艺术论文的参考文献格式
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中华民族自古就是继承与创新、传统与现代融合的典范。从最早克孜尔壁画的异国情调中显现出的虽注重形体塑造，但又不像西方希腊式那样对形体进行客观自然的描绘，而是以东方的审美方式表现形体，形成一种东西方艺术融合的“龟兹画风”。这种克孜尔壁画形态是丝绸之路上形成中国最早的东西艺术融合之样式。从敦煌壁画中早期的“西域画风”至中后期的逐渐本土化、中原化的画风转变中，形成了敦煌壁画的发展历史。是一部典型传统与现代的融合之史。康熙54年（1715年）意大利人郎世宁等传教士将西方绘画的设色和技法带入中国，又是一次东西文化大交融。二十世纪中期是中国美术史上又一个活跃纷繁的时期。林风眠强调的是中西融合，徐悲鸿强调的是西为中用，潘天寿强调的是中西拉开距离，李可染强调的是将西画中的光和体量带入中国画。细想这几次文化大融合的背景都是在国门打开，中西文化经济交流日盛时期。直至二十世纪80年代，随着国门的再一次打开，中外文化的再度大交融，出现了新一轮的“中国美术何处去？”的深度思考，伴随着莘莘学子在跨出国门回归本土之后民族主义精神的唤醒，于是“岩彩画”一词被清脆而响亮地提出。岩彩——这一本土文化中的一大素材又被觉醒者从文化历史长河之底挖出。它代表着中国美术的又一次转变，意味着中国的色彩绘画再一次走向辉煌的一页。“岩彩画”从被提出、被争议到今天被接受，它经历了曲折的过程。从90年代初天雅中国岩彩画研究所从材料的研发开始到普及教学，文化部中国艺科所重彩、岩彩画高研班的开设，各艺术院校的正式课程设立，媒体宣传的推动，历届岩彩画展的举办等，都得到了美术界的极大关注，此画种从无到有，并能在全国美展中许多岩彩画作品获奖。其间开拓者们就像在一块荒蛮之地进行填洼、除草、开垦一样，付出了惊人的时间、精力和心血。岩彩画是一个既古老又现代的画种，在今天的现代艺术表现中，它与任何画种的发展一样，起初的实验性作品中都有可能显出生硬、缺乏完善的状态，但这是可贵的探索，是此岸到彼岸的一个过程，弥足珍贵而足显勇气。创新和实验者的艺术探索往往是边缘的艺术，直接受到传统意识下主流艺术的排斥，有的早早夭折了，有的艰难生存下来并汇入主流，继而成为保守的主流传统而重新受到非主流艺术的批判，这是历史推进的必然。我想岩彩画会顽强地生存下去，并能迅速成为主流文化而受到重视，将代表中国美术走向世界画坛。现代岩彩画的发展可以从三个方面去汲取养料，一是传统，二是生活，三是外来艺术。更重要的是现实生活，处在当代社会环境中的当代人，要从中去观察、去体验。但光有对现实生活的体验是不够的，没有相应的技巧、相应的方法、相应的路子也是不行的，所以，只有从传统中，从外来文化中去汲取，只是拿过来也不行，更重要的是化为自己的个性和本民族的文化审美，这些是很重要的。岩彩画一直所追求的方式是很值得我们注意的，我们要从中国传统寺庙壁画当中，从大量的民间艺术中，还有在艺术院校里经过正统的造型技巧训练，把它们融在一起形成中国岩彩的面貌，特别是将传统绘画样式转化为现代的艺术语言形态和现代的表现形式，要多从这些方面下功夫，中国画必然会呈现丰富多彩的景观，对中国画的创新、发展将会起到积极的促进作用。我们如今的岩彩画从感觉上看，是从传统壁画中过来，但已经不是古代的岩彩画了，虽然使用材料都是矿物颜料，但是现代的岩彩画更加表现当代的生活，充分表现了自己的个性，自己独特的创造，这才是中国现代岩彩画。而且在创作内容和形式上都非常丰富，是用现代人眼光，现代人的感觉去创作的，这当然属于创新的范畴，所以岩彩画将继续走下去，要越走个性越鲜明，由此我们可以看出当代中国画的多元化、个性化已蔚然成风，现代岩彩画也丰富了当前中国画创新的内容。（作者为 中国美术学岩彩教学负责人王雄飞）
王智霄,张启,王昭举,沈宇飞,范学贤,陈其彪,涂建国,徐小稀,林金福,王钧,马精虎,延奇,金锐,卢恺,王丽娟,邸立丰,钟鼐,王能俊,邱野,杨国祥
一、笔法：
笔法指用笔，用笔有方圆正侧，转折顿挫；在岩彩中也一样讲究笔法，在评定一幅岩彩作品是否好坏时，作品中是否具有笔法是检验的标准之一。
二、墨法：
岩彩画中墨法是指各种色彩的浓、淡、干、湿，那么色彩既可以是五颜六色效果的浓、淡、干、湿，也可以是一种色的浓、淡、干、湿变化。
岩彩画中的黑色就有多种，如岩黑、纯黑、纯黑朱、猛黑等，这些黑色单独作为一个颜色也具备浓、淡、干、湿的变化，就可以创作出丰富的深具墨法的绘画作品。
一幅优秀的岩彩画作品，首先应具备扎实的笔墨功底，更深入一步，它要具备用线上的老辣，用色上的随意自如，干、湿、浓、淡与线、形结合的完美巧妙，整幅作品应具意境与意味，精微处极致，松动处气势磅砣，邯畅淋漓，实际上在岩彩画中笔墨可延伸为笔彩。
三、画面的气韵生动：
这里的气可指气度、神气，即精神的表达，韵为韵律、节奏，再具体一点，也就是画面的布局和结构的疏密与松紧，这是画面整体显现出来的一种感觉，也是画面能否具有意境与意味的关键。
