有关中国壁画、绘画等美术史的研究，是本次会议论文中涉及较多的专题。中国壁画艺术起自北朝，隋唐走上峰顶，至晚清、民初濒临谷底，壁画画种从美术史记载、论述领域完全消失，壁画家从画家行列除名，直接的影响是造成了中国绘画艺术的断层。李化吉《中国壁画的衰落与复兴》论述了盛唐时期是中国壁画顶峰期，宋以后，山水画、卷轴画开始占据主流地位，一直延续到近代。壁画退出主流地位，逐渐跌落末位，至明以后竟然“了无痕迹”。究其原因一是“灭佛运动”，“灭佛”封杀了壁画客观生存环境的发展空间；二是对画工的歧视，唐以前画家画工同作壁画还是正常的，到北宋，壁画是“众工”贱役范畴，画家参与是可耻的事，到南宋，画院也被概括在“画工”之列。其结果，壁画完全失去生存空间。有关中国绘画艺术的精髓线描研究方面和论文有夏朗云《从文献和石窟等文物上看吴道子莼菜条及陁子头道子脚的历史形态和意义》和刘韬《关于克孜尔石窟壁画“屈铁盘丝”式线条的研究》。陈瑞林和谭曙珍《敦煌与中国现代壁画——本土传统与外来影响的再选择》论述了中国近现代基督教壁画、商业壁画、政治宣传壁画、艺术壁画的发展，勾勒了壁画在近现代的演变轨迹。毛建波和陈永怡《敦煌壁画临摹与现代中国画——以“浙派人物画”为中心》论述浙江画家临摹、学习敦煌壁画，成为“浙派人物画”形成和成功的必不可少的重要推力，说明敦煌壁画临摹对现代中国画发展具有重要的贡献。 还有不少论文对敦煌艺术本身的制作方法、艺术语言、表现手法展开论述。关晋文《敦煌石窟早期壁画绘制方法小议》、马玉华《敦煌北凉北魏时期石窟壁画的制作》都基于作者多年临摹敦煌壁画的经验和认识，论述了敦煌石窟早期洞窟壁面地仗的制作、洞窟壁画绘制方法、制作工序。张建山《莫高窟第257窟九色鹿本生故事画色彩的表现手法》论述了作者对九色鹿本生故事壁画的色彩表现手法的认识。徐艺《莫高窟419窟彩塑之艺术语言研究》从塑形、绘色两个方面论述了作者对敦煌隋代雕塑艺术造型语言的理解。谢振瓯《敦煌壁画中经变故事的图式观与造型观回望》认为敦煌经变画的图式观、造型观是“本自心源，想成形迹”的意象手法，敦煌壁画直至今日仍然是解答当下中国现代绘画发展诸多疑问的的一部无可替代之经典。 五、古代壁画考古研究 古代壁画考古研究一直是敦煌学、石窟研究者历来关注的重要课题。本次会议中有许多论文从多方面、多角度涉及这一研究领域。 有关龟兹石窟的研究是本次会议考古研究的一个热点，有多篇论文涉及。龟兹石窟中保存有大量的裸体人物画，引起学者们关注。但近年来有些学者在龟兹石窟壁画裸体问题研究中存在资料不确、论说偏颇的现象。霍旭初《克孜尔石窟壁画裸体形象问题辩真》对此现象进行澄清辨析，认为克孜尔壁画裸体形象的出现，在一定的时期范围和特定的题材范围里，符合佛教造像的“表法”原则，有的是进行戒定慧教育达到“弃贪离欲”的反面视觉教材，还有许多裸体形象属于“禅观”的内容。通过对比研究，克孜尔壁画裸体形象与印度笈多王朝时期佛教艺术造型存在十分密切的关系，有些壁画可能采用的就是笈多佛教艺术传来的“样本”。 龟兹石窟壁画艺术的代表图案“菱形格”图案形式，是学界长期以来探讨的问题。史晓明《克孜尔菱格画的形态学类型与艺术风格——以菱格画的本体语言为契机》认为菱格画的形式语言是点、线、面和色彩，在形态学上属于装饰性写实风格。王文杰《形视于目，手会于心——克孜尔壁画菱形格图案形成机制与结构》在以往学者关于菱形格图案多种单一来源观点的基础上又进行了新的探索，认为它是菱形格山岳图案、音乐歌舞、纺织美术、犍陀罗艺术启发、龟兹地理及自然环境等多种因素交互影响和作用的结果。 王征《龟兹石窟壁画美术风格类型和年代研究》在调查龟兹石窟壁画的基础上，分析壁画表现技法中的用线、用色、形体动态等表现形式，将美术风格和考古类型学的研究方法相结合进行研究，确定壁画风格类型，进而讨论其年代分期。吕明明《克孜尔壁画中的王族供养人》通过对克孜尔约35个有供养人的洞窟中的11个洞窟的王族供养人画像进行对比研究，证明龟兹地区的佛教是受王族保护并大力扶持的。 壁画艺术可谓是利用塑造形式和图画形式表达人类情感或思想的一个艺术领域。如同所有艺术皆源于娱乐的本能，壁画艺术也不例外。壁画艺术乃是最贴近人类生活的一种艺术，是在生活环境的影响中诞生，生活环境的影响不仅在人类之间，在所有生物的相互关系中皆会产生影响。人类的生活环境会直接或间接地产生影响，人类是在这样的环境中受到方方面面的启发而创作出相应的艺术作品，即不同的环境会塑造出不同的创意作品。如今这样的艺术作品会为现代人枯燥无味的生活提供可以休闲放松的地方，而这就是艺术对社会做出的贡献，也就是作为艺术家应尽的义务。这样的艺术随着时光的流逝发展成多种多样的艺术形式，大体上分为个人艺术和大众艺术，而壁画艺术则从古至今以大众艺术行为的代表性艺术形态发展到今日。尤其像洞穴壁画，作为绘画的实用性最突出的一种佛教美术，由古代印度从教化角度创造出炉并传播到中国之后被赋予教化方面的装饰意义，为强调寺院的庄严性而被塑造得更加华丽、细腻。对于颜色采用而言，从最初的基本色调逐渐变得多种多样，并为了满足需要，开发并引进丰富的天然矿物颜料，从而促进了调色方法的发展。从东方概念上的“色”则超越了单纯的视觉方面的意义，随着其时代的价值观和美观等诸多条件而展现得异彩纷层、变化无数。尤其就绘画而言，从色彩的作用上，对比和协调等塑造领域和对象注入感情而加以美化。这样的色彩从东方的审美意识即美的意识上启始于礼乐，所谓礼乐与人类感情的适度开放具有密切关系。早在东方壁画中出现的色彩，将与阴阳五行思想相融合的五色视为神圣色彩，所采用的色彩会随着思想境界以及时代的变迁而改变了绘画的样式，随之出现的色彩从表现上由象征性发展到感性的表达。“敦煌”通过丝绸之路，容纳、反映了西域绘画样式和技术，是古代东西方文化的交流通道，从地理上也占重要位置。除了其地区的特点，敦煌壁画历经上千年的漫长岁月，在同一个地方经历不同的时代被持续创作，于是本论文将通过敦煌壁画所采用的颜料的分析和研究，推测各个时代所采用的颜料特性以及其变迁过程。为研究壁画材料，本论文对出现在古文献里的颜料相关记录和敦煌石窟壁画所采用颜料的调查分析，以从阴阳五行中相当于阴阳五行的五方色(白、赤、青、黄、黑)和五间色(绿、碧、红、蛾黄、紫)等10种基本颜色为中心，阐明其特点，观察不同时代从其色感和颜色上有何发展变化，为将来研究开发现代壁画材料和寺院壁画制作提供重要的基础依据。'
以下为本人愚见：中国山水画的研究其目的是为了让今天的人们更加懂得我们中国的文化，并不 断的传承，宏扬中国山水画的精髓。中国山水画是博大精深的，身为后辈的我 们学习，发扬这些优秀的传统的文化，是必须的。这山水画是每个时代的人们 对生活的独特写照，两晋南北朝比较偏向于勾勒而后染色，之后，隋唐时， 便渐渐出现了偏向于写意的山水，宋时，王希梦的《千里江山图》影响深远， 元四家，更是名声大振，明清便是百花齐放，近现代的画家则是标新立异，各 有千秋。 纵观这些不同时代的不同风格，我们后辈便可领悟前人的画境，从 而使的自己有了学习的楷模。学习他，尊敬他，发扬他，超越他！这样我们的 中国山水画才有新的希望！明天是是属于哪些不断进取的人们，奋斗吧！
