我的回答没那么多费话你在百度搜索打上四个字母IMDB``一定能照到你电影类毕业论文合适的东西``
有关电影的论文很少在网上公开. 以前我为电影双周刊找资料时也用过很多时间去找.都没找到. 尤其是有关电影和文学的更难. 建议你去北影,上影,传媒大学的bbs 问一下.可能有前辈愿意和你分享. 另外你所提出想研究的论题. 个人经验的原因我也很有兴趣.我也是中文毕业.也在做电影. 几年前我产生过想去ucla 读电影时就在想这问题.但后来发现读中文的在国外的电影系统里没什麼价值. 如果在华语地区. 以香港浸会大学影视传理比较成功.内地的影视学府仍走俄国电影系统为中心思想. 就比较难和未来的商业化影视系统接轨.如果说文学和电影的研究命题. 给你一个不错的思路.就是中国古典文学的电影改编作品的相对比. 尤其像三国 水浒.未来几年都是改编高峰期.你可以把有关三国和水浒的电影作品都做为研究参考资料. 从作品的年份.制作方. 人物造型. 故事线取材. 效益等等. 去做研究路线. 既有意义. 也很时髦. 希望能帮到你
一电影理论发展概况 80年代总结观点：经典和现代理论（20年代～75年左右）； 经典：传统美学来表述电影，作品与社会背景分离。研究的主题都是——电影是艺术？电影与其它艺术的关系； 现代：符号学、精神分析学、马克思主义等的混合；研究的主题都是——电影是不是语言？观众和影像的关系是什么； ※ 邵牧君的概括： 1、 30年代以前称为早期电影理论； 2、 30年代～二战前； 3、 二战后～60年代前； 4、 60年以后； （其实就是60年以前是经典，60年以后是现代） ※ 96年 鲍德威尔和卡罗尔提出把现代理论分为两种：（见《后理论——重建电影研究》） 1、 60年～70年 主体位置理论；主要内容是结构主义、精神分析、符号学、女性主义、意识形态批评； 2、 80年～至今 文化主义理论；主要内容是法兰克福文化主义、后现代主义、文化研究等； 以上两种理论共称为宏大理论（Grand Theory）。他们认为真正的电影理论研究只开始了30年，即从60年到90年。 80年以后，他们又开始了一种“中间层面的研究”（middle level），反对宏大理论。即在主体位置理论和文化主义理论崛起时，另一种中间层面理论出现，坚持既要对理论从经验出发的研究，又不排除理论性。 ※ 结论： 1、 60年前，是小（低）理论，经验性强； 2、 60年～70年，宏大理论； 3、 80年～至今 中理论； 形成多姿多彩的别具一格的电影研究，如叙事电影研究、文体电影研究、文类电影研究、民族电影研究、后殖民电影等研究等。 二、 经典电影理论 在一战前后，对电影的艺术地位、特征、规律的研究； 著作： 1、 1911年，卡努杜《第七艺术宣言》 第一次论证了电影作为艺术，是在时空之间填补鸿沟的艺术；《第七艺术美学》“光与影的交响乐”。 2、 1915年，美国的林赛《活动画面的艺术》，他把“活动画面”看作电影的根本特征。 3、 1916年，美国的雨果·明斯特贝格《电影：一次心理学研究》探讨了电影手段的心理根源、艺术特征、美学特征。 概念： 1、“上镜头性”—— 是20年代法国流行的时髦词眼儿，卡努杜创造，先锋派重要用语。1920年，路易·德吕克在《上镜头性》一文中探讨电影的艺术特征，阐述其涵义：指适宜于用电影这一新表现手段所独有的方法来表现人或物的诗意状态； 视觉表现：布景、照明、节奏、化妆；通过照相来表现神采——上镜头性，通过上面四个手段。是早期电影特征概念。 2、 早期蒙太奇—— 爱森斯坦指出：电影与舞台不同，电影导演更主观，能选择不同时空的重点现实片段。 电影选择和组合这些片段，集中表现剧情。 把现实压缩具有特征的东西，展现经过压缩、重整、剪裁的电影的时空。 3、 爱森斯坦（1898～1948）和普多夫金在早期的不同—— 爱森斯坦讲究冲突，如“杂耍”、“理性蒙太奇”等手法；普多夫金强调连接作用。 爱森斯坦认为冲突是蒙太奇的特性，冲突后产生新的表象和概念。普多夫金强调连贯性，他认为蒙太奇意味着多个镜头组成一个场面，多个场面组成一个段落，多个段落组成一个部分，一个个片段间具有显而易见的联系。人们不觉得中断和跳跃，得到一种无意的刺激。 爱森斯坦在晚期对蒙太奇有新的理解： 他认为蒙太奇应该表达一种连贯的、有条理的主题、情节、动作、行为，以及一种最大限度赋予感情的叙述。研究涉及到了声画蒙太奇和色彩的问题。 4、 库里肖夫效应—— 为控制蒙太奇表现力所做的试验。 5、 杂耍蒙太奇—— 爱森斯坦在1923年，从戏剧创作中总结的一个原则，“杂耍”构成一场演出独立的原始因素，是戏剧效果和任何戏剧的分子单位。杂耍和噱头没有任何共同之处，杂耍更注重表现主题和思想。 ～ 是把一切因素汇到一起传达和表现思想的一种感染手段。不合乎剧情发展，甚至脱离剧情发展，实际是有内在联系的。 自由剪辑一起造成有目的的主题效果。产生奇迹性、超越叙事，展现真正要表达的主题。 6、 理性电影—— 爱森斯坦在20年代后期提出的概念。他认为电影的艺术目的不仅在于形象表现之实，还要能表现概念，增加电影手段表现力，增加认识现实手段可能性。但在具体的创作中，这种想法与创作过于超前，结果不能成功，受到理论家的否定。 如匈牙利批评家巴拉兹指出这种“电影艺术征服纯观念”的想法是行不通的。 爱森斯坦在这种思想指导下的代表作是1927年的《十月》和1929年的《总路线》（《新与旧》）。 爱森斯坦试图用蒙太奇表达从视觉形象达到理性认识的过程，他曾在30年在一所大学讲课时提出要把《资本论》拍成电影的想法，来实现他想象的又一步骤。 他认为理性电影是克服逻辑语言与形象活动不协调的唯一手段。在电影辨证法基础上，理性电影不是故事的、轶闻的电影，而是概念的电影，是思想体系、概念体系的直觉体现。 7、 电影眼睛派—— 由苏联记录片导演维尔托夫提出。 在1922年，列宁发表了《所有艺术中，电影对我们最重要》《反映苏联现实，必须从新闻电影开始》的文章，维尔托夫响应创办了《电影真理报》杂志片。 他的主要观点：要出其不意的抓取生活，不让被拍者知道，运用蒙太奇技巧，将这些抓取的素材在意识形态上从新组接。 他于1924年的《电影——眼睛》中应用这一理论。 他认为摄影机是比人眼更完美、可靠的电影眼睛，反对剧本、演员、照明、布景、化妆等一切手段。 “电影眼睛”是电影中一种运动，画下来而不用演技，直面生活和真实，用偷拍记录各个生活事件，在现实中发掘戏剧性。 维尔托夫注重剪辑，他认为电影是解释客观世界的工具。 8、《电影作为艺术》爱因汉姆—— 此书分别在1932、1957年分两部分完成。书中观点是技术主义倾向，或画面至上主义。 爱因汉姆认为电影在技术上的局限性是电影作为艺术的根源，这与他研究的格式塔心理学背景有关。（《艺术与视知觉》） 格式塔：视觉过程不是机械的摄录外在世界，而是用简单、规则、平衡等原则创造的组织感官材料。 电影不能完美再现现实的特性，成为它作为艺术的必要手段。 爱因汉姆认为电影的局限性包括： ⑴ 立体在平面上的投影； ⑵ 深度感减弱； ⑶ 照明与无色； ⑷ 画面界限与物体的距离； ⑸ 时空连续性不存在； ⑹ 没有声音，视觉以外其它感觉失去作用。 9、《电影美学》巴拉兹—— 1945年出德语版，也称《电影理论：新艺术特性与成长》，是《可见的人：电影文化》（24年出版）和《电影精神》（30年出版）两本书的合集。 1952年出英文版。 书中分析电影和戏剧在形式表现原则上的差别，分析电影艺术特征。 他认为戏剧表现原则： ⑴ 看到整个演出剧场； ⑵ 观众视距不发生变化； ⑶ 观众的视角不发生变化； 电影表现原则： ⑴ 被拍场景可被分割； ⑵ 被记录场景视距可变； ⑶ 观众视角纵深可变，观众与银幕的想象距离是可改变的。 他认为上面电影的表现原则是电影艺术的革命性创新。 10、摄影机自来水笔—— 由法国的阿斯特里克在1948年文章《新先锋派的诞生——摄影笔》中提出。 他认为电影迅速成为一种思想表达工具，保存时代形象的好方法，电影渐渐成为一种语言。艺术家掌握了这种语言后，表达自己的思想、抽象的概念就像写随笔、小说一样流畅自然。 让摄影机像笔一样自由可以表达自己个人思想，现代电影已成为一种同书面语言一样精细的思想表达方法。为50年代法国《电影手册》电影作者论提供了理论基础。 11、电影作者论—— 特吕弗等人提出，认为不是所有导演都能称为“作者”。具备电影作者论资格所拍的电影才是“作者电影”。 法国新浪潮主要人物：特吕弗、戈达尔、夏布洛尔。 作者政策要求电影像小说、音乐、绘画一样是一个人的作品，电影作家的作品——即导演个人的作品。 此理论产生广泛的影响。其作者资格条件如下： ⑴ 在一批影片中体现出导演个性和个人风格特征，把个人的东西带入题材，导演不是一个执行者。 ⑵ 影片应具有某种内在涵义，是后天形成而非先前存在的。 ⑶ 电影作者是对电影制作全面控制的人，无导演、编剧的区分。 戈达尔、特吕弗、安东尼奥尼、费里尼、希区柯克等人是电影作者代表人物。 此理论确定美国一批导演的作者地位，其电影为作者电影。 作者论的实质：强调电影导演是主要创作人和最终定稿人。判定依据是导演对作品的控制。 作者电影与类型电影相对，也称艺术片。 12、巴赞、克拉考尔的写实主义和物象至上主义—— （与爱因汉姆的技术主义、画面至上相反） ※ 巴赞理论： 巴赞的长镜头理论，是美国理论界对巴赞观点的非严格的概括（主要指巴赞对景深镜头的赞赏）。 ＃ 长镜头： 单个镜头达到一定长度，也叫单长镜头。包括变焦、景深长镜头。 长镜头理论与蒙太奇理论是相对的理论。长镜头理论强调单个镜头内部的表现力（连接表现力），运动、景深、变焦。 ＃ 蒙太奇禁用原则（属巴赞的影像本体论）： 若一个事件主要内容要求两个和多个动作元素同时存在，蒙太奇被禁用。否则，蒙太奇远非电影的本性，而是对其的否定。 ＃ 长镜头的本体论立场（客观的）、美学立场（倾向性）提出此理论的社会背景是因为： ⑴ 电影在技术上的一系列发展，胶片、镜头的改变，提高了单个镜头的内容质量和容量； ⑵ 移动摄影更加灵巧多变，大大丰富了单个镜头的镜头内变化。 长镜头理论贡献：开掘了一种新的审美表现手段，提高了人们对电影镜头内部空间的复杂构成的自觉性。 ＃ 影像本体论： 由巴赞在1945年《摄影影像本体论》中提出。 他提出影像基本特征： 由机械作用产生的摄影影像与客观中的被摄物等同。摄影影像独特性在于其本质上的客观性，它产生了被摄物体的本体，它就是被摄物的原形。 理论根据： ⑴ 摄影有不让人介入的特权； ⑵ 人具有用逼真模拟物代替外部世界的愿望，即排除人在外，单靠机械再现原物的需要。 影像具有令人信服的力量。 ＃ 木乃伊情节： 巴赞提出，借助精神分析，分析电影起源的尝试，雕刻、绘画艺术的起源，人具有永久保存自己躯体的冲动。最早的雕像是木乃伊，雕刻、绘画成了后来的替代品。同样起源于上面的冲动和愿望。用形式的永恒克服岁月的流逝的原始需求，但雕刻、绘画不能满足人的愿望。 摄影真正满足人们再现原物的需要。“摄影是对事件涂上香料，是自然造物的补充，而不是替代”。 影像的产生第一次映现了事物时间的延续——可变的木乃伊。 ＃ 完整电影： 巴赞表达电影起源用语。 根本原因是心理的需要，称为“完整电影的神话”。再现一个声音色彩立体感等外部世界的幻景。 ※ 克拉考尔理论： ＃ 《电影的本性——物质现实的复原》 1960年出版 美学是一种实体的美，不是形式的美。克拉考尔阐述了“电影化的”这一概念。 电影，就其本性来说是照相的一次外延，它跟周围的世界有明显的近亲性。影片记录和揭示物质现实的时候，才是名副其实的影片。 近亲性： ⑴ 电影对于未经扮演的事物有一种近亲性。扮演能引起现实幻觉就是合理的。如果违反电影特性，任何扮演都是非电影化的。 ⑵ 喜欢偶然的事物（意外：相对于必然）。美国无声戏剧中，意外的事件代替了命运，强大的决定性的力量出现。一切不是注定而是恰好碰上。 ⑶ 喜欢再现外部世界的连续性（与巴赞相似）进入摄影机视野内一切都拍下来，无穷尽程度。要求我们承认这是我们生活的世界的一部分。 ⑷ 偏爱含义模糊的事物。自然界现象多含义，这与无限心理和精神上的无限性相对应。银幕倾向反映这些含义模糊的东西，含义不能太确定。 ⑸ 生活流。指具体情境和世界，是指物质现象而非精神现象。经常提到街道，因为在街道上生活的原生形态经常出现、不是扮演，是偶然事件荟萃之所，任何断面都是不完整的。 ＃ 电影不适合表现悲剧 这是克拉考尔对电影艺术特性的理解，是他基本观点的引申，指出悲剧是“非电影化的”。 他认为悲剧主题与舞台故事具有天然的近亲性： ⑴ 悲剧主题必然要求一个有目的的、整体的故事形式来展现，与电影特性相违背。 ⑵ 悲剧只关心人物之间的相互影响，无生命物体只能是道具，对发展戏剧起支撑、调节作用。 ⑶ 悲剧要求对外部的东西进行安排，舞台剧的环境反映心境，舞台剧一定要有暴风雨。 ⑷ 悲剧要求有限、次序井然的世界。电影是以广阔世界为中心的艺术，电影中没有宇宙，只有一片土地、天空、街道。总之是广袤的物质，死亡的结局与这物质现实的广袤无相同点。 在悲剧世界中，命运排斥意外、偶然。 ⑸ 悲剧性内容在物质世界总无所表现。因为悲剧内容是纯精神世界。 悲剧可以出现在电影中，但电影的悲剧就不完全是电影化的了。 ※ 克拉考尔与巴赞理论观点异同 相同点：都强调电影对现实的记录功能； 不同点： ⑴ 身份不同。克拉考尔是理论家身份，巴赞是批评家身份。 ⑵ 体系不同。克拉考尔是演绎体系（理论化的），巴赞是批评体系、史学体系。 ⑶ 影响不同。克拉考尔对电影实践无多大影响，巴赞对电影实践产生重大世界性影响。 ⑷ 出发点不同。克拉考尔出发点单一（理论），巴赞出发点较复杂（精神分析、木乃伊等）。 ⑸ 克拉考尔缺乏历史意识，巴赞有强烈的历史意识。 13、《电影美学和心理学》米特里—— 分两卷，分别在53年和65年出版，是经典电影理论的总结和集大成之作。 米特里在经典理论的两大流派——蒙太奇学派和长镜头学派——中取中间立场。关于对电影的表述、立场表现在三种模式：电影是画框（爱因汉姆）、窗户（巴赞）、镜子（克拉考尔）。 米特里被称作电影中的黑格尔，他的理论被称为经典电影理论的终结。 克拉考尔、巴赞对电影表现现实手段的肯定，但忽略了虚构。 麦茨在《想象的能指》中，不排斥复制现实，构造复制现实假象的能力。 14、《电影理论的两种类型》【美】汉德逊—— 经典理论研究材料丰富、系统完整，但电影材料缺乏、不充分、不完整。主要电影理论有两大类： 爱森斯坦和爱因汉姆一类，研究电影局部和整体的关系的理论；代表是爱森斯坦和普多夫金。 克拉考尔和巴赞一类：研究电影与真实的关系的理论。代表是巴赞和克拉考尔。 代表人物四人中最有影响的是爱森斯坦和巴赞。 书中评价这两种理论共同的局限：只是对电影形式的研究，极限是段落，缺乏整体，整部影片是不存在的。 只有麦茨是以电影整体为研究对象，从句法到话语的进步。 电影文学是一个多层次的复合概念。其艺术学的概念内涵，指在电影发展过程中发展起来的与戏剧文学等传统文学类型并列的一种新兴文学类型。在电影艺术的发展道路上，作为综合艺术的电影在汲取诸种艺术养料丰富自身综合特质方面，获得与文学的密切融合关系。文学各种样式对电影的渗透，电影对文学的叙事手法、抒情手法和塑造人物性格的丰富艺术手段的借鉴，使电影艺术在增强自身的表现能力，形成新的综合艺术特质方面，发挥作用。电影文学作为电影的文学基础构成，是以电影的独特视听思维方式来构思和写作的文学形式，兼有电影和文学的双重属性。电影文学，集中表现为电影的剧作基础，即电影剧本。电影剧本包括文学剧本、分镜头本和台本（工作台本、完成台本）三个部分。电影文学又指电影作品的文学性含义，包括电影剧作的文学价值、电影创作借鉴与融合的文学形式因素、电影剧作的文学个性等等。电影文学，还直接和经常反映在电影对文学作品的改编方面。
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浅谈电影镜头艺术 ——观《TITANIC》有感无论从哪个角度来看，曾荣获第70届奥斯卡十一项大奖，由James Cameron（詹姆斯·卡梅伦）执导的影片《TITANIC》(铁达尼号)都是一部制作精美的优秀巨片。《TITANIC》的成功毫无疑问与拍摄所投入的两亿美金的巨大投资有着重要的关联，然而其精良的制作，却是她最终能够获得如此空前成功的关键所在。在这里，我主要想谈谈我观看此片后，对其拍摄镜头艺术的认识和理解。首先，我们可以看到《TITANIC》这整部影片的叙述方式就与众不同，它并不是一味的平铺直叙，也不是直接采用倒叙、插叙等陈述故事的方式，而是采用了一种更有逻辑性的方法，从而使影片更具吸引力。影片开头以打捞沉船寻找“海洋之心”开始，从打捞出的一幅戴有“海洋之心”的少女写生素描，引出老露丝在心中深藏多年的回忆，从而再通过回忆进行倒叙，展开《TITANIC》中沉船前后的情景。我们通常所看到的电影，多半以开头吸引观众，而《TITANIC》的片头却是如此的平静而祥和，影片在描写打捞工作时，十分的详细，这和后面描写沉船一幕的情景大相径庭，甚至还有点让人看得稍显急躁，可这一段却为后面的铺垫起到了关键的作用，这大大有助于观众了解巨轮沉没的原因、后果、损失程度以及与后面回忆中的“TITANIC号”上的奢华相对比，并从此引出画像，开启影片主题内容，这一点对于长达3小时的影片来说是至关重要的。影片的大体叙述过程是由“打捞出画像——老露丝回忆——回到现实”三大部分组成，然而在回忆部分阶段性的将镜头切换于回忆与现实之间的手段，更有助于影片的进一步延伸与发展。影片在表现拍摄对象时，非常巧妙的同时运用了主、客两大视点，拍摄的场景常常从片中某一人物的视点展开或切换成观众的角度“观察”对象，很自然的由“主观”视点过渡到“客观”视点，疏密安排、巧妙结合。《TITANIC》荣获奥斯卡最佳摄影决不是浪得虚名，影片的最大亮点之一就是其当之无愧的对镜头的掌握和充分利用，各种镜头运动方式的合理运用使整部影片充分体现了其特有的美感和场面气势的宏大。在影片一开始有一小段黑白拍摄情景，采用了缓慢的平移镜头。黑白的“TITANIC”巨轮周边热闹的情景的短暂描述引出了人们对巨轮沉没这一事件的回忆氛围，然后很自然的引出了片名。老露丝从开始回忆她记忆中的“TITANIC”号时，由沉在海底的破旧不堪的船头通过镜头处理向新轮船镜头进行转换，这样的镜头过渡在回忆与现实的转换中被非常细致的运用着，完美的将现实与回忆这两种有着巨大差异的情境过渡表现得极其自然，衔接得非常完美。回忆开始了，在向观众展现“TITANIC”号空前盛事的同时，镜头由一对即将上船的父女的特写拍摄很自然的从在父亲怀中安坐的小女孩向四周观望的眼睛捕捉到从私家车上走下来的贵族少女——女主人翁露丝。接着，由此又将视点转到了女主人翁眼中，又渐渐伴着老露丝回忆的话语将视点转回到观众眼中，这种即自然又流畅的镜头视点切换，在影片一开始就有了典型的表现。影片用对船头侧身和在船头附近渔船的短暂平拍，以及不断的切换镜头，从船的各方面向观众展现“TITANIC”号船身的庞大。当男主人翁杰克与伙伴赢得船票，一路赶着上船时，又采用了跟踪镜头拍摄的手法，将主人翁赢得船票后的喜悦以及对未来的美好憧憬表现得淋漓尽致。这种跟踪镜头的运用在影片后半段也多处得以很好的运用，如描写露丝从船舱一路狂奔向船尾时的情景，强烈地表现出她心中对自己所处生活环境承受的压抑、无助和绝望心态；当男女主人翁画完画后逃离跟踪者时，又将主人翁的紧张感和欢愉真实的显露在观众面前；而露丝回头救被锁住的杰克一幕更是较长时间运用跟踪镜头拍摄，把其救人时的紧张、慌乱、急切以及救回人后通过快漫至全身海水以求向上层逃脱的危急、慌恐，用最真实的摄影手段以最记实的手法给予全面表现；还有主人翁躲避情敌枪杀、最后求生……都运用到了跟踪镜头的拍摄，这不但更真实的表现了影片所想表现的情景，而且还在无形中积极调动了观众的情绪，使观众完全融入影片所营造的氛围之中。在影片中处处可见拍摄者对各种镜头拍摄的完美诠释，哪怕是一个小小的细节。描述杰克第一次见到女主人翁的情景时，以杰克的角度，运用仰拍镜头，在不经意间把两者之间的身份差距拉开，表现出女主角身份的高不可攀。再看描述男女主人翁在船头翱翔一幕，从头至尾仅两分钟的时间，可镜头却从下、上、正、侧、远、近、面部特写等多个角度进行拍摄，灵活运用了镜头的升降以及高空旋转镜头，将主人翁船头“翱翔”的动人画面与美丽的晚霞结合的美伦美奂，把主人翁感受到的“飞翔”的自由和快乐一同摄入了观众的眼帘。在发现冰山后，描写锅炉房中的情景时则采用了移动镜头拍摄，并不断的切换镜头，拍摄各处锅炉工人慌乱忙碌的进行操作，使画面充满了动感和紧迫感，从侧面反映了情况的危急。当描写船开始下沉，影片又采用了高空远景俯拍镜头，在夜幕笼罩下的茫茫大海上，巨大的“TITANIC”号也成了一叶“小舟”，发射的求救信号在空中闪烁，照亮了周围的海面，这只会让观众深切的感受到这艘即将沉没的豪华客轮的孤立无援。船身不断下沉、中段断裂、船尾垂直入海……，在这一系列描述中，拍摄镜头不断切换，各种拍摄角度和手法不停地交替运用，强烈地表现出当时场景的混乱，并参插一部分全景和远景拍摄，将沉船这段时间船上各种各样危机混乱的情景以最全面的各个角度向观众展现出来，使观众的心灵为之深深震撼。沉船后，落水的乘客浮上水面，镜头由近景拉出远景拍摄，水面上密密麻麻的人头攒动，水花四溅，让观众们能够强烈的感受到伤亡之惨重，无数生命的垂死挣扎为这一悲剧加上了浓重的一笔。——《TITANIC》荣获奥斯卡最佳摄影和最佳剪接这两项大奖的真正价值相信所有的观众都能在观赏影片时得到有利的证实。而我在观看本片时，对这两点的感触尤其深刻，此片拍摄的镜头手段应用的十分全面，而且更加难人可贵的是，无论哪种方式的镜头拍摄都不会停留太长的时间，镜头的切换非常频繁，但却又能使整体感觉十分的统一完整，毫无凌乱感，如此精良的制作，真不愧为有史以来获得最多奥斯卡奖项殊荣的优秀影片。其实有关《TITANIC》的拍摄，可谈的地方实在很多，由于篇幅所限，只好仅浮在这表面上谈一谈，就此搁笔。HY/文
摄影是人们记录客观世界的一种方式，随着现代摄影技术的发展，摄影已经深刻地影响了人们的日常生活。下面是我为大家整理的摄影相关论文，供大家参考。
上好摄影课不容易，上好大学生的专业摄影课就更不容易。笔者作为一名兼职教师，在艺术 教育 教学第一线，通过听课、走访、问卷、调研，发现目前我们有相当一部分大学专业课老师在教学中，仍然是“老三篇”：黑板粉笔、照本宣科、缺乏激情。这种讲课从表象看很像写 作文 ，大家都在写，但精彩的篇章不多，多系平铺直叙，;有“标签式”硬贴，“商品式”硬配之嫌。这种讲课说老实话老师是花了苦力，也费了心血的，但大学生们不买账，不喜欢，学生掌握不了应该掌握的知识，素质提不高，教学成效甚微。笔者认为，要教好大学的专业摄影课，授课教师必须讲究授课艺术。要解决这个难题，授课教师必须努力做到三个字：新、情、活。
一、精心备课，内容求“新”
内容求新，一是指对内容的开掘要深，要扩充新内容，向大学生提供足够的信息量。摄影课内容变化较快，特别是数码技术、 网络技术 的出现，对传统摄影的冲击较大，要适应这种变化，摄影课教学必须“与时俱进”。因此，我们不能抱住老教材不放，应该坚持“信息新、数量大、实用性、课题化”的原则来组织教学内容。摄影课只有在有限的时间里给学生提供最大量的最新的和有用的信息，他们听起来才会觉得过瘾。二是指对内容的创新和发展，要掌握其本质，占据制高点，讲到最前沿。在调研中发现，大学生对老师不满意的意见中有一条就是“我们知道的老师反复讲，我们不太懂的老师省略讲，我们不明白的老师又不讲，老师讲过后我们还是不会做”，这就是没有处理好这些问题，当然，有时是老师自己也不太清楚，怎么能讲得清楚呢?
