点 20. 技术突破与艺术表现的结合猜你喜欢： 1. 艺术设计毕业论文选题 2. 艺术类毕业论文题目 3. 2017年艺术设计毕业论文选题参考 4. 艺术设计类毕业论文 5. 关于艺术设计专业毕业论文
涂鸦(Graffitist)，是一种结合了“嘻哈(HipHop)”文化的涂写艺术，形成于上世纪70年代初的纽约。纽约市立大学的学者爱德华在《世界百科全书》中写道：“‘涂鸦’经常写在公共厕所、公共建筑的墙上，或公园的石头上；有些单字和词组不甚健康；有时只是写人的名字，也有关于性的，还有许多是政治口号。”现代美术理论家王小箭教授在接受电话采访时说：“上世纪七八十年代是涂鸦艺术的辉煌时期。它的兴起，不仅是美国黑人民间艺术的宣泄，也是那个时代被压抑的族群和阶层群众的心理宣泄。所以，从表面上看，它有很强烈的反叛色彩、发泄的倾向和随意的风格，甚至有些反传统、反社会的精神。”旅美敦煌画派重彩画家陈幼白说：“没有涂鸦，就不是纽约了。” 90年代后期，街头文化随着哈韩哈日的潮流进入中国年轻人的视野，掀起嘻哈热潮，到了21世纪，街头文化深入传播到到中国的各大城市，对于新世代的潮人型人来说，街头文化已经成为型酷和时尚的象征，也成为了他们生活中的一部分。 街头文化有五个重要的元素，分别是服饰、街舞、Hip-HopDJ、唱白（MC）和涂鸦。一般人最容易想起的一定是那些尺码超大、宽松随意的嘻哈服饰，还有有型有款的街舞，因为这些比较贴近普通人的生活，也比较容易接受和学习。 涂鸦与商业的结合更紧密，涂鸦包含了更多时尚、娱乐和游戏的精神。许多青年涂鸦者中的才艺出众者登堂入室，成为新时代设计师中的幸运儿。他们的画布转移到了海报、广告、服装、鞋、帽子、玩具、电视台、游戏厅。工具则从喷漆罐变成了苹果电脑和PS、Illustrator，现在争着跟他们合作的是那些拿着大把钞票的广告商们，有耐克、阿迪达斯......由涂鸦而进入主流设计圈的佼佼者当属Marc Ecko，这个12岁开始涂鸦，20岁时就以6件自创涂鸦T恤奠定个人品牌根基的家伙，如今已是数十亿资产的服装品牌的拥有者。他一直认为，“现在年轻人就是爱突显自我特色，太一般的设计无法引起共鸣，我们的设计就是要引人瞩目、要夸张、要炫目夺人、要让人惊叹！” 有许多例子可以证明，如今涂鸦在新锐设计圈是如何集万千宠爱于一身。2001年推出的一款涂鸦提包，纯黑底上随意描画着简洁浑朴的纯白色英文圆体，没有了街头的粗砺，却是雅致与野趣的结合，成为当年时尚人士的春季必备。此外还有华丽涂鸦图案的长裤、短外套和皮包、鞋子，不少品牌还把巴黎花都的风景画面作为皮包上的图案。 另外，结合了实拍影像与涂鸦风格的动画设计也渐成风潮，一些以前卫的年轻人群为受众的频道，如美国的喜剧中心、MTV中都充斥了涂鸦风格的片头、广告、音乐录像带、甚至游戏都开始采用涂鸦式的手绘图形与动画。著名游戏开发商Atari于今年9月发行的一款新PS赛车游戏就专门请了50多名涂鸦艺术家做视觉设计。 新世代的涂鸦，更多的是为了宣告自我的存在，如果你有足够旺盛的激情，那就为青春留下美丽的涂鸦记号吧。
随着人们审美思维的变化,基于美学理念的室内环境艺术设计也发生了很大的变革。下面是我为大家整理的艺术室内设计 毕业 论文，供大家参考。
论室内设计中的涂鸦艺术
艺术室内设计毕业论文摘要
内容摘要：本文的目的主要研究涂鸦艺术在室内设计中的运用，并分析其未来的发展。通过理论的研究和实地调查的 方法 ，对涂鸦艺术在现代装饰设计中的具体运用进行分析，指出涂鸦艺术对室内空间的感觉和涂鸦艺术的方式。
艺术室内设计毕业论文内容
关键词：涂鸦艺术、方式、室内设计、视觉、情感
建筑大师普拉特纳认为，“室内设计比设计包容这些内容空间的建筑物要困难的多，这时因为在室内设计中，你必须更多地同人打交道，研究人们的心理因素，以及如何能使他们感动舒适、兴奋。” 而涂鸦艺术恰恰是对室内设计的人性化和个性化方面为我们提供了新的可能和创新。
一、 室内设计中的涂鸦方式
“涂鸦”在人们的生活水平的提高，也在发生着独有的变化，从童话到街头艺术，再到独树一帜的艺术风格。
(一)、短暂式的涂鸦艺术
涂鸦， 典故 出自《玉川子集?云添丁》，卢仝有一个儿子，喜欢乱涂乱写，常把卢仝的书册弄得又脏又乱。因故卢仝写一首诗：“忽来案上翻墨汁，涂抹诗书如乌鸦。” 因此得出涂鸦一词，并流传至今。然而我接触涂鸦这个词是在我大一时候，当我们上第一节设计色彩时，我们老师拿来他四岁女儿的涂鸦作品。并讲你们的色彩在创作不断的进步时，而丢掉了对色彩最本质的认识。色彩不是思考的产物，而是你对事物的原始感，这就是涂鸦，这就是涂鸦艺术研究的开端。
短暂式的涂鸦艺术的特点主要有：色彩个性化，内心的呐喊、环境的宣泄，形成独特的个性化;内容多元化，每个人内心都不一样，所无意之中创作出来涂鸦作品都不一样;目的模糊化，短暂式的涂鸦艺术是个人无意识的创作过程，它不具备足够的目的性、随心所欲、随便而安的表现方式是短暂式的涂鸦艺术的一种表现。
短暂式的涂鸦艺术创作逐渐得到年轻人的追捧，许多个性化的创作在室内空间的运用也越来越少。例如：“现代年轻的夫妻在自己装修室内空间中经常自己动手在墙壁上书写着随意的笔画，创作出不一样画面。这也许不是一件艺术品，但是它将成为一种装饰美观的图案。
(二)、终生式的涂鸦艺术
在十七届金犊奖中有这么一件 广告 作品。内容主要讲述着一位眼盲的老人家在家中依靠一堵墙扶着生活了十几年，来来往往，当它在这面白净的墙面上挥画着它的第一笔时，她也许不会觉得它是一件艺术品，而在她后人眼里那不仅仅只是一种艺术，更是一段美好的回忆。然而当老人逝世后，空空如也的房间，留下的只是时间和墙上的一道直线。在这件涂鸦作品中我们看到了人性的情感，看到的是人与人之间的爱，而不仅仅是一张画面。作为这位老人在无意之间创造出惊人的画面，但用她的一生作为代价，这难道不可以称为一种艺术形式吗?