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明清家具同中国古代其它艺术品一样，不仅具有深厚的历史文化艺术底蕴，而且具有典雅、实用的功能，令人回味无穷。明清家具的收藏始于二十世纪三十年代。外国人开始大量地搜集、收购中国明清家具，并运往海外。在后来的几十年间，西方人将中国明清家具提升到了与中国其它文物等同的地位。我国的家具工艺有着悠久的历史，它的发展取决于人们起居方式的变化。从商周到秦汉，是以席地跪坐为中心的家具;从魏晋到隋唐，是席地坐与垂足坐并存交替的家具;北宋以后，是以垂足坐为主家具。其总的趋势是矮型家具向高型家具发展。但真正将中国家具推向艺术顶峰的，还是精工细制的明式家具。优良的材质，纯朴的纹理，舒适的造型，简洁的雕饰，这些都是其它时期的家具所无法比拟的。而明式家具中夹杂着文人化的意趣，体现着古人求真崇朴的思想，这又是前朝后代的家具所无法拥有的。中国传统家具多以较名贵的优质木材做成，这些木材均有不同的色彩和纹理，因此很少雕刻花纹，而且材质坚硬，木性稳定，能制出复杂的榫卯，以及刻出各式各样的装饰线条和花纹。所用木材有:紫檀木、花梨木、鸡翅木、铁梨木、红木、楠木、乌木、椐木等。清代家具有不同于明式家具的独到之处。其总体尺寸要比明式家具宽大，形成稳定、浑厚的气势。而样式也十分丰富:有床座榻，屏灯笼，箱橱柜，椅凳墩,桌几案等。例如新兴的太师椅就有多种式样，至于靠背、扶手、束腰、牙条等新形式，更是层出不穷。装饰上求多、求满，常运用描金、彩绘等手法，显出光华富丽、金碧辉煌的效果。而在家具的作工方面，又有京坐、广作、苏作之分，使清代家具完全系统化、风格化。
室内装饰风格与陈设设计 【摘要】室内装饰在当今社会和人们的日常生活中越来越显示出重要的地位。把握室内装饰风格与陈设设计中的艺术语 言，要注重其设计的实用性、方向性、统一性、艺术性和与陈设物品合理的风格选择、形式选择，创造出独特的、多样的艺术设计作 品。 【关键词】室内装饰；陈设；风格；形式 室内装饰或室内陈设取决于物质条件和经济条件，当然不 同的自然条件、不同的地区的风俗习惯、生活方式以及不同的 建筑风格等，都会影响室内陈设的风格色彩。例如，草原游牧生 活的蒙古包，室内家具简易，形体小巧，易于随时搬家；西藏高 原气候干燥，木材缺乏，床是离地面不到几寸的土床；北方严寒 地区的平房，为抵御寒冷的风雪，房子一般比较低矮，墙壁较 厚，室内的土坑几乎占半间屋子；南方潮湿多雨，建筑较高敞， 以便通风。如所采用的建筑材料不同，其建筑风格，室内装饰也 会有很大的差别。城市建筑多采用水泥、钢筋等材料，室内装饰 及处理办法很多，不拘一格；林区多采用木结构，室内以板料作 分隔；山区多采用石块叠砌，室内石壁裸露；傣族的竹楼，室内 的家具等器物多用竹制；陕北的窖洞，室内保持自然的拱顶和 自然的土色。总之要因地制宜，就地取材，形成自己特有的基调 和格局。 1室内装饰的原则 实用性———实用舒适 创造一个室内环境的目的，首先是为了满足人们的生活需 要。所以室内装饰的一切器物的安排、摆设都要考虑到人在室 内生活的各种方便，各种布置的适用性和合理性，使人感到实 用舒适，增添欢乐喜悦的情调。因此，在满足这些主要的生活功 能之后，才可以考虑陈设的装饰色彩及艺术趣味。 方向性———确定基调 基调，好比一幅绘画的风格，一首乐曲的主旋律一样。任何 一种室内装饰，在进行之前，首先必须确定陈设的基调，是东方 式的，还是西方式的；是传统式的，还是现代式的；是华丽的，还 是素朴的等等。这样，陈设格局，即结构、位置和主要表现形式， 就比较明确了。基调决定之后，室内装饰，陈设器物，物质材料， 布置格局以及室内装饰，装饰手法都要以同基调协调一致为原 则。 统一性———色调统一 色调是反映室内陈设基调的主要因素之一。设计室内装饰 的色彩要有一个主色调，让一种颜色在室内装饰中占有主要的 倾向性，避免色彩对比过分强烈，或过于复杂影响房间布局的 整体性。同时，要考虑到物体固有色，环境色和光源色的影响等 特性。色调要求室内一切器物所表示的颜色都要成为色调的组 成部分。在室内布置方面，色调的统一调和是主要的，对比变化 是次要的。一切器物的色彩关系，要有主色，配色、色阶、层次， 都要处理得恰到好处（图1）。 图1统一色调下的室内装饰 色调有色相之分、冷暖之分、亮暗之分。例如一个居室，它 以黄、桔黄、咖啡色为主，可谓黄色调，也可谓暖色调；如果室内 空间、器物的颜色又比较淡雅，则属于亮色调。不同的色调能给 人不同的感受，有时庄严、有时活泼，有时热闹、有时平静，有时 华丽、有时素朴。想要获得某种艺术效果的色调，室内的装饰， 家具和其他一切器物，从色彩上要严格选择，精心配搭。也就是 说，室内的每一块颜色，都要受总色调的管辖。 搞好室内色彩的对比和调和关系是取得室内色彩协调的 关键。室内的一切器物，它们之间的色彩关系应该是：大的色 块，采取调和，常常采用同类色相的明度、纯度的层次变化或近 邻色。小的色块，采取对比，即采用同类色或邻近色的对比色， 或者采用小面积器物的自身色彩的明显对比。这样，采取“大调 和，小对比”的办法，整体统一调和，局部对比活跃。也就是说， 要在统一中求变化，在调和中找对比，室内才能形成既统一又 丰富的色调。 艺术性———适当装饰 在设计室内装饰的布局时，要研究构图章法，有疏密、有对 比、有照应。为了取得一定艺术效果，室内适当添置一定的装饰 品，如工艺品、字画、盆景、插花等，都能使室内取得很好装饰效 果。不同功能和要求的室内陈设，其装饰要求也不同，如高级的 别墅或宾馆的陈设，要求装饰华丽一些；对于一般家庭的室内 陈设，则要求素朴、大方、舒适。陈设物品的种类繁多，包罗万象，但在某个具体的陈设设计中，要选择具有代表性的陈设物 品与环境和谐共处。如抽象的绘画，现代的玻璃器物、历史久远 的三彩陶器、细腻的瓷器以及木雕、烛台，这些都能通过适宜的 尺度非常融合、协调地被整合在一起。 2陈设物品的风格与形式 陈设物品的风格是指陈设物品固有的造型、色调和材质所 形成的具有文化背景和品质的综合因素。陈设物品风格的选择 与室内设计有着密切关系，一般情况下陈设物品的风格与室内 空间的风格是一致的。风格一致的陈设物品的叠加，能增强室 内的陈设效果，有利烘托室内空间的整体氛围（图2）。另一种 情况，陈设物品的风格与室内空间的风格相异，形成具有戏剧 般的矛盾冲突，达到特异、新颖的陈设效果。 图2屏风 陈设物品的形式包含三个方面的因素：造型、色调和材质。 在风格明确的情况下，陈设物品自身的造型特征是首先要考虑 的因素。如已确定粗陶器皿陈设为陈设物品，那么它体量的大 小、高低、线型的曲直等是需要仔细斟酌的。色调是陈设物品自 身呈现的，或者是外在附着的色泽，如装饰性的彩绘和镶嵌等。 材质是陈设物品形式选择中需要认真揣摩的因素。相对于样式 和色调、材质的选择较为微妙。陈设物品材质的选择，就是物品 纹理、质地的选择，因为陈设物品的质地作用于人们的视觉和 触觉，所以选择好陈设物品的材质，利用质地的对比、变化，可 创造出更丰富的室内环境。 3东西方陈设空间比较 以中国为代表的东方文明和以欧洲为代表的西方文明，是 世界文明史中最具代表性的文化样式。在陈设领域，两种文明 分别创造了风格鲜明的设计文化。东方陈设空间始终禀承回归 自然，天人合一的传统，强调人与自然的和谐，人对自然的尊 重，在这种融合的氛围中，陈设获得极高的审美品质。数千年的 文明史表明这种天人合一的理念，顺应了历史的发展，成为人 类文明史永恒的话题（图3）。 文秘杂烩网