二、细心讲解，表达含“情”
这是研究“怎么讲”的问题。
有了好的、最新的摄影知识内容，如何将它们变成可视、可听、可读、可析的对象，并通过老师的语言将各个知识点让大学生记住并掌握呢?这是另一个困惑老师的地方。笔者认为只有发挥情感的功能，细心讲解，方可解之。情感在讲课中的功能主要有如下四个：一是动力功能，即老师积极的情感能引起大学生的兴奋、激动、愉快的情智体验，使学生们充满活力，积极投身于自己感兴趣的各种课堂活动。
因此，老师上课的每一段话，都要有感情色彩，都要努力从心灵深处自然流露，当然，这首先要求老师热爱学生、热爱教育事业，这样的话，大学生们就会在老师情感的动力驱动下，精神愉悦地学习，并转化为利于教学的行动。二是感染功能，即个人的情感对他人的情感具有施加影响的作用，也就是说老师的情感能感应大学生，使大学生们具有类似的情感，这表现在很多方面，如关怀、照顾、信任为主的温情式感染，以激发比、学、赶、超为主的示范式感染等。老师的关爱和信任会给学生以强烈的感染。三是调节功能，即人的情感对人的思想和行为具有调节作用。
这一点反映在师生关系上特别明显。和谐的师生关系以师生的积极情感为基础，能够激发师生的热情和智慧，唤起师生的责任感和积极性。因此，老师要热爱学生并尊重学生，及时与学生沟通，同时要情随境迁，善解人意，努力营造师生交流的和谐氛围。如给学生一种认真倾听的表情、一个信任鼓励的眼神、一种朋友商量的口吻、一封探讨问题的E-Mail等等，都会取得极好的效果。笔者认为在课堂上，师生要零距离接触，要有伙伴式交流，这有利于张扬学生个性，放飞学生思绪，使学生真正成为课堂的主人、问题的主人、学习的主人。四是迁移功能，即个人对他人的情感会迁移到与他人有关的事物。
当代大学生情感丰富，而且好激动、善迁移，他们的认识活动，常常靠情感的体验，经常因喜欢听老师的某门专业课而喜欢上这个专业，进而献身于这个事业。老师一定要以正面形象吸引和感染学生，教师对摄影艺术的执著和热爱，种种无言的、不求功利回报的关爱，对学生无疑具有强烈的亲和力和凝聚力。“其身正，不令而行;其身不正，虽令不从”。我们老师只有做一个有德有识之士，才能使大学生实现积极的情感迁移，“爱屋及乌”，从而“亲其师而信其道”。
三、用心设问， 方法 要“活”
这是研究“谁来讲”的问题。
一是课堂互动、连环问答。“知识是前提，表达是关键”。
摄影课上用音乐做补充，老师有意识地在师生互动讲课，指导学生课上思考、观察、讨论、写感受时，运用精选的与摄影作品相协调的、与课堂氛围相一致的音乐来“讲课”，定会取得非常好的效果。这一方法能充分调动学生动眼、动耳、动手、动脑、动心，从而实现教学目的。大学生喜欢这种氛围，在这种氛围中，他们更容易接受老师提供的知识。
二是让实践成为学生的又一老师。每节课都留下一个实践项目，精心设计一个创作主题，请同学课后做一下，下一次课时，请同学上台讲一讲实践经历。鼓励每一个同学站起来说话，表达自己的看法，从而引发大学生的学习兴趣和保持学习的注意力。有的教师可能会有这样的困惑：引发了学生的主动性，学习没有结果怎么办?其实，激发了同学的学习兴趣和使其掌握了正确的 学习方法 ，这不就是结果吗?这种没结果的结果倒是最重要的。在经历了一个教育过程之后，无论结果是否达到，实际上这个过程本身就是结果，是无形而珍贵的结果。什么是素质?这个结果就叫素质。在很多情况下，教育的结果还没出现，但过程已经存在，在此过程中，大学生的 思维方式 和学习主动性发生了变化，这个变化就是素质的变化，这理应是我们教育追求的目标。同学回答问题的对与错并不重要，重要的是他敢于发表意见。学生做事有没有结果，这也不重要，他做事的过程已经很重要了。因为在这种过程中，实践在给大学生们“上课”。诚如江汉大学人文学院女生汪洋所言：“与其说摄影课是一门课，还不如说它是一面镜子，让我们学会从生活中、从实践中审视自己，审视自己的生活状态，从中得到人生的启迪和哲理。”
综上所述，高校摄影课教师在授课时，认真做到三个字：新、情、活，细心解决好讲什么、怎么讲、谁来讲的问题，一定会受到大学生们的热烈欢迎，同时也会收到良好的教学效果。
摘 要：在摄影艺术中，摄影构图有着自己独特的形式规律。一幅成功的摄影作品，在进行画面布局的时候是十分讲究的，它既符合人们的生活规律，又符合人们的心理和视觉习惯。只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传达给受众。
关键词：对称与均衡 主次关系 黄金分割 画面空白
一、构图的意义
构图在传统画论中称之为“章法”、“布局”、“经营位置”等。是指根据画面的需要，安排形象，体现作品的整体效果。构图作为摄影的第一步，因其创作手法的特殊性，决定了它的复杂性和丰富性。事实上，任何艺术形式都有其固有的形式规律，只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传达给受众。虽然摄影构图的形式规律不是死的，但了解这些形式规律可以避免一些初级的错误;掌握和运用这些形式规律，对塑造艺术形象、揭示主题思想则是一条捷径。
在设计摄影画面的构图时，最重要的一点就是构图的均衡美。在日常生活中，每个人可能都有过以下的体会：一把椅子倾斜了就会让人产生不稳定的感觉。而大多庄重、尊严的东西又是很对称的，比如古代宫殿门口的石狮子，它是成双存在的，给人以对称的美感。因此，摄影作品的画面均衡，在构图时十分重要。
二、对称和均衡在画面中的运用
对称，象征一种高度整齐的程度。比如蝴蝶，它的形体和翅翼花纹的对称美，一直为人们所欣赏，在摄影作品中对称的画面也时常可见，但大多数摄影作品，在构图中并不追求一半对一半的对称，而是刻意于画面的视觉均衡。
摄影画面布局的均衡，是人们运用视觉和心理上的习惯，对画面内全部可视形象所处的部位，进行稳定与否的一种衡量。在摄影的构图中，绝对的对称会给人一种静止、拘谨、单调的感觉，生活中人们对审美的要求仍然以追求均衡居多。过多的运用对称会使人感到呆板，缺乏活力。而均衡则是为了打破较呆板的局面，它既有“均”的一面，又有灵活的一面。结构的均衡是指画面中各部分的景物要有呼应，有对照，达到平衡和稳定。均衡的范围包括构图中形象的对比：人与人，人与物，大与小，动与静，明与暗，高与低，虚与实等等。
对摄影者来说，布局的均衡是结构理想的结果，因而处理均衡的问题，也就是处理画面结构的问题。作为摄影画面的两大组成部分，主体与陪体是表达思想内容的主要对象和辅助对象。所以在处理画面布局均衡的时候，首先要考虑的就是它们之间的呼应关系，这其中包括两者在情节上、情绪上以及动态、动势方面的呼应关系。
三、构图中的主次关系
根据主题思想要求，选择有价值的景和物，组成摄影画面。在这个画面中最能体现主题的对象，就是主体。而在画面中，那些不是最直接体现主题思想，仅对主体起到一定程度的烘托、陪衬，帮助主体说明主题思想的对象，习惯上称为陪体或周围环境。在摄影画面中要妥当的安排和处理好主次关系，避免出现零乱、主次不分，淹没或失掉主体，而造成没有主题的现象。
在设计画面时要注意主体和陪体的关系，一幅照片如果只有主体而无陪衬，画面就会显得呆板而无变化，但陪体不能喧宾夺主;主体在画面上必须显著突出，要弃繁就简，必要时可改变拍摄位置和角度，或是搬动不必要的东西，以达到画面简洁，突出主体的效果。在照片画面的主次关系上可以掌握以下两点：第一，如果遇到杂乱的背景，可以采取放大光圈的办法，让后面的背景模糊不清，以突出主体。第二，选择适宜的角度进行拍摄，避开杂乱的背景，以使人物的形象突出。
第四、构图中“黄金分割”的运用
初学摄影者最容易犯的错误，就是把最吸引人的景物放在正中间。的确，在正中间的景物是最容易吸引人的注意力的。但是，将吸引人的物体放在正中间，很容易只让人专注在那个物体上，而令画面变得呆板。
既然要避免居中，就要知道所谓的“黄金分割”，也就是“黄金比例”， 将之运用于美术和摄影的构图中往往以5：8的比率来表示。另外，九宫格构图(也称井字构图)，实际上也属于黄金分割的一种形式。就是把画面按水平方向在1/3，2/3位置画两条水平线，按垂直方向在1/3，2/3位置画两条垂直线，然后把主体尽量放在交点的位置上。实际上这几个交点都符合“黄金分割定律”，是最佳的位置，当然还应考虑平衡、对比等因素。这种构图能呈现变化与动感，画面富有活力。这四个点也有不同的视觉感应，上方两点动感就比下方的强，左面又比右面强。在具体的摄影构图中，可将其应用于情节对比、虚实对比、动静对比、大小对比等。
五、处理好画面的空白
摄影构图中的空白，既有因景物本身，如：烟、云、雾、天、水、空隙所制;又有因为光与色的艺术处理所制。实体与空白的相互衬托，形成有规律的起伏节奏，产生一定的的韵律感，是摄影艺术在处理画面构图虚实关系中，广为运用的手段之一。
虚实关系在摄影画面中比较容易看出，也比较容易分辨。但在具体处理的时候，却要注意实体与空白的关系，使画面有变化、不呆板。空白常常可以刻画意境、渲染气氛，在画面中运用得当，会在构图的形式上添加积极的作用。空白还有在视觉上和心理上造成动势的功能，在运动和所注视的方向要留有一定的空白，可以给人们留下伸张的空间，造成一定的方向性，有助于加强运动的空间感。所以才有“大抵实处之妙，皆因虚处而生”之说，足见空白在构图中的重要性。
同绘画一样，摄影也是一种艺术手法，线条的明快以及画面的和谐是关键，好的构图不仅让人感觉主题明确，而且会给人以视觉和心理上的冲击。所以，摄影水平的提高，必须从构图这个环节入手。当然，构图形式也不是绝对的，它只能提供对摄影表现形式的帮助与参考。有句话说得好：规则是用来打破的。所有的规则都不是死的，吸收前人的 经验 对摄影的形式表现将产生积极的作用，会有利于对形式美的理解。
目前的国内各大高校在摄影系、广播电视编导系、广播电视系的本科学习阶段几乎均开设了影视摄影课，将其作为一门专业基础必修课程。笔者所在的摄影系影视摄影方向在一二年级，分别开设了《摄像技术基础》和《影视摄影造型》课。影视摄影这门课程具有很强的理论性和实践性，如何更好的进行实践教学是教师要思考和解决的重要课题。
一、合理实用的实践教学改革理念
摄影系的学生在一二年级要学习好几门以实践为主的专业基础课，在学习《影视摄影造型》课之前，先修完《摄像技术基础》。应该说是《摄像技术基础》侧重基础知识和技术的学习与训练，而《影视摄影造型》更注重培养学生的艺术感觉， 创新思维 和画面造型能力。同时，摄影系的学生还要开设其他相关课程，作为有益补充。笔者在讲授影视摄影课程的过程中，根据学科特点和性质，秉承“理论和实践并举，更重实践”的理念。这样做是为了改进以往影视摄影课过多的依赖课堂理论讲授，教师大多是采用上单一的填鸭式理论灌输，而疏于实践技能培养的弊端。通常根据教学大纲的制定，将理论课和实践课的课时数量设置在1：2的比例左右，教学环节按照“理论―实践―理论―实践”的节奏推进。即每次课堂理论教学的落脚点最终是指导学生实践练习和操作，将上一阶段所学到的理论知识充分转化为实践能力，提升学生的实践技能和水平。然后再进行下一阶段的“理论课―实践课”学习。如在《摄像技术基础》课上，教师讲授完数字高清摄像机的基本基本原理和曝光控制白平衡调节等理论知识后，便在下一阶段课时中安排进行实践课部分，教师将学生分小组，讲解并示范摄像机的曝光与白平衡控制的操作步骤，然后指导学生分组逐个练习。在课堂上对学生出现的操作环节错误，教师及时指出并予以纠正。待此部分实践内容学生基本掌握后，再进行下一环节的“理论――实践”教学。
二、改善实践 教学方法
影视摄影作为一门学科，具有很强的理论性和实践性，同时又是融技术性和艺术性于一体的学科。在实践创作中，一名影视摄影师艺术创意的体现有赖于扎实的技术素养和水平。而检验一个学生理论知识扎实与否的落脚点，就是看他的实践能力如何。因此，如何上好实践课以提升学生的专业实践能力，是影视摄影专业任课教师面临的重要问题。笔者根据数年的教学经历和改革尝试，通常在理论教学时采用全班集体授课方式。而在实践课环节，采用分小组示范讲解，学生分小组练习实践的小班化学习方式。考虑到现在的每个自然班学生人数较多，而实验器材相对有限的现实状况，教师每次指导学生分小组时将组员人数控制在6人左右。每个小组成员人数不宜过多的目的，就在于确保每个学生在实践课上都有足够的时间量来练习操作。无论是课堂实践练习，还是课下的实践作业以及期末结课作业，学生都以这个相对固定的小组完成实践拍摄。
1、利用多媒体技术，提升教学效果
在实践课上，教师利用多媒体影像技术手段，结合优秀的影视作品案例，对学生在实践过程中出现的普遍性和个别性错误进行对比和指导。教师可以选取摄影画面优秀的影视作品片段，对比学生实践作业中出现的问题进行分析、讲解和指导。例如学生在练习使用摄像机拍摄固定机位不同景别画面的实践内容时，初学者普遍存在的问题就是景别取景不规范，镜头与镜头之间景别运用不合理或景别过于单一等问题。这时任课教师利用多媒体为学生播放一些优秀影视作品中景别运用规范的镜头片段，然后来对比学生学生实践作业中普遍出现的错误案例，帮助学生分析问题所在并寻找解决办法。
