绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
水彩画形成于英国，传入我国已有百年历史。水彩画在中学美术课教学中占有非常重要的地位。通常人们只认为水彩画是提高学生造型、色彩及审美能力的重要因素之一，其实在进入现代社会的今天，水彩画技术及其特点还具有许多实用价值。它可以直接应用在工业设计上。例如，建筑（房屋、桥梁效果图设计）、园林（景点、绿地、长廊等效果图设计）、装修、装璜、家具、服装以及工业产品制造设计的效果图等均采用了水彩画技术。另外，水彩画工具简单、价格便宜，使用及携带方便，加之水彩画效果透明、明快、润泽，因而令人喜爱。初中美术课水彩画部分的教学目的之一是使学生掌握水彩画的方法步骤和基本技法。因此在教学中，我首先通过范画、讲解，使学生了解、掌握水彩画的基本方法：干画法第一次涂色干了后再涂第二遍色，这样重叠着色下去即为干画法。此法不流、不混，可以从容作画；缺点是表现力差一些。湿画法头次上色未干就接涂第二遍颜色，反复接涂下去即成。此法画时比较急，需要学生有控制水分、时间的能力，一般要求学生在具有一定的绘画技巧之后运用才行。干湿并用有的地方用干画法，有的地方用湿画法。此法有快有慢，表现力强，中学生易于掌握。在整个水彩画教学过程中，应重点传授干湿并用法，以求收效快、效果好。一、指导学生有效地利用干湿并用法，胸有整体，局部画起。所谓胸有整体，是指学生除了要有必备的素描色彩基础外，还要有对画面的整体构想：色彩基调，远、中、近、大层次关系等。局部画起，是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中，绘画范围缩小，水分和时间容易控制，干湿画法并用得当，从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前，可先指导学生做几次静物范画临摹，意在使学生熟悉工具，认识各种画法，体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行：１．起笔要细，形体准确，高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚，暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置，上色时心中有数才能涂色不乱。２．画前先在纸上刷一遍水，目的是让纸吃水饱和，必要时可以刷两遍，这样纸不易干燥，干湿画法便于施展。３．先画背景（一般指衬布），优点是不乱、不花，整体效果好。背景争取一气呵成，整个画面的基调便得以确立。４．画物体时要一个一个完成，这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨，从亮部开始，留出高光后涂淡黄色；未干时迅速涂中间调子土黄色，使之与淡黄色相接自然晕合；趁其未干再涂褐色与土黄色相接，晕合后未干时再涂灰绿色于反光处，或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样，此梨的画面便基本完成了。５．整理画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现“碎”的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视整理，学会调整画面。前景物体当实，可以用线条来提形（在物体的关键部位狠提轮廓线）；后边物体当虚，尽量在形体和色彩上减弱，以获得层次分明的效果。画面单调的，可适当增加环境色，以增强色彩的丰富感；画面色彩花而乱的，需要在基调的范围内整理，使画面更加和谐。水彩风景写生是色彩写生的重要课题，可以培养学生热爱祖国、热爱大自然的情操，同时也是进一步掌握水彩画技法的极好机会。这部分教学中，构图、起稿、刷水同静物画法一样，但风景画作画顺序的特殊性是由上往下、从远至近、从左向右进行。在写生之前也应指导学生先临摹几张范画，这有助于学生领悟概括自然的三个层次（远、中、近），并能熟悉自然界中各种物体的画法。写生时应在以下几个方面加以着重指导：１．写生开始要先画天空，力争一气呵成，这样整体基调和气氛便已确定，其它景物的色彩应向基调靠近，以促成色彩协调之美。２．待天空色未干时迅速画出远山或远树，使之与天际相接的部分自然晕合。这样既可使远处朦胧、深沉，又符合近实远虚的规律。３．从左到右，每画一个物体前再刷一次水，以防户外气候干燥、湿画法难以进行。例如，水中倒影里的房屋、树木都要趁湿把各种颜色接涂，自然晕合渗化，使倒影里面的形朦朦胧胧。等到全部干了的时候，用干画法轻轻画上几道水的波纹，此时倒影就显得真实生动了。至于岸上的房屋、建筑等宜用干画法描绘，使之坚实、挺拔，并和水中倒影形成鲜明对比。４．主体部分应重点刻画，以使画面具有凝聚力，从构图的位置、色彩明快的程度、形体刻画的入微等方面增强其感染力。在让学生知道自然界分成远、中、近三个层次之外，还应让他们懂得艺术有主次之分。即学生在掌握水彩画技法的同时还要学会艺术处理画面的空间。５．风景画的整理仍是重要的一环。局部画法有利于水分的发挥，湿画法得以充分的利用，但副作用是易“碎”，使整体画面受到影响，故需要从层次和色彩关系上调整一下，画面就基本完成了。二、教学中注意指导学生操作的几个重要环节１．学生欣赏范画，教师要逐张讲解其画法及色彩的运用，使学生了解水彩画的样式、特点，并告诉学生为了保持水彩画的透明、明快，调色时不宜过多，涂色时尽量一次完成，最多也不能超过三次，否则画面就会脏乱。临摹时首先要让学生熟悉工具的使用，以及调色和控制笔中水分的方法。２．带领学生到室外写生时，教师可以先示范一部分景物，边画边讲：应该怎样画，容易出现哪些问题，该如何解决……这样可以使学生产生直观的感受，同时也明确了写生的步骤，掌握各种景物的表现技法。３．给学生改画是教学过程中的一个重要环节。当学生某一部分不会画或画得不成功时，教师廖廖几笔，即令学生茅塞顿开，帮助很大。一个班级那么多学生，教师重点应给哪些人改画呢？我认为改两头带中间为宜，画得较好的学生的画只要“点”上几笔便会大增其色，给大家提供了样板，给中间水平的学生增强了自信心。另一方面帮助画得较差的学生改上一两个物体，如一个苹果一个梨，然后鼓励他们按此方法大胆画其他物体，不怕画坏坚持画完，长此下去必能有所进步。４．将绘水彩画的一般规律编成浅白易懂的口诀，有助于学生尽快掌握和记忆水彩画技法。如画蓝天白云：“水彩水彩一遍水，涂蓝留白免后悔，画上暗部为白云，这样画天才最美。”画近树：“近树先画干，树冠几大片，干湿画远处，深浅画明暗。”画草地：“草地一片绿，冷暖要注意，天地不接实，近处盖几笔。”画小房：“水彩画小房，先涂一遍黄，深色分大面，影子不能忘。
儿童 画是儿童心灵的世界,它不仅是一个简单、神圣和具有特殊韵味的词,而且也是大多数儿童的精神支柱。下面是我为大家整理的有关儿童绘画心理学论文，供大家参考。
【摘 要】早在18世纪中期，卢梭认为：“儿童有他特殊的看法、想法和感情。”绘画是表达人们潜意识的直接工具。而往往未经修饰、纯粹的儿童画，是人类稚嫩阶段的一种天性流露，是儿童思想情感倾诉的一种方式。
【关键词】情感 心理 绘画
【中图分类号】G610 【文献标识码】A 【 文章 编号】1674-4810(2013)17-0167-02
一 提出问题
1.背景与意义
在儿童成长的道路研究和进行日常教学的时候，人们往往把重点放在知识的教授或游戏活动上。但随着研究范围的推广及深入，发现绘画活动在儿童的成长中也扮演着很重要的角色。
儿童绘画是儿童纯真心态的自然流露，是他们表达思想感情的一种特殊视觉语言，它是人的生命早期阶段的行为产物，是儿童心理、情感、个性、创造能力的反映。只有正确认识儿童绘画，了解儿童绘画的形式与表现特征，给予孩子热情鼓励与正确恰当的引导，才能使儿童的潜能得以开发，天性得以发展，成为具有健全人格、全面发展的人才。一些研究学者通过儿童的绘画作品，能分析出儿童在某一年龄阶段中绘画与发展的关系，甚至从中了解到儿童的心理以及情绪状况。
2.儿童绘画心理发展的两种学说
第一种是20世纪中期美国儿童美术心理学家罗恩菲德提出的“直线型”发展模式。他提出儿童绘画发展阶段理论分为以下四个发展阶段：(1)涂鸦期(自我表现最初阶段2～4岁)，涂鸦是视觉 经验 和身体、手指肌肉动作协调的一种产物，反映其身心状态。(2)样式化前期(再现的最初阶段4～7岁)，儿童尝试用绘画语言与外界沟通;在对外界的探索中不断寻求新的观念，所以使用的象征符号经常改变。(3)样式化期(形态概念的成立阶段7～9岁)，这一时期的儿童终于发展出种种令自己满意的符号象征，这些符号会反复出现2～3年，称之为“样式”。(4)写实倾向的萌芽诞生期(9～12岁)，这一时期的儿童力图发现自己与周围事物之间的真实联系。在绘画中，他们开始打破惯用模式，并注意到周围事物的细微变化。
第二种是20世纪80年代美国艺术 教育 家、心理学家加登纳提出的“U型曲线”发展模式。他认为儿童早期的绘画表现处于“U”型的左高峰，之后跌到“U”型的谷底，这时若持续努力，就有可能达到“U”型的右高峰，成就完整的“U”型发展，但是一般人都只是“L”型的发展。
二 研究内容
1.绘画包含幼儿情感倾诉的语言
想要正确了解幼儿的绘画作品中的内涵，需要了解他们绘画的动机和他们所要表现的内容。每个孩子的语言发育过程不同，早讲话的不到一周就会牙牙学语，晚的孩子要快两岁才开始表达。但是当儿童还不会说话时，儿童执起画笔的时段早于语言发育的时间。当儿童能手执画笔后，也就意味着他们能记录自己生活中影响情绪、表达情感的事件了。让儿童在自由放松和谐的环境下，保持愉快的心情，拿起画笔，在空白的纸上画下所想所悟。绘画是幼儿最重要的自我表达方式，通过美术活动幼儿能自由表达自己的情绪、情感及思想，每个幼儿绘画的表达方式、水平也不尽相同。亚里士多德认为：艺术能外化人的内心素乱，倾听内心痛苦，从而使人获得解脱。我们常常发现，一心一意于创作的儿童常常会自言自语、哼唱……那都是他们沉浸在一个只有自己的世界里。
2.从绘画色彩的搭配观察儿童