室内设计是人类为了创造并美化自身的生存环境而进行的活动之一。下面是我为大家整理的室内设计论文，供大家参考。
室内设计原理
室内设计论文内容
20世纪80年代以来，我国人民的生活水平不断提高，室内设计方兴未艾，室内设计已经越来越与人民的生活，工作密切相关，日益受到人们的高度重视。
设计是连接精神文明与物质文明的桥梁，人类寄希望于通过设计来改造世界，改善环境，提高人类生存的生活质量。
现代社会中,色彩设计正在越来越多的领域里发挥着自己的作用。从城市建筑到日常生活,色彩的参与无处不在,色彩是影响感官的第一要素,人们观察物体时,视觉神经对色彩反应最快,同时还伴随着其他感觉器官及大脑的活动,从而产生综合性的知觉和意识。色彩悄无声息地左右着人们的生活,潜移默化地影响着人们的情绪,因此,正确地进行色彩设计在很多领域都是非常重要的。
当人们使用色彩时,不仅要依据客观的科学知识,而且要结合印象、记忆、联想、象征、 经验 和传统习惯等以达到最佳的色彩效应。而这些客观知识以外的主观感受就是色彩的感性倾向,它主要包括以下几个方面。
一、色彩影响生理功能
不同的色彩能引起人的不同生理反应。匈牙利科学家曾经做过实验,他们把蒙住双眼的受试者分别引进红色、黄色和蓝色的房间,结果受试者在房间内睁开双眼后,脉博跳动的速率分别呈现“偏快、正常、偏慢”的状态。大家知道,色彩体系大致可分为冷暖两个色系,波长长的红光和橙色光、黄色光给人以温暖感;相反,波长短的紫色光、蓝色光、绿色光给人以寒冷的感觉。冷色与暖色除了给人在温度上的不同感觉外,还会带给人们一些其他感受,例如,重量感、湿度感、进退感等。色彩使人产生的生理反应并非来自物理上的真实情况,而是与人们的视觉与心理联想有关。
二、色彩影响心理功能
康定斯基在《论艺术的精神》中阐述:“一般说来,色彩直接地影响着精神。色彩好比琴键,眼睛好比音槌,心灵仿佛是绷满弦的钢琴,艺术家就是弹琴的手,它有目的地弹奏各个琴键来使人的精神产生各种波澜和反响。”人们生活在一个色彩的世界中,积累着许多色彩方面的视觉经验,当知觉经验与外来色彩刺激产生呼应时,就会引发人心理上的某种情绪,这就是色彩的感性倾向。不同的色彩会使人产生不同的情绪和联想,比如,红色给人以热情、危险、活力、喜庆、愤怒等感觉;蓝色则让人感觉平静、悠久、理智、清新。
三、色彩的情感表现功能
既然色彩能够影响人的生理和心理,那么不同的色彩必然有着不同的情感表现,应用时一定要根据情况来认真考虑、谨慎选择。比如,红色是中国的传统色彩,它具有吉祥幸福、热烈欢乐的寓意,因此,婚庆典礼、节日盛宴等喜庆场所的室内设计色彩以红色为主色调,忌用黑色、青色等肃穆的色彩。新娘的结婚礼服的颜色中西方都喜用白色,因为白色象征纯洁,而大红色的传统礼服在中国的婚礼上也是常见的服饰;而丧葬场所的室内设计色彩正好相反,红色等暖色系的明亮色调绝对不会出现,否则就是大不敬。色彩的情感表现功能具体表现如下：
1.不同人群对色彩的不同情感需求
在进行室内空间的色彩规划时,要充分考虑到目标人群的年龄、职业、 教育 背景、喜好等具体情况,念故去的人而佩戴黑色的袖标,灵堂一般也是以白花黑纱布置的。另外,不同的宗教,其颜色的象征意义也不同,以黄色为例,在佛教中,黄色有谦卑、超脱俗世之意;而在____中,黄色曾是犹大衣服的颜色,因此有着卑劣及背叛的象征寓意。在室内设计时,应尊重空间使用者的民族风俗和宗教信仰,在色彩运用方面做好充分的 市场调查 。
2.不同的地域与环境对色彩的不同情感需求
不同的地区,因受地理位置、气候条件等客观因素影响,人们所普遍认可接受的色彩也有所不同。比如,热带地区的人们比较喜欢强烈多变的色彩,寒带地区的人们偏爱柔和沉着的色彩。在农村,人们对纯粹的、能够产生鲜明对比的色彩情有独钟,而在城市,人们则更欣赏协调雅致的色彩。就居室而言,因其坐落的方向不同,室内色调的选择也应该有所差异。一般地说,如果居室门窗南向,充足的阳光使室内色调易呈暖色,这样的居室色彩就应该以偏冷的色调来平衡温度的感觉;反之,门窗北向者的房间,居室色彩应以偏暖色的色彩来增加室内的温度色彩可以改变人们对已知空间的视觉认识,也可以在空间中发挥其独特的作用,因此,在进行室内空间设计时,我们应遵循一些基本原则。
(1)遵循和谐统一的原则
室内色彩设计切忌“姹紫嫣红”“群芳争艳”,色彩未经统一规划而各行其是,势必会导致室内色彩的紊乱。在进行室内设计时,首先,应确定室内色彩的主色调,然后确定使用同一色系、对比色系还是互补色系的色调。只有在主色调确定后,才能根据色系的不同来确定相应的辅助色调。主色调一般不宜采用大面积的鲜艳的颜色,辅助色调则可根据实际情况大胆选用小面积的较高明度或纯度的色彩,便可以起到画龙点睛的效果。其次,室内色彩的均衡感也很重要,色彩的明暗和面积最能影响整体色彩的均衡感,一般来说,明度高的色彩在上、明度低的色彩在下容易获得色彩均衡。比如,天花板要比地板颜色浅,否则容易产生压迫感。另外,在设计时可以考虑背景色比主体色轻浅;彩度高、暖色的面积应小于彩度低、冷色的面积等。总之,整体空间的色彩应该是上轻下重、淡妆浓饰,统一中有对比,和谐中有律动,稳重中又不乏变化。
(2)用色彩界定空间
以色彩来划分室内不同的功能区域既省时省力、经济快捷又效果明显。但是有一点应该注意,那就是各区域的色调一定要和室内整体的空间色彩,也就是主色调相协调。另外,应发挥不同色彩的情感倾向,辅助室内功能更好地实施。比如,在餐饮区域的用色中,黑色或纯度太低的颜色都是不恰当的选择,因为大面积的黑色会使人感到沉重和压抑,而过于混浊的色彩会给人以不洁净的感觉。故餐室的色彩应以暖色为主,黄色系中的橘黄、乳黄最能增加食欲,其次是柠檬黄;而学习和办公的区域要求人们头脑冷静、注意力集中,因此,不应采用明度和纯度较高的过于跳跃的色彩,而应以明度和纯度较低的柔和舒缓的色彩为主,比如选用灰色系、蓝色系、绿色系等纯度较低的或者偏冷调的色彩;卧室是家庭住宅中私密性要求最高的场所,其色调选择以私密和安静为前提,艳丽明亮的色彩使人觉得兴奋,不利于休息,因此,纯度和明度相对较低的淡雅平稳的色彩是卧室色彩的最佳选择;卫生间最重要的要求是清洁卫生,故装饰它的色调以白色、浅绿色、浅蓝色等冷色为宜,使之有清洁干净的感觉。
室内设计论文文献
[1](英)杰克·特里锡德.象征之旅.中央编译出版社,2001年1月
[2](俄)康定斯基.论艺术的精神.中国社会科学出版社,1987年.