终生式的涂鸦艺术是指长时间创作有意识或无意识的画作里的涂鸦过程，它不仅寄存了人短暂的情感，还永存了一种回忆。
终生式的涂鸦艺术特点主要有：色彩的复杂化，长时间的涂鸦，形成了各种各样的色彩和灵感;内容情感化，这样的涂鸦艺术留给自己是人对房子情感寄托;目的模糊化，虽然每天的涂鸦，但是也只是一次次的呐喊叠加而成，没有目的性的涂鸦创作。
终生式的涂鸦艺术对于每个人都具有独特创作。今天也许只能在墙上留下一个手印，明天也不过多一个而已，但是久而久之它就成为了一幅涂鸦作品。北京奥运会的开幕式中的卷轴不就是一种涂鸦艺术的表现，它只不过留下的不仅仅是一个人的脚印，而是无数人民涂鸦而绘成的艺术。我相信它不一定具有很强的画面感，但是它承载着许许多多人的情感寄托。
(三)、专业化的涂鸦艺术――墙绘
墙绘指的就是在装饰墙上利用 彩绘 的形式涂鸦装饰画面。 在现代有许许多多的人放弃传统的墙纸和木框，而对于他们也无疑使在做涂鸦的工作，只不过涂鸦的画面也变得美观化。
专业化的涂鸦艺术有主要特点有：色彩归整化，因为这是涂鸦艺术成为商品，它存在一定的画面感;内容的简单化，经过彩绘工人的世界就单一美观;目的清晰化，它不再是一种宣泄而是商品，所以具有其目的也是清晰可见。
专业化的涂鸦艺术已经形成了自己独特艺术价值。在室内空间设计过程中，涂鸦艺术作为一种原生的表达，在环境艺术设计中呈现了一种视觉样式，极大地丰富了公共空间的 文化 与艺术表达。也创新了一种空间的视觉传达画面。墙画彩绘可以自由选择表现内容，而作为居家空间主要组成部分的墙体就自然成了涂鸦艺术表现承载体，也成为室内墙面装饰的新语言。
二、 涂鸦艺术对室内装饰之间产生的影响
当涂鸦艺术逐渐的进入室内装饰时，人们已经开始接受模糊的是世界。可以不要高贵、优雅和矜持，但个人风格必须得以表现。设计师将涂鸦艺术强烈的视觉语言和激情运用在室内设计中，给现代室内设计表现形式增添了新的方向，也为装饰空间提供了一个崭新的模式。
(一)、涂鸦对室内装饰材料的影响
涂鸦艺术个性化的特点，突破了传统的方式，开创新的装饰模式，取代了传统的壁纸等装饰材料。让原有单一的材料从个性化的装饰中消失，从而凸显主人的另类追求。
在繁杂的装饰大市场，各式各样的材料琳琅满目，人们越来越觉得自己创造出的东西可以堪比所有大师的手笔，这不是一个自负的表现，而是一种自信。是自己对内心的一种满足，对灵魂的一种呐喊，对外部环境的一种自我改造。涂鸦艺术的即时化满足了每一个自我创造的人，让他们很快地表现自己的心声。
(二)、涂鸦对室内装饰风格的影响
作为一个室内装饰设计师来讲，室内装饰就好比一连串的连环画。而设计师要做的就是构建一幅幅优美的画面。经过时间迁移，一代代设计师为其装饰的画面风格在逐渐变化。从现实走向虚幻，从人生走向想象，而在现实的世界里，人们不再需要写实的画面，而更偏向虚拟的空间，这就是人的价值观的提高。
涂鸦艺术是对传统审美的颠覆，正如庞德诗歌所唱：“这个时代需要一个形象来表现它加速变化的怪相，需要的是适合现代的舞台，而不是雅典式的优美模样。”涂鸦艺术正是在改变人们的审美观，使人们从不同的角度去看待这个原本一样的世界，甚至原本一样的画面。那我们需要的就是创新，创造出一件事物的不同角度，不同的视角，不一样的世界观念。这样才能构建出一个美好的画面;一件富有创造价值的艺术;一套真正意义上的装饰空间。
(三)、涂鸦对人的情感影响
任何设计都是为人而服务的，脱离了人的设计是不存在任何设计价值。这是每个设计师都明白的。所以任何设计都必须从人出发，从人的情感出发，考虑设计的方式。
涂鸦艺术具有较强的表现性，能够充分的体现每个人不同的情感世界。当一个人在拿起画笔的那一刻起，都在宣泄着自己内心深处的情感;都在现实当中追求虚拟的世界。无论是那种涂鸦形式，它都在向世界传递一个内心画面。
三、 涂鸦艺术在室内装饰设计中的价值
涂鸦艺术是人情感的产物，它具有不同的价值。而在室内装饰设计中涂鸦艺术具有一定的社会价值、精神价值和文化价值。
涂鸦艺术开创了室内装饰世界的另一面，它在社会中树立了设计创新的领域，让人们对设计有了崭新的理解和构建，颠覆了传统的审美观，为人们开创了另类的世界观。涂鸦源于情感，归于情感世界，它改变每一个不能创造的人去创造自己的世界，也对这个环境世界起到改变性的作用。然而一种新的装饰风格的诞生，势必会影响一代人或几代人的设计思维，所以它也具有一定的文化传播作用。
涂鸦源于生活中的情感世界，服务于现实世界，改变着未来世界，也创造了一个新的世界观。
结语：涂鸦艺术从颠覆潮流到称其一方，那是一种必然的过程，因为人性的发展，也促进涂鸦艺术的发展;涂鸦艺术从街头艺术登堂入室，成为装饰的一种风靡，那是一种自然的结果，因为它宣泄着个人情感、传递着内心的世界;涂鸦艺术从原始社会开始到今天的发展，那是一种先天的预知，因为顽强的生命力造就了新的艺术开端。
室内设计中空间的艺术价值
艺术室内设计毕业论文摘要
【内容摘要】室内设计作为一门集艺术、技术、科学于一身的综合艺术，根据空间形态与使用功能，运用物质技术手段，创造功能合理、舒适美观、满足受众心理需求的空间环境，是对建筑空间的再设计。室内空间艺术并不在于形成空间结构的长、宽、高的总和，而在于空间的部分本身，在于被围起来供人们生活和活动的空间，它才是室内设计的灵魂，只有明晰了空间自身的艺术价值所在，才能使设计的本源真正得到回归。
艺术室内设计毕业论文内容
【关键词】室内设计 建筑 空间 艺术价值
室内设计行业起源于20世纪中叶的欧洲，最初的从业者是由美术工作者和建筑师组成。在我国，解放前的建筑及室内设计由建筑师完成，解放后才逐步有美术工作者参与其中，直到改革开放以后，才逐渐出现了由建筑师和工艺美术师转型的室内设计师。室内设计作为一门集艺术、技术、科学于一身的综合艺术，根据空间形态与使用功能，运用物质技术手段，创造功能合理等满足受众心理需求的空间环境，是对建筑空间的再设计，其特征主要体现在从艺术的角度为空间实体、虚体、技术、经济诸方面提出解决美学问题的方案。
室内设计的主题是空间，什么是空间?空，指里面没有东西，无，没有。间，指两个事物或两段时间当中，一定的范围之内。空间在字典中的解释为“物质运动的一种存在形式，由长度、宽度、高度表现出来，是物质存在的广延性和伸张性的表现……具有客观性和无限性，就宇宙而言，空间是无限的、无边无际的，就每一具体的个别事物而言，则空间又是有限的……”可以看出，空间是一种超越确切概念定义的意念，是难以用语言来表达的。荷兰著名建筑师、 教育 家赫曼·赫茨伯格认为，“空间象征了一切拓宽或除掉现存限制并开发更多可能性的东西，因而空间是相对于确定性而言的概念，这种确定性是封闭的、压抑的、笨拙的、受监禁的，被划分为承载物和分隔物，并被分类建立起来，被预先决定又保持不变，清楚明白。”这里的确定性指的就是围合空间的实体，实体以外的间隙就是空间，它无形且不可见，以不存在昭示着存在。
室内空间源于建筑空间，脱离建筑空间的室内空间环境是不存在的。既然我们建造有形的建筑实体是为了形成围合起来的空间，人们的行为活动也是在“空”的部分中进行，那么室内设计的重点毫无疑问应该是这“空的内部”，但有的人却把室内设计误解为一种“界面设计”及造型处理上的装饰美化，夸大视觉表象的装饰价值趋向日趋严重，缺乏对设计本质——空间的深入理解与探究。在面对一个由界面围合而成的室内空间时，“装饰者”通常的做法是把几个面孤立开来分别进行装饰后再组合形成所谓的室内设计。他们一直在努力创造最漂亮的“盒子”，完全丧失了对内容的控制，形式显得比内容更为重要，像法国建筑师让·努维尔所说的，他们“要创造美学奇迹”。为了实现目的，他们求助于装饰，而不是空间，其结果必将是空洞、表面、浮夸及缺乏根基的。在没有认识到空间意义的前提下，对空间界面做出的任何装饰，只能是徒有其表，不仅会扰乱我们的视觉，还会混淆空间设计的本质。
