中国艺术设计史的论文 室内设计创新之路室内设计如何创新，是一个长期的热门话题，它主要针对当前建筑室内设计创作中存在的一些问题，如忽视室内环境特点和要求，忽视建筑形式与内部空间的整体性，盲目照抄照搬、盲目追赶潮流、盲目进行材料堆砌、盲目听命于甲方老板、盲目追求效益的倾向而提出来的。 一切艺术创作的创新问题都是一个永恒的课题，因为没有创新就没有发展，所谓标新立异、推陈出新，都是指在继承过去设计创作成果的基础上，开拓新思路、发掘新的艺术表现形式，寻找新题材。在建筑创作范畴，还要探索新结构、新技术领域、开拓新的材料来源。我国现阶段的室内设计，由于受社会经济和文化发展阶段的制约，还没有形成既结合国情，又具有鲜明时代感的设计风格趋向，普遍出现照抄照搬西洋或中国古代建筑样式或装饰部件的情况，这就是社会上公认的以拼凑代替设计的现象。说明我们缺乏建筑室内设计专业基础知识和基本建筑文化素养。 其具体原因是： 1） 对建筑室内环境的意义缺乏理解，缺乏正确的建筑环境意识和念。2） 社会整体建筑文化发展的落后（或称繁荣中的危机）。 3） 建筑设计、施工管理机制不完善。从社会观察中发现一些问题十多年来，我国室内设计从无到有，出现空前活跃之发展势头，对于开创广大人民与过去完全不同的生活环境和工作环境发挥了巨大作用，在设计创作中也出现不少好作用。但由于室内设计作为一种专门的学科和专业，刚刚建立，人才培养还没有跟上形势，行业的兴起更是基础薄弱。出现上述情况是基于根本的设计观念模糊： 1. 对环境认识的模糊认为室内设计是在已有建筑空间中进行表面装修和布置家具、悬挂装饰灯具和布置其他装饰品。把室内设计看成单纯的视觉条件的改善。即是从简单的装饰要领出发去认识室内设计，把建筑室内空间内涵与建筑设计割裂开来。实际上，室内设计是建筑设计的一种延续，它们都是属于建筑设计范畴的。 室内环境的设计究竟包含哪些东西，这是值得进一步弄清的问题。室内设计主要指在现代建筑条件下，创造合理完善的建筑室内环境，以满足人们不断增长的物质和精神生活需要。当今室内设计越来越受到重视，是由于它具有很强的社会基础和充分反映时代的需要。 室内设计是现代科技和文化艺术的综合产物，对于室内设计的研究，受到若干新兴科学发展的影响，如行为科学、环境心理学、环境物理学、环境艺术和现代室内设计工程管理等。这门学科最广泛地包罗人的各种生活和生产活动内容，反映了人们相互交往关系和人与自然的关系。室内设计应充分体现人的价值特征，必须以人为主体确立设计依据，研究人的生理和心理特征，寻找和它们相适应的环境形态结构。研究室内环境问题，要研究人的多种生活体验，研究人的感觉、知觉、习惯、智能和各种生活活动规律以及人对于室内环境的各种反映等。 室内设计又是一种文化活动过程，是社会文明的一种标志。建筑室内空间往往以自身形象（包括空间形式、节奏和秩序）和相关的装饰手段来反映时代和社会特征，不同的室内空间表现不同的环境气氛和具有不同的艺术感染力。（通过视觉、听觉、嗅觉、弱觉等来完成） 如果不从以上室内环境意识的观念出发，社会造成设计思想的混乱。 2． 在社会文化变革，建筑文化变革中出现的模糊观念。改革开放，使中国文化受到外来文化的冲击，这 种冲击表现为大量西方科技、文化被引进，在文化艺术领域里，典雅的、通俗的、理性和非理性的思潮在无选择的传播。总的说来，对于我们拓展视野、更新文化观念、繁荣艺术创作，起到重要推动作用。建筑（包括室内设计）作为文化的表现形式（或载体）在外来建筑思潮影响下，使我们在追求时尚的社会心理之下，普遍表现为求新、求异，或追求多样化。这种倾和和我们比较熟悉的后现代主义恰好不谋而合。我们讲的拼凑现象，在很大程度上是这种倾向的有意无意的表现。这是当前典型的室内设计的社会模式。后现代主义是一种建筑思潮，由于其形式和内涵的多样性和通俗性，而成为一种雅俗共赏的时尚建筑形式。后现代主要针对现代建筑存在的某些问题提出的另一种颇具哲理性的创作方法，它对于当代建筑的发展具有积极意义。但是社会上对多种建筑形式的生搬硬套，或者照抄一些后现代建筑师作品的某些细部，实际上它的建筑内涵十分浅薄，有的甚至与后现代的基本思想的混乱表现之一种，其直接原因是建筑理论研究与设计实践脱节。 3． 市场经济冲击下出现某些社会扭曲现象，严重影响了设计创作的正常发展。现阶段市场经济发展带 来的不公平竞争，使室内设计创作面临许多新问题，其中主要是设计成果的商业价值与文化价值的冲突。有的人为了单纯追求效益而盲目顺应甲骨文方要求。某些暴发的老板没有文化素养，在他的设计下出现华而不实，谈不上什么文化品味的东西，一些奇而不美的低劣设计普遍出现，严重损害了建筑的功能和价值。严格说，这是丧失设计者的社会责任，甚至是出卖职业道德，这是一个难以解决的社会问题。 4． 室内设计材料使用的模糊观念在不少室内设计工程项目中出现盲目使用高档材料的倾向。有的人自 知设计没有什么内容，便用大量高级材料去掩盖设计上的缺陷，这也是当前设计创作中有代表性的倾向。 建筑空间是由一定实质材料的界面所组成，选用不同材料的结构和围护构件，按照材料，基本性能和力学规律围合成的室内空间，具有满足使用功能和人的审美要求双重特征。运用不同材料，在室内出现不同形式的空间界面（如蓬波杜中心的金属结构天棚、居室中的木屋架等）在室内产生各种形式的线、面、体等空间构成要素，这是材料与结构对室内环境产生的综合影响。某些新材料构件的应用，如大型玻璃隔断，使室内空间出现通透感，大大丰富了室内空间层次变化，这些都改变了传统建筑形式和它的设计方法。所以从某种意义上讲，室内空间的整体形象是材料，结构和空间共同体现的一种综合性艺术形象。 另一方面，材料因为体现了本性才获得价值，材料的质地和肌理可以加强空间环境效果，并使它的基本形象更具有意义，所以任何材料的运用都应体现其本质，如建筑材料中的木材料的运用都应体现其本质，如建筑材料中的木材被认为是最具有人性特征的材料，人们都愿意接近并喜爱它生动的纹理和天然光泽，在使用时有意去表现它。砖是一种普通材料，但在当代建筑师心目中仍然把它看做一种富于自然品格和表现力很强的材料，国外不少低层住宅、办公室和一些文化类建筑室内，普遍采用清水砖墙，在现代环境中不断更新其材质和表现特性，砌筑方法，开发其新的肌理，使它发挥更大潜力。 对于室内装饰材料的研究，除了掌握其功能特点外，主要应研究材料本身的素质和艺术表现力，以及人的视觉、心理反应等。 室内设计的各种意图，必须通过材料的合理运用来完成，可以用在室内环境中的材料很多，但要达到合理运用则比较困难，我们应当学会主动驾驭材料，最大限度发挥材料各自的优势，而不能盲目乱用，甚至无原则的高级材料堆砌。对于高级装饰、装修材料的使用，应重点突出，体现高材精用的原则。目前，很多工程中，不分重点地将一类高级材料，如花岗石、不锈钢、高级硬木、镭射玻璃等到处乱用，以为这才能体现他的所谓装修档次，这实际上是把使用高贵材料和提高环境质量两件完全不同的事混为一谈。 这种指导思想，离开室内设计基本方向和原则，不仅造成严重经济损失，而且使室内环境给人一种不伦不类暴发户的印象，或者说是把室内设计简单化、庸俗化。
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这两篇，你可以参考下，，，，(1) 浅谈罗可可艺术的女性化特征内容摘要 ：产生于法国18世纪的罗可可艺术反映的是上流阶层的审美趣味和审美价值，是集享乐、奢侈、豪华于一体的艺术样式的代名词。文章通过研究法国路易十五时期的社会和文化特征，探讨表现在建筑、家具、绘画以及服饰方面的女性化风格特征。关 键 词 ：罗可可 宫廷贵族艺术 女性化18世纪的法国是启蒙运动的时代，由于国家对工商业与文化实行奖励政策，促使资本主义经济飞速发展，文学艺术也随之蓬勃与兴盛。经历了男性理性时代的法国人开始渴望柔和暧昧的女性化情感，尤其是没落的封建贵族们，他们从路易十四时期的繁文缛节中解脱出来之后，开始追求奢侈享乐的生活，崇尚轻浮华丽的艺术，罗可可艺术便应运而生，并且迅速成为法国乃至欧洲的主流艺术和社会风尚。“罗可可”一词意为“贝壳工艺”，指用贝壳、石子等做假山，或以旋涡纹、花饰为主的装饰形象，后来引申为一种纤巧、华美、富丽的艺术风格。罗可可艺术强调浪漫情调，它从东方、中世纪和古罗马的装饰风格之中得到启发，还吸收了中国清代丝绸、瓷器、漆器等工艺所特有的精致细腻的纹样，以及镶金嵌银的装饰风格。罗可可艺术崇尚自然，多以贝壳、山石、花草作为装饰题材，用富于女性化象征的S形、C形或旋涡状曲线夸张地伸展和缠绵卷曲，因此优雅、柔媚、华丽与繁缛成为罗可可艺术的典型特性。如果巴洛克艺术是男性化艺术象征，那么罗可可艺术则是典型的女性化艺术。路易十五的情妇蓬巴杜夫人不仅是罗可可艺术的保护人和倡导者，又是罗可可艺术的象征性人物，她引领了整个法国的艺术潮流，在她的推波助澜下，罗可可艺术成为压倒一切的艺术风尚，因此罗可可艺术又称“蓬巴杜风格”。罗可可艺术风格几乎侵袭了宫廷贵族精神生活的一切领域。“在18世纪，罗可可趣味是随处可见的，贝壳、草茎和花朵是罗可可样式最常采用的装饰母题；即便是一件日用器皿，也能感到是罗可可时代的一个缩影。”①可以说，罗可可风格渗透到法国人日常生活的每个角落，它不仅体现在绘画与建筑上，还涉及到音乐、文学等多个艺术领域。罗可可建筑与室内装饰罗可可建筑是在巴洛克建筑的基础上发展起来的，它由巴洛克式的富丽堂皇、气魄宏伟的宫殿转变为优雅别致的别墅与私邸，而且还处处体现了女性化的安逸、亲切和舒适的装饰风格，如室内的柱子与楼梯修长而小巧；天花与墙面间以弧面婉转相连；房间的角落砌成柔和的圆形。罗可可式室内装饰总体倾向自然主义，它将草叶、贝壳、石子、蔷薇和棕榈作为装饰题材，不仅用在墙面和天花板上，还用在栏杆、窗台、壁炉、镜框、门窗等一系列装饰构件上。此外，还在室内张挂绸缎的幔帐和晶体玻璃吊灯，陈设瓷器古玩，以显示主人的豪华与高雅。罗可可建筑与室内装饰多采用娇嫩明快的色调和富有光泽的色彩，并且尽量避免强烈的对比，如墙面粉刷，多用白色、粉红色、嫩绿色、淡黄色等浅色调，线脚多用金色，使室内闪烁着迷人的光泽。由于在装饰上过于繁缛花巧，罗可可建筑与室内装饰的格调显示出过浓的脂粉气。罗可可家具罗可可家具由其装饰形式的新思想出发，整个家具设计都由富有节奏感的曲线或曲面构成，可以说，女性化的柔美与纤巧的格调在罗可可家具上体现得淋漓尽致。设计师从妩媚修长的女人体得到启发，创造出秀气、高雅、轻巧的家具，以芭蕾舞为原型的椅子腿最为典型。沙发靠背、扶手、画框大都采用细致典雅的雕花，椅背的顶梁有玲珑起伏的“C”形和“S”形的旋涡纹的精巧结合。罗可可家具在制作工艺上采用了青镀金、雕刻描金、线条着色，或镶嵌花线与雕刻相结合的装饰手法，讲究精致繁琐，这种富于想象力的细线纹饰使得家具显得愈加轻盈纤柔。所有这些致力于追求外形特点的家具，构成了罗可可风格时代的贵族们浮华绚丽的生活场景的不可缺少的元素。[next] 罗可可绘画“罗可可”以一种轻松优雅的风格使绘画彻底摆脱了宗教神学的教化思想，此时的艺术理想由雄伟转向了愉悦，享乐的世俗生活和欢愉的爱情是罗可可绘画的主题。特别是青年男女爱情的风流韵事成为广泛的题材，罗可可绘画讲求细腻入微的感官享受，甚至追求形象肉感和性感描写，即使是男人肖像也带有女性化的纤柔。画家华多以轻柔的笔触和淡雅的色彩，在画面中渲染出一种如梦的境界，以此来衬托动作优雅、绮罗遍身的男女们。这些男女们虽在远离尘世的仙境中野餐，谈情说爱，尽情地安逸享乐，然而甜美中却浸有淡淡的忧郁。正是这种“夕阳无限好”的意味，使华多避免了浅薄的思想而超越了其他罗可可画家。罗可可风格在布歇和弗拉戈纳尔的作品中表现得更为突出，他们对感官之美真实大胆，富于情调效果的追求，成为了那个无忧无虑、奢华萎靡时代的诠释者。罗可可服饰罗可可时代是女人的时代，女性浪漫而华贵的服饰把那个时代渲染得无比精彩。突出妇女的体形美是罗可可女装最大的特点，罗可可女装流行内穿束身紧身胸衣，胸衣领口开口很低，并以褶裥、荷叶边和蕾丝花边装饰领口，以衬托女性丰满的胸部。受东方文化影响，女装裙子面料流行飘逸温软、高雅而精致的丝织物，内以鲸骨做撑架，这种裙撑越来越大，犹如盛开的花朵，裙撑外的多层衬裙要将外裙前摆卷起至后臀处打褶垂放，目的是为了使臀部更突出，腰肢更纤细。罗可可女装经常在局部饰有精巧的刺绣工艺、蝴蝶结、玫瑰花，再配上独特而夸张的假发和帽子，显尽了女人的华丽与娇柔。男子服饰没有领子，领口有一排长而密的扣子，将前襟去掉，就形成了日后的燕尾服，而颈前的蝴蝶结，就是今天的领结。结语风靡一时的罗可可风格随着蓬巴杜夫人的亡故逐渐被新古典主义取代。由于罗可可艺术一直被禁锢在高雅文化中，只为上流社会苍白、颓废、娇弱的思想生活服务，不免显得过于娇媚浮华，缺少了精神内涵的深刻性。但是，罗可可艺术夸张的手法和独特的表现形式则使它具有了超时代艺术生命力，甚至至今还为艺术家们提供着创作思路。(2)包豪斯的发展对现代设计的影响在当今社会生活中，现代设计参与并影响着人们的生产、生活。艺术设计、环境艺术、工业造型等各个领域，都直接或间接受到“包豪斯”的影响，或多或少有其设计理念的意识存在，如“艺术与技术相结合”的指导思想，产品的使用价值与审美价值的辩证关系等。德国包豪斯（Bauhaus）学院，成立于1919年，是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院，是由德国著名建筑师现代主义建筑与现代主义设计的奠基人格罗皮乌斯（Walter Adolf Georg Gropius，1883—1969）建立。