京剧戏曲鉴赏论文参考文献

罗马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。 历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂，康城的三圣教堂，德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻，都具有代表性。 罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，都是哥特式教堂。而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。 14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。 从15世纪后半叶开始一直16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕刻家，差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。 西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛...)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！

结合《牧童短笛》、《梁祝》、《春江花月夜》， 例析音乐中国民族音乐是博大精深的。而西洋音乐的发展也经历了十分漫长的过程。从近代以来，有很多中国音乐家致力于将中国民乐的元素融入西洋音乐中，即用西洋乐器演奏出中国民族乐曲、用西洋音乐表现手段演绎民族风格。钢琴曲《牧童短笛》、小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》和歌曲《春江花月夜》就是其中杰出的代表。我愿意这三部作品为例，谈一下我对音乐的基本表现手段的理解。常见的音乐表现手段有旋律、节奏、音色、和声、曲式、力度、速度、节拍、音区、调式、调性、织体等。这些表现手段通常被作曲家综合利用，用以达到某些效果，营造某些意境。在钢琴曲《牧童短笛》、小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》和歌曲《春江花月夜》三部作品中，作曲家对这些表现手段的灵活的运用使我叹为观止。以下分别作以详细分析：一 钢琴曲《牧童短笛》作为学钢琴者，我很早就接触并演奏过钢琴名曲《牧童短笛》，近日又听过石叔诚和郎朗的现场演奏版，不禁有意分析之。1 综述《牧童短笛》是贺绿汀在1934年创作的，根据我国童谣“小牧童，骑牛背，短笛无腔信口吹”而定名。全曲为ABA’三段体。呈示部（A）、再现部（A’）描绘了美丽的田园景色：明媚的春光，绿色的原野，清澈的溪流，欢乐的牧童骑在牛背上悠闲地吹起笛子，悠扬的笛声，使我们仿佛看见了天真可爱的牧童，闻到了乡野泥土沁人心脾的芬芳。发展部（B）是一首比较欢快活泼的舞曲，以节奏和弦为背景，旋律犹如笛声，明亮高昂，活泼跳荡，音乐描绘了牧童伴着清脆的笛声在嬉戏，情绪轻松活泼。“牧童短笛”既运用了西洋音乐的技法，又展示了民族音乐的特点。从它问世至今70多年来，以其浓郁的清新的乡土情令国人欢欣感动，惊奇赞叹。乐曲描绘了美丽的江南田野，上有浮云，下有流水，牧童和老牛，笛声和歌声。它是一首听得见的抒情诗，也是一幅看得见的风景画。以下就各个部分逐一分析。2 呈示部（A），旋律如下：（曲谱略）在这一部分中，我们可以很明显地看到复调风格。