在这个环节，教师避免局限于单方面的讲授知识和技法，而是采用引导学生对比自己的练习作业进行思考，检查，分组讨论，分析问题，积极调动学生的积极性，营造活跃互动的课堂氛围。这样，学生会在积极思考热情参与的状态下，更好的将专业理论和实践相结合，从而提高自身的实践水平。此外在课堂练习中，现使用的数字高清摄像机普遍具有USB串行接口，学生可以直接将拍摄练习的作业素材拷贝至教室内的多媒体电脑中。教师现场对学生拍完的练习素材进行回放，讲解。这样可以确保在实践课堂第一时间内就发现学生存在的问题。教师及时给学生指出问题症状，并和学生一起讨论解决办法。
2、根据学生特点，帮助学生制定拍摄主题和计划
影视摄影的实践需要学生调动自己多方面的能力，是一个“脑眼手”综合运用的过程。它需要摄影师用眼睛细致观察，大脑积极思考，最后由手(和身体)来掌控摄像机来完成操作和拍摄。因此影视摄影的实践创作考验的是一个人的综合协调能力。在分组拍摄中，它还考验着学生团队协作和沟通的能力。教师会根据自然班的学生数量、结构和特点，指导他们合理分组搭配，制定合理的拍摄进度安排，时间周期控制。有拍摄采访对象的，教师会指导学生如何与拍摄对象沟通(尽管如何采访不是影视摄影课的重点)。甚至在拍摄时长较长的期末结课作业时，教师要讲授一些制片管理方面的知识，对于拍摄过程中有可能出现的一些制片方面的困难，提醒学生提前做好备选方案和计划。对于大幅度更改实践作业拍摄计划和方案的，指导学生调动现有资源和条件，尽可能拍摄出更好的影像效果。
3、扩展实践教学空间，紧跟行业发展趋势
影视摄影这门学科有一个显著特点，就是随着科学技术的发展，新的创作设备和拍摄理念层出不穷，更新换代的速度极快。例如笔者刚从事教学工作时，当时行业内领先的是数字全高清技术。几年的时间，现今行业内的发展趋势是4K技术，数字电影摄影创作，log模式拍摄甚至是未来VR技术的使用。这一切都意味着无论是专业教师、学生还是从业者，要想从事影视摄影这项职业，就必须要保持对新鲜事物的好奇心，保持一个不断学习新知识的状态。也只有这样，我们培养的学生才会在未来的专业发展道路中越走越宽，不被行业淘汰。基于此，教师积极利用互联网上的相关专业知识和信息资源，结合课堂实践内容。为学生拓宽知识面。例如在介绍行业领先的RED和ARRI数字电影摄影机的知识，市面上常见的纸质教材和资料鲜有这方面内容。
教师搜索专业的技术网站，寻找适当的资料截取成视频影像，做成图片PPT和文字介绍，选取业内专家对此摄影机性能指标的介绍和使用注意事项，所有这些都可以作为实践教学的补充。不但激发了学生的学习兴趣和热情，更是将影视摄影行业内先进的知识和理念带给学生，让他们及时掌握专业发展趋势和动态。此外，专业的影视摄影交流网站和信息公众号也是教师指导学生拓宽知识面的好 渠道 。专业性比较强的影视工业网、拍电影网、V电影网，微信电影摄影师公众号，摄像人公众号等等，经常会有业内人士发表的技术 文章 和创作心得，教师会经常选取有用信息介绍给学生。这些网站一般还设有作品交流专区，学生可以将自己拍摄的作品放到这个板块内进行交流，听取更多业内人士的意见。这样，学生获取专业知识和实践经验的领域不仅仅局限在课堂和校园，他们有更多的可能接受更前沿的专业讯息，提升自己的实践水平。 三、实践作业点评
1、学生实践作品课堂展示
每次的实践作业后和期末结课作业之后，教师会安排每个小组将自己的作品用多媒体在课堂上公开展示，教师现场进行点评。这也是影视摄影课实践教学中不可或缺的重要组成部分。在课堂展示的过程中，小组成员会阐释自己的创作思路及理念，讲述拍摄过程中遇到的难题和解决办法，以及尚未解决的技术和艺术问题等等。教师如此安排是为了深入了解学生的实践创作过程。学生实践创作的过程，是检验他们对理论知识掌握程度的具体和真实体现。反映在学生作品中的一些问题，有些是大家普遍存在的，有些则是每个小组甚至每个学生的个别存在的。每个小组的学生在展示并介绍自己实践作业拍摄经历时，其他同学也会反观自身作品中存在的问题。好的实践经验可以得到印证并分享，存在的问题就需要由教师引导学生思考。必要时候教师可以明确指出，以帮助学生提高专业水平，在下一次的拍摄中取得进步。
2、保护并激发学生的创作热情
影视艺术欣赏论文 一、 对电影的认识 在我小时候的印象里，电影是一种在电影院看的，故事。不过比起电视剧来，故事讲得有点太短了，看着不过瘾。长大一点才知道，电影是一种艺术，不同地方的电影有着不同的特色，这也是一种文化的体现吧。 下面谈谈对各地电影的看法： 内地电影，从我有记忆开始看得最多的就是一些黑白战争影片，大多是讲抗日和解放战争的。后来看到越来越多的故事片，但也有相当一部分宣教片，那也是学校组织观看的。自己跟家人也看过一些片子，不过到现在大多都忘记了，给我印象最深的是《大红灯笼高高挂》，当时的确给我很大震撼。后来就不再去电影院看电影了，在电脑和网络上看得大多是国外片，国内的一般只是喜剧片如《手机》、《大腕》、《天下无贼》，和一些比较有名的，像《无极》等。 香港电影，给人感觉娱乐性较强，以市场为导向，像周星驰的一些电影，的确很好玩，但看的时候又不会有什么思想负担。挺适合休闲时观看的。 韩国电影，最近才看韩国电影，一般是些爱情电影和伦理片，但很适合中国人观看，大概是我们的文化很相近吧，感觉很细腻，和生活贴近。给我印象较深的是《我的野蛮女友》，这部电影当年可是在中国乃至亚洲刮起了一股野蛮旋风呀。 印度电影，只看过有限的几部印度电影，片名大多记不清了，只是对那大篷车和时不时的音乐和舞蹈还有点印象，现在不知道怎么样了，但那时的印度电影感觉上更像歌舞剧。 俄国电影，现代的俄国电影看得倒是很少，只是看过前苏联的一些片子，也大多是和十月革命和二战有关的片子，印象都不是很深。 欧洲电影，最为代表的应该是法国电影吧，感觉艺术感很强，不是看得很懂，画面很漂亮。像《天使爱美丽》我看了几遍都没看懂。 美国电影，看得最多的还是美国的好莱坞大片，美国片是最为成熟的，无论影响力还是票房收入都是其他地区不可比拟的。现在在中国大学生中，看好莱坞大片的人肯定比看国产片的人多。尤其是国产片中有些类型的片子太少或基本看不到，比如科幻片，恐怖片。 下面谈谈对两种类型的电影的看法： 对一般的类型，我想因为见得多了，也不会有什么感触，那我就拿两种比较特殊的类型来谈谈我的看法。 动画电影，我认为也算一种很重要的电影类型（因为有人说动画是小孩子看的东西），我不否认，小孩子更容易被动画吸引，但不是说动画片就一定时给小孩子看的。我认为，除了演员和布景是由真实的转变成用画的，其他的电影元素都有保留，导演一样可以用动画来表现自己的想法。在动画电影方面，日本和美国无疑是两种典型的代表，日本的平面二维动画产业可以说是全球最发达的，像在流水线上生产产品一样生产着动画片，以动画系列片为主，也会定期为这些系列片出些剧场版，当然也有单独的动画电影，比如宫崎骏的《幽灵公主》、《千与千寻》、《哈尔的移动城堡》等，我觉得都是不错的影片，日系动画的唯美画风也很让我喜欢。个人感觉就二维动画而言，美国比不了日本，就拿比较好的《狮子王》来说，在它之前，日本实际上有一个很类似的动画系列片《森林大帝》，这很有抄袭的嫌疑。不过自从3D动画出现之后，美国的技术优势又体现出来了，不愧为IT技术的起源国，尤其是最近Pixar公司的几部作品《玩具总动员》、《海底总动员》、《超人特工队》、《汽车总动员》等，无论是画面还是讲的故事，都让我们耳目一新。 恐怖电影，谈到恐怖电影还是要谈到日本。先不谈日本人的民族性的问题，日本的恐怖电影的确是很不同的，是一种悬念的恐怖，用意识来引导你，而不是用那种血腥的场面来达到目的。如《午夜凶铃》、《咒怨》等，会在整部片子弥漫恐怖的气氛，但就是不让你见到，让你提心吊胆到最后。美国的片子就完全不一样，突然出现的血腥画面，如果没有准备的话，简直让你会吐出来。记得有一部叫《异次元杀阵》的片子，有一个把人切成块的镜头，足足让我倒了一天胃口。还有《死神来了》、《死神来了2》和《死神来了3》在表面很青春很阳光的情况下，突然出现的那种很血腥的场面，这也许就是美式的恐怖吧。 二、 从有记忆开始怎么看电影 说实话，已经很久没有到电影院看电影了。小时候倒是只能去电影院看电影，不过，现在看电影的渠道已经太宽了。从网上、电视上都可以免费看到（如果不算电费的话），很多国内电影过了档期，国外电影大约上映一年后，中央6就会放映，这还不算国内大大小小的电视台提前买碟片看。我们自己也可以买正版或盗版的盘来先睹为快。不过，现在看来，还是在影院里看得比较有感觉。有一种看电影的味道。 三、 列举喜欢看的电影 《我的野蛮女友》、《超人总动员》、《指环王》三部曲，《帝企鹅日记》、《公主日记》、《查理与巧克力工厂》、《死神来了2》、《开国大典》、《天下无贼》、《新警察故事》、《征服怒海》、《阿甘正传》、《爱国者》、《勇敢的心》采纳哦
捕捉一切可以表达电影本身想要表达的画面细节自己的想法，仅供参考
参考资料：台湾地区电视购物节目内容分析与消费者反应之初探摘要本研究以 意抽样方式选取42个台湾电视购物频道节目单元,针对其销售策与 服方式进 内容分析.同时又邀请9位具有电视购物经验的消费者 与焦点团体讨 .从节目内容分析与FGD座谈会的质化资 分析初步获得以下的结果:电视购物频道所采用的销售策 与 服方式,确实与产品的品 有关 性.功能性商品偏好采用现场示范,影片示范,和使用情境 展示商品特性;装饰性商品偏好用模特儿走秀 展示商品.功能性商品很强调售后服务 取信消费者,装饰性商品则 强调产品的选材与产制过程 争取消费者的青睐.另一个重要差 是,装饰性商品非常依赖名人推荐 吸引消费者.至於主持人的的评分确实有显著的差 ,大体而言,VIVA台的主持人在 个面向上的评分显著高於其他频道的主持人.东森U台的住持人表现最差. 过,这次的样本并非用机 取样所得,对於各电视购物频道主持人的整体表现,尚无法做出公允的推 .1台湾地区电视购物节目内容分析与消费者反应之初探郭 贞政大广告学系教授电视购物的销售模式在无 在台湾或中国大 都方兴未艾.只要打开电视,就有可能看到这 镜头:美 半 腰身, 时向观众抛 媚眼. 如在穿插 大的局部特写的画面中,一个美 双眼含情,述 著某个牌子的内衣给自己身体带的巨大变化.这些电视购物广告似乎坚信" 怕做 到,就怕想 到",一种今夏最吸引人的内衣广告称,用它可以进 "体形雕塑","想有多大,就有多大","完全随心所欲"; 人眼花缭 .夸大 实,品质差,价格混 ,是一般人对电视购物频道与商品销售节目中广告的印象.有些电视购物是 地做广告经营, 肖经营者就借此将假冒商品邮售给消费者,以取钱财;有些经营者虽然销售的 是伪 产品,但将产品卖出去之后,就认为完成 任务,对后面发生的任何品质问题都置之 ,无售后"三包"服务,侵害 消费者的权益,产生 少消费纠纷.仔细研究, 难发现电视购物隐含以下几个缺点,值得主管机关注意,并加以妥善管 与规范.(1)广告夸大宣传与实际产品 符;(2)虚假承 ,售后无保障;(3)明星诱惑;(4)高科技蒙.电视购物在台湾自1992 开始发展,属於新兴的无店铺销售通 .根据E-ICP销资 库的追踪调查显示,台湾15~59岁的受访者中使用电视购物频道购物比,自1999 的5%曾下 至2002 的.但是到2003 跃升为,至2004上升至(邱高生,2005) 换言之,电视购物在台湾的发展经 一段兴衰起伏.目前国内已有 少电视台推出全天候的购物频道.东森得 购以企业化的经营,为电视购物频道改头换面,创造惊人业绩.东森得 购从1999 底开台时每天只有营业额6万元,但到2001 增加为22亿,因此进入《天下杂志》500大服务业排 榜,目前东森购物在全国有230万个会员, 营收5 成长近60倍.筹备将近2斥资5亿的富邦MOMO购物频道也在2005 1月开台,加入电视购物的战场,打破以往由东森独占的市场局面,对消费者而言未 将有 多元的选择.中信集团投资的ViVa TV购物频道8月10日开台,开启电视购物产业「三足鼎 」的局面,也让东森,富邦及中信三大财团,有一较高下的机会 (陈怡君,2005 8月11日).此外,中华电信MOD也准备抢食电视购物的商机,捷购是中华电信MOD平台负责电视购物的厂商,总经 以恺表示目前电视购物频道只有7台,同一时间内顾客能选择的商品只又7种, 透过MOD(多媒体随选视讯)的平台,消费者可以随著自己方 的时间取选择自己所需要的商品(陈世耀,e天下,2005 3月).根据传 2006 3D消费者研究资 库,进 消费者品牌及购物习惯分析,可将消费者区分为下 三种 型:(1)冲动型之重 消费者 (Impulse & HeavyShoppers), (2) 性型之忠诚消费者 (Rational & Brand-loyal buyers), (3) 漠型消费者2(Indifferent & Isolated Consumers) . 其中第一 型冲动型之重 消费者比其他族群偏好电视购物, 此外他们还有以下的品牌及购物习性:喜欢逛街,常买 使用的东西,花钱 假思 ,容 受销售人员影响, 容 接受名人代言或推荐的商品, 容 因为使用过试用品而购买新产品, 容 因为看到广告而购买产品,喜欢尝试出现在电视上的产品.在传 的另一个相关的市场调查中他们发现一个新 性族群的电视受看偏好除 钟情於新闻资讯和 财频道之外,他们也经常收看电视购物频道.本研究的主要目的为先探讨电视购物频道的内容及,以及其所采用的各种销售与 服手法;然后再探讨这些销售 服策 对於消费者是否产生 同的 服效果.