windy幸福快降临
音乐靠乐声的运动来表达人们的思想感情,舞蹈靠人的形体变化表达人们的思想感情。它们都长于抒情,拙于叙事。音乐和舞蹈都是“时间的艺术”、都有一定的力度和节奏,那优美的音乐旋律可以使舞蹈动作更有节奏感,而舞蹈的节奏感还可以表现优美的音乐旋律。舞蹈和音乐的这种“共性”,为它们的结合提供了坚实基础。就舞蹈来说,在音乐伴奏下,会显得更优美动人,增加舞蹈的表现力和感染力。我们还可以从舞蹈和音乐的不同点,来认识舞蹈同音乐的紧密关系:舞蹈作用于人的视觉,是“无声”的艺术;音乐作用于人的听觉,是“无形”的艺术。这种个性差异,要求舞蹈同音乐结合起来。不是经常有人觉得舞蹈中的人物“无声无息”,动作的意义不甚明了吗?恰好,音乐可以弥补舞蹈的不足:可为舞蹈“发声”。有了音乐,能够使观众的视觉、听觉同时增加快感,舞蹈的审美意境更易于为广大观众理解、掌握,因此,人们称:“音乐是舞蹈的灵魂”。
点評狂魔
舞台设计是以"舞台"为标的物的设计,更细的说以舞台设备、灯光、布幕、音响、演出道具、悬吊与更换支架系统、戏服、戏妆为为标的物的设计。与展示设计雷同的是这些标的物都是"配角",要由"表演活动"来当主角。另外,舞台设计还具有剧情配合的时间向度的特性。在舞台设计的精致程度分类上大致都可分为露天野台、流动舞台 、室内舞台三种,而就舞台设计的发展上,西方与我国也各有不同的类型出现。在西方,文艺复兴时期舞台设计有较大的技术突破,包括:镜框式舞台、透视布景、假透视、快速(镟转)更换的侧幕系统等等,不但使以戏剧与歌剧为核心的"舞台"设计,成为西方舞台设计的主要工作内容,更借由文艺复兴运动,使这种舞台设计从义大利快速的流传整个西方世界。就舞台设计所处理的内容而言,主要有观众席、舞台、后台三大部份,观众席包括座席、音响环境、视角视野、进场出场路径、物理环境;舞台包括灯光、布幕、音响、演出道具、悬吊与更换支架系统、戏服、戏妆等等;后台包括换装化妆、文武场(乐队)、过场通道、基本道具陈放、以及准备出场空间等等。所以舞台设计所需要的能力就包括了:表演活动(或戏剧演出)的知识、舞台绘画、道具制作(美术工艺)、舞台灯光、道具与服装式样演变的知识、音乐与剧曲的知识、音响控制的知识等等。
舞台机械最重要的指标之一是安全可靠,所有种类的舞台机械都必须保证在任何时候是绝对安全可靠的。
对舞台机械的可靠性设计,目前研究的很少。可靠性设计理论是建立在大量实验数据基础上的,不同的使用场合要求不同的可靠度,设备的可靠性是根据其重要程度、工作要求和维修难易等方面的因素综合考虑决定的。舞台机械的使用率不高,载荷率较低,对寿命设计有一定要求,而对可靠性设计则要求很高,因为一旦出现问题就可能造成严重的安全事故或较大的经济损失。舞台机械必须有较高的可靠性,其失效机率应在之间。由于缺乏必要的实验数据和具体深入的研究,可靠性设计理论在舞台机械设计中尚无具体套用。研究表明,虽然只用安全系数不能完全反映可靠性水平,但在舞台机械零部件设计中将各参数作为随机变数处理,尚缺乏足够的数据。所以,将设计参数作为确定量,用强度安全系数或许用应力作为判别依据,通过选取适当的安全系数来近似控制其工作可靠性的要求,仍然是当前舞台机械设计的主导方法。由于计算结果与实际情况有一定偏差,故必须使计算允许的零部件的承载能力有必要的安全裕量,这就是确定安全系数的基本出发点。通常,舞台机械还应提出设计寿命指标。以工作年限为单位的寿命指标对舞台机械并不适用,而以工作小时计的寿命更符合实际,8000~10000小时的工作寿命应当是舞台机械设计的基础数据。
舞台机械的安全性指标主要包括设备安全、人身安全和电气安全等三方面,而且,这三个因素相互关联、相互影响,有时是不可分割的。
镜框式舞台是指观众位于舞台的一侧,而舞台的其余侧面被物体遮挡,以供演员和技术人员做准备工作。最早的永久性镜框式舞台是在义大利的帕尔马尼斯家族在1618年建造的。