“包豪斯”一词是从中世纪的“土木行会”转化而来的，其意思是建立像中世纪匠师们那样通力合作的关系，力图打破纯艺术和工艺技术之间的界限，团结艺术家和工艺技师一起创造出精神和物质合一的、完美的美术作品，其实质是推进现代新技术下造型艺术的创造。包豪斯学院是世界上第一所建筑工业设计学校，它的诞生是现代建筑工业设计的一个里程碑。①根据其校长的任期，包豪斯可以分为三个阶段：格罗皮乌斯任校长的1919—1928年，迈耶任校长的1928—1930年和米斯·凡德罗任校长的1930—1933年。校长的作用对包豪斯具有重要的意义。②根据校址的三次迁移，包豪斯经历了魏玛时期（1919—1924年），迪拜时期（1925—1930年）和柏林时期（1931—1933年）。在学校构成、教学思想、专业课程设置、师资制度及设计理念等方面，包豪斯学院发生过许多重大变化。即格罗皮乌斯的理想主义与其浪漫的乌托邦精神，迈耶的共产主义政治目标，米斯的实用主义方向与严谨的工作方法。所有这些虽都具有强烈而鲜明的时代烙印，但同时也成就了包豪斯精神内容的丰富性、文化特征的复杂程度，这为现代设计教育奠定了基础，对现代建筑及工业设计革命做出了巨大贡献，同时对世界文化也有着深远的影响。1919年4月1日，第一次世界大战结束以后，包豪斯正式在魏玛成立，格罗皮乌斯亲自拟订并发表了《包豪斯宣言》，在宣言中他提出：“完整的建筑物是视觉艺术的最终目的……建筑家、雕塑家和画家们，我们应该转向应用艺术……艺术不是一门专门职业，艺术家与工艺技术人员之间并没有根本上的区别……让我们建立一个新的艺术家组织，在这个组织里面，绝对不存在使得工艺技师与艺术家之间树起很大障碍的职业阶段观念……”③在《包豪斯宣言》中，格罗皮乌斯的核心思想：一是打破艺术种类的界限。二是将手工艺人的地位提高到艺术家的层次。这就是格罗皮乌斯所说的“艺术和技术——新的统一”的含义。约翰内斯·伊顿（Johannes Itten,1888—1967）是一位瑞士画家，是被公认为世界上第一位系统地创造现代设计基础课程的人，是包豪斯预科基础课程的第一位主持人。在基础课程中，他特别强调两个方面：一是对形态、色彩、材料、肌理的深入理解与体验，包括平面与立体形式的探讨与理解。二是通过对绘画的分析，找出视觉的形式构成规律，特别是韵律和结构两个方面的规律，逐步使学生对自然事物有一种特殊的视觉发展的敏感性。同时，伊顿也是最早开设现代色彩系统教学的教育家之一，但是伊顿醉心于早期基督教哲学和中国哲学，具有敏感力和浓厚的宗教意识。所以，其教学方式与内容往往是将科学视觉形式与神秘主义精神混作一体，有些干扰了正常教学，从而遭到了很多批评和抨击。最终他于1923年离开包豪斯，去苏黎士从事艺术创作，并继续研究中国哲学。1922年10月份，拉兹罗·莫霍里·纳吉（Moholy Nagy,1895—1946）接替了伊顿位置。他年轻活跃，才华横溢，曾被格罗皮乌斯誉为“在建立包豪斯教育中最活跃的同事之一，包豪斯的许多建树都是他的功绩”。④纳吉使包豪斯预科摆脱了哲学倾向，具有明显的技术倾向。在艺术设计中，他使美学适应于结构逻辑，他为预科学生安排了三组课程，即工艺类、艺术类、科学类，使学生了解材料的属性，掌握形式表面、结构、容积、空间和运动等概念的内容，学会使用手动工具和生产设备，熟悉造型表现的原理，让学生的形象知觉和理性思维结合起来。纳吉是一位把包豪斯的艺术概念运用到工业和建筑上去的主要理论家，是继格罗皮乌斯之后，成为包豪斯思想传播和发展最有影响的人物，影响了整整一代艺术家、建筑师、设计师。 [next] 包豪斯预科的第三位主持人阿尔伯斯(Joset Albas,1888—1961)，同样具有理性思维的教学倾向，但比纳吉更具有实践性。他十分强调学生认识材料及工艺特性，使学生在制作工业产品上完全贴近实际任务。阿尔伯斯经常和学生一起讨论、分析作品。他认为，双向交流比教师单向讲授更有助于发展学生的结构思维。表现主义画家克利（Paul Klee,1897—1940）与抽象绘画开拓者康定斯基（Vassily Kandinsky,1897—1944）也是包豪斯最有影响力的成员，他们对完善学院的教育体系起到了积极的促进作用。克利的理论知识丰富，是现代艺术中敏感性极强的人。他所关注的不是抽象与具象的分野，而是如何把所有元素从统一规范中解放出来，分解、组合、重建，构成多声部的整体，通过动态平衡，造就永恒的和谐，使之接近创造的核心。⑤克利的“自然现象的分析”“造型、空间，运动和透视研究”这几门课程，从造型的作用说起，论述自然与物理、数学的关系，以及与人的认知之间的关系。他尽量把理论简单化、明确化，注重形式的分析，并善于将元素进行组合研究，强调感觉与创造性之间的关系。康定斯基是一位伟大的表现主义大师，现代抽象艺术的先驱。他的教学是从完全抽象的色彩与形体理论开始，然后把这些抽象的内容与具体的设计联系起来。其关于点、线、面的论述在包豪斯的基础课教学中发挥了重要作用。而这些内容已成为现代设计教育体系中平面构成的先声。包豪斯强调造型艺术的结合，提出艺术与技术相结合的思想；强调新的工业产品的使用价值与审美价值的辩证关系；强调使用新的物质材料、新技术和实用功能决定的现代抽象形式；强调艺术设计才能与工艺制作劳动相结合；强调艺术家之间的协作和打破艺术家与匠师之间的壁垒。包豪斯奠定了现代设计教育体系的基础，其课程结构与教学方式成为世界许多学校设计教育的出发点，培养的杰出设计师把现代设计推向了新的高度，其精神、观念与方法在相当长的时间被奉为现代主义的经典。包豪斯在设计中提倡自由创作，反对模仿因袭、墨守成规，提倡在掌握手工艺的同时，了解现代设计的特征，大力开展国际、国内之间的交流合作，培养具有现代设计文化性格的新型人才，具有创造性思维能力，集艺术、工艺、设计于一身的新型人才。包豪斯的设计思想为现代设计思想的拓展和完善提供了可遵循的依据和准则，使现代设计思想更趋于系统化、规范化。包豪斯所提倡的功能化的设计原则，使现代设计对产品功能的物质载体重新加以探索，有效地利用载体，使载体多功能化，对材料、造型、使用环境等诸要素也进行了更深入的研究。包豪斯的发展是坎坷的、短暂的，但其影响在世界范围内却是巨大的，我们在吸收包豪斯的设计理论和教育思想的同时，应该结合现实中具体的问题，将科学探索精神及现代审美意识与本民族传统文化有机地结合起来，更好地促进现代设计的发展。如今，人类已进入21世纪，现代设计如雨后春笋，呈现出突飞猛进的态势，并渗入到与人们息息相关的生产、生活的各个领域，并且跨越众多学科门类和体系。虽然仅开办14年的包豪斯已经过去了86年，但是包豪斯的设计思想对现代设计产生了深远的影响。注释 ：①张彤.整体地域建筑理论框架概述[J].华中建筑，1993（3）：22.②凌继尧，徐恒醇.艺术设计学[M].上海：上海人民出版社，2000.③王受之.世界现代设计史[M].北京：中国青年出版社，2002：142.④张夫也.外国工艺美术史[M].北京：中国翻译出版社，1999：525.⑤汪炳璋.包豪斯的工业设计及其发展研究[J].安徽建筑工业学院学报(自然科学版)，2005(12):36.
当代艺术其实就是要研究特定 文化 背景下的文化现象,而当代艺术本身就是一种需要深究的文化艺术现象。下面是我为大家整理的视觉艺术研究论文，供大家参考。
【摘要】符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。
【关键词】视觉艺术;符号;转换;再生
著名符号学家安伯托?艾柯(Umberto Eco)说:“人是符号(sign)的动物。”1人类籍由符号来表达内心世界,传递信息。将日常所思通过一定的语言形式,包括声音、视觉、肢体行为将一个整合的概念传达给对方。符号学(Semiotics)是一种关于符号和运用符号,包括观看符号的理论。符号学并不是一种历史性的学科,而是一种阐释性的学科,但它能够在历史的探索中被加以有效地整合。符号学集中关注构成和表征的问题,将“文本”看作是产生意义的符号的特定合成。这是一种不带霸权和强制要求的有限度的视角。2
艺术的起源不论从模仿说、巫术说、劳动说的角度出发我们都可以看作是人类符号化的开始。原始人用肢体捕捉动物的动作,用声音模仿动物的鸣叫,用矿物质将动物的形态描绘在崖壁上,手舞足蹈用简单的语言交流,于是就有了最初的舞蹈符号、音乐符号、美术符号、语言符号。随着社会分工的日益复杂化,人类社会不断进步与发展,符号内容也就变得越来越复杂化、微妙化,同时也在自然科学、人文科学和社会科学各个不同的领域得到了广泛深入的运用。
视觉艺术作为一门研究经由肉眼产生联想的人文科学,符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。作为一套工具,符号学提供一系列我发现可以深入细致分析艺术作品的有用思想和观念。当这些思想和观念可能由心理分析、叙述和修饰理论引发产生时,它们就产生与传统艺术史并不发生矛盾的洞察力。事实上,这些思想和观念常常能够使学生在运用主体间的可使用的 方法 上更为精确,并使阐释更具有系统性。3
一、视觉艺术符号的分类
在符号与其所指涉的对象(即其指向与涉及的事物和领域)的关联上,目前在符号理论研究领域普遍认为可以将符号区分出以下三种不同的类型,同时也是符号的三个层次:4
1、图象符号(ICON):图象符号是通过模拟图形与对象之间的相似而构成的,图象符号是一个直接感知的过程,在图象学中属于写实的范畴。如肖像画、照片等,当我们面对这样的作品的时候通常都能够得到比较直观的感受,比如说“画面上有什么内容。”
2、指示符号(INDEX):指示符号与所指涉的对象之间具有的因果或是时空上的关联。如“指示牌、路标”。从广泛的角度来说,设计艺术中的视觉流程法则也属于指示性符号的范畴,由于生理的特点,眼睛在浏览的时候会表现出一种时间性、方向性与选择性,也就是说视线会沿着画面重心,即最佳视域,向某一个方向有选择性的移动,体现出视觉的流动性特征。
3、象征符号(SYMBOL):象征符号与所指涉对象之间无必然的或是内在的联系,通常是指约定束成的结果,它所指涉的对象以及有关意义的获得,是由长时间多个人的感受所产生的联想集合而来。同时符号的象征性也是是符号学里最深层次的特性,是符号产生与对象思维过程中相关内涵的延伸以及联想。比如线条的曲折、色彩的冷暖、材质的软硬都会给人以相应的情感体验。
二、视觉艺术符号的理解
人类的意识过程,其实是一个将世界符号化的过程,思维无非是对符号的一种挑选、组合、转换、再生的操作过程。因此可以说,人是用符号来思维的,符号是思维的主体。那么我们又如何从符号学的视角和运用符号学的工具去解读图像,符号如何能够使我们从我们已经认知的事物中疏离出来,以便理解某些新的事物?在这里,我想就当代油画家张小刚的作品《男青年》按照符号学的原理进行分析。
张晓刚《男青年》布面油画
1、生成图象意识
要对视觉符号进行阐释有时候是一个非常复杂的过程,需要结合上心理学的以及历史学的概念进行理解。
当我们在欣赏一件视觉艺术作品时,我们首先会在思维中形成一个表象,即作品中有什么内容,是具象符号还是抽象的符号。如,当我们在接触到当代油画家张小刚的作品《男青年》时,首先意识到的是一个男青年,带着眼镜,脸上一块红色的疤,灰蓝色的调子,一块红色的疤痕这些图象性的符号。 2、探询图象的象征性意义
得到以上信息后我们接下来会想知道隐藏在艺术家(即符号创作者)创作意图中的“更深层次的”,或派生出的意义。如果我们说一件作品具有一种更深层的意义,我们通常指的是作品传达了一种我们在最初观察中还无法确定的潜在的观念,以即是符号的象征意义。当然需要找到艺术家的意图我们必须对艺术家本人以及他所处的时代背景有一个基本了解。
我们现在就来试着探询阐释艺术家想要传达的观念信息。我们知道张小刚出生在上个世纪50年代末期,他经历了新中国成立后最动荡的历史时期,特别是“”在他们那个年代的人身上都产生了深远的影响。
那么现在我们回到画面(符号)本身,留着小平头的男青年,干净白皙的肌肤,一幅标准文弱书生的派头。我们知道眼镜是有知识、有文化的人的象征,中山装是那个年代的通用着装。灰兰色的背景衬托阴郁、孤独与冷漠的气氛。面颊上被生生揭开的一块,形状如肩章的伤疤显得尤其冷艳。结合上面的分析,我们也可以将它理解为那个热情火红时代的鲜红烙印。目光被吸引到左下角,略显呆滞,嘴唇微启似在观看一个什么令人震惊的场面,又面无表情,一种孤寂、压抑的情感得到充分的表现。所有的一切符号都在追忆一个时代的伤痕主题,这除了是一种回忆,同时也折射了现实社会人与人之间的冷漠。
视觉艺术符号的创作者在产生一个理念之后,综合自己对象征性符号的理解把握,选择合适恰当的视觉手段,将理念传达出来。然后接收对象即观众再通过自己对象征语言的掌握与理解,把接收到的视觉信息在思维中转换再生。(下转第99页)(上接第98页)当然,鉴于个体情感特质、生活 经验 、知识结构的差异,一件作品最终还原到观众思维中的形态是各有不同的,所以有了“一千个读者便有一千个哈姆雷特”之说。当一个人看见一幅绘画,表现的是关于一只果盘的荷兰静物画时,这个图像在其他的事物中)就是关于某种别的事物一个符号,或表征。观看者在她或他的脑海中形成有关该事物的一个意象,她或他就会把这个意象与该事物联系起来。心理的意象,而不是形成这个意象的个人,就是解释符。这个解释符指向一个客体。该客体对每一个观看者来说是不同的:对一个人来说它可以是真实的水果,而对另一个人来说也可以是别的静物画,对第三个人来说可以是一笔巨款,而对第四个人来说也可以是“17世纪的荷兰”,等等。而该绘画所表现的客体因此基本上是主观的和由接受者决定的。