换言之,本研究试图达成以下的目标:1. 探讨电视购物频道以及电视购物节目中,主持人和节目内容所采用的各种销售与服策 和技巧.2. 消费者在做购买决策过程中的主要考 因素是 麼文献探讨电视购物频道与购物节目有线电视购物频道最先创始於美国,方 民众在家购物,当时被称为资讯式广告(informercials)频道,它通常是事先拍摄好的节目影带,长 为30秒至30分钟或1小时.多半在 晨,午夜后或其他 门时段播出( 海容,1997).内容主要在呈现与叙述产品之优点.这 节目於1940 至1960 间曾经风 一时.1960 后一 寂,至10 前再 兴盛,其销售 额至今已经超过10亿美元,前景看好(邓荣坤,1995).另有学者研究美国QVC购物频道(Stephens, 1996)发现购物频道制作成与一般节目 似的节目,有主持人亲 的介绍并搭配Call-in,让观众与主持人互动,主持人和节目本身提供多重 服策 ,很容 打动惯观众 即购买.2002 ,美国电视购物销售额达到73亿美元,占当 全社会商品 售总额的,如果按目前的 增长 9%计算,到2006 ,美国电视购物市场将达到104亿美元.日本2002 电视购物的营业额为60亿美元,韩国为30亿美元.电视购物在我国的台湾也非常发达.世界销售额第一的家庭购物公司是美国的"克维思"公司,其2002 的销售额为亿美元.台湾的电视购物发展台湾的电视购物开始於1992 .起初由於业者 莠 齐,销售之产品种 少,集中在美容,丰胸,增高,与保健药品.销售手法倾向於夸大 实,消费者使用后因 效 佳而引发许多交 纠纷(彭玉贤,1999).2000 政府通过「卫生食品管 法」,对於原本充斥购物频道的药品与保健食品做规范,并且提高进入台湾电视购物频道产业的门槛.此时东森媒体集团成 专属购物频道,朝向专业化购物频道经营.并且与韩国最大的电视购物频道业者技术合作,开发电视购物资讯系统.自此台湾的电视购物频道进入专业与企业化经营之阶段(谢3文中,2004).2005 元旦富邦MOMO台开播,同 8月10日中信集团投资的ViVa TV购物频道开台,台湾电视购物正式进入「三强鼎 」的时代.表一:台湾电视购物频道发展份 发展 况19921. 无线快买进入市场,万 达随后跟进.2. 因缺乏节目,系统台付费给电视购物业者购买节目.1993 竞争者加入,电视购物业者付费给各地系统台.1994 新视线购物频道正式开台.1995 1. 过 饱和,品质 一,市场快速萎缩2. 即购公司以买时段的方式进入TVBS1996 电视购物中型业者经营 善,小型业者苦撑,但仍有些商品大卖,如枫王 ,Jumelle的瘦身碇/霜.1999 1. 8月健康食品法开始实施,业者为避免触法,经营渐趋保守.2. 921大地震前每 约有50亿台币的规模,地震后业绩直 .3. 东森得 购於12月21日开台.2003 东森得 购二台於1月1日开台.2004 东森得 购三台於1月1日开台.2005 1. 东森购物五台与购物热销台於1月1日开播,同日富邦MOMO台开播.2. 8月10日中信ViVa TV购物频道开台,与东森购物,富邦MOMO形成「三强鼎 」之局面.资 源: 圣泷(2004)及本研究整 .国内外近 有 少关於购物频道之研究,学者们发现收看购物频道的观众并非纯粹为购物,有许多是为 寻求资讯和娱 的目的而收看.观众和购物频道主持人的互动愈多,会增加其收看兴趣和频次,因而有可能增加其购买意愿和购买 为(Grant, 1991).经由因素分析后发现电视购物族可分为四种倾向:斤斤计较,品质取向,品牌取向,和喜欢电视购物.学者 秀珠(1999)曾针对电视购物频道观众特性作调查,发现收看电视购物频道观众之男性别比 差 大,但是收入较高, 龄较长,而且以已婚者居多.但是电视购物族与非电视购物族却有显著的性别比 差 ,前者多集中为 性.而且 龄多为30-49岁,具有高中职教育程 ,已婚的家庭主妇,个人收入在3-6万元之间( 德馨,2004).谢文中(2004)则认为电视购物产品多元化,且配合主持人现场即时促销之播出,确实较传统方式吸引消费者.广告诉求与销售策4广告诉求是广告讯息与消费者动机之间的沟通桥梁. 销者先从市场调查研究中得知主要目标市场消费者的 与特性,再投其所好针对他们之需求设定最有效之广告诉求.丘新华(2001)曾经将以往学者探讨过的广告诉求做分 汇整成以下之 型( 表二).表二:广告诉求 型汇整表诉求 型学者产品特点与 益 品牌形象的创意Aaker & Norris(1982) 讯息的/ 性的/认知的(Informational/Rational/Cognitive)形象的/情绪的/感觉的Vaughn(1980) 思考性的(Thinking) 感觉性的(Feeling)Puto & ells(1984) Rossiter& Percy(1987)讯息性的(Informational) 转换性的(Transformational)Snyder & Debono(1985) 硬性销售(Hard-sell Appeal) 软性销售(Soft-sellAppeal)Park(1986), Johar &Sirgy(1991)功 ,实用性的(Utilitarian) 价值转达性的(Value-expressive)Turley & Kelley(1997) 性(Rational) 感性(Emotional)资 源:丘新华(2001)尽管广告诉求只有一个,但是却可以采用 同的广告表现展 方式传达诉求.谢文中(2004)引用学者归纳之常 的十大广告表现方式,并检视其对消费者的影响 .这十个广告表现方式为:直接 明式,问题解决式,戏剧形式,人生片段式,实证比较式,证言式,名人推荐式,意 型态式,恐吓威胁式,悬疑式.销售策电视购物在近几 於国内非常盛 ,即使在景气低迷时,仍然缔造 人咋舌的销售佳绩.在电视购物频道 常 的促销手法,包括限时销售,限 销售,免费赠品等,常被认为是引起消费者购买欲望的原因之一,陈怡如(2004)采用实验法探讨电视购物频道中常 的限时,限 ,赠品等促销手法,是否真的能提高观众的购买意愿,以及消费者认知商品价值的中介效果或其他效果.实验操 的自变 为限时压 (大,小),限 压 (大,小),赠品价值(低,高, 常高)等,共有12组电视购物节目影片.研究结果发现:(1),当观众的商品知觉价值一致时,限时压对购买意愿有显著的影响.(2),限 压 对观众的商品知觉价值与购买意愿均有显著的影响,而且知觉价值为限 压 与购买意愿之中介变 .(3),限 策 比限时策 能影响观众的商品知觉价值与购买意愿.(4),限时压 与赠品价值存在交互作用,直接或间接(透过商品知觉价值)地影响购买意愿.当限时压 大时,赠5品价值与购买意愿存在非线性关系,随著赠品价值的增加,购买意愿呈现先升后的趋势.就 服策 而言,Petty 与Cacioppo(1981)在其经典著作中归纳 同的 服取径,如,动机取径,学习与制约取径,归因取径等,最后又将这许多 服策 和态 改变的总结出「中央 径」与「边缘 径」 大 .本研究将仔细分析电视购物频道中所采用各种销售手法与 服策 . 如,强调名人推荐是属於边缘 径 服,强调商品采用科技专业制作过程是诉诸中央 径的 服.本研究将探讨电视购物节目中的销售手法,是如何结合中央 径和边缘 径的 服策 , 达成其销售目的.如,台湾的电视购物频道造就许多天后级的购物专家或销售明星,这些销售明星除个人魅 之外都有一套销售 辑,把产品的优点和如何满足观众需求都娓娓道 .一开始定是以需求起头,接著谈产品的功能,特色,可以带 的附加价值;然后促销:有 麼折扣,赠品,最后促请观众 电,以免错失 机.在销售明星介绍产品的同时,电视画面上 断在音效,模特儿, 宾等环节上「加 」, 断 激消费者的购买欲.奥美集团策 长陈倩如指出:每个电视购物节目是一场强 的影音催眠秀,仔细拆解后可以发现它每一秒钟的内容与动作都是经过精心设计的,比如何时该 到谁对消费者 话 麼 何时该放桥段 何时该该休息 该让消费者头脑想一想的时候就放音 等等,每个30分中的节目都有一定的程式和节奏(陈世耀,e天下,2005 3月).研究方法本研究采用内容分析和焦点团体讨 法搜集资 .在内容分析部份研究者选择侧 最具有代表性的电视购物节目,然后依据编码 目做归 与分析.受限於研究经费有限,无法采用随机抽样做大规模和大 电视购物节目侧 .本研究是采用意抽样法,先将电视购的频道和商品 目做区分,然后再选出各频道各时段中最具有代表性的节目,与以侧 ,最终纳入分析的电视购物节目单元 目为42个.实际执 过程请 看附 一.内容分析编码表中主要的重点分为 大项:销售策 与 服方式,主持人的风格与表现.前者再区分为产品特卖形式,价格促销,产品呈现与展示,产品资讯介绍,和产品推荐几个细项;后者则专注於主持人的个人风格和专业表现的评分.编码表请 看附 二.焦点团体讨 则是邀请九位曾有电视购物经验的消费者 与.这九位消费者的 龄层涵盖30岁至60岁以上者,其 龄分布20-29岁3位,30-39岁1位,40-49岁5位.其中男性5位, 性4位.他们的居住地区多半为桃园以 的 部县市地区.讨 的主题为个人的电视购物消费经验与对电视购物的态 .FGD讨 大纲请 看附 三.研究结果6内容分析研究者所选取的节目共有42则,其中包括3C 位共五则,健康保养五则,珠宝精品四则,家电五则, 服饰五则,美食三则, 游 则,家具寝具五则,厨具三则,其他 则.由於原本的样本 过少,因此将原本的产品 别重新归 成功能性商品和装饰性商品以及其他.其中功能性商品包括3C 位,家电,家具寝具,厨具等,属於耐久才或是以实用导向的商品.而原属於其他 别的医 商品「好呼吸以色通鼻光 器」和「 极星MT广角超速警示器」也都将重新归 成功能性商品.装饰性商品则包括健康美容,珠宝精品, 服饰等品 ,属於可以修饰外表,让外在形象 好的商品,此外,美食,休闲 游等 属於功能性或装饰性的商品,都一并归到其他.表1: 电视购物节目品 重新组合:功能性 vs. 装饰性功能性商品 3C 位,家电,家具寝具,厨具,其他(警示器和通鼻器),共21则装饰性商品 健康美容,珠宝精品, 服饰,共14则其他 美食,休闲 游,其他,共7则在产品特卖形式层面,大多产品并没有特卖形式(占),在具有特卖形式的商品中,以限 商品的特卖形式最多(占).表2: 商品特卖方式特卖形式 Freq. %无特卖形式 17 限时抢购 3 限 商品 14 全台首卖 1 独家商品 7 42 电视购物节目中使用的促销形式,大部分的节目都会强调所贩卖的产品价格很 宜(占),其次使用的手法是加送赠品(占).7表3: 商品促销形式促销形式 Freq. %商品折扣 8 赠品 18 强调低价 32 强调保固 8 (N=42)电视购物节目中很注重产品的呈现和展示,过半的节目有在节目现场展示产品的功能性(占),也会透过纸卡将产品的功能标示出 (占).此外,透过影片或是模特儿演出展示使用商品的情境也是频繁使用的手法(占).表4: 产品呈现与展示产品呈现与展示 Freq. %现场示范产品功能性 23 影片中示范产品功能性 14 纸卡呈现产品功能性 22 展示产品使用情境 24 现场用比较式手法展示产品优越性15 影片中用比较式手法展示产品优越性11 用比较式纸卡展示产品优越性 12 模特儿走秀展示商品(非情其境)17 (N=42)电视购物是一个虚拟的通 ,消费者无法亲自触碰产品,只能透过萤幕和主持人的介绍了解与产品有关的讯息和资讯,因此在电视购物节目中清楚的 明产品的相关资讯是非常重要的,在本研究中的 据显示,主持人在节目中详细解 产品使用方式占,透过主持人或是影片讲解产品的选材或是产制过程占表5: 产品资讯介绍产品资讯介绍 Freq. %主持人解 产品使用方式 26 影片中展示产品使用方式 6 介绍产品的品牌资讯(包含 史与轶事)16 提出产品的相关证明与得奖 12 讲解产品的选材与产制过程 25 强调售后服务 10 (N=42)在电视购物节目中寻求第三者的 证 是常态,在名人推荐,专家证言,消费者 证三种常 的第三者 证方式都只有少 节目有使用,最多的是引用媒体的相关新闻报导(占).表 6: 产品推荐方式产品推荐 Freq. %名人推荐(包括代言人) 6 专家证言 2 消费者 证 5 引用媒体新闻报导 15 播放资讯性广告 8 (N=42)几乎每个电视购物中的主持人都会以一些特殊的方式引导消费者需求(占),或是以自身经验或亲友经验对消费者进 服(),大多 的主持人会在节目中凸显商品热卖,要消费者赶快 动(占).表7: 主持人风格主持人风格 Freq. %引导消费者产生需求 39 为消费者争取 益 8 现身 法或亲友经验 18 彰显自己的办法 3 人气炒作(凸显商品热卖)23 节目中凸显主持人地位 3 (N=42)9电视购物节目中偶尔会有厂商代表一同出席,但大多 的节目仍由主持人主导(占69%),少部分的厂商代表会抢过主持人的风采,主导节目进 ().表8: 主导节目进 者主导节目者 Freq. %主持人主导 29 厂商主导 2 双方共同主导 11 42 研究者认为电视购物节目对於 同的品 有可能采用 同的销售策 ,因此先用交叉分析 检视功能性商品与装饰性商品,在贩售时所偏重采取的销售策 是否有差 .