扩展资料：
“岩彩画”的出现在我国可追溯至半坡原始古朴的彩陶，马王堆赋彩浓郁的帛画和漆画，鼎盛于唐代的工笔重彩。但是一度被元以后兴起的“文人画”、“水墨画”冲击成为民族的边缘画种。
“岩彩”这一古老而质朴的材质，作为绘画素材源自于原始人类的随意涂抹。
岩彩画广义地讲是泛指一切以矿物色为主要用色的艺术作品。它可以包括架上绘画，也可以包括使用了矿物色的装置艺术与行为艺术等一切艺术形式。
狭义地讲是指使用粗细颗粒的矿物色表现的绘画作品。以古代敦煌壁画为代表的中国石窟壁画是中国美术史乃至世界美术史上的一颗璀璨明星，其主要用色即是矿物颜料，岩彩画的产生、发展与它们之间有着密不可分的联系。
特点：
岩彩画色彩斑斓，手法多样，综合东西方绘画样式于一体，不受旧约束，试验各种新方法就是现代中国岩彩画的创作现状。岩彩画与水墨画、油画只有绘画材料上的区别，这种统一与融合实际上就是用不同的工具表现作者的感情和生活。当然，岩彩画之所以能成为一个独立的画种，也自有其独特的一面。
1.有独立完整的色彩体系：
岩彩画的色彩体系由纯天然矿物色、新岩矿物色、水干色、云母色和闪光色五大类组成，并结合金属箔来完成作品，可以不依赖任何其它画种的色彩。
如水粉色、水彩色、丙稀色、油画色等来独立完成作品，当然如果在绘制过程适当结合其它画种的材料来更好表现画面效果也不反对，因为岩彩画是一个自由宽泛的概念，没有过多的程式化与既定的要求。
2.有独特的结合媒介：
在色和基底材料之间的媒介即结合剂是水性动物胶和植物胶，从这一点可证明它是中国传统绘画的延续。因为中国传统绘画中早期的色彩绘画和后期的水墨画，其媒介都是水溶性的动物胶和植物胶。
而发展至今，岩彩画当然也可以结合使用丙稀的媒介和油画的媒介（此外国内外有不少画家已在做这样的岩彩画），它们的结合使用不影响岩彩画种的独立存在性，因为材料无界线，在给它冠上画种名称之前，它只是纯粹的材料而已。
3.岩彩材质的独特美感：
岩彩画中主要的用材是纯天然矿物色和新岩矿物色，它们是具有晶体颗粒的颜色，不同的粗细，产生不同的颗粒，呈现出异常丰富的色彩效果，用到画面后会产生熠熠闪光的折射，如同钻石的折光，现出画面的贵气和高雅，深邃而透气，画面充满自然之气，适合了当今富裕社会人们所追求的贵而不俗、华而不艳的理想。
而这一材质美的独特性，又正是其它任何画种所不具备的，由不同颜色的颗粒反复叠加产生色点的视觉效果，具有一种朦胧的感觉，适合东方人审美习惯，并且要把石色层层叠叠相加，最后做出一种肌理和班驳，达到不可复制，十分耐看的效果。
另外，矿物色的粗、中、细颗粒按不同比例在画面中的分布，让画面产生厚薄的对比关系，使画面自然统一，和谐而具节奏感，这也是其他画种所没有的。所以，以此把它例为一个独立的画种毫无不妥之处。
4.岩彩画的审美观：
岩彩画的审美观既有其独特的一面，又有与其它画种相通的一面。独特的一面即是由它独特的材质引发而来的，材料使用上的娴熟度和是否恰到好处的运用岩彩材质来表达作者的主观意识和作品要呈现的主题思想。
与其它画种相通的一面，即是它内含的美学思想是一样的，如构图、设色、内容，完成的技巧等，从关系上来讲，如主、次关系，黑、白、灰关系，点、线、面关系，远、近关系，疏、密关系等，在这之中岩彩还独具“软、硬关系”。
即由材料带来的软与硬的对比关系，如颜色与箔放在一起，颜色会显得较软，箔就会显得较硬，因为箔是金属的，肯定比石质的材质会硬，又如蛤粉与矿石的颗粒用在同一画面，蛤粉显得软而流畅，颗粒的矿物色就显得硬而干涩。
再如同样是白色，蛤粉与白珊瑚用在同一画面，蛤粉是软的，白珊瑚是硬的……等等之类，由于材质的独特性，会引发一些独特的审美观。
岩彩画是一个宽泛而深具内含的画种，它可以是工笔重彩，也可以是大小写意，更可以工写结合；可以抽象，也可以具像等等，可以说岩彩画在形式上没有任何的限制。总之，岩彩画成为独立的画种无可非议。
岩彩画是一个大概念，宽理念，它可以涵盖一切使用石质颜料的绘画作品，古代工笔重彩用的是矿物色，所以要宽泛的讲，岩彩画包括工笔重彩画。或者，也可以说是中国色彩绘画与时俱进发展到今天的一个新名称。
参考资料来源：百度百科-岩彩画
岩彩画是非物质文化遗产。
“岩彩画”的出现在我国可追溯至半坡原始古朴的彩陶，马王堆赋彩浓郁的帛画和漆画，鼎盛于唐代的工笔重彩。但是一度被元以后兴起的“文人画”、“水墨画”冲击成为民族的边缘画种。
“岩彩”这一古老而质朴的材质，作为绘画素材源自于原始人类的随意涂抹。
今天的“岩彩画”旨在充分体认民族传统绘画价值的同时，并不固守传统，立足于本民族艺术的同时观照西方艺术之长，力求构起融传统艺术精神与现代艺术思想于一体的民族美术形态，使色彩的中国绘画不仅走出濒于“灭绝”的边缘，而且有将在世界艺坛占有一席之地的愿望。
岩彩画色彩斑斓，手法多样，综合东西方绘画样式于一体，不受旧约束，试验各种新方法就是现代中国岩彩画的创作现状。