我们可以把建筑室内空间看作是三向维度下可以利用的几何“实体”，或可以利用的容积。这种思想最早出现在我国春秋时代老子的《道德经》中，“埏埴以为器，当其无，有器之用。凿户牖以为室，当其无，有室之用。故，有之以为利，无之以为用。”意思是揉和陶土做成器皿，有了器具中空的地方，才有器皿的作用。开凿门窗建造房屋，有了门窗四壁内的空虚部分，才有房屋的作用。所以，“有”所给人的便利，是“无”发挥了它的作用。这种“有、无”的哲学观正是建筑室内空间意义的写照，如果把“有”界定为具体的物质，即建筑空间的围合物，那么，“无”，即室内空间就是具体物质所存在的结构方式、时空关系、运动和变化形式等。建筑大师弗兰克·劳埃德·赖特的有机建筑理论也主张“建筑的内部空间是建筑的主体，房间本身应显露出来，否则建筑物就缺乏现代感”，“建筑新的实体是在屋顶和墙围护的内部空间”。在他看来“空间并不是一种消极空幻的虚无，而是一种强大的发展力量，这种力量可以推开墙体，穿过楼板，甚至可以揭去屋顶”，“这种内部意义正是我现在所确信的是建筑要表达的伟大事物”。空间艺术并不在于形成空间结构部分的长、宽、高的总和，就像一首诗歌不仅是一些美丽诗句的总和，一幅画作也不仅仅是一些不同色块的组合，它的价值体现在那“空”的部分本身，在于被围起来供人们生活和活动的空间。室内空间除了仅有的长和宽的空间形式——即供人们观看以外，还给了我们三维的空间，就是我们站在其中的空间，这里才是室内设计的灵魂及其艺术价值所在。
强调空间在设计中的“主角地位”并不是全盘否定装饰的作用。按功能组织空间时也要考虑到装饰的作用，因为单纯的空间是无法让置身其中的人感到愉悦的，那样的空间带给人的将是形式上的单调和情感上的冷漠。如美国当代建筑美学家托伯特·哈姆林所说，“纯物质的功能主义决不能创造出完全令人满意的建筑来”。装饰性艺术表现作为一种传达美的手段，以它特有的方式改变和美化了空间环境，强化了空间主旨，是内部空间合乎逻辑的反映，是合乎人的需求，并与人的审美理想能够产生共鸣的。从某种意义来说，室内空间设计的目标就是要根据空间的功能要求、文化内涵和组合关系来确定其装饰样式，把内部空间和外部装饰协调统一起来，各得其所。但在这里，有一点我们必须清楚，即室内设计是一个比较复杂的系统，诸要素在系统中并非都处于相同地位和起到同样的作用，如空间相对装饰来说就处于支配地位，影响着装饰及其他因素而成为决定性的要素。
虽然室内设计的灵魂是空间，但强调空间的重要性并未在人们最初的建筑活动中形成共识。古典主义时期，空间尚未得到人们的重视，建造建筑的目的与其说是为了形成空间，倒不如说是为了获得围合空间的实体，空间只是建筑的附属物。如，古埃及时期人们建造体形巨大的金字塔，金字塔与其说是建筑，倒不如说是建筑雕塑，因为相对宏伟壮观的外部形态，其内部空间几乎被忽视了;古希腊时期因其并没有把神庙看作是礼拜的场所，而是象征着神的家，所有宗教仪式都被安排在露天广场举行，所以，古希腊建筑更多注重的是建筑的外观形体设计，而忽视其内部空间;古罗马时期人们才开始真正进入一种空间围合状态，但此时高大、雄伟的建筑空间总是作为国家权威与尊严的象征，完全忽视了人的内心感受。在早期____时期，教堂作为一个公众集会的大礼堂，是参加宗教仪式和祈祷的场所，建筑师在设计中依据人的因素开始考虑空间。拜占庭时期因其信奉的东正教宣扬众教徒之间的平等一致，要求教堂体现出向心性和圣坛与教众的接近，所以空间向着更适合这个要求的集中式形制发展。罗马时期则是在教堂祭坛前增建一个横向空间，形成了一个十字形的平面，被称作拉丁十字式，这一直是天主教最正统的教堂空间形制。哥特式建筑是伴随着人们进一步开拓内部空间的需求出现的，建筑师在空间中为人们营造了一个向上和向前的两个空间动势，而且体量空前。文艺复兴时期的创新体现的是一种格律美学的发展与运用，试图在空间设计中寻求一种秩序、一种规律、一种章法。巴洛克时期建筑的内涵非常复杂，有其特殊的开拓和成就，它常采用非理性的构图手法，消解了空间和形体上明确单纯的几何性及逻辑关系，创造了一种新的空间概念，并赋予空间以动感。现代主义时期建筑空间从传统的静态平面布局过渡到灵活、开放和可变的现代平面布局，提倡简洁，将装饰因素减至功能要求的最低限度。而到了后现代时期，建筑空间逐渐从匀质空间发展到多功能的综合，带有明显的逆反性，推崇矛盾性、复杂性、含混性等一系列与传统美学不相容的审美范畴。
从建筑空间的发展演变中我们不难发现，人们对建筑室内空间艺术价值的认知经历了一个从最初忽视到逐渐重视的意识形态的转变过程，但无论怎样，都不可否认空间在设计中所具有的魅力，它是主角，是灵魂，这是合乎历史发展规律的。
虽然我们今天对空间的认知、对室内设计的发展有了一定的推动作用，但无论是设计方式、目标、手段、技术或是理念却从未停止过发展的脚步，正如经济没有了增长就不能运行一样，室内设计如果不把目标瞄准未来就不会有进步。如今，随着人们思想意识与文化素养的进一步提高，对更高品质的生活空间需求欲望不断增强，这就要求设计从业者要不断完善和深化对空间艺术价值的研究，以寻求真正的、本质上的创新与发展来适应新时代的要求，这是空间理论与设计发展最直接的推动力，也是激发空间设计活力的有效手段。
空间的魅力是无法抗拒的，纵使我们可能有时忽略它，但室内空间设计的美感和艺术价值最终还是体现在这个动态的、有生命的“空间”之中。
艺术室内设计毕业论文文献
[1]布鲁诺·赛维.建筑空间论[M].张似赞，译.北京：中国建筑工业出版社，2006.
[2]赫曼·赫茨伯格.建筑学教程2——空间与建筑师[M].刘大馨，古红缨，译.天津：天津大学出版社，2004.
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涂鸦首先出现在60年代的美国。经过这么多年的发展涂文化鸦已经散布到世界上的许多国家。在纽约、柏林、伦敦、哥本哈根等一些大城市，并慢慢被人们接受。而且逐渐成为一种艺术，而并非最初美国街头的反叛与黑人青年地域性的反文化行为。现在存在的几十年的涂鸦文化，正方兴未艾。有借于此，本小组对街头涂鸦文化进行深入地研究与探讨。一、 社会背景美国作为一个资本主义国家，其根本的经济制度导致美国社会中，人们生活的水平贫富差距十分悬殊。这样的社会状况便会挑起人们的一些不满与反叛，从而出现了一些像街头篮球，街舞，涂鸦，HIP&HOP，RAP的歌曲等一些美国街头特有的文化行为。这也是美国街头反叛文化产生的根源。1960年代到80年代的纽约市区是一个充满热诚又讲求快速步调的城市，居住环境的狭隘把生活抛露在街头，加上社会的贫富差距悬殊，对于生活在此种社会压力下的次文化社会边缘的人，已足以形构成所谓的反文化小团体。何况贫民区里有着一群被视为社会问题的失业、辍学的西裔或黑人青年。他们在反种族歧视，反战，反性压抑，反权利压抑的运动思想潮流中，触及生存环境所带来的种族问题，贫穷，就业的束缚，形成一股地域性的反文化社会行为。这些行为包括了街头篮球，街头涂鸦，街舞，HIP&HOP，RAP的饶舌歌曲等活动。其中，涂鸦就起源于濒临毁灭的纽约社会边缘，由一群敢与美国政府当局挑战的小孩将世俗文化的碎片重新建筑起来。其中涂鸦文化开始于60年代后期，至80年代盛行不衰。从70年代后期，至80年代已有一群涂鸦爱好者依此为生，发展其有独特的涂鸦艺术来表现自己的主张以及起鲜明的个性。到了后期便不再是单纯的反文化社会的行为，而加入了艺术的东西在里面，使其更容易被人们接受，更加合法。慢慢得从地下走到地上。二、 涂鸦之意涂鸦(Graffita)的意大利文之意是（乱写），而涂鸦（Graffiti）(其复数形式)则是指在墙壁上乱涂乱写出的图像或画。基本上，Graffiti是一种近于书写的行为，文字占的比重很大，形象的符号或标志、图形也是常见的内容，但多半的形象是以类似书写的方式，扼要地表明意图，不刻意地去描制描绘。但是后来的涂鸦艺术中图画，符号，标志却反过来压倒文字在涂鸦艺术中成为了主导。图画相对与文字更能体现出作者所要表达的内容和其作品的主导思想。三、 涂鸦艺术的形成与发展1970年代初期，当罐装喷漆可以随处买到以后，从地下铁的火车车厢到月台上到街道的墙面，一直到厕所了的墙壁，到处可以看到各式各样、色彩鲜艳、个性鲜明的涂鸦。早期的涂鸦创作以文字为主，那些涂鸦画的创作者称自己为（写手）{writer}而非（画家）{painter},而且通常是匿名的，他们流行用街道号码去假名，比如TAKI 183、JULIO 204、FRANK 207，他们的涂鸦画地盘的意味十分的浓厚。大部分的涂鸦创作者既不是专业的艺术家也不是专业的艺术系学生，而是来自纽约布朗克斯，布鲁克林和哈林区的街头少年。涂鸦的行为本身是一种对权威的反叛，而涂鸦也是一种艺术的表达方式。借由这样的行为，从艺术的角度来说：行为艺术，能很快地引起社会政治界，媒体，以及主流艺术传统艺术文化界的注意，于是涂鸦的文字逐渐减少，转变成为大型精致的卡通绘画图象。学院派艺术家也跟进，于是专业涂鸦人开始出现，类似联盟、社团的团体也纷纷出了，之后涂鸦艺术开始进驻艺术画廊，供人欣赏、收藏、买卖、投资。自此涂鸦的性质发生了巨大的转变。于是，世界各国便兴起了一股涂鸦艺术的热潮。涂鸦艺术跟同一时段的摇滚乐和RAP音乐十分相似。一开始人们借这种创作反抗体制、表达不满、发泄情绪、控诉社会。