在产品的呈现与展示方面,我们发现 同品 的商品在「现场展示功能」,「影片展示功能」,「使用情境」和「模特儿走秀」的采用上都有显著差 .表9: 产品展示方式—功能性 vs. 装饰性 vs. 其他 商品显著 备注现场示范产品功能性.002功能商品(), 装饰商品(), 其他 (0%)影片中示范产品功能性.020功能商品(), 装饰商品(), 其他 (0%)我们发现功能性商品比较偏重现场展示商品功能,换言之,在有现场呈现功能的商品当中,功能性商品占 . 用影片展示商品功能方面,功能性商品也占 .纸卡呈现产品功能性 .303展示产品使用情境.000功能商品(), 装饰商品(), 其他 ()现场用比较式手法展示产品优越性 .097影片中用比较式手法展示产品优越性 .202用比较式纸卡展示产品优越性产品呈现与展示.592模特儿走秀展示商品.002功能商品(), 装饰商品(), 其他 ()10除此之外,我们也发现功能性商品经常会 用「使用情境」作为一种 服策,占 ,反之装饰性商品 用使用情境的节目只占 .其中的原因可能是功能性商品起藉由多种使用情境的展示,增加消费者对於商品使用的可能性,如摄影机, 位相机等,或是像寝具,家具等属於体验性的商品, 用模特儿穿著睡衣在床上摆出舒服的姿势,创造一种体验的情境,让消费者相信自己买 这种商品也能够拥有相同的体验.在产品的呈现与展示当中,装饰性商品较多使用「模特儿走秀」 展示商品,占,功能性商品 用模特儿走秀的只占.可能是装饰性的商品, 如服饰,精品包包等商品,并没有太多使用情境可以展现,因此大多采用「模特儿」方式展示商品.表10: 产品资讯介绍方式—功能性 vs. 装饰性 vs. 其他 商品显著 备注主持人解 产品使用方式 .231影片中展示产品解 方式 .615介绍产品的品牌资讯 .133提出产品的相关证明与得奖 .122产品在强调有售后服务的商品当中,功能性商品占 90%,装饰性商品则无.有可能装饰性商品较无所谓保固或是维修的必要,而功能性商品,如3C产品或是家电都需要保固等售后服务.因此功能性产品比装饰性产品 重视售后服务的 明与强调.有趣的是,在提供品牌资讯方面如果只比较功能性和装饰性商品 项,我们发现显著差 ,换言之,我们发现功能性商品大多都没有提供品牌资讯,但是装饰性商品有一半以上会提供品牌资讯.在产品推荐方面, 用名人推荐的商品,装饰性商品占 ,功能性商品只占.可以推测装饰性商品较无功能上的 基可以展现,因此 需要名人的推荐,以加深可信 .讲解产品的选材与产制过程 .001功能商品(), 装饰商品(), 其他 ()资讯介绍强调售后服务 .012功能商品(), 装饰商品(0%),其他 ()11表11: 名人推荐商品—功能性 vs. 装饰性 vs. 其他 商品名人推荐 Total无 有产品 别 功能商品 装饰商品其他商品 注: 卡方值 , 显著
可以从电影的分镜头中的角度，光源的关系来分析电影的人物之间的关系发展，还有故事情节等在整部电影中的快慢节奏，还有结合电影当时的故事发生背景去分析电影镜头的处理等等，顺便也可以去网上搜搜看看别人的评论嘛·不要一味自己闭门造车，那样的话关注点会变的很狭隘的。
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眼镜设计与眼镜美学区别的联系是为涵盖内容不同,眼镜设计只是眼镜美学的一部分内容。
眼镜是由镜片和镜架组合起来的，用来改善视力、保护眼睛或作装饰用途的用品，眼镜可矫正多种视力问题，包括近视、远视、散光、老花、斜视或者弱视等。
随着我国经济建设的飞速发展，眼镜行业也得到大力发展，在工业方面，北京、上海、苏州等主要产地均具有了一定规模的眼镜生产基础，如上海眼镜一厂、上海眼镜二厂、北京眼镜厂、北京608厂、北京603厂、苏州眼镜厂等，已经成为我国眼镜工业的大型骨干企业，其规模均为近千人的国家中型企业，其产员数量质量及配套能力均居全国首位，有的产品则为市级或国家级优质产品，有的名牌产品多年长期出口，行销全国，驰名中外。
中国的眼镜市场上出现了一种新的市场为网上市场，这个就是电子商务在传统行业中起到重大作用的一种表现方式，作为全球首个综合行业商业信息集合平台，汇聚各行各业的代销产品展销信息、代理项目招商信息、直销产品供应信息等。
眼镜文化充分反映了一个国家，民族的思想意识形态、道德、价值观、信仰、风俗习惯等文化特点，随着各历史时代文化的发展而发展。它以物质和艺术的结合，通过有形的方式体现出来。它一方面反映了社会文明的进步，同时也体现着佩戴者的身份、社会地位、思想观念、兴趣爱好等。 1、镜片文化镜片的文化内涵主要体现在质材的优良程度，镜片的大小、曲线、组合以及色彩、光泽等的精美度上。在古代，帝王、官家、富豪与平民百姓所用眼镜的不同，体现了截然不同的文化色彩及内涵。在现代，工、农、商、学、兵等社会各阶层，男性、女性用镜，风格各异，都体现着人们的思想文化内涵。2、镜架文化 镜架文化也是体现在材料质量的高低，镜架外形、颜色、装饰的精美程度，以及图文含义等方面。古代的镜架上往往刻有福、禄、寿、财等花纹图案，体现着“福在眼前”、“福寿双全”、“官运亨通”、“四季发财”等价值内涵。同时，梁架上往往还雕刻着店名、字号、人名、含金量等。依社会地位和身份的不同，帝王、达官贵人所用镜架多用金、银、玳瑁、象牙等贵重材料，而普通百姓所用眼镜多用铜、铁、钢、木等材料。眼镜的梁架图案，由最初的拱桥形、门字形、城门洞形、弧形，逐渐过渡到一字形、竹节形、上下翻梁形等；梁卡、边卡、由云纹形、猫头形、虎头形过渡到鹰头形、二点形、梅花点形等形状。现代镜架在古代镜架文化在基础上进一步发展，无论在形式上，还是从设计到装饰，花纹图案以及色彩上，都变得更加丰富多彩，体现了新的价值观和美学观。
如何挑选一副适合自己的眼镜？是很多人非常纠结的一件事情！一副好的镜架应有稳定、安全、可靠、对皮肤无害的材料，且重量轻、结实且不变形。在挑选合适的镜架之前，我们还是来了解一下镜架的基本知识： 镜架按外形结构分为：全框架，半框架，无框架，组合架，折叠架，眉线框眼镜架等。 按制造材料分为：金属架，非金属架，混合材料架。 金属材料有合金材料、不锈钢和贵金属（主要为钛材料）三大类。 非金属架多为醋酸纤维，按照加工方式，又可分为注塑架和板材架。 注塑架：目前主要为PC、塑钢、TR等。 板材架：色泽稳定，可塑性空间大，无过敏。 混合材料架即镜架的构成里既有金属材料又有非金属材料。 那么脸与镜架有什么样的关联呢？ 一，脸型 常见的脸型： 1，正方型 特点：男性较多。 正方形的脸比较短，下颌比较突出，并有棱角。其最大特点是短、方。使用圆形或其他略带曲线的框架，可让脸形看起来更柔和，减少棱角过于明显的感觉。在镜架的选择上可以选择椭圆的流线形框架以及较为柔和的方形框最为适宜，框架线条细腻、简约。为了拉长脸型，可选用镜框高度小或者上部呈深色下部为无框或浅色的镜架。位置高，宽度窄的镜腿也可以帮助拉长脸型。 “拉长脸部”的方法有两个： A、选择高度较小的镜架. B、选择镜脚位置较高的镜架，避免眼镜下沉。适戴材料：全部 适戴款式：全框架、眉框架、半框架 适戴特点： A，椭圆或线条柔和的方形框； B，框架线条细腻简约； C，镜框高度小； D，镜腿位置高、宽度窄； 2，长方形 特点：下颌棱角清晰，脸比较长。 可选用圆滑、流线的框架来缓和，也可选用较为方正的镜框，但需注意棱角不要过于突出。同时，要将线条粗犷醒目的镜框作为首选。颜色以深色且单一颜色最为适宜。宽大的镜腿能对长脸的垂直产生切割在视觉上缩短脸长，高度较高的镜框也能缩短脸的长度。 适戴材料：塑料板材为主 适戴款式：全框架 适戴特点： A，镜架要求圆润方正； B，镜框高度大； C，镜腿位置低、宽度大； D，镜框颜色以深色单一为主； 3，心型（倒三角） 其特征是前额较宽，颧骨突出，下颌窄而尖，上下不平衡。 建议选用细边框和垂直线的镜框，以取得平衡。或者是底较宽的镜架。也可以以椭圆形的细边镜架衬托出这种脸型的美感。 适戴材料：塑料板材为主 适戴款式：全部 适戴特点： A，上半部分较窄的镜架； B，镜框高度大； C，镜脚位置高； 4，倒心型（正三角、洋梨型） 特点：这种脸前额窄，越往下越宽，选镜架的原则与心形脸相反，选择上部较宽，底部较窄的镜架。 可选圆形、长方形镜架，避免选大镜框。 5，圆形 特点：面颊丰满，额头较宽，下巴浑圆，整体线条圆润。 所以需要形状较硬的框架来搭配。方形的镜框最为适宜，细框也可适当选择，另外圆形脸较为丰满圆润，所以要选择相对宽松的镜架，避免镜架卡住脸颊的情况发生。同时，要选择镜框高度小以及镜腿位置高的镜架来拉长脸型。也可以选择棱角比较鲜明的镜架，但同时也要有拉长脸的效果。 适戴材料：全部 适戴款式：全部 适戴特点： A，镜架要求棱角鲜明刚硬； B，镜框高度小； C，镜腿位置高； D，鼻托较高； 6，卵型（蛋型） 特点：卵性脸是比较理想的脸形，一般来说可以佩戴任何款式的眼镜。 没有明显的缺点,选择时根据气质而定。 7，菱形脸 应选用流线型镜框，使整个脸显得线条柔和。 二，肤色 颜色两大类：以橙色为基调的暖色调和以兰色为基调的冷色调。大多数人喜欢选择与肤色相配的服饰，眼镜亦相同，主要以肤色为基准。 对于镜架颜色的选择没有一个确定的标准，由于审美观点的不同，流行色逐渐的变化，一般浅肤色的人比较容易选择，深肤色的人却不宜选择过亮的镜架，如金色、银色。 三，眉毛 通常镜架顶部与眉弓平行并且高度相近,即和眉弓等高或者略高。 眉浓则选浅色，眉淡则选深色。 眼镜的线条应与眉毛相同。 浓眉不宜戴无框架。 四，瞳距（两眼瞳孔中心的距离） 如果您的瞳距太窄时，不要选太大的镜架， 不要为小眼睛的自己，选择太大的镜架。 镜架规格与瞳距相宜的计算：框宽+鼻梁尺寸-顾客瞳距 8 五，鼻子 鼻子的长度与镜架的尺寸要成比例， 鼻托架子要与鼻尖相距1厘米以上。 六，嘴型 眼镜的大小要与嘴的大小成比例， 凹嘴宜选小框架，凸嘴宜选大框架。 最后，在选择眼镜架时，除了以价格、美观为标准以外，特别要注意所选镜架尺寸与本人瞳距尽量匹配，因为其直接影响到所配眼镜的内在光学质量和配戴舒适性。 另外，对镜架质量的识别主要可考虑以下几条： 1、弹性好的镜架一般质量较好。 2、镀层光滑亮泽的镜架质量较好。 3、焊点光滑、小而均匀的镜架质量较好。 4、零部件装配紧密者为好。 5、左右镜圈尺寸、形状必须完全一样，鼻梁对称。 6、镜架佩戴要舒适，不能一味追求美观。
这个虽然不怎么是，但是是我原创的，希望能给您一点帮助哈动画场景塑造的艺术魅力——浅析《梦魇》场景设计对影片故事情节的推动作用【摘要】：动画场景设计是动画制作的一个必不可少的重要部分，动画场景的不同效果直接影响了动画片整体风格的形成。优秀的动画场景设计不是为了将画面内容填满，而是利用其影响影片的情感基调、角色性格、气氛渲染和情节发展等。为了探究场景设计对动画电影的作用，本文通过对场景设计的概念、意义和构思方法等进行分析，并且结合动画实例《梦魇》，重点分析了该动画场景中关于色彩、细节、光影和空间等要素，来论证场景设计对于动画电影故事情节的推动作用。关键词： 场景设计 故事情节 推动目录1.概述 32.动画电影中场景的设计的作用 动画场景塑造客观空间、奠定情感基调 动画场景烘托气氛 推动故事情节的发展 43.动画场景的构思 44.《梦魇》场景设计对影片故事情节的作用分析 色彩配置 细节刻画 光影效果 空间处理 55.总结 51.概述角色、剧情、环境是构成影视动画的三大基本要素，三者必不可少。场景服务于剧情的发展和角色的设定，因此在动画电影的创作过程中，场景设计是不可或缺的重要部分。动画电影中除了对人物角色的设定之外，随着故事情节的展开和角色发生关系的所有景物，例如影片中所设置的道具、社会环境、历史环境以及角色所处的家居环境等都属于动画场景的范畴。动画场景设计经历了一个由传统转向现代的过渡期，传统场景设计主要是根据动画的创作者通过在平面纸上手工绘制环境、场合等，通过后期对原画稿加以拍摄制作而成为影视作品。而现代动画场景设计则结合了现代高新技术，成功地由二维视觉平面向三维甚至更高维转变，对场景的设计包括了对角色活动与表演的场合与环境两个方面的设计。对于一部优秀的动画电影而言，独特的场景设计必不可少，它的意义不只停留在填补镜头的表象，而是对整部动画的情节、质量等都有着重要意义。在对动画场景进行设计时，必须准确地把握画面视觉感受的和谐度、与主题的契合度、与情节设定的匹配度等。近几年，影视动画的制作技术逐渐趋于成熟，动画片的风格也不断演变发展成多种不同的表现形式，并成功地塑造出了一批诸如米奇老鼠、千寻、龙猫等角色，满足了人们的精神需求。但在我国国内，由于影视动画在我国属于一门新兴的产业，加之对动画理论的掌握程度尚浅，因而国内影视动画的发展与美国、日本等发达国家相比，尚有一定地差距。2.动画电影中场景的设计的作用在影视动画中，角色性格、心理等表现需要配合特定的场景进行烘托表现，场景设计的成功与否直接关系到影片整体的效果，它不仅仅只是带给观众视觉上的感受，更多的是能在心理上引起观众的共鸣，从而打造出一部高品质的动画电影。在欣赏一部完整的动画电影时，给观众最直接的感受则是由场景所传达出的情绪，通过色彩、沟通光影渲染等手法来影响观众的主观感受。