生态伦理思想中人与自然价值关系思想研究
论文摘要： 中国古代拥有深厚博大的思想内涵，具有丰富的生态思想。现代深层生态伦的价值整体性、层次性等涉及人与自然价值关系的思想理论，在中国古代哲学中都能找到相应的思想内容，并且运用独特的思想方法进行了深刻的论证。发掘中国古代哲学有关的思想内涵，能够使我们更加清晰地认识宇宙价值系统的整体性及其层次性，理解人与自然的价值关系，发现人的价值地位和发展方向。
论文关键词： 中国古代哲学；生态伦理思想；人与自然价值关系
中国古代哲学有着丰富的人与自然关系和生态伦理思想。自然与人伦合一，知识与融合，宇宙法则与治世规范统一，“必然”原理与“应然”判断贯通，是的本质特征。源自西方的生态伦理学理论受到过中国古代的诸多启发和影响。深人分析中国古代的有关哲学思想，对我们深入理解人与自然系统性价值关系具有深刻的启发意义。
一、人与自然是价值关系的有机整体
传统伦理学认为，价值是主客体关系范畴，是客体属性满足主体需要的关系。主客体是处于分离状态的对象性关系，主体处于积极主动的地位。只有人才能作为价值主体存在，具有内在价值。现代深层生态伦理学从整体论立场出发，把整个生物圈乃至宇宙看成一个有机的生态系统，认为价值存在于生态系统的生态关系和生态过程中，自然价值具有系统性。人类价值只是这一系统中的一部分，人类的生存与其他部分的存在状况紧密相连，生态系统的完整性决定着人类的生存和生活质量。生命系统作为主体自主维护自己的生存和繁衍，自主进化；非生命自然系统也在自主地维护自己的平衡稳定、演化发展。自然系统中的每一存在物都具有内在价值。无论是人的价值还是自然的价值，都在系统中形成、发展和实现。中国古代“天人合一”思想充分反映了人与自然价值关系的整体性，对于我们深人理解价值系统的整体性具有重要启示。
第一，包括人类在内的宇宙万物有共同的起源。把宇宙的本源称作太极，把宇宙的本源称作“道”或者“自然”，他们都认为宇宙万物产生于一个本源。《易传·系辞》中说：“是故易有太极，是生两仪，两仪生四象，四象生八卦。”太极作为永恒的终极存在，是产生万物的.根源，“八卦”即以八种元素象征自然万物。在阐述作为宇宙本源的“道”时说：“有物混成，先天地生。寂兮寥兮，独立而不改，周行而不殆，可以为天下母。”《老子·第二十五章》“道生一，一生二，二生三，三生万物。”(《老子·第四十二章》)这样的描述与现代科学的大爆炸宇宙形成学说十分吻合，体现了宇宙生成、演化的思想，也体现了宇宙万物具有共同起源的思想。如果说人类具有价值，生成人类的宇宙及其演化过程就也有价值，与人类同源生成的宇宙万物从生成过程来看，应该与人类具有平等的价值地位。
第二，人与自然是有机一体和相助相生的价值整体。道家认为，元气是形成万物的基本元素，不能分，不可穷，绵延的元气充满整个宇宙空间，使宇宙成为一个不可分割的整体。《·秋水》中说，元气“至精无形，至大不可围”，“无形者，数之所不能分也；不可围者，数之所不能穷也”。天地中的元气吸引排斥，聚合离散，人和天地万物在元气中生成、寂灭。晋代葛洪说：“夫人在气中，气在人中，白天地万物，无不需气以生者也。”(《抱朴子·至理》)《礼记·礼运》中说：“人者，其天地之德、阴阳之交，鬼神之会，五行之秀气。”人与万物“同此一气”，结成有机整体。人作为自然的有机组成部分，与自然演化过程也融为一体。“夫大块载我以形，劳我以生，佚我以老，息我以死。”(《庄子·大宗师》)而人并不是完全无所作为地生老病死、生息繁衍的。《中庸》中说到，人通过至极真诚和通晓道理发挥自己的本性，与天地合，从而能够发挥物的本性，帮助自然化育万物(“赞天地之化育”)，获得与天地并列的地位(“与天地参”)。这样，天地有化育人与万物的价值，人有赞助天地化育的价值。反之，没有天地化育也就不会产生人的价值，没有人的赞助之能，也就没有宇宙的人类新价值的创造。因此，人与自然是价值整体。
第三，人与自然是道德和精神价值的整体。儒家用人道来塑造天道，把的伦理原则放大为宇宙的原则，把人道上升为天命、天道，使天道符合人道理想；又以伦理化的天道来论证人道的合理性，把自然万物的生长过程、天地生物的过程与仁义智联系在一起。由人而天，又由天而人，从而实现天人合德，天道与人道贯通，人与自然在道德上实现统一。
如认为“仁”是人的最高德性，是人之所以尊贵的原因，它就是来自天地“生生之德”或“天地生物之心”。在歌颂尧的伟大时说：“大哉尧之为君也。巍巍乎天为大，唯尧则之。荡荡乎，民无能名矣，巍巍乎其有成功也。焕乎其有文章。”(《论语．泰伯》)尧的行为就是以天为准则，效法天道，成就建立文明的伟业。孔子认为讲人道就是讲天道，人的来源于天的道德。“天生德于予，桓魅其如何?”(《论语·述而》)《易传》中明确提出了天人合德的观念：“夫大人者，与天地合其德，与日月合其明，与四时合其序，与鬼神合其吉凶。先天而弗违，后天而法天时。”(《易传·乾卦·文言》)在人与自然的意识或者认识能力方面，“天地有大美而不言，四时有明法而不议，万物有成理而不说。圣人者，原天地之美而达万物之理。”(《·知北游》)只有人类才能“判天地之美，析万物之理，察古人之全”(《庄子·天下》)。所以，人类的精神就是宇宙的意识，是使自然从“无名”到“有名”的“万物之母”(《·第一章》)。人类具有自然漫长演化和进化形成的自我意识，是宇宙的精神价值所在。人与自然在精神价值上是统一的。
二、人与自然价值的普遍性与层次性
深层生态学承认生命、非生命自然系统普遍具有内在价值，同时也认为自然价值系统的结构是分层次的。因此，人与自然的价值统一于宇宙价值系统之中的同时，也分别具有自己的价值位置，处于不同的层次之中。中国古代思想博大精深，不同学派、不同哲学家在人与自然价值关系上的观点既有相同之处，又有区别；既有人与自然普遍存在价值的思想，也有人与自然存在价值差异的观点。
哲学思想总体认为，人与自然万物皆有着共同的本源、共同的内在规律和法则，人与自然万物具有平等的价值，但老子人与自然价值关系的思想中具有一定的差异或层次性思想。老子说：“故道大，天大，地大，人亦大。域中有四大，而人居其一焉。人法地，地法天，天法道，道法自然。”(《老子·第二十五章》)道是贯穿宇宙的最高原则，宇宙以“道”为最高价值。人类是宇宙四大之一，具有自己的价值地位。如果把天看做宇宙或地外世界，把地看做地球或生态系统整体，则道生天地，天地生万物，人是“四大”之一，又是万物之一，宇宙价值层次的顺序应是道、天、地、人、自然万物。这符合生态学中的系统整体价值大于部分价值之和的原理。庄子则认为，宇宙万物虽有差别，但无贵贱之分。他说：“以道观之，物无贵贱；以物观之，自贵而相贱；以俗观之，贵贱不在已。”(《庄子·秋水》)也就是说，包括人在内的宇宙万物都是价值平等的，没有贵贱高低之分，之所以会有贵贱之分完全是因为抬高自己，贬低他人(物)的人为因素所致。
将道德对象和范围从人类自身按照血缘亲疏关系逐步扩大到人以外的自然物，不只承认人类一个物种的价值，在肯定人在自然界中具有最高价值的同时，也肯定无机物、植物和动物具有高低不同的自身价值。在承认天地万物一体的同时，也强调了不同事物价值的差异性、层次性。
儒家首先重视人的价值。在天人关系、人物关系上，孔子首先重视的是人。《论语·乡党》中说：“厩焚。子退朝，日：‘伤人乎?’不问马。”在动物与人的生命的价值权重上，儒家是讲求人的生命价值优先；在财产等物质资源与人的生命的价值上，更是强调后者。孔子认为只有人才具有仁义道德，所以人在天地万物中具有最高的价值。苟子也认为人的价值高于自然万物，他说：“水火有气而无生，草木有生而无知，禽兽有知而无义；人有气有生有知亦且有义，故最为天下贵。”(《苟子·王制篇》)
在强调“以人为本”的同时也主张珍爱生命，爱惜器物。儒家推崇“仁”，“仁”最初是指“爱人”。孟子则把“仁”由“爱人”扩大到“爱物”。他说：“君子之于物也，爱之而弗仁；于民也，仁之而弗亲。亲亲而仁民，仁民而爱物。”(《孟子·尽心上》)一步步地将儒家的“仁”由亲亲、仁民，推及到爱物。但由“亲”、“仁”到“爱”的程度差异还是体现出亲人、他人、物的价值差异。北宋张载提出：“乾称父，坤称母，予兹藐焉，乃混然中处。故天地之塞，吾其体；天地之帅，吾其性。民，吾同胞也；物，吾与也。”(《西铭》)他主张将人类的仁爱之情扩展到世间万物，将人伦关系推及自然，反映了对自然价值的充分肯定。但张载以天地为“父母”，以人为“同胞”，以万物为“伙伴”，也在一定程度上反映了他思想中人与物价值的差异性。