罗斯·艾尔斯库勒和哈特维克曾提出儿童使用色彩的正常发展进程：早期暖色的使用占优势，以后才使用冷色。学前儿童能够通过色彩，直接表达情感、冲突等一系列心理状态。色彩是儿童情感生活本质以及情感强烈的最初表现。儿童幼年时期的绘画是无意识的，具有自主性的。在长期的绘画过程中，由于每个儿童性格迥异导致有些儿童养成了某种用色的习惯。有的儿童色彩狂乱，多有放荡不羁之感，这多半是小男孩所作;有的儿童色彩细腻，画面整洁，这多半是小女孩的作品。而此时，作为一个幼儿教师应因材施教，为每一个儿童创造一个美好的创作环境。在良好的环境中，积极地发展他们的艺术思维，并不机械地进行教育，而是因材施教，重视儿童的个性差异，让他们以自己的个性方向去发展，而不是一味地让他们去模仿一些名人的画卷。
3. 想象力 对绘画创作的影响
关注儿童画创作，引导儿童想象。法国作家雨果曾说：“没有一种心理机能比想象更能自我深化，更能深入对象，它是伟大的 潜水 者，科学到了最后阶段，就遇上了想象。”没有想象，什么都不会存在。想象是新形象的形成过程，想象的内容是否新颖，想象的发展水平如何，取决于原有的记忆表象是否丰富。多给儿童思想上、行为上的自由空间，让孩子们异想天开、天马行空也无可厚非。唤起孩子内心的好奇心，拓宽儿童的思维领域。我国教育家曾做过一个实验：他用粉笔在黑板上点了一个点，问刚入学的儿童这是什么，答案千奇百怪，无所不有，而面对中学生，他们只会一个一个往上累加语法成分。可见，许多儿童在发展的过程中，想象力被禁锢。因此，成人要与儿童多交流，激发其创作灵感，提高其表现欲望，活跃其思维，丰富其想象力。
* 指导教师：衢州学院教务处毛新斌
三 建议对策
1.品读儿童真实的感觉，给予积极的鼓励
绘画是无声的语言表达，在儿童用直接的语言无法表达或压抑自己不敢说的时候，通过他的画，我们能了解儿童内心深处真实的想法或看法，品读儿童的真实感受。鼓励儿童养成正确的习惯和积极的思想。
2.关注儿童创作，引导其进行想象
儿童的绘画过程中，不应只注重结果，而要关注整个的自主性创作过程，通过与他们的交流，了解他们的心理和创作意图，选择适当的时机，因势利导和他们进行各种相关的体验，让儿童能更充分地理解他们的创作，并以积极、健康的情绪去进行自主性创作。
3.在学中玩，在玩中学
帮助儿童掌握一定的绘画技能，但又要防止过早地灌输高难度的专业技巧知识。让学生掌握一些基本技巧，如不同作画工具的区别。教师可以设计一些游戏来丰富儿童的经验技能，让他们体验成功，并掌握必要的知识。但要注意防止过早地灌输高难度的专业技巧知识，以符合儿童绘画的发展规律，为自主绘画打好基础。
四 总结
儿童绘画有其特殊性，剖析儿童心理、体验儿童情感、倾听儿童心声，同时添入正确的引导，让孩子的综合素质得到提升。挖掘儿童心里的 故事 ，让想象和快乐伴随儿童健康成长。
参考文献
[1]杨景芝.中国当代儿童绘画解析与教程[M].上海：科学普及出版社，1996
[2]桂景宣.学前教育概论[M].北京：高等教育出版社，2007
[3]许凉凉.发展幼儿绘画创造力的教育策略[J].学前教育研究，2010(11)
摘要: 儿童在美术活动中所表现出的任何行为都有其身心发展的依据,只有把握幼儿绘画心理,才能给予适时、适当的有效指导。儿童绘画,首先应注意按照儿童心理发展的规律因材施教,掌握儿童在绘画活动中的心理变化,训练他们的认知能力,发挥他们的想象,培养他们的兴趣,激发他们自觉自发性,才是行之有效的教育 方法 。
关键词: 儿童 绘画心理 认知
儿童喜欢画画,这是出自儿童自身生理需要而产生的一种心理需要。我们从事儿童美术教育,必须研究儿童绘画的心理与特点,否则,就不能正确地评价儿童画,也就难以辅导儿童绘画。心理学研究认为儿童绘画应按儿童的年龄分为三个时期来研究:图式期6―8岁、写实倾向期9―11岁、写实期12岁以后(相对而言,有的会提前或退后)。因此,美术教师应根据儿童不同时期绘画的心理与特点,训练他们的认知能力,发挥他们的想象,培养他们的兴趣,激发他们自觉自发性,才能提高他们的绘画水平。
一、绘画是儿童的一种认知方式
艺术是人们认识和把握世界的一种方式。苏珊・朗格在强调艺术的价值时说,人了解世界有两种主要方式,一种是逻辑的推理方式,另一种就是艺术感知方式。儿童面对的是一个充满陌生感的世界,所以他们的求知欲望很强。但是由于他们自身所具备的知识简单,经验少, 逻辑思维 能力较弱,而绘画能给他们更广阔和自由的想象和表现空间,因此,他们喜欢通过这种方式来认识和反映他的世界。
约翰・杜威在谈到美术的本质时说,艺术是一个生动而实在的例子,证明人能有意识,有意义地再现感觉、需求和冲动的统一以及生命活动的特征。意识的介入带来了规律、选择能力以及对素材的重新处理。所以它们永无止境地改变着艺术。但是,意识的介入及时地将艺术的思想变为意识的思想,这种思想是人类历史上最伟大的知识成就。
在杜威的眼里,艺术是一种赋予生命以活力的体验,它帮助一个成长中的机体表现自己的生命力;它使一个人上升到一定的情感高度,使他能够认识到艺术的体验是他生命中一件特别的事。
二、未知世界是儿童想象的空间
儿童比成人更喜欢画画,这是人们普遍认可的事实。不仅如此,几乎所有的孩子都算得上是天才的艺术家,难怪成人们常常为儿童们丰富的想象力、大胆的涂抹惊讶不已。经常有孩子的父母对我说,他们的孩子多么喜欢画画,画的画多么好看,因此认为自己的孩子一定具备极高的艺术天赋。我相信这一定是真的。因为在教学中,我也常常被孩子们作品中的绚丽的色彩、大胆的线条和奇妙的构思所陶醉,我总是毫不吝啬地给他们以赞美之辞。
然而,我也发现,随着年龄的增长,孩子们对艺术的兴趣会逐渐减弱。原因是,他们对原本陌生的世界开始熟悉,当他们对眼前事物有了重新的认识之后,想象力就受到了约束。有一个著名的心理学实验,将一滴墨汁滴在一张白纸上,拿给幼儿园小朋友看。小朋友们有的说是蝌蚪,有的说是天上的星星,……再拿给大学生看,都说那是一滴墨汁。这个实验正说明,人的客观认识往往限制思维的自由想象。远古人类想象天上有上帝和神灵,于是产生了那么多美妙的神话 传说 ,而随着科学的发展,人们不再靠想象去描绘宇宙万物,而是用科技手段。课堂上,我的老师曾说过这样一则故事:一位民间搞剪纸艺术的老太太,以剪虎闻名,她剪的老虎形象夸张,生动可爱,被邀去一所大学讲学。校方出于好心带老人家去动物园参观老虎,因老人从未见过真老虎。结果观虎归来,老人再也剪不出来原来的那种生动可爱的虎了。可见,想象是建立在对未知事物的探求之上的,已知事物往往成为一种外在的干扰因素,阻碍人们的想象力。就像希腊人说的那样:知识始于惊奇,如果我们不再惊奇,也许就有知识停止进展的危险。
三、求知欲是儿童艺术兴趣产生的基础
儿童的认知欲望中存在着艺术兴趣产生的基础。儿童具有强烈的求知欲望,表现在对一切事物的好奇心上。儿童没有见过的东西太多了,第一次见到的东西对他们来说都感到非常的新鲜。由于儿童的言语能力还不够完善,没有识字以前,形象思维和直观的形象感受是他们认识外界事物、形成概念的主要认知途径。我们发现,所有的儿童绘画都有一定的情节性。分析其中的原因可知:儿童的绘画带有一定的儿童语言的特征。儿童在没有获得书面语言和口头语言的技能之前,只好用他们仅有的一点简陋的形象语言来表达他们天真的思想活动。儿童可能只会画一些简单的圆形或方形,但它能代表很多东西。它可以是太阳、苹果、房子、书等等。儿童画中的形象艺术语言就是这样发展起来的。有了这样的艺术语言,他们就可以进行一些简单的形象模仿活动了。
儿童在他们自己的艺术活动中,使游戏增加了无穷的乐趣,他们从自己创造的形象中获得了最初的快感体验。儿童的这种幼稚的“艺术活动”,使他们得到了美的享受,并成为对造型艺术产生兴趣的基础,这种基础在儿童中具有一定的广泛性。
四、儿童艺术创造活动的自发性心理
儿童艺术看起来很幼稚,然而却具有成人艺术难以具有的独特性的形式、风格、想象力和创造性。正如康定斯基所说的那样:“儿童们直接从他们的情绪深入所创造的形式,岂不要比那些希腊的模仿者的作品更富于创造性吗?”那么,儿童为何能够创造出独特的艺术?根据荣格的集体无意识理论,儿童的这种艺术心理是先天就有的,并普遍地存在于每一个儿童身上,在儿童身上组成一个超个性的共同心理基础。它来自于遗传的大脑结构本身。而集体无意识的内容是原型。所谓原型,是指先天的固有的直觉形式,它具有经遗传而带来的多知觉与领悟的性质。那么,儿童之所以有那种独特而又共同的艺术心理,是因为他们都有独特而共同的原型。而原型的外显为原始意象,荣格认为,真正的艺术家是“用原始意象说话的人”。那么,儿童也可以说是真正的艺术家,因为他们是“用原始意象说话的人”。
儿童绘画时激动和快乐是成功的保证。儿童一旦迷上画画,根本用不着大人去督促,如果没有画完,谁喊他都喊不动,画到得意之处时,自己还会笑出声来,完全进入了角色,全身心沉浸在创作的激情里。当他完成大作以后,他会拿给大家看,希望大家和他同享成功的快乐。这时,别人的称赞对他将起到重要的作用。
由于儿童的原始性绘画更接近艺术的本质,深受艺术家们的喜爱,也曾给许多艺术大师以艺术上的灵感启示。如马蒂斯、毕加索等人就曾从儿童艺术中汲取营养。但人们往往看到,儿童随着年龄的增长,见识的增多,他们身上的原始性逐渐褪去,取而代之的是社会性、现实性和普遍性。追逐现代潮流渐渐成了他们现实的价值取向,他们离艺术的本质也就越来越远。著名美术教育理论家维克多・罗恩菲德说过:如果孩子在成长过程中不受任何外界干扰,那么就没有必要激发他们进行创造性活动。任何一个儿童都会不受束缚地运用他根深蒂固的创造冲动,对他自己的表达方式充满信心。但是,艺术最终只为极少数人所掌握,而不是所有的人,尽管每个人都可能成为艺术家,因为我们在儿时都曾经是艺术家。
总之,把握儿童的绘画心理,并在此基础上进行有效指导,这个过程需要教师不断提升自身观察、解读儿童行为的水平。教师要运用实践性、客观性、科学性、教育性与群众性原则实地观察每一个儿童在绘画活动中的表现,并运用叙事研究的方法将观察到的儿童真实的、情境性的行为进行细腻的叙述。教师要把儿童作为观察记录的对象和主体,通过语言、行为、作品三种观察途径,了解幼儿情绪情感在绘画中的表现,才是行之有效的教育方法。
参考文献:
[1][美]爱略特.W.艾斯纳著.张单等译.儿童的知觉与视觉的发展.湖南美术出版社,2002.
