公共艺术是一种可以让大家共同欣赏的艺术。
人文视角下公共艺术设计研究论文
在个人成长的多个环节中，大家都有写论文的经历，对论文很是熟悉吧，论文是我们对某个问题进行深入研究的文章。为了让您在写论文时更加简单方便，以下是我帮大家整理的人文视角下公共艺术设计研究论文，欢迎大家分享。
随着这些年我国经济的快速发展，人们对生活环境的重视，越来越多的公共艺术走进大众的视野中，作品多了起来但是能撑上优秀的作品却还是少数。公共艺术创作就是要把握公众的心理需求，把公众的心理感受作为设计作品的的创作依据和出发点，才能够设计出能够体现人文关怀的作品，当公共空间具有人文关怀精神才是一个可以持续发展的阶段。
摘要：
从人文的视角阐述公共艺术设计，分析其人文价值及人文关怀。城市中人们的生活质量，很大程度看的就是公共环境和公共空间，公共艺术就是其依托，代表着大众的生活。公共艺术不是艺术家个人的艺术创作和观念展现，而是整个地区或城市、国家的意识象征。
关键词：
人文;公共艺术;人文价值;人文关怀
公共艺术在上世纪90年代从西方进入中国，从我国初认识再到广为运用，现已发展成为现代城市的重要组成部分。世界上越是发达的国家，越更加关注城市的环境建设、文化艺术，公共艺术是会影响一个地区、一个城市乃至一个国家的形象。城市作为公共艺术设计的载体，与其发展有着密切关系。随着我国城市化进程加快，经济不断的提高，公共艺术设计趋势和表现形态发生着变化。人们更加关注公共艺术的发展。艺术逐渐走向更广的人群，而公共艺术更近距离的靠近人群。
以往的人们会将公共艺术定义为，一尊造型独特的雕塑，而如今的人们意识到，雕塑、壁画、园林景观、影像、水景、声光作品、特殊设计的街道铺面等，皆可归纳为公共艺术设计的.范围中。公共艺术被李永清定义为，“以人的价值为核心，以城市公共空间、公共环境和公共设施为对象，运用综合的媒介形式为载体的艺术行为。公共艺术既不是一门学科，也不是特指一种艺术表现形式。”看待公共艺术就应该以对多维度的角度去看。以下将从人文的视角阐述公共艺术的表现形式、人文价值和人文关怀。
一、关于公共艺术设计的表现形式
人们经常会认为公共艺术设计的表现形式就是雕塑，但公共艺术设计的表现形式并不仅仅如此。它既可以以园林景观的形式呈现，以环境而存在，也
可以是行为艺术、临时性表演，一种情感的宣泄。不论是怎样的一种表现形式，它们都可以表现出所想表达的内涵。公共艺术设计作品的结构、功能、色彩、尺度、比例、体量、造型等等都具有其独特性，它们会直接影响到城市空间的环境。针对空间环境场地的各个因素，会出现不同材质的公共艺术设计作品，常见的木头、金属、陶瓷等材质，还有以水为媒介的喷泉，新媒介互动装置的混合型材质，花草树木为创造素材的特定园林景观等等。在公共艺术的创作中，体现以人为核心做为主体，往往跟人的生存环境、人文精神有着密切联系，表现了作品的公共性、当代性以及互动性。公共性是公共艺术设计中重要的元素，具有社会属性，也是作品创作的前提，在公共空间中向公众表达进行共享。公共艺术作品多以能够与公众产生共鸣，能够反应社会生活的作品具有当代性为主题，并且作品在与公众的交流中产生互动性。
二、公共艺术设计中的人文价值
公共艺术是一个与大众交流的艺术创作，艺术家在创作作品时，是要经过对创作作品的文化背景的研究，找寻作品与公众之间的契合点，将公众的需求作为作品的框架结构，充分的实现公众的话语权。公共艺术其公共性和艺术性的结合，包含着文化学和社会学概念。公共艺术作品出现在公众生活环境中，能够拉近公众与艺术的距离，从生活中实现艺术的价值，是公共艺术人文价值的体现。
公共艺术设计的人文价值的实现是从人与人、人与社会、人与自然等方面,确立人为主导地位，承担着创作公众空间活动的任务。公共艺术强调的是体现社会公众的一种诉求，为满足公众需求，通过与公众的互动，希望能够使公众能参与其中，从而实现公共艺术设计人文价值在社会和文化价值的实现。公共艺术设计它真正的价值并非是实用，而是它产生的人文价值。公共艺术作品绝大部分体现着人文关怀与公众的平等交流，作品使用的表达方式多为能让公众产生共鸣的视觉语言，并且为不同层次的公众预留解读空间，从而拉近了作品与公众的心理距离。公共艺术设计使公众在生活中提升审美，输出公共艺术应当表达出的精神内涵，文化生活、社会价值等。公共艺术设计的人文价值是公共艺术发展的必然要求，也是公众生活的一种表现，它不同于精神文化和物质文化，公共艺术设计作品呈现了人类文化和生活环境。
三、人文关怀对于公共艺术的重要性
随着这些年我国经济的快速发展，人们对生活环境的重视，越来越多的公共艺术走进大众的视野中，作品多了起来但是能撑上优秀的作品却还是少数。其原因很大一部分上，就是作品没有体现人文关怀，很少考虑公众的需求，还停留在单一的雕塑形式，只提供展示功能，而没有提供可以与公众的交流互动的可能。公共艺术设计不仅仅是满足公众的视觉，也影响着公众的心理感受，应当强调人文关怀，重视公众的心理需求。在不同的环境中，公众会产生不同的心理感受和体验，公共艺术创作就是要把握公众的心理需求，把公众的心理感受作为设计作品的的创作依据和出发点，才能够设计出能够体现人文关怀的作品，当公共空间具有人文关怀精神才是一个可以持续发展的阶段。
从人文关怀的角度，应当考虑到三个方面，第一，艺术家在设计中要把握好与空间环境的关系，对设计的作品要定位准确。必要的前期调研，后期的功能与视觉的结合，设计的细节对公众的打动。第二，充分体现出对公众的关怀，注意公众的感情接受度。要考虑到作品的观众，会涉及到的不同人群(弱势群体，残疾人、老年人、儿童等)，会涉及到的不同宗教信仰，会涉及到的不同地域习惯等等。第三，公共艺术作品对环境的影响。作品材质的选择、安置地点以及作品的最终的处置，杜绝污染环境及资源浪费。艺术家应当把设计一个具有人文关怀的公共艺术设计当做自己义不容辞的责任。
四、结语
公共艺术随着人们审美水平的提高，公众越来越重视，已经从原先大部分只具有宣传性或纪念性单一的雕塑表现形式，现在已经发展成长到多元化的表现形式，作品更家强调深刻的人文关怀，使作品展现出独特的人文价值，符合了现代社会对公共艺术设计作品的需求。公共艺术设计作品会潜移默化的影响着公众，让观赏的人从作品中感受人本思想，将视觉上的效果与表达出的主题情感高度结合，并且计往往会引申出更广泛的影响，以艺术的表达方式传递各种审美欣赏、价值观、态度意向等，它赋予了公共空间新的生命。
拓展：论文种类
为了探讨和掌握论文的写作规律和特点，需要对论文进行分类。由于论文本身的内容和性质不同，研究领域、对象、方法、表现方式不同，因此，论文就有不同的分类方法。
按内容性质和研究方法的不同可以把论文分为理论性论文、实验性论文、描述性论文和设计性论文。
另外还有一种综合型的分类方法，即把论文分为专题型、论辩型、综述型和综合型四大类：
专题型
这是分析前人研究成果的基础上，以直接论述的形式发表见解，从正面提出某学科中某一学术问题的一种论文。
论辩型
这是针对他人在某学科中某一学术问题的见解，凭借充分的论据，着重揭露其不足或错误之处，通过论辩形式来发表见解的一种论文。
综述型
这是在归纳、总结前人或今人对某学科中某一学术问题已有研究成果的基础上，加以介绍或评论，从而发表自己见解的一种论文。
综合型
这是一种将综述型和论辩型两种形式有机结合起来写成的一种论文。
公共艺术越来越被社会所接纳，让人们更好地体验艺术在生活中的表现
公共艺术我感觉是个遥不可及的东西,毕竟懂得欣赏的人不多,而且公共艺术本来自身有各自的"深沉含义"这个"深沉含义"不是每个人都懂,而且有时有人真的会误解.公共艺术对生活影响的感觉就是"你的生活本来色调有点单调,但是多了这个样你见识到艺术,但是见识就是见识,见识过后就是没什么了,就是环境美化了,
艺术源于生活，艺术创作本身离不开艺术家的现实生活感受和对于人生的思考。下文是我为大家搜集整理的关于艺术与生活的论文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!
浅谈艺术创作与生活积累
摘 要：我们的创作无论是素材的来源还是技法的表现以及画面的意境都离不开平时我们对于生活的感受与领悟。生活中充满了艺术，艺术创作又恰如其分地表现生活。它们之间总有着千丝万缕的关联，既对比又统一。艺术作品的表现需要对技法的熟练掌握，但更需要作者长期的自我修养。专业与 文化 底蕴的积累和品性的修炼都会在作品里有所体现，恰好应对“画如其人”一说。本文通过对在艺术创作过程中，生活的感悟与自我修养在艺术创作中重要性的体现，发现加强理论与技巧的学习以及品性修养的提升的现实意义，以提升自我的艺术文化修养。
关键词：感悟生活;感染力;独创性
记得曾在《可染论画》一书中，打开扉页就被李先生的一句话所打动。他说：“艺术要向天、向地。天，是理论观点;地，是自己的实践。”①这句话看似浅显易懂又富含哲理，就像是李先生本人，有着最平易近人的外表又有着最是深沉厚重的灵魂。
哲学中常说理论与实践相结合，这无论是在生活中还是艺术创作上都有很大帮助。李老一句话形象而生动地概括了艺术创作中理论与实践这二者不可或缺的关系。无论是理论还是实践，都应该是我们在艺术创作过程中值得思考并注意的问题。在创作过程中，我们始终应该坚持理论与实践相结合。“读书破万卷，下笔如有神”，正是日常积累的多，思路才能渐渐打开，才能成竹在胸。有了理论知识做铺垫，动手表现时才能信手拈来。在行进过程遇到困扰的问题，我们可以利用理论知识帮自己解决，可以翻书查阅，可以向大师、前辈们学习。在我看来，在创作中丰富的理论知识和熟练的实践是分不开的。遇到瓶颈时，我们应该放下手中画笔，停下来好好思考或试着从书本中找解决的办法;又或是思路阻塞时，随意勾勾画画，让自己放松，让大脑放空。
细细品味，李先生的这句话又有着更深一层的意味。我们都知道，实践出真知，理论就是在实践积累出的 经验 中不断加工润色完成的，并且理论可以帮助我们更好地投身实践。理论与实践就是这样相互依存，相互转换，如此地循环往复下去。这样说来，又回到本质问题――一切都源于生活。生活是我们最好的老师，生活也是艺术最好的来源。我们正是从生活中发现美，感受美的力量与存在，逐步积累出表达美的 方法 ，才慢慢成长为我们的艺术。这过程本身就是一种艺术。是生活给了我们创作艺术、享受艺术的机会，让我们尊重生活这位真正的艺术大师!
反之，离开了生活，一切会变得空洞乏味，更何谈感染力。很多大师、前辈们的优秀作品都是反映生活，都是对生活的高度概括与写照。他们眼里的世界是如此的特别，处处充满着美丽与惊奇。法国杰出的现实主义雕塑家奥古斯特・罗丹有许多优秀的传世之作。他最具代表的一幅作品《思想者》(图1)。雕塑塑造了一个强有力的男子弯着腰，屈着膝，右手托着下颌，低头沉思的形象。他那深沉的目光以及拳头挤压脸颊的姿态，表现出一种极度痛苦的心情。
他全身的肌肉紧绷，不但在全神贯注地思考，而且沉浸在苦恼之中。这种苦闷的内心情感，通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理，生动地表现出来，仿佛他陷入了无限的巨大的痛苦中。这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。从作品中痛苦挣扎的情感我们不难发现，如果没有对但丁的《神曲》②的独到感受，没有对但丁的感同身受，没有对生活的细心体验与感悟，罗丹能将《思想者》表现得如此感情强烈、淋漓尽致吗?可见，艺术离不开生活。正如罗丹所说：“在艺者的眼中，一切都是美的，因为他的锐利的慧眼，注视到一切众生万物之核心，如能发现其品性，就是透入外形，触到它内在的‘真’。这‘真’，也即是‘美’。虔敬的研究罢，你一定会找到‘美’，因为你遇见了‘真’。”③
还有旅美画家李自健，他创作的许多母爱题材的作品同样是从生活中汲取的素材。他的《母女系列》其中一幅《孕》(图2)中描绘的其妻，恬静温柔。美丽的少妇低头凝视，似乎在屏息聆听腹中胎儿的动静，若有所思的眉宇间荡漾着母性的慈爱，让观者感到人世间的真善美都凝聚到了这位年轻母亲的身上。系列中的其他作品同样令人称赞，每一幅都洋溢着浓浓的温情与爱意，每一幅都是一个美丽温馨的 故事 。画家纯熟的技法加上真挚的情感打动了无数观者，这就是美的力量，就是幸福生活的剪影带给观众的震撼，这才具有真正的感染力。
任何美好的艺术品都是来源于生活。大师、前辈们创作的传世名作无不是反映生活的。如何能让自己的作品充满感染力，熟练的技法必不可少，但更需要画家为画作倾注的心力。我们付出了多少努力，观者是能感受到的。拉斐尔为创作《基督容变》时(图3)，他已身患重病，却一直在坚持绘制画作。虽未能完成，但出自其手的部分仍光辉照人，气势磅礴。他在生命的最后一刻，还在不断探索，丰富和完善自己的风格。我想，正是因为有作者付出的艰辛，他所呈现的作品才更具魅力，更能打动人。
作为美术 教育 专业的学生，我们应该多观察、多阅读、多思考，不论是充实自我还是为了今后教书育人。“行万里路，读万卷书”，只有见多识广，胸有成竹，我们的作品才能有令人满意的效果。同样，个人的修养不断提升，作品中自我的东西也会越来越多。只有我们坚持不懈地努力下去，“动心忍性，增益其所不能”，我们在艺术的道路上一定能走出自己的一片天地。
结语：
也许在创作之初，我们总是急于求成，想画出自己的东西，急于表达自我。“绘画的工作就是抓住它不放，将它定格，然后去确定它，加强它、深化它。一句话：艺术就是将瞬间化为永恒。”⑦在创作中才发现不能单单只是为了追求个性、风格。我们在求艺的道路上摸索，前辈们为我们树立了正确的榜样，为我们提供了源源不断的知识宝库。我们更应开阔自己的思维，放宽自己的眼界。我想，这才是时下我们应该去学习的。有时结果并不那么重要，因为我们在过程中体验到情感，体验到快乐，这就够了。年轻的我们不必太执着结果，享受过程带给我们的美好这才是最重要的。
注释：
①选自李可染著，孙美兰导读《可染论画》，上海书画出版社，2005.
②Commedia， Divine Comedy，意大利诗人阿利盖利・但丁(Dante Alighieri，公元1265-公元1321)的长诗。
③选自[法]罗丹述，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷，译.傅敏，编.北京：中国社会科学出版社，1999.
④出自于《地狱之门》，奥古斯特・罗丹为巴黎装饰艺术博物馆而做的大门。
⑤⑥⑦选自冯骥才著，《艺术丛见》，中州古籍出版社，2005.
参考文献：
[1]李可染.可染论画[M].上海：上海书画出版社，2005.
[2][法]罗丹述，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷译.傅敏编.北京：中国社会科学出版社，1999.
[3]冯骥才.艺术丛见[M].郑州：中州古籍出版社，2005.