岩彩画与水墨画、油画只有绘画材料上的区别，这种统一与融合实际上就是用不同的工具表现作者的感情和生活。当然，岩彩画之所以能成为一个独立的画种，也自有其独特的一面。
岩彩是以矿物质颜料和粉质颜料为主“板式绘画”。岩彩者，岩石之色也。 岩彩画是以宣纸、绢及棉、板、木、壁等为依托物，将天然矿物石色，及金银等金属色媒材，以动物胶为粘接剂，定着到画面的一种绘画。它成长于魏晋时期，有着千年的历史，像敦隍壁画、北京法海寺壁画等就属于岩彩画，他们虽然保受千年的风霜，可现在依然光彩夺目。现代中国岩彩画主旨自然，意在“若不经意”，注重肌理与造型的对比，欣赏的是一种以平面为主的现代美，强调对比与和谐的“痕迹美”，在“笔墨的”、 “水墨的”中国画之外，传递着在卷轴画之外更为多样化的绘画情趣和审美观念。画面矿物晶体的质感，自然映射出一种其他画种所没有的现代装饰美，使它更具有与现代建筑相融合的特性。由于岩彩画是以天然矿物石色和高温结晶颜料为材料，以传统动物胶为媒介，因此，它具有永不变色，永不脱落的特性，不仅在收藏上也有其不菲的价值，在现代家居装饰上也将日益焕发出它动人的魅力。下面引用访谈中的一段来继续解释：记者：许多人对岩彩画比较陌生，它有什么特点？您探索和创作岩彩画的动机是什么？林江东：在学习大写意水墨画的传统技法的基础上，我开始了新的探索。恰好有机会在日本长住了两年多，使我能比较深入地观摩学习日本画。日本绘画产生于中国文化的母体之中，沿著唐绘、大和绘和浮世绘的脉络发展。明治维新以后，日本大量吸收西方绘画的表现技法，并逐步形成了以岩彩为主要绘画材料的日本画体系。岩彩画其实来源于中国，以矿物岩为材料作画在两千年前曾是中国绘画的主流，并出现过一段灿烂辉煌的鼎盛时期。目前，尚保存在新疆克孜尔、敦煌和西安等地的众多壁画就是这一历史的证明。遗憾的是，唐代以后，这种画风逐步衰退，技法也日渐失传。然而，岩彩这种来自中国文化传统的材料却漂洋过海在日本得到保存并发展起来。现在，日本不仅拓展了中国的古典矿物质色，还创造了人工合成的材料-新岩。变革后的材料和现代的艺术观念，使日本美术走出了古典定式和语言体系而跨入了世界现代绘画范畴。这一现象既令人深思，又激发了我作为一名中国画家复兴这一古老民族传统绘画材料的愿望。记者：岩彩画的基本构成是什么？一般来说，东方绘画的色彩强调装饰性和象征性，西方绘画则强调实写性和表现性。您在创作的岩彩画时，突出哪些特色？林江东：岩彩有著丰富宽阔的表现魅力，它的色彩种类丰富，色泽鲜艳晶莹。特别是把水墨大写意的泼洒技法和岩彩相结合时，就会出现强烈视觉冲击感。岩彩画的基本构成是色彩。在广泛学习和借鉴的基础上，我大胆采用了岩彩做为画材进行创作的尝试，借鉴张大千大师泼墨泼彩的技法，尝试用岩彩调和胶液去泼洒。这样，画面就出现了自然流动之美和挥洒淋漓的效果。著名美术评论家王镛评论我的作品是“色彩恣意表现的程度和淋漓挥洒的效果，类似美国抽象表现主义画家波洛克的滴色作品”。其实，我借鉴的是水墨画的泼墨泼彩，与波洛克的滴色作品类似完全是偶合。另外，根据不同的主题，我采用不同的色彩创作出完全迥异的画面效果，有的流光溢彩，色泽绚丽；有的色调沉著凝重；有的又趋于平淡简练。再比如，在作品中，我用银白色的芦花象征著银发族的潇洒澹泊，用瑰丽的天空象征著对攀登高峰的追求。总之，我试图用融合东西方的象征性和表现性的独特色彩语言道出自己对人生四季的不同感悟，可以说是强调和突出东方绘画色彩的象征性和西方绘画色彩的表现性，减弱了装饰性和实写性，突出色彩自身的寓意和表现力。此外，我力图把诗意融汇到画中，追求画面的意境和神韵。在这一点上，延续了中国文人画的以诗入画的传统。比如，在“温一壶月光下酒”这幅作品中，幽深的画面和淋漓的泼洒使人联想到朱自清笔下的荷塘月色。，在“三人行”这幅作品中，形态各异的三棵树诠释著孔子的“三人行必有吾师”的哲理。
什么问题？、不就是工笔画吗？？什么。。你没创作过？？
无论是在学习还是在工作中，大家总免不了要接触或使用论文吧，论文是讨论某种问题或研究某种问题的文章。你知道论文怎样才能写的好吗？以下是我收集整理的油画议论文，仅供参考，大家一起来看看吧。
【论文关键词】当代；油画；教学；改革
【论文摘要】二十世纪五十年代，我国引入了苏联契斯恰科夫体制的绘画教学模式。毋庸置疑，这种教学模式的引进在当时对我国的油画艺术教育产生了极为重要的影响。然而，经过几十年的发展之后，这种传统的教学模式的弊端也逐渐显露出来，我们的当代油画艺术教育也不应该是工具主义式、技术主义式的培养艺术匠人，而是培养具有社会责任感的知识分子。
20世纪50年代，我国引入了苏联契斯恰科夫体制的绘画教学模式。毋庸置疑，这种教学模式的引进在当时对我国的油画艺术教育产生了极为重要的影响。然而，经过几十年的发展之后，这种传统的教学模式的弊端也逐渐显露出来，比如，过分着眼于学生的技能训练，偏重于科学、理性地观察和描绘对象。