明代阳明把“仁”推及到瓦石等非生命物质。他说：“仁者以天地万物为一体，使有一物失所，便是吾仁有未尽处。”(《传习录》)但是，仁者以天地万物为一体，而人为了生存，有时又不得不牺牲他物，怎么对待这一类问题呢?阳明说：“禽兽与草木同是爱的，把草木去养禽兽又忍得 葶 人与禽兽同是爱的，宰禽兽以养亲，与供祭祀，宴宾客，心又忍得。
至亲与路人同是爱的，如箪食豆羹，得则生，不得则死，不能两全，宁救至亲不救路人，心又忍得。这是道理合该如此。是良知上自然的条理，不可逾越；此便谓之义。”(《传习录》)可见在人与天地万物一体的情况下，仁爱还是有差等的，草木、禽兽、路人、至亲的价值是不同的。在道理上本该如此，人凭借良知自然就能领悟到这一点。这反映了中国古代从自然规律到规则，从“是”到“应该”自然过渡的特点。其结论与深层生态学中的价值层次理论是一致的，阐明了人与自然价值的普遍性与层次性。
三、在人与自然的统一中获得人的价值
人作为一种生命形式，和其他生命一样，其最基本的价值就是生存。人的生存需要对自然的深刻依赖，每时每刻都需要得到生养万物这一“天地之大德”的照顾。“乾称父，坤称母”，“民吾同胞，物吾与也”，需要与自然界这一“人的无机身体”(马克思语)紧紧地统一在一起，获得自己的生存价值。 人作为智慧生命，他会不断审视自己的生存状态(如何生存)，他无法忍受没有价值的生活。生存状态包括人自我内在精神的和谐状态、关系的和谐状态还有人与自然关系的和谐状态。三个和谐关系紧密联系，其实现又互相深刻依赖。儒家追求的修身、齐家、治国、平天下(《大学》)，“为天地立心，为生民立道，为去圣继绝学，为万世开太平”(《张子语录上》)，不仅要解决好自我的问题、自己“类”的问题，还要“赞天地之化育”，体现了追求自我内在精神和谐、社会和谐和人与自然和谐的价值追求。
人作为具有普遍性和超越性的生命，他关心自己在价值系统中的位置，希望清楚了解自身价值产生之源泉和发展方向；希望拓展生命，获得与天地同样的宽度和广度，和宇宙一样永恒的价值。“天人合一”自然观通过揭示人与自然不仅空问有机一体、精神有机一体，而且过程有机一体，帮助人类构建生命的终极价值。人来自自然的长期演化，是自然的有机组成部分。人的生命通过道德、的提升获得超越，“与天地参”，成为“天地万物之心”、宇宙的自我意识。讲求对中国古代继承创新的冯友兰先生提出人生有自然境界、功利境界、道德境界、天地境界四种境界，其中天人境界是最高境界。有天地境界的人，“他知人不但是社会全体的一部分，而且是宇宙全体的一部分。不但对于社会，人应有贡献；即对于宇宙，人亦有贡献。”人与自然是从物质到精神的有机统一体，人顺应自然本性，超越我与世界、我与非我、主观与客观的界限，达到与“道”合一，达到自由、完美、心灵自由的至人、圣人的境界，在与自然的合一中获得永恒价值。
我国传统哲学的智慧给予了我们巨大启示，帮助我们发现价值世界的整体形象和内在结构。宇宙是有机的价值系统整体，系统中的生命和非生命系统普遍具有内在价值，人类只有在这个整体中才能获得自己的基本价值、超越价值和终极至高价值。宇宙也因为孕育了人类这一智慧生命而获得了崭新的价值。
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浅析中国室内设计的发展方向 摘要： 浅析了中国室内设计的风格与流派，使设计在建筑室内设计中力求在其内部空间尽量合理、舒适、安全，使环境与人之间的关系更加协调、实用，分析了中国室内设计的发展方向。 关键词： 设计风格 流派 装修 发展方向 建筑设计与室内设计是人类本性的一种体现，是与人类生存联系最为密切的一种手段，从原始社会黄河流域的“仰韶文化”中半坡村的建筑群和长江流域的“河姆渡文化”建造的“筑土构木”的屋子就不难发现，即使最简单的建筑形式，也在力求其内容空间尽量合理、舒适、安全，使环境与人之间的关系更加协调、实用。 人在建筑与室内设计中是跳动的音符，它将自己的感觉和知觉融入到了设计构思之中，用活动的艺术思维和凝固的技术手段，把它表现出来，构成了一个充满生机活力的空间[4] . 中国的室内设计风格 中国传统的建筑和室内设计，一般来讲是以木结构为主，其特点是梁柱承重，墙体起到围护的作用，室内空间较大，运用格扇门罩以及博古架等物件对空间进行多种划分，采用天花藻井，雕梁当柱，斗拱加以美化，并以中国字画和陈设艺术品等作为点缀，创造出一种含蓄而高雅的氛围，特别是经历了千百年的发展完善，形成了中国建筑室内固有的传统风格样式，其造型特征被称为中国“民族传统形式”并一直延续至今[1] . 中国传统建筑室内设计，通常还表现为室内对称的空间形式，在多数的宫殿和厅堂中，梁架、斗拱等都是以其结构和装饰的双重作用成为室内设计表现的一种艺术形象。从大量的宫殿建筑中的室内天花藻井、家具、陈设、字画、装修等多方面因素中，均可以把它们作为一个组合得较为完美的一个整体空间设计。室内除了固定的隔断外，还有移动的屏风、半敞开的罩、博古架等与家具相结合，对于组织空间起到了增加层次和厚度的作用。一般民居则较简朴、自由。在色彩的处理上，中国北方宫殿建筑室内的梁、柱常用红色，天花藻井并绘有多种多样的彩画，用鲜明吉祥的色彩取得对比调和的效果。中国南方的建筑室内风格则常用冷色调，白墙、灰砖、黑瓦，色调对比强烈，形成了江南特有的秀丽[2] . 中国室内设计流派 （1）新古典主义 采用民族传统的装饰手法，在现代结构、装饰材料、施工工艺、高新技术的建筑内部空间进行处理和装饰，同时采用陈设艺术手法来进行分割空间，装饰空间的设计，使中国传统的室内样式具有明显的时代特征，例如：1959年中国的十大建筑，特别是人民大会堂的室内设计和民族文化宫的室内设计，充分体现了以典雅的中国传统文化风格为基调的空间形象，都是运用新形式和古典风格结合的新古典主义作品。 （2）新地方主义 当今的建筑室内设计师在充分了解建筑所处的地域、自然环境与人文环境的基础上，进行大胆的创新设计，使原有的地方色彩带有明显的时代特征，使设计师在创作中更加显示了自己的艺术风格和自然的韵味。1982年，华裔建筑大师贝聿铭设计的香山饭店，其外部环境和室内设计均具有中国江南园林以及民居的地域文化特征，使人充分感受到了中国南方建筑室内设计的高雅和浓厚的文化品味，是新地方主义现代宾馆的典型范例。 （3）新少数民族风格 在现代建筑的内部空间中，象征性地表现少数民族建筑的人文文化特色内部空间形式，并在结构构件上较为直接地采用适当简化了的少数民族装饰图案，或以其图案所做的立题性标志，保持其民族色彩、家具饰品等特征，并选用少数民族陈设的艺术品装饰室内环境气氛，具有明显的少数民族风格特色，同时又具有现代文明特征，这一类设计风格被称为新少数民族风格。 （4）中国现代主义 现代风格的设计起始于19世纪下半期，经过一百多年的发展，现在已成为现代家庭装饰的主流。现代风格主张“功能第一”。为了适应现代人快节奏的生活方式，现代客厅特别强调它的实用功能，一般只需要沙发、茶几和组合电器装置，不再有观赏性强的壁炉或布艺窗帘等过分装饰。现代风格也是一种简朴淡雅式风格，它是以简洁明快为其主要特色。重视室内空间的使用效能，强调室内布置应按功能区分的原则进行，家具布置与空间密切配合；主张废弃多余的、繁琐的附加装饰，使室内景观显得简洁、明快，完美地反映出“少就是多”这一设计概念。从目前我国建筑室内设计方案中，在很大程度上借鉴和汲取了西方现代主义设计中的简洁、明快、洗练的设计风格，同时采用了色彩、质感、光影与形体特征的多种手法，其中也包括了把现代高新科技的装饰材料用于室内装饰装修上，由于在设计时充考虑到了本国国情、民族文化、风土人情以及经济技术条件等，因而设计出来的风格又带有中国设计文化的底蕴和特色，故为中国现代主义。 （5）后现代风格 后现代派的设计者们主张兼容并蓄，凡能满足当今居住生活所需的都加以采用。这种风格的室内设计，空间组合十分复杂，突破完整的立方体、长方体的组合，且多呈界限不清的状态。利用设置隔墙、屏风或壁炉的手法来制造空间层次感，使居室在不规则、界限含混的空间利用细柱、隔墙，形成空间层次的不尽感和深远感。他们还常将墙壁处理成各种角度的波浪状，形成隐喻象征意义的居室装饰格调。