可以说，一部好的动画电影必须有恰当的场景展现作为依托。动画场景塑造空间、表现角色性格场景设计之于影视动画有其独特的作用，场景与角色相互依存，通过场景来为角色提供表演空间和心理活动空间，而角色也为场景的设定提供了现实意义。场景设计师通过研究故事发生背景，通过对镜头、色彩、景物等要素的设计来为角色设定表演空间，传达出故事发生的准确信息。除了客观空间的设定之外，影片还需注重角色心理空间的场景设计，角色的性格特点通常是在心理活动的体现出来，因此良好的场景设计为表现角色的性格特点起着关键的作用，观众可以通过画面中心理空间的设定来推测角色的兴趣爱好或是生活习惯等方面的内容，从而强化影片所塑造的角色形象，使其更加生动、丰满。动画场景烘托气氛、奠定情感基调在进行场景设计时，一定要注重整个场景色调的统一，这其中包括对画面主题、构图、风格、节奏等的协调统一，比如为了渲染欢乐、轻松的气氛，则采用明亮的色彩作为画面的主色调；为了表达痛苦抑郁的感受，则运用无彩色系来表现；为了烘托温馨祥和的气氛则采用暖色系来表现。从全局出发进行设计，把握整个动画影片的主题基调，抓住影片的灵魂，最终为影片的所要传达的思想服务。这也是考验场景设计师功力水平的标准之一。只有通过对日常生活敏锐的观察而累积的经验运用到场景中去，坚持真正的感动是来源于对生活的领悟这一道理，才能设计出具有独特个性的影片情感基调，才能在心灵上与观众达到契合。在动画影片中，场景气氛效果设计的好坏，直接影响影片主体的情感基调。推动故事情节的发展动画场景的设计要以符合故事情节发展为前提，在此基础上展现故事发生的时代背景、特征和地域特性，准确地把握好故事发生时的环境特征，为角色的表演提供合适的场合。一般情况下，动画场景不仅配合了故事情节的发展，而且在一定程度上也起到了推动故事情节发展的作用。动画场景通过变化时间、地点以及环境等，从侧面为观众说明故事情节的发展，表现出特定的情境，从而影响整个故事的发展。3.动画场景的构思在对动画场景进行设计时，构思无疑设计师考虑的最重要因素之一，只有构思新颖的动画场景才能够制造出特殊的视觉效果，最终赢得观众的好评。总的说来，场景的设计其实也是一门造型艺术，要求同时具备高的创作性和艺术性。在对动画场景进行构思时，首先应该对剧本有着深入地了解，站在观众的角度上思考如何进行场景的设计创造。一般地，动画影片中场景设计主要是为了营造特有的情绪气氛，例如使整部动画显得神秘、玄幻，或者恐怖、危机四伏。诸如此类的动画题材是应观众的需求而产生、发展，从而满足观众的心理期待。除此之外，还可以从场景的变化速度、复杂程度上着手设计，通过一连串高频率的场景变换来衬托情节的发展，当然，在用此种方法构思动画场景的设计需要时刻把握好度的问题，以免过快的变化频率和复杂多变的场景空间造成观众的视觉疲劳，导致降低对动画影片的好感度。4.《梦魇》场景设计对影片故事情节的作用分析前文已经对动画场景的作用进行了简单地分析，以下就结合动画《梦魇》场景设计对其推动情节发展这一作用进行实例分析，从而对场景设计的含义有更深层次上的了解。接下来对动画《梦魇》的故事情节做一个简短的介绍：故事是从一位贪婪的时尚女郎在见到一款心仪的，但是价格昂贵的名牌包开始，她非常渴望这个包，但却身无分文，无奈之下便垂头丧气地回到家中，然后进入浴室泡澡。在洗澡的过程中，她睡着了并开始做梦。在梦里她见到了一位拥有魔力的女人，在那位女人的帮助下拥有了金碧辉煌的房子和时尚的衣服首饰，并且也成功地拥有了白天见到的那个名牌包。但她突然惊醒过来，发现自己在洗澡，便开始怀疑刚才的一切是否只是个梦，可她却见到了梦中的那个女人，于是她确信自己刚才见到的一切都是真的。故事的最后，她猝然发现原先拥有的东西却是梦中梦，这一切都只不过是一场梦魇。故事的结局告诉我们一个道理：太过沉浸在贪婪中的人，将很难让自己醒过来。梦中梦，即使醒来，一切也将是梦魇。在动画《梦魇》的情节发展中，场景塑造必不可少，通过对场景的设计向观众展现了角色复杂的心理变化。动画通过对场景色彩配置、细节刻画、光影效果、空间处理等方面的塑造，表现了影片独特的艺术魅力。色彩配置色彩是画面表现的最直接要素，在动画场景中色彩设计既要与整个影片的总体色调协调一致，也要能够烘托出影片镜头的气氛，为情节的发展做铺垫。在影片《梦魇》的色彩配置上，主要运用了色调对比来突出情节的发展，从而使观众通过对画面色彩色调的比较上推出情节的下一步发展。影片一开头就用了非常炫目的颜色来展现名牌包外观、窗明几净的画面暗示了名牌包价格不菲，推出稍后女人买不起包而只能靠做梦才能拥有它的情节发展。影片中多次运用色彩色调、明度对比来反映梦境与现实的区别，同时也表达了对女人贪婪本性的嘲讽。整部动画的情绪情调大多都带有主观因素，因此在表现角色内心情绪的波动变化时，采用了不同的颜色气氛来表达。影片的色调主要经过了由暖——冷——暖——冷的变化，每一个阶段色彩构成要素都并非基于偶然拾得，而是为推动故事情节而作相应的变化，从色彩的对比来进行场景的设计，使画面富有表现力和感染力。影片中的主人公情绪波动较大，开始对于现实的沮丧以及回家过程中的垂头丧气，到之后在梦中激动的情绪转变，场景的画面色彩由起初的低沉、灰暗开始变得明亮甚至有些扎眼，这些转变都是为了衬托角色前后巨大的心理变化。而用暗紫色来对梦中女人的外表进行色彩塑造，一方面表现出梦中女人有着神奇的魔法这一特性，另一方面也从现实角度嘲讽了主人公的贪婪以及异想天开，推动“梦中梦”情节的发展。细节刻画动画场景除了向观众交代大体的故事发生的时间、地点和背景之外，细节刻画也是其重要的构成内容，细节刻画对角色形象的塑造、故事情节的发展、环境气氛的渲染等都起着一定的作用，甚至还能够使影片与观众之间进行互动，引领观众主动去注意场景中的细节，然后对情节进行预测。在动画《梦魇》中的角色类型十分简单，仅只有现实中的女人和梦中的女人二者构成，整部动画用夸张的动作来填补台词上的空白，看似不经意的动作都为后面的情节发展提供依据，并刻意对此进行一定程度地强化或弱化。影片中通过对女人梦中动作细节的刻画，如欢呼雀跃的表情以及夸张的舞蹈都将角色的情绪波动程度放大，此处也是影片的高潮部分，将此部分进行深入地细节刻画是为了突出表现梦醒后巨大的现实落差带给观众的震撼。光影效果同样地，光影效果也是场景设计中必不可少的一部分，光影效果在一定程度上可以弥补整个画面构图的不足，从而使画面达到较佳的视觉效果。《梦魇》中在女人进入房间以及浴室空间等都有进行光影效果的变化，营造出特殊的气氛。画面通过对现实生活状况的模仿，改变光的强弱、角度以及阴影等，为接下来“女人做梦”这一故事情节进行了气氛渲染和背景交代，暗示故事情节的发展，强调了故事的高潮。空间处理在对动画影片的制作中，画面空间的变化是必要的，假定在一段相对长的时间内，画面背景始终一成不变则容易引起观众厌倦及反感。因此空间背景的环境和角度变化对动画而言，直接影响故事情节的发展。真实的空间感是动画场景设计基础，通过对空间距离、景别、角度等变化来把握空间转变有利于协调画面各要素之间的关系。在《梦魇》中大量使用空间由近及远、由上而下的变化，为表现大局、展现细节两个方面都有重要的作用，使得画面更具有立体感，加强了空间的层次效果。影片在对主人公“梦中跳舞”情节塑造时就运用了俯视的角度，表现出角色沉迷于自我幻想中不能自拔，使角色塑造地极富戏剧效果，有着深化故事主题的作用。5.总结场景设计是动画创作中重要的组成部分，一部上乘的动画作品必须要有独具魅力的场景设计为基础，而好的场景设计则由色彩、细节、空间等要素协同配合构成。现代动画影视作品不能仅仅只在于追求精彩的剧情和角色的复杂程度，也要注意画面场景与其二者的相互关系，不断变化运动的画面场景有时更容易引起观众的兴趣，场景设计的成功与否直接关系到整部动画影片的情节发展。本文从对动画影片《梦魇》的场景分析中，得出场景设计有推动故事情节发展、塑造角色性格、突出影片主题等发挥着不可替代的作用。总而言之，只有在充分理解剧情故事和创作背景下才能设计出适合情节发展的场景，才能提高整部影视动画的质量。参考文献1.韩笑．影视动画场景设计[M]．海洋出版社，2005．72.韩新顺．场景设计中的空间表现在动画影视中的重要性[J]．电影文学，20073.李铁、张海力: 动画场景设计[M] 北方变通大学出版社20064.孙立军．影视动画场景设计[M]．北京：中国宇航出版社，2003．65.吴冠英：动画造型设计[M]．清华大学出版社2002
影视剪辑编辑艺术论文2007-12-02 12:32影视剪辑艺术是电影电视艺术的重要组成部分。剪辑艺术随着电影的诞生发展而逐步形成和不断完善。影视剪辑编辑艺术又推动了电影电视的发展和成熟。影视艺术的有四个基本特性 。一是：视觉和听觉形象。影视艺术是视听艺术，电影电视都是通过画面和音箱，直接诉诸于人们的视觉和听觉，产生占83%的视觉形象和占11%听觉形象以及二者合一的银幕形象，进行叙事、抒情、表意，给人们以艺术的享受和审美的愉悦。二是时间和空间艺术。影视艺术既是空间艺术，同时又是时间艺术，是时间艺术与空间艺术的综合体。电影电视都是时间的移动中展示空间，同时又是在空间变化中展示时间，二者联系紧密，不可分割。这种时间和空间的复合，时间艺术与空间艺术的综合，是影视艺术的又一基本特性。三是逼真性和运动性。影视是“活动的照相”既能逼真地再现生活，又能生动地表现生活的运动状态和主体动作。逼真性和运动性是影视与生俱来的的本性。艺术家要努力发挥影视艺术的这一特性，将影视片拍的真实、生动、精彩。影视剪辑也要运用剪辑技术剪除虚假，剪出动感，剪辑出内在的真实与外貌逼真高度统一的影视片。四是综合性和艺术性。影视既是现在科学技术发展的产物，又有人类文化艺术发展的结晶。影视是新兴的综合艺术。科技是影视发展的决定因素。因此，综合性和技术性也是值得我们认真研究和把握的。剪辑在影视创作中具有举足轻重的地位。剪辑，作为影视艺术的有机组成部分，是在电视电影的发展过程中应运而生，独立出现并逐步完善的。同时剪辑艺术的进步，又极大地影响和推动了影视艺术的提高和发展。影视剪辑的功能和作用，用一句话就可以概括，即：正确、合理、高明的剪辑，能够增强影视片的艺术表现力和感染力。反之，错误、平庸、低劣的剪辑，就会减弱甚至破坏影视片的艺术表现力和感染力。剪辑（Film editing）是电影的后期制作流程之一，是由电影剪辑师将前期拍摄的视觉素材与声音素材重新分解、组合、编辑并构成一部完整电影的过程的总称。电影剪辑要处理的最基础问题，是镜头与镜头之间的时间和空间关系。而剪接（cutting）指胶片的具体工艺处理，蒙太奇既指镜头组接的艺术技巧，又常指由剪辑而获得的艺术效果，但在有些国家，蒙太奇也是“剪辑”的同义语。将一部影片拍摄的大量素材，经过选择、取舍和组接，最终编成一个能传达创作者意图的作品，是电影创作的主要组成部分、一部影片从拍摄到完成的一次再创作。目录 [隐藏]1 剪辑综述2 素材的工艺处理3 剪辑的过程和功能4 主要剪辑技法 传统剪辑技法 创造性剪辑 叙事、戏剧性效果剪辑 模拟、表现性效果剪辑 速度、节奏性效果剪辑5 著名影人谈剪辑6 参考剪辑综述早期阶段的电影只是将舞台剧原封不动地拍摄到胶片上，实际上是舞台剧的活动照相。20世纪初，从美国电影导演格里菲斯开始，采用了分镜头的拍摄方法，将内容分解为一个个不同的镜头分别拍摄下来，譬如用近景、特写等镜头来突出细节，用全景、远景来介绍环境，用一系列短镜头的快速转换来制造气氛和节奏，从而使电影摆脱了舞台剧活动照相的框框，成为一门独立的现代艺术，也由此产生了剪辑的艺术。Edwin S. Porter一般被认为是最早发明剪辑的电影导演之一。爱迪生公司早期制作的电影多是静止拍摄的短片，随着电影长度的逐渐增加，Edwin S. Porter拍摄了里程碑般的The Life of An American Fireman（1902）。第二年他拍了The Great Train Robbery，现在被当作早期剪辑术的范例。剪辑本来是导演工作的一部分，而且是非常重要的部分。随着科学技术的不断发展，电影从早期的无声片发展到有声片，剪辑的工艺越来越复杂，加上电影表现手法的不断更新，导演的创作任务也愈来愈繁重，他不可能再有时间，甚至未必有能力再去亲自操作剪辑设备、并剪辑影片了，于是便逐步产生了剪辑专业人员：剪辑师和剪辑助理。剪辑师同摄影师、美工师、录音师一样，是导演的亲密合作者。他从摄制组的筹备阶段开始，参加与导演有关的一切创作活动，如讨论分镜头剧本、排戏（即拍摄前的分镜头排练）等。他须充分理解编、导、演的构思和设想，然后根据导演提供的分场、分镜头剧本和拍摄时的更为具体的方案剪辑影片。分镜头（导演设计）与蒙太奇（镜头剪辑）是同一事物的两个方面。前者是意图，后者是实施。因此，也有人称剪辑为“分镜头的后期工作”。但“后期”并不意味着单纯的工艺操作，它是一个富有创造性劳动的阶段。镜头组接是否恰当，直接影响到银幕形像的完整性和感染力，决定着完成影片的质量。对剪辑依赖的程度，因不同导演的工作方式而异，但剪辑师除了较完整地体现导演创作意图外，还可以在导演分镜头剧本的基础上提出新的剪辑构思，建议导演增加某些镜头或删减某些镜头、重新调整和补充原来的分镜头设计，以使影片的某个段落、某个情节的脉络更清楚、含义更明确、节奏更鲜明。