这种日趋于保守化和程式化的教学模式，似乎使艺术日渐演变成为一门追求技术和理性的学科，从而变成了一种机械化的劳作。当然，对于油画艺术来说，科学、理性的观察表现能力和精湛的造型能力固然重要，但是艺术毕竟是一门强调形象思维的学科。而从艺术匠人到知识分子的蜕变必然要有几个因素的保证。也就是说，当代油画教育工作者在教学过程中除了训练学生的造型能力之外，更加要注重对学生的理论素养，批判性思维能力以及个性化的艺术语言的培养。15世纪，意大利雕塑家季培尔底曾提到，希腊人是绘画、雕刻的研究家，这表现在他们的素描理论上，没有这种理论，就不可能是个优秀的雕刻家或画家。可见，一个艺术家之所以优秀，并不仅仅是因为他所拥有的精湛的技能。
因为，精细的模仿能力只是艺术活动的基础，但却不是决定艺术成就的最主要的因素。个性化的艺术语言，以及作品中所呈现出来的艺术家的学识修养和深刻的思维建构才是决定性的因素。这也就对当代油画艺术教育工作者提出了挑战。在教学过程中，当代油画艺术教育工作者在强调学生的技能训练的同时，也要重视对他们创造性思维能力的培养。教师可以根据不同学生的特点因材施教，对学生的大胆创造给予鼓励，在培养学生兴趣的同时，发掘学生的创造性热情，从而培养学生的思维创造能力。另一个层面上说，这也对当代油画艺术教育工作者自身的素质提出了很大的要求。
在过去几十年的油画教学理论中，曾出现过油画教师应该首先作为一个艺术家还是一个教育家的争论，但我国现阶段的教学来看，时代对油画教师又有了新的.要求。就笔者看来，一个好的艺术家未必能成为一个好的教师，好的油画教师不仅应该是一位优秀的艺术家，更应该是一位优秀的教育家。但是，针对中国当代艺术的教育现状，油画教学要想适应当代艺术的发展，油画教师不仅应该是一位成功的艺术家、教育家，更应该是一位了解当代艺术发展现状的“半个理论家”。其中，很重要的一点就是当代油画艺术教育工作者对当代艺术的目前成果的接受、梳理和转化。当代艺术的前卫性、实验性和批判性都是值得年轻学生学习和借鉴的。甚至，美术院校可以开设融会当代艺术成果和经验的新课程，通过对学生传授当代艺术成果，使学生能够得益于多元的当代油画艺术教学资源。
相比而言，传统的学院派写实教学体系的课程设置较为单调，教学内容也相对过时、守旧。在以往的油画教育中，各大美术院校多贯彻培养学生全面发展能力的方针，而忽视了对学生的个性发展的培养。在这种教学模式下，年轻学生没有过多的自我判断和辨别意识，在创作过程中普遍缺乏自信，过分的依赖于教师的判断。因为现有的艺术教育体制多引进苏联契斯恰科夫体制的教育模式，在强调技能训练的同时，并没有注重培养学生的理论素养和批判意识。
当然，现在中国目前的学院体系里面，除了传统学科之外，另外还增加了许多新的课程设置，比如中国美术学院成立的新媒体艺术系、四川美术学院的油画第三工作室以及天津美术学院的现代艺术学院等，都开始注重实验教学。中国美术学院新媒体艺术系拥有很长的办学历史，虽然被称为新媒体艺术系，但是他们的学科带头人张培力却是油画专业出身，由于对油画专业本身的了解，在指定教学方针政策时便更为自由灵活，可以吸收油画的一些技能用在多媒体创作中，所以，中国美院的影像艺术在中国当代艺术领域一直出于遥遥领先的地位。四川美术学院第三工作室也是油画艺术的延伸。就体制上来说，第三工作室就是油画系的一部分。在这种体制之下，第三工作室的教学对扩宽油画系的视野起到了很大的作用。
从总体上来说，当代油画艺术教育的改革要把握住一个要点，即要与当代艺术产生良好的互动。油画教育要与当代艺术产生良好的互动，就是要让油画与油画教育真正的具有当代性。但如果依照陈默先生对艺术教育当代性的四点定义，我们油画教育并没有真正体现出其当代性。其中第一个标准即对当代艺术教育的反思必须落实到第二条当代艺术教育转型的实践过程之中，不然，当代艺术教育反思就没有任何说服力。同样，无论艺术教育与当代艺术融合到何种程度，以及当代艺术教育具有何等的前瞻性，它们的最终决定性因素还是要归为艺术教育的转型。
当代艺术专业杂志上也不乏对当代艺术教育进行反思的文章，网络上也时常看到呼吁艺术教育改革的口号，但是我们却没有看到当代艺术教育转型的实际行动。中国当代的主流艺术教育体制一直延续了50年代中期以来的以画种为界线的分科方法。在具体教学实践中，中国当代的主流艺术教育也没有从本质上超越50年代苏联的教学模式。其实本文反复强调的是第三点，即当代艺术教育与当代的融合，也即当代油画教育与当代艺术的融合。既然我们还称之为油画，我们就要保持油画的基本属性。我们必须认识到，当代艺术发展今天，已经没有语言上的差别，油画和雕塑、装置等语言已经不再有前卫和后卫之分。基于这一点，在教学过程中，油画应该吸收其他艺术语言，而又不放弃自己的语言模式，这才可能称之为油画教育转型。