到后来，这些涂鸦艺术的原始本质却被整个资本体系收编，有原先的反文化艺术变为一个真正的艺术的分支。成为与传统绘画拥有一样性质的一种艺术。涂鸦的原始性质逐渐在别国的涂鸦创作中消失。1970年代到1980年代，纽约的画廊开始举办各种各样的涂鸦艺展览，把街头的涂鸦艺术家请到画廊中来，涂鸦因而成为高压的艺术创作形式。重要的活动展览有：1、第一次涂鸦艺术展览是1972年由纽约曼哈顿的苏活区的刀片画廊举办。2、 1975年联合涂鸦艺术家（United Graffiti Artists）在纽约的艺术家空间（Artist SPACE）展出。3、 1980年推出时代广场展—涂鸦从此真正开始大批的展示，并引起艺术界的高度关注。4、 1983年是涂鸦艺术的巅峰时期，首次的美术馆大展在鹿特丹的伯依曼斯—范·波尼肯美术馆（Boyman-van Beuningen museum）展出。四，涂鸦的风格战1. 早期的涂鸦喜好单一色彩，并用非双关性引用语，如烟缕的符号及哈罗等。2. 接着，将文字形式的箭矢变化成王冠，让它戴在头上以示威严。3. 后来，以耀眼、醒目、突出为目标，开始以高彩度喷漆在地铁或大街道上写自己的名字并以对比色或黑色将其围绕，甚至又以镶条、斜纹、星形、西洋棋盘或圆点花样等装饰，希望见名字突显出来。4. 70年代中期，以改变自我的像徽形式出现，内容大多为卡通影片的英雄人物，这些人物多数以类似被攻击、辱骂等一些不寻常的姿势出现。5. 涂鸦背景越来越复杂，喷漆以为装置的改良而使其功能及作用发挥到极至，也使涂鸦的艺术性与个性发挥到了极至。燃烧的太阳，星星，子弹划风而过，画风景，自画像，抽象符号等，组合并重生出另一个有趣的画面。四、 涂鸦者与涂鸦艺术家的差异1、涂鸦者没有传统的包袱，可以以自己的喜好与思想自由创作，直接传达其情绪；受过学校训练的涂鸦艺术家则以美学的态度来调和社会现状。2、涂鸦者以一种无特殊记号的签名方式，出现制造突出群众的风格；涂鸦艺术家则以一种除去个人化的风格融入社会中，其作品风格如广告或政治宣言，以标准的印刷字签名。五、 美学观与社会学的探讨谈到涂鸦，他通常给予人两极化的看法；大多数的人都将它视为一种坏、污损、疯狂、侵犯、恐吓；但也有一些人则认为涂鸦是一种真正的美学性产物，是被压制者或没有发言权者的个性独白。例如，卡吉（John Cage）就认为我们应该珍惜每一个涂鸦记号；1974年的作家诺曼·梅勒(Norman Mailer)在她出版的《涂鸦的信仰》一书中，把涂鸦的现象看作是对罪恶的工商文明之种族性的反叛，并将它浪漫的解释为社会自由的无秩序的显示；艺术评论家苏勒·加布立克（Suzi Gablik）则认为那些街头少年被渴求新鲜的艺术市场所发觉。六、 代表人物1、 哈斯·哈林（Keith Haring）1980年代期间纽约派中最主要的领导人物。他对于1980年带流行的观念艺术与极限主艺术具有很明显的反感，而对于街头到处可见的涂鸦和老普普的一些艺术家作品有浓厚的兴趣。美国普普艺术家汤姆·奥登斯（Tom Otterness）的作品《渡渡鸟》那种具有卡通角色的欢乐趣味的特征对他影响很大。哈林的作品充满了非常欢乐的小人物形象，也有大量的性象征形象，描绘的手法非常流畅而简单、明确、游戏娱乐感很强。他的许多作品都被称作（无题）。他的（小人）形象目前也被广泛地应用在服装、室内装饰、广告设计上。可谓是涂鸦艺术的一代宗师。2、 尚—米契·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）非学院出身。运用非洲图象，色彩鲜明，涉及美国社会有色人种的话题，可说是有色人种问在美国社会的典型例子。3、 肯尼·沙佛（Kenny Scharf）汲取了卡通动画，超现实等特长，表现出俗艳、丰富的视觉世界，强烈的刺激视觉。4、 奎诺尼斯（Lee Quinones）5、 斐图拉2000（Futura 2000）世界各地的涂鸦文化认识涂鸦，必须追溯到它的起源，中国的涂鸦文化虽然在慢慢壮大，但仍然不能与西方的国家的涂鸦文化相比，对此，本小组决定利用周末时间，上网查找世界各地的一些比较经典的涂鸦文化，通过本次活动，我们通过对涂鸦文化的了解，让我们对中西文化的差异有了更深刻的认识。海口街头文化涂鸦取景为了能对涂鸦文化在海口的发展有更深刻的了解，本组决定在海口地区的各个大街小巷的涂鸦进行彻底的调查。于本周周末，本组组员仲晨、岑凯捷到海秀路附近，对一部分涂鸦进行拍照。通过本次活动，我们更深透的理解涂鸦文化对本土的影响，从根本上认识了涂鸦的广泛和普及。对本课题的研究迈了成功的一步。世界各地的涂鸦文化认识涂鸦，必须追溯到它的起源，中国的涂鸦文化虽然在慢慢壮大，但仍然不能与西方的国家的涂鸦文化相比
平面设计是沟通传播、风格化和通过文字和图像解决问题的艺术。关于平面设计类的论文题目有哪些?下面我给大家带来平面设计专业论文题目参考，希望能帮助到大家!
平面设计类 毕业 论文题目
1、《与秋》平面设计系列作品
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4、探析色彩语言在计算机平面设计中的应用
5、平面设计中的二维动态图形教学与实践
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13、互联网时代下平面设计在园林设计中的应用--评《计算机辅助园林设计》
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23、数字化时代平面设计的生存与发展
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25、浅析中 国画 基本元素与平面设计的融合
26、浅析符号学在平面设计中的应用
27、平面设计中视觉元素构建意义及策略
28、平面设计中视觉美学的构建研究
29、创新平面设计理念--浅谈极简主义在平面设计中的应用
30、论高校平面设计教学中学生实践能力的提升
31、李能建平面设计、插画设计作品
32、柳芳、陈佳莹平面设计、插画设计作品
33、以"玉环文旦"为例谈中职平面设计社团的实践创新
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35、民间染织 刺绣 纹样在平面设计中的应用
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37、浅议平面设计对中国传统艺术的借鉴
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59、水墨元素在平面设计中的应用
60、传统剪纸艺术在平面设计中的应用
2021平面设计毕业论文题目
1 浅析计算机平面设计中设计软件的相互结合与应用
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10 论技工院校平面设计课程教学质量提高的措施
11 平面设计中的传统美术色彩研究
12 简析20世纪初期未来主义运动对现代平面设计的影响
13 大理喜州白族图形图案在平面设计中的运用探究
14 基于文字、图形、色彩语言艺术的平面设计运用
15 平面设计中字体设计的重要性初探
16 平面设计中元素视觉的多维化表现
17 平面设计软件与DICOM图像数据处理技术
18 平面设计中色彩的搭配方法分析
19 高职《Photoshop平面设计》微课程资源开发与应用
20 刍议符号在平面设计中的运用
21 多维视野下平面设计视觉语言的构建
22 平面设计中的插画艺术
23 摇滚乐产品平面设计应用研究
24 关于涂鸦艺术风格的平面设计研究
25 互联网时代的平面设计与新媒体融合研究
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29 摄影术的传入如何影响中国近现代平面设计手法与观念
30 平面设计语言在动态设计中的维度互联研究
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32 平面设计元素在跨媒体平台动态设计中的视觉形态研究
33 平面设计立体视觉表现探索
34 儿童 画元素在平面设计中的应用
35 女性参与：女性主义视角下中国近代平面设计探究
36 展陈中的平面设计视角与平面设计中的展览意识
37 马克思主义哲学对平面设计的指导
38 中原民间美术对现代平面设计的启示与应用
39 平面设计的多维性研究及思考