视觉艺术本身就是关于符号的表达方式,创作者借由它向观者传达自身的思维过程与结论,达到叙述的目的;换言之,观者也正是通过创作者的作品,与自身经验加以印证,最终了解创作者所希望表达的思想感情。显而易见,作为中间媒体的视觉艺术作品,这时就充当着创作者思想感情符号,而这个符号所需表达的信息是否可以被观者准确的、快速的、有效的接受与认知,就成了创作作品成功与否的标志。这正是由创作者在创作的思维过程中对符号的挑选、组合、转换、再生把握的准确有效程度所决定的。
参考文献
[1]李幼燕著《理论符号学导论》,社会科学文献出版社,1999年6月版。
[2]米克·巴尔:《观看符号/解读绘画——运用符号学理解视觉艺术》载于《世界美术》2007年第1期。
[3]巴尔·布列逊:《符号学与艺术史》1991年。
[4]常宁生《艺术史的图象学方法及其运用》载于《世界美术》2004年第一期。
内容摘要：一部视觉艺术史的发展史也就是色彩的发展史。从上古的色彩崇拜到古典时期的色彩模仿，从浪漫主义时期对色彩的解放到印象主义对光和色的迷恋，在艺术史上，每一次对色彩的再认识和再阐释，总会引起视觉艺术的巨大变革，从而产生新的视觉艺术现象和理论话语。
关 键 词：色彩随类赋彩固有色民间色彩光印象
所谓色彩，在普遍意义上讲是人对色彩的感觉。对色彩的 爱好 和对色彩的选择，具有极大的主观性，所以不应把某种色彩标准绝对化，应承认多样的和发展着的色彩标准，从不断变动的色彩观中认识它们各自的特点，研究它们各自的异同之处，把握它们的内在联系，从而在色彩世界中达到“万物皆备于我”，而不是被束缚在一个狭隘的范围之内。偏爱是容许的，但偏执和偏见却无益于艺术的发展。
固有色——永恒美丽的理想色彩
太古之民把色彩作为一种手段，其目的在于将描画对象从背景中显现出来，即从空间背景中分离出物象，所以他们只认识红和黑，因为红色最引人注目，黑色与亮底色对比最大，因而在他们看来红是美的，黑也是美的，所以红黑搭配是美的。诉诸于艺术表现，他们将自然的一切色彩通归结为红与黑。河姆渡新石器时代的木器即以红、黑为装饰;世界各地的彩陶以红、黑为装饰;原始的洞窟壁画大都采用红黑二色……对黑红配置的喜好沿袭至今，这在一些民族的服饰中表现尤为典型，中国的藏族服装、彝族服装等都以红色为主色。
人在实践中丰富了感觉，增加了对外在事物的认识，并且在早期艺术活动中抓住物象永恒的、持久的固有色，寻求它们在空间的恰当联系。这样，人们发现了色彩的静态美，这样便有了对色彩永恒价值的追求，有了固有色的理念。
艺术离不开模仿，德谟克利特和亚里士多德都认为，艺术的力量就是模仿。达·芬奇甚至说：“……假如你在用自己的艺术模仿自然界所产生的形式的全部特质时不是一个万能大师，那么你就不能成为一个好画家。”固有色的色彩观正是产生于对自然的永恒和凝固的色彩美的模仿。
固有色观念曾长期主导美术创作，在西方，文艺复兴的作品最具代表性。在中国可以举出唐代人物、宋代花鸟和许多杰出的民间艺术作品。他们在固有色的表现和色块空间安排上都达到了极高的成就。运用固有色的经验可概括为以下几个方面：
一、色彩配伍。例如文艺复兴大师常采用的玫瑰红、天蓝、银灰，中国民间艺术常采用的朱红、群青、大红、石绿、金黄，这些色彩配伍具有对立统一的美。
二、色彩衔接。中国民间口诀有“工间绿，花簇簇;青问紫，不如死”等等。固有色的不同衔接方式会形成千变万化的色彩观感。
三、纯度对比。这种对比是调整色彩间相对关系的重要手段，其强弱得体，宾主分明，达到色彩在空间中的力度平衡。
四、明度对比。在二维平面上制造三维效果，所用手段就是明暗对比，精到独特的明暗对比不仅使图像具有立体感，还使画面具有了厚重感。
五、面积对比。面积对比更使色彩在体量上有轻重之变，在空间上有互补之美，从而产生鲜明的色彩节奏。
从远古起，艺术的移情说就伴随着模仿说，固有色为模仿自然来服务的同时，也还有浪漫主义的表现一路，他们不以模仿为补色目的，却以“画画无正经好看就中”为旨归。他们抽出固有色的单纯性、凝固性，以固有色的空间平衡为手段，驱便于工作色彩率意为之，以求理想的色彩效果，如苗族 刺绣 、民间剪纸、蔚县剪纸、绵竹门神就是以固有色观念而作浪漫派处理的色彩典范。
光印象——瞬息即逝的自然色彩
光学发现了色的物理本性，揭露了色与光的内在联系及色光的分解与混合现象;生理学发现了人类的色觉的本质，从而得以了解色衰与补色的关系，全色要求的基础。这些发现给艺术色彩学以伟大启发，由此而产生了印象派色彩观。于是画家用色追寻光，追寻光的颤动、光的流逝、光的迷离恍惚，从固有色的永恒和凝固中走出来，走向空间和时间的流动，得到的是瞬息即逝的光印象。
可以说，印象主义的色彩观和色彩技法，既是光学成就的产物，也是西方艺术传统的产物。只是这些传统到了印象派画家那里更系统化、理论化了，并且以此确立了它在艺术史中的地位。印象主义认为色即是光，因此：
一、凡视觉可感受的物象都是光照射的结果，凡有光必有色，物的色决定于光源色、环境色(反射色)和色彩间的对比。即色彩随光源和环境而变，并且在画面上是相对而存在的。
二、以日光光谱色代替古典的调色板。
三、追求光谱的金色效果，并往往引用光谱的色彩组合。
四、补色关系对于印象主义画家是不可或缺的手段。例如在大自然中日光与天穹光便是一对天然补色。
五、以光的混合代替颜料混合，因而采取色彩细碎分割和并置的手法，使色彩更加“响亮”。
六、在色彩并置时常施以明度相近的，非准确的冷暖并置。这就是同时对比的手法。此时相同的色各自将对方推向自己的补色，以增强双方的色价，同时各自失去稳定性，而获得光的颤动性，呈现一种有生气的活力，于是达到色的非物质化，成为颤动的光。歌德曾经说过：“同时对比决定了色彩美学的实用价值。”
印象主义使色从其所联结的物体中解放出来，排除物的固有色，由此绘画进入一个新的境界。印象派是光的崇拜者，光的虔诚宣教者，他们开启了一个灿烂的世界，但是他们追随光的同时却失去了艺术曾经具有的精神力量和阐明世界的象征内容而停留于事物的物质表层。
表现色——回到主观的现代色彩
实践表明，获得光的华丽外衣，是以牺牲质的内在精神为代价的，这个矛盾在技巧上直接表现为 素描 与色彩的矛盾，当表现特别需要素描的时候，色光的变幻不能不退居次要地位。古典主义，新古典主义，拉斐尔前派便是这样;当表现特别注重色光的时候，素描不得不退居次要地位，印象派便是如此。毕萨罗教导青 年画 家勒贝尔说：“多注意形体的色彩，而不要太看重于素描刻划，太准确的素描索然无味，而且不能给人以整体印象……”这正是印象主义者在素描和色彩之间的取舍。
雷诺阿在他的印象主义实验取得非凡成功的同时感到印象主义的危机，于是游意大利向前辈大师学习，他拜倒于拉斐尔画前，并高度赞赏安格尔油画的单纯宏伟。他研究了拉斐尔之后终于感到自己忽略了素描，从意大利归来后，他致力于牺牲色彩以使形体单纯化，加强素描，回到古典的作画方法，取消画面偶然的光，于是他开始了自己的“古典时期”。他的作品“伞”和他在那不勒斯所画的裸女就是开始回归古典和固有色观的记录。
印象派之后诸家正是看到了印象主义色彩观局限于表面的光色变化而忽略其不变的内部结构，所以他们走上了与印象主义相反的道路。首先是塞尚，这位现代艺术的开山者力排事物的闪动模糊的外表，致力于表达所谓不变的真实和内在的结构。就色彩而论，塞尚不同于印象主义的是使之色彩秩序化，经过组织，使色彩变得更规则，更简练，但更强烈，因此更具有安定感、明晰感，从而达成视觉形象的非同寻常的强度。他的艺术观和他的艺术实践深刻地影响了其后的画家，如马蒂斯由塞尚得到启发，抛弃印象派画家的“魅力、光亮和明快”，追求绘画的“稳固性”，认为在一切构成画面的色彩中必须建立一个平衡，因此表面的感觉必须加以提炼，正是提炼了的感觉构成画面。康定斯基说：“内在因素，即感情必须存在，否则艺术作品便是赝品。内在因素决定画面的形式。”毕加索概括说：“我不是模仿自然，而是面临自然——并且利用自然。”塞尚之后诸家竞相与印象主义的客观主义反其道而行之，强调主观意志的作用，因此着意于形式美、抽象美的追求，走向表现主观。在色彩上自然同时从客观色彩走向主观色彩了。
但是现代主义是接过印象主义的手中武器而走向其对立面的，印象主义发现了自然的色彩，现代主义将这些发现秩序化、凝固化、强力化。或者说印象主义捕捉感性的色彩，现代主义挖掘理性的色彩，现代艺术将色彩的主观性及其精神价值提到了前所未有的地位，并且完善于主观的个人感情与客观的色彩规律之结合。
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这两篇，你可以参考下，，，，(1) 浅谈罗可可艺术的女性化特征内容摘要 ：产生于法国18世纪的罗可可艺术反映的是上流阶层的审美趣味和审美价值，是集享乐、奢侈、豪华于一体的艺术样式的代名词。文章通过研究法国路易十五时期的社会和文化特征，探讨表现在建筑、家具、绘画以及服饰方面的女性化风格特征。关 键 词 ：罗可可 宫廷贵族艺术 女性化18世纪的法国是启蒙运动的时代，由于国家对工商业与文化实行奖励政策，促使资本主义经济飞速发展，文学艺术也随之蓬勃与兴盛。经历了男性理性时代的法国人开始渴望柔和暧昧的女性化情感，尤其是没落的封建贵族们，他们从路易十四时期的繁文缛节中解脱出来之后，开始追求奢侈享乐的生活，崇尚轻浮华丽的艺术，罗可可艺术便应运而生，并且迅速成为法国乃至欧洲的主流艺术和社会风尚。“罗可可”一词意为“贝壳工艺”，指用贝壳、石子等做假山，或以旋涡纹、花饰为主的装饰形象，后来引申为一种纤巧、华美、富丽的艺术风格。罗可可艺术强调浪漫情调，它从东方、中世纪和古罗马的装饰风格之中得到启发，还吸收了中国清代丝绸、瓷器、漆器等工艺所特有的精致细腻的纹样，以及镶金嵌银的装饰风格。罗可可艺术崇尚自然，多以贝壳、山石、花草作为装饰题材，用富于女性化象征的S形、C形或旋涡状曲线夸张地伸展和缠绵卷曲，因此优雅、柔媚、华丽与繁缛成为罗可可艺术的典型特性。如果巴洛克艺术是男性化艺术象征，那么罗可可艺术则是典型的女性化艺术。路易十五的情妇蓬巴杜夫人不仅是罗可可艺术的保护人和倡导者，又是罗可可艺术的象征性人物，她引领了整个法国的艺术潮流，在她的推波助澜下，罗可可艺术成为压倒一切的艺术风尚，因此罗可可艺术又称“蓬巴杜风格”。罗可可艺术风格几乎侵袭了宫廷贵族精神生活的一切领域。“在18世纪，罗可可趣味是随处可见的，贝壳、草茎和花朵是罗可可样式最常采用的装饰母题；即便是一件日用器皿，也能感到是罗可可时代的一个缩影。”①可以说，罗可可风格渗透到法国人日常生活的每个角落，它不仅体现在绘画与建筑上，还涉及到音乐、文学等多个艺术领域。罗可可建筑与室内装饰罗可可建筑是在巴洛克建筑的基础上发展起来的，它由巴洛克式的富丽堂皇、气魄宏伟的宫殿转变为优雅别致的别墅与私邸，而且还处处体现了女性化的安逸、亲切和舒适的装饰风格，如室内的柱子与楼梯修长而小巧；天花与墙面间以弧面婉转相连；房间的角落砌成柔和的圆形。罗可可式室内装饰总体倾向自然主义，它将草叶、贝壳、石子、蔷薇和棕榈作为装饰题材，不仅用在墙面和天花板上，还用在栏杆、窗台、壁炉、镜框、门窗等一系列装饰构件上。此外，还在室内张挂绸缎的幔帐和晶体玻璃吊灯，陈设瓷器古玩，以显示主人的豪华与高雅。罗可可建筑与室内装饰多采用娇嫩明快的色调和富有光泽的色彩，并且尽量避免强烈的对比，如墙面粉刷，多用白色、粉红色、嫩绿色、淡黄色等浅色调，线脚多用金色，使室内闪烁着迷人的光泽。由于在装饰上过于繁缛花巧，罗可可建筑与室内装饰的格调显示出过浓的脂粉气。罗可可家具罗可可家具由其装饰形式的新思想出发，整个家具设计都由富有节奏感的曲线或曲面构成，可以说，女性化的柔美与纤巧的格调在罗可可家具上体现得淋漓尽致。设计师从妩媚修长的女人体得到启发，创造出秀气、高雅、轻巧的家具，以芭蕾舞为原型的椅子腿最为典型。沙发靠背、扶手、画框大都采用细致典雅的雕花，椅背的顶梁有玲珑起伏的“C”形和“S”形的旋涡纹的精巧结合。罗可可家具在制作工艺上采用了青镀金、雕刻描金、线条着色，或镶嵌花线与雕刻相结合的装饰手法，讲究精致繁琐，这种富于想象力的细线纹饰使得家具显得愈加轻盈纤柔。所有这些致力于追求外形特点的家具，构成了罗可可风格时代的贵族们浮华绚丽的生活场景的不可缺少的元素。[next] 罗可可绘画“罗可可”以一种轻松优雅的风格使绘画彻底摆脱了宗教神学的教化思想，此时的艺术理想由雄伟转向了愉悦，享乐的世俗生活和欢愉的爱情是罗可可绘画的主题。特别是青年男女爱情的风流韵事成为广泛的题材，罗可可绘画讲求细腻入微的感官享受，甚至追求形象肉感和性感描写，即使是男人肖像也带有女性化的纤柔。画家华多以轻柔的笔触和淡雅的色彩，在画面中渲染出一种如梦的境界，以此来衬托动作优雅、绮罗遍身的男女们。这些男女们虽在远离尘世的仙境中野餐，谈情说爱，尽情地安逸享乐，然而甜美中却浸有淡淡的忧郁。正是这种“夕阳无限好”的意味，使华多避免了浅薄的思想而超越了其他罗可可画家。罗可可风格在布歇和弗拉戈纳尔的作品中表现得更为突出，他们对感官之美真实大胆，富于情调效果的追求，成为了那个无忧无虑、奢华萎靡时代的诠释者。罗可可服饰罗可可时代是女人的时代，女性浪漫而华贵的服饰把那个时代渲染得无比精彩。突出妇女的体形美是罗可可女装最大的特点，罗可可女装流行内穿束身紧身胸衣，胸衣领口开口很低，并以褶裥、荷叶边和蕾丝花边装饰领口，以衬托女性丰满的胸部。受东方文化影响，女装裙子面料流行飘逸温软、高雅而精致的丝织物，内以鲸骨做撑架，这种裙撑越来越大，犹如盛开的花朵，裙撑外的多层衬裙要将外裙前摆卷起至后臀处打褶垂放，目的是为了使臀部更突出，腰肢更纤细。罗可可女装经常在局部饰有精巧的刺绣工艺、蝴蝶结、玫瑰花，再配上独特而夸张的假发和帽子，显尽了女人的华丽与娇柔。