吉他是一种拥有美妙乐音的箱弦乐器，它的历史源远流长。由于早期缺乏文字的记载，所以要想准确地说出吉他的起源和演变是相当困难的。十九世纪进入吉它的黄金时期，它的制作也经历了一个多元的时代，到了19世纪50年代西班牙制琴大师终于为吉他确定了弦长的尺寸、外形特征和用料，我们看到的现代吉他才真正地诞生了。
我知道中国的琵琶也曾是吉他的祖先
丰富多彩的拉丁美洲音乐 拉丁美洲指的是美国以南直到南美洲最南端的广大地区。面积相当于两个欧洲，包括墨西哥，中美洲，加勒比，南美洲四个部分，古代印第安人曾在这里创造了灿烂辉煌的玛雅、阿兹台克、印加三大文化。音乐在当时也得到了较高的发展。玛雅人的器乐与歌唱、舞蹈紧密地结合在一起，他们用敲击乐器较多，如用半个葫芦制成放在水盆中敲击的水鼓和用坚硬的长豆荚相互敲击的乐器，还有能吹出鸟鸣声的管乐器等。阿兹台克人则经常使用木鼓、竹笛、海螺和葫芦制成的摇铃。在印加人的音乐中，以排箫和竖笛著称，据说当时曾有多达百人的竖笛乐队为舞蹈伴奏。在印加贵族子弟的教育中，音乐是很重要的一部分。无半音的五声音阶是印第安人普遍采用的音阶。 经过300多年的殖民统治后，拉丁美洲的音乐文化发生了巨大的变化。由于大量欧洲（尤其是地处伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙）的音乐文化传播到了整个拉丁美洲。同时，来自非洲的黑人奴隶也带来了非洲的音乐艺术。长时期种族间的混血，也形成了各种新的混合民族。拉丁美洲的文化正是欧洲文化、印第安文化和非洲文化经过长期的碰撞、冲突、渗透、吸收后融合而成的一种统一而又多元的文化。它源于这三种文化而又不同于原有的文化，以崭新的面貌出现在世界上。从宏观的角度看，拉丁美洲音乐也是欧洲音乐、印第安音乐、非洲音乐的混合体。但由于混合的类型、层次、成份、程度各不相同，就形成了十分丰富、多种多样的音乐风格。如今，拉丁美洲音乐正以其色彩的丰富。节奏的独特，旋律的美妙，和声的浓郁，吸引着广大的音乐爱好者。它那无比的热情，充沛的活力，神奇的风貌，使世人为之瞩目。正如拉丁美洲伟大的革命家古巴诗人何塞·马蒂所说的：“这是一片用音乐和大自然秀丽景色装点的和谐和富有艺术的国土”。 拉丁美洲的音乐文化大致可分为三种类型：即印第安人音乐；以黑人音乐为中心的非洲--美洲音乐；以土生白人、混血人音乐为代表的拉美民间乐。 印第安人音乐大致可分为两类：一类是处于孤立偏僻地区印第安人的音乐，如亚马逊热带丛林区的印第安人。由于处于较原始的状态，其音乐比较简单；又如厄瓜多尔希法罗人的音乐只采用了三个音。巴西卡马尤拉人的音乐也比较简单，但却拥有世界上最长的管乐器--由两根植物茎（一长米、一长米）捆绑在一起的乐器，他们的音乐与舞蹈是紧密相连的，而且往往是在各种仪式、庆典上才表演。这些，对于研究音乐的起源和发展是很有用的。另一类是发展得较高的印第安人的音乐，如秘鲁、玻利维亚、厄瓜多尔等国的安第斯高原音乐，它是印加传统音乐的继承和发展。他们演奏的排箫、竖笛音乐很有特点，在表现高原印第安人的风情方面十分出色。庄严的太阳神颂歌，忧郁抒情的亚拉维情歌，欢快活泼的瓦衣诺舞曲，都是他们的创造。美妙动人的民间花腔女高音唱法一安第斯高原唱法是世界民间音乐中的瑰宝。印加古都库斯科被称为“美洲考古之乡”，每年6月24日是著名的太阳祭节日，在隆重的庆典上可以见到传统的印地安人音乐歌舞表演。玻利维亚高原的普诺也被誉为"美洲大陆民间歌舞之乡"。 黑人音乐亦称美洲--非洲音乐。这种音乐主要分布于加勒比海和巴西以及秘鲁、哥伦比亚、委内瑞拉的沿海地区。苏里南的原始森林中，逃亡的黑人奴隶和加勒比海的海地保存了较纯的非洲音乐。在巴西的巴伊亚地区和古巴、特立尼达多巴哥等国的黑人音乐，则受葡萄牙、西班牙文化的影响较多。美洲--非洲音乐的特点是节奏在音乐中起主导作用，切分很强烈，常采用多线条节奏，呼应式的歌曲，乐段结构不方整，使用欧洲乐器多，且偏爱敲击乐器。加勒比海流行的钢鼓乐就是黑人的创造。这是一种用汽油桶制作的旋律性敲击乐器。这种来自汽油桶的美妙音乐震惊了世界。巴西的桑巴、伦都和古巴的伦巴，加勒比海的卡立普索、曼波、恰恰恰以及秘鲁的马里涅拉、冬德达等舞曲，都是较典型的美洲--非洲音乐歌舞体裁。 拉美民间音乐指的是：主要受到欧洲音乐强烈影响的土生白人、印欧混血人的音乐。这类音乐直接来源于伊比利亚半岛，但在几百年的漫长岁月中己适应了拉丁美洲的风土人情，产生了变异。它基本保留欧洲音乐体系的基础（包括调式、和声、节拍、乐段结构等），但它那热情洋溢的风格，激荡人心的气氛，已根本不同于伊比利亚半岛的民族音乐了。这种音乐的特点是带有淡淡的怀乡、忧愁的色彩，重唱形式多，唱法放松，音色柔和抒情，采用3/4及6/8节拍多，乐段结构较方整，采用吉他很多。来自西班牙的竖琴在拉美也流行很广，但乐器音色变得嘹亮明快、"竖琴之国"巴拉圭还发展了用竖琴伴奏的独唱、重唱等形式。具有小吉他形状和曼陀林音域的恰朗戈（五弦琴）、蒂波里（三弦琴）、瓜德罗（四弦琴）等弹拔乐器都是欧洲音乐文化与印第安音乐文化巧妙结合的硕果，现已成为拉美音乐中不可缺少的乐器。在墨西哥还发展了一种溶吉他、小号、小提琴、低音吉他为一体的马里阿奇乐队音乐，特色鲜明，很受欢迎。 墨西哥的松，智利的库艾卡，阿根廷的探戈，秘鲁的秘鲁园舞曲等都是典型的拉美民间音乐歌舞体裁。
800~1000那叫作文，不是论文=。=论文一个序+目录+鸣谢+参考目录不算正文就要这点字了^_^古典吉他，有别于现在主流的民谣吉他——古典吉他多用尼龙弦，低音弦在尼龙外用青铜或者镀银铜丝缠绕，6根弦总张力约为38kg，几乎是民谣吉他的一半，所以手感较软，可以发挥出更高的切换、弹奏速度。古典吉他的琴颈较宽，通常在48~56mm之间，常见的是48~52mm，相对于民谣吉他43~44mm的主流宽度，古典吉他在演奏时可以发挥出更细腻更复杂的指法变化。加之尼龙的音色温润、均衡，不容易出现钢弦吉他低音弦、高音弦变化的突兀感，相对民谣吉他的弹唱古典吉他更适合独奏。此文着重介绍一下古典吉他的声木：1、面板面板是吉他最重要的一个部件，古典吉他亦然。面板对吉他的基础音色影响达到8成左右，可以说音色的主线条是由面板决定的。古典吉他最顶级的面板之一是德国云杉，或者说性能接近德国云杉的其他欧洲云杉。因为德国云杉已经非常罕见了，但是好在诸如意大利、南斯拉夫、瑞士等地也出产优秀的云杉，性能非常接近德国云杉。很多人喜欢拿欧洲云杉和美国的Adirondack云杉比，其实这两种云杉都是很优秀的云杉，性能上也确实有相近的之处，但音色上是有较大差异的，而且Adirondack是钢弦吉他的“圣杯”，而欧洲云杉虽然在钢弦吉他上也表现颇佳，但它原本是古典吉他的顶级用料，在钢弦吉他上使用的较少。欧洲云杉有着良好的基础音色，低音、中频、高音三频段也非常均衡，且具备优秀的泛音输出，使其在较大、较小不同力度演奏时都能发出清晰的音质。不会像英格曼云杉那样，用力稍大就出现“破”音，也不会像stika那样，用力小了就无法“驱动”导致音色单薄。正由于欧杉具备了相对比较全面又非常均衡的音色特性，因而与尼龙线搭配相辅相成，成为德国制古典吉他的首选面板。近年来，越来越多的制琴师发现雪松其实也是非常适合古典吉他的，甚至很多吉他爱好者误以为古典吉他就应该用雪松做面板，不应该使用云杉。其实不同的声木具有的独一无二的特性，没有绝对的好与不好，只有适合不适合音乐风格以及个人好恶的区别。云杉的音色是明亮的，而雪松则是温润、成熟的，雪松不像云杉那样要经历漫长的“开声期”。云杉的古典吉他要达到雪松新琴的那种音色成熟程度，估计要长达20年的开声期，当然云杉有云杉的优势，除了个性化的音色，云杉的硬度比雪松高出将近25%，寿命很长。而雪松也有缺点，那就是音色有些“混浊”，所以没有一把吉他是全能的，自己喜欢什么样的音色，不得不割舍某个特性，这是一个古典吉他爱好者在选购爱琴之前要反复思量的。2、背侧如果说面板决定了音色的主线，那背侧就是对音色的修饰、辅助、渲染。古典吉他的背侧和民谣吉他一样，多种多样，主流的有两种：玫瑰木是民谣吉他的首选背侧，古典吉他也不外乎如是。玫瑰木有着浑厚的低音，甜美的中频，丰富多彩的高音。铿锵有力的音色渲染，可以让尼龙弦原本缺乏力量感的缺陷得以弥补，使吉他的音色输出带有了那么一点“金属味”。如果说玫瑰木是“金属味”的典范，那桃花心就是“木味”的代表。桃花心木没有强大的低音，但是三个频段均衡，且中频输出非常优异，某种角度上来说如果尼龙、欧杉都是追求均衡的，那桃花心倒是一个很好的背侧选择。只是桃花心的音色和雪松一样，略显“粗糙”。当然音色是个很感性的商品，并不是说桃花心不如玫瑰木，很多问题都是先入为主的。比如巴西玫瑰木被砍伐殆尽而全球禁运，于是人们开始采用印度玫瑰木。其实印度玫瑰木也是非常优秀的声木，但是人们对巴西玫瑰木先入为主了，就总喜欢拿两者去比，总觉得印玫不如巴玫。但是平心而论，价格相差十几倍甚至几十倍，而音色的差别仅为5~10%，而且这其中说的是差别，不是优劣，其中是否值得只能交给各位琴友自己判断了。随便帮你码了一段，开头和结尾你自己整理下吧，放心吧，刚才随意写的，你老师查不到这篇东西的^_^