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包装设计论文题目
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一、涂鸦的由来
“涂鸦”，把这两个分开解读，“涂”是涂涂画画的意思，“鸦”是颜色的意思，两个字加在一起上的意思就是随意涂抹色彩。涂鸦的表现形式有很多，比如：文字、符号、图形等。涂鸦起源于美国纽约，在贫困的街区，人们使用涂鸦来表达内心对这个世界的不满，是一种情感的宣泄。从20世纪60年代兴起，80年代开始流行，涂鸦的形式变得越来越多，流行的区域也也越来越广。从最简单的字体到图形，从街头行为到艺术行为，涂鸦艺术在平面设计中用的越来越广泛，风格也多样化，给设计师们带来了更多的设计灵感。
二、涂鸦艺术在平面设计中的特点
涂鸦艺术是随感而发、随心所想、简洁明了的艺术表现手法。涂鸦艺术从开始的反叛文化变为现在的真正艺术，拥有自身的艺术类别。在商业化信息的今天，涂鸦艺术被人们所喜爱，也给很多企业带来了巨大的经济价值。涂鸦艺术使用在平面设计中，改变了曾经单一的视觉感受。传统的平面设计比较压抑、刻板、重复，给人一种疲倦的`审美感觉。涂鸦艺术的特点正好相反，它随意、轻快、简洁、色彩丰富。这种艺术形式多被现代年轻人接受。年轻人的特点是天马行空，想象力丰富，喜欢自由自在的生活。这些特点和涂鸦艺术都极其符合。在街道的某个地方，用涂鸦来绘画墙面，视觉冲击力很强大，好的涂鸦技巧，给人一种三维效果。涂鸦的图像和真实的元素结合在一起，使人们注意力集中，想象扩散。在有限的空间，给人无限的想象，这就是涂鸦艺术的强大艺术效果。涂鸦艺术不仅是一种户外艺术，在平面设计中也广泛用到。很多设计师把涂鸦艺术和商业行为结合在一起，给很多企业带来了巨大经济利益。利用涂鸦张扬、狂野、自由、反叛的个性与很多知名品牌结合在一起。比如可口可乐、耐克、阿迪达斯等等。它们产品的设计都会运用到涂鸦的设计元素。这些企业也有大胆创新的思想，改变传统的表现形式，它们的目标受众群体大多是自由活泼的年青人。因此打破陈旧的表现形式，注入新的设计元素。很多品牌策划的宣传会，都会举行涂鸦比赛，很多有想法的年青人进行有创意的涂鸦，给产品的设计带来了新的灵感。这种宣传方式灵活、随意、吸引人群，及宣传了品牌，又达到了娱乐的目的。还有很多的平面广告也是运用涂鸦的方式表现。比如大型的户外广告牌，车厢广告等。这种商业形式覆盖面广、传播速度快、制作周期短。涂鸦的形式还表现在报纸、杂志、包装等等方面，用途十分广泛。
三、涂鸦艺术在平面设计中的发展
20世纪60年代中后期，涂鸦艺术开始形成。当时的涂鸦艺术是对波普文化的继承和发展，但是它们之间存在着不同之处，波普文化主要对大众文化进行思考和审视，而涂鸦艺术来自大众文化。在美国，随着黑人运动兴起，人们为了表达对世界的不满，为了发泄情绪，在地下铁的车厢内外开始涂鸦。很快美国的涂鸦艺术传到了欧洲，在欧洲盛行的街头书法艺术就是涂鸦艺术，随着工业化的发展，人们思想不受束缚，更多的是寻求自由。于是。一些前卫的艺术家把涂鸦艺术运用到了设计当中。
20世纪70年代，涂鸦艺术从地下走向了地上，涂鸦的行为本身是一种反叛的行为，但是涂鸦也是一种艺术的表现形式。70年代，涂鸦运动很疯狂，随处可见，越来越多的人对涂鸦感兴趣，于是涂鸦艺术从地下走到了地上。这个时期，涂鸦者们想到了创新，加入了许多新的元素，希望吸引更多人的注意力。在70年代前期，后现代主义的设计思潮影响下，涂鸦者们开始在字形以及涂鸦效果上面进行研究，创造了一些新的表达形式。这一时期，涂鸦艺术发展迅速，他们可以进入画廊，被人收藏、买卖、投资等。涂鸦艺术使传统的设计受到冲击，获得了更广阔的创作空间。
20世纪80年代，涂鸦艺术已经成为一种绘画风格，涂鸦者更注重与人的交流。涂鸦被广泛运用在服装、广告、室内设计上面。人们涂鸦的目的变得不太一样，涂鸦的运用具有了商业性质。涂鸦的表现手法也变得简单、明确、娱乐性更强，艺术形式也多种多样。涂鸦者的涂鸦作品希望得到更多的社会经济价值和现实意义。
20世纪90年代，这是一个信息化的时代，人们不满足那种简单的街头涂鸦方式。逐渐的，涂鸦艺术进入商业领域，涂鸦被用到广告、服装、电视等等商业媒介物上面。在这一时期，我们熟悉的一些大品牌也使用涂鸦元素，比如可口可乐、阿迪达斯、耐克等等。涂鸦和商业成功的结合，给企业带来巨大商业效益。涂鸦艺术在平面设计的运用也相当的广泛，很多年轻人喜爱这一风格。涂鸦艺术带来新的设计风潮。
21世纪，涂鸦艺术开始和数码结合，涂鸦艺术不仅是街头艺术的主体，在数码领域也有独特表现。欧洲很多的数码网站上，涂鸦艺术都用在数码设计上，现代网络技术发展迅速，涂鸦艺术也借助这一媒介开展新的篇章。涂鸦艺术的运用使传统数码设计改变原有死板设计，给人新的感觉。
当今，世界多元化发展，设计领域的表现手法也多种多样。涂鸦艺术有着人们内心最本质、最纯真的感受，因此是设计者喜爱使用的艺术表现手法，越来越多的人也愿意接受这种方式。平面设计中运用涂鸦技术，也是一种设计的突破，给人们的感观世界带来不一样的视觉冲击。
历史？？？？？？
涂鸦(Graffitist)，是一种结合了“嘻哈(HipHop)”文化的涂写艺术，形成于上世纪70年代初的纽约和柏林。涂鸦经常涂写在公共建筑的墙上或交通枢纽地带及其他公众场合；表达方式独特，通常以文字、图形或其他方式来表达艺术家们对生活的认识、追求以及富有个性化的遐想。涂鸦文化是一种国际化的艺术表现形式，是对传统艺术体制形态做出了革命性的改变。 凯斯·哈宁（Keith Haring），于1958年5月4日在美国宾夕法尼亚州的一个小镇出生,是家中的老大。在不到一岁的时候，就喜欢用父亲给他的蜡笔，画一些有趣的图案。因此哈宁对他能引起全世界如此多孩童注意，他自己的看法是因为他有一张滑稽的娃娃脸。哈宁说：“我发现我能逗笑每个小孩，可能我给人先入为主的有趣脸孔，及小孩般的言行，而因为我的素描总是简单的线条，所以儿童们都能指出我的作品内容。”哈宁的艺术教师对这个男孩着迷于绘画的情形感到惊讶。哈宁喜欢线条。任何事物他都把它变成他所爱的线条样式。他那么富创造力地工作！他将充满想象力的图案样式完成并实现在他所有的周遭环境。 他也创造属于他自己的标记——婴儿标记。 1982年，他在一次成功的个展中崭露头角，之后意大利、比利时等国家也相继向他邀展，得到来自欧洲极高的尊荣和肯定。遗憾的是这位伟大的艺术天才于1990年2月18日死于AIDS，当时他才31岁。虽然哈宁去世十六年了，但他的涂鸦作品却是世界艺术宝库的重要组成部分，其创新和美学价值对于中国文化和艺术环境的营造具有一定的现实意义。你如果能看懂英文我就能给你找到好多！
小学生刚入学不久，依赖性和模仿性较强，但由于年龄较小和家庭教育的不当，有些学生身上存在比较自私，不懂礼貌，不爱参加劳动等缺点。所以如何培养良好的品德对于小学生来说是一个比较重要的事情。小学生如何培养良好的品德及习惯一、 好品德的培养(一) 尊敬师长，礼貌待人 教师可以首先通过课堂礼仪来培养学生尊敬师长，礼貌待人的品质。要求学生在老师宣布上课时要迅速地起立，并鞠躬行礼，向老师问好，待老师答礼并说“同学们坐下”时再坐下。但学生迟到时，要求学生应该轻敲教室的前门，并立正喊“报告”，待老师允许时进入教室。在课堂上要积极思考老师的问题，发言时要先举手。别人发言时，要认真倾听，不随便打断别人的讲话，不做无关的小动作，更不能取笑别的同学。下课铃响，老师宣布下课时，应端正起立，与老师互道“再见”。离开教室时，让老师先行。 在平常的教学过程中，可以经常适时地穿插一些有利于学生形成尊敬师长，礼貌待人品质的内容。告诉他们一个好孩子、好学生见到老师、长辈应该主动打招呼。当在公交车上碰到老年人时应该主动让座。当别人帮助自己后应该道谢等等。让学生明白怎样做才是一个有礼貌的好孩子。(二) 爱护公物，勤俭节约 小学生活泼好动，爱好信手涂鸦，因此应教育学生应该爱护公物，不得乱涂、抹、画、刻课桌、墙壁等公共设施。开门、关门时要轻。一旦不小心损坏东西，主动承认，在走廊、教室不玩球等，以免弄坏玻璃。 培养小学生的勤俭节约的意识也是相当重要的。由于小学生都是伸手向父母要钱，不懂得节约。教师应该在平时的教学过程中培养他们的节约意识。生活节俭，不摆阔气、不乱花钱，不能向父母经常要钱来买零食。作业本、笔等学习用品在使用的时候要节约，不要浪费。(三) 遵规守纪，热爱劳动 “没有规矩不成方圆”，应该告诉学生，学校作为一个集体要有它的规矩，学生是学校的一分子就应该遵守其规定制度。 