[4]朱介英.色彩学——色彩设计与配色.中国青年出版社,2004年5月
室内设计工程
室内设计论文摘要
【摘要】本论文针对“中式风格”室内设计工程的基本理论;再到“新中式风格”室内设计的基本理论，旨在阐述“新中式风格”设计工程与“中式风格”设计工程的区别，对各自的思想、审美、手法做了清晰阐述。
室内设计论文内容
【关键词】中式风格 新中式风格思想 手法
中图分类号：TU2文献标识码： A
一、传统中式风格概念
中式风格室内设计，即是以宫廷建筑为代表的中国古典建筑的室内装饰设计艺术风格，气势恢弘、壮丽华贵、空间高、进深大、雕梁画栋、金壁辉煌，空间井然而有序，造型以对称为主，装饰材料以木材、竹材为主，装饰图案多以梅、兰、菊、龙、凤、麒麟、龟、狮等，透雕、 浮雕 ，栩栩如生。
二、中式风格室内设计思想
中国传统的室内设计受到“儒”“释”“道”，思想的影响。儒学在中华5000年的历史 文化 中，对中国的思想、精神、体质、审美都有着深远的影响。儒家的思想“礼治”的核心含义为“异”，主要体现在长幼、尊卑、贵贱、亲疏，都各有其礼，各尊崇其特殊的行为规范。使国家、社会，都在严格的秩序、等级统治下，有章可循。在此思想的影响下产生了多种类型，内涵多种形制的建筑，如皇宫、宗庙、陵墓、坛等。在建筑以及室内空间的的具体设计中，其开间、形制、色彩、用料、纹样、脊饰等都有十分严格的规定，不得违制僭越。
中国的明式家具，至今仍被世人奉为设计的典范，其造型洗练、端庄，体现刚正不阿、谦虚内敛;其优美的曲线，上好的用材、细致的工艺，体现独特的审美气息。另外，明式家具所使用的紫檀、黄花梨等硬木，其造型、质地、光泽都给人以玉的感觉;水润、坚韧、无暇。儒家美学尚玉，荀子曾说“天玉，君子比德焉”，玉象征高尚的品格。家具中的屏风，体现了奉上蔽下的“孝弟德行”，“孝弟”就是儒学的“仁”的体现。
道家则是崇尚自然，让人师法道德和品质，中国的园林，就是崇尚自然、师法自然的完美体现。
佛教则是让人的心灵“普渡众生”，追寻超凡脱俗，静气凝神。在中式风格的空间中，时常会运用佛像、佛教壁画、佛教绘画等作品。
三、中式风格室内设计审美
中式风格室内设计的主流审美是以中式风格室内设计的思想为基础的，“儒”“释”“道”三家的思想，是审美的根源。例如：“以味为美、以意为美、以道为美、同构为美、以文为美”构成了中国古代美本质观的整体特色。中式风格室内设计的审美也体现于道家以生气、自然、无、妙、淡、柔和适性为美，佛家以寂灭、涅盘 、死亡，以及涅盘的象征――光明圆相为美。
四、中式风格室内设计手法
中国人在最基本的基础审美观上，在室内设计中， 设计手法注重表现对称完整性、含蓄性和情节性。
①在中式风格空间中，运用屏、碧纱橱、博古架、落地罩、风、、帷幕等
划分空间层次，形成“断而不断，隔似未隔”的空间感。
②在室内装饰上采用含蓄的手法，即是象征、谐音、隐喻。例如：蝙蝠、鹿、鱼、鹊、梅等图案。“鹿”和“禄”同音，蝙蝠的“蝠”和“福”同音，“鱼”和“余”同音，这就是中国传统的求福求禄求功名的思想愿望。又例如：在室内的各种窗户和门栏中多引用梅、兰、竹、菊和“岁寒三友”等的图案。喻指主人的优良品质。
③室内的空间体现有序性、完整性。中国的建筑空间外形和内形主要是规则的形状。例如：正方形、长方形、圆形、正多边形、菱形等。因此，中国的院落也大多是以四合院的空间形式为主，在不同的地域、民族文化的区别下，有一些差异。这体现了中国封建社会的等级意识。
五、当代中式风格概念
基于中式风格，“新中式风格”是一个全新的，当代的概念，它的界定似乎有些模糊，正是这种模糊，才让设计师们为之着迷;“新中式风格”，从某种意义上说，是特别的文化与思想倾向;是平面、空间、服装等多种中领域设计师的新的探索，它所涉及的领域极其广泛;也是在现代的经济、文化、思想、潮流发展下，人们对“传统中式风格”的全新的解读，是全新的思想 方法 。
从广义角度，“新中式风格”运用延伸于多个领域，如建筑、视觉传达、室内设计、服装、工业设计等。新中式风格，基于传统中式风格，但同时又拥有与传统中式风格”不同的思想与手法、审美。
新中式风格的设计思想可以与传统思想结合。新中式风格来源于传统中式
风格，新中式用自己的感知去理解传统思想，并且大胆融合现代思想。例如：传统儒学的“礼治”的核心含义为“异”，主要体现在长幼、尊卑、贵贱、亲疏，都各有其礼，各尊崇其特殊的行为规范。在我们现代的家居户型中，不可能完全体现如此缜密的等级关系，可是设计师，通过更加人性化的区别设计来体现“异”，将家庭成员的不同年龄、 爱好 、生理、心理、情感等多种因素进行研究设计，用区别的个性化设计来体现“异”。
道家思想核心体现“清静无为”、“返朴归真”、“顺应自然”、“贵柔”，现代人已经条件实现“采菊东篱下，悠然见南山”，那么，“新中式风格”又如何帮助现代人在空间中得到相对的“清静无为”、“返朴归真”、“顺应自然”呢?可以通过清雅的中式元素(如：青花瓷器、提炼后的中式图案、水墨、扎染等);隽永优美的明式家具;环保自然地装饰材料(竹、篙、芦苇、编制等);植物等，来给人清新自然的慰藉。
现代人对于佛教有了更深的个人理解，也许不会痴迷、笃信，可是佛教的“普渡众生”、“色即是空，空即是色”等思想，可以让身处激烈竞争的现代人的内心得到一定解脱与释然。在“新中式风格”空间设计中，可以适当运用佛教元素，例如：佛教艺术元素;或者营造出适当的“净空”空间氛围。
六、新中式风格室内设计审美
审美是人类事物认知的感受形式，人类的审美感受极其广泛，包含：文学、建筑、室内空间、园林景观、雕塑、服装、绘画、工业产品等等。审美本身不仅涉及多重领域，人类对于某种事物的审美，也同样是多种多样的。
新中式风格空间设计的审美具有包容性，拥有广博的情怀，因此，新中式风格空间，可以变幻万千，扮演多姿多彩的角色。新中式风格空间可以设计表现雍容华贵的空间气质。在具体的设计中，可以将宫廷设计元素为主导，进行设计表达;或者表现现代小资气质，将孤芳自赏与中式相结合;亦或表现某种宗教信仰，以佛教为主，将佛教色彩、佛教艺术元素，运用于空间设计中;中国的绘画、戏曲、音乐等艺术，都可以作为设计审美的主题，在新中式风格空间中尽情的表现，甚至，还可以包容西方的“哥特”“巴洛克”“洛可可”“野兽派”等等。“新中式风格”运用于餐饮空间设计时，就需要与具体的餐饮文化相结合，进一步吸引消费者去尝试不同的佳肴，甚至让消费者，把来到某“新中式风格”餐饮空间，品尝佳肴、会友，当做是一种精神情感的升华与享受。在思想、情感、心理得到极大满足。
室内设计论文文献
[01]张绮曼. 室内设计的风格样式与流派[M]. 中国建筑工业出版社. 2000.