试谈艺术与生活
[摘要]艺术与生活的关系历来是理论家，文学家争论的焦点，王尔德作为西方唯美主义代表人物，其认为生活模仿艺术、艺术与生活是相脱离的，而郁达夫作为中国颇具代表性的唯美主义作家，在对待艺术与生活的关系上却认为生活模仿艺术，艺术与生活是相通的。本文就从两人对待艺术与生活的关系入手探究二者的唯美主义艺术观。
[关键词]唯美主义;王尔德;郁达夫;艺术与生活
佩特曾言，
“人生的目的不在行动(action)，而在于思考(contemplation)―是无为(being)，而非作为(doing)。”佩特对待人生这一观点其实是其唯美主义艺术观的宣言，在这里他认为人生是思考的人生，无为的人生，人生不具有功力性，同样艺术也是一样，艺术是思考的艺术，虽然唯美主义者常被认为是非功利的，有时也是无需思考人生的，然而真正的唯美主义是将艺术与生活融为了一体，人生与艺术的关系也成为了每位唯美主义者都不可回避的话题，也是众多理论大家争论的焦点，首先这一观点就引起了“为艺术而艺术”的王尔德的狂热追捧，只有弄清了艺术与人生的真正关系才能更好的在唯美主义的乌托邦里进行艺术的创作。
王尔德在现实生活中的也始终践行着其“为艺术而艺术”的观点，因此王尔德可以说是唯美主义的倡导者和实践者，而郁达夫作为唯美主义的接受者，其作出了自己独特的诠释。尤其在生活与艺术的关系上，二者有着异曲同工之妙。郁达夫作为五四文学的倡导者，最早接受了唯美主义，深受唯美的洗礼，但是由于二人生活背景，文化氛围，以及个人性情的不同，使得郁达夫在对待唯美主义尤其是艺术与生活的关系上是不同的。
一、“生活模仿艺术”与“艺术来源生活”
王尔德把《道连・格雷的画像》当做自己生活的缩影，道连・格雷因为对同性恋和美的追求遭到了惩罚，而王尔德在现实生活中就是一位同性恋者，作为脱离于社会和主流文化的一位唯美主义者，我们不得不说王尔德后期的生活是悲惨的，其在后期生活经历了入狱，被社会排斥等遭遇，生活陷入低谷，因此当他把其所有热情融进艺术当中时，他并没有预见自己将来也会像其作品中的道连・格雷一样，这真的验证了王尔德的生活模仿艺术，而不是艺术模仿生活，是对他这一理论的一种感悟，抒写艺术的同时，生活是按着艺术的轨迹发展的。
王尔德“唯美”的服饰，同性恋生活这些都是王尔德迥异于现实生活，脱离现实生活的表现，至少是将作品中的艺术生活照搬到现实生活中去了，完全不顾及现实世界人们的审美极限。当我们看到脱离现实生活进行艺术创作的王尔德，我们不免怀疑其艺术创作的源泉在哪里，而对于王尔德艺术创作的来源，“据理查德・埃尔曼说，当比尔博姆批评王尔德窃取(stem)了福楼拜的思想时，王尔德回答说：‘不错，我是剽窃(plasia-rise)’。这是有鉴赏力的人之荣幸。我读福楼拜的《圣安东尼的诱惑》时就从未在书末签上我的名字。Quevoulez-VOUS(别说了)!从这个意义上说，数百部最好的书都带有我的签名。”在这里得到了一个答案，王尔德在艺术作品的来源上都杜绝了与生活的关系，似乎我们看到的是一位与生活相脱离的极端的唯美主义者，然而即便是这样在王尔德众多作品中，更重要的他向我们呈现的王尔德在艺术创作上所追求的一种境界，一种唯美的境界。
郁达夫虽然也坚持“为艺术而艺术”的唯美主义艺术观，但是郁达夫更多的是感叹人生苦闷，表面上看来郁达夫生活中大有“人生苦短，早日行乐”之嫌，其实他本人更想传达给人们的是对现实人生的苦叹和悲悯。处于五四时期的郁达夫，更多的是苦于表达内心的苦闷，求助于唯美颓废派的艺术形式作为表现艺术的手段，唯美主义在郁达夫这里只是一种更有利于表现人生和生活的艺术形式，然而，一般人会认为这样的唯美主义创作是不纯正的，然而中国文学大家在接受唯美主义过程中，大都是“不专注”的，一方面艺术要表现生活，反映现实，另一方面又要脱离生活，看似矛盾的，似乎又回到了西方唯美主义艺术创作上来了，对于这一点，黑格尔早在《美学》一书中作了解释：“生命的力量，尤其是心灵的威力，就在于它本身设立矛盾，忍受矛盾，克服矛盾。”
所以说在艺术与生活的关系上，王尔德与郁达夫可以说是对立的，也可以是说是矛盾的，生活与艺术始终是难舍难分的，在看似复杂的艺术创作中，郁达夫更加倾向于让艺术表现并且再现生活，同时将反映人性虚伪的一面淋漓尽致的刻画出来，这就如同中国传统道德观将性本能看作是不道德的，是缺乏最基本的社会底线的，所以郁达夫在其创作的《沉沦》，《银灰色的死》，《夜茫茫》以及《春风沉醉的晚上》等作品中将主人公这些欲望表现出来时，在对这些心理扭曲的主人公进行抨击的同时，我们也了解到他们虽然都有病态的心理和人性的拙劣，但是他们在也都是对未来对生活充满渴望的年轻知识份子，但是就是在那个社会里，那个环境下，他们面对现实的社会所表现出的又是那么病态和扭曲。郁达夫已经意识到了这些小知识份子情感上的抑郁，生活的苦闷，并且在某种程度上也是当时社会所表现出的苦闷气氛，郁达夫在这里确实是注意到了将艺术创作与现实生活的结合，尤其是将现实社会里道德观念的束缚置于文本中去。
郁达夫通过创作出《沉沦》中一个忧郁症患者的主人公来实现自己的理想，其实是一种生活对于艺术的影响的艺术观。“他”虽然认为性本能的发生是一件合乎自然的事情，但“他”还是把为了满足正常欲望而进行的手淫视为“犯罪”，并“深自痛悔”;这里郁达夫将现实生活中存在的道德观念深入到艺术作品中，从而让现实生活来影响艺术，并没有一味的像王尔德一样脱离现实生活去创作纯唯美主义艺术。最后，甚至在自伤自悼中投海自尽，这些都有艺术创作中生活的烙印。生活的残酷和生活中人们对于自己的自责在小说中体现的淋漓尽致，艺术是离不开道德的因素而独自展现作品的，从这一点上，我们可以明显的看到郁达夫对于王尔德的生活模仿艺术的观点是不能认同的。
二、“脱离”与“相通”
生活与艺术是否存在着紧密联系还是相互脱离的这一点上，两人也存在着看似不同的观点。郁达夫认为艺术与生活是相通，相容的，艺术不能脱离生活，郁达夫深受“达则兼济天下、穷则独善其身”中国传统道德观点影响，因此其作品中显现的与生活紧密相连的观点也不足为奇，这并没有影响其在唯美主义艺术创作，相反使得其唯美主义的使用显得更加有血有肉。
“他抬起头来远远见了几家如装在盆景假山上似的草舍。看看城墙上孤立在那里的一排电杆和电线，又看看远处的地平线和一湾苍茫无际的碧落，觉得在这自然的怀抱里，他的将来的成就定然是不少的。不晓是什么原因，不知不觉他竞起了一种感谢的心情。过了一忽，他忽然自言自语的说：
“这谦虚的情!这谦虚的情!就是宗教的起源呀!淮尔特Wilde呀，佛尔兰Verlaine呀!你们从狱里叫出来的‘要谦虚’Behumble!的意思我能了解了。”
这是《茫茫夜》中的一段描写，这段话有一些对景物的描写，虽然是简单的几句话，却将主人公面对一些平常生活景物的感想呈现出来，将生活中最自然，最简单的东西与艺术作品相联系。郁达夫揭露生活的力量是强大的，所以在其作品《春风沉醉的晚上》才有了“我囊里正是将空的时候，有了这五元钱，非但月底要预付的来月的房金可以无忧，并且付过房金以后，还可以维持几天食料。当时这五元钱对我效用的广大，是谁也不能推想得出来的。”这样朴实但是深刻的文字，这是作品中主人公所面临的境况，但是联想到五四时期中国文人志士窘迫料到的生活现状，此处描写更能让人想到是现实生活，真的是将现实生活的窘迫和无奈融入艺术作品中去了。而王尔德，虽然有人认为道连・格雷是王尔德用于追求现实美与形式美的“自我”，然而道连・格雷更像是件艺术品，当竭力展示这件艺术品的时候，他就不再是件艺术品，而被生活所融人，变得就不再纯粹，这正是王尔德一直恪守的生活与艺术脱离的艺术观的一种表现。
波德莱尔在其《浪荡子》中曾说过这样一段话：
“一些人被称作雅士，不相信派，漂亮哥儿，花花公子或浪荡子，他们同出一源，都具有一种故意作对和造反的特点，都代表着人类骄傲中所包含的最优秀成分，代表着今日之人所罕有的那种反对和清除平庸的需要。”这些话用在王尔德和郁达夫再合适不过了，二者都是风流倜傥的“浪荡子”同样也都拒绝平庸，在两人绚丽多彩并且富有传奇色彩的一生中，他们都在文学界里激起了千层浪，王尔德孤立怪诞的性格却从来没有掩盖他的才华横溢，同样忧郁怪异的郁达夫也没有被埋没，虽然在主流作品，或者是满足人们正常审美的小说里，郁达夫以及王尔德的作品都成遭遇过“不测”被禁售，他们所创作出的主人公在当时的社会环境下市难以被大众所接受的，但是他们对唯美主义艺术的不懈追求以及绽放出的不一样的光芒的作品却为我们提供了审视社会，审视人生和生活的最好视角，可以说是他们是唯美主义艺术创作中的奇葩。
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写作思路及要点：用真实事例来论述艺术与生活的连接关系，对其有更深层次的理解。
正文：
水头的“11月6日”交流会到了，我和父母来到了停车场，乘车到了水头。
车在大转盘前便停了。那一堆又一堆的人群，就像一片海洋。我们下了车，很快成了海洋中的波浪。向前走着，我不断地在出售书本出售仓鼠金鱼等动物的摊子面前停下脚步，饶有兴趣的看着这些出售的物品。走着走着，前方有一个聚集着一堆人的小摊，我立刻拉着父母走了过去。
这是一个给人画像的摊子。中间坐着一个不过40来岁的中年人，他戴着牛仔帽，身穿一件有些凌乱的土黄大衣，他有一双明亮清澈的眼睛，可是他脸上的皮肤却不是黄色，而是一种红色，一种被火烧出来的深红色，那深红色覆盖着他的一整张脸，只有戴着牛仔帽，帽沿才能遮住那红色的脸。
中年人正给一个青年画像，他一会儿轻笔细描，一会儿工笔速写，青年的轮廓很快浮现出来，接着，他一把青年人的表情回了下来，那微微弯曲的浓眉，轻轻咧开来的嘴角，带着些许细渣般的胡子。啊，这真是太像了。
周围也出现许多赞叹声，“画得真好啊！”一个小女孩说。“太妙了，妙级了！”一个中年难人大声赞扬道。一个老人竖起大拇指，用不流利的普通话说：“太传神啦！画得栩栩如生！”……在赞扬声中，中年人将青年的眼睛也画好了；
接着，将画嵌入画筐，递给青年，青年看着画，掏出一张100元的钞票给中年人，中年人双手接过钞票，从老土的钱包中掏出一张10元纸币，5元纸币……中年人清点了一下，一共70元。他双手紧握皱巴巴的钞票，递给青年青年这才满面笑荣地离去。
紧接着，一个老人立刻就走到中年人前，中年人拿了一把椅子恭敬地请他坐下，又开始了画像，又陷入了忙碌……。
画像，不仅是为了艺术，也为了生活。中年人虽然是一个残疾人，但它毕竟是人，他对生活也充满了希望，也许他的梦想不是十分远大，只为了吃饱穿暖；也许他的生活艰难无比，但他努力了，他尝试了，他超过了许多健全人，那些健全人面对困难，是否还能像他这样依旧乐观呢？
对人生有希望，对生命有希望。当上帝关掉一扇门时，他还会再打开一扇门，不要绝望，也不能绝望。人生路上遇到的困难，只是为了能够更好的前进。
上个世纪初，在西欧流行一部卷幅浩瀚的长篇小说《芳托马斯》。32卷由两个作家合作完成，每月创作一卷。合作延续到1914年第一次世界大战爆发，后来，路易•菲伊雷德把小说改编成电影，放映后在欧洲引起轰动。 《芳托马斯》的主角是一个十恶不赦的坏蛋，叫芳托马斯。他入室盗窃，诱奸妇女，抢劫银行，无恶不作。警察全力追捕，街上贴满缉拿文告。但是芳托马斯狡诈异常。警察根本不是他的对手。他有高超的易容术，从不露出真容；他身手敏捷，能飞檐走壁；他精通缩骨术，能从极小的缝隙中飞身而过。他经常与警察玩猫捉老鼠的游戏。他化装成绅士出入于酒店、旅馆与赌场，时而与政要侃侃而谈，时而与贵妇逢场作戏。总之，这是一个半魔幻半真实的风流大盗。他有智取法律的力量，敢于向愚蠢的官僚机构挑战，具有超现实的魔力。 《受威胁的凶手》就是芳托马斯的崇拜者之一，超现实主义画家马格利特的作品。关于马格利特的介绍网上可查，不在此赘述。接着返回原画上，整张画面，二名手持简单工具的侦探，一具赤裸女尸，一名穿着讲究不明身份的人，三名围观者。最初看到这幅画时，脑中便充满各种诡异的问号:谁杀了那名女子？留声机旁边的男子到底是谁？那两名侦探为何手持如此简单的抓捕工具？三名围观者到底看到了什么？ 找到了上面的背景，心中稍微宽松，若马格利特真的是在画芳托马斯的话，留声机旁边的男子就应该是那位风流大盗了。刚刚做完案的他正在准备易容逃跑，地上的旅行箱，凳子上的大衣和帽子是他的作案工具。门口的两名侦探正在等待时机，或许是在等候支援的同伴，面对名声大作的芳托马斯不敢轻举妄动，面部表情极其凝重。三名围观者目睹一切后，惊愕、忧郁尽显脸上，一切一触即发。而画家更是将看画人的视角至于这一切发生的最近处，整个场面令人紧张不已。 可是画家在这里开了个小小的玩笑，在已经发明了留声机的年代，两名侦探还手持木棒、绳网，意图逮捕芳托马斯如此这般的江洋大盗，画家拿我们顽固。愚蠢的官僚机构开了一把涮。 老师也讲到过，整幅画人物的面孔全是马格利特，听到时很是迷惑。为何要将自己画成所有人？是技术，用以构成魔幻感么？以哲学绘画著名的画家应该不止有这点想法吧？我这样猜度着。受害者是我，施暴者是我，围观者是我，执法者也是我。画家这么画到底是为什么？ 画家画这幅画的时候，立体主义，野兽主义已经在欧洲普遍流行，达达主义，未来主义，超现实主义正在蓬勃发展。随着照相机的发明，画家的绘画对象，表现手法都发生了重大改变，艺术观念经受着暴风骤雨般的洗礼，画家本人也从一只烟斗开始，去探索相似和近似的概念，，把观念和形象分离开来，挑战了大众的常识，发人深省。用绘画把“是”与“不是”这个哲学问题表达出来。而以上各种主义发展到达达主义反传统，反艺术之后，不论是艺术，还是道德都需要一种颠覆，杜尚用他的作画颠覆了艺术形式，那马格利特这幅画就是对道德的一种颠覆。画家崇拜芳托马斯，崇拜他能玩弄政府机构于股掌，完全自由；在作画职业上，画家却扮演着那两名侦探式的人物，理性，专业；在现实生活中，画家扮演着别人生活的围观者，或许自己也是受害者。一个人身上有多种身份，不同以往，受害者是值得同情的，施暴者是必须谴责的，围观者是完全无辜的。道德不如以前一样代表着绝对的善恶，而是随着人性的胶合越来越暧昧不清。我们的自私，冷漠不再是无事者的无关紧要。因为一切都与自己有关。这也正是体现了现代艺术的本质，对观念的改变和诠释。改变和诠释建立在艺术家大量的思考上。马格利特受不了巴黎的艺术氛围回到了比利时，自己一个人思考，用画笔去诠释，虽然在美术史上不如其他一些大家那般早年得志，却也画出了自己的一副天地。他的画总以哲思出名，比例的夸大，主题的诡异，思想的深奥，挡住了大部分人的脚步，被印在钞票上的《天降》，我倒觉得远不如他《窗》系列那组画来的动人，画布遮挡住窗户，画上户外的景象，真实是什么？画家用这组画来拷问我们。与其说马格利特是魔幻现实主义画家，我到是偏向于把他归为现实派的思想，魔幻的表达手法。他和达利不同，达利执迷于如何表达潜意识，但是马格利特却表达着现实，用魔幻拷问着现实。对于常规，大多数人选择默认，而马格利特却用自己的画笔拷问着这些大家默认的东西。以哲人的身份画画，这就是我想说的马格利特。【参考书目】：1. 《马格利特：图像的哲学》 刘云卿 广西大学出版社2. 《现代主义绘画解读》 孙家祥 上海教育出版社3. 《剑桥艺术史-20世纪艺术》 罗斯玛丽•兰伯特（英） 译林出版社4. 《世界著名图像的秘密》 张延风 百花文艺出版社5. 《奢华的冒险-现代艺术的消解与重建》 张彬 北京大学出版社6. 《二十世纪视觉艺术》 爱德华•路希•史密斯（英）
艺术是生活的折射,与生活有着密不可分的关联,不同的时代对艺术有不同的理解与追求,艺术也同样发挥着不同的功用.特别是在新时期下,艺术特别是书画艺术随着社会生活的变化而产生了前所未有的变化,并日益在社会生活中发挥着越来越大的作用,正确地认识书画艺术的社会功用以及所面临的问题,不仅对推动书画艺术的发展起到积极的作用,也将对提升人们的文化生活品位产生深远影响,进而使人们的精神世界得到净化与升华.素质教育是当代中国社会的强烈呼唤，而素质教育更应注重人文素质的发展，并以人文素质为人的基本素质，但部分校园艺术教育还相对滞后，师资力量缺乏(特别是中国书画老师)的现象普遍存在，如何解决这道难题，开展书画进校园活动就很有必要了。每年，市文联都要组织书画家们到中小学开展书画即席挥毫活动。去年年中，组织书画家到钟埭小学开展“我与艺术家有个约会”书画即席挥毫和书画讲座、辅导等活动，激发了学生们学习书画的热情，学生们围着老师左询右问，求知欲望强烈，表现出青少年对书画的兴趣，也反映了青少年对艺术、对美的需求。利用“中国书法之乡”的品牌，相继在4所学校建立成了基地，特别是“篆刻基地”被中国书协副主席吴善璋赞为“全国第一家”。我们不完全依靠书画教学传递文化思想，但书画教学应该是文化思想传递的一个重要途径。学生在鉴赏和学习历代名人佳作的同时，既继承了传统文化的精髓，也提高了学生的艺术素养和审美能力，拓宽知识领域和文化视野。以中国书画美的力量，使学生获得深厚的文化素养、奋发向上的精神及蓬勃的创造精神、顽强的进取精神，使之成为健全的社会主体，成为新世纪的人才。在平湖书美协的指导和协助下，市直机关又成立了书美小组，坚持每周一次的培训，积极探索注重内涵建设，营造了浓厚的机关艺术氛围。有些如长红国学幼儿园、百花艺术幼儿园开设了国学教育，设置书画活动室，在教室、通道、走廊墙壁，挂起了由小朋友创作的书法美术作品。造就了园内浓厚的艺术氛围，受到了小朋友和家长的欢迎。作为一名艺术工作者，我们有责任，有义务立足行业特点，发挥自身优势、支持贴近实际，培训骨干，作品辅导等活动，送书画艺术到农村到社区，到校园、到乡镇，从我做起，积极倡导。党的十六届七中全会做出决定，大力推进社会主义文化建设的大发展大繁荣，吹响了中华民族文艺复兴的号角。党的十八大又把文化工作提高到了一个新的高度。乱世尚武，盛世崇文，书画艺术与文学、音乐等同为社会主义文化的重要组成部分，它在传承华夏传统文化和建设社会主义精神文明方面起着不可替代的作用。尤其是当物质文明发展到一定程度，广大人民群众迫切需要精神文化生活，所以书画事业，在当代艺术繁荣中有着不可替代的作用，更是构建和谐社会主义的重要举措。
艺术源于生活，艺术创作本身离不开艺术家的现实生活感受和对于人生的思考。下文是我为大家搜集整理的关于艺术与生活的论文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!