音乐毕业论文开题报告范文
在我们平凡的日常里，越来越多的事务都会使用到报告，不同种类的报告具有不同的用途。在写之前，可以先参考范文，以下是我帮大家整理的音乐毕业论文开题报告范文，欢迎大家分享。
论文题目：
古典吉他演奏中国民族音乐的实践
选题的依据和意义，研究的主要问题，拟达到的目的：
选题的依据和意义：有着悠久的历史传统中国民族音乐，是中华民族传统文化的重要组成部分。古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。被认为是吉他艺术的最高形式。古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。近年来，不少国内外的吉他演奏家都为古典吉他改编过中国民族音乐，其中不少作品取得了很高的艺术成就享誉国内外，不仅为古典吉他的曲目风格拓宽了方向，也为中国民族音乐的传播起到了积极的作用。顺应这种形式，需要总结古典吉他演奏中国民族音乐的实践，并探索其中的规律，为将更多的中国民族音乐改编为古典吉他曲和创作带有中国民族音乐特色的古典吉他曲提供参考。
研究的主要问题：
（一）中国民族音乐的特点和风格。
1、中国民族音乐的形态。
2、中国民族音乐的种类和特点。
（二）古典吉他的特点。
1、古典吉他的音色，和声等特点。
2、古典吉他的演奏技巧特点。
3、古典吉他不同民族曲目风格的列举。
（三）分析古典吉他演奏中国民族音乐的实践。
1、列举古典吉他演奏中国民族音乐的乐曲。
2、分别对乐曲改编前后的各种特点进行分析，对比，从而剖析古典吉他演奏中国民族音乐的可行性和特点。
3、依据分析探讨古典吉他演奏中国民族音乐的实践规律。
拟达到的目的：通过总结古典吉他演奏中国民族音乐的实践，并探索其中的规律，为将更多的中国民族音乐改编为古典吉他曲和创作带有中国民族音乐特色的古典吉他曲提供参考。进而促进古典吉他曲目风格的发展，并通过古典吉他演奏的中国民族音乐促进中国民族音乐的传播。
研究方法、研究步骤：
方法：
1、到图书馆或上网查询相关资料，并下载曲目和曲谱。
2、总结归纳与同学交流，并视奏相关曲目。
3、由论文指导老师指导并与同学讨论。
步骤：
1、收集与题目相关资料。
2、与论文指导老师交流进行论文写作的展开。
3、归纳总结研究结果，撰写论文。
研究工作进展计划：
20xx年3月收集论文资料，开始写初稿。
20xx年4月-5月完成论文初稿，接受中期检查。
20xx年5月修改、完成论文定稿。
20xx年6月完成论文《古典吉他演奏中国民族音乐的实践》的撰写。
一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：
音乐表演是音乐存在的活化机制，无论在任何音乐行为方式中，音乐表演都使整个音乐活动处于激活状态。表演可使作品得到介绍、传播、完善、获得长久的生命力。音乐表演的目的不是引起有声调声觉的声波运动，而是通过内在的情感动态形式的注入，引起深层心理体验，赋予无生命的形式以生命的活力，给人以人性的体验。音乐表演的二度创造，就是通过表演者对音乐的理解、投入感情，再次赋予音响的动态结构以生命的形式，即充满着丰富情态意味的音乐运动。
二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：
主要内容：
音乐是一种表演艺术，在表现方式上与非表演艺术很不相同。而音乐表演艺术则不同，他必须通过表演这个环节，才能把艺术作品传达给欣赏者，实现艺术作品的审美价值。而音乐表演中根据艺术表现的需要，使表演者的对于投入的情感能做到呼之即出，挥之即去，达到挥洒自如、变化有序的境界，真正成为音乐表演所需要的情感。他有表演的真实情感作为种子，同时它又是经过提炼，升华了的与音乐中的情感内涵融为一体的。应该说，只有这种艺术化了的情感，才是音乐表演所需要的。
主要问题：
1、什么是音乐表演艺术及意义。
2、音乐的表现与精神性内涵。
3、音乐表演的二度创造本质——情感体验。
4、音乐表演的情感体验——投情。
5、音乐表演—赋予情感以生命。
6、音乐表演中审美情感的体验。
7、对于音乐表演者的技巧与表现统一的要求。
三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：
步骤：
1、大量阅读古筝方面的文献和著作;
2、找出有价值的课题;
3、依据论题精确寻找相关资料;
4、论文撰写;
5、在老师的知道下进行修改;
6、定稿并准备论文答辩。
措施：
1、在图书馆和上网查阅相关资料文献;
2、真理原有资料;
3、请教知道老师，与同学交流探讨本论题。
进度安排：
1、XX年11月-12月初：查阅相关的资料;
2、XX年12月中旬：确定选题;
3、XX年12月底：写开题报告并准备开题答辩;
4、XX年1月-3月：开始正文协作，完成初稿;
5、XX年3月-4月：修改完善文稿;
6、XX年5月：论文答辩。
四、主要参考文献：
[1]王次沼著:《音乐美学通论》人民音乐出版社
[2]修海平,罗小平著:《音乐美学基础》上海音乐出版社
[3]苏珊郎格:《情感与形式》中国社会出版社
一、开题报告的主要内容。
通常情况下，学士学位论文的开题报告中涵盖了以下内容：拟选题目、选题依据与研究意义、选题的研究现状、拟研究的主要内容和思路、研究的创新点及重难点、研究进程安排、主要参考文献。
1.拟选题目。
拟选题目，即作者要研究的核心问题。特别需要注意的是拟选题目和研究方向不同。研究方向是选定专业中的某一领域作为研究范围，而拟选题目需要对研究范围加以限定，明确要回答的具体问题是什么。也就是说，拟选题目是在研究方向的基础上对某一问题的针对性研究。如“小学音乐课堂教学的有效性”是一个研究方向，如果在此基础上拟定论文题目的话，就要对其进行进一步的限定，如“如何以学生为主体实现音乐课堂教学的有效性---以小学三年级为例”.该论文题目与研究方向相比，加入了“以学生为主体”、“以小学三年级为例”两个限定词之后，其研究对象、研究范围通过研究要回答的问题在题目中一目了然地呈现出来。
在论文题目的选择上，“一个好的选题必须遵循两大标准：专业标准和问题标准。何谓专业标准？
即一个选题必须在该生所攻读的专业范畴之内，必须是本专业公认的研究问题。何谓问题标准？即一个选题必须是一个值得研究的好问题。”[1]彭玉生提出了“好问题”的四个评判标准：“具体、集中、原创、意义。”[2]
2.选题依据与研究意义。
选题依据陈述的核心是为什么选这个题目，出于何种考虑选择此研究对象，并说明研究对象的典型性和特殊性。研究意义可以理解为研究目的，需要说明：通过研究回答什么问题，选择什么方法展开研究，其研究对音乐实践或音乐理论有何现实指导意义。
选题依据和研究意义是从两个不同层面对论文选题展开陈述，二者不可混为一谈。实际陈述中要求做到具体、客观，具有针对性，语言表述具有密切的逻辑联系。切忌语言表达的空洞、抽象。如某音乐学专业学生的学位论文论题“浅析京剧类节目在央视春晚的生存现状”的选题依据陈述如下，较好地达到了上述要求。
京剧作为中国传统文化的精粹，蕴涵着深厚的文化底蕴和艺术内涵。京剧艺术号称“唐三千宋八百”.从1983年央视春节晚会首次举办以来，央视春晚逐渐发展成向全世界展现我国民族音乐文化的重要窗口。京剧在首届春晚中占据着举足轻重的地位，并成为历届春晚的保留节目。可是随着时间的流转，京剧在春晚节目中呈现出：时间与比例减少，剧目选择范围狭窄，演唱演员与演出方式的固定性、程式性体现不完善等发展趋向，体现了京剧在央视春晚的地位不容乐观。梅葆玖先生认为振兴京剧应在细节和实处着手。他说：“我不反对歌舞类节目多一些，以迎合80后、90后的观众。但在民族的大节日、大晚会上，就应该给国家最传统、最正规的节目一个展示的机会，哪怕在黄金时段唱10分钟也好啊”.