男子服饰没有领子，领口有一排长而密的扣子，将前襟去掉，就形成了日后的燕尾服，而颈前的蝴蝶结，就是今天的领结。结语风靡一时的罗可可风格随着蓬巴杜夫人的亡故逐渐被新古典主义取代。由于罗可可艺术一直被禁锢在高雅文化中，只为上流社会苍白、颓废、娇弱的思想生活服务，不免显得过于娇媚浮华，缺少了精神内涵的深刻性。但是，罗可可艺术夸张的手法和独特的表现形式则使它具有了超时代艺术生命力，甚至至今还为艺术家们提供着创作思路。(2)包豪斯的发展对现代设计的影响在当今社会生活中，现代设计参与并影响着人们的生产、生活。艺术设计、环境艺术、工业造型等各个领域，都直接或间接受到“包豪斯”的影响，或多或少有其设计理念的意识存在，如“艺术与技术相结合”的指导思想，产品的使用价值与审美价值的辩证关系等。德国包豪斯（Bauhaus）学院，成立于1919年，是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院，是由德国著名建筑师现代主义建筑与现代主义设计的奠基人格罗皮乌斯（Walter Adolf Georg Gropius，1883—1969）建立。“包豪斯”一词是从中世纪的“土木行会”转化而来的，其意思是建立像中世纪匠师们那样通力合作的关系，力图打破纯艺术和工艺技术之间的界限，团结艺术家和工艺技师一起创造出精神和物质合一的、完美的美术作品，其实质是推进现代新技术下造型艺术的创造。包豪斯学院是世界上第一所建筑工业设计学校，它的诞生是现代建筑工业设计的一个里程碑。①根据其校长的任期，包豪斯可以分为三个阶段：格罗皮乌斯任校长的1919—1928年，迈耶任校长的1928—1930年和米斯·凡德罗任校长的1930—1933年。校长的作用对包豪斯具有重要的意义。②根据校址的三次迁移，包豪斯经历了魏玛时期（1919—1924年），迪拜时期（1925—1930年）和柏林时期（1931—1933年）。在学校构成、教学思想、专业课程设置、师资制度及设计理念等方面，包豪斯学院发生过许多重大变化。即格罗皮乌斯的理想主义与其浪漫的乌托邦精神，迈耶的共产主义政治目标，米斯的实用主义方向与严谨的工作方法。所有这些虽都具有强烈而鲜明的时代烙印，但同时也成就了包豪斯精神内容的丰富性、文化特征的复杂程度，这为现代设计教育奠定了基础，对现代建筑及工业设计革命做出了巨大贡献，同时对世界文化也有着深远的影响。1919年4月1日，第一次世界大战结束以后，包豪斯正式在魏玛成立，格罗皮乌斯亲自拟订并发表了《包豪斯宣言》，在宣言中他提出：“完整的建筑物是视觉艺术的最终目的……建筑家、雕塑家和画家们，我们应该转向应用艺术……艺术不是一门专门职业，艺术家与工艺技术人员之间并没有根本上的区别……让我们建立一个新的艺术家组织，在这个组织里面，绝对不存在使得工艺技师与艺术家之间树起很大障碍的职业阶段观念……”③在《包豪斯宣言》中，格罗皮乌斯的核心思想：一是打破艺术种类的界限。二是将手工艺人的地位提高到艺术家的层次。这就是格罗皮乌斯所说的“艺术和技术——新的统一”的含义。约翰内斯·伊顿（Johannes Itten,1888—1967）是一位瑞士画家，是被公认为世界上第一位系统地创造现代设计基础课程的人，是包豪斯预科基础课程的第一位主持人。在基础课程中，他特别强调两个方面：一是对形态、色彩、材料、肌理的深入理解与体验，包括平面与立体形式的探讨与理解。二是通过对绘画的分析，找出视觉的形式构成规律，特别是韵律和结构两个方面的规律，逐步使学生对自然事物有一种特殊的视觉发展的敏感性。同时，伊顿也是最早开设现代色彩系统教学的教育家之一，但是伊顿醉心于早期基督教哲学和中国哲学，具有敏感力和浓厚的宗教意识。所以，其教学方式与内容往往是将科学视觉形式与神秘主义精神混作一体，有些干扰了正常教学，从而遭到了很多批评和抨击。最终他于1923年离开包豪斯，去苏黎士从事艺术创作，并继续研究中国哲学。1922年10月份，拉兹罗·莫霍里·纳吉（Moholy Nagy,1895—1946）接替了伊顿位置。他年轻活跃，才华横溢，曾被格罗皮乌斯誉为“在建立包豪斯教育中最活跃的同事之一，包豪斯的许多建树都是他的功绩”。④纳吉使包豪斯预科摆脱了哲学倾向，具有明显的技术倾向。在艺术设计中，他使美学适应于结构逻辑，他为预科学生安排了三组课程，即工艺类、艺术类、科学类，使学生了解材料的属性，掌握形式表面、结构、容积、空间和运动等概念的内容，学会使用手动工具和生产设备，熟悉造型表现的原理，让学生的形象知觉和理性思维结合起来。纳吉是一位把包豪斯的艺术概念运用到工业和建筑上去的主要理论家，是继格罗皮乌斯之后，成为包豪斯思想传播和发展最有影响的人物，影响了整整一代艺术家、建筑师、设计师。 [next] 包豪斯预科的第三位主持人阿尔伯斯(Joset Albas,1888—1961)，同样具有理性思维的教学倾向，但比纳吉更具有实践性。他十分强调学生认识材料及工艺特性，使学生在制作工业产品上完全贴近实际任务。阿尔伯斯经常和学生一起讨论、分析作品。他认为，双向交流比教师单向讲授更有助于发展学生的结构思维。表现主义画家克利（Paul Klee,1897—1940）与抽象绘画开拓者康定斯基（Vassily Kandinsky,1897—1944）也是包豪斯最有影响力的成员，他们对完善学院的教育体系起到了积极的促进作用。克利的理论知识丰富，是现代艺术中敏感性极强的人。他所关注的不是抽象与具象的分野，而是如何把所有元素从统一规范中解放出来，分解、组合、重建，构成多声部的整体，通过动态平衡，造就永恒的和谐，使之接近创造的核心。⑤克利的“自然现象的分析”“造型、空间，运动和透视研究”这几门课程，从造型的作用说起，论述自然与物理、数学的关系，以及与人的认知之间的关系。他尽量把理论简单化、明确化，注重形式的分析，并善于将元素进行组合研究，强调感觉与创造性之间的关系。康定斯基是一位伟大的表现主义大师，现代抽象艺术的先驱。他的教学是从完全抽象的色彩与形体理论开始，然后把这些抽象的内容与具体的设计联系起来。其关于点、线、面的论述在包豪斯的基础课教学中发挥了重要作用。而这些内容已成为现代设计教育体系中平面构成的先声。包豪斯强调造型艺术的结合，提出艺术与技术相结合的思想；强调新的工业产品的使用价值与审美价值的辩证关系；强调使用新的物质材料、新技术和实用功能决定的现代抽象形式；强调艺术设计才能与工艺制作劳动相结合；强调艺术家之间的协作和打破艺术家与匠师之间的壁垒。包豪斯奠定了现代设计教育体系的基础，其课程结构与教学方式成为世界许多学校设计教育的出发点，培养的杰出设计师把现代设计推向了新的高度，其精神、观念与方法在相当长的时间被奉为现代主义的经典。包豪斯在设计中提倡自由创作，反对模仿因袭、墨守成规，提倡在掌握手工艺的同时，了解现代设计的特征，大力开展国际、国内之间的交流合作，培养具有现代设计文化性格的新型人才，具有创造性思维能力，集艺术、工艺、设计于一身的新型人才。包豪斯的设计思想为现代设计思想的拓展和完善提供了可遵循的依据和准则，使现代设计思想更趋于系统化、规范化。包豪斯所提倡的功能化的设计原则，使现代设计对产品功能的物质载体重新加以探索，有效地利用载体，使载体多功能化，对材料、造型、使用环境等诸要素也进行了更深入的研究。包豪斯的发展是坎坷的、短暂的，但其影响在世界范围内却是巨大的，我们在吸收包豪斯的设计理论和教育思想的同时，应该结合现实中具体的问题，将科学探索精神及现代审美意识与本民族传统文化有机地结合起来，更好地促进现代设计的发展。如今，人类已进入21世纪，现代设计如雨后春笋，呈现出突飞猛进的态势，并渗入到与人们息息相关的生产、生活的各个领域，并且跨越众多学科门类和体系。虽然仅开办14年的包豪斯已经过去了86年，但是包豪斯的设计思想对现代设计产生了深远的影响。注释 ：①张彤.整体地域建筑理论框架概述[J].华中建筑，1993（3）：22.②凌继尧，徐恒醇.艺术设计学[M].上海：上海人民出版社，2000.③王受之.世界现代设计史[M].北京：中国青年出版社，2002：142.④张夫也.外国工艺美术史[M].北京：中国翻译出版社，1999：525.⑤汪炳璋.包豪斯的工业设计及其发展研究[J].安徽建筑工业学院学报(自然科学版)，2005(12):36.
中国艺术设计史的论文 室内设计创新之路室内设计如何创新，是一个长期的热门话题，它主要针对当前建筑室内设计创作中存在的一些问题，如忽视室内环境特点和要求，忽视建筑形式与内部空间的整体性，盲目照抄照搬、盲目追赶潮流、盲目进行材料堆砌、盲目听命于甲方老板、盲目追求效益的倾向而提出来的。 一切艺术创作的创新问题都是一个永恒的课题，因为没有创新就没有发展，所谓标新立异、推陈出新，都是指在继承过去设计创作成果的基础上，开拓新思路、发掘新的艺术表现形式，寻找新题材。在建筑创作范畴，还要探索新结构、新技术领域、开拓新的材料来源。我国现阶段的室内设计，由于受社会经济和文化发展阶段的制约，还没有形成既结合国情，又具有鲜明时代感的设计风格趋向，普遍出现照抄照搬西洋或中国古代建筑样式或装饰部件的情况，这就是社会上公认的以拼凑代替设计的现象。说明我们缺乏建筑室内设计专业基础知识和基本建筑文化素养。 其具体原因是： 1） 对建筑室内环境的意义缺乏理解，缺乏正确的建筑环境意识和念。2） 社会整体建筑文化发展的落后（或称繁荣中的危机）。 3） 建筑设计、施工管理机制不完善。从社会观察中发现一些问题十多年来，我国室内设计从无到有，出现空前活跃之发展势头，对于开创广大人民与过去完全不同的生活环境和工作环境发挥了巨大作用，在设计创作中也出现不少好作用。但由于室内设计作为一种专门的学科和专业，刚刚建立，人才培养还没有跟上形势，行业的兴起更是基础薄弱。出现上述情况是基于根本的设计观念模糊： 1. 对环境认识的模糊认为室内设计是在已有建筑空间中进行表面装修和布置家具、悬挂装饰灯具和布置其他装饰品。把室内设计看成单纯的视觉条件的改善。即是从简单的装饰要领出发去认识室内设计，把建筑室内空间内涵与建筑设计割裂开来。实际上，室内设计是建筑设计的一种延续，它们都是属于建筑设计范畴的。 室内环境的设计究竟包含哪些东西，这是值得进一步弄清的问题。室内设计主要指在现代建筑条件下，创造合理完善的建筑室内环境，以满足人们不断增长的物质和精神生活需要。当今室内设计越来越受到重视，是由于它具有很强的社会基础和充分反映时代的需要。 室内设计是现代科技和文化艺术的综合产物，对于室内设计的研究，受到若干新兴科学发展的影响，如行为科学、环境心理学、环境物理学、环境艺术和现代室内设计工程管理等。这门学科最广泛地包罗人的各种生活和生产活动内容，反映了人们相互交往关系和人与自然的关系。室内设计应充分体现人的价值特征，必须以人为主体确立设计依据，研究人的生理和心理特征，寻找和它们相适应的环境形态结构。研究室内环境问题，要研究人的多种生活体验，研究人的感觉、知觉、习惯、智能和各种生活活动规律以及人对于室内环境的各种反映等。 室内设计又是一种文化活动过程，是社会文明的一种标志。建筑室内空间往往以自身形象（包括空间形式、节奏和秩序）和相关的装饰手段来反映时代和社会特征，不同的室内空间表现不同的环境气氛和具有不同的艺术感染力。（通过视觉、听觉、嗅觉、弱觉等来完成） 如果不从以上室内环境意识的观念出发，社会造成设计思想的混乱。 2． 在社会文化变革，建筑文化变革中出现的模糊观念。改革开放，使中国文化受到外来文化的冲击，这 种冲击表现为大量西方科技、文化被引进，在文化艺术领域里，典雅的、通俗的、理性和非理性的思潮在无选择的传播。总的说来，对于我们拓展视野、更新文化观念、繁荣艺术创作，起到重要推动作用。建筑（包括室内设计）作为文化的表现形式（或载体）在外来建筑思潮影响下，使我们在追求时尚的社会心理之下，普遍表现为求新、求异，或追求多样化。这种倾和和我们比较熟悉的后现代主义恰好不谋而合。我们讲的拼凑现象，在很大程度上是这种倾向的有意无意的表现。这是当前典型的室内设计的社会模式。后现代主义是一种建筑思潮，由于其形式和内涵的多样性和通俗性，而成为一种雅俗共赏的时尚建筑形式。后现代主要针对现代建筑存在的某些问题提出的另一种颇具哲理性的创作方法，它对于当代建筑的发展具有积极意义。但是社会上对多种建筑形式的生搬硬套，或者照抄一些后现代建筑师作品的某些细部，实际上它的建筑内涵十分浅薄，有的甚至与后现代的基本思想的混乱表现之一种，其直接原因是建筑理论研究与设计实践脱节。 3． 市场经济冲击下出现某些社会扭曲现象，严重影响了设计创作的正常发展。现阶段市场经济发展带 来的不公平竞争，使室内设计创作面临许多新问题，其中主要是设计成果的商业价值与文化价值的冲突。有的人为了单纯追求效益而盲目顺应甲骨文方要求。某些暴发的老板没有文化素养，在他的设计下出现华而不实，谈不上什么文化品味的东西，一些奇而不美的低劣设计普遍出现，严重损害了建筑的功能和价值。严格说，这是丧失设计者的社会责任，甚至是出卖职业道德，这是一个难以解决的社会问题。 4． 室内设计材料使用的模糊观念在不少室内设计工程项目中出现盲目使用高档材料的倾向。有的人自 知设计没有什么内容，便用大量高级材料去掩盖设计上的缺陷，这也是当前设计创作中有代表性的倾向。 建筑空间是由一定实质材料的界面所组成，选用不同材料的结构和围护构件，按照材料，基本性能和力学规律围合成的室内空间，具有满足使用功能和人的审美要求双重特征。运用不同材料，在室内出现不同形式的空间界面（如蓬波杜中心的金属结构天棚、居室中的木屋架等）在室内产生各种形式的线、面、体等空间构成要素，这是材料与结构对室内环境产生的综合影响。某些新材料构件的应用，如大型玻璃隔断，使室内空间出现通透感，大大丰富了室内空间层次变化，这些都改变了传统建筑形式和它的设计方法。所以从某种意义上讲，室内空间的整体形象是材料，结构和空间共同体现的一种综合性艺术形象。 另一方面，材料因为体现了本性才获得价值，材料的质地和肌理可以加强空间环境效果，并使它的基本形象更具有意义，所以任何材料的运用都应体现其本质，如建筑材料中的木材料的运用都应体现其本质，如建筑材料中的木材被认为是最具有人性特征的材料，人们都愿意接近并喜爱它生动的纹理和天然光泽，在使用时有意去表现它。砖是一种普通材料，但在当代建筑师心目中仍然把它看做一种富于自然品格和表现力很强的材料，国外不少低层住宅、办公室和一些文化类建筑室内，普遍采用清水砖墙，在现代环境中不断更新其材质和表现特性，砌筑方法，开发其新的肌理，使它发挥更大潜力。 对于室内装饰材料的研究，除了掌握其功能特点外，主要应研究材料本身的素质和艺术表现力，以及人的视觉、心理反应等。 室内设计的各种意图，必须通过材料的合理运用来完成，可以用在室内环境中的材料很多，但要达到合理运用则比较困难，我们应当学会主动驾驭材料，最大限度发挥材料各自的优势，而不能盲目乱用，甚至无原则的高级材料堆砌。对于高级装饰、装修材料的使用，应重点突出，体现高材精用的原则。目前，很多工程中，不分重点地将一类高级材料，如花岗石、不锈钢、高级硬木、镭射玻璃等到处乱用，以为这才能体现他的所谓装修档次，这实际上是把使用高贵材料和提高环境质量两件完全不同的事混为一谈。 这种指导思想，离开室内设计基本方向和原则，不仅造成严重经济损失，而且使室内环境给人一种不伦不类暴发户的印象，或者说是把室内设计简单化、庸俗化。