浅谈艺术创作与生活积累
摘 要：我们的创作无论是素材的来源还是技法的表现以及画面的意境都离不开平时我们对于生活的感受与领悟。生活中充满了艺术，艺术创作又恰如其分地表现生活。它们之间总有着千丝万缕的关联，既对比又统一。艺术作品的表现需要对技法的熟练掌握，但更需要作者长期的自我修养。专业与 文化 底蕴的积累和品性的修炼都会在作品里有所体现，恰好应对“画如其人”一说。本文通过对在艺术创作过程中，生活的感悟与自我修养在艺术创作中重要性的体现，发现加强理论与技巧的学习以及品性修养的提升的现实意义，以提升自我的艺术文化修养。
关键词：感悟生活;感染力;独创性
记得曾在《可染论画》一书中，打开扉页就被李先生的一句话所打动。他说：“艺术要向天、向地。天，是理论观点;地，是自己的实践。”①这句话看似浅显易懂又富含哲理，就像是李先生本人，有着最平易近人的外表又有着最是深沉厚重的灵魂。
哲学中常说理论与实践相结合，这无论是在生活中还是艺术创作上都有很大帮助。李老一句话形象而生动地概括了艺术创作中理论与实践这二者不可或缺的关系。无论是理论还是实践，都应该是我们在艺术创作过程中值得思考并注意的问题。在创作过程中，我们始终应该坚持理论与实践相结合。“读书破万卷，下笔如有神”，正是日常积累的多，思路才能渐渐打开，才能成竹在胸。有了理论知识做铺垫，动手表现时才能信手拈来。在行进过程遇到困扰的问题，我们可以利用理论知识帮自己解决，可以翻书查阅，可以向大师、前辈们学习。在我看来，在创作中丰富的理论知识和熟练的实践是分不开的。遇到瓶颈时，我们应该放下手中画笔，停下来好好思考或试着从书本中找解决的办法;又或是思路阻塞时，随意勾勾画画，让自己放松，让大脑放空。
细细品味，李先生的这句话又有着更深一层的意味。我们都知道，实践出真知，理论就是在实践积累出的 经验 中不断加工润色完成的，并且理论可以帮助我们更好地投身实践。理论与实践就是这样相互依存，相互转换，如此地循环往复下去。这样说来，又回到本质问题――一切都源于生活。生活是我们最好的老师，生活也是艺术最好的来源。我们正是从生活中发现美，感受美的力量与存在，逐步积累出表达美的 方法 ，才慢慢成长为我们的艺术。这过程本身就是一种艺术。是生活给了我们创作艺术、享受艺术的机会，让我们尊重生活这位真正的艺术大师!
反之，离开了生活，一切会变得空洞乏味，更何谈感染力。很多大师、前辈们的优秀作品都是反映生活，都是对生活的高度概括与写照。他们眼里的世界是如此的特别，处处充满着美丽与惊奇。法国杰出的现实主义雕塑家奥古斯特・罗丹有许多优秀的传世之作。他最具代表的一幅作品《思想者》(图1)。雕塑塑造了一个强有力的男子弯着腰，屈着膝，右手托着下颌，低头沉思的形象。他那深沉的目光以及拳头挤压脸颊的姿态，表现出一种极度痛苦的心情。
他全身的肌肉紧绷，不但在全神贯注地思考，而且沉浸在苦恼之中。这种苦闷的内心情感，通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理，生动地表现出来，仿佛他陷入了无限的巨大的痛苦中。这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。从作品中痛苦挣扎的情感我们不难发现，如果没有对但丁的《神曲》②的独到感受，没有对但丁的感同身受，没有对生活的细心体验与感悟，罗丹能将《思想者》表现得如此感情强烈、淋漓尽致吗?可见，艺术离不开生活。正如罗丹所说：“在艺者的眼中，一切都是美的，因为他的锐利的慧眼，注视到一切众生万物之核心，如能发现其品性，就是透入外形，触到它内在的‘真’。这‘真’，也即是‘美’。虔敬的研究罢，你一定会找到‘美’，因为你遇见了‘真’。”③
还有旅美画家李自健，他创作的许多母爱题材的作品同样是从生活中汲取的素材。他的《母女系列》其中一幅《孕》(图2)中描绘的其妻，恬静温柔。美丽的少妇低头凝视，似乎在屏息聆听腹中胎儿的动静，若有所思的眉宇间荡漾着母性的慈爱，让观者感到人世间的真善美都凝聚到了这位年轻母亲的身上。系列中的其他作品同样令人称赞，每一幅都洋溢着浓浓的温情与爱意，每一幅都是一个美丽温馨的 故事 。画家纯熟的技法加上真挚的情感打动了无数观者，这就是美的力量，就是幸福生活的剪影带给观众的震撼，这才具有真正的感染力。
任何美好的艺术品都是来源于生活。大师、前辈们创作的传世名作无不是反映生活的。如何能让自己的作品充满感染力，熟练的技法必不可少，但更需要画家为画作倾注的心力。我们付出了多少努力，观者是能感受到的。拉斐尔为创作《基督容变》时(图3)，他已身患重病，却一直在坚持绘制画作。虽未能完成，但出自其手的部分仍光辉照人，气势磅礴。他在生命的最后一刻，还在不断探索，丰富和完善自己的风格。我想，正是因为有作者付出的艰辛，他所呈现的作品才更具魅力，更能打动人。
作为美术 教育 专业的学生，我们应该多观察、多阅读、多思考，不论是充实自我还是为了今后教书育人。“行万里路，读万卷书”，只有见多识广，胸有成竹，我们的作品才能有令人满意的效果。同样，个人的修养不断提升，作品中自我的东西也会越来越多。只有我们坚持不懈地努力下去，“动心忍性，增益其所不能”，我们在艺术的道路上一定能走出自己的一片天地。
结语：
也许在创作之初，我们总是急于求成，想画出自己的东西，急于表达自我。“绘画的工作就是抓住它不放，将它定格，然后去确定它，加强它、深化它。一句话：艺术就是将瞬间化为永恒。”⑦在创作中才发现不能单单只是为了追求个性、风格。我们在求艺的道路上摸索，前辈们为我们树立了正确的榜样，为我们提供了源源不断的知识宝库。我们更应开阔自己的思维，放宽自己的眼界。我想，这才是时下我们应该去学习的。有时结果并不那么重要，因为我们在过程中体验到情感，体验到快乐，这就够了。年轻的我们不必太执着结果，享受过程带给我们的美好这才是最重要的。
注释：
①选自李可染著，孙美兰导读《可染论画》，上海书画出版社，2005.
②Commedia， Divine Comedy，意大利诗人阿利盖利・但丁(Dante Alighieri，公元1265-公元1321)的长诗。
③选自[法]罗丹述，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷，译.傅敏，编.北京：中国社会科学出版社，1999.
④出自于《地狱之门》，奥古斯特・罗丹为巴黎装饰艺术博物馆而做的大门。
⑤⑥⑦选自冯骥才著，《艺术丛见》，中州古籍出版社，2005.
参考文献：
[1]李可染.可染论画[M].上海：上海书画出版社，2005.
[2][法]罗丹述，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷译.傅敏编.北京：中国社会科学出版社，1999.
[3]冯骥才.艺术丛见[M].郑州：中州古籍出版社，2005.