3发展部（B），旋律如下：（ 曲谱略）显然，发展部（B）活泼欢愉，呈示部（A）中的复调定法改变为和声音型伴奏的主调音乐。这一部分中，调式转成了G大调。右手高声部乐句间较大幅度的音区跨越，以及每一个乐句内轻快的节奏，大量32分音符以及16分音符的应用……展现出迥然不同与前面的另一种情境。最后说一下结束句。渐弱和渐慢使听众眼前浮现出牧童渐行渐远的景象。自然地收束了全曲，带给人“余音绕梁”的意境。二 小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》陈钢、何占豪于1959年写成《梁祝》小提琴协奏曲。乐曲是以中国家喻户晓的民间传说《梁山伯与祝英台》为题材，以越剧里的部分唱腔为音乐素材写成的。全曲以故事具有代表性的三段剧情——相爱、抗婚和化蝶为主要内容，分成3部分。其最重要的意义就是将中国戏曲的元素融入西洋音乐中，并且用抽象的音乐去讲述一个具体的故事。 1呈示部（相爱）《梁祝》引子和爱情主题如下：（曲谱略）突然，音乐急转而下，以散板、快板来表现祝英台在梁山伯坟前向苍天控诉。这里变化地运用了京剧中的倒班和越剧中紧拉慢唱的手法，形成第二个发展高潮——哭灵投坟在小提琴奏出了最后一句绝唱之后，锣鼓管弦齐鸣，祝英台纵身投坟，全曲达到高潮。3 再现部（化蝶）长笛和竖琴将音乐带入了仙境，加上了弱音器的小提琴重新奏出爱情主题。梁山伯与祝英台华为一对蝴蝶，从墓中飞出，双双翩翩起舞，永不分离。三 歌曲《春江花月夜》全曲如下：（曲谱略）此曲由古曲《春江花月夜》改编而来。由于加上了歌词，更加有利于我们理解歌曲想表达的意境。全曲中速、从容而有韵味。首句营造出一种静谧的气氛。正如歌词所述，旋律虽然有较大幅度的跳跃，但还是有“袅袅娜娜”的感觉。在音乐的中部，节奏缓急相间，富有歌唱性；旋律起伏较大，具有分明的层次和韵律。在音乐的尾声，再现前面的主题，再辅以悲伤的调子，令人听后久久不能释怀。 以上我对钢琴曲《牧童短笛》的旋律、节奏、和声、曲式、力度、速度、节拍、音区和调式，小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》的旋律、节奏、音色、曲式、力度、速度、节拍和织体进行了详细分析，对歌曲《春江花月夜》进行了综合简略分析。通过这些分析，我可以很明显地看见作曲家在综合利用这些表现手段“达到某些效果，营造某些意境”。

戏曲欣赏是件赏心悦目、容易上瘾的事情。在所有的视听艺术中，中国京剧是世界艺术殿堂中最高雅的艺术形式之一。 京剧从其形成期就广泛吸收了其他古老剧种的营养，天生具有优势；以后在其成长期又博采众长，历经千锤百炼，已成为一种较完美的艺术形式。她的唱腔丰富、悦耳，她的曲牌、锣鼓的套数多变，具有强烈的感染力。她的脸谱五光十色、形态生动。她的服装精致、华美，工艺堪称一绝。京剧的剧目涉猎广泛、包罗万象。京剧的表演更是美不胜收：规范的程式动作，虚拟的生活提炼，大写意的虚实相兼，加上众多行当的流派纷呈，争奇斗艳。这一切从不同方面形成了京剧艺术的无穷魅力。京剧艺术的特点表现在多方面，如服饰、化妆、表演、伴奏等。可见其难度和复杂。京剧的服装仿明制亦称"行头"，京剧的全套行头亦叫全箱，共分六箱，亦称六类。京剧的化妆里最复杂的脸谱是大花脸。京剧脸谱中常用的颜色中，红代表忠义，粉表示秉正、年迈，紫表示持重、稳练，黑表示刚毅、耿直，白表示狡诈、多谋，黄表示干练、凶狠，蓝表示勇猛、骄横，绿表示倔强、残暴，等等。 京剧的表演技巧和程式一般概括为唱念做打。剧中人物的心理活动、个性、虚拟的场面和故事的发展都要通过唱念做打体现出来。如果说表演中的念白和唱腔是音乐和语言的结晶，那么做和打就是形体艺术的高度抽象。