例如要求学生预备铃响，要做好课前的准备，并端坐在教室里安静等待，上课后认真听讲，积极思考老师和同学提出的问题，各种物品要轻拿轻放，认真做好课堂的笔记。在参加升旗仪式时，要立正脱帽，肃穆庄重，目视国旗行注目礼;唱国歌时要声音洪亮。鼓励学生积极参加有益身心健康的各种体育活动和文艺活动，但不允许大声喧哗。 现在的家庭里一般都只有一个孩子，父母和长辈都比较溺爱，这是可以理解的，但过分的溺爱不利于孩子的成长，可能使他们养成自私、懒惰等毛病。在教学的过程中应鼓励学生学会料理自己的生活，自己穿衣、盛饭，主动帮父母收拾房间、洗衣、做饭、洗涮餐具等力所能及的家务活。在学校里要轮流值日，值日生应该认真值日，保持教室和校园的整洁优美。 有意识地培养学生尊老爱幼、诚实守信、勤奋学习等良好品德，同时也需要教师以身作则、言传身教，用自己良好的品德去潜移默化地影响学生。二、 好习惯的培养 现代教育家叶圣陶先生说：“教育是什么，往简单方面说，只须一句话，就是要养成良好的习惯。”小学生的可塑性强，是培养良好习惯的最佳时期，因此教师应该有意识地培养其良好的习惯，人一旦养成一个习惯，就会自觉地在这个轨道上运行。是好习惯，则会让人终生受益，反之，就会在不知不觉中影响人一辈子。(一)社会公德的培养 社会公德是一种存在于社会中间的道德，就是人们为了维护我们社会的利益而约定俗成的我们应该做什么和不应该做什么的行为规范。中国自古是“礼仪之邦”。关于个人修养的研究从古代社会就开始了。古人曾经提出过“修身养性”;近代孙中山建立中华民国时，革除了许多社会陋习，社会面貌焕然一新。新中国把思想品德作为中小学生的必修课。学校是培养人的社会公德的主要场所，特别是小学生的社会公德意识较弱，需要对其进行培养。可以根据小学生的年龄特点着重培养其以下方面的社会公德。遵守交通规则，注意交通安全，当过马路的时候要首先看一下是否是绿灯，再看一下是否有车辆通过，不追逐打闹，保证自己的安全，过马路时要走人行横道。在乘坐公交车时，要主动给老、弱、病、残、孕妇及师长让座，不争抢座位。 遵守公共秩序，购票、购物、乘车时要按顺序，不插队，不拥挤。对营业人员要礼貌。爱护公共设施、爱护花草、数木，保护动物。不要踩踏花草，不要伤害动物。当观看演出时要做文明的观众，结束时要鼓掌致意。在公共生活中，人与人之间应该团结友爱，相互关心，相互帮助。鼓励小朋友之间要互相帮助，当别人遇到困难的时候要主动地伸出援手。比方自己的同学遇到不会计算的问题时，自己可以主动上前热心地解答等。(二)注重仪容仪表、仪态的培养 小学生年龄较小，不太注意个人卫生，在仪容仪容方面主要要求其保持整洁干净，脸、脖颈、手都应洗得干干净净;头发按时理、经常洗，指甲经常剪;注意口腔卫生，早晚刷牙，饭后漱口，不能当着客人面嚼口香糖;经常洗澡、换衣服，消除身体异味，使其明白人们都喜欢跟干净的人在一起工作、学习都讨厌邋遢的人。 对于小学生来说，仪态主要指坐、立、行走、读书、写字的姿势。“站如松，行细风，坐如钟，卧如弓。” 坐姿要求端正挺直而不死板僵硬，不能半躺半坐，两腿间距与肩同宽，不能叉开，双手自然放在膝或扶手上，大方得体;走路要求挺胸抬头，肩臂自然摆动，步速适中，忌讳八字脚、摇摇晃晃，或者坦捏碎步。这对塑造小学生挺拔的身姿很有益处，特别是坐的姿势会影响他们的脊髓的生长和视力的情况。(三)良好卫生习惯的培养 良好的卫生习惯不仅使自己终身受益，同时也是自己社会责任心的体现。现代社会由于父母一般都去工作，跟子女交流的时间较少，经常会忽视对孩子良好卫生习惯的培养。特别是在农村，由于目前卫生状况相对较差、家长重视程度不够等原因，小学生卫生习惯形成较晚，卫生习惯方面存在很多问题：如乱丢纸屑、瓜皮果壳，随地吐痰;乱吃零食以及吃零食后随手乱扔包装袋;在墙壁上乱涂乱画;环保意识薄弱等等。为了培养学生的良好的卫生习惯，首先利用家长会进行卫生防疫知识讲座，使家长明确讲究卫生的重要意义。和家长协议：在学校里，学生的教育学习是老师的责任;在家里，孩子的个人卫生是家长的责任。要求家长要注意给孩子讲究个人卫生，防止疾病。在学校，老师针对个别严重的单独进行教育。教育时要耐心、细致，对进步的同学要及时地当众表扬，促进更多的同学向其学习。家长、学校配合教育抓个人卫生会取得良好的效果。 环保意识的培养。结合品德课《环保》一课，教育学生保护环境的重要性;开展《爱护环境》主题班会，加强思想教育，教育学生反思自己无视校园卫生的不文明行为，提高学生保护环境和保持校园卫生的认识，动员学生做到弯弯腰捡出一个洁净的校园;要求学生将零食的包装袋、废纸、铅笔屑等东西要放入指定的垃圾桶中，避免乱扔垃圾，保持整洁的校园。 小学生年龄小，正在学习阶段，什么东西都会向大人学，特别是自己比较信任的老师。因此教师作为学生的榜样，首先要是个讲卫生、爱清洁的老师，那么，他的学生们在他的言传身教下，在个人卫生方面一定会做得很好。(四)良好学习习惯的培养 心理学研究表明：学习习惯在小学低年级就形成了，以后如果不给予特别的教育，形成的习惯很难有多大的改进，所以尽早使孩子养成良好的学习习惯是很重要的。学习习惯有好坏之分，好的学习习惯可以提高学习效率，同时学生学习起来也不会太吃力，以免形成厌学的情绪。如果形成了好的学习习惯会使其受益终身，同时坏的学习习惯到中学后也不太容易改进，所以在小学期间培养学生良好的学习习惯至关重要。 教师要有目的有计划地增强学生的学习意识，让学生在自主学习的过程中养成良好的学习习惯。同时在反复实践和强化训练中尤其要注意各科教师之间，教师与家长之间，班级与班级之间的密切配合，步调一致，否则会降低强化效果，影响良好习惯的形成。要向学生说明应该怎样学习。首先在上课新课之前应该预习，大致了解将要学习的内容，同时做好标记，看自己那些已经理解了，那些还不是很清楚，那些完全不理解，这样在听课的时候就有了目的性。当上课的时候课时，准备好必需的文具。与学习无关的东西不带到学校来，上课时不摆弄文具。专心听讲，不小声说话。紧跟老师的思路，积极动脑思考，积极举手发言，积极思考老师提到的问题，对自己不明白的地方要适时地向老师提出，认真做好上课时的笔记以便课下复习时使用。课后要认真完成老师所布置的作业，同时及时复习已经学过的内容。学生有时可能在学习习惯的养成过程中会存在这样那样的问题，老师要认真辅导、耐心指导，对预习、认真听课、作业完成较好的同学给予表扬，也可适当地给予物质的奖励，促进更多的学生形成良好的学习习惯。 思维习惯、礼仪教育、读书习惯等方面老师也应该适当地引导，促进学生形成良好的生活、学习习惯，帮助学生成长。十年树木，百年树人。培养好品德、好习惯不是一朝一夕的事，需要家庭、学校、社会的密切配合，其中教师的作用至关重要。只要各科老师共同努力，时刻注意培养学生的好品德和好习惯，就一定可以培育出一棵棵参天大树，一位位国之栋梁。如何培养良好的品德是并不是一个很难的任务，只要抓紧时间，从小培养就可以将孩子塑造成一个优秀的、有良好品德的人。
固体含量的高低在国家标准及行业标准中对各类油漆都有明确规定，固体含量的高低不代表涂料质量的好坏。现在涂料行业主要研究水性及高固体份涂料，这两种涂料都是低VOC、环境友好型涂料，所以从某种意义上讲，高固体含量的涂料是比较环保的。
固含量等於涂料的遮盖力~若是你要喷涂的工件表面不好.建议采用高固含量的涂料.可以较好的遮盖工件表面(但不是万能的但可降低一部分)尤其色粉更好.高固含的涂料更可以降低成本.因为在相同一公斤的涂料.高固含量可喷的工件也会较多.
高固体份，低粘度涂料是涂装的一个发展方向。这种油漆可以一次成高厚膜，同时不会产生传统高固体份油漆喷涂时产生的弊病，也会大大降低VOC的排放量。
涂布率以及VOC排放量
汉服
汉服是汉民族的传统服装，是从黄帝“垂衣裳而治天下”到明末清初的几千年里汉民族衣着服饰的总称，在清初满清政府的暴力政策下被废除。基本特点为交领、右衽、系带、不用扣子，基本形制有衣裳、深衣、袍衫、襦裙、襦袴。
韩服
韩服是汉服在明中期流传到朝鲜并加以改良形成的，因此韩服的大多数款式都起源于汉服。特色是颜色艳丽以及没有口袋。其与汉服的区别请见下：
韩服下裙是背带裙，直接系在肩上，上襦很短套在外面。而最容易与其弄混的汉服齐胸襦裙是下裙系带很高，上襦扎在里面。
韩服深衣因朝鲜人盘坐的习俗而系带扎得很高，汉服则一般扎在腰部。
韩服下裙非常蓬松而汉服下裙自然下垂。
韩服领口多呈v字形，而汉服交领为y字形。
和服
和服是汉服在三国时期流传入日本并逐渐改良形成的，其特点是腰带长且宽，系带在后且衣型呈直筒状。其与汉服的区别请见下