[2][美]H.加登纳著.李泽厚主编.兰金人译.艺术与人的发展.1988.
1讲述出线条的概念：①绘画时描画的曲线、直线、粗线、细线等的统称：构图美妙，线条熟练。是绘画艺术诸要素中最生动的部分，是画家从自然真实中抽取的一种有抽象一种的语言
2针对现代素描某一幅作品。下图是一幅（漫画）人物素描，用明暗进行简单的处理
我真不明白这绘画的讲那么多理论干嘛，点线面这3点要素把握好尺度就能表现出要的东西了，还要讲那么多屁话，好吧，我承认我绘画不咋滴。
很重要！修拉等除外
我也是学素描的。画线在绘画中是最主要的要点之一。线描绘了物体的外形以及决定阴影色彩的深度。比如说画水果，线描绘了它的形状以及不平、在形状之内有形状的部分。线也画出了物体色彩不同之处和物体的阴影让立体图形在纸上变得立体。_______线。画阴影部分需要画大量的线，每一条线的角度都不同，交叉在一起画出颜色，下手越轻颜色越浅。深色都是由浅慢慢地变深的。一共需要3种角度，横、竖、斜。形成雪花形。如果物体较大画阴影时一种角度由左上画到左右，然后从左下画到右下。然后换个角度继续画。这3种角度是笔的角度不是纸的角度。对称物体的2边必须对称。先画右边再画左边会容易些，因为用右手画的话右边比较难，先画左边的画右边很难画对称。先画右边再画左边就容易一些。
秦汉时期的雕塑以其恢宏的气势和力量将中国雕塑推向了高峰。这一时期的艺术成就主要表现在大型纪念性石雕的出现和标志性明器雕塑的产生，以及工艺性雕塑也达到了较高的水平。秦汉雕塑的巨大气魄和强健精神，为中国雕塑的历史留下了辉煌的一页。秦兵马俑的雕塑艺术，标志著明器雕塑创作上产生了一个重大飞跃。它规模大，数量多，给人最突出的感受是力求逼真，表现物件的写实风格。每个秦俑的形象虽无雷同，均通过人物动作刻画，各自神态表现的生动传神。注重灵活多样的表现手法，具有强烈的艺术感染力。“汉承秦制”汉代明器雕塑的制作形成规范化、制度化，形体上虽不如秦代高大，但表现物件上却比秦代丰富。人物的塑造比秦代富於动感，姿态也有了较多的变化，东汉明器雕塑在题材内容，制作材料，以及分布地区等方面都有了进一步的扩展，出现了大量形形色色，表现各种生活劳动场景的俑，以及楼、坞、堡等模型，在题材内容上更趋於生活化，更真实广泛，具体表现各种生活场景。同时还表现出鲜明的地区特色和民间风貌，如体现巴蜀风情的身背竹箆劳动妇女俑与袒博赤足、抱鼓，眉飞色舞表演的《说唱俑》。霍去病墓大型石雕群，是我国最早的较完整的纪念性雕刻艺术珍品，是西汉时期强盛的国力和积极进取精神的象徵。它的艺术特点表现为注重寓意，善於运用象徵的手法表现作品的思想内容。在建造上，“为冢似祁连山”，以纪念他的不朽功勋。配置竖石和多种动物雕刻，独创的综合群体，成功展示了深山野林猛兽出没的艺术意境，《马踏匈奴》是整组石雕中的象徵中心。并巧妙地运用“因势象形”的表现手法和灵活地将圆雕、浮雕、线刻的表现手法综合运用。这一时期的建筑雕塑也很有特色。“秦砖汉瓦”将建筑、雕塑、书法结为一体的奇妙结合，是我国建筑雕塑艺术的一大特色。画像砖和画像石以砖石将绘画与雕塑结合的艺术，表现手法变化多样，同样独具民族特色。秦国有悠久的石刻艺术传统，在凤翔西村春秋时代的秦宫陵园中,曾出土两件高约22厘米的石俑;战国时代，秦昭王在咸阳兴建横桥,曾雕刻忖留神石像；此外,在蜀郡都江堰又雕刻镇水石牛。秦始皇时期，玉石雕刻有了显著的进步,据晋王嘉《拾遗记》记载,秦代的刻玉善画工烈裔,“刻玉为百兽之形,毛发宛若真矣。”另据《三辅黄图》记载，秦代加固扩建横桥时，曾雕刻古代力士孟贲的石像；营建骊山陵园时，雕刻一对头高一丈三尺的石麒麟，开启了后代在陵墓前雕造石兽、石狮或石辟邪之先河。青铜纪念雕塑 据《史记·秦始皇本纪》记载:“二十六年……收天下兵，聚之咸阳，销以为钟□金人十二，重各千石，置廷宫中”。贾谊《过秦论》亦有“销锋铸□，以为金人十二”之语。参考1978年湖北随县曾侯乙墓出土的战国编钟架形象，可知秦代铸造“钟□金人十二”，即是供咸阳宫中两具曲尺形双层编钟架上使用的人形铜立柱。另据《汉书·五行志》、《西京赋》、《水经·河水注》及《三辅旧事》等文献记载，秦始皇统一六国后，曾铸造12个“各重二十四万斤”的“金狄”，即12个身着“夷狄服”的大铜人,配列在阿房殿前,铜像胸前刻有李斯撰写的赞颂秦始皇统一功业的铭文，其政治作用不可低估。1980年冬，在秦始皇陵西侧，出土两乘大型铜车马，每乘包括四马、一车、一驭手,车马形体相当实物的1/2，每乘总重量达1200公斤以上,铸造工艺十分精良,形象极为生动(见彩图铜车马(秦) 陕西临潼秦始皇兵马俑坑出土)。一号带伞盖的铜车，驭手作立姿,其性质当为导车；二号作篷盖的铜车,驭手呈坐姿,其金属辔绳末端刻有“安车”等字铭。据考证，此车系仿照秦始皇巡视全国时的御乘而铸造，旨在纪念秦始皇“平一宇内”的不朽功业（见秦始皇陵彩绘铜车马）。墓葬明器雕塑 即供随葬用的雕塑作品，主要是各种材质的偶人车马。秦代有大型的陶塑兵马俑及圉师俑、小型的木雕侍者俑等两种。前者集中发现于陕西临潼县骊山北麓秦始皇陵园附近；后者于1978年发现于河南泌阳县官庄村秦代末年的墓葬中,共有木俑4件，身高11～16厘米,面形浑圆丰满,俑表施彩绘,作拱手侍立状,造型甚古朴。据《史记·秦始皇本纪》记载,始皇初即位,就着手穿治骊山；在他去世前，陵区内已是“宫观百官、奇器珍怪徙藏满之”。从20世纪40年代起，在秦始皇陵园东北隅的临潼县焦家村附近，曾陆续出土一种高约70厘米的圉师俑（马□），作跽坐姿态，造型质朴优美。1974～1976年,在陵园东垣外的临潼县西杨村南,地处东陵道之北侧,先后发现3座埋藏大型陶塑兵马俑的从葬坑，出土数千件与真人真马等高的兵马俑，其躯体采用泥条盘筑法塑造，头像则运用模制加手塑的方法制作。这批兵马俑标志着秦代雕塑艺术的卓越成就，再现了秦军奋击百万、战车千乘、勇于公战、怯于私斗的精神风貌,体现了王权的极度威严，其主要艺术特点是：形体高大,崇尚写实,手法严谨；类型众多,个性鲜明，形象生动；在总体布局上,利用众多直立静止体的重复,造成排山倒海的磅礴气势，令人产生敬畏而难忘的印象汉代雕塑中国西汉和东汉的雕塑作品，主要包括石刻、玉雕、陶塑、木雕和铸铜等品种。当时，雕塑艺术应用范围非常广泛，表现技巧迅速提高，举凡大型纪念性石刻、园林装饰雕塑、各种明器雕塑及实用装饰雕塑等方面，均有显著发展，留存至今的汉代雕塑遗物极为丰富。石刻 汉代雕塑艺术的新成就，突出地表现在大型石刻作品上。中国现存年代最早的1对大型石刻,是原存陕西省长安县常家庄的牵牛石像和斗门镇内的织女石像，两者东西相隔约3公里。据《汉书·武帝纪》记载,它们是汉武帝元狩三年(前120)在上林苑“发谪吏穿昆明池”时建立的，按左牵牛、右织女的格式，设置在昆明池东西两岸，故而又称汉昆明池石刻。牵牛石像高 258厘米，右手置胸前,左手贴腹，作跽坐状；织女石像高228厘米,作笼袖姿态。这组石刻取材于牛郎织女神话故事，均用花岗岩雕成，石像形体高大，是中国早期园林装饰雕塑的代表。秦代雕塑中国历史上第一个统一的中央集权制封建国家——秦朝的雕塑。公元前221年，秦始皇统一中国之后,即利用雕塑艺术为宣扬统一功业、显示王权威严的政治目的服务，在建筑装饰雕塑、青铜纪念雕塑、墓葬明器雕塑等方面都取得了划时代的辉煌成就。建筑装饰雕塑 秦始皇统一六国之后，凭借高度集中的人力与物力,大兴土木。首先,在都城咸阳北坂上营造六国宫殿；其次,加固扩建了跨越渭河的横桥,并在渭河南岸营建新朝宫——阿房前殿;最后,又在骊山北麓修建规模宏大的陵园。这些巨大的建筑工程，均用雕塑作品进行装饰美化。瓦当是强烈反映时代艺术风格的一种建筑装饰构件。咸阳市东郊窑店镇附近的秦宫遗址，曾出土浮雕着鹿、鸟、昆虫纹的圆瓦当；西安市西郊巨家庄附近的阿房宫遗址,出土四鹿纹、四兽纹、子母凤纹圆瓦当;骊山秦始皇陵区，出土夔凤纹大瓦当；皆以饰纹华丽、风格清新而著称。此外，在咸阳故城秦宫遗址还出土两种大型空心砖，其一是刻画着龙纹、凤纹、水神纹的空心砖，其二是模印着回纹、菱格纹的空心砖，皆铺砌在宫殿阶基地面上，由此可见秦代建筑装饰雕塑的发展概貌。另一组著名的西汉大型石刻，是陕西省兴平县道常村的汉骠骑将军霍去病墓石刻,系元狩六年少府属官“左司空”署内的石匠所雕造。作者运用循石造型方法,将圆雕、浮雕、线刻等技法融于一体，使作品兼有写实与写意的风格。现存作品有立马、卧马、跃马、卧虎、卧象、石蛙、石鱼、石蟾、卧牛、野猪、野人、野人搏熊、母牛舔犊等14件，另有题铭刻石2块。 原先皆散置于墓冢周围，现集中陈列在墓前东西两廊内。立马石刻，亦称马踏匈奴，高168厘米,是群雕中的主体。作者采用寓意手法，以战马将侵扰者踏翻在地的情节，赞颂霍去病反击匈奴侵扰所建树的赫赫战功，是汉代纪念碑雕刻的重要代表性作品。