试谈艺术与生活
[摘要]艺术与生活的关系历来是理论家，文学家争论的焦点，王尔德作为西方唯美主义代表人物，其认为生活模仿艺术、艺术与生活是相脱离的，而郁达夫作为中国颇具代表性的唯美主义作家，在对待艺术与生活的关系上却认为生活模仿艺术，艺术与生活是相通的。本文就从两人对待艺术与生活的关系入手探究二者的唯美主义艺术观。
[关键词]唯美主义;王尔德;郁达夫;艺术与生活
佩特曾言，
“人生的目的不在行动(action)，而在于思考(contemplation)―是无为(being)，而非作为(doing)。”佩特对待人生这一观点其实是其唯美主义艺术观的宣言，在这里他认为人生是思考的人生，无为的人生，人生不具有功力性，同样艺术也是一样，艺术是思考的艺术，虽然唯美主义者常被认为是非功利的，有时也是无需思考人生的，然而真正的唯美主义是将艺术与生活融为了一体，人生与艺术的关系也成为了每位唯美主义者都不可回避的话题，也是众多理论大家争论的焦点，首先这一观点就引起了“为艺术而艺术”的王尔德的狂热追捧，只有弄清了艺术与人生的真正关系才能更好的在唯美主义的乌托邦里进行艺术的创作。
王尔德在现实生活中的也始终践行着其“为艺术而艺术”的观点，因此王尔德可以说是唯美主义的倡导者和实践者，而郁达夫作为唯美主义的接受者，其作出了自己独特的诠释。尤其在生活与艺术的关系上，二者有着异曲同工之妙。郁达夫作为五四文学的倡导者，最早接受了唯美主义，深受唯美的洗礼，但是由于二人生活背景，文化氛围，以及个人性情的不同，使得郁达夫在对待唯美主义尤其是艺术与生活的关系上是不同的。
一、“生活模仿艺术”与“艺术来源生活”
王尔德把《道连・格雷的画像》当做自己生活的缩影，道连・格雷因为对同性恋和美的追求遭到了惩罚，而王尔德在现实生活中就是一位同性恋者，作为脱离于社会和主流文化的一位唯美主义者，我们不得不说王尔德后期的生活是悲惨的，其在后期生活经历了入狱，被社会排斥等遭遇，生活陷入低谷，因此当他把其所有热情融进艺术当中时，他并没有预见自己将来也会像其作品中的道连・格雷一样，这真的验证了王尔德的生活模仿艺术，而不是艺术模仿生活，是对他这一理论的一种感悟，抒写艺术的同时，生活是按着艺术的轨迹发展的。
王尔德“唯美”的服饰，同性恋生活这些都是王尔德迥异于现实生活，脱离现实生活的表现，至少是将作品中的艺术生活照搬到现实生活中去了，完全不顾及现实世界人们的审美极限。当我们看到脱离现实生活进行艺术创作的王尔德，我们不免怀疑其艺术创作的源泉在哪里，而对于王尔德艺术创作的来源，“据理查德・埃尔曼说，当比尔博姆批评王尔德窃取(stem)了福楼拜的思想时，王尔德回答说：‘不错，我是剽窃(plasia-rise)’。这是有鉴赏力的人之荣幸。我读福楼拜的《圣安东尼的诱惑》时就从未在书末签上我的名字。Quevoulez-VOUS(别说了)!从这个意义上说，数百部最好的书都带有我的签名。”在这里得到了一个答案，王尔德在艺术作品的来源上都杜绝了与生活的关系，似乎我们看到的是一位与生活相脱离的极端的唯美主义者，然而即便是这样在王尔德众多作品中，更重要的他向我们呈现的王尔德在艺术创作上所追求的一种境界，一种唯美的境界。
郁达夫虽然也坚持“为艺术而艺术”的唯美主义艺术观，但是郁达夫更多的是感叹人生苦闷，表面上看来郁达夫生活中大有“人生苦短，早日行乐”之嫌，其实他本人更想传达给人们的是对现实人生的苦叹和悲悯。处于五四时期的郁达夫，更多的是苦于表达内心的苦闷，求助于唯美颓废派的艺术形式作为表现艺术的手段，唯美主义在郁达夫这里只是一种更有利于表现人生和生活的艺术形式，然而，一般人会认为这样的唯美主义创作是不纯正的，然而中国文学大家在接受唯美主义过程中，大都是“不专注”的，一方面艺术要表现生活，反映现实，另一方面又要脱离生活，看似矛盾的，似乎又回到了西方唯美主义艺术创作上来了，对于这一点，黑格尔早在《美学》一书中作了解释：“生命的力量，尤其是心灵的威力，就在于它本身设立矛盾，忍受矛盾，克服矛盾。”
所以说在艺术与生活的关系上，王尔德与郁达夫可以说是对立的，也可以是说是矛盾的，生活与艺术始终是难舍难分的，在看似复杂的艺术创作中，郁达夫更加倾向于让艺术表现并且再现生活，同时将反映人性虚伪的一面淋漓尽致的刻画出来，这就如同中国传统道德观将性本能看作是不道德的，是缺乏最基本的社会底线的，所以郁达夫在其创作的《沉沦》，《银灰色的死》，《夜茫茫》以及《春风沉醉的晚上》等作品中将主人公这些欲望表现出来时，在对这些心理扭曲的主人公进行抨击的同时，我们也了解到他们虽然都有病态的心理和人性的拙劣，但是他们在也都是对未来对生活充满渴望的年轻知识份子，但是就是在那个社会里，那个环境下，他们面对现实的社会所表现出的又是那么病态和扭曲。郁达夫已经意识到了这些小知识份子情感上的抑郁，生活的苦闷，并且在某种程度上也是当时社会所表现出的苦闷气氛，郁达夫在这里确实是注意到了将艺术创作与现实生活的结合，尤其是将现实社会里道德观念的束缚置于文本中去。
郁达夫通过创作出《沉沦》中一个忧郁症患者的主人公来实现自己的理想，其实是一种生活对于艺术的影响的艺术观。“他”虽然认为性本能的发生是一件合乎自然的事情，但“他”还是把为了满足正常欲望而进行的手淫视为“犯罪”，并“深自痛悔”;这里郁达夫将现实生活中存在的道德观念深入到艺术作品中，从而让现实生活来影响艺术，并没有一味的像王尔德一样脱离现实生活去创作纯唯美主义艺术。最后，甚至在自伤自悼中投海自尽，这些都有艺术创作中生活的烙印。生活的残酷和生活中人们对于自己的自责在小说中体现的淋漓尽致，艺术是离不开道德的因素而独自展现作品的，从这一点上，我们可以明显的看到郁达夫对于王尔德的生活模仿艺术的观点是不能认同的。
二、“脱离”与“相通”
生活与艺术是否存在着紧密联系还是相互脱离的这一点上，两人也存在着看似不同的观点。郁达夫认为艺术与生活是相通，相容的，艺术不能脱离生活，郁达夫深受“达则兼济天下、穷则独善其身”中国传统道德观点影响，因此其作品中显现的与生活紧密相连的观点也不足为奇，这并没有影响其在唯美主义艺术创作，相反使得其唯美主义的使用显得更加有血有肉。
“他抬起头来远远见了几家如装在盆景假山上似的草舍。看看城墙上孤立在那里的一排电杆和电线，又看看远处的地平线和一湾苍茫无际的碧落，觉得在这自然的怀抱里，他的将来的成就定然是不少的。不晓是什么原因，不知不觉他竞起了一种感谢的心情。过了一忽，他忽然自言自语的说：
“这谦虚的情!这谦虚的情!就是宗教的起源呀!淮尔特Wilde呀，佛尔兰Verlaine呀!你们从狱里叫出来的‘要谦虚’Behumble!的意思我能了解了。”
这是《茫茫夜》中的一段描写，这段话有一些对景物的描写，虽然是简单的几句话，却将主人公面对一些平常生活景物的感想呈现出来，将生活中最自然，最简单的东西与艺术作品相联系。郁达夫揭露生活的力量是强大的，所以在其作品《春风沉醉的晚上》才有了“我囊里正是将空的时候，有了这五元钱，非但月底要预付的来月的房金可以无忧，并且付过房金以后，还可以维持几天食料。当时这五元钱对我效用的广大，是谁也不能推想得出来的。”这样朴实但是深刻的文字，这是作品中主人公所面临的境况，但是联想到五四时期中国文人志士窘迫料到的生活现状，此处描写更能让人想到是现实生活，真的是将现实生活的窘迫和无奈融入艺术作品中去了。而王尔德，虽然有人认为道连・格雷是王尔德用于追求现实美与形式美的“自我”，然而道连・格雷更像是件艺术品，当竭力展示这件艺术品的时候，他就不再是件艺术品，而被生活所融人，变得就不再纯粹，这正是王尔德一直恪守的生活与艺术脱离的艺术观的一种表现。
波德莱尔在其《浪荡子》中曾说过这样一段话：
“一些人被称作雅士，不相信派，漂亮哥儿，花花公子或浪荡子，他们同出一源，都具有一种故意作对和造反的特点，都代表着人类骄傲中所包含的最优秀成分，代表着今日之人所罕有的那种反对和清除平庸的需要。”这些话用在王尔德和郁达夫再合适不过了，二者都是风流倜傥的“浪荡子”同样也都拒绝平庸，在两人绚丽多彩并且富有传奇色彩的一生中，他们都在文学界里激起了千层浪，王尔德孤立怪诞的性格却从来没有掩盖他的才华横溢，同样忧郁怪异的郁达夫也没有被埋没，虽然在主流作品，或者是满足人们正常审美的小说里，郁达夫以及王尔德的作品都成遭遇过“不测”被禁售，他们所创作出的主人公在当时的社会环境下市难以被大众所接受的，但是他们对唯美主义艺术的不懈追求以及绽放出的不一样的光芒的作品却为我们提供了审视社会，审视人生和生活的最好视角，可以说是他们是唯美主义艺术创作中的奇葩。
艺术与生活的论文篇3 舞蹈改革中的艺术与生活 舞蹈是精神文化范畴的艺术概念下的一个艺术门类,因而,舞蹈从宏观上存在的根本意义和价值,包括它的表现目的和要求,必然在于显现人类生存的样式和自我完善的方式。但是,由于舞蹈天然的借助于身体表现和表达着人类的情感,它也必然会趋向于消费、休闲的一种代称,而沦丧了自己本应拥有的高尚本质,消解了舞蹈对社会、对人生的关注。舞蹈借助于身体的特性,让许多人在论述艺术的时候,总是对舞蹈避而不谈以求高洁。 一舞蹈对于艺术本真的回归 舞蹈史上最长久最轰轰烈烈的变革当数 现代舞 ,但是,有许多人对于现代舞是嗤之以鼻的。而我却十分同意现代舞的最高宗旨便是标新立异和严肃探索。现代舞蹈是对于传统的极度反叛和背离,但是我认为它回归了人体的本质。毕竟,类似于舞蹈、绘画、音乐等等艺术作为一种形式,一种符号,它们主要是在生命过程中产生的,但由于它们的独特性,它们并不具有生命的永不停歇的节奏、升与沉、永恒的新生、不断分化和重生统一。这些形式是富有模仿性的生命的安身之所,因为,归根结底生命没有任何余地可留。框架一旦获得了自己固定的同一性、逻辑性和合法性,这个新的严密组织就不可避免地使它们同创造它们并使之获得独立的精神动力保持一定的距离。 其实,只有艺术上不断变革才能保持艺术的不断创新和发展的活力。当然,人是社会性的存在,过于个人化是会遭到批判的,但是人们也总是逃不掉要追求自由的冲动和命运,这就是越来越多的人担忧的文化危机产生的原因。毕竟生命只能通过形式来表现自己和实现它的自由;然而形式又必然妨碍着生命的发展并阻止它的自由。也正因此艺术得到了不断的发展,人有了不断的追求。在我个人看来,借助于身体作为媒介的舞蹈,在追求身体获得自由、获得话语权力的同时,切记它的发展是以能够产生交流为基础的,否则它的生命力将是短暂的。 在现代社会,每个人都有意识地发展自己的价值系统。现代舞在工业化、都市化、全球化的现代化进程中发展、变革。这个时代是个多元化的时代,因而现代舞的阵线、表现内容和价值选择是相当广阔的。最为典型的有早期的关于马克思的“异化的人”的观点的认同,现代舞中的许多身体向上、扭曲、抗争的动作都是对于现实带给人们的异化和变形的表现。接着是对于弗洛依德的“精神分析”观点的认同。再有就是对于尼采的“毁灭偶像”的观点的认同和对萨特的对于自由选择自己希望成为的存在的观点的认同,以至于人们在欣赏现代舞时没有太多的规律可循。 随着现代舞越来越向哲学领域靠拢,也越来越具有强烈的个人意识,看似是对舞蹈本质的一种疏离,实则我认为是舞蹈艺术越来越回归本真的趋向。舞蹈的价值追求趋向于个人化正是对于舞蹈产生的追溯。舞蹈是在“情动于中,而形于言,言之不足,故嗟叹之,嗟叹之不足,故咏歌之;咏歌之不足,不知手之舞之,足之蹈之也”中产生的。它就是比较个人化的反映,以至于现代的许多舞蹈艺术家们的舞蹈并不会刻意苛求他人能理解,他们舞蹈的目的只在于能够宣泄出自己的内心情感,从而引发一些人的思索。因而也有人说现代的艺术主要有两种较为主要的倾向,即“英雄”情结和“自恋”倾向。 二舞蹈对于生活的认同与融合 现在的舞蹈一如其他艺术一样,不再像芭蕾时期的舞蹈那样站在一个不可亲近的位置让人望而却步,而是越发的切近于生活、切近于普通的人。究其原因主要在于艺术的趋近生活,以至于现代的艺术成为了一种行为和参与的艺术,于是艺术作品也就不再是一种静观的对象,而像是一种公众的游戏,像是人们的一种行为。从舞蹈到音乐甚至我们的文学艺术都趋向于这一特征,人们从对艺术的静观走向了对艺术的琢磨和体验。 可以说,在这样的转变中,审美距离似乎渐渐显得不明确了。当然,艺术的接近生活来源艺术家对于人们生活的切近,他们不再像是一个全知全能的“神”,而就像一个存在于世界的平常人。他们有着与平常人一样的困惑和对困惑的无所适从。于是就将这些一如平常人的感受和体会表现在自己的作品中,希求的是理解、体悟、共鸣和更深层的思索。于是,艺术创作也不再显露一种神秘感,而是置身于生活中。 因而,现代的艺术也呈现出了更为广阔的空间和内容。近年来在健身房和舞台上逐渐热闹起来并被誉为“是唯一让人带着笑容进行训练的运动”的“ 街舞 ”,最早就是来自于美国黑人在街头的即兴舞蹈动作,因其轻松随意、自由个性和反叛精神而备受年轻人的喜爱。同时,现代的舞蹈及各门艺术由于创作元素和表现手法的变革,他们越来越与商业拉近关系,带上了极强的商业操作性质,遵循着市场交换的逻辑而发展。前面提到的杨丽萍的《云南映象》就是商业化的成品,但是这并不意味着艺术就是生活的同格,我坚信艺术必然是高于生活的。只是在越来越商业化的社会,人们在金钱的追求中并不会完全丧失自身欣赏美、崇尚美的心灵。另一方面,艺术自然地贴近于生活,也并不是说艺术接近于终结。 高高在上的艺术,呈现的结果只是一种虚幻的追求,一般人没有权力也没有能力得到这种艺术的陶冶。艺术切近于生活说明了艺术的自觉回归,只有更多的人接受才会不断地发展并演化,产生更多的选择,提高鉴赏能力。 艺术与生活的论文篇4 试谈书法艺术与生活辨思 艺术“源于生活高于生活”，这在中国可以说是人人耳熟能详的一句话，毛泽东主席《在延安文艺座谈会上的讲话》对此进行了重点论述。就书法艺术而言，如何理解“源于生活高于生活”，辩证的认识书法艺术与生活的关系，对书法学习来说，具有重要的意义。 一.“源于生活”――书法艺术在生活中产生并随着社会生活的发展而发展 卢卡契在《审美特性》中指出：“人们的日常态度是每个人活动的起点，也是每个人活动的终点。这就是说，如果把日常生活看作是一条长河，那么由这条长河中分流出了科学和艺术这样两种对现实更高的感受形式和再现形式。”一切意识形态活动都是对客观生活的反映，同样，日常生活也是书法艺术的母体。 其一，书法是书写的艺术，书法艺术的载体是汉字，而汉字则是依据生活创造的。在文字产生之前，人们记事的方式是结绳记事和契刻记事。由于结绳记事和契刻记事的不足，人们用线条和笔划勾画出所要表达的对象，于是产生了绘画的的方法帮助记忆，表达思想。随着时间的推移，文字逐渐从图画中分离出来，成为了文字符号，诞生了最早的文字――象形字，在汉字的演变中又产生了会意字和形声字。 其二，书法艺术中书体的变化，也是随着社会生活的发展而发展的。有据可查最早的文字是刻在龟甲和兽骨上的，也就是甲骨文，约产生于殷商后期。由于青铜器的产生，商代后期和西周时期，人们把汉字刻在青铜器上，形成了金文，亦称为钟鼎文，西周后期，逐渐演变成为大篆。 秦朝统一六国后，由于大篆字体繁复，书写不方便，影响了在生活中的使用，丞相李斯对大篆去繁就简，形成了小篆。而隶书的产生，既有社会因素，又有文化背景原因，然而重要的应该是秦汉时期人们所使用的书写材料和当时人们的生活环境，和生活习惯对文字形态、书写方式的影响，以及竹简的大量使用则是隶书产生的直接原因。随后，在隶书的基础上又形成了楷书。行书在两晋时的盛行，则是玄学在士人中影响的结果。狂草是唐人直抒胸臆的产物。宋体更是活体印刷术产生后形成的书体。书体的变化深深地印刻着中国社会变迁的烙印。 其三，书法批评中，对书法美的评价往往用现实生活的事物比拟。中国 传统文化 讲求“道法自然”，讲求“天人合一”，书法也把这些作为追求的目标。表现在书法批评理论上，则常常用自然界和生活中的事物品评书法。如虞世南《笔髓论?释真》中说：“拂掠轻重，若浮云蔽于晴天;波撇勾截，若微风摇于碧海。”再如对褚遂良书法，刘熙载《艺概?书概》说：“褚其如鹤游鸿戏乎?”形象地表述了书法的曲线美。又如怀素所说“其痛快处如惊蛇入草”， 草书 的抒情美直跃其上。以上种种，无不说明中国书法与自然、生活的紧密联系。 二.“高于生活”――对美的追求使书法从书写上升为艺术 鲁迅曾指出：“尝闻艺术由来，在于致用。”艺术与其他 社会实践 活动的根本区别在于艺术的审美特性，即艺术作品所具有的美学品质和审美价值，使人得到一种精神上的愉悦享受。中国书法亦是如此。虽然我们无法揣测先贤们的书写心理，但我们可以想象：“爱美之心，人皆有之”，先贤亦不例外，他们在书写中将自己的审美理想融入其中，使书法不再仅仅是一种实用工具，而是以情动人，以美感人。