艺术设计论文篇1 论艺术设计中的对称美与形式美 艺术设计依据人们的生理、心理需求，对生活用品、环境、方式等加以设计，试图迎合人们的审美心理与情趣。作为人类自我意识的结晶，艺术设计凝聚着人们丰富而深刻的思想内涵，对人们的创造性思想加以传达。为满足受众对于艺术设计作品精神层面的审美需求，要求作品必须利用一种规律、和谐、流畅、有序的形式美感传达信息，带给人们美的享受与愉悦感。 一、艺术设计中的对称美 明确艺术设计中的对称美，有助于更好地利用对称艺术形式，对作品文化、精神内涵加以挖掘，促进人们对于作品形式、构成与深层次内涵的理解，满足受众的心理需求。 (一)平面设计中的对称美 通常而言，平面设计需要通过视觉语言，实现沟通与传播，因此，视觉符号的运用方式十分关键，为了使设计者所表现物象能够为受众迅速、准确的理解，必须对此类元素加以设计，将设计信息深深地植入到其脑海之中，达到瞬间传达信息的目的，在此过程中，视觉元素与图案创意表现成为吸引受众目光的关键。 分析人们的视觉印象不难发现，缺乏内容、审美价值、无意义的图案很难吸引受众的兴趣，要求所设计内容，如构图、排版、色彩、点线面等都必须达到一种和谐的状态，才能满足受众观赏需求，引起受众的兴趣。而富有对称感、韵律性、流畅化的“内容”在艺术设计中应用十分广泛，就心理学视角而言，即格式塔心理学所谓的“力的图式”，也就是说，要求物体间组合形成均衡的“力的图式”，这样才能为人们带来视觉美感与心理享受，而均衡的对称性能够带给人们美感，并从心理上与受众产生共鸣。因此，“对称美”已成为艺术设计的重要审美标准之一，也受到了越来越多设计大师的关注和运用。 例如，在平面 广告 设计中，有设计师采用轴对称形式，将现实中难以出现的状况呈现在观众面前，带给大家强烈的视觉冲击力，还可以采用左右对称的美女，引发受众的兴趣，继而对产品加以关注，实现一种惊异化的美感享受。再如，有设计中利用美女头部作为整个画面的视觉中心点，通过两两相望，形成优美的构图，抓住了人们对于美好事物的关注，利用对称美实现广告诉求。 (二)建筑艺术设计中的对称美 在建筑艺术设计中，对称美的运用也十分常见，传达了技术、艺术的有机结合，实用、审美的有机统一。建筑也是一种艺术，因此，必须满足审美要求。因而越来越多的设计师们在保持“实用性”特点的基础上，开始追求艺术对称美的传达。特别是在一些具有民族特色的建筑中，把对称美展现到及至。例如，中国故宫、印度泰姬陵、法国凡尔塞宫等，无一不是将建筑外形打造成为对称形式，或以建筑群对称方式为主，如此设计下，形成了一种完整而均衡、协调而统一的对称美，带个大家规整、稳重、威严之感，叫人无不肃然起敬。 二、艺术设计的形式美 艺术设计中，形式美是其中十分重要的特点之一，其具有一定的独立性，能够赋予作品内容的自由与非凡的体验。无论何种艺术设计，再深刻的内容都要求利用完美的形式加以表达。 (一)形式美的传达 为了设计出富有美感的形式，要求设计作品必须处理好外观各结构、色彩、线条之间的关系，把握好整体与局部的关系，全面呈现艺术设计的特征，迎合受众的审美情操，以赋予受众独特的审美享受。例如，对于米兰大教堂而言，其作为意大利著名建筑，也是米兰这所国际化都市的中心，其设计为意大利设计增添了浓墨渲染的一笔。教堂采用纤瘦、高耸之形式，向大家传达__的精神，采用垂直向上的形态勾勒整体、局部的关系，使人们体会教堂的空灵意境，传输着基督信仰。教堂整体和谐而统一，呈现给大家经久不衰的生命力，独特的哥特式装饰激发了受众内心独特的情感。 (二)形式美感与蕴含其中的情感 艺术设计中的形式美不仅体现在结构的统一、和谐方面，还体现在色彩的对比鲜明等方面，通过极具韵律感的形式，使人们感受到作品的情绪与情感张力。例如，日本著名设计大师福田繁雄的设计海报作品《The Marriage of FIGARO》，这幅海报中色彩传达极具冲击力，以大红色作为背景，男人、女人的腿采用蓝色进行表示，色彩的对比十分鲜明，带给作品婚礼一般的喜庆，也带给观者爱情的甜蜜。画面中对比鲜明的红、蓝色，构成了整个画面，而男人的脚、女人的腿所构成的是一个独特的音乐符号，使人欣赏时感受到其中所传达的欢快、幸福之感，使人回味无穷。不仅如此，该设计关注纯色、原色的排列与组合，使画面整体形式美感鲜明，从视觉上打动了人们对审美的渴望，激发了其热情。在艺术设计中，形式的传达应当注重塑造美感，将设计者所传达的信息更深刻、更鲜明、更有效地传达给受众，使其在探索形式美的过程中体味到隐藏在背后的精神内涵、文化意蕴，也为受众带来自由的感官、心理享受。 三、结语 一言以概之，随着对称美、形式美与现代艺术设计的有机结合，赋予了艺术设计应有的美学意义，也赋予了作品更深刻的艺术内涵。对于艺术设计而言，不仅要求功能上逐步与时俱进，而且要求形式、审美方面独具韵味，如此才能更好地服务人们的生活，增强作品的艺术效果，愉悦大家的视觉感受。 艺术设计论文篇2 试谈数字艺术设计中的三维动画教学 随着现代科学技术的提高和快速发展，数字艺术设计也取得了显著的成绩。数字技术通过借助计算机科学软件，制造出了图像、文字、音频等各种不同的艺术形式，并利用各种艺术设计方式，创造出了静与动相融合的图文艺术，同时结合数字化电子技术，搭建了一个可供设计者自由创作和想象的设计平台，既为动画设计注入了创新的力量，也促进了动画设计内容的丰富化，同时也为三维动画的发展创造了无限的空间。数字艺术设计中积极应用三维动画教学能够获得更好的教学效果。 1 三维动画的内涵 随着当代数字电子技术的快速发展，为了满足时代的需求，三维动画设计便在数字电子技术的基础上应运而生了。三维动画设计中的运动和动画是密切相关的，动画设计的根本就是运动，而运动的艺术体现便是动画。通过连续播放不同的画面来达到动态的画面感，这便是传统动画设计的原理，而数字艺术设计中的动画设计理念与它也是大同小异，只不过数字艺术设计中的动画设计在动画的处理及设计过程中利用了计算机科学技术，能够制造出传统动画设计无法制作的艺术效果，这便是它们之间的不同之处。借助数字电子技术，数字艺术设计中的动画设计能够将动画设计的运动效果、光景效果、画面失调和纹理等自由地进行改变，而且其动画设计的输出形式也是丰富多彩的[1]。 动画设计的表达方式及发展方向的创新都离不开数字艺术电子技术的支持，另外，数字艺术电子技术也促使动画设计在运动、画面、纹理和光景等多方面的表达效果得到了提升，为设计者对动画的主观思想表达提供了无限的遐想空间，使动画设计的发展得到了新的飞跃。数字艺术电子技术为三维动画的设计创建了一个真实的三维空间场景，实现了动画设计生动化及形象化的提升。 当今时代数字电子技术变得越来越成熟了，三维动画设计软件中也引进了不少先进的运动原理，这使得在三维动画的设计过程中，设计者只须将动画之间的连接点设计好即可，无须对每一帧画面进行设计，便可实现动画的自动转变和动态画面的形成。此技术方式不仅让三维动画中各画面之间的衔接更加顺畅、自然，提高了画面的整体动态感，而且也使三维动画的设计效率得到了提升。利用三维动画设计软件，首先设计静态的画面，其次在运动学理论的基础上，把关键转折点的画面设计出来，最后结合整体的画面，将三维动画效果表达出来。因此，三维动画是为了数字艺术设计的一个重要发展趋势。 2 数字艺术设计中的三维动画教学 艺术设计中的三维动画教学改革设计 数字艺术设计要适应时代的发展进程，培养学生的知识更新能力和创造力。数字艺术设计学生先要接受艺术设计基础设备课程教育，培养其审美思维和感性认识。接着就可以积极应用三维动画的表现语言，作为数字艺术教学的重要工具，其能够对学生的三维空间创造性思维进行培养[2]。 在数字艺术设计教学中应该使学生掌握虚拟空间中的各种艺术造型元素，例如物体运动变化、光照、色彩等，避免学生将操作技术和艺术思维割裂开来。因此在数字艺术设计的教学改革中应该将图形图像专业英文专用术语、传统艺术感性思维和计算机虚拟艺术表现语言、计算机基础知识作为教学改革的重点。 数字艺术设计中三维动画教学的具体内容 可以根据学生的计算机基础，将学生分为两大类，设计有梯度的教学内容，进行因材施教：①第一类学生虽然对三维艺术具有较大的学习热情，但是具有比较薄弱的计算机基础。对该类学生应该给予更多的鼓励和针对性的指导，诱发和保持其学习兴趣。②第二类学生具有一定的计算机基础知识，了解 硬件知识 、计算机 网络知识 和 操作系统 ，初步了解三维艺术语言，甚至有一定的三维动画技术基础。计算机工具适应能力可以设定难度更高的教学内容，并适当加快教学进度，提高教学内容的深度。 在数字艺术设计中应用三维动画教学还要解决专业英文专用术语问题。当前我国大学尚未开设针对图形图像专业的英语教学，而该专业学生的英语基础相对薄弱，教师在教学的过程中应该加强对该类术语的讲解[3]。 与此同时，应该选择合适的教材，对课程结构进行优化，对知识点范围进行拓展。在艺术设计高等教育教学体系中，逐渐将三维动画作为数字艺术设计的一门重要课程，也涌现出了数量较多的教材，可以将内容比较全面和详细的辅助性工具手册和具有较强的艺术针对性的教材进行结合使用，第一类教材适用于没有任何基础的学生，学生具备一定的三维动画基础之后再使用第二类教材。 同时要注意教学内容的衔接性，可以采用网络教学和多媒体教学结合的方式来开展教学，保持实用主义的教学风格，激发学生的学习兴趣。在日常教学中以多媒体教学为主，同时使用网络教学作为辅助。数字艺术设计中的三维动画教学课程内容比较复杂，具有较大的信息量，应用网络教学能够使学生获得更多的网络资源，并建立相关网站，培养学生的独立学习精神和能力。当学生遇到无法解决的问题时，师生之间也可以开展网上互动，帮助学生答疑解惑。 可以积极鼓励学生参与学院、省级、全国举办的不同级别的艺术设计大赛，教师要为学生作品策划、作品修改方面的帮助，使学生获得更多的实践机会。 3 结语 随着数字化技术的不断完善和迅速发展，数字艺术设计中的各个领域都越来越离不开三维动画设计了。三维动画设计在数字电子技术的基础上，结合各种计算机软件，将图片、文字和音频等艺术元素完美地融合在一起。三维动画是为了数字艺术设计的主要发展方向，在数字艺术设计中积极应用三维动画教学，能够切实提高学生的艺术设计能力，适应技术的发展和市场的需求。 猜你喜欢： 1. 艺术设计专业毕业论文精选 2. 艺术设计类论文大全 3. 关于艺术设计专业毕业论文 4. 艺术设计方面的论文 5. 艺术设计专业论文 6. 浅谈平面艺术设计论文
东西方设计绘画美学异同：东方以中国为代表的绘画审美基点在于“意味”，西方绘画的基点在于“再现”中国绘画最求形象之外的意，线条与超然的色彩更能充分表达主管情感，成为东方美术造型的主要手法。西方人致力于物象属性的研究，造型艺术便充分利用了自然科学，借助明暗规律光与色的关系，空间，体积，结构，运动的表现成为主要造型的依据。东方审美的本质在于尚意，领悟，对真实的理解是物体对应情思后“升华了的真实”，西方审美本质是尚形的，他们认为认为造型艺术的认识必须是由感性到理性的认识。而理性认识必须有明确的定义，审美必须有客观依据，有准确的概念，推斥了东方的“领悟性”重视自然给人的美感及生活体验的功用。东方：逻辑体系严谨，只可意会不可言传，“意足不求颜色似”如山水画讲究意境，讲究“澄怀味道”，“有无相成，虚实相生，灵气往来，无画处皆成妙境”。画面上用大面积的空白，大块的墨线与墨块，多视域的构图处理，成为东方人理解到有相辅相成的艺术创造中的宇宙和谐实体。西方人认为：“之所以世界千差万别就在于它们有各自都具有不同的数量关系。雕塑绘画等艺术的美在于‘数的和谐与比例'。一切造型艺术要依靠对数据恰如其分的把握”。如此自然最完美的比例节奏构成了重要依据.完美的古希腊雕塑来自理想中比列的和谐与完美,神庙建筑来自几何图形的和谐统一,艺术史成了这种和谐与人感知的理想契合.