和服系带在后形成锦结，而汉服系带在前自然下垂。
和服衣形呈直筒状，而汉服较飘逸。
和服只靠一个腰带固定，而汉服衣间多系带。
和服下摆窄小而汉服下摆宽大自然。
三国服装对比图
1. 汉服和和服的区别 汉服和和服的区别 汉服与和服的区别？ 汉服与和服的区别主要体现在整体风格与裁剪制作工艺方面。 一、整体风格不同： 汉服飘逸洒脱，美在灵动。 和服拘谨宁静，美在端庄。 二、裁剪制作工艺的不同： 1、前片不同： 汉服前左片为整幅布、右片多为半幅布；和服前身左、右片都为半幅布。 2、领口不同： 汉服交领是裁剪出来的；和服交领是按对襟裁剪，穿着时相交呈交领。3、袖子不同： 汉服广袖线条柔和，袖口是开放的；和服振袖直线直角，下部缝合，后部敞开。 4、腰带不同： 汉服博带束腰，一般在前面打结，多余部分自然下垂；和服以布料围腰，腰带又厚又宽，在背后打结，结很大。 5、衣裾不同： 汉服衣裾较大，和服衣裾较窄。 6、缘边不同： 汉服衣领、袖口、衣裾都有缘边；和服只有衣领有缘边。 扩展资料： 汉服是从黄帝即位（约西元前2698年）至明末 （公元17世纪中叶）这四千多年中，以华夏礼仪文化为中心，通过历代 *** 王朝推崇周礼、象天法地而形成千年不变的礼仪衣冠体系。 自黄帝、尧、舜垂衣裳而天下治，汉服已具基本形式，历经周朝礼法的继承，到了汉朝形成完善的衣冠体系并普及至民众，还通过儒教和中华法系影响了整个汉文化圈。 *** 、汉服、汉语、汉俗由此得名。日本、朝鲜、越南均曾颁布法律效仿汉衣冠。 和服是日本人的传统民族服装，也是日本人最值得向世界夸耀的文化资产之一。和服实际上源自中国汉唐服饰，后经日本历代修改，逐渐形成日本现代的和服式样，但基本上与汉唐服饰并无太大区别。 和服的穿着技巧，乃是随着时代的风俗背景，经过琢磨考验，蕴育而生。衣服上高雅而优美的图案，源自日本民族对山水的欣赏及对风土的眷恋，乃至于对人本精神与情境的细腻感受。 参考资料：百度百科-汉服 日本和服文化。 和服和汉服的区别和相似点 眼观：汉服是广袖 和服是振袖 汉服是宽袍大袖 和服穿了得走小碎步···（袍子宽不宽你自己想） 汉服是上下分裁上衣下裳（就算是直裰，里面也有暗摆） 和服是通裁，几块布一拼，也不管下摆的宽度（所以其实走不了大步子） 所以 汉服可以迈豪步 和服只能走小碎步 汉服的腰带几乎都是软的 而且不能超过九厘米 和服的腰带基本上没有九厘米以下的 汉服的深衣上下摆也有裾 和服没有 汉服的腰带打结打在前面 和服在后面 具体区别：一，从花纹上来区别，固然是可行的。 一些十分具有日本本土风格的图样我们可以认定为和服花纹，但是也要注意，日本有相当多的图案风格都是传自中国的，这些图案既然是中国的，当然也可以作为汉服花纹没有什么不对。列举一下传自中国的图样：一般都是比较古老的图案，比如法隆寺图案（跟随佛教被传播的图案有很多，像法隆寺图案这种是活化石，我们可以从中看到几百年前的唐朝图案），金鱼图案，松鹤，云鹤，千鸟（来自中国的百鸟图，其实百、千都是虚指，指多而已）、青海波（波浪形的图案，请大家注意中国官服下摆的青海波与日本的青海波诸多相似），凤凰，孔雀，龙，狮子，虎，牡丹，花鼓（日本鼓传自唐朝花鼓），唐草（蔓草式样图案，因传自中国所以叫唐草）等等 列举日本本土式图样：一般比上面的新，像樱花（比较古老了……）、日式风铃、和扇（和扇和中国扇的区别请大家注意）、桔梗花、朝颜（牵牛花）、市松（一种约定俗成的松叶文样）等等——这些是汉服不会出现的 有的时候从花纹上面非常难分辨，我曾见过日本的一种鸟文样，简直与楚国凤鸟文长的是双胞胎，所以最好还是从款式分。 二，从款式上来区别，这才是重点。专业地判断是哪一种服装，还是要从款式。 1，和服的衿和汉服不一样。和服的衿，既非中国的交领，也与中国的直领不同，最典型的特征是衿头出在衣服外面。 汉服的衿和衣服是平齐的。还有，和服的衿内贴一层布做共衿，共衿不封口，用于 *** 领芯（让领子形状变的很硬的东西）。 汉服从来没有领芯。2，和服的袖子大部分是方形袖，汉服的袖子大部分是圆形袖。 为什么说和服大部分是方形袖，因为也有少量圆形的款式，比如说圆禄袖，现代的和服则一般都为方形袖。至于汉服，大部分是圆形袖，但要注意也有少量方形的，唐朝的部分舞衣袖即为方形，比如说那尊著名的 *** 陶俑所穿。 3，和服袖后不封口，反而袖前端底下要封，和我国宋明时代的代表性服装是刚好相反的。早在秦汉时代，我国的袖前端底下也封一部分，只留比较小的口来伸手，称为悬壶袖——可见于曲裾图样，这种袖形进化到唐朝还有，后来逐渐被大袖替代了，但是我们的袖后从来没有不封过。 袖后不封口、一直开到腋下是和服的特征。4，汉服是靠系带绑住穿的。 和服没有系带。和服上面没有一根带子，完全靠腰带固定，如果腰带散了衣服就彻底开了，所以女式和服腰带才会绑的很夸张。 5，和服腰带的长度、复杂打法和打出来的花样是汉服没有的。汉服腰带就是合腰身长，绑上再下坠一点就够了。 女式和服腰带却需要长4米多，利用它在背后打出各种花样。6，汉服上的环佩、香囊、桃符、彩缕、绶带、披帛等装饰，都是和服没有的。 当然和服也有自己的装饰品，不多说了。汉服还有小佩剑等装饰，相对的和服是用怀刀的。 下面列举一些错误的说法：1，“腰带比较宽的就是和服。” 错。 和服腰带确实有很宽的，但是也有窄的，事实上从3、4厘米到30多厘米都有。相较之下，汉服的腰封也有各种不同宽度，比如部分武将用的腰挡，那总宽度也是有30多厘米的。 仅靠腰封宽度这么模糊的概念来分辨汉服和服显然不可靠。2，“花样比较花的就是和服。” 对于这种论点，我没有什么好说的……唯有沉默。其实唐朝的织染技术是世界一流，不知道比日本华丽到哪里去了。 3，“袖子是方的就是和服。” 错，唐朝大有方形袖子的舞衣，可以推测为它们是和服的祖先。 4，“下身比较窄小就是和服。” 错了。 其实和服本身并不窄小，相反，它是做成从小个子女人到男人（演员）统统都可以穿的进去的宽大程度，我们看到它下身窄小，是因为它是根据穿的人的身材，用多种配件几经缠绕，最后完全裹在身上的。这是穿着方式和我国不同，并不是它本身有多窄，放开来看还是很宽的。 仅凭衣服的宽度来判断汉服和服也不妥当。5，“下面拖地长的就是汉服，下面短的不到脚的就是和服。” 还是错了，比如女式和服的标准长度有190多厘米，穿着约可拖地30-60多厘米，我们之所以看到它穿着短的不到脚，是因为穿的时候腰上要回折一部分，结果就变短了，这是良家妇女的穿法。戏剧和风尘业从业者的穿法则是不回折的，因此同一件衣服穿起来也会有不同。 如果仅凭衣服本身的长度，恐怕无法判断是汉服还是和服。6，“头上插梳子，脸涂白，小樱桃嘴化妆等是日本的东西，穿汉服不应该这样打扮。” 错，这些都是唐朝的= = 穿唐朝的衣服完全可以这样打扮嘛。 和服与汉服的区别 和服，是日本大和民族的传统服装，结合古代中国吴地服饰、唐朝服饰的混血产物，德川家康时期正式称为和服。和服是在借鉴、学习汉服形制的情况下产生的。 和服在日本称为“着物”或者“吴服”，意为从中国的吴地（今江浙一带）传来的服装。在日本的奈良时代，也即中国的盛唐时期，日本派出大量遣唐使到中国学习中国的文化艺术、律令制度，这其中也包括衣冠制度。当时他们还模仿唐制颁布了《衣服令》、《养老令》模仿唐朝朝服制度用于即位礼、冠礼、婚礼等周礼仪式。元正天皇下令全日本改用右衽 。 中国曾享有“衣冠上国”之誉，服饰文化也对东亚文化圈产生了极其重要而深远的影响——汉服，全称是“汉民族传统服饰”，又称汉衣冠、汉装、华服，是从黄帝即位到公元17世纪中叶（明末清初），在汉族的主要居住区，以“华夏-汉”文化为背景和主导思想，以华夏礼仪文化为中心，通过自然演化而形成的具有独特汉民族风貌性格的、明显区别于其他民族的传统服装和配饰体系，是中国“衣冠上国”、“礼仪之邦”、“锦绣中华”的体现，承载了汉族的染织绣等杰出工艺和美学，传承了30多项中国非物质文化遗产以及受保护的中国工艺美术。 汉服文化自古就传播于日本、朝鲜、越南，以致东服西渐，很多的和服、朝鲜服装很像汉服，也正是由于它们是借鉴、学习汉服体制而形成的产物。 汉服与和服的区别 一、 整体风格不同：汉服飘逸洒脱，美在灵动。 和服拘谨宁静，美在端庄。 二、 裁剪制作不同： 1、 前片：汉服前左片为整幅布、右片多为半幅布。和服前身左、右片都为半幅布。 2、 领口：汉服交领是裁剪出来的。和服交领是按对襟裁剪，穿着时相交呈交领。 3、 袖子：汉服广袖线条柔和，袖口是开放的。和服振袖直线直角，下部缝合，后部敞开。 4、 腰带：汉服以博带束腰。和服以布料围腰。 