正是在对美的追求中，书法从书写中升华成为了艺术，同时书法艺术也最鲜明地体现了中国文化的审美。 书法之美，在于形式美。草书和行书或敏捷、或轻盈、或矫健，楷书、隶书在安定稳重里流露出飞动流美，篆书分行布白齐整圆润、用笔流畅飞扬，它们显示着各自独特的造型美。书法作品中，字型笔画自由多样，线条或曲或直回环运动，笔法墨法相兼相润，传达出各种姿态和气势，产生了一种变化无穷的艺术效果。书法家人格的蕴藉和社会环境，更使点画笔墨形成一种风格即用笔之力、运笔之势，从而反映出生命的运动美。唐代书法家孙过庭在《书谱》中说“观夫悬针垂露之异，奔雷坠石之奇，鸿飞兽骇之资，鸾舞蛇惊之态，绝岸颓峰之势，临危据槁之形;或重若崩云，或轻如蝉翼;导之则泉注，顿之则山安;纤纤乎似初月之出天涯，落落乎犹众星之列河汉。”这段话形象地表述了通过用笔、运笔，产生的不同书法造型，表现出的不同的书法美的形式。 书法之美，在于气韵美。气韵是中国书法艺术中的一个重要命题，气韵是否生动是评价一副作品好坏的重要标准。南齐书法家王僧虔认为：“书之妙道，神彩为上”。张怀??《书断》也说：“文则数言乃成其意，书则一字已见其心”。气韵并不缥缈，它依附于墨法、笔法、章法等技法中。线条、笔画作为笔法的基本构成，是笔墨的有形堆砌和形态不同的字体特点，给人的视觉以形式美的体验。比如隶书的蚕头燕尾以及起伏的横画，通过弧和圆给人优雅、拙厚、神气内敛之感。卫夫人在书论《笔阵图》说：“横，如千里阵云，隐隐然其实有形;点，如高峰坠石，磕磕然石如崩也;撇，陆断犀牛，弯钩，百钧弩发;竖，万岁枯藤;横弯钩，崩浪雷奔;横折钩，劲弩筋节“。 书法创造中，线条的变化与空间的构造，表现出书法家宽泛的情感境界，书法家将个人生命情调和内在气质带入笔墨，使之成为人格与精神的生动写照。“喜怒哀乐，各有分数。喜则气和而字舒，怒则气粗而字险，哀则气郁而字敛，乐则气平而字丽。情有轻重，则字之敛舒险丽亦有深浅，变化无穷”。这种情感化的笔墨线条，与鉴赏者之间产生的情感效应，唤起彼此的审美体验，使之得到审美的享受以及美的陶冶、。宋人韩拙在《论用笔墨格法气韵之病》中曾说：“凡用笔先求气韵，次求体要，然后精思。若形势未备，便用巧密精思，必失其气韵也”。 书法之美，在于意境美。意境是中国传统美学的核心范畴，是东方艺术精神的内在意蕴。在有形的线条中荡漾着味外之旨，通过点线的组合变化，使作品超越形式，上升到无限的境界之中，这便是书法的意境。岳飞在出征途中，夜宿武侯祠，读《出师表》，有感于诸葛亮“鞠躬尽瘁，死而后已”的精神，联系自身实际，“挥涕走笔”，以“稍舒胸中抑郁”，字里行间激荡着英雄豪气，充满着忠贞义烈的真挚情感，铸就了撼人心魄的艺术境界，产生了强烈的艺术感染力。书法艺术“无色而具绘画的灿烂，无声而有音乐的和谐“，便是源于意境的构创。 蔡邕《笔论》中说：“欲书，先散怀抱，任情恣性，然后书之。”刘熙载《艺概?书概》中说：“写字者，写志也。”意境深远的书法作品，必定体现出书法家特定的审美理想。“中国古代的书家要想使‘字’也表现生命，成为反映生命的艺术，就须用他所具有的方法和工具在字里表现出一个生命体的骨、筋、肉、血的感觉来”。 唐人颜真卿在精神上追求“肃然巍然”之境，体现在他的书法上端庄宽舒、刚健雄强，令人感觉正气凛然、酣畅淋漓。清人郑板桥天性自然，其书真率活泼，运笔出之自然，有形的字迹飞动中创造了一种美的神韵，使书法艺术超越有限形质而进入无限境界。“一点一画，意态纵横，偃亚中间，绰有余裕”。这种创意之美，是中国书法艺术的审美意向，也是书法艺术的灵魂。 三.“应用社会“――在生活中学习书法，用书法艺术教化生活 毛泽东在延安文艺座谈会上指出：“人民生活中本来存在着文学艺术原料的矿藏，这是自然形态的东西，是粗糙的东西，但也是最生动、最丰富、最基本的东西;在这点上说，它们使一切文学艺术相形见绌，它们是一切文学艺术的取之不尽、用之不竭的唯一的源泉。”宋代诗人杨万里“闭门觅句非诗法，只是征行自有诗”，陆游“纸上得来终觉浅，绝知此事要恭行”等诗句，也说明艺术要从自然生活中获取力量和灵感。 书法艺术更是如此。唐人张旭偶然看见江岛地平沙润，不由得兴致大发，用锥尖在沙面上面写起字来，发现笔划沉稳净润，由此大悟，创造了“锥画沙”的笔法;唐人颜真卿看到 雨水 从屋檐流下，墙壁染上了斑斑渗痕，因而领悟到行笔应为“屋漏痕”的转折自如;晋人王羲之看到白鹅游荡而悟得了意境，唐人怀素观赏夏季云的变幻，悟得了云的变化和气势，北宋人黄庭坚见长年荡浆而变化结体。所以说“读万卷书，行万里路”，闭门学书只能成为书匠，只有不断从生活中获得滋养，获得感悟，才能真正领悟美的内涵。 书法艺术毕竟是对日常生活中的美的升华，存精去芜，它的美是高于生活的，以艺术的美引导生活，则艺术的教化作用昭然若揭。一幅隶书“宁静致远，淡泊明心”，可供欣赏，更是对人处世待物的警醒;一幅行草“有志者事竟成，破釜沉舟，百二秦关终属楚;苦心人，天不负，卧薪尝胆，三千越甲可吞吴”，铁钩银划般的笔迹赋予奋进中的人们多少豪迈;一幅 魏碑书法 “身无半亩心忧天下，读书万卷神交古人”，可谓忠厚之人的座右铭;鲁迅诗句“横眉冷对千夫指，俯首甘为孺子牛”， 刚柔相济，铿锵有力，人们在欣赏它的同时，也得到了精神的感染，陶冶了思想情操，提高了思想境界，深化了审美感受。凡此种种，枚不胜举。当前多元文化的交汇与碰撞，令人眼花缭乱， 理想与现实的分离， 导致相当一部分人出现了非理性的“信仰危机”。以书法艺术引导人们正确的人生价值观和健康的审美情趣，应如明代杜琼所言“启人之高致，发人之浩气”，有利于社会的和谐和发展。 四.结语 思想的多元化，对书法艺术领域也带来了深刻的影响，书法艺术的认识和发展也呈现出多种声音和不同的理念。重温并辨思艺术“源于生活、高于生活”这一论断，当此之际，亦有其必要意义，有助于书法艺术的健康发展。 猜你喜欢： 1. 艺术与生活方面的论文 2. 艺术与生活的论文 3. 艺术方面的论文优秀范文 4. 《生活的艺术》读书心得 5. 艺术源于生活文章
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浅谈中世纪末的艺术与生活
摘要：研读过《中世纪的秋天》后，笔者通过对中世纪的艺术进行分析研究，将中世纪的艺术形式、特点进行了盘点和说明，发现中世纪的美术与文学作品相比，对生活和历史具有美化作用，更好的宣扬和平;同时 总结 出中世纪艺术的特点：宗教性和表现性;应用型艺术在中世纪艺术中占有极大的比重，得到了很好的挥发，从而也寄予人们的宗教 文化 和对现实生活的情感表达。
关键词：宗教;美术;应用型艺术;中世纪艺术
笔者最近研读了约翰·赫伊津哈的《中世纪的秋天》，这是一本研究14和15世纪法国与荷兰地区社会的生活、思想与艺术的著作，书中所包含的内容非常的繁多，尤其涉及了欧洲的____文化、古典人文主义思想、世俗宗教生活和宗教习俗、文学和艺术史以及众多的历史人物等，较为全面的介绍和概括了中世纪时期的人文艺术与生活。笔者将从中世纪艺术，尤其是绘画方面着重进行展开讨论。
一、美术美化生活和历史
中世纪晚期的两个形象有着深刻而巨大的差异，一个反映在艺术里，一个来源于历史和文学。
艺术高于生活，也源于生活，只有依托于生活本质的艺术才是真艺术。书中提及勃艮第文化，了解中世纪晚期的法兰西——勃艮第文化的最佳途径则是艺术，尤其是绘画，而绘画题材和内容均来自生活，可见物质世界对精神世界的指导和决定作用。虽说与艺术息息相关的文学，包括历史著作和小说，它们都以自己独特的方式在诠释和演绎生活，在历史著作中，比如巴郎特的《勃艮第历代公爵史》塑造的是阴森而沉郁的形象，历史总在记录可怕的人性面。然而作为艺术的特殊形式——绘画，在表现生活和传达情感上，与文学相比，却要更为直观，尤其是架上绘画、雕塑等美术作品。中世纪的美术作品中的画面和形象较为平和、宁静，它将历史的阴暗面有所转化和美化。
故而相比较而言，“时代在美术作品里的形象总是比在诗歌和历史作品里的形象光明。美术是我们感知历史的主要来源，美术作品不会像文字一样对世界苦难的哀婉叹息总是保留着悲伤不满的调子，它会随着时间和历史的推移而慢慢消逝”[1]()。
二、宗教性和表现性
中世纪美术是西方文化的特殊表现形式之一。它改变了希腊美术、罗马美术的传统，并在发展中逐渐形成自己的形式和内容体系，成为特定时期人们生活、观念、思想、感情的特殊形式的表现。而宗教性和表现性就成为中世纪美术的两大特点。
中世纪，残存的美术作品不多，但在中世纪晚期，艺术仍然是生活不可分割的一部分。那时人们追求的并非艺术本身，而是美好的生活。“在艺术中，人们发现了生活中的平和善良与生命的激情、意义，使他们暂时忘却了生活的烦恼和愁苦。当时生活的甘苦有固定的形式：宗教、骑士精神、宫廷爱情，而无论是生活还是艺术之美都依靠和源于这些形式。”[1]()“现实的生活离不开人，生活的美因人而异，是人使生活灿烂缤纷，使生活艺术化、审美化。”[2]人是有意识在进行着活动，在人们的审美活动中总是伴随着各种心理活动——情感、愉悦、想象等。人们总是在寻求精神世界的慰藉，总是在追求轻松愉悦的生存和生活状态，面对现世的残酷和种种的不公，他们也在逃避，而宗教信仰成为了人们坚信不疑的精神支柱与力量，把命运交给上帝成为他们避世的最好 方法 ，而在艺术作品中所出现的宗教题材也就不难理解了。
骑士精神和宗教爱情，是释怀也是束缚。表面上看来，拥有骑士精神，那是一个人彬彬有礼和英雄行为的表现，是一种高贵的气质和教养，而在底下，是很多绅士的无奈，这种程式化和规范化的行为中，是对人自由行为的一种捆绑，是对自己信仰和忠义的考验和强制性的统一，无异于今人所言的“洗脑”。而宫廷爱情，很难讲是不是真正的爱情，也许也有真感情的存在，但不可否认的是，利欲追求而导致的包办式爱情是宫廷爱情的普遍现象，还有自己选择感情归宿的权利吗?答案更多的恐怕是否定的吧，这种为人的基本权利都没有的生活，又何言其幸福和快乐呢?在艺术中，势必要对这些现象和事实进行反映和表现，这种____美术，不注重客观世界的真实描写，强调所谓精神世界的表现。为此，它往往以夸张、变形，改变真实空间序列等多种手法来达到强烈表现的目的。
三、应用型艺术的挥发
在中世纪，人们对艺术的感受还不是艺术之美本身。当时的大多数艺术还是应用型艺术，即使是那些我们今人认为因自身而存在的艺术作品也是应用型艺术。无论是艺术家还是普通人对艺术的渴望也都是来源于生活。在15世纪伟大艺术品的鉴赏里，尤其在祭坛艺术和墓园艺术的鉴赏里，中世纪人远远不只从审美的角度去欣赏。艺术品的重要意义和实用功能远比其艺术性重要。它们之所以美丽，那是因为它们是圣物，或具有崇高的实用功能。在艺术作品中所出现的宗教痕迹和物品不仅是人们审美的需要，更是精神寄托的需求。
我们所说的精神是把它在它自己的意识中呈现出来的形态提高到意识自身的形式，并且把这样的意识形式提到自己前面，工匠放弃了综合性的工作，即放弃了把思想和自然这两种不同性质的形式混合在一起的工作。当精神的这种形态赢得了具有自我意识的活动的形式时，它就成为精神的工人。人们在精神上得不到满足的时候，意识形态中就指引他去寻求精神的寄托，生活作为万物的承载圈，而宗教、上帝则是当时人们生活中占有首要地位，势必宗教在当时成为艺术家挖掘素材的首选，而宗教艺术也成为一道亮丽风景。
艺术家创作出来的作品通常是用来供人欣赏的，但有些作品主要是供人使用的，也就是上面提到的“应用型艺术”，这是不单为了视觉上的美感而作的，同时也考虑到了实用性的功能，比如说宗教艺术、雕塑、印刷品。
艺术家进行创作，其灵感来源与各方面有关：神话与 传说 、想象、艺术家自己的内心与想法、真实世界的事件和人物、雇主委托的意见。而这些通通都来自我们最亲近的生活和现实世界。
文中又提到说，在葬礼的过程中，由活人装扮逝者，“模拟逝者生前的情景”，从而满足悼念者对逝去亲人容貌的渴望。可以说，这是一种行为艺术，一种再现生活的行为艺术。可见行为艺术不是当代艺术所特有的，早在中世纪就流行了。
我们也就不难发现，当时一件作品几乎总有一个具体的目的和宗旨与日常生活相联系。但遗憾的是大师的艺术作品和一般艺术家的作品能保存至今的终究是极小一部分，而且是相当特别的一类才得以流传下来。这些作品主要是墓碑、祭坛画、肖像画和细密画。
在中世纪晚期，法兰西——勃艮第文化是那种用华彩替代美丽的文化。这个时期的艺术忠实地反映这个时期的精神，这种精神有它自己的发展道路。中世纪晚期思想的基本特征：热烈的情绪、认为一切细部是独立实体的倾向、全身心地投入对象的多样性和多色调的描绘。相反，文艺复兴人对艺术和生活的新的感知却抵制中世纪人的这些特征。中世纪人往往把美的观念回溯到完美、合比例和华丽。中世纪人追求豪华的口味可谓令今人叹为观止，即使是在现存的一些艺术作品中，也不难发现其中的豪华倾向，从中我们也更好地感受了当时生活中铺张和炫耀的成分，对于理解和认知当时的生活情境起到了很好的作用。
今人能够确认个人自己的生活观，可以在自己挑选的休闲时刻，尽情享受生活的欢乐。但在那个精神享受分布极端不均、许多人难以得到精神享受的时代里，为了焕发新的活力，社会就需要一种群体行为：节庆活动。欢乐和日常的苦难反差越大，节日就越是必不可少，赋予生活华美的手段就越要强大，人们需要美的享受和欢乐，以照亮现实的阴暗面，15世纪是情绪低落的世纪，是彻底的悲观主义的世纪。苦难中的人需要的不只是平日不断重复的天堂幸福的许诺、上帝慈爱的目光，不时，人们还需要用光耀、庄重和社会群体的方式肯定生活的美好。生活必须要借助美丽而变得崇高，必须要在生活欢乐的社会表达中得到固定的程式。而艺术作为平常即使接触的内容更受到人们的欢迎。
参考文献：
[1]约翰·郝伊津哈著，何道宽译.中世纪的秋天：14世纪和15世纪法国与荷兰的生活、思想与艺术[M].桂林：广西师范大学出版社，2008.
[2]刘纪.“美是生活”与日常生活中的美——读车尔尼雪夫斯基的《艺术与现实的审美关系有感》[J].文教资料，2010，(33).
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全球化特征下现代设计与人类生活的思考 作者： 刘东文 来源： 中国室内设计网 时间： 2005年11月30日 在当今世界，随着全球化浪潮的发展和蔓延，信息传播在数字化技术的支持下，以更大的传输量，高速的传输方式，更广泛的受众面深刻地影响着人类生活。现代设计概念中丰富的信息，在全球化浪潮的作用下充斥着人类的物质生活和精神生活。全球化进程是不可逆转的，也是人类文明进步的必然过程，对人类文明进程，产生了积极巨大的意义，同时产生了不可忽视的负面影响，现代设计必须共同面对日益恶化的生态危机，共同面对人类文明宝库中地域文化的丧失，面对多元人类民族文化的继承和发展。现代设计与人类生活密切相关，二十一世纪全球化的进程日益加快，现代设计在推动现代人类文明的过程中担负重任，更要举起人类文明的旗帜，站在全球化的高度认识和发展现代设计。现代设计的概念设计是一种有意识、有动机、积极主观地解决功能，创造市场，影响社会，改变行为的创造行为。现代设计面向大众，更有别于传统设计概念的特征就是受到全球化的影响，设计包容的信息传播速度越来越快，设计是艺术与技术的结合，现代设计更体现出高科技的运用，显而易见，西方发达资本主义国家正是借助其科学技术的先进，在全球化的进程中，透过设计以强势影响全球，落后国家及地区在享受西方现代科技的同时，势必要付出深痛代价，受到西方资本主义文化、价值观念等的影响，甚至丧失了自身的文化价值观念。现代设计领域渗透于人类生活的各个方面，衣、食、住、行、学习、工作、社会交流、旅游娱乐等。在现代社会中，人与人之间的直接交流已远不及人与物之间的普遍大量，现代设计正是解决人与人通过物进行交流的手段.人类的设计由来已久，从最原始的劳动工具发展到现代的高档艺术消费品，从解决基本的使用功能到如今的纯精神满足，设计活动满足使用功能的同时，在人类文明的进程中,设计满足精神功能的特征更显强大。现代设计对人类生活的影响随着人类文明的加速迈进，人类生产力的提高，现代设计活跃于人类生活的各个方面。物质的相对丰富，人们对生活的质量要求也越来越高，设计满足人类的物质需求和精神要求，肩负着提高人类生活质量的重任，并且深刻影响着人类生活。
艺术源于生活，艺术创作本身离不开艺术家的现实生活感受和对于人生的思考。下文是我为大家搜集整理的关于艺术与生活的论文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!