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[03]张爱波. 彼皆绝代才 形去留其神――归有光与蒲松龄古文艺术相通论[J]. 蒲松龄研究. 2002.
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[06]谢菲. 重传统“语境”现代室内设计初探[D]. 湖南大学. 2003.
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盛唐时期的山水田园诗是中国古典诗歌的重要组成部分，对于了解唐代文学史和中国古典诗歌的发展具有重要意义。目前，我国对于盛唐时期山水田园诗的研究现状如下：
这个嘛3 真不会的
天哪，还有比我懒的……
王维山水田园诗意境论文
导语：本文运用文本细读法，结合所学的文学理论、文学史知识分析王维的诗歌作品及其深刻内涵，探究王维山水田园诗中的画意美，诗意美，禅意美以及在此基础上营造出来的意境美。以下是我整理王维山水田园诗意境论文的资料，欢迎阅读参考。
【摘 要】 指出，王维是我国盛唐时期山水田园诗派的杰出代表，他所创作的诗歌是盛唐时期社会文化的映射，也是诗人超然人格和艺术修养的再现，诗中融入了诗人独特审美感受以及人生哲思。
【关键词】 王维；山水田园诗；意境美
王维所处的时代，是一个诗坛繁花似锦的时代。而王维的山水田园诗便是其中最清新明媚的，听落花，品泉流，凝月光，诗中听声，诗中有画。有着自己独特的意蕴和美感。
一、诗中有画：王维山水田园诗中的画意美
作为“唐宋八大家”之一的苏轼，曾评价王维的诗“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗”，这是对王维诗画风格的高度总结。王维以一个画家的视角，对于山水田园的描绘更加形象生动。对于诗的描写更是以一种“成竹在胸”的状态，写画出山水田园景物独有的特点。同时，对诗的描写运用绘画艺术，使诗中色彩、光影的调和更加独到。他所运用的艺术表现手法也是别具一格，对于景物的描写如同在我们的面前铺开了一副画卷，充满着诗情画意；更令人惊喜的是这幅画卷并不只是平铺在那里，而是一幅幅有声画，带领我们身居其间。
王维的诗中有画体现在诗人以画家的眼光描绘出对自然美的特殊感悟。通过对自然景物的真实感知和意境想象，营造出优美的'意境。诗中繁和简，形和意的完美结合，借助精心结构的画面，统筹布局，表现深长的意蕴，给人以美的体验与感受。
如《竹里馆》：“独坐幽篁里，弹琴复长啸，深林人不知，明月来相照。”这是他《辋川集》中的一篇，主要写幽居竹林中的感受。画面由近景到远景，整首诗读来，如同一幅画呈现在我们面前，充满层次感与画面感。让我们感悟到，诗人是以一种心远地自偏的心境抒发了心中的宁静淡然。
王维的诗中常常以光和影来表现景物的静态美，刻画细腻，善于捕捉画面瞬间的美，并用富有特色的语言表达出来，在光影明灭间展现出一幅幽静明丽的画面。自然景物总是带着自身独有的特点，人们也总能在自然中找到与自己相似的特性，王维对于自然万物的特殊感受来源于他的细心观察以及静心体会，在光影交织之间捕捉事物独有的特点，营造出一种优美清悠的意境。
这种画面在《山居秋暝》 中就有体现，“明月松间照，清泉石上流”。“竹喧归浣女，莲动下渔舟”。空寂的山林中，秋雨初晴，夜幕渐渐降临，带来阵阵凉意。月光皎洁从松隙间穿过，洒下清辉。清凌泉水在山石上潺潺流动。竹林深处不时传来声声喧响，那是洗衣姑娘结伴而归，莲叶从中，荷花忽而摇曳，那是渔舟在其间穿行。明月的清辉在林间随风荡漾，荷花也随着渔船的慢慢靠岸在水中摇曳。诗中色彩素雅，明丽洁净；境界空明澄澈，恬静优美，余韵无穷。
王维的诗中有画还体现在光与色的调和上，诗中色彩的选择往往会影响整首诗的意境。不同的色彩能够使人有不同的感受，所包含的情感也会不同。王维的山水田园诗采用多样化的色彩，将自然景物统一在一个完整的画面中，以画家的眼光对色彩进行搭配和选取，色彩明丽，意境悠远。
如《新晴野望》中“白水明田外，碧峰出山后”。这首诗描写的是田园风光，在初夏雨后，诗人远眺原野的景色，雨水洗刷空气中的尘埃，空气中弥漫着清新的味道，空中也明净如水；原野格外的开阔。雨后的河水在晴日的映照下泛着粼粼波光，越加显得雨后的清新明媚。碧绿的山峰在山脊之后挺立，平日模糊不清的峰峦也在雨水的洗刷下变的清晰了许多。放眼望去，目之所及，都像是新的一样，整首诗都散发出清新、明朗的气息，焕发出雨后原野的勃勃生机。
光和色的映照体现在色彩的选取和搭配上所形成的一种意境，不同的色彩搭配给人不同的感觉。同时也唤起人们对光的联想，画面中不再是单一的色彩，而是各种色彩加上光的调和，展现出和谐、优美的画面。
二、动静结合：王维山水田园诗中的诗意美
西晋陆机提出“诗缘情而绮靡”，王维的诗中不仅充满画意，同时还蕴含着浓浓的诗意。一动一静间，他总能抓住刹那的动静，以特殊的视角细致的描绘出事物独有的特色。王维诗中的物像也是诗人心灵的外化，以外物的特点来表现内心的情感，极其真切形象，又充满诗意。他所描绘的美是可以捕捉，可以欣赏，可以感知的，而不是如空中楼阁，无法触摸，无法感受的。他对自然的感悟细致敏锐，创造出静逸明秀的诗境。
如《山居秋暝》 “竹喧归浣女，莲动下渔舟”，诗人在听到竹林的喧闹声之后，知道是有浣女归来；在看到莲叶浮动之后，知道是有渔船在临近岸边。用浣女的喧响声衬托竹林的宁静；用莲叶的浮动衬托荷塘寂静。让人们看到了一幅宁静但却生机盎然的画面，秋天夜晚的山村显得格外的清新宁静。夜色朦胧之际，少了白日喧闹与暖意，秋夜带来的宁静使人感到舒心。劳作一天的人们也在此时归家，寻找心灵的安慰。这首诗中自然美与心境美得以结合，创造了一种清新宁静的意境美。
如《青溪》中，“声喧乱石中，色静深松里”。 “声喧”和“色静”一动一静，使人读后就像是听到了溪水撞击乱石的声音，看到那苍翠的深深树林。声响与物像结合，使青溪更加宁静秀丽，让人忍不住沉醉其间，流连忘返。
声音和物像的结合，也是诗人心灵世界的外化，诗人以物的特质表达内心的感悟。这种表达方式也是一种托物言志，用外物的特质与声响表达内心无法言说之感，具体形象，更加能够引起阅读者的共鸣，营造出声情并茂，引人联想的意境美。
三、空静灵动：王维山水田园诗中的禅意美
王维有“诗佛”之称，他的诗中不乏有空静灵动的禅意美。他充满禅意的诗体现在运用禅的静默结合山水体验的独特审美，创造出一种不被打扰的宁静之美。他的禅意还体现在自然、真实的感悟，意蕴深长，读来让人心中释然，引人深思。