3.选题的研究现状。
选题的研究现状是对本论题已有的研究成果的总结、综述，即文献综述。从搜集到的资料中找出与本论题密切关联的有意义、有价值的文献资料，如论文、期刊文章、专著等进行总结、评述，其目的是让研究者在充分认识和理解前人的研究思路和研究成果的基础上，探寻和明确本论题可以进一步研究的方向，找出已有研究成果对当下研究的启迪和指导。
由此看来，文献综述是确保论题具有可行性和实际研究意义的前提，是论文质量与水平的重要保障。
要做好文献综述，不仅需要注意搜集资料的全面性、完整性，更要把握其中的“综”与“述”的关系。
文献综述中的常见问题是对搜集到的所有资料进行记“流水账式”的面面俱到的记录，缺乏对资料的判断、筛选和大胆评论。需要明确的是：“综”是对已有的研究成果有目的、有层次的归纳整理，“述”是对归纳整理的文献进行大胆、深入的评述。“综”是“述”的前提，“述”是在“综”基础上的提升。“述”可以是肯定的，也可以是否定的，要做到有理有据，切忌无话找话，流于形式。
4.研究的'主要内容和思路。
拟研究的主要内容和思路是在继承前人的已有研究成果的基础上，陈述研究者计划从哪些方面对此问题进行研究，如何展开研究，具体步骤是什么。
当研究者对以上问题有了清晰的把握，并通过文献综述明确了前人已有研究成果，那么，拟研究的主要内容和思路将在论题的逻辑推理过程中清晰、具体的展现出来。
从形式上来说，开题报告中拟研究的内容是研究问题的具体化，而论文提纲是研究内容最为直观的陈述方式。“撰写提纲是作者思路定型的过程，是作者对全文的总设计，是作者思路外部形态的一种体现。”[3]89通常情况下，论文提纲包含：标题与副标题、中心论点、分论点、层次段落与所用的材料。提纲的常见形式有：简略提纲和详细提纲。在开题报告的“拟研究的主要内容”这一环节中，建议以详细提纲的形式进行陈述。内容详实的论文提纲有助于研究者明确思路、贯通文脉；有助于开题过程中指导教师全面了解研究者的思路，并提出合理建议。
5.研究的创新点及重难点。
创新点是衡量一篇论文学术含量和水平的重要因素。“从内容上看，创新性的音乐论文应该是在所研究的课题范围内对某些旧观念的否定，并提出新的见解，在实地调查和分析的基础上有新的发现和新的进展，并能把一些分散的材料进行系统化处理，用新的观点、新的见解加以论证而得出新的结论。”[3]35简单说来，创新点的陈述突出的是与前人的研究相比，研究者用什么方法，从什么切入点，或使用什么论据进行研究得出结论。相对于硕士或博士论文，学士学位论文对创新性的要求较低。特别是结论的创新对本科阶段的学生较难，但研究方法、研究思路、论据等某一个方面的创新，在论文写作过程中是可以实现的。
研究的重点、难点是与研究者的研究思路、拟研究的主要问题密切相关的，研究者在明确研究思路和具体研究内容的基础上，根据本人对论题的认识和把握，找到个人思路中的重点、难点，并进行详细的陈述。
6.研究进程安排。
对于本科阶段的学位论文，研究进程设计的主要目的是让学生从时间上明确论文工作的整体安排，促进学生在时间和精力上有足够的投入，以确保学位论文顺利完成。
7.主要参考文献。
参考文献是衡量一个论题学术价值的重要因素，也是考查论题选题依据、研究意义、研究内容、创新性的重要依据。没有参考文献或参考文献不全的开题报告犹如无源之水，既无法对论题的可行性做出推理分析，也无法在继承前人研究基础上推动对论题的研究。开题报告中参考文献的呈现应特别注意各个学校对其格式、形式的具体要求。
二、各项内容之间的逻辑关系。
在清楚了开题报告的基本内容之后，还需要明确各项内容之间的逻辑关系。开题报告中的七项主要内容中，除研究进程安排、主要参考文献以外，其他五项内容：拟选题目、选题依据与研究意义、选题的研究现状、拟研究的主要内容和思路、研究的创新点及重难点存在着内在逻辑关系。
拟选题目，也就是论题，处于内在逻辑关系的中心，选题依据与研究意义是研究者对论题的典型性、特殊性及研究目的的把握，选题的研究现状是研究者对前人研究成果的总结、评述，拟研究的主要内容和思路是研究者在继承前人研究成果的基础上对论题的进一步深入研究，创新点和重难点是深入研究的具体呈现。在选题的研究现状与选题依据、研究意义、主要内容和思路的对比中，才能突显和说明研究者的创新。反之，研究者只有在全面搜集资料和掌握、借鉴前人已有研究成果的基础上，才可能在自己的研究中有所突破和创新，并形成研究内容中的重难点。
对开题报告各项内容的内在逻辑关系的把握，有助于学生在开题报告的写作中建立逻辑思维，用整体的观念对待开题报告。
以上是笔者根据近几年的《论文写作》课程教学实践积累，对音乐学专业学士学位论文开题报告的一点思考。当然，要写好开题报告，除了建立对开题报告内容及其逻辑关系的正确认识之外，还需要教师和学生在思想上高度重视开题报告的撰写，在学生的写与教师的改中，伴随着整个学士学位论文工作的展开不断修改、完善，真正实现开题报告对学士学位论文写作的意义。
参考文献：
[1]傅利民。音乐论文写作基础[M].上海：上海音乐学院出版社，2004.
[2]陈明道。音乐学：历史、文献与写作[M].北京：人民音乐出版社，2004.
[3]李虻，姚兰。音乐论文写作[M].重庆：西南师范大学出版社，2007.
我知道中国的琵琶也曾是吉他的祖先
吉他是一种拥有美妙乐音的箱弦乐器，它的历史源远流长。由于早期缺乏文字的记载，所以要想准确地说出吉他的起源和演变是相当困难的。十九世纪进入吉它的黄金时期，它的制作也经历了一个多元的时代，到了19世纪50年代西班牙制琴大师终于为吉他确定了弦长的尺寸、外形特征和用料，我们看到的现代吉他才真正地诞生了。
我简单介绍下于吉他简史: 吉他是一件非常古老的乐器，它的历史远远超过钢琴与小提琴。早在公元前3000年的古埃及就出现了里拉琴—吉他的雏形。由于吉他的演变不是单线发展又缺乏早期文字记载，从里拉琴到现代吉他的发展已是众说纷纭，有两种比较权威的说法：1吉他起源于亚细亚的鲁特琴，通过埃及、波斯、阿拉伯半岛，在公元8世纪左右传到西班牙。2美索布达米亚发现的长颈鲁特琴逐步发展演变成现代吉他。 12世纪的西班牙主要流行两种吉他：拉丁吉他和摩尔吉他（四弦吉他）。 16世纪又出现比维拉琴，演奏方法有用拨片、手指和弓子三种。在这一时期出现许多伟大的比维拉琴演奏家如：米兰、穆达拉等。 当西班牙的比维拉琴处于顶峰时，欧洲其他地方的鲁特琴发展活跃并出现了许多作曲家与演奏家，著名的有：加利略（意大利天文学家加利略的父亲）、高第埃尔、约翰多兰等。随着17世纪末的羽管键琴的出现，鲁特琴销声匿迹了。在此期间西班牙的比耐尔给拉丁吉他加上了第五根弦。1586年阿拉特发表了一部吉他教程，使五弦吉他迅速发展到欧洲其他地区。 18世纪巴洛克与洛可可时期，键盘乐与弓弦乐的发展达到高峰，而吉他却处于停滞阶段。 18世纪末19世纪初，吉他开始复兴。这一时期涌现出无数吉他史上伟大的音乐家：索尔、阿瓜多、朱利亚尼等，他们创作了大量丰富珍贵的吉他作品，有些至今还做为吉他演奏会上的优秀曲目。当时还有韦伯、柏辽兹、帕格尼尼等音乐大师演奏吉他并为其作曲，特别是帕格尼尼曾为吉他写了43首短曲，100多首其他类型的作品，此外还有三重奏四重奏等。 19世纪中期由于钢琴与交响乐的兴盛，吉他再度步入十年衰退期。 19世纪初吉他被加上了第六根弦，50年代西班牙吉他制作家托列斯确定了现代吉他的标准，现代吉他真正的诞生了。 19世纪后期，出现一位伟大的吉他音乐家，被称为“现代吉他之父”的泰雷加(Franciso Tarrega)，他深入研究吉他的表现力，成功地把巴赫、贝多芬、肖邦等大师的作品改编为吉他曲，大大丰富了吉他曲目。他建立了自己的教学体系，创作出大量的练习曲，教出了柳贝特、普霍尔等弟子，并靠他们影响了20世纪几乎所有的吉他演奏家。 20世纪前期泰雷加的弟子们为吉他的复兴做出了巨大贡献，而吉他真正的繁荣当归功于史上最伟大的吉他演奏家、教育家塞格维亚（ Andres Segovia）。他的贡献主要有三个：1用吉他来演奏著名的钢琴、小提琴曲，此举在音乐界造成极大的轰动与影响，最终使吉他达到世界三大乐器之一的历史最高地位。2到世界各国巡回演出并进行交流，使世界各地的音乐家和人民认识到吉他这件乐器的魅力，带动了大量作曲家为吉他作曲，如：庞塞、维拉罗勃斯、罗德里戈等。3他奔走于世界各地的音乐院校，设立了古典吉他专业并进行教学，他的学生约翰·威廉斯、朱利安·布里姆、帕肯宁、迪亚士、托马斯等人都是当今世界级吉他演奏大师。塞格维亚的功绩使他与现代派画家毕加索、大提琴家卡萨尔斯并称为西班牙鼎足而立的艺术大师。 当代著名作曲家罗德里戈的两首吉他协奏曲：《阿兰湖埃斯》与《为某绅士而作的幻想曲》是吉他艺术史上的一个里程碑，向世人证明了吉他的多种性能与丰富的表现力。此外，卡斯泰尔诺沃-泰代斯科、图里那、托罗巴等优秀的作曲家也写出了一批艺术性很强的吉他乐曲，二十世纪的吉他走向了全面的复兴。 二十世纪优秀的吉他作曲家、演奏家不断涌现。作曲家有巴拉圭的巴里奥斯、古巴的布拉维尔等。演奏家有西班牙的耶佩斯、英国的布里姆和澳大利亚的威廉斯等。 从二十世纪开始吉他音乐明显的向着多元化发展，无论是吉他的演奏风格、吉他音乐的形式以及乐器本身都出现杂沓纷繁的现象。这是我毕业论文关于吉他历史的简短介绍,希望对你有帮助