艺术设计论文篇1 论艺术设计中的对称美与形式美 艺术设计依据人们的生理、心理需求，对生活用品、环境、方式等加以设计，试图迎合人们的审美心理与情趣。作为人类自我意识的结晶，艺术设计凝聚着人们丰富而深刻的思想内涵，对人们的创造性思想加以传达。为满足受众对于艺术设计作品精神层面的审美需求，要求作品必须利用一种规律、和谐、流畅、有序的形式美感传达信息，带给人们美的享受与愉悦感。 一、艺术设计中的对称美 明确艺术设计中的对称美，有助于更好地利用对称艺术形式，对作品文化、精神内涵加以挖掘，促进人们对于作品形式、构成与深层次内涵的理解，满足受众的心理需求。 (一)平面设计中的对称美 通常而言，平面设计需要通过视觉语言，实现沟通与传播，因此，视觉符号的运用方式十分关键，为了使设计者所表现物象能够为受众迅速、准确的理解，必须对此类元素加以设计，将设计信息深深地植入到其脑海之中，达到瞬间传达信息的目的，在此过程中，视觉元素与图案创意表现成为吸引受众目光的关键。 分析人们的视觉印象不难发现，缺乏内容、审美价值、无意义的图案很难吸引受众的兴趣，要求所设计内容，如构图、排版、色彩、点线面等都必须达到一种和谐的状态，才能满足受众观赏需求，引起受众的兴趣。而富有对称感、韵律性、流畅化的“内容”在艺术设计中应用十分广泛，就心理学视角而言，即格式塔心理学所谓的“力的图式”，也就是说，要求物体间组合形成均衡的“力的图式”，这样才能为人们带来视觉美感与心理享受，而均衡的对称性能够带给人们美感，并从心理上与受众产生共鸣。因此，“对称美”已成为艺术设计的重要审美标准之一，也受到了越来越多设计大师的关注和运用。 例如，在平面 广告 设计中，有设计师采用轴对称形式，将现实中难以出现的状况呈现在观众面前，带给大家强烈的视觉冲击力，还可以采用左右对称的美女，引发受众的兴趣，继而对产品加以关注，实现一种惊异化的美感享受。再如，有设计中利用美女头部作为整个画面的视觉中心点，通过两两相望，形成优美的构图，抓住了人们对于美好事物的关注，利用对称美实现广告诉求。 (二)建筑艺术设计中的对称美 在建筑艺术设计中，对称美的运用也十分常见，传达了技术、艺术的有机结合，实用、审美的有机统一。建筑也是一种艺术，因此，必须满足审美要求。因而越来越多的设计师们在保持“实用性”特点的基础上，开始追求艺术对称美的传达。特别是在一些具有民族特色的建筑中，把对称美展现到及至。例如，中国故宫、印度泰姬陵、法国凡尔塞宫等，无一不是将建筑外形打造成为对称形式，或以建筑群对称方式为主，如此设计下，形成了一种完整而均衡、协调而统一的对称美，带个大家规整、稳重、威严之感，叫人无不肃然起敬。 二、艺术设计的形式美 艺术设计中，形式美是其中十分重要的特点之一，其具有一定的独立性，能够赋予作品内容的自由与非凡的体验。无论何种艺术设计，再深刻的内容都要求利用完美的形式加以表达。 (一)形式美的传达 为了设计出富有美感的形式，要求设计作品必须处理好外观各结构、色彩、线条之间的关系，把握好整体与局部的关系，全面呈现艺术设计的特征，迎合受众的审美情操，以赋予受众独特的审美享受。例如，对于米兰大教堂而言，其作为意大利著名建筑，也是米兰这所国际化都市的中心，其设计为意大利设计增添了浓墨渲染的一笔。教堂采用纤瘦、高耸之形式，向大家传达__的精神，采用垂直向上的形态勾勒整体、局部的关系，使人们体会教堂的空灵意境，传输着基督信仰。教堂整体和谐而统一，呈现给大家经久不衰的生命力，独特的哥特式装饰激发了受众内心独特的情感。 (二)形式美感与蕴含其中的情感 艺术设计中的形式美不仅体现在结构的统一、和谐方面，还体现在色彩的对比鲜明等方面，通过极具韵律感的形式，使人们感受到作品的情绪与情感张力。例如，日本著名设计大师福田繁雄的设计海报作品《The Marriage of FIGARO》，这幅海报中色彩传达极具冲击力，以大红色作为背景，男人、女人的腿采用蓝色进行表示，色彩的对比十分鲜明，带给作品婚礼一般的喜庆，也带给观者爱情的甜蜜。画面中对比鲜明的红、蓝色，构成了整个画面，而男人的脚、女人的腿所构成的是一个独特的音乐符号，使人欣赏时感受到其中所传达的欢快、幸福之感，使人回味无穷。不仅如此，该设计关注纯色、原色的排列与组合，使画面整体形式美感鲜明，从视觉上打动了人们对审美的渴望，激发了其热情。在艺术设计中，形式的传达应当注重塑造美感，将设计者所传达的信息更深刻、更鲜明、更有效地传达给受众，使其在探索形式美的过程中体味到隐藏在背后的精神内涵、文化意蕴，也为受众带来自由的感官、心理享受。 三、结语 一言以概之，随着对称美、形式美与现代艺术设计的有机结合，赋予了艺术设计应有的美学意义，也赋予了作品更深刻的艺术内涵。对于艺术设计而言，不仅要求功能上逐步与时俱进，而且要求形式、审美方面独具韵味，如此才能更好地服务人们的生活，增强作品的艺术效果，愉悦大家的视觉感受。 艺术设计论文篇2 试谈数字艺术设计中的三维动画教学 随着现代科学技术的提高和快速发展，数字艺术设计也取得了显著的成绩。数字技术通过借助计算机科学软件，制造出了图像、文字、音频等各种不同的艺术形式，并利用各种艺术设计方式，创造出了静与动相融合的图文艺术，同时结合数字化电子技术，搭建了一个可供设计者自由创作和想象的设计平台，既为动画设计注入了创新的力量，也促进了动画设计内容的丰富化，同时也为三维动画的发展创造了无限的空间。数字艺术设计中积极应用三维动画教学能够获得更好的教学效果。 1 三维动画的内涵 随着当代数字电子技术的快速发展，为了满足时代的需求，三维动画设计便在数字电子技术的基础上应运而生了。三维动画设计中的运动和动画是密切相关的，动画设计的根本就是运动，而运动的艺术体现便是动画。通过连续播放不同的画面来达到动态的画面感，这便是传统动画设计的原理，而数字艺术设计中的动画设计理念与它也是大同小异，只不过数字艺术设计中的动画设计在动画的处理及设计过程中利用了计算机科学技术，能够制造出传统动画设计无法制作的艺术效果，这便是它们之间的不同之处。借助数字电子技术，数字艺术设计中的动画设计能够将动画设计的运动效果、光景效果、画面失调和纹理等自由地进行改变，而且其动画设计的输出形式也是丰富多彩的[1]。 动画设计的表达方式及发展方向的创新都离不开数字艺术电子技术的支持，另外，数字艺术电子技术也促使动画设计在运动、画面、纹理和光景等多方面的表达效果得到了提升，为设计者对动画的主观思想表达提供了无限的遐想空间，使动画设计的发展得到了新的飞跃。数字艺术电子技术为三维动画的设计创建了一个真实的三维空间场景，实现了动画设计生动化及形象化的提升。 当今时代数字电子技术变得越来越成熟了，三维动画设计软件中也引进了不少先进的运动原理，这使得在三维动画的设计过程中，设计者只须将动画之间的连接点设计好即可，无须对每一帧画面进行设计，便可实现动画的自动转变和动态画面的形成。此技术方式不仅让三维动画中各画面之间的衔接更加顺畅、自然，提高了画面的整体动态感，而且也使三维动画的设计效率得到了提升。利用三维动画设计软件，首先设计静态的画面，其次在运动学理论的基础上，把关键转折点的画面设计出来，最后结合整体的画面，将三维动画效果表达出来。因此，三维动画是为了数字艺术设计的一个重要发展趋势。 2 数字艺术设计中的三维动画教学 艺术设计中的三维动画教学改革设计 数字艺术设计要适应时代的发展进程，培养学生的知识更新能力和创造力。数字艺术设计学生先要接受艺术设计基础设备课程教育，培养其审美思维和感性认识。接着就可以积极应用三维动画的表现语言，作为数字艺术教学的重要工具，其能够对学生的三维空间创造性思维进行培养[2]。 在数字艺术设计教学中应该使学生掌握虚拟空间中的各种艺术造型元素，例如物体运动变化、光照、色彩等，避免学生将操作技术和艺术思维割裂开来。因此在数字艺术设计的教学改革中应该将图形图像专业英文专用术语、传统艺术感性思维和计算机虚拟艺术表现语言、计算机基础知识作为教学改革的重点。 数字艺术设计中三维动画教学的具体内容 可以根据学生的计算机基础，将学生分为两大类，设计有梯度的教学内容，进行因材施教：①第一类学生虽然对三维艺术具有较大的学习热情，但是具有比较薄弱的计算机基础。对该类学生应该给予更多的鼓励和针对性的指导，诱发和保持其学习兴趣。②第二类学生具有一定的计算机基础知识，了解 硬件知识 、计算机 网络知识 和 操作系统 ，初步了解三维艺术语言，甚至有一定的三维动画技术基础。计算机工具适应能力可以设定难度更高的教学内容，并适当加快教学进度，提高教学内容的深度。 在数字艺术设计中应用三维动画教学还要解决专业英文专用术语问题。当前我国大学尚未开设针对图形图像专业的英语教学，而该专业学生的英语基础相对薄弱，教师在教学的过程中应该加强对该类术语的讲解[3]。 与此同时，应该选择合适的教材，对课程结构进行优化，对知识点范围进行拓展。在艺术设计高等教育教学体系中，逐渐将三维动画作为数字艺术设计的一门重要课程，也涌现出了数量较多的教材，可以将内容比较全面和详细的辅助性工具手册和具有较强的艺术针对性的教材进行结合使用，第一类教材适用于没有任何基础的学生，学生具备一定的三维动画基础之后再使用第二类教材。 同时要注意教学内容的衔接性，可以采用网络教学和多媒体教学结合的方式来开展教学，保持实用主义的教学风格，激发学生的学习兴趣。在日常教学中以多媒体教学为主，同时使用网络教学作为辅助。数字艺术设计中的三维动画教学课程内容比较复杂，具有较大的信息量，应用网络教学能够使学生获得更多的网络资源，并建立相关网站，培养学生的独立学习精神和能力。当学生遇到无法解决的问题时，师生之间也可以开展网上互动，帮助学生答疑解惑。 可以积极鼓励学生参与学院、省级、全国举办的不同级别的艺术设计大赛，教师要为学生作品策划、作品修改方面的帮助，使学生获得更多的实践机会。 3 结语 随着数字化技术的不断完善和迅速发展，数字艺术设计中的各个领域都越来越离不开三维动画设计了。三维动画设计在数字电子技术的基础上，结合各种计算机软件，将图片、文字和音频等艺术元素完美地融合在一起。三维动画是为了数字艺术设计的主要发展方向，在数字艺术设计中积极应用三维动画教学，能够切实提高学生的艺术设计能力，适应技术的发展和市场的需求。 猜你喜欢： 1. 艺术设计专业毕业论文精选 2. 艺术设计类论文大全 3. 关于艺术设计专业毕业论文 4. 艺术设计方面的论文 5. 艺术设计专业论文 6. 浅谈平面艺术设计论文
中国艺术设计史的论文 室内设计创新之路室内设计如何创新，是一个长期的热门话题，它主要针对当前建筑室内设计创作中存在的一些问题，如忽视室内环境特点和要求，忽视建筑形式与内部空间的整体性，盲目照抄照搬、盲目追赶潮流、盲目进行材料堆砌、盲目听命于甲方老板、盲目追求效益的倾向而提出来的。 一切艺术创作的创新问题都是一个永恒的课题，因为没有创新就没有发展，所谓标新立异、推陈出新，都是指在继承过去设计创作成果的基础上，开拓新思路、发掘新的艺术表现形式，寻找新题材。在建筑创作范畴，还要探索新结构、新技术领域、开拓新的材料来源。我国现阶段的室内设计，由于受社会经济和文化发展阶段的制约，还没有形成既结合国情，又具有鲜明时代感的设计风格趋向，普遍出现照抄照搬西洋或中国古代建筑样式或装饰部件的情况，这就是社会上公认的以拼凑代替设计的现象。说明我们缺乏建筑室内设计专业基础知识和基本建筑文化素养。 其具体原因是： 1） 对建筑室内环境的意义缺乏理解，缺乏正确的建筑环境意识和念。2） 社会整体建筑文化发展的落后（或称繁荣中的危机）。 3） 建筑设计、施工管理机制不完善。从社会观察中发现一些问题十多年来，我国室内设计从无到有，出现空前活跃之发展势头，对于开创广大人民与过去完全不同的生活环境和工作环境发挥了巨大作用，在设计创作中也出现不少好作用。但由于室内设计作为一种专门的学科和专业，刚刚建立，人才培养还没有跟上形势，行业的兴起更是基础薄弱。出现上述情况是基于根本的设计观念模糊： 1. 对环境认识的模糊认为室内设计是在已有建筑空间中进行表面装修和布置家具、悬挂装饰灯具和布置其他装饰品。把室内设计看成单纯的视觉条件的改善。即是从简单的装饰要领出发去认识室内设计，把建筑室内空间内涵与建筑设计割裂开来。实际上，室内设计是建筑设计的一种延续，它们都是属于建筑设计范畴的。 室内环境的设计究竟包含哪些东西，这是值得进一步弄清的问题。室内设计主要指在现代建筑条件下，创造合理完善的建筑室内环境，以满足人们不断增长的物质和精神生活需要。当今室内设计越来越受到重视，是由于它具有很强的社会基础和充分反映时代的需要。 室内设计是现代科技和文化艺术的综合产物，对于室内设计的研究，受到若干新兴科学发展的影响，如行为科学、环境心理学、环境物理学、环境艺术和现代室内设计工程管理等。这门学科最广泛地包罗人的各种生活和生产活动内容，反映了人们相互交往关系和人与自然的关系。室内设计应充分体现人的价值特征，必须以人为主体确立设计依据，研究人的生理和心理特征，寻找和它们相适应的环境形态结构。研究室内环境问题，要研究人的多种生活体验，研究人的感觉、知觉、习惯、智能和各种生活活动规律以及人对于室内环境的各种反映等。 室内设计又是一种文化活动过程，是社会文明的一种标志。建筑室内空间往往以自身形象（包括空间形式、节奏和秩序）和相关的装饰手段来反映时代和社会特征，不同的室内空间表现不同的环境气氛和具有不同的艺术感染力。（通过视觉、听觉、嗅觉、弱觉等来完成） 如果不从以上室内环境意识的观念出发，社会造成设计思想的混乱。 2． 在社会文化变革，建筑文化变革中出现的模糊观念。改革开放，使中国文化受到外来文化的冲击，这 种冲击表现为大量西方科技、文化被引进，在文化艺术领域里，典雅的、通俗的、理性和非理性的思潮在无选择的传播。总的说来，对于我们拓展视野、更新文化观念、繁荣艺术创作，起到重要推动作用。建筑（包括室内设计）作为文化的表现形式（或载体）在外来建筑思潮影响下，使我们在追求时尚的社会心理之下，普遍表现为求新、求异，或追求多样化。这种倾和和我们比较熟悉的后现代主义恰好不谋而合。我们讲的拼凑现象，在很大程度上是这种倾向的有意无意的表现。这是当前典型的室内设计的社会模式。后现代主义是一种建筑思潮，由于其形式和内涵的多样性和通俗性，而成为一种雅俗共赏的时尚建筑形式。后现代主要针对现代建筑存在的某些问题提出的另一种颇具哲理性的创作方法，它对于当代建筑的发展具有积极意义。但是社会上对多种建筑形式的生搬硬套，或者照抄一些后现代建筑师作品的某些细部，实际上它的建筑内涵十分浅薄，有的甚至与后现代的基本思想的混乱表现之一种，其直接原因是建筑理论研究与设计实践脱节。 3． 市场经济冲击下出现某些社会扭曲现象，严重影响了设计创作的正常发展。现阶段市场经济发展带 来的不公平竞争，使室内设计创作面临许多新问题，其中主要是设计成果的商业价值与文化价值的冲突。有的人为了单纯追求效益而盲目顺应甲骨文方要求。某些暴发的老板没有文化素养，在他的设计下出现华而不实，谈不上什么文化品味的东西，一些奇而不美的低劣设计普遍出现，严重损害了建筑的功能和价值。严格说，这是丧失设计者的社会责任，甚至是出卖职业道德，这是一个难以解决的社会问题。 4． 室内设计材料使用的模糊观念在不少室内设计工程项目中出现盲目使用高档材料的倾向。有的人自 知设计没有什么内容，便用大量高级材料去掩盖设计上的缺陷，这也是当前设计创作中有代表性的倾向。 建筑空间是由一定实质材料的界面所组成，选用不同材料的结构和围护构件，按照材料，基本性能和力学规律围合成的室内空间，具有满足使用功能和人的审美要求双重特征。运用不同材料，在室内出现不同形式的空间界面（如蓬波杜中心的金属结构天棚、居室中的木屋架等）在室内产生各种形式的线、面、体等空间构成要素，这是材料与结构对室内环境产生的综合影响。某些新材料构件的应用，如大型玻璃隔断，使室内空间出现通透感，大大丰富了室内空间层次变化，这些都改变了传统建筑形式和它的设计方法。所以从某种意义上讲，室内空间的整体形象是材料，结构和空间共同体现的一种综合性艺术形象。 另一方面，材料因为体现了本性才获得价值，材料的质地和肌理可以加强空间环境效果，并使它的基本形象更具有意义，所以任何材料的运用都应体现其本质，如建筑材料中的木材料的运用都应体现其本质，如建筑材料中的木材被认为是最具有人性特征的材料，人们都愿意接近并喜爱它生动的纹理和天然光泽，在使用时有意去表现它。砖是一种普通材料，但在当代建筑师心目中仍然把它看做一种富于自然品格和表现力很强的材料，国外不少低层住宅、办公室和一些文化类建筑室内，普遍采用清水砖墙，在现代环境中不断更新其材质和表现特性，砌筑方法，开发其新的肌理，使它发挥更大潜力。 对于室内装饰材料的研究，除了掌握其功能特点外，主要应研究材料本身的素质和艺术表现力，以及人的视觉、心理反应等。 室内设计的各种意图，必须通过材料的合理运用来完成，可以用在室内环境中的材料很多，但要达到合理运用则比较困难，我们应当学会主动驾驭材料，最大限度发挥材料各自的优势，而不能盲目乱用，甚至无原则的高级材料堆砌。对于高级装饰、装修材料的使用，应重点突出，体现高材精用的原则。目前，很多工程中，不分重点地将一类高级材料，如花岗石、不锈钢、高级硬木、镭射玻璃等到处乱用，以为这才能体现他的所谓装修档次，这实际上是把使用高贵材料和提高环境质量两件完全不同的事混为一谈。 这种指导思想，离开室内设计基本方向和原则，不仅造成严重经济损失，而且使室内环境给人一种不伦不类暴发户的印象，或者说是把室内设计简单化、庸俗化。