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贝特勉特曾说过"时间抹掉一切记忆，碍眼的东西更须拭去，擦掉干干净净，不留痕迹，然而拭去后的痕迹，颜色却更鲜艳。"油画正如那拭去后的痕迹，经过时间的磨练，愈加得珍贵。而这个短暂的假期又如同传世油画一样，在以后的生活里珍贵无比。这个假期或许是开心的，但是高考气息无时无刻的压抑这自己；或许是轻松的，但是辅导班之间来回穿梭的身影证明了一切；或许是悲伤的，但是一时的勤奋一生的幸福一直提醒着自己；或许是痛苦的，但是父母精心的呵护温暖了心头。我很肯定这个假期是精彩的，是丰富的，是不悔的。
在我的心中向日葵的花神当之无愧的是文森特·梵高，一个以向日葵为画之精髓的年轻画家。他曾经说过"我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的或调和的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。"梵高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的艺术情感。他怀着对艺术无比狂烈的热情，追逐着对艺术最高境界，这部流传万世的《向日葵》就在一个阳光灿烂的地方出世。这部由十四朵色彩对比强烈、寓意丰富的向日葵组成的油画，正如我这个时刻的心情，在外表貌似轻松的情况下，心情是狂烈的、激动的。
秋天的脚步渐渐靠近了身边，弗朗索瓦·米勒的《拾穗者》场景渐渐进入了人们的眼帘。画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。他精巧的画面设计让阳光照在她们身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。对呀，米勒表达的精神正是我们所需要的。枯燥的作业练习，让我们学会了忍耐；面对任何试题，或简单或复杂，我们都保持着谦卑的心态；我们必须对我们自己忠诚，每一道试题我们都要搞清楚搞明白。
生活依旧在进行，时间依旧在流逝。油画依旧在传承着它的精神。
油画时刻记录着人们的生活，描绘着人们的行为举止。它或是温馨，或是凄凉，或是狂烈，或是愉悦。假期的时光漏斗里的流沙愈渐愈少，每颗沙子都有着自己独特的故事。
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摘要： 色彩作为一种重要的艺术表现手段，其本身具有极强的审美价值。在现代油画艺术发展过程中，利用色彩表达艺术家内心的情感与思想内涵是相当常见的。因此本文就将针对色彩在现代油画艺术中的具体情感表现进行分析与阐述，以期为相关的艺术创作者提供参考与帮助。
关键词： 现代油画；艺术；色彩；情感表现
色彩在油画艺术创作过程中，不仅是画家进行绘画的手段，更是表达画家思想感情与精神内涵的重要方式。不同的色彩所表现的情感内涵略有差异，而通过色彩表达画家内心的情感，往往可以创作出独一无二的优秀画作，进而推进油画艺术的发展。
一、近现代西方油画艺术中色彩的情感表现
西方的油画犹如我国的国画一样，有着悠久的发展历史，同时也有许多著名的画派与著名的画家，成就了世界近现代油画发展史上的一个个传奇。西方近现代油画艺术中，其主要分为以下几种创作特点以及色彩展现。其一，后印象主义。这一时期的油画艺术作品代表创作者主要是凡高、塞尚。后印象派画家凡高在其绘画创作过程中，对色彩的驾驭与运用可谓到了出神入化的地步。最为出名的作品就是《向日葵》，而整部作品呈现出的画面是黄色的屋子与墙壁，床和椅子也是淡淡的黄色。黄色的墙面上有着几幅黄色的向日葵画。而插满深黄色陶罐中的也是生机勃勃又绚烂多彩的向日葵，更是使得整幅画面看起来满是金黄。当然这一作品并不是全是黄色，而是与蓝绿色的背景进行结合，营造出一种生机勃勃之感，同样也表达了画家对生命的热爱以及心中永远充满希望的积极态度。其二，野兽派。这一派别的油画作品，往往可以挣脱传统的束缚，从而营造出不同的视觉效果。马蒂斯是这一时期杰出的油画画家，他主张利用强烈的色彩冲击人们的眼球，既发挥纯色的作用又增强色彩强度。通过高强度的对立颜色营造出一种视觉张力，从而抒发个人情感。其三，毕加索时期。以毕加索为代表的这一时期，作品大多以蓝色为主调，给欣赏者带来一种悲伤、沉闷的感受。如《人生》，其表现的就是人们深受贫穷困扰，穷困潦倒的状态。之后其作品又实现了转型，以《二裸妇》为代表，开创了粉红色、玫瑰色的创作风格，体现出画家内心对生命的赞叹与对生活的热爱。西方近现代油画中主要以前面三个派别和时期最为出名，之后还有表现主义时期以及康定斯基所提出的色彩观念，在此不一一赘述。
二、近现代中国油画艺术中色彩的情感表现