浅谈艺术创作与生活积累
摘 要：我们的创作无论是素材的来源还是技法的表现以及画面的意境都离不开平时我们对于生活的感受与领悟。生活中充满了艺术，艺术创作又恰如其分地表现生活。它们之间总有着千丝万缕的关联，既对比又统一。艺术作品的表现需要对技法的熟练掌握，但更需要作者长期的自我修养。专业与 文化 底蕴的积累和品性的修炼都会在作品里有所体现，恰好应对“画如其人”一说。本文通过对在艺术创作过程中，生活的感悟与自我修养在艺术创作中重要性的体现，发现加强理论与技巧的学习以及品性修养的提升的现实意义，以提升自我的艺术文化修养。
关键词：感悟生活;感染力;独创性
记得曾在《可染论画》一书中，打开扉页就被李先生的一句话所打动。他说：“艺术要向天、向地。天，是理论观点;地，是自己的实践。”①这句话看似浅显易懂又富含哲理，就像是李先生本人，有着最平易近人的外表又有着最是深沉厚重的灵魂。
哲学中常说理论与实践相结合，这无论是在生活中还是艺术创作上都有很大帮助。李老一句话形象而生动地概括了艺术创作中理论与实践这二者不可或缺的关系。无论是理论还是实践，都应该是我们在艺术创作过程中值得思考并注意的问题。在创作过程中，我们始终应该坚持理论与实践相结合。“读书破万卷，下笔如有神”，正是日常积累的多，思路才能渐渐打开，才能成竹在胸。有了理论知识做铺垫，动手表现时才能信手拈来。在行进过程遇到困扰的问题，我们可以利用理论知识帮自己解决，可以翻书查阅，可以向大师、前辈们学习。在我看来，在创作中丰富的理论知识和熟练的实践是分不开的。遇到瓶颈时，我们应该放下手中画笔，停下来好好思考或试着从书本中找解决的办法;又或是思路阻塞时，随意勾勾画画，让自己放松，让大脑放空。
细细品味，李先生的这句话又有着更深一层的意味。我们都知道，实践出真知，理论就是在实践积累出的 经验 中不断加工润色完成的，并且理论可以帮助我们更好地投身实践。理论与实践就是这样相互依存，相互转换，如此地循环往复下去。这样说来，又回到本质问题――一切都源于生活。生活是我们最好的老师，生活也是艺术最好的来源。我们正是从生活中发现美，感受美的力量与存在，逐步积累出表达美的 方法 ，才慢慢成长为我们的艺术。这过程本身就是一种艺术。是生活给了我们创作艺术、享受艺术的机会，让我们尊重生活这位真正的艺术大师!
反之，离开了生活，一切会变得空洞乏味，更何谈感染力。很多大师、前辈们的优秀作品都是反映生活，都是对生活的高度概括与写照。他们眼里的世界是如此的特别，处处充满着美丽与惊奇。法国杰出的现实主义雕塑家奥古斯特・罗丹有许多优秀的传世之作。他最具代表的一幅作品《思想者》(图1)。雕塑塑造了一个强有力的男子弯着腰，屈着膝，右手托着下颌，低头沉思的形象。他那深沉的目光以及拳头挤压脸颊的姿态，表现出一种极度痛苦的心情。
他全身的肌肉紧绷，不但在全神贯注地思考，而且沉浸在苦恼之中。这种苦闷的内心情感，通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理，生动地表现出来，仿佛他陷入了无限的巨大的痛苦中。这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。从作品中痛苦挣扎的情感我们不难发现，如果没有对但丁的《神曲》②的独到感受，没有对但丁的感同身受，没有对生活的细心体验与感悟，罗丹能将《思想者》表现得如此感情强烈、淋漓尽致吗?可见，艺术离不开生活。正如罗丹所说：“在艺者的眼中，一切都是美的，因为他的锐利的慧眼，注视到一切众生万物之核心，如能发现其品性，就是透入外形，触到它内在的‘真’。这‘真’，也即是‘美’。虔敬的研究罢，你一定会找到‘美’，因为你遇见了‘真’。”③
还有旅美画家李自健，他创作的许多母爱题材的作品同样是从生活中汲取的素材。他的《母女系列》其中一幅《孕》(图2)中描绘的其妻，恬静温柔。美丽的少妇低头凝视，似乎在屏息聆听腹中胎儿的动静，若有所思的眉宇间荡漾着母性的慈爱，让观者感到人世间的真善美都凝聚到了这位年轻母亲的身上。系列中的其他作品同样令人称赞，每一幅都洋溢着浓浓的温情与爱意，每一幅都是一个美丽温馨的 故事 。画家纯熟的技法加上真挚的情感打动了无数观者，这就是美的力量，就是幸福生活的剪影带给观众的震撼，这才具有真正的感染力。
任何美好的艺术品都是来源于生活。大师、前辈们创作的传世名作无不是反映生活的。如何能让自己的作品充满感染力，熟练的技法必不可少，但更需要画家为画作倾注的心力。我们付出了多少努力，观者是能感受到的。拉斐尔为创作《基督容变》时(图3)，他已身患重病，却一直在坚持绘制画作。虽未能完成，但出自其手的部分仍光辉照人，气势磅礴。他在生命的最后一刻，还在不断探索，丰富和完善自己的风格。我想，正是因为有作者付出的艰辛，他所呈现的作品才更具魅力，更能打动人。
作为美术 教育 专业的学生，我们应该多观察、多阅读、多思考，不论是充实自我还是为了今后教书育人。“行万里路，读万卷书”，只有见多识广，胸有成竹，我们的作品才能有令人满意的效果。同样，个人的修养不断提升，作品中自我的东西也会越来越多。只有我们坚持不懈地努力下去，“动心忍性，增益其所不能”，我们在艺术的道路上一定能走出自己的一片天地。
结语：
也许在创作之初，我们总是急于求成，想画出自己的东西，急于表达自我。“绘画的工作就是抓住它不放，将它定格，然后去确定它，加强它、深化它。一句话：艺术就是将瞬间化为永恒。”⑦在创作中才发现不能单单只是为了追求个性、风格。我们在求艺的道路上摸索，前辈们为我们树立了正确的榜样，为我们提供了源源不断的知识宝库。我们更应开阔自己的思维，放宽自己的眼界。我想，这才是时下我们应该去学习的。有时结果并不那么重要，因为我们在过程中体验到情感，体验到快乐，这就够了。年轻的我们不必太执着结果，享受过程带给我们的美好这才是最重要的。
注释：
①选自李可染著，孙美兰导读《可染论画》，上海书画出版社，2005.
②Commedia， Divine Comedy，意大利诗人阿利盖利・但丁(Dante Alighieri，公元1265-公元1321)的长诗。
③选自[法]罗丹述，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷，译.傅敏，编.北京：中国社会科学出版社，1999.
④出自于《地狱之门》，奥古斯特・罗丹为巴黎装饰艺术博物馆而做的大门。
⑤⑥⑦选自冯骥才著，《艺术丛见》，中州古籍出版社，2005.
参考文献：
[1]李可染.可染论画[M].上海：上海书画出版社，2005.
[2][法]罗丹述，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷译.傅敏编.北京：中国社会科学出版社，1999.
[3]冯骥才.艺术丛见[M].郑州：中州古籍出版社，2005.
试谈艺术与生活
[摘要]艺术与生活的关系历来是理论家，文学家争论的焦点，王尔德作为西方唯美主义代表人物，其认为生活模仿艺术、艺术与生活是相脱离的，而郁达夫作为中国颇具代表性的唯美主义作家，在对待艺术与生活的关系上却认为生活模仿艺术，艺术与生活是相通的。本文就从两人对待艺术与生活的关系入手探究二者的唯美主义艺术观。
[关键词]唯美主义;王尔德;郁达夫;艺术与生活
佩特曾言，
“人生的目的不在行动(action)，而在于思考(contemplation)―是无为(being)，而非作为(doing)。”佩特对待人生这一观点其实是其唯美主义艺术观的宣言，在这里他认为人生是思考的人生，无为的人生，人生不具有功力性，同样艺术也是一样，艺术是思考的艺术，虽然唯美主义者常被认为是非功利的，有时也是无需思考人生的，然而真正的唯美主义是将艺术与生活融为了一体，人生与艺术的关系也成为了每位唯美主义者都不可回避的话题，也是众多理论大家争论的焦点，首先这一观点就引起了“为艺术而艺术”的王尔德的狂热追捧，只有弄清了艺术与人生的真正关系才能更好的在唯美主义的乌托邦里进行艺术的创作。
王尔德在现实生活中的也始终践行着其“为艺术而艺术”的观点，因此王尔德可以说是唯美主义的倡导者和实践者，而郁达夫作为唯美主义的接受者，其作出了自己独特的诠释。尤其在生活与艺术的关系上，二者有着异曲同工之妙。郁达夫作为五四文学的倡导者，最早接受了唯美主义，深受唯美的洗礼，但是由于二人生活背景，文化氛围，以及个人性情的不同，使得郁达夫在对待唯美主义尤其是艺术与生活的关系上是不同的。
一、“生活模仿艺术”与“艺术来源生活”
王尔德把《道连・格雷的画像》当做自己生活的缩影，道连・格雷因为对同性恋和美的追求遭到了惩罚，而王尔德在现实生活中就是一位同性恋者，作为脱离于社会和主流文化的一位唯美主义者，我们不得不说王尔德后期的生活是悲惨的，其在后期生活经历了入狱，被社会排斥等遭遇，生活陷入低谷，因此当他把其所有热情融进艺术当中时，他并没有预见自己将来也会像其作品中的道连・格雷一样，这真的验证了王尔德的生活模仿艺术，而不是艺术模仿生活，是对他这一理论的一种感悟，抒写艺术的同时，生活是按着艺术的轨迹发展的。
王尔德“唯美”的服饰，同性恋生活这些都是王尔德迥异于现实生活，脱离现实生活的表现，至少是将作品中的艺术生活照搬到现实生活中去了，完全不顾及现实世界人们的审美极限。当我们看到脱离现实生活进行艺术创作的王尔德，我们不免怀疑其艺术创作的源泉在哪里，而对于王尔德艺术创作的来源，“据理查德・埃尔曼说，当比尔博姆批评王尔德窃取(stem)了福楼拜的思想时，王尔德回答说：‘不错，我是剽窃(plasia-rise)’。这是有鉴赏力的人之荣幸。我读福楼拜的《圣安东尼的诱惑》时就从未在书末签上我的名字。Quevoulez-VOUS(别说了)!从这个意义上说，数百部最好的书都带有我的签名。”在这里得到了一个答案，王尔德在艺术作品的来源上都杜绝了与生活的关系，似乎我们看到的是一位与生活相脱离的极端的唯美主义者，然而即便是这样在王尔德众多作品中，更重要的他向我们呈现的王尔德在艺术创作上所追求的一种境界，一种唯美的境界。
郁达夫虽然也坚持“为艺术而艺术”的唯美主义艺术观，但是郁达夫更多的是感叹人生苦闷，表面上看来郁达夫生活中大有“人生苦短，早日行乐”之嫌，其实他本人更想传达给人们的是对现实人生的苦叹和悲悯。处于五四时期的郁达夫，更多的是苦于表达内心的苦闷，求助于唯美颓废派的艺术形式作为表现艺术的手段，唯美主义在郁达夫这里只是一种更有利于表现人生和生活的艺术形式，然而，一般人会认为这样的唯美主义创作是不纯正的，然而中国文学大家在接受唯美主义过程中，大都是“不专注”的，一方面艺术要表现生活，反映现实，另一方面又要脱离生活，看似矛盾的，似乎又回到了西方唯美主义艺术创作上来了，对于这一点，黑格尔早在《美学》一书中作了解释：“生命的力量，尤其是心灵的威力，就在于它本身设立矛盾，忍受矛盾，克服矛盾。”
所以说在艺术与生活的关系上，王尔德与郁达夫可以说是对立的，也可以是说是矛盾的，生活与艺术始终是难舍难分的，在看似复杂的艺术创作中，郁达夫更加倾向于让艺术表现并且再现生活，同时将反映人性虚伪的一面淋漓尽致的刻画出来，这就如同中国传统道德观将性本能看作是不道德的，是缺乏最基本的社会底线的，所以郁达夫在其创作的《沉沦》，《银灰色的死》，《夜茫茫》以及《春风沉醉的晚上》等作品中将主人公这些欲望表现出来时，在对这些心理扭曲的主人公进行抨击的同时，我们也了解到他们虽然都有病态的心理和人性的拙劣，但是他们在也都是对未来对生活充满渴望的年轻知识份子，但是就是在那个社会里，那个环境下，他们面对现实的社会所表现出的又是那么病态和扭曲。郁达夫已经意识到了这些小知识份子情感上的抑郁，生活的苦闷，并且在某种程度上也是当时社会所表现出的苦闷气氛，郁达夫在这里确实是注意到了将艺术创作与现实生活的结合，尤其是将现实社会里道德观念的束缚置于文本中去。
郁达夫通过创作出《沉沦》中一个忧郁症患者的主人公来实现自己的理想，其实是一种生活对于艺术的影响的艺术观。“他”虽然认为性本能的发生是一件合乎自然的事情，但“他”还是把为了满足正常欲望而进行的手淫视为“犯罪”，并“深自痛悔”;这里郁达夫将现实生活中存在的道德观念深入到艺术作品中，从而让现实生活来影响艺术，并没有一味的像王尔德一样脱离现实生活去创作纯唯美主义艺术。最后，甚至在自伤自悼中投海自尽，这些都有艺术创作中生活的烙印。生活的残酷和生活中人们对于自己的自责在小说中体现的淋漓尽致，艺术是离不开道德的因素而独自展现作品的，从这一点上，我们可以明显的看到郁达夫对于王尔德的生活模仿艺术的观点是不能认同的。
二、“脱离”与“相通”
生活与艺术是否存在着紧密联系还是相互脱离的这一点上，两人也存在着看似不同的观点。郁达夫认为艺术与生活是相通，相容的，艺术不能脱离生活，郁达夫深受“达则兼济天下、穷则独善其身”中国传统道德观点影响，因此其作品中显现的与生活紧密相连的观点也不足为奇，这并没有影响其在唯美主义艺术创作，相反使得其唯美主义的使用显得更加有血有肉。
“他抬起头来远远见了几家如装在盆景假山上似的草舍。看看城墙上孤立在那里的一排电杆和电线，又看看远处的地平线和一湾苍茫无际的碧落，觉得在这自然的怀抱里，他的将来的成就定然是不少的。不晓是什么原因，不知不觉他竞起了一种感谢的心情。过了一忽，他忽然自言自语的说：
“这谦虚的情!这谦虚的情!就是宗教的起源呀!淮尔特Wilde呀，佛尔兰Verlaine呀!你们从狱里叫出来的‘要谦虚’Behumble!的意思我能了解了。”
这是《茫茫夜》中的一段描写，这段话有一些对景物的描写，虽然是简单的几句话，却将主人公面对一些平常生活景物的感想呈现出来，将生活中最自然，最简单的东西与艺术作品相联系。郁达夫揭露生活的力量是强大的，所以在其作品《春风沉醉的晚上》才有了“我囊里正是将空的时候，有了这五元钱，非但月底要预付的来月的房金可以无忧，并且付过房金以后，还可以维持几天食料。当时这五元钱对我效用的广大，是谁也不能推想得出来的。”这样朴实但是深刻的文字，这是作品中主人公所面临的境况，但是联想到五四时期中国文人志士窘迫料到的生活现状，此处描写更能让人想到是现实生活，真的是将现实生活的窘迫和无奈融入艺术作品中去了。而王尔德，虽然有人认为道连・格雷是王尔德用于追求现实美与形式美的“自我”，然而道连・格雷更像是件艺术品，当竭力展示这件艺术品的时候，他就不再是件艺术品，而被生活所融人，变得就不再纯粹，这正是王尔德一直恪守的生活与艺术脱离的艺术观的一种表现。
波德莱尔在其《浪荡子》中曾说过这样一段话：
“一些人被称作雅士，不相信派，漂亮哥儿，花花公子或浪荡子，他们同出一源，都具有一种故意作对和造反的特点，都代表着人类骄傲中所包含的最优秀成分，代表着今日之人所罕有的那种反对和清除平庸的需要。”这些话用在王尔德和郁达夫再合适不过了，二者都是风流倜傥的“浪荡子”同样也都拒绝平庸，在两人绚丽多彩并且富有传奇色彩的一生中，他们都在文学界里激起了千层浪，王尔德孤立怪诞的性格却从来没有掩盖他的才华横溢，同样忧郁怪异的郁达夫也没有被埋没，虽然在主流作品，或者是满足人们正常审美的小说里，郁达夫以及王尔德的作品都成遭遇过“不测”被禁售，他们所创作出的主人公在当时的社会环境下市难以被大众所接受的，但是他们对唯美主义艺术的不懈追求以及绽放出的不一样的光芒的作品却为我们提供了审视社会，审视人生和生活的最好视角，可以说是他们是唯美主义艺术创作中的奇葩。
写作思路及要点：用真实事例来论述艺术与生活的连接关系，对其有更深层次的理解。
正文：
水头的“11月6日”交流会到了，我和父母来到了停车场，乘车到了水头。
车在大转盘前便停了。那一堆又一堆的人群，就像一片海洋。我们下了车，很快成了海洋中的波浪。向前走着，我不断地在出售书本出售仓鼠金鱼等动物的摊子面前停下脚步，饶有兴趣的看着这些出售的物品。走着走着，前方有一个聚集着一堆人的小摊，我立刻拉着父母走了过去。
这是一个给人画像的摊子。中间坐着一个不过40来岁的中年人，他戴着牛仔帽，身穿一件有些凌乱的土黄大衣，他有一双明亮清澈的眼睛，可是他脸上的皮肤却不是黄色，而是一种红色，一种被火烧出来的深红色，那深红色覆盖着他的一整张脸，只有戴着牛仔帽，帽沿才能遮住那红色的脸。
中年人正给一个青年画像，他一会儿轻笔细描，一会儿工笔速写，青年的轮廓很快浮现出来，接着，他一把青年人的表情回了下来，那微微弯曲的浓眉，轻轻咧开来的嘴角，带着些许细渣般的胡子。啊，这真是太像了。
周围也出现许多赞叹声，“画得真好啊！”一个小女孩说。“太妙了，妙级了！”一个中年难人大声赞扬道。一个老人竖起大拇指，用不流利的普通话说：“太传神啦！画得栩栩如生！”……在赞扬声中，中年人将青年的眼睛也画好了；
接着，将画嵌入画筐，递给青年，青年看着画，掏出一张100元的钞票给中年人，中年人双手接过钞票，从老土的钱包中掏出一张10元纸币，5元纸币……中年人清点了一下，一共70元。他双手紧握皱巴巴的钞票，递给青年青年这才满面笑荣地离去。
紧接着，一个老人立刻就走到中年人前，中年人拿了一把椅子恭敬地请他坐下，又开始了画像，又陷入了忙碌……。
画像，不仅是为了艺术，也为了生活。中年人虽然是一个残疾人，但它毕竟是人，他对生活也充满了希望，也许他的梦想不是十分远大，只为了吃饱穿暖；也许他的生活艰难无比，但他努力了，他尝试了，他超过了许多健全人，那些健全人面对困难，是否还能像他这样依旧乐观呢？
对人生有希望，对生命有希望。当上帝关掉一扇门时，他还会再打开一扇门，不要绝望，也不能绝望。人生路上遇到的困难，只是为了能够更好的前进。
艺术源自生活。艺术作品是艺术家的自律意识通过一定的艺术手段而产生出来的独特的艺术产品。下文是我为大家搜集整理的关于艺术与生活方面的论文的内容，欢迎大家阅读参考!