戏剧演员在这几方面的功夫，综合地体现了其艺术水平的高低。戏迷们评价角儿时，也只要从这几方面着眼。这些方面的知识浩如烟海，涉及范围之广，非此短文所能涵及。 戏曲中高度提炼的表演，依据的是生活，却把那些不规律的、不美的、无意义的、琐碎的生活动作，统统略去，只提炼出那么一点美的、有特征的动作，用艺术的方法升华为"程式"。 高度提炼不仅表现在对生活动作的选择要少而精，更重要的在于对动作本身的提炼、升华。一旦动作被提炼为"程式"，它就从生活动作变为戏曲动作了，它既是生活，又远离了生活。戏曲表演由于"程式"的特性，决定了它和生活相比，总是处于既是非是、既像非像之间的。这是戏曲动作提炼为"程式"所显示出的一个表演特色。戏曲的虚拟动作最典型地反映了这个特色。 比如根据需要，进行舞蹈时，既要具有舞蹈的客观特征，又要考虑到戏剧的特殊需求。例如《霸王别姬》一剧，梅兰芳的这一段表演（舞蹈）有"实"的成分，指的就是武术"剑舞"合理的残留部分；它也有"虚"，指的就是由剧情和舞台所需而生发出来的部分。两部分结合、融汇进梅兰芳的舞蹈，所以它无比的美妙了，所以它也一直留存到了今天。 在表现战争中的激烈武打动作时，"虚实相生"的原理得到了进一步的应用，因此使得京剧的"武戏动作"达到了"恣意表现"的高度。戏曲表演还有些并非是直接从生活动作中提炼的。如座山雕走路时的屈背摇肩，是从鹫的姿态中提炼的。盖叫天从鹰的展翅凝视的姿态中提炼出刚健灵巧的表演"程式"。那么这些看来和生活距离很远的表演动作，就仍然没有离开生活的源泉。它是既像非像的，"非象"的部分，由观众的生活联想给予补充了。反而比"实象"更显得丰富逼真，座山雕的凶残在你对鹫的联想中形象化了。 中国戏曲中诸如此类凝练虚拟的程式很多，如水袖功、髯口功、手帕功、扇子功、椅子功、翎子功，等等，它们一起构成了中国戏剧艺术的独有的辉煌。如果戏曲表演没有高度提炼，就没有"程式"，也不会形成似像非像的艺术特色。所以说，中国戏曲表演最根本、最瑰丽的艺术特色是高度的提炼和合乎生活逻辑而又富有想象空间的虚拟。西方戏剧家们曾经试图建立"正在进行生活"的幻境，而中国戏剧艺术则坦白承认演戏是对生活的艺术表现，而不是生活本身。 黑格尔指出：“艺术理想的本质，就在于使外在的现象符合心灵，成为心灵的表现。”我们的京剧艺术其实就是运用唱念做打舞翻的各种程式技艺，也就是所谓外部的表演形式刻画中华民族的古典美，道德美，心灵美。 下面一首介绍京剧艺术审美特征的诗《京剧是诗》 一声“苦哇”！太阳飘了过去（把你带入了意境）， 一段慢板，地球转动停止（时空操纵在演员手中）。 一举杯，一次宴会（意到笔不到，写意性表演）， 一转身，行程万里（时空自由变化）。 时空的跳跃，浓缩于虚虚实实， “哇呀”花脸的怒吼， “喂呀”青衣的哭泣。 夸张的美， 含蓄的美。 超越着生活的模拟。 就说手吧： 一个手势，那是感情的触角， 一个手的造型，那是性格的写照。 并拢四指——庄重， 张开五指——豪放。 松弛的手指——苍老， 兰花指——描绘出女性的娇丽。 一招一式都在节奏中， 唱念做打都在旋律里。 音乐性可听又可看（载歌载舞）， 在灵感中浑然一体。 管弦，声带，打击乐， 发出民族的音色（绝不是舶来品）。 帕瓦罗蒂惊讶地倾听， 震得房顶落土的黑头（金少山的男高音） 羞得云雀远遁的青衣（轰动美、苏、日本的梅兰芳）。 狂风般的气势，情语般的细腻， 胜过普希金的手笔。 桨，意识着船，鞭，渲染着马， 边锣是水，更鼓是夜。 意象纷呈，物象转移。 舞台上得其“意”而忘其“形”， 观众者知其“形”而解其“意”。 京剧是诗，诗是京剧。

那要你自己体会啊，话说欣赏这东西就是欣赏了，讲什么价值~~~