王维诗歌创作所取得的巨大成就，是同盛唐社会文化的熏陶密切相关的。王维一生中大部分时间是在开元、天宝年代度过的。这个时期的政治、经济、文化、宗教信仰、社会认识对其都具有深刻的影响。当时社会繁荣兴旺，文化空前发达，安定的社会环境为其提供了稳定的创作空间。王维的人生际遇，也对其诗作有重大影响，过着半官半隐的生活，既在现实的世界中沉浮，也在田园山水间怡情。因此，他诗中所表现的情感便是世人对于自然、社会、乃至自我的认识。
正如唐代诗人常建在《题破山寺后禅院》所言，“曲径通幽处，禅房花木深”。王维诗中的禅意也总在不经意间流露出来，自然的景物被他赋予了无限禅思。通过自然景物的衬托，营造出寂静幽深的禅意美。
王维诗中的禅思和他对禅理的参悟密不可分，诗人思想顿悟的过程就是禅悟的过程。诗人在描绘自己人生的经历时，通过环境的渲染，写出了参禅悟禅的整个过程，为读者营造了一种空静灵动之美。
王维诗中的禅思是影响他诗境的一个重要因素，诗人心中豁达淡薄，更能够对自然的景物充满感情。同时他的诗中也充满着富有哲理的思考，正是受到了空灵淡薄的佛学思想的熏陶。富有禅意的诗，气韵更加深远动人，意味深长，引人深思。
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关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。推荐内容关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。最佳答案浅谈对中国画的认识首先我想说对于我们建筑学来说，对国画的认识是更有裨益的。各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美，在使人在了解画的同时，也得到审美能力的锻炼在着我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。
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论文评语大全,博士论文学术评语 篇一快车教育的论文《山水画画法嬗变研究》从中国山水画画法的沿革脉络入手，从“青绿之变”、“水墨之变”、“笔墨之变”几个方面梳理了山水画画法的源流嬗变，并对20世纪中国画山水画的继承与发展势态作了详实有据的展开论述。可以看出，论文作者在史料采集、思路辨析、概念梳理等各个方面下了很大的功夫。在山水画的流变历程上分期明确，阐述精当，对于“变与不变”这样的关键问题提出了自己的主张，给了读者一个清晰的轮廓。论文是有创见的，给当代中国山水画的理论研究和创作实践提供了有价值的成果。 论文文字清晰，图文照应，学风严谨，写作规范，体现了作者的'全面素养和学术功力。 符合美术学博士论文的要求。 建议在此基础上继续充实拓展，专著成书。 篇二 中国的山水画是一大门类，历代有关具体画法的论述众多，不乏富于价值的成果。但把山水画技法作为一个系统，从宏观角度归纳、分析其特征及嬗变行程，则并不多见。本文作者从自己擅长实践的优势角度入手，选取这一富于传统而又具备现实意义的课题，值得肯定。 论文的框架清晰，把山水画技法之变归纳为四个段落，体现了自己的学术思考及思辨结论，有自己的创见。尤为值得肯定的是其中分析多能扣紧“技法”本体，不尚空谈，读之可信性强，这是对实践有直接体验而又能读书思考才能得到的成果。 本文的写作符合博士研究生毕业论文规范，学术水准较好，体现了三年 学习 的成果，可进入答辩程序。 论文的立论角度偏重笔墨元素本体，既是长处，也带来不足，即四次变化的动因不一定来自笔墨内部，时代和观念上的乃至功能上的要求可能也起重要作用。建议今后在相关研究中采取更广泛视角。 篇三 该论文抓住中国山水画画法转换的关键，在山水画表现方式的嬗变中，梳理出在外在手段变化背后的文化根源及绘画主体的精神追求，寻找出中国山水画外在表现与内在价值的演化脉络。中国画在历史发展中，无论从重人物画向重山水画的题材转变中，还是从青绿向水墨的表现手段迁变中，都有着深厚的文化根源，决不是单纯的技法翻新。因而，通过发掘山水画表现手段的内在成因，可以使我们明了中国山水画表现方式和文化精神之间的互动关系。该论文在探究中国山水画画法嬗变缘由之际，就紧紧抓住其背后的文化成因，把画法上的变化放置在当时的文化环境中来考量，使形而上的道理和形而下的手法合而为一，突破了以往论及画法时仅仅去分析其技巧功用，而不重视画法的文脉传承的弊端，努力使中国画表现手法上的变化有利于其精神内涵的增强。论文中紧扣传统山水画发展文脉和规律，揭示出中国绘画在历史演化中的“不变性”与“可变性”，极力寻求传统山水画画法对当下山水画创作的现实作用，这对当代中国画在继承与创新中健康发展有着现实的意义。 该论文不仅注重对传统山水画画法的探索，还就西方绘画对中国山水画画法的影响进行了比较和分析，寻找出中国画在吸收外来绘画成分过程中的得与失，这对我们如何在现代化情境中寻找中国画发展出路有着现实的作用。该论文在对中国山水画传统与现代、本土与外来的思考中，也为我们中国山水画发展前景提供了有益的参考，这无疑会对中国山水画发展的继承与创新有着积极作用。
(1 )经济的发展奠定雄厚的物质基础唐 朝经济发展达到了封建王 朝前所未有的繁荣景象，与唐 朝 皇 帝的励精图治分不开。当时，与唐 朝相互往来的国家达到一-百三十多个，在对外交流中引进了新的作物品种，扩大了农作物的种植面积。这些政策和措施都促使了经济的发展。有了强大的物质生存的保障，人们的生活水平迅速提高，生活也越来越富裕。随着粮食储备的不断增加，农业品种的日益增多,农产品商品化开始出现，百姓生活富足，人均食品消费量较之前代的人们要多，这就为唐 朝人的体形向“胖”的趋势发展提供了良好的基础条件，这对人们“以胖为美”的审美观的转变有着重要的影响。(2)开明的政策提供宽松的政治环境“唐 源流出于夷 狄”。近代学者陈 寅 恪先生也说:“唐 代创业及初期君 主，如高 祖之母为独孤氏，太 宗之母为窦氏，即纥豆陵氏，皆为胡种，而非汉 族。”唐 朝 皇 室具有鲜 卑 族 血 统，也有着北方游牧民 族开放自由的思想。基于对传统生殖崇拜的影响，他们认为身体健硕的女子生育能力强，因此注重女性在家庭和社会上的地位。随着对外交流的扩大，外来文化的不断影响，人们的思想日益开放，女性受到的封建束 缚也在减少，这就为女性的个性解放提供了宽松的政治环境，女性的社会地位也不断提高。(3)统治阶级审美取向的转变统治阶级的审美取向对整个社会的审美有着绝对的引领作用。唐 朝 皇 帝特有的民 族 血 统对以胖为美的审美取向有着十分重要的影响。鲜 卑 族是一个游牧民族，善骑射，喜欢肥大壮硕的牛羊，因此对美的认同有- -定的传统认知性，喜欢体态丰腴的妇女，这也符合了游牧民族独特的生活方式和生产劳动。中 国古代第一-位女 皇 帝 武 则 天，对唐 代盛行的丰腴之美有着重要引领作用。
那时候说的胖跟现在说的胖完全不是一个意思，他们只是说的丰满而已，说明这家人的条件比较好。