这两篇，你可以参考下，，，，(1) 浅谈罗可可艺术的女性化特征内容摘要 ：产生于法国18世纪的罗可可艺术反映的是上流阶层的审美趣味和审美价值，是集享乐、奢侈、豪华于一体的艺术样式的代名词。文章通过研究法国路易十五时期的社会和文化特征，探讨表现在建筑、家具、绘画以及服饰方面的女性化风格特征。关 键 词 ：罗可可 宫廷贵族艺术 女性化18世纪的法国是启蒙运动的时代，由于国家对工商业与文化实行奖励政策，促使资本主义经济飞速发展，文学艺术也随之蓬勃与兴盛。经历了男性理性时代的法国人开始渴望柔和暧昧的女性化情感，尤其是没落的封建贵族们，他们从路易十四时期的繁文缛节中解脱出来之后，开始追求奢侈享乐的生活，崇尚轻浮华丽的艺术，罗可可艺术便应运而生，并且迅速成为法国乃至欧洲的主流艺术和社会风尚。“罗可可”一词意为“贝壳工艺”，指用贝壳、石子等做假山，或以旋涡纹、花饰为主的装饰形象，后来引申为一种纤巧、华美、富丽的艺术风格。罗可可艺术强调浪漫情调，它从东方、中世纪和古罗马的装饰风格之中得到启发，还吸收了中国清代丝绸、瓷器、漆器等工艺所特有的精致细腻的纹样，以及镶金嵌银的装饰风格。罗可可艺术崇尚自然，多以贝壳、山石、花草作为装饰题材，用富于女性化象征的S形、C形或旋涡状曲线夸张地伸展和缠绵卷曲，因此优雅、柔媚、华丽与繁缛成为罗可可艺术的典型特性。如果巴洛克艺术是男性化艺术象征，那么罗可可艺术则是典型的女性化艺术。路易十五的情妇蓬巴杜夫人不仅是罗可可艺术的保护人和倡导者，又是罗可可艺术的象征性人物，她引领了整个法国的艺术潮流，在她的推波助澜下，罗可可艺术成为压倒一切的艺术风尚，因此罗可可艺术又称“蓬巴杜风格”。罗可可艺术风格几乎侵袭了宫廷贵族精神生活的一切领域。“在18世纪，罗可可趣味是随处可见的，贝壳、草茎和花朵是罗可可样式最常采用的装饰母题；即便是一件日用器皿，也能感到是罗可可时代的一个缩影。”①可以说，罗可可风格渗透到法国人日常生活的每个角落，它不仅体现在绘画与建筑上，还涉及到音乐、文学等多个艺术领域。罗可可建筑与室内装饰罗可可建筑是在巴洛克建筑的基础上发展起来的，它由巴洛克式的富丽堂皇、气魄宏伟的宫殿转变为优雅别致的别墅与私邸，而且还处处体现了女性化的安逸、亲切和舒适的装饰风格，如室内的柱子与楼梯修长而小巧；天花与墙面间以弧面婉转相连；房间的角落砌成柔和的圆形。罗可可式室内装饰总体倾向自然主义，它将草叶、贝壳、石子、蔷薇和棕榈作为装饰题材，不仅用在墙面和天花板上，还用在栏杆、窗台、壁炉、镜框、门窗等一系列装饰构件上。此外，还在室内张挂绸缎的幔帐和晶体玻璃吊灯，陈设瓷器古玩，以显示主人的豪华与高雅。罗可可建筑与室内装饰多采用娇嫩明快的色调和富有光泽的色彩，并且尽量避免强烈的对比，如墙面粉刷，多用白色、粉红色、嫩绿色、淡黄色等浅色调，线脚多用金色，使室内闪烁着迷人的光泽。由于在装饰上过于繁缛花巧，罗可可建筑与室内装饰的格调显示出过浓的脂粉气。罗可可家具罗可可家具由其装饰形式的新思想出发，整个家具设计都由富有节奏感的曲线或曲面构成，可以说，女性化的柔美与纤巧的格调在罗可可家具上体现得淋漓尽致。设计师从妩媚修长的女人体得到启发，创造出秀气、高雅、轻巧的家具，以芭蕾舞为原型的椅子腿最为典型。沙发靠背、扶手、画框大都采用细致典雅的雕花，椅背的顶梁有玲珑起伏的“C”形和“S”形的旋涡纹的精巧结合。罗可可家具在制作工艺上采用了青镀金、雕刻描金、线条着色，或镶嵌花线与雕刻相结合的装饰手法，讲究精致繁琐，这种富于想象力的细线纹饰使得家具显得愈加轻盈纤柔。所有这些致力于追求外形特点的家具，构成了罗可可风格时代的贵族们浮华绚丽的生活场景的不可缺少的元素。[next] 罗可可绘画“罗可可”以一种轻松优雅的风格使绘画彻底摆脱了宗教神学的教化思想，此时的艺术理想由雄伟转向了愉悦，享乐的世俗生活和欢愉的爱情是罗可可绘画的主题。特别是青年男女爱情的风流韵事成为广泛的题材，罗可可绘画讲求细腻入微的感官享受，甚至追求形象肉感和性感描写，即使是男人肖像也带有女性化的纤柔。画家华多以轻柔的笔触和淡雅的色彩，在画面中渲染出一种如梦的境界，以此来衬托动作优雅、绮罗遍身的男女们。这些男女们虽在远离尘世的仙境中野餐，谈情说爱，尽情地安逸享乐，然而甜美中却浸有淡淡的忧郁。正是这种“夕阳无限好”的意味，使华多避免了浅薄的思想而超越了其他罗可可画家。罗可可风格在布歇和弗拉戈纳尔的作品中表现得更为突出，他们对感官之美真实大胆，富于情调效果的追求，成为了那个无忧无虑、奢华萎靡时代的诠释者。罗可可服饰罗可可时代是女人的时代，女性浪漫而华贵的服饰把那个时代渲染得无比精彩。突出妇女的体形美是罗可可女装最大的特点，罗可可女装流行内穿束身紧身胸衣，胸衣领口开口很低，并以褶裥、荷叶边和蕾丝花边装饰领口，以衬托女性丰满的胸部。受东方文化影响，女装裙子面料流行飘逸温软、高雅而精致的丝织物，内以鲸骨做撑架，这种裙撑越来越大，犹如盛开的花朵，裙撑外的多层衬裙要将外裙前摆卷起至后臀处打褶垂放，目的是为了使臀部更突出，腰肢更纤细。罗可可女装经常在局部饰有精巧的刺绣工艺、蝴蝶结、玫瑰花，再配上独特而夸张的假发和帽子，显尽了女人的华丽与娇柔。男子服饰没有领子，领口有一排长而密的扣子，将前襟去掉，就形成了日后的燕尾服，而颈前的蝴蝶结，就是今天的领结。结语风靡一时的罗可可风格随着蓬巴杜夫人的亡故逐渐被新古典主义取代。由于罗可可艺术一直被禁锢在高雅文化中，只为上流社会苍白、颓废、娇弱的思想生活服务，不免显得过于娇媚浮华，缺少了精神内涵的深刻性。但是，罗可可艺术夸张的手法和独特的表现形式则使它具有了超时代艺术生命力，甚至至今还为艺术家们提供着创作思路。(2)包豪斯的发展对现代设计的影响在当今社会生活中，现代设计参与并影响着人们的生产、生活。艺术设计、环境艺术、工业造型等各个领域，都直接或间接受到“包豪斯”的影响，或多或少有其设计理念的意识存在，如“艺术与技术相结合”的指导思想，产品的使用价值与审美价值的辩证关系等。德国包豪斯（Bauhaus）学院，成立于1919年，是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院，是由德国著名建筑师现代主义建筑与现代主义设计的奠基人格罗皮乌斯（Walter Adolf Georg Gropius，1883—1969）建立。“包豪斯”一词是从中世纪的“土木行会”转化而来的，其意思是建立像中世纪匠师们那样通力合作的关系，力图打破纯艺术和工艺技术之间的界限，团结艺术家和工艺技师一起创造出精神和物质合一的、完美的美术作品，其实质是推进现代新技术下造型艺术的创造。包豪斯学院是世界上第一所建筑工业设计学校，它的诞生是现代建筑工业设计的一个里程碑。①根据其校长的任期，包豪斯可以分为三个阶段：格罗皮乌斯任校长的1919—1928年，迈耶任校长的1928—1930年和米斯·凡德罗任校长的1930—1933年。校长的作用对包豪斯具有重要的意义。②根据校址的三次迁移，包豪斯经历了魏玛时期（1919—1924年），迪拜时期（1925—1930年）和柏林时期（1931—1933年）。在学校构成、教学思想、专业课程设置、师资制度及设计理念等方面，包豪斯学院发生过许多重大变化。即格罗皮乌斯的理想主义与其浪漫的乌托邦精神，迈耶的共产主义政治目标，米斯的实用主义方向与严谨的工作方法。所有这些虽都具有强烈而鲜明的时代烙印，但同时也成就了包豪斯精神内容的丰富性、文化特征的复杂程度，这为现代设计教育奠定了基础，对现代建筑及工业设计革命做出了巨大贡献，同时对世界文化也有着深远的影响。1919年4月1日，第一次世界大战结束以后，包豪斯正式在魏玛成立，格罗皮乌斯亲自拟订并发表了《包豪斯宣言》，在宣言中他提出：“完整的建筑物是视觉艺术的最终目的……建筑家、雕塑家和画家们，我们应该转向应用艺术……艺术不是一门专门职业，艺术家与工艺技术人员之间并没有根本上的区别……让我们建立一个新的艺术家组织，在这个组织里面，绝对不存在使得工艺技师与艺术家之间树起很大障碍的职业阶段观念……”③在《包豪斯宣言》中，格罗皮乌斯的核心思想：一是打破艺术种类的界限。二是将手工艺人的地位提高到艺术家的层次。这就是格罗皮乌斯所说的“艺术和技术——新的统一”的含义。约翰内斯·伊顿（Johannes Itten,1888—1967）是一位瑞士画家，是被公认为世界上第一位系统地创造现代设计基础课程的人，是包豪斯预科基础课程的第一位主持人。在基础课程中，他特别强调两个方面：一是对形态、色彩、材料、肌理的深入理解与体验，包括平面与立体形式的探讨与理解。二是通过对绘画的分析，找出视觉的形式构成规律，特别是韵律和结构两个方面的规律，逐步使学生对自然事物有一种特殊的视觉发展的敏感性。同时，伊顿也是最早开设现代色彩系统教学的教育家之一，但是伊顿醉心于早期基督教哲学和中国哲学，具有敏感力和浓厚的宗教意识。所以，其教学方式与内容往往是将科学视觉形式与神秘主义精神混作一体，有些干扰了正常教学，从而遭到了很多批评和抨击。最终他于1923年离开包豪斯，去苏黎士从事艺术创作，并继续研究中国哲学。1922年10月份，拉兹罗·莫霍里·纳吉（Moholy Nagy,1895—1946）接替了伊顿位置。他年轻活跃，才华横溢，曾被格罗皮乌斯誉为“在建立包豪斯教育中最活跃的同事之一，包豪斯的许多建树都是他的功绩”。④纳吉使包豪斯预科摆脱了哲学倾向，具有明显的技术倾向。在艺术设计中，他使美学适应于结构逻辑，他为预科学生安排了三组课程，即工艺类、艺术类、科学类，使学生了解材料的属性，掌握形式表面、结构、容积、空间和运动等概念的内容，学会使用手动工具和生产设备，熟悉造型表现的原理，让学生的形象知觉和理性思维结合起来。纳吉是一位把包豪斯的艺术概念运用到工业和建筑上去的主要理论家，是继格罗皮乌斯之后，成为包豪斯思想传播和发展最有影响的人物，影响了整整一代艺术家、建筑师、设计师。 [next] 包豪斯预科的第三位主持人阿尔伯斯(Joset Albas,1888—1961)，同样具有理性思维的教学倾向，但比纳吉更具有实践性。他十分强调学生认识材料及工艺特性，使学生在制作工业产品上完全贴近实际任务。阿尔伯斯经常和学生一起讨论、分析作品。他认为，双向交流比教师单向讲授更有助于发展学生的结构思维。表现主义画家克利（Paul Klee,1897—1940）与抽象绘画开拓者康定斯基（Vassily Kandinsky,1897—1944）也是包豪斯最有影响力的成员，他们对完善学院的教育体系起到了积极的促进作用。克利的理论知识丰富，是现代艺术中敏感性极强的人。他所关注的不是抽象与具象的分野，而是如何把所有元素从统一规范中解放出来，分解、组合、重建，构成多声部的整体，通过动态平衡，造就永恒的和谐，使之接近创造的核心。⑤克利的“自然现象的分析”“造型、空间，运动和透视研究”这几门课程，从造型的作用说起，论述自然与物理、数学的关系，以及与人的认知之间的关系。他尽量把理论简单化、明确化，注重形式的分析，并善于将元素进行组合研究，强调感觉与创造性之间的关系。康定斯基是一位伟大的表现主义大师，现代抽象艺术的先驱。他的教学是从完全抽象的色彩与形体理论开始，然后把这些抽象的内容与具体的设计联系起来。其关于点、线、面的论述在包豪斯的基础课教学中发挥了重要作用。而这些内容已成为现代设计教育体系中平面构成的先声。包豪斯强调造型艺术的结合，提出艺术与技术相结合的思想；强调新的工业产品的使用价值与审美价值的辩证关系；强调使用新的物质材料、新技术和实用功能决定的现代抽象形式；强调艺术设计才能与工艺制作劳动相结合；强调艺术家之间的协作和打破艺术家与匠师之间的壁垒。包豪斯奠定了现代设计教育体系的基础，其课程结构与教学方式成为世界许多学校设计教育的出发点，培养的杰出设计师把现代设计推向了新的高度，其精神、观念与方法在相当长的时间被奉为现代主义的经典。包豪斯在设计中提倡自由创作，反对模仿因袭、墨守成规，提倡在掌握手工艺的同时，了解现代设计的特征，大力开展国际、国内之间的交流合作，培养具有现代设计文化性格的新型人才，具有创造性思维能力，集艺术、工艺、设计于一身的新型人才。包豪斯的设计思想为现代设计思想的拓展和完善提供了可遵循的依据和准则，使现代设计思想更趋于系统化、规范化。包豪斯所提倡的功能化的设计原则，使现代设计对产品功能的物质载体重新加以探索，有效地利用载体，使载体多功能化，对材料、造型、使用环境等诸要素也进行了更深入的研究。包豪斯的发展是坎坷的、短暂的，但其影响在世界范围内却是巨大的，我们在吸收包豪斯的设计理论和教育思想的同时，应该结合现实中具体的问题，将科学探索精神及现代审美意识与本民族传统文化有机地结合起来，更好地促进现代设计的发展。如今，人类已进入21世纪，现代设计如雨后春笋，呈现出突飞猛进的态势，并渗入到与人们息息相关的生产、生活的各个领域，并且跨越众多学科门类和体系。虽然仅开办14年的包豪斯已经过去了86年，但是包豪斯的设计思想对现代设计产生了深远的影响。注释 ：①张彤.整体地域建筑理论框架概述[J].华中建筑，1993（3）：22.②凌继尧，徐恒醇.艺术设计学[M].上海：上海人民出版社，2000.③王受之.世界现代设计史[M].北京：中国青年出版社，2002：142.④张夫也.外国工艺美术史[M].北京：中国翻译出版社，1999：525.⑤汪炳璋.包豪斯的工业设计及其发展研究[J].安徽建筑工业学院学报(自然科学版)，2005(12):36.