鲁迅 在《且介亭杂文二集·在现代中国的孔夫子》里曾说过：“凡是绘画，或者雕塑应该崇敬的人物时，一般是以大于常人为原则的。”
雕塑作为一种带有象征意义、富有艺术气息的观赏物品，在日常生活中带给人们观赏价值以及象征意义。早在原始社会末期，居住在黄河和长江流域的原始人，就已经开始出现雕塑（泥塑和陶塑）。
在如今的生活中，雕塑也演绎着越来越重要的角色，它俨然已成为了一门艺术。但纵观封建时期的历朝历代，许多雕塑作品被政治所左右，政治推动雕塑的发展、同时也对雕塑的题材有很大的限制；另外在不同的思想背景下，每个朝代的雕塑有着不同的风格，这里面最典型的例子是秦汉时期的雕塑，秦汉时期是我国历史上第一个统一而强大兴盛的时期，也是中国古代雕塑发展的第一个高峰时期。秦汉雕塑虽然也被政治左右，但也同时反映出古人的生活轨迹以及更深层面的信仰，包括生活的社会时代背景。
一、雕塑的起源以及秦汉时期雕塑产生的背景和艺术特征
早在中国远古时期，雕塑便已经存在，在新时代时期后期，原始农业逐渐发展，群居生活让人们创造出无数的生活用具，而陶器便由此而来，这便是中国古代最早的雕塑作品。而我们今天要讲的秦汉雕塑又是如何产生，它有哪些特征呢？下面来具体谈谈！
01秦汉时期雕塑产生的背景：政治、经济、文化的统一需要
公元前221年，秦始皇统一六国，建立了我国历史上第一个封建专制王朝，开启了中国第一个兴盛繁荣的时代。秦汉时期疆土统一、国力强盛，是中国统一的多民族封建国家建立与巩固时期，也是我国艺术风格确立与发展的重要时期。在这一时期，统治者加强了对政治、经济、文化的统一，也比较重视艺术的发展，那时候的雕塑便成为宣示王权、满足统治者个人需要的一种手段。例如：秦朝的青铜雕塑、兵马俑等，本质上都是为了弘扬个人政绩。
02秦汉时期雕塑的艺术特征：崇尚写实、制作精良
随着大一统王朝的建立，秦朝在秦始皇的带领下，步入了辉煌时期，所以秦朝时期的雕塑作品大多是气势恢宏壮大，力量浑厚。比如秦始皇兵马俑，被称为世界第八大奇迹，规模之大，令人惊叹！可见当时的秦朝能工巧匠不计其数，足以见秦朝时期的雕塑工艺发达，政治运用广泛。
而“汉承秦制”，汉高祖刘邦初得天下，社会极需安定与发展，于是以黄老之学治理天下。包括后来的汉文帝、汉景帝，都采取无为而治，实行轻徭薄赋，恢复了多年战争带来的破坏。正因为在这样的大社会环境下，汉朝统治者采取的政治措施，也对汉朝雕塑有着重要的影响。于是伴随着雕塑工艺技术的成熟，汉朝雕塑的雕刻越发细腻，人物塑造也越来越生动形象，更注重原材料的形态神似。比如西汉前期玉雕精品，玉剑具上雕饰的龙虎纹，纹路高低起伏，虚实相生繁而不乱，包括后来出土的圆雕玉人，浮雕玉剑具等等，都是如此。
秦汉时期作为中国雕塑的第一个高峰，标志着大型纪念性雕塑的出现、以及标志性明器的诞生。这一时期的雕刻水平较高，所雕刻出的工艺作品质量较为精良，无论是雕刻的植物、动物或是人物，大多力求逼真，生动传神。
尤其东汉时期的明器雕塑，大多喜欢表现生活题材，出现了许多表现各种生活劳动场景的俑，以及楼、坞、堡等雕塑模型。总体来说，秦汉时期雕塑作品规模宏大，但又十分崇尚写实，并且生动细腻，个性鲜明。
二、 秦汉时期的雕塑大多为满足统治者个人需要、为统治者服务，以及被政治所左右
秦朝时期，统一的中央集权制国家刚刚建立，根基不稳、社会不安定，统治者急需通过雕塑艺术作为其宣扬功绩、以及王权权威的有利形象工具；而到了汉朝，汉武帝需要开拓疆土、抗击匈奴，将领们立下的杰出军功便以雕塑的形式弘扬，其本质上都是为政治服务。
01 秦朝时期的雕塑用以歌颂帝皇的个人伟绩以及秦朝军事力量的强大
秦朝作为中国古代第一个封建专制王朝，秦始皇刚平定天下，天下不稳，时局动荡，秦始皇急需宣扬政绩，稳定时局。因此，文化是他宣传不可缺的元素之一，而雕塑，就是尤为重要的表现形式，所以这也导致雕塑变得空前兴盛和发达。
《史记·秦始皇本纪》曾有记载：“收天下兵，聚之咸阳，销以为钟口金人十二，各重千石，置廷宫中。”
意思是收集天下中所有的兵器，并汇集在咸阳城内进行销融，然后铸造成十二个钟口金人，每一个都有千石之重。
同时，这十二座金人铜像胸前都刻有李斯所撰写的歌颂秦始皇统一大业的铭文，可见其政治作用和赋予的政治思想：即注重宣扬帝皇个人成就。
而秦朝最著名的雕塑作品代表便是秦始皇陵兵马俑。它被誉为“世界第八大奇迹”，规模十分宏大，秦始皇陵兵马俑一经发现，便以其恢宏的气势和高度写实的手法震惊了全世界。迄今为止，发现的三个俑坑共有陶俑、陶马八千余件，这些塑兵马俑数量庞大，布局十分严谨，队列整齐，再现了秦朝军队一统天下的威武气势，也象征着秦朝强大的军事力量。
秦汉雕塑兵马俑形体高大，最高的有2米，最低的也有米，都是按照真人雕塑，这绝对是秦朝力量的象征。包括面部表情、造型装饰也各不相同，个个栩栩如生，组成威武雄壮的军阵，充分展示了秦始皇宏伟气魄，实则也是对秦始皇的另一种歌颂！
02 汉朝雕塑更多是作为一种统治者拉拢人心，纪念有巨大贡献的功臣的工具
而在汉朝前期，一些军功显赫的将领，诸侯王也会通过陶塑兵马俑随葬，以此来向后辈炫耀其生前的地位与权利，统治者这么做的目的也是为了收拢人心，为了激励更多的人为国效力、做出贡献，从而得到这份荣耀，毕竟不是每一个人的陵墓前都有这些石雕群。
雕刻作品在汉代最突出的代表作便是大型纪念性石刻——霍去病墓石刻。它包括马踏匈奴、卧马、跃马、卧虎、卧象、石蛙、石鱼、野人、母牛舔犊、卧牛、人与熊、野猪、石蟾等14件作品，它们全部用花岗岩雕成，这些雕刻作品是汉武帝为表彰霍去病而雕刻的。霍去病是西汉时期抗击匈奴的名将，汉武帝为了表彰其显赫战功，不仅给予陪葬茂陵的荣誉，并起坟形似祁连山，而在霍去病陵墓前石雕群中，最为代表性的就是“马踏匈奴”。
这匹马神情庄重，姿态庄严，透露着饱满的刚毅，而在马蹄之下就是一个缩着身子的匈奴士兵，一匹骏马将一个匈奴士兵脚踏底下，俨然是一个胜利者的姿态。马踏匈奴”如此栩栩如生、充满气魄，这也体现了西汉帝国的强大和对匈奴侵略者的征服，且这块雕塑也是赋予了政治思想—对外宣扬汉朝国力强盛、军功显赫，有一定的震慑作用。 再者，霍去病墓前石雕群都是用整块石头雕刻而成，雕刻工匠将雕、浮、线刻等技法融合在一起，“依山造势，因石施刻”，将写实对象雕刻的淋漓尽致，也表现了雕刻作品的豪放和雄伟气魄，成为西汉雕塑史上光辉的一页。
因此在秦汉时期，雕塑成为了王权与政治的有力工具。但无论是秦朝的兵马俑，还是汉朝的霍去病陵墓前的“马踏匈奴”，都是为了满足统治者的个人需要，也是对自己国力强大的一种炫耀，被政治左右。
三、秦汉时期的雕塑作品风格差异，取决于秦汉两朝采取不同的政治思想
艺术源于生活，从来都不会作为一个独立的个体而存在，雕塑亦是如此。秦朝采用法学思想治国，实行轻罪重罚，用严刑峻法来镇压臣民的反抗，用横征暴敛的方法维持庞大的国家开支，最终激起农民反抗，所以雕塑作品大多都是神情凝重。而汉朝不一样，汉朝是以仁孝治国，儒家思想为主，于是雕塑作品便显得更为活跃轻快。