对于中国而言，油画不是我国本土的文化与艺术形式，其本身属于舶来品，因此在中国的发展历经波折与艰难。但是油画中注重的色彩运用，实际上在我国的美术作品当中也是早有体现。针对我国近现代历史发展过程中，代表画家的色彩观念以及其作品中色彩的运用进行分析，是极为迫切的。首先，刘海粟可谓是我国现代绘画中杰出的艺术家。他的作品与西方的后现代主义有类似之处，并且注重个性的张扬与表达，擅长利用色彩表达自己内心的主观情感。如其作品《北京前门》，画面整体的色彩对比相当强烈，且线条的选用也是粗狂不拘小节，这样的作品往往更能表现创作者的真情实感。其次，吴大羽也是我国油画的先驱和开拓性人物。他的艺术作品中，始终体现着自我批判，所以作品本身是发自心灵的创作。比如其画作《色草》，并没有真正对花草的形态进行描绘，而是利用极为绚丽的的色彩进行意象描绘，给人一种独特的审美情感。再次，沙耆更是不可忽略的一位画家，其在我国的地位可以与西方的凡高相媲美。他对艺术创作的追求和执着与凡高极为相似，而在色彩的运用方面也是大胆且不拘泥于形式。所以在沙耆的作品之中，看到最多的是人内心的冲动与激情，还是情感表达的直接性。除了以上这些画家及其作品中所体现的.色彩运用形式之外，我国还有著名的画家罗尔纯先生，其油画作品更加注重红色乡土情的表达，所以作品中运用的红色、黄色等，是最为普遍的。而申玲和徐晓燕则在创作中融入了更多的情感，更多主观色彩融入其中，在色彩的运用以及情感的表达方面，都各具特色，为我国油画的进步与发展带来了帮助。但是无论其选择哪样的表现手法，其目的都是渴望通过色彩，展现出不同的心理状态，从而通过色彩的统一表达自己内心真挚的情感，进而诠释自己真实的内心世界。
结语
虽然说油画在我国属于舶来品，但是我国也确实有许多优秀的油画作家，在近现代油画创作与发展过程中做出了杰出的贡献。此外，由于中西方地域差异，或者同一地区不同时间段的差别，在色彩运用与情感表达方面都会有所差别。可是色彩在近现代绘画艺术作品中的重要性始终未曾改变。未来的油画艺术创作更需要加强对色彩的运用，通过色彩，展现创作者内心的情感与精神。
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人类行为的高级状态，就是艺术的状态。换言之，艺术来源于生活，艺术也最能表现时代的状态。前天上午，在云南艺术学院美术馆内展出了该学院油画第二工作室学生的毕业作品，这些作品具有强烈的时代感。 油画第二工作室共有18位学生，他们的毕业作品从不同角度反映了对于当代社会文化的基本认识和生存经验相契合的绘画语言的初步尝试。他们的出生年代集中于70年代末期，对他们来说是伴随卡通图像长大的，电脑与网络正逐渐作为他们与世界联接的重要通道，这些视觉经验都已渗透到了他们的创作的符号选择中。这也成为此届毕业生的作品与往届毕业生的作品最大不同，其特点是：学习油画的毕业生作品不是用纯油画的方式交出成绩单，有的用电脑卡通画、有的用照片的形式、有的用油画加报纸片构成画面等，充分运用多媒体进行创作。 作品“假面”：画面上是古代女子戴着一张面具，衣服上有一块现代近期的报纸，那女子还露出了穿着丝袜的大腿和高跟鞋。作品整个背景散布着古代文字，该作品表达了现代社会的发展受到中国传统思想的影响。从女子身上裹得严实的服装里伸出的腿、丝袜和高跟鞋休表着她们渴望从传统礼教中解放出来，虽然戴着假面具，也无法掩饰现代发展与旧传统之间的尴尬。 名为“我们一起结婚”的作品，是用一组婚纱照片组成。照片上身穿雪白的婚纱者和穿绅士礼服者一脸幸福的新人都为男性。作者大胆地表现了当代社会中存在的同性倾向，作品风格迥异。 油画第二工作室的导师是由武俊、唐志冈、张炜等担任。他们对此届毕业生的作品较为满意。从作品上可看出他们这代人的审美、价值观和思想趋向。他们所接受的传统教育（涵盖了非常广泛的领域——古典、现代及当代的多种类型语言方式）也成为影响他们创作的决定性因素。 另一方面，他们的作品体现出艺术不应该是生活另类的东西，现代艺术也应该适应今天的文化生活。
多少字的啊，哥们
约瑟夫·马洛德·威廉·透纳（Joseph Marroad William Turner，1775-1851）是英国最为著名，技艺最为精湛的艺术家之一，19世纪上半叶英国学院派画家的代表，在西方艺术史上无可置疑地位于最杰出的风景画家之列。与约翰·康斯特布尔并称为"真正使英国风景画摆脱荷兰、法国或意大利绘画影响而走上自己独立道路的两个人".透纳以善于描绘光与空气的微妙关系而闻名于世，尤其对水气弥漫的掌握有独到之处。他在艺术史上的特殊贡献是把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位。透纳生前即享有盛名，1851年去世后依然在世界各地受到敬仰和追摹直至十九世纪晚期。然而，对透纳所有艺术成就的认识则是更后来的事。透纳晚年尤其自十九世纪四十年代起即致力于绘画形式与色彩的探索，人们从他后期那些大胆的习作中找到了印象主义和现代抽象绘画的发端。透纳的绘画艺术到底具有哪些历史意义？对这一问题的回答首先需要机会。过去半个世纪以来，一系列重要的展览和美术馆的陈列被展了透纳各式各样的作品，增进了人们对他的不断认识。这类展览和陈列，许多是由泰特美术馆举办的。