800~1000那叫作文，不是论文=。=论文一个序+目录+鸣谢+参考目录不算正文就要这点字了^_^古典吉他，有别于现在主流的民谣吉他——古典吉他多用尼龙弦，低音弦在尼龙外用青铜或者镀银铜丝缠绕，6根弦总张力约为38kg，几乎是民谣吉他的一半，所以手感较软，可以发挥出更高的切换、弹奏速度。古典吉他的琴颈较宽，通常在48~56mm之间，常见的是48~52mm，相对于民谣吉他43~44mm的主流宽度，古典吉他在演奏时可以发挥出更细腻更复杂的指法变化。加之尼龙的音色温润、均衡，不容易出现钢弦吉他低音弦、高音弦变化的突兀感，相对民谣吉他的弹唱古典吉他更适合独奏。此文着重介绍一下古典吉他的声木：1、面板面板是吉他最重要的一个部件，古典吉他亦然。面板对吉他的基础音色影响达到8成左右，可以说音色的主线条是由面板决定的。古典吉他最顶级的面板之一是德国云杉，或者说性能接近德国云杉的其他欧洲云杉。因为德国云杉已经非常罕见了，但是好在诸如意大利、南斯拉夫、瑞士等地也出产优秀的云杉，性能非常接近德国云杉。很多人喜欢拿欧洲云杉和美国的Adirondack云杉比，其实这两种云杉都是很优秀的云杉，性能上也确实有相近的之处，但音色上是有较大差异的，而且Adirondack是钢弦吉他的“圣杯”，而欧洲云杉虽然在钢弦吉他上也表现颇佳，但它原本是古典吉他的顶级用料，在钢弦吉他上使用的较少。欧洲云杉有着良好的基础音色，低音、中频、高音三频段也非常均衡，且具备优秀的泛音输出，使其在较大、较小不同力度演奏时都能发出清晰的音质。不会像英格曼云杉那样，用力稍大就出现“破”音，也不会像stika那样，用力小了就无法“驱动”导致音色单薄。正由于欧杉具备了相对比较全面又非常均衡的音色特性，因而与尼龙线搭配相辅相成，成为德国制古典吉他的首选面板。近年来，越来越多的制琴师发现雪松其实也是非常适合古典吉他的，甚至很多吉他爱好者误以为古典吉他就应该用雪松做面板，不应该使用云杉。其实不同的声木具有的独一无二的特性，没有绝对的好与不好，只有适合不适合音乐风格以及个人好恶的区别。云杉的音色是明亮的，而雪松则是温润、成熟的，雪松不像云杉那样要经历漫长的“开声期”。云杉的古典吉他要达到雪松新琴的那种音色成熟程度，估计要长达20年的开声期，当然云杉有云杉的优势，除了个性化的音色，云杉的硬度比雪松高出将近25%，寿命很长。而雪松也有缺点，那就是音色有些“混浊”，所以没有一把吉他是全能的，自己喜欢什么样的音色，不得不割舍某个特性，这是一个古典吉他爱好者在选购爱琴之前要反复思量的。2、背侧如果说面板决定了音色的主线，那背侧就是对音色的修饰、辅助、渲染。古典吉他的背侧和民谣吉他一样，多种多样，主流的有两种：玫瑰木是民谣吉他的首选背侧，古典吉他也不外乎如是。玫瑰木有着浑厚的低音，甜美的中频，丰富多彩的高音。铿锵有力的音色渲染，可以让尼龙弦原本缺乏力量感的缺陷得以弥补，使吉他的音色输出带有了那么一点“金属味”。如果说玫瑰木是“金属味”的典范，那桃花心就是“木味”的代表。桃花心木没有强大的低音，但是三个频段均衡，且中频输出非常优异，某种角度上来说如果尼龙、欧杉都是追求均衡的，那桃花心倒是一个很好的背侧选择。只是桃花心的音色和雪松一样，略显“粗糙”。当然音色是个很感性的商品，并不是说桃花心不如玫瑰木，很多问题都是先入为主的。比如巴西玫瑰木被砍伐殆尽而全球禁运，于是人们开始采用印度玫瑰木。其实印度玫瑰木也是非常优秀的声木，但是人们对巴西玫瑰木先入为主了，就总喜欢拿两者去比，总觉得印玫不如巴玫。但是平心而论，价格相差十几倍甚至几十倍，而音色的差别仅为5~10%，而且这其中说的是差别，不是优劣，其中是否值得只能交给各位琴友自己判断了。随便帮你码了一段，开头和结尾你自己整理下吧，放心吧，刚才随意写的，你老师查不到这篇东西的^_^
你起码要说什么派的吧....是浪漫派的....还是什么....不然怎么想啊.....
《大地之歌》，取自马勒同名交响乐
我有一篇完成了的~要就联系我~
Sinergy Sinergy绝对是一只非常奇怪的乐队，这是一只由一群著名的极端乐手组成的乐队，乐队核心——女主唱Kimberly Goss曾经在Dimmu Borgir等多只乐队效力，主音吉他手是来自Children of Bodom（死神之子）的主唱兼主音吉他——Alexi Laiho（现在是Kimberly Goss的丈夫）。所以Sinergy的曲风和Children of Bodom有少许相似。可是他们在sinergy里的表现却估计会让n多极端乐迷们大跌眼镜，因为这只乐队只有从封面，内页乐手的打扮表情能让人嗅到一丝的Death/Black/Gothic感觉，音乐却是不折不扣的Power风格。 Uaral uaral乐队（智利）成立于1996年,98年发行过一张demo, 2005年推出第一张正式专辑《Sounds of Pain》。2007年《Lamentos A Poema Muerto》。在乐队中Aciago 负责乐器的演奏, 而Caudal表演人声. 他们两人的家庭都打着被流放的烙印, 被政府镇压后流放到智利南部做农奴. 这种命运带来了他们深入骨髓的痛苦. 面对无语的大山, 河流, 树木, 这里寻找不到希望也寻找不到爱, 音乐是孤独的他们唯一能减轻痛苦的安慰. 对自身命运的乖蹇, 对国家前途的绝望和追求自我内心的平静的愿望构成了Uaral独一无二的音乐. 许多人将Uaral 视为一只金属乐队, 但用他们自己的话说, 他们自己在创作时并没有留意采用哪一种音乐形式是最好的, 采用每一种音乐的形式, 只是为了符合一种感情的表达. 所以他们认为自己并非是金属乐队, 而是歌特厄运金属农夫. 实际上我觉得他们既不属于阴暗类音乐, 更不是极端音乐. 他们表达的是一种常人之情, 只是命运将他们置于非常人所经历过的困境, 因而他们的痛苦, 绝望比普通人更加强烈. 和某些黑暗类音乐所表达的扭曲意识, 有着本质上的区别. Marduk 不像诸如Cradle Of Filth（后期）之类的流行Black Metal乐队那样，Marduk在所有黑金属乐迷的心中始终处于一个相当高的地位而不可撼摇。我想这里面很大的原因就是乐队始终保持着不变的风格和一贯 坚持的纯粹黑金属路线，成立10多年来没有像其他同辈乐队一样在后期加入大量的交响/键盘因素，使得Marduk的音乐自从第一张专集《[fuck Me Jesus》起到现在一直是那么的极端、纯粹、原汁原味。 这三个是最近听的很多的都不错，你试试看，我也是从小就听，不过金属听得多了你该换换口味，听听黑暗民谣，中世纪音乐，天国人声什么的，大多数喜欢以泪洗面的人都会喜欢Sopor Aeternus 的，你也可以试一试 国内的金属现在也很好啊，像零壹，颠覆M，冥界，爆浆，血腥高潮，206&思想者，霜冻前夜这些都不错 多看看杂志吧像重型音乐，那里面会找到很多你感兴趣的乐队 我初中的时候还有极端音乐的，可惜只出了十四期，不过金属不死！！！！！（补充一句，少看毛片多听金属的 Vikeel 真的很霸道听的真多，佩服佩服）
R&B目前在国内是没有纯正的,纯正的R音乐在中国是不会有市场的,毕竟各国文化不同 但这些所谓华语R歌手也不乏出色者,华语R&B首推陶喆,其他象胡彦斌,张智成,李玖哲都很出色,王力宏有些歌曲也很有R的味道,但他近年以hip-hop为主,听多了会受误导. 对了,说R&B不能忘记JAY,他只是在打着R的旗号在做商业音乐,如果象他的歌迷那样把他看做华语R的代表,那一可就永远都不知道什么是R&B了 目前国际上最纯正和优秀的R&B歌手是USHER,还有他的老师BABYFACE,CRAIG DAVID都是十分优秀的,好了就说到这了 歌手简介：21世纪的开端，芳龄23岁的德国女生Sarah Ccnnor，以甜美、带劲的节奏蓝调歌唱实力开始征服欧洲乐坛，祖父的纽澳良血缘让她在幼年时期即深受蓝调灵魂乐的薰陶，14岁时开始在教堂唱诗班担任演唱，并在学校演唱音乐剧，15、16岁便以试唱带向各大音乐厂牌投石问路。 2001年春季，Sarah Connor以挑动情欲的处女单曲“Let’s Get Back To The Bed Boy”，绽放狂野性格，歌曲强势占领德国排行榜亚军，并挥军直入欧陆各国排行榜TOP 10，抢攻欧洲流行单曲榜TOP 15；第二首单曲“French Kissing”转而释放灵魂乐的性感魅力，同年底改走情歌路线，推出感人恋曲“From Sarah With Love”成绩益发耀眼，光在德国就卖出75万张，歌曲轻易摘下德国榜冠军后座，窜登欧洲Music & Media排行榜TOP 5，并在瑞典与奥地利创造金唱片开出销售红盘；紧接着首张大碟《Green Eyed Soul》更上层楼，不但直袭德国专辑榜亚军，也攻克荷兰、波兰、芬兰、葡萄牙、希腊等国排行TOP 10。 2002年3月，Sarah Connor获颁德国乐坛最高荣耀的Echo音乐奖最佳流行摇滚女歌手大奖，稍后更勇夺Goldene Europe音乐奖最成功女歌手奖。美国嘻哈大将Wyclef Jean耳闻Sarah歌唱魅力，特地跨刀制作谱写并合唱一曲“One Nite Stand(Of Wolves And Sheep)”，Sarah Connor已然跻身全球节奏蓝调歌后之林。 我自己非常喜欢这位女歌手,她的声音总是能吸引我继续听,而且没有丝毫的厌倦,这就是她的魅力所在． Cassie - Me and U (节奏,如果你有有节奏的歌推荐给我哦,最近想听捏) sarah connor - Every moment of my life (最近最爱这个歌) Dido - Thank you (不赖哦) 玛丽亚凯利 - We belong together, Sarah connor - Love is color blind, Darren Hayes - Creepin' Up On You 何谓蓝调？很简单我们就可以从字面上来了解了，英文是 Blues ，意思就是蓝色，而蓝色又被我们约定为是忧郁的代表颜色，自然表达忧郁的音乐调式就成为了蓝调。而且从音乐发展的角度上来说，它更是和各种音乐发展，尤其是欧美音乐发展，有着密不可分的联系，与各类音乐有着千丝万缕的必然关系。 Blues 音乐是居住在美国的黑人在艰难困苦的生活中创造出的音乐风格，在当时的社会发展过程中，黑人被视为底层的劳动人民，在他们苦难的历史中孕育出了这种伟大的音乐形式，和他们当时所处的社会地位形成了鲜明的反差。它发源于密西西比河的三角洲地带，起源于 20 世纪初，早期为人们劳作时的劳动号子。 Blues 最初主要是人声的叙述，在歌中即兴的把生活中的苦闷和快乐统统唱出来，在后来的演变发展过程中才加上了乐器的伴奏，一般都是用木吉它和口琴。它的产生对当时的爵士乐、摇滚乐、乡村乐和西方音乐都有相当大的贡献。可以说是西方音乐的重要组成部分。 在上个世纪的 20 年代， Blues 以它个性的歌词、和谐的节奏以及忧郁的旋律逐渐兴起。 Blues 音乐中包含了很多诗一样的语言，并且不断反复，然后以决定性的一行结束。从音乐专业角度来说，它的旋律的进行以和弦为基础，以 I 、 IV 、 V 级的 3 个和弦为主要和弦， 12 小节为一模式反复。旋律中，将主调上的第 3 、 5 、 7 级音降半音，使人有着苦乐参半、多愁善感的感觉冲击，相对于流行音乐来说更具有人性化的反应和思想上的深度。 