中国的秦汉时期，上起秦始皇灭六国（前221年），下至曹丕代汉（220年），一共四百四十年的历史。这一时期是中国历史上的一个大发展时期：政治、经济、文化艺术空前发展和繁荣。在雕塑领域出现了以秦始皇兵马俑为代表的秦汉陶俑。我国的秦汉时期对应于西方，正是古希腊和罗马的黄金时期，这是西方历史上的一个蒸蒸日上的时代，在艺术领域也达到了颠峰。其雕塑作品，如雅典娜雕像、断臂的维纳斯等等，都是艺术殿堂中不朽的经典。然而，把中西黄金时期的雕塑艺术作一下对比，就会发现两者之间存在明显的差异。在这些差异的背后，隐藏着更为深邃的原因。一、秦汉时期中西雕塑艺术的差异秦汉时期，中国的雕塑在内容和主题上以人物为主，兼有动物和事物的雕塑。举两个例子，秦始皇兵马俑是以人物为主的军阵，中间夹杂着战车和马匹。汉文帝的阳陵中也出土了大量的人俑，如军人俑、文官俑和仪仗队俑等；另外，动物俑和事物雕塑也占有相当的比例，如猪、狗、羊、房屋等等。而古希腊罗马的雕塑在内容上同中国有明显的区别。古希腊罗马的雕塑几乎全部以人物为主，而且这些人物不像中国雕塑中的人物，他们全是神话人物和英雄人物，如美神阿芙罗狄特、智慧女神雅典娜、亚历山大大帝、罗马皇帝屋大维等等。更有甚者，在古希腊罗马的雕塑中“一些抽象的思想——成了艺术的主题。”[1]这就是说这些人物雕塑不仅仅表现着人物本身，而是在人物雕塑的背后隐藏着诸如胜利、和平、疯狂等一些抽象的观念。比如说阿帕农神庙中的雅典娜雕像就是胜利的象征。这在中国的雕塑中是没有的，中国的雕塑都是表现着活生生的、实实在在、普普通通的人物。在雕塑的风格方面，秦汉时期中西雕塑也存在着很大差异。总体说来，中国雕塑的风格是朴实、庄重的；而西方雕塑的风格是奔放和外向的。比如，秦始皇兵马俑，从将军俑到士兵俑，脸上的神色都是深沉而朴实的，“具有典型的古代中国人的气概。”[2]汉俑也基本如此。但是古希腊罗马的雕像却不是如此。比如，在著名雕塑《拉奥孔》中，三个人物赤身裸体被两条巨蟒缠住，脸上的神情恐惧得十分夸张，这是作者有意为之。又如，卡普亚的阿芙罗狄特，作者故意把她塑造成半裸的形态，以展示美神完美的体形。而且这些元素在古希腊罗马的大部分作品中都能看到。但是，这些外向、夸张的因子不存在于中国的雕塑中。在雕塑时，使用的材料，中西也不尽相同。中国主要用陶塑、木刻，或者铁、铜铸。长沙马王堆汉墓、汉文帝、景帝等的墓葬中都出土了大批的陶人和木偶人。用金属铸造的雕塑以铜铁为主，如长信宫铜人、马踏飞燕等雕塑都是以铜为原料。但是少量的也用铁，毕竟铁是一种重要的军事物资。贾谊这样描述道：“（秦始皇）收天下之兵聚之咸阳，销锋镝，铸以为金人十二。”[3]相比之下，古希腊罗马的雕塑主要以大理石为原料，兼有少量的铜质雕塑。二、秦汉时期中西雕塑艺术差异形成的原因秦汉时期中西雕塑艺术差异的形成，直接原因当然是中西审美观的不同。中国的审美观强调的是一种集体之美。不论秦始皇兵马俑还是汉俑，展现的都是强大阵列的威严、庄重之美。这种美是在众多的人俑的排列、组合、相互联系当中显现出来的。而古希腊罗马的雕塑强调的是个人所展示出来的美。例如创作于前19年的罗马皇帝奥古斯都的雕像：目光炯炯，好像看到了光明的前景；右手举起，仿佛指挥着自己的军队；左手持矛，似乎时刻准备着武力征服；胜利之神在他脚下，给予他无尽的力量。即使是群体像，希腊和罗马人也不希望在整体中展现美。再如帕加马祭坛上表现宙斯和雅典娜与举人战斗的浮雕，一共有几十个人物，但作者主要想表现的是宙斯和雅典娜，所以刻意地表现这两个主人公，使之在整个浮雕中占支配地位。这种情况在秦始皇兵马俑和汉俑中是找不到的。另外，西方的审美观强调直白、明晰、奔放；而中国则强调委婉、内敛、保守。比如在西方的雕塑中，男子和女子多为半裸或全裸的姿态，给人一种强大的视觉冲击力。这是因为希腊罗马人欣赏人类魁梧、圆润的体格，“希腊大师们则把这种不松弛、没有多余脂肪的造型赋予他们的雕像。”[4]但是，这在中国的雕塑中是绝对找不到的。这并不是说明中国的雕塑家不重视人体之美——我们也是非常重视的——只是表现的方式有不同。例如，秦始皇兵马俑的士兵在盔甲覆盖之下的肌肉非常饱满，使人联想到他们孔武有力的体格。但是和西方直观就可以感觉的效果不同，中国的雕塑家希望间接、婉转地去表达这种美，希望观众去联想、去感受。在中西审美观的不同，这个造成秦汉时期中西方雕塑艺术差异直接原因的背后，有着更深层次的原因——那，就是中西文化的差异。这种文化差异最主要的，正如钱穆先生所说：“埃及、巴比伦、印度的文化，比较上皆在一个小地面上产生。独有中国文化，产生在特别大的地面上。”[5]具体来说，中国的文化是在东亚这片广大的大陆上产生的，是一种典型的大陆型文化。其显著的特点就是产生了农耕文明。由于从事农业生产要把农民牢固的束缚在土地上，并要依靠集体的力量才能发展并战胜自然灾害，所以产生了以崇尚内敛、信仰集体力量为核心的审美观。这种文化意蕴在秦始皇兵马俑和汉俑等雕塑作品中淋漓尽致地表现出来了。而西方文化则是在尼罗河三角洲、巴尔干半岛南部和亚平宁半岛这些分布在沿地中海狭小的地域上产生的，是一种典型的海洋文化。这种文化和我们以农耕为核心的大陆型文化不同，它强调冒险和征服，极具扩张性。因此，特别推重个人的力量、英雄主义的行为和侵略性的气质。所以，这种文化反映在雕塑艺术之中就会特别突出个人的英雄气质和外向、奔放的审美情趣。三、结论文化，是一个民族共同心理素质的表露和展现，并会在作为上层建筑的文学、艺术等领域表现出来。雕塑作为一门艺术，不可避免地也会受到文化的影响。这就是为什么中国秦汉时期的雕塑艺术和古希腊罗马的雕塑艺术，虽然大体上处于同一历史时期，但是表现出很大差异的根本原因。由于中国的雕塑艺术受到中国特有的大陆型文化的影响，显现出崇尚群体之美、内敛、保守的审美气质；而西方的雕塑艺术受到其海洋文化的影响，展现出强调个人主义、外向、奔放的审美情趣。从而导致了中西雕塑艺术的种种差异。这种差异不仅体现在秦汉时期的中西雕塑作品中，而且影响了整个中西雕塑艺术的走向。
雕塑艺术是人类情感外溢的物化形态，是中西文化的重要组成部分，不论古代还是近代，雕塑的创造都体现着时代的文化精神，是人类主动的创造行为。中西方由于各自的文化、思维模式、社会组织结构，文化背景的不同，使各自的雕塑艺术表现出极大的差异。 首先，由地理环境和社会组织结构的不同所决定的中西方雕塑在题材与形式上的不同 。 地理环境和地理条件对文化的产生及形成有直接的影响，这是不争的客观事实。众所周知，中国传统文化一脉相承，西方文化不断断裂，与各自的地理环境条件是怎样的一种关系呢？ 中国地处亚洲东部，西临太平洋，地理环境封闭，这就为中华文化自身的融汇，为避免外来文化的冲击确保了客观条件。在地理上自然形成的西高东低的阶梯状，从资源分布上也为牧业、农业、农牧业做出了明确的地理划分，为黄河、长江中下游成为古代文明的摇篮奠定了客观的条件，同时为中华民族的繁衍，中华文化的延续提供了重要依托。从文化的形成来看，西方文化主要来源于古希腊、古罗马。从整个欧洲讲，多处温带，地理差异相对较小，但阿尔卑斯山的重峦叠嶂，西班牙的群山连绵，冰岛的茫茫冰川，也在地理差别中培育了欧洲人不同的民族个性、不同的文化，在客观上形成了文化的多样性。中西方的不同的地理环境决定了各自不同的生活方式，而不同的生活方式又决定了不同的社会组织结构。可以这样说，地理环境的封闭形成了中国文化的一元化，一元化又促使中国两千多年封建连绵不断；欧洲人的开放及形成了欧洲人的迁徙和商贸，也促发了政治的民主和国家的分化。 古希腊的神祗与人同形同性，自上而下为“神系”，加之有地理环境等因素形成了城邦与城邦间的联盟和城邦内奴隶制下的民主制。因此其雕塑以人体、人像为主题，从古希腊创立并奠定了以人为主题的雕塑形式后，一直到现代雕塑兴起的2500年中，人像始终占据着雕塑题材的主导地位，涌现出众多优秀的人像雕塑作品。有单人的也有组合的，动作姿态丰富多彩，这与古希腊“人，乃万物之尺度”的观念有着文化上的必然联系。