同学你好，相信你一定是孝感学院2010届的学生。我是布置这篇论文作业的老师，我已将此网页以及类似网页浏览一遍，若你提交的作业与某网页雷同，我将记录你的作业成绩为0. PS：你的QQ号码我已记录下来
字号： 大大 中中 小小 中国工艺美术史结题论文 中国金属工艺之古今变迁 ——金属工艺在中国历史工艺美术舞台上的发展 内容提要：本文展述了什么是中国工艺美术，中国工艺美术之一的金属工艺在中国工艺美术中的地位，发展和金属工艺在当代有哪些需求的市场，以及金属工艺在设计、艺术中的一些可行性的创造，并且介绍我们身边一位以金属工艺进行艺术创造的人和她的艺术行为。 关键词：中国古代工艺美术、景泰蓝\烧瓷\花丝镶嵌\斑铜工艺\锡制工艺\铁画\金银饰品等等、金属工艺的当今市场、金属工艺用途、创造金属工艺、“铁哥们”、郭新、双城（twocities） 正文： 首先我们要了解，什么是中国古代工艺美术？ 中国古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和精神需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称。它是中华民族造型艺术的重要组成部分，既体现了工艺美术的一般本质特征，在内涵和形式上保持着实用性与审美性的统一，又显示了中华民族文化自身所具有的鲜明个性。中国工艺美术以其悠久的历史、别具一格的风范、高超精湛的技艺和丰富多样的形态，为整个人类的文化创造史谱写了充满智慧和灵性之光的一章。工艺美术有物质文明和精神文明的又重属性，尽管它不是纯艺术，创作不以震撼人心或道德说教等为宗旨，但它对人的影响又绝不小于纯艺术。因为，人可以不去欣赏纯艺术，却不必去专门欣赏它，而它却永远在源源不断地提供着形式语言，潜移默化地培育起人的基本审美意识，如影随形般左右了人的终极审美判断。中国古代工艺美术夙享盛誉，长期是中华文明传播的承载体，域外人士在使用中国工艺美术的同时，也潜移默化地认知了中华文明。（参考《天公开物》） 工艺美术这个词，就具有悠久技艺传统的，富有地方和民族特色，反映中国古典文化精神的传统工艺美术，其主要门类有烧造、煅冶、染织、编扎、雕刻、木工、髹饰工艺等等。而金属工艺就是其中一项中国优秀的传统民族技艺。金属工艺是中国工艺艺术的一个特殊门类，主要包括景泰蓝（景泰蓝是用细扁铜丝掐成图案的，焊在铜胎上，再填点上彩色釉料，经烧制而成）、烧瓷（又名“铜胎画珐琅” ，与景泰蓝的区别在于不用掐丝，而是在以铜制胎之后，在胎体上敷上一层白釉，烧结后用釉色进行彩绘，经二、三次填彩、修正后再烧结、镀金、磨光而成。）、花丝镶嵌（又叫“细金工艺”。它是用金、银等材料，镶嵌各种宝石、珍珠，或用编织技艺制造而成。）、斑铜工艺（斑铜工艺品是云南独有的民间传统工艺品, 它采用高品位的铜基合金原料，经过铸造成型，精工打磨，以及复杂的后工艺处理制作而成，它"妙在有斑，贵在浑厚"，褐红色的表面呈现出离奇闪烁、瑰丽斑驳、变化微妙的斑花而独树一帜，堪称金属工艺之冠。）、锡制工艺、铁画（也称铁花，是以低炭钢为原料，将铁片和铁线锻打焊接成的各种装饰画。）、金银饰品等等。 中国金属艺术历史悠久，品种繁多，技艺精湛，风格独特，是中华民族璀璨的瑰宝，亦是中国优秀文化传统的结晶。我认为中国金属工艺在从古至今的岁月变迁中，是处在半消亡半沿袭状态的下的。这相对于其他中国工艺美术门类的发展情况看来，是趋于一个悲哀而并不绝望的状态，一种发展的涌动的状态。 金属工艺在当今，也占有非常大的需求量。这不会象我们在现在的生活中，去更多的去用塑料代替漆器，用玻璃代替了陶瓷，用工业印染的面料代替了传统织物等等。我们现在有许多酒吧、别墅、环境雕塑、绿化景观围栏等等，这些都需要去用到许多传统金属工艺的沿袭手段的，并且将金属工艺加以发扬光大，再设计再创造，使其与传统形式又有所区别，使得金属工艺更花样百出，更为当今的产业，人文，大众审美，或艺术家的创造所提供材料与技术的服务。但是，当今的金属工艺纯手工的几乎灭亡，这些内容也只是通过工业手段完成，利用机器，科技。我们能看见的传统的，废功费时的纯手工制作的金属工艺制品或许只有在一些艺术院校，或金属手工工作室内产出。 纯科技带领的金属工艺的大量浮现，这样的情况势必使我们的社会有更多的有关金属工艺的商机出现，商机出现会带动这个种工艺的的需求量，也会增加这种工艺本身的种类变化。达到我们以前通过手工艺无法达到的目的。古时候，我们祖先基本只用金属制作兵器和餐具，或者是女子装饰物和居室装饰物。如今，金属工艺大到被用做建凿高楼大厦，航天航海工具，小到肉眼无法看到科学仪器。电器需要它，店面装饰需要它，城市雕塑要它，房屋中的旋转楼梯需要它…… 中国古代人就对冶金技术很是着迷，他们迷恋于发现金属工艺能创造出不同性质的物体所带来的装饰性。但是，中国古代金属技术的成就及其在科学技术上的地位，并未为世界乃至包括中国人自己所充分了解。中国的青铜器早已举世闻名，但直到20世纪60年代初，商周青铜器的冶铸技术仍被视作是难解之谜。中国的古人更乐忠于金属工艺的装饰。就拿中国女子的发簪做例子，中过古代女子的发簪形式多种多样，但它不注重其功能性，只要是能扎在头发里做装饰便可，它更重视其装饰效果，如明代，凤金簪zan；宋代，金钗 chai，钗形状如叉，是有两跟针脚的簪；唐代 四蝶银步摇；宋代，银栉 zhi，栉下面有齿、上面有背，齿有疏密，疏者称梳，用以梳理头发，密者称篦，用以篦除发垢，等等。而如今，我们生活中的金属工艺更简洁，更注重它的性能方面，如有：黑色金属的两瓣式发夹，简洁大方从小姑娘到老奶奶都可以使用。弹簧式的发夹；圈套丁字形发夹等等； 除了在这些金属工艺的使用方面以外，我们更可喜的是能看到，金属工艺被我们所创作和设计。越来越多的艺术家和设计师，喜欢使用金属做为他们艺术创作的材料。如，著名北欧家具设计IKEA，也喜欢利用金属工艺做一些金属家具，如，床。在中国我们个大美术院校也力在培养大量的金属工艺沿袭者。并且还有专门的当代金属艺术作品展览。如，清华大学美术学院建院五十周年，美院工艺美术系于10月26日至11月5日在美院举行了金属艺术展。在他们学院，金属艺术专业随着他们美术学院特艺系的建立，经过了几十年的逐步完善和发展，目前形成了金属艺术和首饰艺术这两个有特色的专业方向。他们的作品，这些金属艺术作品也从不同程度上体现出中国传统文化的内涵。（参考《现代艺术设计丛书》——《金工艺术》） 在这次的田野考察中，我去了莫干山路50号，去看了”铁哥们”工作室，这个工作室的艺术家，将一些平时看似废弃的金属材料制作成了一些玩具式的作品，有唱京戏拿大刀的角，还有欧洲的骑士，小恐龙，门口的彩色铁皮风铃罐头等等，都十分的有趣和生动，并且将废铜烂铁变废为宝，这个是具有很好的环保理念的创举，在日益耗尽的资源面前，艺术应该作为一种先发至人的东西存在，来以它的形式，广而告知那些尚未意识到问题的人们。在今后我们更应该在环保上多作考虑。金属并不应该无限制的制造，这样的话总有一样会耗尽所有，所以还当反复使用。这一点“铁哥们”走出了希望的步伐，将一堆废气金属变为了装饰性很强的艺术品。值得我们深思和学习。 我还重点去采访，并且接触了我们上海大学美术学院综合材料造型工作室，做首饰艺术的女艺术家，郭新老师和她的双城手工艺工作室（twocities）。郭老师拥有美国印第安大学文学硕士与艺术硕士学位。她用金属工艺做“艺术首饰”，以艺术首饰作为艺术创作的形式。”艺术首饰”(art jewelry)是目前首饰设计的最前卫的艺术表现形式。它直根于现代艺术。她教导学员设计首饰造型一定要有创造性，创作出艺术性个性化的东西来。艺术首饰可以由多种不同材料表现，不受限制，而金属正是艺术首饰中最常见和最常使用的一种。她说，金属工艺在中国传统中已近流失。这是非常令人痛惜的事情。而在西方，高速发展的科技并没有使手工艺术消亡。在西方的许多美术学院里都设有金工艺术课程。许多金工艺术课程是和首饰作为同一个专业研究的。一把全手工锻造的茶壶要花近两个月的时间敲打出来。在现代手工艺术运动中，手工锻造的餐具、器皿是现代设计理念加上与传统手工艺的完美组合。（参考《郭新：上海大学美术学院教师作品集》） 科技引领的金属工艺手段，可以说是“加工型”的金属工艺，这需要我们通过大脑和手工艺实践，所谓的“创意型” 相互的结合，并且是后着影响牵引前者发展。那么随着人们的艺术修养的提高，金属工艺从古至今会越走越好。并且创造出更灿烂的金属创作的未来。
东西方设计绘画美学异同：东方以中国为代表的绘画审美基点在于“意味”，西方绘画的基点在于“再现”中国绘画最求形象之外的意，线条与超然的色彩更能充分表达主管情感，成为东方美术造型的主要手法。西方人致力于物象属性的研究，造型艺术便充分利用了自然科学，借助明暗规律光与色的关系，空间，体积，结构，运动的表现成为主要造型的依据。东方审美的本质在于尚意，领悟，对真实的理解是物体对应情思后“升华了的真实”，西方审美本质是尚形的，他们认为认为造型艺术的认识必须是由感性到理性的认识。而理性认识必须有明确的定义，审美必须有客观依据，有准确的概念，推斥了东方的“领悟性”重视自然给人的美感及生活体验的功用。东方：逻辑体系严谨，只可意会不可言传，“意足不求颜色似”如山水画讲究意境，讲究“澄怀味道”，“有无相成，虚实相生，灵气往来，无画处皆成妙境”。画面上用大面积的空白，大块的墨线与墨块，多视域的构图处理，成为东方人理解到有相辅相成的艺术创造中的宇宙和谐实体。西方人认为：“之所以世界千差万别就在于它们有各自都具有不同的数量关系。雕塑绘画等艺术的美在于‘数的和谐与比例'。一切造型艺术要依靠对数据恰如其分的把握”。如此自然最完美的比例节奏构成了重要依据.完美的古希腊雕塑来自理想中比列的和谐与完美,神庙建筑来自几何图形的和谐统一,艺术史成了这种和谐与人感知的理想契合.
不知道你这个是毕业论文还是用于评定职称的，不过你可以到一些期刊网去查询一下，应该可以查询的到你所需要的论文内容的，比如说燕子期刊网。
提供一些艺术设计类的毕业论文题目，供参考。1.对现代艺术设计的再思考 2传统绘画艺术与现代艺术设计 3浅析CI设计中的企业文化冲击力4包装设计中人文思想的再思考 5标志设计与图形艺术的结合 6平面图形设计中的符号原理 7浅析品牌包装设计 8现代包装设计的文化观 9中国古代图徽与现代标志设计 10.现代标志设计与原始符号情结 11.造型设计与空间的利用12.浅谈住宅发展的趋向13.现代室内设计的发展趋势14.现代与传统的对话15.浅析家居装饰中的表现艺术16.色彩在景观中的应用17.艺术格调住宅18.国传统图案纹样与现代室内装饰设计19.办公空间设计中人性化的探讨20.传统建筑文化在现代空间设计中的应用21.商标标志设计之我见22.色彩设计与广告宣传效果融合23.艺术特性在广告中的把握24.情感设计广告创意中的再创意25.设计风格在品牌传播中的作用26.现代消费心理对广告设计的影响作用27.中华元素在品牌设计中的运用28.浅议中国品牌国际化与本土化问题29.室内设计新趋势30.室内设计中的绿色生态设计
去看看汉斯的（设计）或者（艺术研究快报）期刊上的文献，看看别人的论题是怎么写的
论文题目十分重要,必须用心斟酌选定,论文题目就是文章的一半,下面学术堂整理了四个艺术设计毕业论文题目的写作技巧供大家参考:1.准确得体要求论文题目能准确表达论文内容,恰当反映所研究的范围和深度. 常见毛病是:过于笼统,题不扣文.关键问题在于题目要紧扣论文内容,或论文内容民论文题目要互相匹配、紧扣,即题要扣文,文也要扣题.这是撰写论文的基本准则.2.简短精炼力求题目的字数要少,用词需要精选.至于多少字算是合乎要求,并无统一的"硬性"规定,一般希望一篇论文题目不要超出20个字,不过,不能由于一味追求字数少而影响题目对内容的恰当反映,在遇到两者确有矛时,宁可多用几个字也要力求表达明确.3.外延和内涵要恰如其分"外延"和"内涵"属于形式逻辑中的概念.所谓外延,是指一个概念所反映的每一个对象;而所谓内涵,则是指对每一个概念对象特有属性的反映. 命题时,若不考虑逻辑上有关外延和内涵的恰当运用,则有可能出现谬误,至少是不当.4.醒目论文题目虽然居于首先映入读者眼帘的醒目位置,但仍然存在题目是否醒目的问题,因为题目所用字句及其所表现的内容是否醒目,其产生的效果是相距甚远的.
学术堂整理了一些艺术设计专业论文选题，供大家进行参考：1、《“天人合一”审美观在现代农村民居中的继承和发展>2、《传统四合院院落空间的继承与创新》3、《当今现有材料表现》4、《对环境艺术设计人性化的一点看法》5、《构建自然和谐人居环境》6、《关于设计美的思考》7、《关于图书馆建筑人性化设计的思考》8、《家具的绿色设计浅论》9、《家具设计的人性化思考》10、《居住区环境设计的生态化设计》11、《论家居设计中人性与个性的统一》12、《浅谈城市公共空间设计的人性化》13、《浅谈家居中的灯光设计》14、《浅谈老年人居住空间的无障碍设计》15、《浅析居民小区的无障碍设计》