浅谈中世纪末的艺术与生活
摘要：研读过《中世纪的秋天》后，笔者通过对中世纪的艺术进行分析研究，将中世纪的艺术形式、特点进行了盘点和说明，发现中世纪的美术与文学作品相比，对生活和历史具有美化作用，更好的宣扬和平;同时 总结 出中世纪艺术的特点：宗教性和表现性;应用型艺术在中世纪艺术中占有极大的比重，得到了很好的挥发，从而也寄予人们的宗教 文化 和对现实生活的情感表达。
关键词：宗教;美术;应用型艺术;中世纪艺术
笔者最近研读了约翰·赫伊津哈的《中世纪的秋天》，这是一本研究14和15世纪法国与荷兰地区社会的生活、思想与艺术的著作，书中所包含的内容非常的繁多，尤其涉及了欧洲的____文化、古典人文主义思想、世俗宗教生活和宗教习俗、文学和艺术史以及众多的历史人物等，较为全面的介绍和概括了中世纪时期的人文艺术与生活。笔者将从中世纪艺术，尤其是绘画方面着重进行展开讨论。
一、美术美化生活和历史
中世纪晚期的两个形象有着深刻而巨大的差异，一个反映在艺术里，一个来源于历史和文学。
艺术高于生活，也源于生活，只有依托于生活本质的艺术才是真艺术。书中提及勃艮第文化，了解中世纪晚期的法兰西——勃艮第文化的最佳途径则是艺术，尤其是绘画，而绘画题材和内容均来自生活，可见物质世界对精神世界的指导和决定作用。虽说与艺术息息相关的文学，包括历史著作和小说，它们都以自己独特的方式在诠释和演绎生活，在历史著作中，比如巴郎特的《勃艮第历代公爵史》塑造的是阴森而沉郁的形象，历史总在记录可怕的人性面。然而作为艺术的特殊形式——绘画，在表现生活和传达情感上，与文学相比，却要更为直观，尤其是架上绘画、雕塑等美术作品。中世纪的美术作品中的画面和形象较为平和、宁静，它将历史的阴暗面有所转化和美化。
故而相比较而言，“时代在美术作品里的形象总是比在诗歌和历史作品里的形象光明。美术是我们感知历史的主要来源，美术作品不会像文字一样对世界苦难的哀婉叹息总是保留着悲伤不满的调子，它会随着时间和历史的推移而慢慢消逝”[1]()。
二、宗教性和表现性
中世纪美术是西方文化的特殊表现形式之一。它改变了希腊美术、罗马美术的传统，并在发展中逐渐形成自己的形式和内容体系，成为特定时期人们生活、观念、思想、感情的特殊形式的表现。而宗教性和表现性就成为中世纪美术的两大特点。
中世纪，残存的美术作品不多，但在中世纪晚期，艺术仍然是生活不可分割的一部分。那时人们追求的并非艺术本身，而是美好的生活。“在艺术中，人们发现了生活中的平和善良与生命的激情、意义，使他们暂时忘却了生活的烦恼和愁苦。当时生活的甘苦有固定的形式：宗教、骑士精神、宫廷爱情，而无论是生活还是艺术之美都依靠和源于这些形式。”[1]()“现实的生活离不开人，生活的美因人而异，是人使生活灿烂缤纷，使生活艺术化、审美化。”[2]人是有意识在进行着活动，在人们的审美活动中总是伴随着各种心理活动——情感、愉悦、想象等。人们总是在寻求精神世界的慰藉，总是在追求轻松愉悦的生存和生活状态，面对现世的残酷和种种的不公，他们也在逃避，而宗教信仰成为了人们坚信不疑的精神支柱与力量，把命运交给上帝成为他们避世的最好 方法 ，而在艺术作品中所出现的宗教题材也就不难理解了。
骑士精神和宗教爱情，是释怀也是束缚。表面上看来，拥有骑士精神，那是一个人彬彬有礼和英雄行为的表现，是一种高贵的气质和教养，而在底下，是很多绅士的无奈，这种程式化和规范化的行为中，是对人自由行为的一种捆绑，是对自己信仰和忠义的考验和强制性的统一，无异于今人所言的“洗脑”。而宫廷爱情，很难讲是不是真正的爱情，也许也有真感情的存在，但不可否认的是，利欲追求而导致的包办式爱情是宫廷爱情的普遍现象，还有自己选择感情归宿的权利吗?答案更多的恐怕是否定的吧，这种为人的基本权利都没有的生活，又何言其幸福和快乐呢?在艺术中，势必要对这些现象和事实进行反映和表现，这种____美术，不注重客观世界的真实描写，强调所谓精神世界的表现。为此，它往往以夸张、变形，改变真实空间序列等多种手法来达到强烈表现的目的。
三、应用型艺术的挥发
在中世纪，人们对艺术的感受还不是艺术之美本身。当时的大多数艺术还是应用型艺术，即使是那些我们今人认为因自身而存在的艺术作品也是应用型艺术。无论是艺术家还是普通人对艺术的渴望也都是来源于生活。在15世纪伟大艺术品的鉴赏里，尤其在祭坛艺术和墓园艺术的鉴赏里，中世纪人远远不只从审美的角度去欣赏。艺术品的重要意义和实用功能远比其艺术性重要。它们之所以美丽，那是因为它们是圣物，或具有崇高的实用功能。在艺术作品中所出现的宗教痕迹和物品不仅是人们审美的需要，更是精神寄托的需求。
我们所说的精神是把它在它自己的意识中呈现出来的形态提高到意识自身的形式，并且把这样的意识形式提到自己前面，工匠放弃了综合性的工作，即放弃了把思想和自然这两种不同性质的形式混合在一起的工作。当精神的这种形态赢得了具有自我意识的活动的形式时，它就成为精神的工人。人们在精神上得不到满足的时候，意识形态中就指引他去寻求精神的寄托，生活作为万物的承载圈，而宗教、上帝则是当时人们生活中占有首要地位，势必宗教在当时成为艺术家挖掘素材的首选，而宗教艺术也成为一道亮丽风景。
艺术家创作出来的作品通常是用来供人欣赏的，但有些作品主要是供人使用的，也就是上面提到的“应用型艺术”，这是不单为了视觉上的美感而作的，同时也考虑到了实用性的功能，比如说宗教艺术、雕塑、印刷品。
艺术家进行创作，其灵感来源与各方面有关：神话与 传说 、想象、艺术家自己的内心与想法、真实世界的事件和人物、雇主委托的意见。而这些通通都来自我们最亲近的生活和现实世界。
文中又提到说，在葬礼的过程中，由活人装扮逝者，“模拟逝者生前的情景”，从而满足悼念者对逝去亲人容貌的渴望。可以说，这是一种行为艺术，一种再现生活的行为艺术。可见行为艺术不是当代艺术所特有的，早在中世纪就流行了。
我们也就不难发现，当时一件作品几乎总有一个具体的目的和宗旨与日常生活相联系。但遗憾的是大师的艺术作品和一般艺术家的作品能保存至今的终究是极小一部分，而且是相当特别的一类才得以流传下来。这些作品主要是墓碑、祭坛画、肖像画和细密画。
在中世纪晚期，法兰西——勃艮第文化是那种用华彩替代美丽的文化。这个时期的艺术忠实地反映这个时期的精神，这种精神有它自己的发展道路。中世纪晚期思想的基本特征：热烈的情绪、认为一切细部是独立实体的倾向、全身心地投入对象的多样性和多色调的描绘。相反，文艺复兴人对艺术和生活的新的感知却抵制中世纪人的这些特征。中世纪人往往把美的观念回溯到完美、合比例和华丽。中世纪人追求豪华的口味可谓令今人叹为观止，即使是在现存的一些艺术作品中，也不难发现其中的豪华倾向，从中我们也更好地感受了当时生活中铺张和炫耀的成分，对于理解和认知当时的生活情境起到了很好的作用。
今人能够确认个人自己的生活观，可以在自己挑选的休闲时刻，尽情享受生活的欢乐。但在那个精神享受分布极端不均、许多人难以得到精神享受的时代里，为了焕发新的活力，社会就需要一种群体行为：节庆活动。欢乐和日常的苦难反差越大，节日就越是必不可少，赋予生活华美的手段就越要强大，人们需要美的享受和欢乐，以照亮现实的阴暗面，15世纪是情绪低落的世纪，是彻底的悲观主义的世纪。苦难中的人需要的不只是平日不断重复的天堂幸福的许诺、上帝慈爱的目光，不时，人们还需要用光耀、庄重和社会群体的方式肯定生活的美好。生活必须要借助美丽而变得崇高，必须要在生活欢乐的社会表达中得到固定的程式。而艺术作为平常即使接触的内容更受到人们的欢迎。
参考文献：
[1]约翰·郝伊津哈著，何道宽译.中世纪的秋天：14世纪和15世纪法国与荷兰的生活、思想与艺术[M].桂林：广西师范大学出版社，2008.
[2]刘纪.“美是生活”与日常生活中的美——读车尔尼雪夫斯基的《艺术与现实的审美关系有感》[J].文教资料，2010，(33).