相比之下，中国的雕塑显示了题材广泛的特点，不仅有人物，动物，虚构的动物（龙、凤、麒麟等），人与动物的合形（女娲、伏羲的人首蛇身），还有山水树林，云朵雾气，神话传说，历史故事，生活场景，以及大量动物器物的造型。尤其在早期雕塑艺术中，各种题材并无明显主次之分，也无主辅之别。只是到了后期，特别是宗教雕塑兴起后，人像才得以充分发展。由此可见，以人为中心的现象显示了中西雕塑的人文主义文化内涵，以景致、动物、植物等为题材则反映了中国古代文化的图腾文化和自然主义精神。中国的神与人互相融合，神会下凡，人能升天，帝王英雄就是其代表，因而自商周以来，宗法制就成为社会组织的重要纽带。这种封建宗法制和礼乐文化，形成了雕塑功能上的封闭性特征，雕塑不是被埋入地下作为陪葬，就是被放置在帝王的陵墓前作为仪卫；另一方面，在西方源于古希腊、罗马的民主制度和共和制度，大量的人像雕塑放置于广场和街道，从而显示出雕塑艺术功能的公共性特征。这种封闭性与公共性不仅是中西雕塑2000多年在题材和文化上最大的不同，也揭示了中国古代陵墓雕塑是为死人服务的艺术，而西方大多的人像雕塑是为活人欣赏的艺术，显示了二者在目的和功能上的不同。 其次，由于观念意识、思维模式不同所造成的中西雕塑在表现方式上的差异。 对比中西文化的思维模式就会发现，中国传统文化的思维模式追求合二为一，把宇宙视为一个统一的整体，是综合的一元论；而西方传统文化的思维模式则以分析为手段，把世界视为不同的部分，追求一分为二，是解析的二元论。在中西思维模式发展过程中，西方的文化又形成了重视逻辑推理的思维模式，它结合古希腊的科学主义和理想主义，为雕塑艺术的典范奠定了重要基础；中国的文化则形成了强调直观意向的思维方式，它通过直觉来直接体验、感悟并把握对象。这种思维方式超越了逻辑、概念而更长于悟性，这种所谓的“豁然贯通”、“点石成金”，也形成了与西方注重分析、偏于抽象的思维模式的不同文化特质。 这种文化特质表现在造型艺术上，便形成了中国雕塑注重意向浑融，注重通过意向之后的表现，从而也形成了中国艺术注重营造意向的观念。这种偏于象征、表现、、写意、追求美和善统一的思维模式与西方注重再现、模仿、写实、追求美和真统一的思维模式也造成了中西传统雕塑中最大的差异。“美”是中西雕塑的共同追求，但“善”体现的是中国的“德”，是伦理性，而“真”体现的是西方雕塑的科学性与知识性。基于伦理性的要求，所以中国的雕塑艺术很少出现裸体的人体雕塑，基于写真和科学性的要求，西方的人像雕塑艺术自古希腊以来就以人体为主，西方的雕塑注重形体的比例、结构、神态、转折，而中国古代雕塑强调神、气，所谓“传神写照，正在阿堵中”。从这一点出发，促成了西方雕塑写实，而中国的雕塑写意的不同特征。中国古代造型艺术自彩陶纹饰，青铜纹样起就非常注重意向的表达，它们包含文化的内涵与造型上的深刻理解。中国古代的雕塑在塑造人物或动物形象时，并不刻意地去追求严格的比例和解剖，不去追求外在形象的精确与酷肖，而是重视情感感受与体验，这种着眼点，不在对象与实体，而在功能、关系、和韵律的审美意识，更关注人物和动物的神采和意蕴，并加以有意的突出、夸张或变形，使形象更为鲜明。西方艺术把形的概念融入到几何形的类型化之中，在哲学和科学双重精神支持下，从对物象模仿，而达到了在比例解剖等方面近乎完美的状态，并为传统的人体雕塑和现代的抽象雕塑提供了可以遵循的途径，以此来归纳形体的变化和运动。而中国以把“形”的概念转向对“神”的揭示，提倡“传神写照”、“以形写神”，重神轻形，重视人物的精神面貌和性格特征的塑造。因此，中国古代雕塑注重表现对象内在气质的特征，而西方传统雕塑注重对外在形体的精细研究，形成了中西雕塑意向造型与模拟造型两种不同的方式。 此外，中国古代雕塑长期将绘画、雕塑并重，“塑绘不分”，“塑容绘质”、“三分塑七分画”，是中国古代雕塑的一大特点，从战国的彩绘木俑、秦代兵马俑以及大量古代彩绘不难发现。而西方雕塑在古罗马之后则形成了与绘画分离的形式。因此，表现方式上，西方雕塑在“模仿说”理论指导下，形成了写实性，再现性的方式，中国古代在“意向观念”，对神与形的辩证理解，对“外师造化，中得心源”的境界追求，形成了表现性的方式。 再次，中西雕塑在功能和类型上的差异。 雕塑艺术作为上层建筑，同其他社会意识形态既有联系又有区别，在反映社会生活方面，中西雕塑都十分强调其社会功能。归纳起来主要有认识作用、教育作用和审美作用等三个方面。雕塑的认识作用和教育作用是通过审美作用于客观的；审美作用同认识作用和教育作用是不能分开的，三个作用统一于审美，但它又不是一回事。雕塑的功能脱离不了社会性、政治性、文化性。中西雕塑源于文化背景的差异，在社会目的和作用方面也有着一定的差异。中国的古代雕塑与巫史文化、宗法制度、礼乐丧葬、宗教文化等社会功能都紧密地联系着，它从文化形态上就已经限制了中国古代雕塑的基本发展形式。如新石器时代的石器、骨器和陶器，商周时代的青铜石器，魏晋南北朝和隋唐宋时期的陵墓雕刻、墓用雕塑和宗教雕塑等多种文化融合的雕塑艺术，明清时期的装饰性和工艺性雕塑。这一点，在希腊、罗马等西方雕塑也同样存在。其中包括希腊、罗马队整个社会思想意识的揭示，包括中世纪雕塑对宗教文化的表现，文艺复兴以来雕塑对人文主义的宣扬，也包括现代雕塑对理性的叛逆，对非理性的体现。 从中西雕塑的类型来看，在二三千年间，中西雕塑都分别在自己的历程中展现了雕塑在形式上的主题性、纪念性和装饰性，也都反映出了在题材上的宗教性和世俗性。但中西雕塑在类型上的不同则体现在两点：首先，希腊的雕塑自古希腊以来就形成了公共性的特征，而中国的雕塑则是封闭的。二、西方的雕塑与建筑经历了从一体到分离的发展过程；而中国古代雕塑除了墓俑雕塑和工艺性雕塑外，几乎与建筑从未分离，这既是西方雕塑能独立发展的原因，也是中国雕塑对建筑长期依附的原因。所以说，中国古代的文化造就了中国古代的雕塑类型，形成了以陵墓雕刻、墓俑雕塑和宗教雕塑以及建筑装饰性雕塑、工艺性雕塑的五种形式；而西方的文化也影响着西方的雕塑类型，形成了公共性、纪念性、宗教性以及建筑装饰性和工艺性雕塑五种类型。倘若在比较就会发现，中国的宗教雕塑主要是以石窟、寺庙为主，前者多为石刻，后者多为泥塑彩绘，而西方宗教雕塑主要体现在教堂建筑的室内外陈设上。在纪念性雕塑方面，中国以帝陵为主，而西方则更多的表现为具体的人物和事件，并以与建筑相统一的形式设置于广场。此外，中国的古代雕塑在彩塑方面曾取得了辉煌的成就，无论是敦煌、麦积山，还是诸多的寺庙都留下了无数优秀的彩塑艺术，它们有的独立，有的组合，有的则与壁画、环境协调统一，成为整体的一部分，在二三千年来为中国造型艺术留下了丰硕的文化财富。 此外，源于中西方各自的文化背景，雕塑家也表现出差异性。在西方，古希腊雕塑家具有极高的社会地位，受到社会的广泛尊重。这一方面与雕塑家揭示神祗和英雄形象被视为是一项光荣而伟大的事业有关，另一方面，也与雕塑家在进行雕塑时对古希腊哲学、美学等方面的深刻揭示密不可分。雕塑家都是一些高层文化的思想者，不仅是艺术家，而且是精神探索的学者，他们写出了众多辉煌的雕塑理论，这些理论又服务于雕塑实践，极大的促进了西方雕塑艺术的发展。反观中国，在古代，中国的雕塑艺术家虽然创造了商周无与伦比的青铜艺术、秦汉浩繁的雕塑作品、敦煌举世闻名的彩塑艺术，可以说，从规模、材质、工艺到造型、表现、塑造都取得了世所共见的丰硕的成果，但从来没有留下相关的雕塑理论或有关雕塑者的名字。中国古代雕塑家都从属于“百工”之列，属于工匠，在技艺的传承上，中国的“师傅带徒弟”、“面授心传”等方式也严重地阻碍了雕塑理论的发展，所谓“正宗”和“程式化”也极大的限制了中国雕塑艺术的进步。这都显示了中国封建社会前期，雕塑家在社会上的卑微地位，也反映了中西文化在这一点上的巨大差异。 结论： “大抵有基方筑室，未闻无址忽成岑”。同其他艺术形式和文化的关系一样，雕塑的发展和文化背景也是不可分割的。雕塑是人类的精神产品，也是文化的组成部分；文化的内涵决定着雕塑的形式，雕塑的形式也丰富着文化的内涵。雕塑是人类情感的物化形式，揭示着人类不同时期的宇宙观和人生观，蕴含着人类对生命的极大热情；文化对雕塑的作用，既造成了中国唐至宋代之后雕塑的衰弱，也促成了西方雕塑随着文化变革而不断的演进。正如庄子所言：“自其异者视之，肝胆楚越也；自其同者视之，万物皆一也。”中西文化的差异在于文化的特质，而中西雕塑的异同则在于雕塑的基本特征，中西雕塑的比较既具有着文化和历史的价值，也具有着时代和现实的意义。