唐代盛行“以(肥)胖为美”来审视人物、特别是女性的说法，流传颇广。该说主要来源于人们欣赏唐代宫廷绘画和仕女图后的感性认识。从笔者所检索的文献看，唐张彦远《历代名画记》等时人论述，并无“以胖为美”或类似观点，相反在唐代文献中保留着不少以细瘦为美的资料，且以安史之乱为界，唐人审美习俗是发展变化的。安史之乱前，胡人和北方汉族人比较流行以壮硕、高大为美的习俗，这应该也是当时审美的主流观念。从先秦开始，我国南北方就有诸多习俗观念不同，近代国学大师刘师培先生的《南北学派不同论》对此有精彩阐述：“大抵北方之地，土厚水深，民生其间，多尚实际。南方之地，水势浩洋，民生其间，多尚虚无”。王国维先生也说：“南方人性冷而遁世，北方人性热而入世，南方人善幻想，北方人重实行。”这些观点也适合分析唐安史之乱前生活在北方主要民族的审美习俗。《诗经·卫风》最早描写贵族美女庄姜：“手如柔荑，肤如凝脂，领如蝤蛴……”该诗标题是《硕人》，首段写道“硕人其颀”，颀指高长;“领如蝤蛴”，指脖颈如蝤蛴，又白又长，可见庄姜是身材壮硕的高大美女。正如童书业先生在《春秋左传研究》所说：“至当时‘美’之标准则似以健康为主。”以壮硕、健康为美的审美观在北方汉族、特别是以游牧为主的胡人中，一直是主流。我们仔细观察唐朝著名画家阎立本的《步辇图》可以发现，画中的宫女、仕女多为北方女子，北方女性多方脸或宽脸，故脸部有些宽的感觉;但脖颈较长、身材高，总体上不是肥胖而是壮硕、高大。初盛唐时，由于李唐王室一直以“关中本位”政策为其立国方针，提倡胡人风俗。“上有所好，下必甚焉”，胡风胡俗盛行一时：“太常乐尚胡曲，贵人御馔，尽供胡食，士女皆竞衣胡服，故有范阳羯胡之乱。”(《旧唐书》卷45)李白、岑参、李欣写了不少赞赏胡人、胡姬的诗。《全唐诗》中“胡姬”出现21次，“胡旋”出现16次，多在安史之乱前。众所周知，玄宗宠妃杨贵妃长于胡旋舞。李白任翰林期间写《清平调词》三首，其二专写贵妃之美：“……借问汉宫谁得似?可怜飞燕倚新妆。”诗中将杨玉环与牡丹、赵飞燕作比，或许也说明杨贵妃并非真的很肥胖，而是比较壮硕，符合当时李唐王室提倡的以壮硕为美的胡风审美观。安史之乱爆发后，当时的政治、军事形势，使唐人对胡人、胡风的态度发生了变化。安史之乱历经8年之久，李唐王朝为尽快平定安史之乱，不得不借用回纥、吐蕃等胡人的力量。但他们居功放纵，“及收东京，回纥遂入府库收财帛，于市井村坊剽掠三日而止”(《新唐书》卷195)。《资治通鉴》卷111也记载回纥当时“肆行杀略，死者万计”，而吐蕃更是趁机夺取河西、陇右之地，控制了西域。动乱后，以胡人为主的安、史降将旧部长期割据河朔地区，专横跋扈。动乱之后的李唐王室饱受藩镇割据和宦官专权的打击，逐渐衰落的关陇集团，不再倡导胡风，动荡的社会现实也使人们的观念逐渐发生变化。李白、岑参等盛唐文人对胡风曾经比较欣赏，而到了中晚唐，文人对胡风则主要持批判态度。《新唐书》卷24记载“开元中……士女衣胡服，其后安禄山反，当时以为服妖之应。”新乐府运动领导者元稹在《胡旋女》中痛批胡旋舞等胡风:“天宝欲末胡欲乱，胡人献女能胡旋。旋得明王不觉迷……佞臣闻此心计回，荧惑君心君眼眩……有国有家当共谴”;白居易亦有唱和诗《胡旋女》，批判主旨相同。陈寅恪先生在《论韩愈》中指出：“古文运动一事，实由安史之乱及藩镇割据之局所引起。安史为西胡杂种，藩镇又是胡族或胡化之汉人，故当时特出之文士自觉或不自觉，其意识中无不具有远则周之四夷交侵，近则晋之五胡乱华之印象，‘尊王攘夷’所以为古文运动中心之思想也。在退之稍先之古文家，如萧颖士、李华、独孤及、梁肃等，与退之同辈之古文家如柳宗元、刘禹锡、元稹、白居易等，同有此种潜意识”。由此可见，很多文人已把胡人风俗当作动乱原因之一，在审美习俗方面要求恢复华夏正统习俗。“楚王好细腰，宫中多饿人”等描绘反映出，南方较长时间内都流行以细瘦为美的习俗。安史之乱后的中晚唐，北方破坏严重，大批文人贵族南迁，或做官、或举家搬迁、或入幕府做幕僚，南方的经济、文化渐超北方。南方文人对胡风的批判更为猛烈全面，在他们大力倡导下，以细瘦、纤弱为美的南方审美习俗在中晚唐逐渐占据主流。“舞风歌月胜纤腰……吴都风俗尚纤腰”(罗虬：《比红儿诗》)，白居易《法曲》进一步总结:“法曲法曲合夷歌，夷声邪乱华声和……一从胡曲相参错，不辨兴衰与哀乐。愿求牙旷正华音，不令夷夏相交侵。”既然北方早已“夷夏相交”，胡汉风俗相融，而南方以汉民族为主“细瘦、纤弱”的审美习俗自然也即“正华音”，而对女子“樱桃樊素口，杨柳小蛮腰”的偏爱，正是典型的南方审美风俗。最能展现细瘦、纤弱之美的，就是唐人诗中对女子腰部的描绘，以《全唐诗》的统计来说，初盛唐诗中，很少以细腰、小腰、腰细、纤腰、楚腰来赞美女性;而中晚唐诗却常常以此来称赏女子的美丽。其中细腰出现50次，从温庭筠“深闭朱门伴细腰”看，细腰已是美女代名词;小腰9次，如鲍溶诗“小腰婑堕三千人，宫衣水碧颜青春”;腰细8次，如罗隐诗“楚宫腰细我还知”;纤腰39次，如无名氏“宫中细草香红湿，宫内纤腰碧窗泣”;楚腰8次，如杜牧诗“楚腰纤细掌中轻”……诗人描写的这些美女多是南方人，且身份地位较高，对于审美风俗具有引导作用。总之，初、盛唐时，女性以壮硕、高大为美占据主流，它是生活在黄河流域的胡人和北方汉族人的审美习俗。这与以胖为美看上去接近，但毕竟不同。安史之乱后的中、晚唐，主要流行以细瘦、纤弱为美，这主要是长江流域南方汉族人的审美习俗。其流变因素既受胡汉民族关系变化的影响，又有我国南北审美习俗谁为主导的原因，还与李唐王室关陇集团的兴衰有关。
中国历史长期以来对于女性的审美观都是以瘦为美，无论是诗歌、文赋、绘画还是文学作品、戏曲艺术都是出现无数“瘦”美人。瘦也成为了美女的标志之一。
但是在唐代却逆风转俗地出现了一股“以胖为美”的审美浪潮，形成了从皇室到平民“全民爱胖女”的奇特历史现象。那么唐代的女性审美观是如何演变的呢？这种演变的原因又是什么呢？
一、唐代各时期的女性审美观
其实人们对于唐代“以胖为美”的审美观有着很大的误解，并不是整个唐代“以胖为美”，而是在不同的时期有独立的审美观点。文学上按诗歌创作的时期把唐代分为初唐、盛唐、中唐、晚唐，在对于女性的审美观这一点上唐代也可以按此分类，以对应不同的审美观。
1、初唐：“以瘦为美”为主、“以胖为美”开始出现
初唐时从当时的大量诗歌以及绘画作品中的描写、形象来看，对于女性还是主要以“瘦美人”为主。
杜易简用“弱腕随桡起，纤腰向舸低”描绘出了一位袅袅婷婷的船家美女形象；刘希夷用“纤腰弄明月，长袖舞春风”传神地勾勒了美女翩翩起舞的画面；吴少微的“小腰丽女夺人奇，金鞍少年曾不顾”生动展现了青年对纤细腰身的向往。