透纳生前立下遗嘱将作品捐献给国家，使得共计一百多幅油画成品，数千幅速写和纸本绘画珍藏于泰特美术馆的克劳馆，该馆也是国际透纳研究中心，近年开展的一些国际交流项目，在新的文化语境中进一步扩展了透纳的声誉。编辑本段人物生平成名之初透纳于1775年4月23日生于科文加登的梅顿莱因，父亲是个理发师。母亲死于精神错乱。他于1851年12月9日卒与同地。透纳10岁时已表现出绘画才能，被送到一个叔叔那里上学。在绘画上他是个早熟的孩子。透纳最初跟一个地貌色彩画家汤玛斯·马尔顿学水彩，在父亲理发店的橱窗中摆放和销售作品。透纳很早就认识到要想成为一个出名的画家，英国皇家美术学院是一个很好的平台。1789年，十四岁的他进入皇家艺术学会学校学画，第二年春天，即1790年的年展上，他首次展出了自己的水彩作品。不久，他父亲退休离开理发店，全力帮助他的儿子。1793年，透纳建立了自己的画室。传统观点认为，水彩仅仅是一种彩色素描，但是透纳却很快打破了这一陈套，创作了更有其实，更个性化的水彩作品，要让水彩画与当时皇家美术学院传统上更重视的油画的观点分庭抗礼。1799年11月，透纳成为皇家美术学院最年轻的候补会员，在十年时间里，他展出了60多件作品，在批评界树立了牢固的声誉，为日后突飞猛进的发展奠定了基础。24岁，因他在艺术上的突出成就，被英国皇家艺术学会破格接纳为最年轻的会员。他曾走遍意大利，最后才专心去描绘大海的光色和空气的变化。他悉心研究海上光的强度、云彩和风雨的活动，在色彩上，他培养了一种具有浪漫主义感情的特殊手法、创新色彩，着对后来英、法两国的印象主义运动有很大的促进作用。透纳自己曾说，描绘自然需要准确的观察力，他的绘画是他视觉经验的准确体现，而透纳的视觉经验正是他长期细致观察大自然的结果。 邓斯坦博城堡现代大师的产生户外绘画1802年二十六岁的透纳当选英国皇家美术学院正式会员，并在1807年成为学院的透视学教授。他强烈建议皇家美术学院能够设立一个风景画接受的席位。1811年透纳逾越他的份内职责，在皇家美术学院举办了一个题为《背景——建筑和风景画入门》的讲座。在这次讲座中他告诫学生们：“选择、整合、浓缩自然之美及美术之妙，既是他这类风景画家的职责，也是其他艺术门类的职责”。和当时其他英国画家一样，如约翰·康斯特布尔（1776-1837），透纳也尝试在户外作油画素描，就像五十年后的印象派画家那样。在大量的素描和水彩习作中，他记录了自己对风景、光线和空气状况的体验，从而为一批室内创作提供了基本的素材。战争与和平中的不列颠在透纳成年后的22年中，英国一直在与大革命时期及拿破仑时期的法国交战。1805年纳尔逊勋爵在特拉法尔加海战中大败法国舰队，法国入侵英伦已不太现实，但英国的警备并未松懈，一直到1815年，拿破仑在滑铁卢战败，英国才稍感轻松。战争成了英国民众心头的大事，因此透纳此时和其后的许多作品都弥漫着战争的气氛，皇家美术学院的年展是透纳展示自己最重要作品的平台，但特拉法尔加之战这一年，他并没有送交作品，这在他的艺术生涯中也是不多见的，他把位于哈利大街上住宅的一部分改造为一间画廊，这一年的作品就在这里展出。透纳这是在效仿雷诺兹和韦斯特等前辈画家，在伦敦市中心开设自己的画廊，极大地提高了他作品的销路和名字。此间，他在出版商那里声誉因《英格兰南海岸的旖旎风光》的出版进一步得到了提升，这是第一个以他的作品为主的风景系列。透纳的水彩不仅反映了战时的英国，还反映了更为广阔的英国生活图景。色彩的凯歌十九世纪二十年代初透纳的创作明显转向，随后十年便是实验与过渡的时期。最明显的重要转变是在色调上，即从自然写实的色系转向更加明亮更有力度的纯色。这段时期透纳在构思作品时，通常先要创作大量的习作，这些习作常被称为“第一层颜色”。这一用原色构筑画面的手法似乎也解放了其油画创作，引入更富有诗意的色彩处理手法。在这些年中，他一直保持着高水平的创作，完成了大批风景画。这些作品多是针对新兴中产阶级的怀旧情绪和爱国主义豪情而作，偶尔也流露出对盼望已久的英国社会政治改革最终到来的喜悦与激动之情。1815年后，滑铁卢战役为整个欧洲带来了和平，英国人又可以重访欧洲大陆了。接下来的三十多年里，透纳继续着每年的写生之旅，其足迹南至帕埃斯图姆（1819年），西涉布列塔尼的威珊岛（1826年），北抵苏格兰（1831年和1834年），东到维也纳（1833年和1840年）。不过到了1817年8月，透纳才自1802年之后第一次借战争结束的机会横渡英吉利海峡踏上欧洲大陆。 透纳在对光线的表现技巧上可谓炉火纯青，他更注重营造光线在建筑物或是自然景观上的效果。特纳表现日出日落的作品较多，这样的画面是一场场色彩与光的盛宴。尽管风景水彩画在当时相比表现所谓高雅主题的油画可谓地位地下，但透纳能够坚持在风景画的殿堂中尽情发挥，将绘画艺术推上了一个更加广阔的平台。进入光中进入十九世纪四十年代，一些批评家经常同声指责道，透纳的作品不论是题材还是风格都过于任性晦涩。他那时已过了65岁，于是有人就把这些特征归于他的年龄，理所当然地将他晚年的作品贬为“从昏花的眼睛和草率的手中结出的果实”。