应该不是问翻译吧。先行研究就是查找学者一些对于日本女性地位研究的资料和看法，然后进行一下总结，不同的学者对日本女性地位这一问题应该有不同想法和看法的（这些就是先行研究）然后你从这些学者的看法和想法中如何得出你自己的观点（这个就是你的研究和看法）
绘画新古典主义论文
新古典主义绘画的本质是在于追求物象的内在，从外在达到内在的借喻手段。那么，绘画新古典主义是什么呢？
一、新古典主义代表人物
新古典主义以文艺复兴的人文主义的美学为创作思想，崇尚自然与理性，选择庄重的绘画内容，画面体现出了完整性和塑造性，强调以理性主感性为辅，着重素描关系而忽略色彩关系。
新古典主义的代表人物有安格尔、路易?达维特。
安格尔受到达维特的影响，追求理想美。
所以他对作品做到了尽善尽美的完美，技法上以简练的概括，视觉感受上则是温文尔雅。
他以对实物的精准反应，是受到拉斐尔和古典主义的熏陶。
他擅于观察造型以现实为根基并能加以主观意识的处理，在其作品中用造型线条的调整，形成节奏上的韵律，线条上的流畅，最终形成他所追求理想化的完美，安格尔的《泉》，在其表达的内容上反映女性的自然美，思想从肉性转换为表现女性的神性，可以说他在阐述古希腊和古罗马雕塑上神似的美。
从大的场景渲染到反映生活的小琐事。
在其形式上去掉严格的牢笼大阔步迈向主观的新古典主义。
注重轮廓上的严谨，表达柔美的人物体态，在理性中寻求感性的适从性。
维安讲究对绘画作品有进行本质的还原，极力推崇古拙，雅致的美，他反对绘画的情欲，要做到绘画者和作品之间的人文气息，是人文的再现，同时也是人文主义的回归。
他的弟子达维德，其作品《荷拉斯兄弟之誓》再现了古罗马艺术作品的神性。
19世纪初期，毋庸置疑在达维特的倡导下新古典主义在法国取得了前所未有的盛况。
从达维特到他的学生安格尔，新古典主义出现了重大的转折，从刻板的描绘到具有东方色彩的古典主义，其安格尔的女性绘画题材成就高屋建瓴。
二、新古典主义文化思想
新古典主义当属西方哲学体系。
在西方美学中，新古典主义从不同的方面阐释着美学思想的核心，当然这是与启蒙思想是分不开的。
最主要的特点就是和谐。
黑格尔在《美学》中诠释古典美仅仅限于古希腊罗马时代，从中世纪开始了以崇高为特性的美，他的“美在自由”说和“有机整体”说成为了西方古典美学理论的基石。
狄德罗他把美解析为“实在美”与“相对美”，前者是实物本质的美，也是事物各个有机体的从属、映射等，这是形式的和谐。
“相对美”是指实物之间存在千丝万缕的联系，包括了社会内容，人物个体意志，万物的形态，审美的对象，美的接受和传递。
在新古典美学和启蒙主义上都在倡导理性，这种理性是抽象的，这也是到时人意识所决定。
充分说明，理性为为主体，感性为客体的主客关系。
从新古典主义本身的功能来说主张道德教化。
从艺术形式上的'表达来看，它主张类型说，它反映的社会内容在某种意义上来说是当时君主专制政体的结果。
这种和谐是被封建主义所允许，并是在其控制下的“和谐”。
作为新古典主义绘画，在其美学上达到主客感性和理性状态之中的和谐。
但是在和谐的前提之下，客体与主体，理性与感性有着不同的关联，这就形成了古典美学发展的阶段。
具体来讲，新古典美学是客体与主体，感性与理性全部统一与理性阶段。
狄德多主要艺术主张有，一是“美在关系说”的产生;二是孕育了新的艺术形式——严肃喜剧;三是带有浪漫主义的原始主义;四是在表演艺术中，表现和体验的矛盾，基于理性的表现。
所谓的“理性”符合人性原则的先天规范。
新古典主义绘画是表现静的美学对象，突出叙事性、图像性。
新古典主义绘画的艺术理论支撑源于古希腊和古罗马。
法国新古典主义影响力巨大，映射到了欧洲，其中有威尔逊、富塞利。
他们都在从不同角度探究出了新古典主义规律。
三、表现推崇理性
主张绘画作品要在理性中展开，抵触主观意识上的表现。
在大场景的英雄内容上转变为贴近生活表现的现实主义。
在作品的效果上借用现代材料，从不同纬度阐释着新的传统内涵。
可以这样说，理性的表达着新古典主义所倡导的形神兼备，最终的达到雅致，品味具佳的画面效果，这样的艺术追求足以反映一个高贵中却不失去生活的时代特性。
古典主义是对古代文学的继承和发扬。
新古典主义绘画的特点：
(1)新古典主义绘画的主要的指向是“形散神聚”，既有装饰的意味，又有新古典主义绘画的气质，所以说新古典主义绘画具有自身性和相依性。
使得让美术接受者在享有文明的同时享有精神上的寄托。
(2)注重装饰效果，用陈设品来渲染历史的脉络。
(3)媒介的大量使用和技法的熟练控制保留了材质，色彩，摒弃了过多的线条，却从未丢失性格，却仍然能感受到历史发展的轨迹和文化底蕴。
四、结语
新古典主义绘画的本质是在于追求物象的内在，从外在达到内在的借喻手段。
追求理性却不刻板，倡导神似却不迷信，以人文主义为创作思想。
多种媒介和娴熟的技法运用达到了美术家所追求还原事物本质内在规律，阐明人与自然，事物之间的联系，美术创作者和美术接受者相统一，构思到传达，审美到表现都形成了无意识的灵感，形象思维和审美意象的创造则是对事物本源的回归。
这才12月呢！等明年4月在准备吧！多玩玩！
你这问题也太假了吧，谁会啊，上百度知道的，能是什么专家学者嘛。
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那个赵佶把工笔画鸟发展到极至，就是不会当皇帝
中国画是我国乃至亚洲诸多国家的传统绘画艺术形式，花鸟画则是绘画千百年来表现自然的一种传统绘画手段。其独立画种早在唐代就形成了，并为历朝皇室及民间服务，现在能见到的主要表现在工艺品上、壁画及墓室文化中，形成绘画形式，在宫廷皇室中尤为多样，使花鸟画的完善和发展起了很大作用。随着社会及历史发展到五代时期，中原大部分陷于战乱，地处江南的南唐和四川的西蜀政权较少受到战争的破坏。这里自然条件优越，物产丰富，经济繁荣，安史之乱和唐末战乱中有些中原画家逃奔蜀地，南唐也聚集了不少绘画人才。两地的统治者又酷爱书画，其中西蜀更多地继承了唐代中原绘画的传统，在宗教画和花鸟画也独树一帜。南唐绘画发展较为全面，特别是花鸟画领域有所创新。在花鸟画不断发展的过程中，画家们逐步在水墨基础上完善色彩与自然关系，并在“水墨”上下功夫，将绘画，特别是花鸟画改革创新，达到心画一致，以“水墨重色”、“色更自然”的新花鸟画形式，并将“诗、书、画、印”铸为一体表达心境，即是现在所称谓的“文人”画。 五代十国历时53年，虽然纷争并峙，但在绘画创作方面并没有停止，仍在前人的基础上继续发展。五代十国的书画，在唐代和宋代之间形成了一个承前启后的时期。无论是人物、山水，还是花鸟，都在前代的基础上有了新的变化和面貌。中原地区的战乱，并没有使得寺庙壁画的创作陷入停顿，但是风格都依托于吴道子的风范之下。在山水画的创作中则将唐人的水墨法大大发展了，出现了荆浩开创的北方山水画派。南唐的相对安定和其统治者对书画艺术的偏好，使得南唐绘画得到了长足的发展。画院的创立为画家开辟了新的出路和去向，同时也在很大程度上开始左右民间的绘画观念和风尚。人物肖像画、宗教画和仕女画都有名手出现，皆从前代的吴道子和周昉等处脱胎。在山水画上，则出现了与北方相异的江南山水画派，它的开创者时著名的画家董源。花鸟画也由于宫廷贵族的喜好而逐渐发展起来。南唐的著名画家有曹仲玄、周文矩、顾闳中、王齐翰、高太冲、董源、徐熙、赵干和卫贤等。