虽然 Blues 音乐中主唱是焦点，但是乐器的即兴演奏也是非常精彩的。乐器演奏者可以超越和弦的界限随意发挥，除了旋律的忧郁动听外，还包括小刀刮擦声和滑棒使用的声音，以及模仿主唱的哼唱声。 而 BLUES 也象其它的音乐一样，在它的发展过程中开始逐渐划分出了不同类型，这些必要的划分有的是根据地域性来划分的，有的是从音乐本身因素来划分的。最早的 Blues 被称为乡村或三角洲 Blues ，是由 19 世纪南方的乡下人兴起的。尤其是在美国独立解放之后，当时的巡回歌手、吉他手、还有口琴的演奏者，开始有意识的发展这种音乐，并且把关于爱情、自由、性和生命的悲痛融入到了 Blues 音乐中。早期重要的音乐家有 Charlie Patton 、 Son House （发明了滑棒）和 Robert Johnson ，也是他们开创了当时乡村 Blues 的先河。 当美国的黑人搬到象 Memphis 和 New Orlean 的都市中去打工的时候， Blues 也随之而来地被更多的人听到和接受，这种源于平民百姓的音乐有了它的更多受众群体，逐渐转为更大程度上的都市化现象。进入都市的 Blues 通常以男、女性歌手在钢琴或是爵士乐团的伴奏下演唱， Blues 的名声越来越大，同时也赢得了一定程度上的商业契机。不久，一些唱片制作商开始为 Blues 歌手出版作品，如 ’s1914 年出版了《 St. Louis Blues 》、 Mamie Smith1920 年出版了《 Crazy Blues 》。随着 Blues 音乐的发展，爵士乐和流行音乐也开始借鉴它的旋律，并且拥有了大批的听众。从某种程度上来说当时的很多 JAZZ 歌手和流行音乐人都搭上了 Blues 的顺风车。这一阶段，也就自然而然的派生出了古典 Blues 。 在第二次世界大战后， Blues 的中心已经移到象芝加哥这样的大城市，在那里云集了许多著名的音乐家。当时，著名的 Blues 音乐家 和 Buddy Guy 尝试用加了扩大器的电吉他以及磁鼓来加强声效。而在 50 年代，这种风格被许多白人音乐家所认可。十几年后，吉他大师 Eric Clapton 又继续将 Blues 音乐发扬光大。同时 R&B 也逐渐兴起，并被白人音乐家所接受，如 Elvis Presley 和 Bill Haley 就把 R&B 带入了摇滚乐。英国著名乐队 Rolling Stong 、 Led Zeppelin 也是从 Blues 音乐起家，而后渐入重金属摇滚乐的。如果是摇滚音乐是一个人体结构的话，那么无疑 Blues 就是这个躯体的灵魂。电声 Blues 的时代到来了！ Blues 音乐发展到今天，已经逐渐被纳入主流音乐的行列，他的许多元素被更多的运用到摇滚乐及流行音乐中。但是传统的 Blues 音乐还是有着强大的实力.以下为主要分类: 跳跃蓝调 (Jump Blues) ：在摇摆年代，大型乐队爵士、蓝调、福音音乐和“布吉沃吉（ Boogie-Woogie ）钢琴”全部结合起来，成为了“跳跃蓝调”。 Cab Calloway 唱新鲜有趣的歌曲时，更强调了旋律。 Slim Gaillard 则“说”唱出另人捧腹的超现实主义歌曲，而他的乐队应和着喊叫着。 Louis Jordan 也掌握了这种高能量的跳跃蓝调，同时 Louis Prima 又结合了 Louis Armstrong 的人声变化和小号技巧。跳跃蓝调的西海岸版很大程度地受比较轻松的 Nat Cole 的爵士三人组影响，用老练的音乐和歌词代替了强劲的能量。受正规古典音乐培训过的歌手、钢琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳跃蓝调影响了节奏蓝调（ R&B ）和摇滚使成为美国派对的主流音乐，后来又成为 90 年代摇摆复兴的主要元素。 口琴蓝调 (Harmonica Blues) ：由 Sonny Boy Williamson II ， Lazy Lester 和 Jimmy Reed 倡导的，然后由 Little Walter 和 Junior Wells 带入 20 世纪后期。口琴蓝调以蓝调口琴为核心。 Little Walter 在芝加哥发展了该风格的电子版，而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏连颈口琴。在以后的几年中， Paul Butterfield 和 Bob Dylan 也把口琴融入到民谣、摇滚和蓝调复古。 电子蓝调 (Electric Blues) ：简单来说，只要插了电，就是电子的了。虽然电子蓝调以电吉他的使用为标志，它也同样以电贝司为标志——拾音器（用来放大原声乐器的一种装置）被装到大提琴和原声吉他中。从战后的悲曲大师 Little Walter 到电吉他高手 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是电子蓝调传统的代言人。 三角洲蓝调 (Delta Blues) ：三角洲蓝调大多用原声吉他演奏，是蓝调的一种原形。其代表人物包括富有传奇色彩的 Robert Johnson ，芝加哥蓝调的缔造者 Muddy Waters ，口琴师 Sonny Boy Willianson II 和蓝调之王 John Lee Hooker 。其特点为充满热情的歌词和人声，通常独奏，也有一些小的组合，如 Willianson 的各种组合，也曾有过灌录唱片。 经典女性蓝调 (Classic Female Blues) ：女性在 1920 年开始接触蓝调。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith ，她们创作了许多尖锐而又自信的作品。以后的音乐家如 Billie Holiday 则降低了尖锐性，但同样真实地反映了她们的生活与关系。 乡村蓝调 (Country Blues) ：是一种起源于美国南方和中西部的大部分由原声吉它演奏的蓝调。乡村蓝调利用了从早期的滑音吉它到指拨演奏的独奏、二重奏和弦乐合奏。先锋者 Skip James ， Brownie McGhee ， Lead Belly 和 Lightnin ‘ Hopkins 创导了这种现已不存在的风格。以后的电子吉它使之平稳地转变成电子和现代的乡村蓝调。 综艺蓝调 (Vandeville) ：在综艺表演的最初年代，众多剧院因偏好白人戏而忽略了黑人演出（颇具讽刺意义的是，他们实际上却常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戏）。因为主流的排斥，黑人艺术家们组成了自己的圈子，在美国为数不多的场所上演专给黑人观众看的剧目。这些综艺表演通常包括滑稽戏、魔术、舞蹈等，但最引人注目的当数蓝调歌唱表演——出现了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。综艺表演要求表演者超越唱歌地取悦观众，于是加入了戏剧和舞蹈的成分，使黑人综艺表演更深地吸引了观众。综艺表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他们的特别的喜剧表演和精湛的蓝调二重唱久负盛名。综艺蓝调在 20 世纪 20 年代处于颠峰状态。 城市蓝调 (Urban Blues) ：城市蓝调的歌词充分反映了都市生活。“城市蓝调”一词最初是为了与乡村蓝调区别，到四十年代逐渐形成自己的风格。城市蓝调包含了 Louis Jordan 的跳跃蓝调到爵士的最新花样，包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的带有城市化的感觉的低吟。 德克萨斯蓝调 (Texas Blues) ：德克萨斯蓝调发展于 20 世纪 20 年代，很大程度地从乡村音乐过度，只是滤去了鼻音。它节奏松散，也称“德克萨斯拖拍”，在拍子后面拖摆一点。歌词方面，摆脱了“强作愁”的主题。德克萨斯蓝调常用传统的旋律，一把吉他而不是吉他合奏。然而，德克萨斯蓝调在二战后趋向电子化，主要受 Clarence “ Gotamonth ” Brown 的影响，他们在管乐部分用电吉他独奏表演。其后， T-Bone Walker 和 Stevie Ray Vanghan 继续保持了拖拍的节奏和轻松的德州传统。 沼泽蓝调 (Swamp Blues) ：因路易丝安那州的沼泽而得名。沼泽蓝调慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出现过伟大的 Slim Harpo 。经掺入新奥尔良的节奏与蓝调的韵律、加上回声和延迟的电吉他效果，沼泽蓝调可悠扬如 Lonesome Sundown 和 Lightnin‘Slim ，活泼如 Lazy Lester 的口琴。 灵魂蓝调 (Soul Blues) ：一种传统蓝调和 60 年代灵魂音乐的快速旋律的熔合物，灵魂蓝调是涵盖两种传统的艺人。以标准的蓝调乐队为基础：钢琴、吉它、贝斯、口琴和打击乐，有时加入节奏蓝调曲调的管乐，灵魂蓝调的音乐家们延伸了传统的界线，又保持了灵魂乐的根基。 Etta James ， Bobby “ Blues ” Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是灵魂蓝调的佼佼者。 钢琴蓝调 (Piano Blues) ：各种时期的爵士型、蓝调型音乐、即兴的演奏，只要是用钢琴演奏的蓝调，那就是钢琴蓝调。钢琴蓝调的范畴包括从 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles ， Dr. John 甚至是福音音乐的祖师 Thomas A. Dorsey 。 纽约蓝调 (NY Blues) ：成熟的纽约蓝调吸收了跳跃蓝调、摇摆、 Bebop 和早期的节奏蓝调中的精髓。它在 40 年代摇摆时期绽开，当时 Lionel Hampton 的大型乐队用上了蓝调歌手和强烈的节奏。正当呐喊的 Big Joe Turner 影响了摇滚乐， Erskine Hawkins 和 Eddie “ Cleanhead ” Vinson 把大众的蓝调和受高度尊敬的摇摆爵士联系到一起。 