此外阎立本绘制的《步辇图》中唐太宗李世民身边的宫女也都是“细腰瘦面”、“四体纤长”的形象，生动的表现出当时李唐的宫廷中还是“瘦美人”最为受欢迎。类似的诗句和绘画在当时大量存在，可见当时的审美观点还是以瘦为美。
但当时虽然“以瘦为美”依然占据主流，“胖美人”也已经开始出现并逐渐增加。
《新唐书》中记载：“贞观十一年，太宗闻士其女美，召为才人……既见帝，赐号‘武媚’”；又记载：“主方额广颐，多阴谋，后常谓‘类我’”。根据武则天形象塑造的凤仙寺卢舍那大佛面部形象也是脸颊丰满、阔鼻方额的造型。
可见武则天及其女儿太平公主都是丰满的女子形象，而唐太宗是听说了武则天美貌名声才召她进宫的，还赐了一个“媚”字，可见丰满的女子此时已经被看做美貌并受到上流社会的追捧。
受武则天的影响，高宗时就出现了许多“胖美人”的形象。在当时许多宫廷画，如《彩衣升平图》等中都出现了丰腴肥媚的宫女、仕女形象；武后掌政时许多王公大臣陵寝内也出土了许多类似形象女子的陶俑、壁画等。
可见“以胖为美”的审美至少从太宗朝开始出现、在高宗朝和武则天称帝时期已经发展到一定规模，在上流社会已经占据了一定地位，有相当的影响。
2、盛唐：以杨玉环为代表的“胖美女”们引领时代风潮
盛唐可以说所有人共同的“盛唐”，它不仅指唐王朝的鼎盛时期，也是中国古代封建时代的鼎峰。当时社会的文化、风俗包容性相当巨大，“以胖为美”的审美观出现在盛唐就不足为奇了。
盛唐第一美女自然就是中国历史上著名的四大美人之一，有“羞花”之称的杨玉环了。在各种古籍、文献、诗歌中对杨玉环外貌有许多描写：“素有肉体，资质丰艳”；“云想衣裳花想容，春风拂槛露华浓。若非群玉山头见，会向瑶台月下逢。”；“一枝红艳露凝香，云雨巫山枉断肠。”；“华清笙歌霓裳醉，贵妃把酒露浓笑。”；“春寒赐浴华清池，温泉水滑洗凝脂。侍儿扶起娇无力，始是新承恩泽时。”这些记载和诗句都呈现了一个皮肤白皙、颜容姣好、身材丰满、体态均匀的美女形象。
可以说正是杨贵妃的出现，将盛唐时“以胖为美”的独特审美观推向了鼎峰。“后宫佳丽三千人，三千宠爱在一身”、“遂令天下父母心，不重生男重生女”，因为杨贵妃的得宠，使得大唐的子民纷纷以“胖美人”为追求对象，连生女儿都希望能生出像杨贵妃一样的“胖美人”，遂令“以胖为美”成为风潮。
这一时期以杨贵妃为标志出现了大量胖美人的形象。该时期的绘画作品中出现的女性都是以身姿飒爽、体态丰盈、面如月满、肥腰厚目的形象居多。
如《虢国夫人游春图》中的虢国夫人（杨贵妃的姐姐）及侍女都是腰身丰满、圆脸厚鼻，再比如《捣练图》中劳作捣练的女性也是“面短而艳”，而《金桥图》、《明皇击梧桐图》、《明皇安乐图》中的宫廷侍女们也都是体现了“丰肥瑰丽”、“腴丽满秀”等特点。
表现民间生活场景的绘画作品和陶俑、塑像中的大量女性形象都集中出现了“体态丰肥、艳丽多姿”的特点。可见盛唐“以胖为美”的审美观自上而下形成了全体国人共同参与的程度。
3、中唐、晚唐：“瘦美人”再次得宠
“安史之乱”后大唐的女性形象宛如大唐的国势一般不可避免的消瘦了下来。
无论是“谁怜颊似桃，孰知腰似柳”、“纤腰间长袖，玉佩杂繁英”、“暂凭樽酒送无憀，莫损愁眉与细腰”、“樱桃樊素口，杨柳小蛮腰”的诗句还是“容止纤丽，弱不胜罗绮”、“不可盈一握”的唐传奇故事里描述的女性，亦或是绘画、陶俑等都从丰满的女性形象逐渐转变为瘦弱不堪的肢体。
在唐肃宗、代宗时尚有少数胖美人出现，到晚期已经完全是瘦美人统一天下了。
1、政治上的开放与社会风气的包容带来了女性思想的解放、政治地位的提高
初唐、盛唐时统治者采取十分开放的政策，社会风气对于新生事物、外来文化也能包容、接受。这一时期女性不再作为男性的附属品，而是有了本身独特的社会、经济地位。女性地位的提高带来了思想的转变，更多的参与到社会、经济活动中。
当时的女性可以从事各种行业，参加社会活动，当官从政甚至出现了中国历史上唯一的女皇帝武则天。女性的思想得到了解放，对于物质生活和精神生活的追求也不断提高，不再满足通过取悦男性来获得社会地位，更多的是主动、积极的参与进社会生产之中。
而在进行经济、政治活动的过程中所展现的女强人的独有魅力得到充分展现，这也是当时“胖美人”们特有的魅力。
2、受异域风情、游牧文化的影响
李唐可以说是中国古代少有的能容纳各种外来文明的王朝。在长安、洛阳等当时的国际性大都市中，可以看到高丽人、倭人、天竺人、大食人甚至黑人。各种审美观也伴随着其本国文化在这片土地上交流、碰撞。
而李唐皇室有具有北方游牧民族的血统，在游牧民族看来身体强壮的女性更具有魅力，因为这象征着物产的丰饶和后代的繁茂。这些文化观念交织在一起不仅诞生了盛唐文化，也产生了“以胖为美”的审美观。
当然，当时不仅有“以胖为美”，各种审美观都有体现。例如唐太宗就接纳过两名波斯美女，许多商人也都以“昆仑奴”做妾。人们可以接受异于以往的各种女性形象。
3、稳定的社会环境和富裕的生活水平
从唐代建立到天宝年，唐的历代统治者都励精图治，恢复、发展了生产力和生产技术，使得当时物产丰饶，人民生活稳定，先后开创了武德之治、贞观之治、永徽武周之治和开元盛世。在物质需求得到极大满足的同时，精神方面的追求也开始提高。
其中对于女性的追求不再是以往的以皇室宗亲、王公大臣为主，而是整个社会的审美取向。而这一阶段的李唐皇室更像是起到了一个风向标的作用，指引臣民追求审美的方向，也就出现了皇室喜爱“胖美人”而群起效仿的现象。
1、成为女性思想解放的象征
唐代的“胖美人”其实并不是完全的肥胖，而是一种健康、积极的体态美和心态美。她们或身手敏捷、英姿飒爽，或文思如涌、才学出众，展现了一大批有别于传统的女性形象。后世思想、文化对于女性形象的塑造也从唐代开始得到了提升。
女性不再只能作为男性的玩物和附属品出现，而是可以像男性一样成为真正的主角。后世每当女性思想崛起时，就会出现类似唐代的“胖美女”形象的女性角色形象。
无论是战场上的女英雄还是考场上的女状元，亦或是与情人私奔的小姐，又或是把握大家族权力的女主人，都呈现出独立的女性思想。这都是受唐代“胖美人”影响而产生的女性思想解放的具体体现。
2、提升了女性的社会地位
女性的真正解放在全世界范围内都是要到近现代才得以完成，但唐代的“胖美人”们为国人提供了一个深刻的印象，那就是女性也可以像男性一样去展现自己的能力、追求自己的生活。
无论是武则天、太平公主、韦皇后、上官氏还是杨贵妃，这些历史上真正存在过的“胖美人”无一不是利用本身的能力和魅力取得了重大的成功，为女性提供了现实例证。
大唐的兴衰与“以胖为美”的审美观有着惊人的相似轨迹，这不是历史的巧合。可以说正是大唐的兴盛造就了“胖美人”，也是因为这些“胖美人”们的参与才共同缔造了大唐的盛世。
而当大唐急转直下时，“胖美人”也不再拥有可以施展自身魅力的舞台，黯然离场。仿佛诗中所写的那样，“翻身向天仰射云，一箭正坠双飞翼”。胖美人的离去也像是大唐盛世的离去，再也没有回来。