地处内陆的西蜀则因为晚唐以后不断有画家避乱入蜀，也设立了画院，在宗教壁画的创作方面极为兴盛，宗教人物画方面则出现了贯休、石恪等有变形风格的作品和写意画法。同时代的花鸟画则显得极其精致，黄筌父子是其完善者和光大者。 960年到1127年间的北宋和南宋时期的阶级矛盾、民族矛盾都极为尖锐，并多次经过战争破坏，但社会的发展却没有止步，在手工业、农业、商业发展的基础上，文化艺术也走向的新的繁荣，绘画也迈向了一个新的台阶。 北宋继承了五代西蜀和南唐的旧制，建国之初，就在宫廷中设立了“翰林书画院”，对宋代绘画的发展起到了一定的推动作用，也培养和教育了大批的绘画人才。徽宗赵佶时的画院日趋完备，“画学”也被正式列入科举之中，天下的画家可以通过应试而入宫为官。这是中国历史上宫廷绘画最为兴盛的时期。北宋画坛上，突出的成就是山水画的创作。画家们继承前代传统，在深入自然，观察体验的过程中，创造了以不同的笔法去表现不同的山石树木的方法，使得名家辈出，风格多姿多彩。李成和范宽为其代表。花鸟画在北宋时期的宫廷绘画中占有了主要地位，风格是黄筌的富贵之风，直到崔白等画家的出现才改变这个局面。北宋人物画的主要成就表现在宗教绘画和人物肖像画及人物故事画、风俗画的创作上。武宗元、张择端都是人物画家中的卓越人物。 在北宋时，除了宫廷和民间各自存在有数量可观的职业画家之外，还有一支业余的画家队伍存在于有一定身份和官职的文人学士之中。他们虽然不以此为业，但是在绘画的创作实践和理论探讨方面，都有显著的特点和突出的成就，并且已经自成系统，这就是当时被称作“士人画”，后来被叫做“文人画”的一类。以官僚贵族和文人身份参与绘画的创作活动，古已有之，但是那些人的作品和职业画家的作品没有分别，也没有自己的理论体系。但从北宋中期以后，苏轼、文同、黄庭坚、李公麟、米芾等人在画坛上活跃起来，文人画声势渐起。苏轼明确提出了“士人画”的概念，并且认为士人画高出画工的创作。他们还为士人画寻找到了一条发展脉络，唐朝的王维甚至东晋的顾恺之都变成了这一体系的创始人，强调绘画要追求“萧散简淡”的诗境，即所谓“诗中有画，画中有诗”。主张即兴创作，不拘泥于物象的外形刻画，要求达到“得意忘形”的境界。采用的手法主要是水墨，内容从山水扩展为花鸟，这一时期文人贵戚出身的山水花鸟画家增多与此有关。这股潮流的兴起，是中国绘画史上的一件大事，不但对后代的中国绘画发展产生了深远的影响，甚至在一个时期内，左右了中国画坛。 南宋的山水画的代表人物主要是号称“南宋四家”的李唐、刘松年、马远、夏圭，他们各自在继承前代的基础上有所创造。 文人画在南宋时期除了在理论上进一步展开讨论以外，在实践中也有令人瞩目的成就。米友仁的“云山墨戏”，扬补之的墨梅，赵孟坚的水仙兰花都为世所重。被称为“四君子”，时至今日仍被画家看重的梅、兰、竹、菊，在南宋时已基本成为文人画的固定题材。两宋是古代花鸟画空前发展，并取得重大成就的时期，宫廷中装堂饰壁务求华美，使花鸟画在贵族美术中占有重要地位。社会中上阶层需求及工艺装饰也促使花鸟画的发展和活跃。北宋的花鸟画，如同山水画一样是在五代花鸟画家基础上发展起来的，五代著名的两大花鸟画家黄筌和徐熙都生活到宋代初年，其子孙黄居采、徐崇嗣等都擅长花鸟画，对宋代花鸟画的发展有很大影响。特别是由黄筌、黄居采父子所开创的细笔勾勒彩的写生画法，在宋初100年间，被宫廷画院当成花鸟画的一种规范。以后北宋的花鸟画家虽然不断有新人出现，如革新派花鸟画家崔白(11世纪)，自称为“写生赵昌”的赵昌等人，在突破“院体”画题材的束缚等方面有所创造，但他们基本上还是保持着纯客观地描写。现存崔白《双鸟戏兔图》和赵昌的《蝴蝶图》就是明显例证。 以院体画为代表的北宋花鸟画，能客观描写，注重写生。由于愉悦统治者为目的，甚至连皇帝也亲自参加绘画创作，他们有极度的闲暇和优越的条件把追求细节的真实发展到了顶峰。如宋徽宗即是北宋著名的花鸟画家。他在控制宫廷画院的时候，要求画院的花鸟画家研究孔雀升墩是先举左脚还是右脚，月季花在不同时间要表现出花蕊、叶子不同的变化。像这种细节真实的追求，便是皇家画院的重要审美标准。北宋院体花鸟画的这种注重写生以至刻意追求细节真实的艺术风格，在整个宋代都是花鸟画的主流，同时，“院体”花鸟画的发展也对“文人”花鸟画的兴起奠定了基础，也是当时政体与绘画形成的必然。 在宋代宫廷画院之外，花鸟画还存在着另一股虽不占主要地位，但对后世文人花鸟画很有影响的潮流，那就是以文同、苏轼的墨竹、杨天咎的墨梅，以及郑思肖的兰花等为代表的不再强调踏实于写生，而是强调借物抒情的花鸟画。在这种艺术潮流影响下，传统花鸟画中的所谓：“四君子”(梅兰竹菊)题材日益流行起来，这种风气到了元代文人画大兴时，得到了更大的发展。 后人知晓的“文人画”最早源于宋代苏轼提出的“士人画”。宋代文人画家都不是专业画家，是文人士大夫的业余创作。北宋中后期文人士大夫绘画形成了独特体系，他们的绘画抒情寄兴、状物言志，不完全拘泥于形式格法，多好水墨写意，爱画梅竹，以表现高洁品格；爱写兰菊，以示自我之胸襟，其完美趣味与精工的院体和职业画家不同。据传墨竹兴于晚唐五代，但取得重大成就而对后世产生巨大影响的是北宋的文同，他曾在京城任太常博士，集贤校理，后到四种陵州等地任地方官，后调湖州，未赴任而卒。苏轼称他的诗词书画为四绝。他爱画墨竹，对竹进行过深入观摩体验，自称“画竹必得成竹于胸中，执笔熟视，乃见其所欲画者，色起从之，振笔直逐以追其所见，如兔起鹘落，少纵则逝矣。”虽是寄兴但却是酝酿成熟的。传为他画的《墨竹》轴造型真实画风严谨洒脱自然。他的墨竹开创了“湖州竹派”。文学家苏轼也擅长墨竹，传说他还画朱竹等。墨梅传说始北宋华光和尚，而杨补之成就最高。书法家欧阳询“以其笔画劲利故以之作梅。”他的墨梅有清雅闲逸、出尘绝俗的情致，与院画塑造的娇艳柔丽的形象大不相同。 在文人画的精神中赋予梅兰竹菊以道德品格，把绘画心态情绪言表于画里画外，诸如“四君子图”、“岁寒三友”等等。有时是“逸笔草草”，狂写自我。这在宋代已形成，至明清而大盛，成为传统画中的独特门类。 元代花鸟画的主流是向文人画情趣发展，绝少有画院之工笔重彩富丽细腻者，文人水墨写意及水墨梅竹勃然兴起，显示了花鸟画领域的巨大变化。而文人画作者虽前师宫廷，也入室重彩大师，却后在文人绘画里发展。此时的代表人物有王渊、张中、王冕、柯九思等人，像王渊早年师赵孟，特别是花鸟师宫廷画派大师黄筌，自己却以水墨画白描法画花鸟树石风格著称于世，花鸟以水墨中见精微严谨而清雅淡逸，显示了院体花鸟转向文人情趣的风格，其张中，亦工墨笔花鸟，比较王渊又显粗简淡逸，兼工带写，对明清花鸟画有一定的影响。 “文人”花鸟画形成已给中国传统绘画注入了新的意识，五代时期全国战事政乱，尽管如此，“文人画”也得到了上层和民间的认可，同时也在不断地发展。“文人”其代表性不只局限于绘画，其涉于各个文化领域，由此，给绘画中的花鸟画以良好的土壤，使“文人花鸟画”发展先于其它。而徐渭则是五代以来“文人花鸟画”的代表。他有怀绝世之资而遭遇不偶，有济世之才而无以施展之心态，故在写意花鸟画创作中兼吴派写意花鸟与林良写意花鸟之长而不为所衷，以狂草般的笔法纵情挥洒，泼墨淋漓，在“似与不似之间”的花木形象中着眼于生韵的体现，在文人绘画道路上长于诸家。八大山人是继徐渭之后又一“文人”绘画的杰出代表，他笔下的花鸟画完成是拟人化的表现手法，借画表心态，抨击当朝，指东骂西，以抒发心中不满之情，使文人绘画，特别是花鸟画达到了新文人画高度，对后世及现代影响极大。 文人绘画兴起，是与当时社会发展分不开的，绘画在士大夫层领域一直是玩偶，旧时画风束缚着众多画家，要用画表心境已远不及当时文人之心境，故众多画家，也包括宫廷画师，把作品转向文人画，把绘画心态调到文人画上来，以满足民众，满足文人画为士大夫气，从五代开始元代后期文人画风创作已渐成熟，从而对以后的中国绘画起到了推波助澜的作用。