新奥尔良蓝调（ New Orlean Blues ）：顾名思义即知，蓝调决不是笑嘻嘻地找一番乐子（英语“蓝调” blues 有忧伤的含义）。但是并非绝无仅有——新奥尔良蓝调稍稍有别。它带有加勒比韵律（尤其是伦巴）和一些美国南方音乐色彩，只在派对聚会上才有用武之地。此类别可轻松休闲，也可捶胸跺脚地豪放，有 Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色艺人，用了号和即兴发挥的钢琴伴奏。 孟菲斯蓝调 (Memphis Blues) ：当 . Handy 写“ Memphis Blues （孟菲斯蓝调）”时，他根本没有想到这个词的深远影响。孟菲斯蓝调的两大派系中的前一种是在 20 世纪 20 年代的 Beale Street 初生，从众多“陶瓶乐队（ jug band ）”和综艺表演衍生而出， Memphis Jug Band 的弦乐风格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗旷而又时常滑稽的风格而备受欢迎。这种孟菲斯蓝调的早期形式发明了一种演奏方法：主音吉他在一曲中有一“段”特殊演奏——这种方法至今已成为标准方法了。后一种孟菲斯蓝调是在 50 年代前期开始的一种电子风格，是更响亮而又激进的蓝调。乐手们采用了扩大的、失真的吉他和较重的鼓声，对今天的大多数蓝调艺人有更直接的影响。 爵士蓝调 (Jazz Blues) ：爵士蓝调有着坚实的蓝调根基，但又吸收了富变化而又稍快的爵士音乐。这类音乐家们通常把爵士乐的即兴演奏特点掺进了经典的蓝调音乐三和弦结构。爵士蓝调包括从钢琴师 Mose Allison 以爵士为主的作品，到吉它手 Lonnie Johnson 的扎实的蓝调，还有 Ray Charles 的激情荡漾而又博采百风的钢琴蓝调。 民谣蓝调 (Folk Blues) ：民谣蓝调可追溯至 19 与 20 世纪交界的小酒吧音乐和晚间小庆典的原声风格。它产生于南方从德克萨斯到三角洲的影响，被许多人认为是美国最原创的音乐。尽管早期美国蓝调也同样的深入大众，但真正把人们带入小酒吧间跳舞的是民谣蓝调。是 Lead Belly 和其后的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 将民谣蓝调的风格延传下来，而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再现了这一风格而又没被认作为复古分子。 早期美国蓝调 (Early American Blues) ：这一范畴包括蓝调的最早录音。从 . Handy 到 Robert Johnson. 这种唱片质量通常并不那么理想，但充满着深切感情，绕梁三日。 原声蓝调 (Acoustic Blues) ：不插电即是原声。原声不一定专指原声吉他。此类蓝调指所有非电子乐器演奏的蓝调包括吉他、班究（五弦琴）到口琴、发声铁罐。各地有各地的曲风——芝加哥、三角洲、新奥尔良、德克萨斯、等等；也有各种音乐风格——滑音型、爵士型、指拨型、等等。二十世纪前叶的大师 Big Bill Broonzy ， Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被认为是原声的，还有更现代型的 Keb‘Mo’， Taj Mahal 和 John Lee Hooker 。
说变态确实不合适有些东西只是把人内心中某些潜在的欲望挖掘并发泄出来。说起来，看毛片也是挖掘发泄内心欲望，和听金属一样，一个是生理一个是心理，我就郁闷为啥都说听金属变态，看毛片正常呢？扯远了，维京金属:Amon Amarth 瑞典老牌维京死Moonsorrow 深沉大气，08年的EP简直就是神作！Thyrfing 大牌，百毒有介绍Spectral 07年Stormriders神作！Nomans Land 俄罗斯老团，挑不出任何缺点的团Heathen Foray 一个朋友推荐的，要旋律有旋律，要那啥有那啥……Finsterforst 德国维京，主要以键盘和民族乐器做主音，很动听Elexorien 前几天拿到的，女主唱维京团，不多见Folkodia 阵容强大的多国部队。民谣成分过多，作为维京团，他们缺少一些力量Forefather 英国的维京，有点哥德堡的味儿，旋律还是非常好的Hordagaard 挪威维京黑，非常优秀的乐队，不喜欢黑金属的不要因为他是黑金属就不去听Gwydion 又一支神级别的乐队Iuramentum 对这团最大的感觉是，他们不像很多维京团那样，喜欢把氛围铺的恢宏壮阔，而是喜欢玩儿一枝独秀的SoloFinnish Metal:AmorphisEnsiferumWintersunTurisas这四个都是不可不听的团民谣金属，与Eluveitie那样的凯尔特民谣金属很难找到，很少有乐队能玩的像他们一样花哨的Arkona(Rus) 俄罗斯民谣，很有名的团了Aes Dana 法国凯尔特民谣黑，05年的Formors非常好Wolfchant 异教金属，也算是半个维京了，旋律非常好Askival 09年的Eternity神作！Cruachan 爱尔兰的凯尔特民谣金属，他们可是正统的凯尔特后裔CrystalMoors西班牙民谣金属，凯尔特民谣。表现手法和Eluveitie有很大的不同，听The Enchantment of Lugnassad，LZ可以对比一下，我的评价是不比Eluveitie差，属于慢热型，不像E团那样第一耳朵听到就会喜欢上Elivagar 像Followers of Ancient Tales这样的经典能错过么？Elvenking 意大利的精灵王，网上资料大把，不少人的启蒙民谣金属Empylver 国内单人团，北欧民谣，不比老外们差Excelsis 瑞士民谣金属，不一个个介绍了，自己听吧Finntroll 芬兰三巨头之一Heol Telwen 法国凯尔特民谣黑Korpiklaani 有名的‘森林一族’芬兰民谣Mägo de Oz 西班牙凯尔特民谣，偶尔挖到的一张精品Sig Ar Tyr 加拿大民谣金属，有些黑的成分Suidakra 德国民谣金属，这是个很强大的团，今年刚刚发行的新碟非常好Svafnir 德国异教/民谣金属，原声吉他是亮点Waylander 爱尔兰团，正宗的凯尔特民谣黑旋死关于旋死不知道我都回答过多少次了Amenti(Blr) 来自白俄罗斯。非常好的乐队，时不时会夹杂一些可爱的东欧小调Anterior 最近淘到的一张Death Metal/MetalCore，Solo到死的感觉非常好，虽然不是很快。Archeon 波兰旋死，风格比ETOS硬朗得多，旋律上也很优秀At the Gates 哥特堡旋死，现在旋死乐队多如牛毛，还属他们味道最正Arch Enemy 大敌还用说么Be'lakor 澳洲旋死。现在的旋死只‘旋’不‘死’，都是旋律有余，凶狠不足。这风气不好啊。Before the Dawn 旋死+Metal CoreChildren of Fucking Bodom 没啥好感，还是提一下吧Codeon 芬兰旋死，一改芬兰人注重旋律的习惯，风格凶狠，类似2001年时的Arch EnemyDark Tranquillity 哥德堡三巨头之一Descending 希腊旋死Dispatched 2000年的MotherWar太经典了，可惜乐队已解散Dominia 俄罗斯古典旋死，经常有小提琴演奏，就连铺垫的键盘都是古典钢琴In Flames 哥德堡的鼻祖，旋死的奇葩。早期专辑透着新古典气息，可惜现在成Metal Core了，99年的Colony以后他们就死了Nightrage 瑞典旋死。这几年他们的名气已经很大了，两张专辑都是必听专辑Norther 一曲Of Darkness And Light，足以让很多人记住Raintime 意大利的旋死/Metal Core，这个……有点牵强Sentenced 芬兰旋死/前卫死，后期风格和前期差异较大Skyfire 瑞典前卫死，键盘用的很多，我感觉他们很像NortherThe Sons Of Talion 法国旋死，08年最大的惊喜，现在很难找出像他们一样‘旋’和‘死’兼顾的乐队了累了，激流类不想介绍了，LZ喜欢Incubus，就提几个乐队，以老学校居多。资料自己找吧Abandoned 德国老学校AnthraxAssasin 德国老敲Bonded By Blood 很爽的New SchoolCoroner 瑞士老鞭Dark Angel 这是我听过最狠的乐队之一了Death Angel 老牌儿，不过新专辑很操蛋Dekapitator 湾区激流Deliverance 80年代就在的乐队，现在依然蹦跶的好好的，老学校Destruction 德国激流三巨头，五月首都有LiveExodus 湾区激流Gama Bomb NewSchool Thrash，和Bonded By Blood有一比Kreator 德式敲击之王，可惜新专辑不够狠Legion Of The Damned 荷兰的残敲Merciless Death 疯了Metal ChurchMetallicaMegadethMorbid SaintOverKillReleased AngerSlayerSodomTarkardTerrorizerTexas Hippie CoalitionWarbringerViolatorVio-lence完了，都是播放列表里一个个挑出来的多听金属，少看毛片，嗯
像cc，devourment，cryptopsy等等那样的死金大牌估计你都知道了，这里也不重提了。 要说新意点的话，我给你推荐两只乐队 iwrestledabearonce 这个乐队个人感觉很有创意，风格非常杂。涉及碾核，硬核，甚至是哥特，实验。主唱还是女性。 官方主页： Arsonists Get All The Girls 也是新乐队，风格应该是死亡核（deathcore），但是他们的死亡核绝对是独一无二的，听听就知道区别了。 要说地下乐队，再给你两个 ventana 工业金属和硬核的结合体 common diseases of swine 前downthesun主唱组的乐队，新金属 希望对你有所帮助。另外，不喜欢的大哥大姐也别骂，各有各的爱好。