5、 衣裾：汉服衣裾较大，和服衣裾较窄， 6、缘边：汉服衣领、袖口、衣裾都有缘边；和服只有衣领有缘边。 汉服与和服的区别在哪里？ 【汉服与和服】在日本的奈良时代，也即中国的盛唐时期，日本派出大量遣唐使到中国学习中国的文化艺术、律令制度，这其中也包括衣冠制度。 当时他们还模仿唐制颁布了“衣服令”。至今日本仍把和服称为“吴服”，意为从中国的吴地（今江浙一带）传来的衣服。 日本还有一种盛装礼服叫做“唐衣”。和服虽由汉服发展而来，但经过漫长的历史时期，已经发展岀自己的民族特色。 比如女式和服背后的大腰带就是和服的特色之一，也是区别和服与汉服的主要标志。和服衣料上的纹饰等往往也具有鲜明的日本民族特色。 虽然日本和服的基本式样来自汉服，但是两者的差别还是一眼就能够看出来的。现以汉服的典型代表“曲裾深衣”为例，与和服比较如下：1、腰带：汉服的腰带——博带是束腰的，而和服是一堆布料叠加，腰很粗。 2、袖子：汉服的广袖裁剪线条柔和，而和服的振袖线条是直的，袖子有点像刀片；另外汉服的广袖是开口的，里面可以缝口袋，而和服的袖口下半部分是缝合的（大约因为冷的缘故）。 汉服的袖子长度过手，礼服回肘，和服袖子长至手腕。 3、衣裾：汉服的衣裾比较飘逸洒脱，和服的衣裾比较拘谨，4、衣缘：汉服领、袖、裾都有衣缘，且衣缘与主料异色，如用同色，需用锦带镶在衣缘与主料的接缝处，以表示衣缘。和服只有领口有衣缘，且衣缘用料与主料相同。 5、领口：和服领口良家妇女把脖子包得很紧，艺妓领口往后遇出一大段脖子，汉服领口衣缘紧贴脑垂体后。6、弧度：和服追求直线，汉服追求曲线，汉服深衣女式衣裾通常为曲裾，和服下裳分四片裁，都是正方型。 汉服直裾深衣下裳分裁为十二片，梯形；曲裾深衣有4片裁也有6片裁亦有12片裁，皆为梯形。7、穿法：汉服深衣上下分裁，而后缝合，汉服儒裙，由上儒与下儒组成。 和服上衣下裳分开穿着。汉服洒脱， 而和服必须穿成上下直桶状才符合他们的审美标准 【汉服与韩服（朝鲜服）】和服主要模仿的是汉服中的深衣，而韩服（朝鲜服）主要模仿的是汉服中的襦裙。 韩服（朝鲜服）和汉服的主要不同之处：汉服一般是交领右衽，也有对襟的（V字领），韩服（朝鲜服）服装一般都是V字领。韩服（朝鲜服）服装的裙子束的特别高，而且下摆十分宽大、蓬松。 hanfu/Article/advanced/2007/8/24/152935491汉服高腰襦裙与韩服女装的异同 汉服与和服、韩服（朝鲜服）剪裁做法的异同 汉服前身左片为整幅布（前后身同宽）、右片（前、中期多为整幅；中、后期多为半幅。服装史上，有些明朝交领衣略显向右斜倾交领（有称斜领衣，京剧明服多为此类），是右片半幅之故，且因某些右领口垂直向下裁剪所致）。 成衣后，直接呈现交领；下摆比腰宽，呈现梯形。现代正规影视剧汉服显示，因现代布幅宽，袖多从上臂近肘处接余袖，前后身多为一整片，右衣片从“y”字型被剪开处接余片；出土汉服显示，因古代布幅窄，多从肩处接余袖，前后身多由左右两片向接。 和服前身左、右片为半幅布，左右领向下合于腰臀处而收尾；直身裁剪；腋下袖根纵向多出的袖宽常留开口不缝合，及与此开口横向同宽的衣片也留开口不缝合。成衣后，呈现如同直领衣中的半长领式的合领衣（即：不直接呈现交领形制）。 穿时，左搭右相掩，呈现正交领形制。因直身裁剪，故下摆自然收拢显窄（其做法，保持了先秦古汉服的源本理念：交领本为前身直领，穿时左搭右相掩，呈现正交领；当然也有前身左、右片在半幅布基础上各加10多厘米宽的衣片而直接呈现交领者。） 韩服（朝鲜服）前身左、右片约为3/5幅布（多为半幅加缝10多厘米宽的衣片），成衣后直接呈现交领，领尾布带与右胸处布带相系。腰部界限多提升至胸部以下。 汉服与和服的差别在哪 你好！网上找的。 和服起源于汉服，有许多相似或一样的地方，但经过历史的演变已经有许多不一样的地方，以下是和服与汉服的区别。 1、腰带：汉服有博带用来束腰，而和服就没有且用布料堆砌稍微起束腰效果。 2、袖口：汉服的袖口是开口的广袖，里面可以缝口袋，而和服的袖口下半部被缝合。汉服的袖子长度是过手的，而和服的袖子长度仅长至手腕。汉服的广袖剪裁线条曲线柔和，而和服的袖口是直挺挺的有点像刀片。 3、衣裾：汉服有比较飘逸洒脱的衣裾，而和服的衣裾在这方面显得比较拘谨。 4、衣缘：在这方面，汉服呈现最丰富的内涵，汉服的衣领、衣袖、衣裾都有衣缘，一般衣缘与主料异色，如用同色，需用锦带镶在衣缘与主料的接缝处，以区分开衣缘和主料。而和服只有领口有衣缘，且衣缘用料与主料相同。 5、领口：穿和服的良家妇女领口把脖子包得很紧，艺妓领口则露出一大片脖子，汉服领口衣缘紧贴脑垂体后感觉很规范。 6、弧度：和服追求直线，汉服追求曲线，汉服深衣女式衣裾通常为曲裾，曲裾深衣有4片裁也有6片裁亦有12片裁，皆为梯形。和服下裳分四片裁，且皆为正方型。 7、穿法：汉服深衣上下分裁，而后缝合，汉服儒裙，由上儒与下儒组成。和服上衣下裳分开穿着。 汉服洒脱， 而和服必须穿成上下直桶状才符合他们的审美标准。 8、面料：和服喜欢或者说一般都用鲜艳的颜色，如果汉服一般用清雅、朴实的颜色，请看下图小模特郭柏鹭身穿的鲜艳红色就会让人感觉像和服，但图案又很中国的吉祥如意的那种感觉，其实正是和服。网络上称之为“面料印象效应”。 和服和汉服的区别在什么地方 在日本的奈良时代，也即中国的盛唐时期，日本派出大量遣唐使到中国学习中国的文化艺术、律令制度，这其中也包括衣冠制度。 当时他们还模仿唐制颁布了“衣服令”。至今日本仍把和服称为“吴服”，意为从中国的吴地（今江浙一带）传来的衣服。 日本还有一种盛装礼服叫做“唐衣”。和服虽由汉服发展而来，但经过漫长的历史时期，已经发展岀自己的民族特色。 比如女式和服背后的大腰带就是和服的特色之一，也是区别和服与汉服的主要标志。和服衣料上的纹饰等往往也具有鲜明的日本民族特色。 虽然日本和服的基本式样来自汉服，但是两者的差别还是一眼就能够看出来的。现以汉服的典型代表“曲裾深衣”为例，与和服比较如下：1、腰带：汉服的腰带——博带是束腰的，而和服是一堆布料叠加，腰很粗。 2、袖子：汉服的广袖裁剪线条柔和，而和服的振袖线条是直的，袖子有点像刀片；另外汉服的广袖是开口的，里面可以缝口袋，而和服的袖口下半部分是缝合的（大约因为冷的缘故）。 汉服的袖子长度过手，礼服回肘，和服袖子长至手腕。 3、衣裾：汉服的衣裾比较飘逸洒脱，和服的衣裾比较拘谨，4、衣缘：汉服领、袖、裾都有衣缘，且衣缘与主料异色，如用同色，需用锦带镶在衣缘与主料的接缝处，以表示衣缘。和服只有领口有衣缘，且衣缘用料与主料相同。 5、领口：和服领口良家妇女把脖子包得很紧，艺妓领口往后遇出一大段脖子，汉服领口衣缘紧贴脑垂体后。6、弧度：和服追求直线，汉服追求曲线，汉服深衣女式衣裾通常为曲裾，和服下裳分四片裁，都是正方型。 汉服直裾深衣下裳分裁为十二片，梯形；曲裾深衣有4片裁也有6片裁亦有12片裁，皆为梯形。7、穿法：汉服深衣上下分裁，而后缝合，汉服儒裙，由上儒与下儒组成。 和服上衣下裳分开穿着。汉服洒脱， 而和服必须穿成上下直桶状才符合他们的审美标准。
你好！网上找的。和服起源于汉服，有许多相似或一样的地方，但经过历史的演变已经有许多不一样的地方，以下是和服与汉服的区别。1、腰带：汉服有博带用来束腰，而和服就没有且用布料堆砌稍微起束腰效果。2、袖口：汉服的袖口是开口的广袖，里面可以缝口袋，而和服的袖口下半部被缝合。汉服的袖子长度是过手的，而和服的袖子长度仅长至手腕。汉服的广袖剪裁线条曲线柔和，而和服的袖口是直挺挺的有点像刀片。3、衣裾：汉服有比较飘逸洒脱的衣裾，而和服的衣裾在这方面显得比较拘谨。4、衣缘：在这方面，汉服呈现最丰富的内涵，汉服的衣领、衣袖、衣裾都有衣缘，一般衣缘与主料异色，如用同色，需用锦带镶在衣缘与主料的接缝处，以区分开衣缘和主料。而和服只有领口有衣缘，且衣缘用料与主料相同。5、领口：穿和服的良家妇女领口把脖子包得很紧，艺妓领口则露出一大片脖子，汉服领口衣缘紧贴脑垂体后感觉很规范。6、弧度：和服追求直线，汉服追求曲线，汉服深衣女式衣裾通常为曲裾，曲裾深衣有4片裁也有6片裁亦有12片裁，皆为梯形。和服下裳分四片裁，且皆为正方型。7、穿法：汉服深衣上下分裁，而后缝合，汉服儒裙，由上儒与下儒组成。和服上衣下裳分开穿着。汉服洒脱, 而和服必须穿成上下直桶状才符合他们的审美标准。8、面料：和服喜欢或者说一般都用鲜艳的颜色，如果汉服一般用清雅、朴实的颜色，请看下图小模特郭柏鹭身穿的鲜艳红色就会让人感觉像和服，但图案又很中国的吉祥如意的那种感觉，其实正是和服。网络上称之为“面料印象效应”。
和服为深衣制，明制汉服(例如袄裙)为上衣下裳制，有琵琶袖