甚至其他一些人在把这些作品贬为“纯粹色彩狂热的把戏”的时候也承认它们的抽象之美，俏皮地说它们倒过来看也同样很好，或把它们形容为华丽的光线爆发。透纳坚持不懈地追求谜一般的带有他独特风格的目标，但几乎是孤军作战。他的作品销售不太好。从1820年透纳由意大利归来到1843年春天他展出了近一百幅油画，其中只有四十幅很快就有了买主。透纳对形体日益明显的模糊处理在他1840年代的威尼斯风景画中表现得最为明显，在这几幅画中他引入了一种更加克制和迷人的诗意，这与他大部分其他作品中那种崇高的野性形成对照。在这最后时期，他在那些最具幻想性的图像中反复地表现这种构图程式，把一种直截了当的光线大欢庆带入作品之中。然而值得注意的是作品中的这种激进力量在本质上还是基于他对克劳德·洛兰的持久尊崇。 透纳的著名作品虽然有几幅《威尼斯风景》、《雨、蒸汽及速度》(“Rain, Steam, Speed”,1844年作).等，但比这些作品更为人所熟知的是《军舰德美勒尔号》。从透纳的所有作品可以看出，表现着想要压倒人的一种霸气。常常在展览会的前一天，他特意到会场去，注意地看陈列在自己画近旁的其它画的色调，再在自己的画上涂以强烈的颜料，想压倒其他的画。因此有时候把整个构图弄乱，不止一次受到批评家的嘲笑。象《军舰德美勒尔号》，描绘在落日的海上，配置着已经属于过去时代的帆船和新时代的汽船，想要表现历史的感情；不过，当时它被作为只是乱涂颜料的作品，曾受到严厉的批评。 而《贩奴船》则尤其表现了他艺术的成熟。 透纳在晚年虽然成为有名的画家，过着非常富裕的生活，但很难令人想象，却是一个具有象侦探小说中那种双重性格的人，有时象个可尊敬的绅士住在山下幽静的邸宅里，有时却象“一个老船工”住在偏僻地方的贫民窟里，穿着破烂的衣服，一面晒太阳，一面给贫民窟的孩子们信口开河地讲“乘船的冒险故事”。而且他死后，尸体也发现在贫民窟一间肮脏的屋子里。编辑本段成就及荣誉如果你没有看过那幅曾被英国人评为“世界十大名画之首”的《战斗的泰梅莱尔号》，也没有见过那幅曾拍出2000万英镑天价的《珠玳卡岛》，但也许听说过国际上最负盛名的当代艺术大奖——英国特纳奖。这项欧洲最权威的视觉艺术奖，便是以今天的主角透纳命名的。 生于泰晤士河边的透纳，似乎天性里就有一种游吟诗人气质。从17岁到70岁，他从未间断过在英伦三岛和欧洲游历、观察和写生。不但跑去法国领略拿破仑掠夺来的欧洲绘画珍宝，更多的去处，则是乡间、海边、山野、湖畔……。感性、灵性加高产似乎一直是透纳作画的特质，他曾经在意大利短短两个月中，便创作了1500多幅水彩速写。有时还在画上附注颜色，例如“土壤呈浅红色、灰绿色，大海是蓝色，阳光下薄雾和煦，叶簇明丽，阴暗处呈宁静的灰色”等等。这些都极大锻炼了透纳观察自然物象微妙变化的独特本领，也促使他后来形成以表现大自然中光线、雾气、风雨、雷电等异常景观为特色的艺术风格。当然，他的激情和技法也很快从水彩画升华到油画创作上。
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你的关于油画的论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？ 老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。毕业论文怎么写？毕业设计和毕业论文是本科生培养方案中的重要环节。学生通过毕业论文，综合性地运用几年内所学知识去分析、解决一个问题，在作毕业论文的过程中，所学知识得到疏理和运用，它既是一次检阅，又是一次锻炼。不少学生在作完毕业设计后，感到自己的实践动手、动笔能力得到锻炼，增强了即将跨入社会去竞争，去创造的自信心。这里仅将我们教研室老师近年指导本科毕业生论文中的体会整理出来，希望能对学生毕业论文有所帮助。选择一个相关的题目，应该是你感兴趣并且和你所学的专业相关的。进行文献检索，查找有关这个主题的所有研究成果，并且进行深入的研究。在广泛的吸收别人的成果的同时，思考自己在这个问题上的观点和看法，这是你能做的最重要的一步。参考科技论文的写作规范，先写出大纲，再增加内容形成草稿，反复修改，最后定稿。需要注意地问题： 标题是文章的眉目。各类文章的标题，样式繁多，但无论是何种形式，总要以全部或不同的侧面体现作者的写作意图、文章的主旨。毕业论文的标题一般分为总标题、副标题、分标题几种。一般说来，篇幅较长的毕业论文，都没有分标题。设置分标题的论文，因其内容的层次较多，整个理论体系较庞大、复杂，故通常设目录。参考文献又叫参考书目，它是指作者在撰写毕业论文过程中所查阅参考过的著作和报刊杂志，它应列在毕业论文的末尾。列出参考文献有三个好处：一是当作者本人发现引文有差错时，便于查找校正。二是可以使毕业论文答辩委员会的教师了解学生阅读资料的广度，作为审查毕业论文的一种参考依据。三是便于研究同类问题的读者查阅相关的观点和材料。