素材的工艺处理剪辑是一项既繁重又细致的工作。一部故事影片往往少则几百个、多则上千个镜头。画面部分有内景、外景，有实景和搭制的景。同一景中的内容通常都是集中拍摄的，剪辑时要按照内容的顺序重新编排；影片中的重要镜头因表演或技术上的原因，往往要反复拍摄数次，需要剪辑时要进行选择。大部分的镜头都拍得较长，须从中寻找最为理想的剪接点；有些要作长短镜头交叉出现的画面，连续拍在了几条胶片上，需要在剪辑时分切成很多的镜头，再按照最有效的镜头顺序排列起来。声音部分有先期录音、同期录音、后期配音3种录音方法，对这3种录音方法所录下的声带，要以不同的工艺和方式进行处理。先期录音大都是完整的唱段和乐段，须严格按照音乐的旋律和唱词与画面组合；同期录音的声带多半是“对形”的对白和音响效果，通常都和相应的画面同时剪辑；后期录音的内容有“对形”的对白、内心独白及旁白，有背景气氛音乐，有“画面”和“画外”的音响效果等等，一般都在画面剪定的基础上录音，这就要求剪辑时预先考虑到声画结合和声音所能构成的一系列艺术效果。在影片没有最后剪辑定稿之前，须妥善、有条理地保存所剪下的画面和各种声带，以便需要延长时再黏接上去。剪辑的过程和功能从镜头到场景、到段落、到完成片的组接，往往要经过初剪、复剪、精剪以至综合剪等步骤。初剪一般是根据分镜头剧本、人物的形体动作、对话、反应等将镜头连接起来；复剪是在初剪的基础上进行修正；精剪更为细致、准确，对画面反复推敲；综合剪是在全片所有场景的镜头都齐全、每个场景已基本剪好后，在对整个影片的结构和节奏做整体考虑的基础上进行的调整和增减。有些片断孤立地看是可行的，但与前后场景连接起来看，会感到太紧凑或太松弛，这就需要通过剪辑加以调节。这一关系到影片总体结构和节奏的调节工作，通常是导演和剪辑师共同研究决定的。主要剪辑技法剪辑既要保证镜头与镜头组成的动作事态外观的自然、连贯、流畅，又要突出镜头并列赋予动作事态内在含义的表现性效果。叙事与表现双重功能的辩证统一，是剪辑艺术技巧运用于电影创作的总则。为要实现上述双重功能，需要掌握传统的剪辑技法和创造性的剪辑艺术技巧。传统剪辑技法连贯、流畅是传统的剪辑技法，也可称作剪辑的基本功。这一技法的功用主要有两个：一是在镜头的组接和修剪中，保证镜头转换的流畅感，使观众感到所有画面是一气呵成地进行的；二是在影片的段落转换中，使上下两个段落之间既有一定的连贯性，又能清楚地划分出段落的界限，使观众不致把不同时间，不同地点的内容误认为是同一场面。连贯、流畅的剪辑技法，就镜头转换而言，须注意以下几点：防止错乱。镜头动作间的衔接须准确无误，既不脱节也不重叠；人物行动的方向、彼此间的空间关系，不致因镜头转换而造成视觉印象的混乱。如画面中的人物在他的书房里活动，上一镜头他由书柜向写字台方向走去，并且是由画面的右边走出画面，那么下一个镜头他走到写字台旁，必须是从画面的左边进画。右出左进的方向是一致的，因此是流畅的。如果上镜头是右出画，下镜头又是右进画，同一人物在两个镜头中的行动方向势必相对起来，容易在视觉上造成错乱。尤其是剪辑双方交战和追击等场面，方向性必须清楚，否则就会使观众难以区分两方。镜头转换协调。剪辑往往以不同镜头中动作事态的造型、节奏类似的部分为剪接点，以达到和谐的转换。常见的技法是“动接动”、“静接静”。“动接动”指在镜头的运动中和人物形体动作中切换镜头，如上镜头是摇摄，在未摇定时切换到另一个摇摄镜头上，而且摇的方向、速度接近，衔接起来的效果相当流畅，观众会随着镜头摇动非常自然地从一个环境或景物过渡到另一环境或景物。在推、拉、移、跟等的运动中转换镜头，“动接动”的原理是相同的。“动接动”更多是在人物的形体动作中切换镜头。如人发怒时拍桌子的动作，在电影里往往就是上下镜头的剪接点，即上镜头手举起，下镜头往下拍。“静接静”指在一个动作结束后（或在静场时）切换镜头，切入的另一个镜头又是从静到动。“静接静”多半是转场时运用，即上一场结束在静止的画面上，下一场又从静止的画面开始。静接静既是衔接和谐的需要。又可留给观众思考的余地。省略实际过程。就是通常所谓的紧凑剪辑，即同一动作内容可通过镜头的转换来省略其间不必要的过程，而仍然保持动作的连贯流畅。有的对人物意向表白、间接暗示行动过程的省略，有的省略动向动势压缩实际过程。如一个演员正在向阶梯跑去。在左面的镜头进程中，观众已开始认识到，既然这个演员朝阶梯跑去，那么当他真正到达时，他就会跳上二、三级台阶。在这样的情况下，把表现演员到达阶梯底部前几英尺时的镜头（右上）剪接到他已经踏上两三个台阶的镜头（右下）前，常常是能够让人接受的，这就压缩了动向动势的实际过程。连贯流畅的传统剪辑技法，镜头的转换习惯用“切换”（将分切的镜头画面直接黏连），但场面段落的转换，一般用“渐隐、渐现”表现上一个场面段落的结束和下一个场面段落的开始；用“化”来表现一段省略掉的时间过程，划分两个不完整场面的段落；用“划”来表现地点、场合、事件的变换，划分两个以上的不完整场面的段落；以上是利用洗印或摄影方法制作在胶片上的“光学技巧”。此外，还可以用很多方法来划分段落，例如仍用切换方式，只是在前段落转换时沿用最有代表性的人或景物镜头做为下段落的开头。传统的剪辑技法，遵循的是生活的逻辑，但又不是自然主义地再现生活中的一切过程。紧凑剪辑、省略剪辑也说明了镜头间动作纯粹自然的连贯并非总是必要的，压缩（或延伸）真正的时间，让有意义的动作事件全部表现，把自然动作减少到最低限度，是连贯流畅剪辑技法的一条重要补充原则。创造性剪辑剪辑艺术技巧，在长期的制片实践中，已具有丰富的经验，在欧美的理论著述中，有时统称为创造性的剪辑；特别是经过爱森斯坦、普多夫金等导演师的开拓探索和理论总结，已形成为蒙太奇的某些根本性的原则和法则，并被作为电影艺术独特的结构表现手段，渗透于电影创作的全过程。常见的创造性剪辑技巧有下面几种叙事、戏剧性效果剪辑尽管经过剧作构思、分镜头摄录，但电影叙事的生动、戏剧性效果，最终还取决于剪辑能否控制关键镜头的时间安排。叙事技巧的要点是，运用调整重点、关键性镜头出现的时机和顺序，在镜头动作事态的连贯中，选择恰当的剪辑点，使每一个镜头动作的新发展都在戏剧上最合适的时刻表现出来。故事片常提前暗示或有意延缓“危机”、“事变”来制造紧张期待的悬念、出人意外的惊恐。模拟、表现性效果剪辑内容或形式不同的镜头间的对列，是创造性的剪辑广泛运用的表现手法。一般引人注意的是通过剪辑的安排和穿插，将一些与直叙故事的内容相对比或者相类似的镜头并列在一起，以取得揭示内在含义、渲染情绪气氛的艺术效果。表现性剪辑的要点是在保证叙事连贯性的同时，利用连贯性表现超越直叙事态之上的思想与情感。这样的剪辑不但不使观众感觉到跳跃和不舒服，反而恰恰符合情绪和节奏的需要。它大胆地简化自然动作，有选择地运用统一的情绪，来集中渲染气氛和情绪。速度、节奏性效果剪辑当不同景别的镜头组接技巧在空间的具体造型方面成为电影独特表现手段的早期，已发现镜头持续的长短，在心理方面具有影响情绪的感染力。镜头短，画面转换快，引起急迫、激动感；镜头长，画面转换慢，导致迟缓乃至压抑感；长短镜头交替切换可造成心理紧张度的起伏。因此，剪辑控制画面的长短，可强化或减弱镜头切换中动作事态的速度，调整与叙事内容格调相应的情绪节奏。这种通过镜头长短对比形成的速度节奏的技巧效果，一般称作剪辑调子，通常叫作快速剪接或慢速剪接。镜头的长短基本取决于镜头画面内容的简繁，画面快慢的切换不能超越镜头内容含义的充分表达和为观众了解的最低时限。剪接调子也表现于场面或情节的段落。快速剪接段落，往往与慢速剪接对列，起互相强调的作用。一个场面（段落）的剪接调子，是由其中那些占有一定长度、一定放映时间的镜头数目来计算的，称作剪接率。数目少意味着场面内长镜头占优势，称作剪接率慢或慢调剪接；镜头数目多意味着场面内短镜头占优势，称作剪接率快或快调剪接。准确运用速度节奏技巧的经典例子，是爱森斯坦的《战舰彼将金号》。全片由3大段较大的运动组成，每段又分布着无数较小场面不同调子的运动。在叙述兵舰起义的第一大段中，水兵和军官冲突时调子越来越强烈，最后水兵起义夺取军舰达到高潮，是用逐渐强烈的画面片断以及相应的愈益紧急的剪接调子；高潮后逐渐进入一组平静的场景，一个水兵的葬礼使用极长的回转的镜头，这些镜头都使用平静的、缓慢的剪接速率。这里显示出不同场面剪接调子间的强烈对照。
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写作思路：可以从任何形式、体裁的影视作品， 都离不开剪辑这一艺术再创造过程这个角度出发进行阐述，中心要明确，语言要具有逻辑连贯性等等。
正文：
任何形式、体裁的影视作品， 都离不开剪辑这一艺术再创造的过程。剪辑决不是剪剪接接的简单技艺性操作。一个合格的剪辑师， 应该在深刻理解作品思想内容和艺术形式及导演总体构思的基础上，富有创造性地对前期摄制的画面素材和声音素材加以整理取舍， 运用蒙太奇技巧进行有机组合，使之达到结构严谨、节奏张弛有度、具有较强艺术表现力和感染力的完整作品。
18世纪60年代―19世纪中期，随着工业革命的实现，资本主义生产完成了从工场手工业时代到机器大工业时代的过渡，原始资本开始迅速膨胀，这为电影电视产业夯实了基础。1895年上映的《火车进站》，全长50秒，仅仅只是火车从远处驶进车站的单一无声镜头。随着电影产业的不断壮大发展，1927年有了有声片，20世纪初期有了故事片，30年代出现了彩色电影，这样电影产业才慢慢成熟起来。剪辑是随着电影的发展而产生的，利用剪辑，把不同的单一镜头片段拼接在一起，形成一种新的理解和感知，构成一组戏剧性的段落。
众所周知，纪录片要通过前期选题、中期拍摄、后期剪辑完成。纪录片中期拍摄不同于影视故事片，故事片可以根据导演的分镜头脚本逐一拍摄，最后按照分镜头脚本稍加改动便可成片，这种剪辑观念在分镜头脚本里袒露无遗，是一种显现的剪辑观念。
纪录片的特征就在于，所拍摄的镜头没有分镜头脚本作为依据，剪辑观念蕴含在导演的思想里。中期拍摄的时候就需要采集大量的原始素材以保证后期剪辑能顺利完成，而且所有的素材都是在现场临时采集的，这就决定了纪录片拍摄的周期相对要比影视故事片长一些，素材的采集过程中往往一个动作过去就没有第二遍的重复，这不仅要求摄影师拍摄时的捕捉能力，更要求导演具有逻辑性的剪辑思维，因此，这种剪辑观念是隐现的。
电影开始发展以来，形成了两种理论学派，一类是以爱森斯坦为首的蒙太奇学派，他认为将电影进行剪辑之后可以产生新的意义。第二类是以安德烈・巴赞的长镜头理论，他从自己的摄影本体论中提出了与蒙太奇理论相对的长镜头理论，着重体现“空间的真实”。这两种学派，其实都是建立在剪辑这门艺术上的，很多时候我们把它定位于第三度创作。
一度创作是文学剧本的创作，剧本的创作不同于抒情散文的笔法，他要求具有严谨的结构，丰富的戏剧冲突，立体化的人物形象，合理的情节叙事以及完整的情景，文学剧本是一部影片的基础，只有坚实的基础，影视作品才能继续下去。
二度创作是导演拍摄的素材，这是建立在文学剧本之上，将文字转化为镜头画面的过程，要充分利用导演的调度安排和视角去诠释文学剧本，这时候影片的雏形已经可以看出来了。
三度创作就是剪辑了，剪辑要在感知文学剧本的基础上，充分了解导演的思想，将零散的镜头剪辑在一起，形成一种创新。要把握好影片的结构、速度，加之导演的先进世界观，这是一项复杂庞大的工作，最终才能形成一部视听语言准确、故事讲述通畅、并告诉观众导演眼中的世界的优秀影片。
要研究纪录片的剪辑效果，首先要从纪录片的定义说起，所谓纪录片，是以真实生活为创作素材，以真人真事为表现对象，并对其进行艺术的加工与展现的，以展现真实为本质，并用真实引发人们思考的电影或电视艺术形式。而电影的含义则是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种连续画面。
由此对比可见，纪录片是现实生活的重现，这就奠定了纪录片剪辑的风格。它不能像影视故事片那样加入很多的剪辑特技，必须以反映现实生活为前提，形成一种质朴的剪辑风格。
最初的纪录片是没有剪辑观念的，《火车进站》一镜到底，纪录片发展到现在，虽然必须保留着这种质朴的风格，但是在剪辑上也进行了较大的革新，《舌尖上的中国——脚步》一集中，对于白马砍树上树采蜂蜜这个过程就使用了碎片化剪辑，增强了这个过程的紧张感。
因此，现代纪录片已经摒弃了古老呆板的剪接模式，也抛弃了纪录片由多数长镜头组成的观念，开始走向技巧化和大众化。现代纪录片中不仅仅只有长镜头理论，也会运用蒙太奇效果。
纪录片《阳光宝贝》中使用了对比蒙太奇，美日和非洲蒙古宝宝在生活条件上的鲜明对比，意在形成反差和冲突。在潘小扬的《小留学生》中多次运用了象征蒙太奇，影片多次出现倾斜的道路镜头，是象征日本经济的下滑。
电视纪录片《沙与海》中，导演将两个家庭不同的生活方式和思想观念交织剪辑在一起，这两件故事同时发生，但是却发生在不同的空间里，这就是平行蒙太奇。纪录片《幼儿园》里面的“好一朵美丽的茉莉花”的歌曲重复了四次，便是重复蒙太奇。
蒙太奇是电影电视作品中最常用的叙事手法，用来交待情节，展现事件，依据情节发展的时间流程、因果关系来分切组合镜头、场面、段落，引导观众理解剧情。现代纪录片中也使用了这一手法，使得纪录片的发展不再单一，呈现出多元化的趋势。