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艺术与生活的论文篇3 舞蹈改革中的艺术与生活 舞蹈是精神文化范畴的艺术概念下的一个艺术门类,因而,舞蹈从宏观上存在的根本意义和价值,包括它的表现目的和要求,必然在于显现人类生存的样式和自我完善的方式。但是,由于舞蹈天然的借助于身体表现和表达着人类的情感,它也必然会趋向于消费、休闲的一种代称,而沦丧了自己本应拥有的高尚本质,消解了舞蹈对社会、对人生的关注。舞蹈借助于身体的特性,让许多人在论述艺术的时候,总是对舞蹈避而不谈以求高洁。 一舞蹈对于艺术本真的回归 舞蹈史上最长久最轰轰烈烈的变革当数 现代舞 ,但是,有许多人对于现代舞是嗤之以鼻的。而我却十分同意现代舞的最高宗旨便是标新立异和严肃探索。现代舞蹈是对于传统的极度反叛和背离,但是我认为它回归了人体的本质。毕竟,类似于舞蹈、绘画、音乐等等艺术作为一种形式,一种符号,它们主要是在生命过程中产生的,但由于它们的独特性,它们并不具有生命的永不停歇的节奏、升与沉、永恒的新生、不断分化和重生统一。这些形式是富有模仿性的生命的安身之所,因为,归根结底生命没有任何余地可留。框架一旦获得了自己固定的同一性、逻辑性和合法性,这个新的严密组织就不可避免地使它们同创造它们并使之获得独立的精神动力保持一定的距离。 其实,只有艺术上不断变革才能保持艺术的不断创新和发展的活力。当然,人是社会性的存在,过于个人化是会遭到批判的,但是人们也总是逃不掉要追求自由的冲动和命运,这就是越来越多的人担忧的文化危机产生的原因。毕竟生命只能通过形式来表现自己和实现它的自由;然而形式又必然妨碍着生命的发展并阻止它的自由。也正因此艺术得到了不断的发展,人有了不断的追求。在我个人看来,借助于身体作为媒介的舞蹈,在追求身体获得自由、获得话语权力的同时,切记它的发展是以能够产生交流为基础的,否则它的生命力将是短暂的。 在现代社会,每个人都有意识地发展自己的价值系统。现代舞在工业化、都市化、全球化的现代化进程中发展、变革。这个时代是个多元化的时代,因而现代舞的阵线、表现内容和价值选择是相当广阔的。最为典型的有早期的关于马克思的“异化的人”的观点的认同,现代舞中的许多身体向上、扭曲、抗争的动作都是对于现实带给人们的异化和变形的表现。接着是对于弗洛依德的“精神分析”观点的认同。再有就是对于尼采的“毁灭偶像”的观点的认同和对萨特的对于自由选择自己希望成为的存在的观点的认同,以至于人们在欣赏现代舞时没有太多的规律可循。 随着现代舞越来越向哲学领域靠拢,也越来越具有强烈的个人意识,看似是对舞蹈本质的一种疏离,实则我认为是舞蹈艺术越来越回归本真的趋向。舞蹈的价值追求趋向于个人化正是对于舞蹈产生的追溯。舞蹈是在“情动于中,而形于言,言之不足,故嗟叹之,嗟叹之不足,故咏歌之;咏歌之不足,不知手之舞之,足之蹈之也”中产生的。它就是比较个人化的反映,以至于现代的许多舞蹈艺术家们的舞蹈并不会刻意苛求他人能理解,他们舞蹈的目的只在于能够宣泄出自己的内心情感,从而引发一些人的思索。因而也有人说现代的艺术主要有两种较为主要的倾向,即“英雄”情结和“自恋”倾向。 二舞蹈对于生活的认同与融合 现在的舞蹈一如其他艺术一样,不再像芭蕾时期的舞蹈那样站在一个不可亲近的位置让人望而却步,而是越发的切近于生活、切近于普通的人。究其原因主要在于艺术的趋近生活,以至于现代的艺术成为了一种行为和参与的艺术,于是艺术作品也就不再是一种静观的对象,而像是一种公众的游戏,像是人们的一种行为。从舞蹈到音乐甚至我们的文学艺术都趋向于这一特征,人们从对艺术的静观走向了对艺术的琢磨和体验。 可以说,在这样的转变中,审美距离似乎渐渐显得不明确了。当然,艺术的接近生活来源艺术家对于人们生活的切近,他们不再像是一个全知全能的“神”,而就像一个存在于世界的平常人。他们有着与平常人一样的困惑和对困惑的无所适从。于是就将这些一如平常人的感受和体会表现在自己的作品中,希求的是理解、体悟、共鸣和更深层的思索。于是,艺术创作也不再显露一种神秘感,而是置身于生活中。 因而,现代的艺术也呈现出了更为广阔的空间和内容。近年来在健身房和舞台上逐渐热闹起来并被誉为“是唯一让人带着笑容进行训练的运动”的“ 街舞 ”,最早就是来自于美国黑人在街头的即兴舞蹈动作,因其轻松随意、自由个性和反叛精神而备受年轻人的喜爱。同时,现代的舞蹈及各门艺术由于创作元素和表现手法的变革,他们越来越与商业拉近关系,带上了极强的商业操作性质,遵循着市场交换的逻辑而发展。前面提到的杨丽萍的《云南映象》就是商业化的成品,但是这并不意味着艺术就是生活的同格,我坚信艺术必然是高于生活的。只是在越来越商业化的社会,人们在金钱的追求中并不会完全丧失自身欣赏美、崇尚美的心灵。另一方面,艺术自然地贴近于生活,也并不是说艺术接近于终结。 高高在上的艺术,呈现的结果只是一种虚幻的追求,一般人没有权力也没有能力得到这种艺术的陶冶。艺术切近于生活说明了艺术的自觉回归,只有更多的人接受才会不断地发展并演化,产生更多的选择,提高鉴赏能力。 艺术与生活的论文篇4 试谈书法艺术与生活辨思 艺术“源于生活高于生活”，这在中国可以说是人人耳熟能详的一句话，毛泽东主席《在延安文艺座谈会上的讲话》对此进行了重点论述。就书法艺术而言，如何理解“源于生活高于生活”，辩证的认识书法艺术与生活的关系，对书法学习来说，具有重要的意义。 一.“源于生活”――书法艺术在生活中产生并随着社会生活的发展而发展 卢卡契在《审美特性》中指出：“人们的日常态度是每个人活动的起点，也是每个人活动的终点。这就是说，如果把日常生活看作是一条长河，那么由这条长河中分流出了科学和艺术这样两种对现实更高的感受形式和再现形式。”一切意识形态活动都是对客观生活的反映，同样，日常生活也是书法艺术的母体。 其一，书法是书写的艺术，书法艺术的载体是汉字，而汉字则是依据生活创造的。在文字产生之前，人们记事的方式是结绳记事和契刻记事。由于结绳记事和契刻记事的不足，人们用线条和笔划勾画出所要表达的对象，于是产生了绘画的的方法帮助记忆，表达思想。随着时间的推移，文字逐渐从图画中分离出来，成为了文字符号，诞生了最早的文字――象形字，在汉字的演变中又产生了会意字和形声字。 其二，书法艺术中书体的变化，也是随着社会生活的发展而发展的。有据可查最早的文字是刻在龟甲和兽骨上的，也就是甲骨文，约产生于殷商后期。由于青铜器的产生，商代后期和西周时期，人们把汉字刻在青铜器上，形成了金文，亦称为钟鼎文，西周后期，逐渐演变成为大篆。 秦朝统一六国后，由于大篆字体繁复，书写不方便，影响了在生活中的使用，丞相李斯对大篆去繁就简，形成了小篆。而隶书的产生，既有社会因素，又有文化背景原因，然而重要的应该是秦汉时期人们所使用的书写材料和当时人们的生活环境，和生活习惯对文字形态、书写方式的影响，以及竹简的大量使用则是隶书产生的直接原因。随后，在隶书的基础上又形成了楷书。行书在两晋时的盛行，则是玄学在士人中影响的结果。狂草是唐人直抒胸臆的产物。宋体更是活体印刷术产生后形成的书体。书体的变化深深地印刻着中国社会变迁的烙印。 其三，书法批评中，对书法美的评价往往用现实生活的事物比拟。中国 传统文化 讲求“道法自然”，讲求“天人合一”，书法也把这些作为追求的目标。表现在书法批评理论上，则常常用自然界和生活中的事物品评书法。如虞世南《笔髓论?释真》中说：“拂掠轻重，若浮云蔽于晴天;波撇勾截，若微风摇于碧海。”再如对褚遂良书法，刘熙载《艺概?书概》说：“褚其如鹤游鸿戏乎?”形象地表述了书法的曲线美。又如怀素所说“其痛快处如惊蛇入草”， 草书 的抒情美直跃其上。以上种种，无不说明中国书法与自然、生活的紧密联系。 二.“高于生活”――对美的追求使书法从书写上升为艺术 鲁迅曾指出：“尝闻艺术由来，在于致用。”艺术与其他 社会实践 活动的根本区别在于艺术的审美特性，即艺术作品所具有的美学品质和审美价值，使人得到一种精神上的愉悦享受。中国书法亦是如此。虽然我们无法揣测先贤们的书写心理，但我们可以想象：“爱美之心，人皆有之”，先贤亦不例外，他们在书写中将自己的审美理想融入其中，使书法不再仅仅是一种实用工具，而是以情动人，以美感人。正是在对美的追求中，书法从书写中升华成为了艺术，同时书法艺术也最鲜明地体现了中国文化的审美。 书法之美，在于形式美。草书和行书或敏捷、或轻盈、或矫健，楷书、隶书在安定稳重里流露出飞动流美，篆书分行布白齐整圆润、用笔流畅飞扬，它们显示着各自独特的造型美。书法作品中，字型笔画自由多样，线条或曲或直回环运动，笔法墨法相兼相润，传达出各种姿态和气势，产生了一种变化无穷的艺术效果。书法家人格的蕴藉和社会环境，更使点画笔墨形成一种风格即用笔之力、运笔之势，从而反映出生命的运动美。唐代书法家孙过庭在《书谱》中说“观夫悬针垂露之异，奔雷坠石之奇，鸿飞兽骇之资，鸾舞蛇惊之态，绝岸颓峰之势，临危据槁之形;或重若崩云，或轻如蝉翼;导之则泉注，顿之则山安;纤纤乎似初月之出天涯，落落乎犹众星之列河汉。”这段话形象地表述了通过用笔、运笔，产生的不同书法造型，表现出的不同的书法美的形式。 书法之美，在于气韵美。气韵是中国书法艺术中的一个重要命题，气韵是否生动是评价一副作品好坏的重要标准。南齐书法家王僧虔认为：“书之妙道，神彩为上”。张怀??《书断》也说：“文则数言乃成其意，书则一字已见其心”。气韵并不缥缈，它依附于墨法、笔法、章法等技法中。线条、笔画作为笔法的基本构成，是笔墨的有形堆砌和形态不同的字体特点，给人的视觉以形式美的体验。比如隶书的蚕头燕尾以及起伏的横画，通过弧和圆给人优雅、拙厚、神气内敛之感。卫夫人在书论《笔阵图》说：“横，如千里阵云，隐隐然其实有形;点，如高峰坠石，磕磕然石如崩也;撇，陆断犀牛，弯钩，百钧弩发;竖，万岁枯藤;横弯钩，崩浪雷奔;横折钩，劲弩筋节“。 书法创造中，线条的变化与空间的构造，表现出书法家宽泛的情感境界，书法家将个人生命情调和内在气质带入笔墨，使之成为人格与精神的生动写照。“喜怒哀乐，各有分数。喜则气和而字舒，怒则气粗而字险，哀则气郁而字敛，乐则气平而字丽。情有轻重，则字之敛舒险丽亦有深浅，变化无穷”。这种情感化的笔墨线条，与鉴赏者之间产生的情感效应，唤起彼此的审美体验，使之得到审美的享受以及美的陶冶、。宋人韩拙在《论用笔墨格法气韵之病》中曾说：“凡用笔先求气韵，次求体要，然后精思。若形势未备，便用巧密精思，必失其气韵也”。 书法之美，在于意境美。意境是中国传统美学的核心范畴，是东方艺术精神的内在意蕴。在有形的线条中荡漾着味外之旨，通过点线的组合变化，使作品超越形式，上升到无限的境界之中，这便是书法的意境。岳飞在出征途中，夜宿武侯祠，读《出师表》，有感于诸葛亮“鞠躬尽瘁，死而后已”的精神，联系自身实际，“挥涕走笔”，以“稍舒胸中抑郁”，字里行间激荡着英雄豪气，充满着忠贞义烈的真挚情感，铸就了撼人心魄的艺术境界，产生了强烈的艺术感染力。书法艺术“无色而具绘画的灿烂，无声而有音乐的和谐“，便是源于意境的构创。 蔡邕《笔论》中说：“欲书，先散怀抱，任情恣性，然后书之。”刘熙载《艺概?书概》中说：“写字者，写志也。”意境深远的书法作品，必定体现出书法家特定的审美理想。“中国古代的书家要想使‘字’也表现生命，成为反映生命的艺术，就须用他所具有的方法和工具在字里表现出一个生命体的骨、筋、肉、血的感觉来”。 唐人颜真卿在精神上追求“肃然巍然”之境，体现在他的书法上端庄宽舒、刚健雄强，令人感觉正气凛然、酣畅淋漓。清人郑板桥天性自然，其书真率活泼，运笔出之自然，有形的字迹飞动中创造了一种美的神韵，使书法艺术超越有限形质而进入无限境界。“一点一画，意态纵横，偃亚中间，绰有余裕”。这种创意之美，是中国书法艺术的审美意向，也是书法艺术的灵魂。 三.“应用社会“――在生活中学习书法，用书法艺术教化生活 毛泽东在延安文艺座谈会上指出：“人民生活中本来存在着文学艺术原料的矿藏，这是自然形态的东西，是粗糙的东西，但也是最生动、最丰富、最基本的东西;在这点上说，它们使一切文学艺术相形见绌，它们是一切文学艺术的取之不尽、用之不竭的唯一的源泉。”宋代诗人杨万里“闭门觅句非诗法，只是征行自有诗”，陆游“纸上得来终觉浅，绝知此事要恭行”等诗句，也说明艺术要从自然生活中获取力量和灵感。 书法艺术更是如此。唐人张旭偶然看见江岛地平沙润，不由得兴致大发，用锥尖在沙面上面写起字来，发现笔划沉稳净润，由此大悟，创造了“锥画沙”的笔法;唐人颜真卿看到 雨水 从屋檐流下，墙壁染上了斑斑渗痕，因而领悟到行笔应为“屋漏痕”的转折自如;晋人王羲之看到白鹅游荡而悟得了意境，唐人怀素观赏夏季云的变幻，悟得了云的变化和气势，北宋人黄庭坚见长年荡浆而变化结体。所以说“读万卷书，行万里路”，闭门学书只能成为书匠，只有不断从生活中获得滋养，获得感悟，才能真正领悟美的内涵。 书法艺术毕竟是对日常生活中的美的升华，存精去芜，它的美是高于生活的，以艺术的美引导生活，则艺术的教化作用昭然若揭。一幅隶书“宁静致远，淡泊明心”，可供欣赏，更是对人处世待物的警醒;一幅行草“有志者事竟成，破釜沉舟，百二秦关终属楚;苦心人，天不负，卧薪尝胆，三千越甲可吞吴”，铁钩银划般的笔迹赋予奋进中的人们多少豪迈;一幅 魏碑书法 “身无半亩心忧天下，读书万卷神交古人”，可谓忠厚之人的座右铭;鲁迅诗句“横眉冷对千夫指，俯首甘为孺子牛”， 刚柔相济，铿锵有力，人们在欣赏它的同时，也得到了精神的感染，陶冶了思想情操，提高了思想境界，深化了审美感受。凡此种种，枚不胜举。当前多元文化的交汇与碰撞，令人眼花缭乱， 理想与现实的分离， 导致相当一部分人出现了非理性的“信仰危机”。以书法艺术引导人们正确的人生价值观和健康的审美情趣，应如明代杜琼所言“启人之高致，发人之浩气”，有利于社会的和谐和发展。 四.结语 思想的多元化，对书法艺术领域也带来了深刻的影响，书法艺术的认识和发展也呈现出多种声音和不同的理念。重温并辨思艺术“源于生活、高于生活”这一论断，当此之际，亦有其必要意义，有助于书法艺术的健康发展。 猜你喜欢： 1. 艺术与生活方面的论文 2. 艺术与生活的论文 3. 艺术方面的论文优秀范文 4. 《生活的艺术》读书心得 5. 艺术源于生活文章
艺术在常总是十分高雅而不可及的，其实它可以是一首歌、一次展览、一段经历……有艺术的生活就有欢乐，就有美。生活处处有艺术，当然我们家也不例外。当我小学一年级的暑假时，妈妈带着我来到了一个弦乐培训班，当我还没搞清楚是怎么回事时，一个慈祥的老爷爷递给我一把奇怪的东西，接着一个大哥哥手把手地教我怎么拿，还告诉我这把奇怪的东西叫“二胡”，从此，我的二胡学习生涯便开始了，刚开始还真是十分的“新鲜”那时候，只知道新奇，根本不知道学习弦乐的艰辛，每天一放学回家就拿起二胡，拉着弓，内外弦地拉换，觉得很有趣，可学了一段时间，新鲜瘾过了，我便尝到了学二胡的“艰辛”先是找音很困难，因为二胡没有像笛子、古筝那样有个固定的音准，所以只能靠耳朵来找音调，在音准问题上是需要学者下许多工夫。接着，我天生就是个慢性子，对快弓的掌握十分吃力，一练几个小时还得不到什么见效。为此，我常常是边哭边学，再加上小孩子贪玩，可练二胡常常是好几个小时，练完了还得做作业，哪还有什么时间玩。那时，我对二胡还真是厌倦至极，还想过放弃，可每次还是坚持下来了。练了几年，上了轨，也就不用那么辛苦了，其实练二胡也是有技巧的，我也终于感受到了音乐、艺术带给我的“乐趣”随着学习二胡等级的升高，曲子也越来越有难度。可是，我却不再像以前那样厌倦，而是从中寻找乐趣。其实有没有学会固然重要，但过程，克服困难的过程更重要。当我开心时，我用音乐表达我的欢乐，当我悲伤时，我也用音乐来发泻、表达，将我的感情融入二胡，这也许是最好的表达方式吧!学二胡，真的令我“受益匪浅”学二胡，不仅仅让我有了这一技之长，更重要的，是使我收获了克服困难的毅力与良好的心理状态。至今，我已经逐步学会如何良好把握和调解心理，使钉在面临重大事件前不会惊慌失措、紧张而导致没能发挥自己应有的水平。不仅这样，学一门乐器，还使我的乐感有了提高，陶冶情操。丰富了我的课余生活，使我的生活中也飘满了艺术的芳香。有了艺术，生活才有美，有了生活，也才有艺术。生活处处都是艺术，不需要刻意发现。自然产生美，自然才有艺术。