伸展式舞台与镜框式舞台的区别在于,舞台的一部分向前突出,伸向观众席,这一部分的三面都暴露给观众。
圆环形舞台是指观众位于舞台的四周。通常圆环形舞台位于剧场的中央。观众可以近距离地欣赏表演。又叫做中心式舞台。
设备安全是指:舞台机械设备在规定的工作条件下长期使用不产生意外事故的能力;在发生临时故障时能在降低后的技术参数下继续工作的能力;舞台机械设备对非正常工作状态的感知、显示和报警的能力。这种能力或性能通常是由机械设计本身和电气控制共同完成的;考虑在演出中尽快能排除舞台机械的临时故障的能力,使舞台机械的故障尽量能不影响演出的正常进行。
涉及设备安全的因素很多,主要有以下几个方面:
所有机械零部件的选择和设计必须保证在额定载荷和惯性载荷的联合作用下,能可靠的工作并有一定的安全储备,即有足够的安全系数。安全系数定义为:所有材料的极限应力与零件的最大工作应力之比。零件的最大工作应力应
考虑最大静载荷及动载荷(紧急启制动、碰撞等惯性载荷)作用下产生的应力。例如:悬挂重物或牵引用的钢丝绳,其安全系数应大于或等于10;起重链的安全系数应大于或等于12;传动链的安全系数应大于或等于10;所有传动系统的部件在选用时应能承受两倍的额定载荷;初略计算时,传动件和受力件的安全系数应大于或等于6,精确计算时其安全系数应符合有关标准或规范对该类零件的规定。
舞台机械的主要受力构件应有合适的刚度,以适应舞台表演的需要。通常,规定受力构件的挠度应小于构件跨度的1/1000~1/800,有时,还对挠度的绝对值作出规定,这些构件必须同时满足这两个要求。传动件的扭转刚度、压杆的稳定性等应符合有关标准规范的规定。对升降台来说,为了获得足够的横向刚度,其计算水平载荷不小于垂直运动载荷的1/20。
为避免或减少某些机械零件由于结构尺寸不合理而产生过大的附加应力或过早的疲劳破坏,设计时应对其结构尺寸给予足够的重视。卷扬系统的零部件比较典型,如:卷扬机驱动卷筒的直径应大于钢丝绳直径的18倍,滑轮直径应大于钢丝绳直径的20倍,摩擦传动(曳引式传动)的驱动轮直径应大于钢丝绳直径的40倍等,所有钢丝绳用的配件都要和钢丝绳直径相匹配,钢丝绳接头只能采用那些传递载荷大于80%钢丝绳断裂载荷的接头形式,如:编接接头、合金浇注套管接头、楔型接头、铝合金挤压套管接头和符合规定并正确使用的钢绳绳夹等。卷筒挡边的高度应大于钢丝绳直径的2倍,单层卷绕的卷筒,至少留有两圈摩擦固定圈。
专业舞台灯光设计构成要点
建筑,雕塑,绘画是把时间,空间在平面或立体中保持相对永恒的艺术。演出艺术作为综合时间和空间艺术需要一个维持观演关系的空间--剧场或演出场所。舞台美术家在超越时空的演出 *** 同构成具有声、光、色、形等多维因素的视觉和听觉的创意空间,并随着时间,以及情节、场景的转换而延续发展。不论是戏剧情节的转折还是戏曲歌舞的表演,与此同时,演出灯光在观众视觉中或以不知不觉的方式进行光的明暗效果变化、形体空间的变化或以灯光设备本身具备的功能造成各种视觉表现效果。以塑造形象、渲染色彩、变化节奏等方式参怀演出并形成有视觉语汇的特舞台演出空间气氛,从而影响观众的情绪变化,构成情景、演员、观众相互影响的与舞台演出内容吻合的特定空间。
液压镟转升降舞台设计与套用
随着文化生活的日益丰富,人们对演出活动中舞台效果的要求越来越高。在比较高档的文化娱乐场所,为创造一种生动活泼的立体演出效果,传统的静止舞台逐渐被摈弃,而代之以镟转升降舞台。笔者承担了某五星级大酒店室内镟转升降舞台的设计工作,在制订设计方案时,考虑到有效利用现场的有限空间,尽可能地减少传动装置的占地面积,可靠保证舞台平稳升降和镟转,采用了液压传动方式。(1)镟转升降舞台的工作原理该舞台直径6m,采用钢结构焊接件作为基架,再以防火材料加以装饰。舞台本体自重约3500㎏,设计最大有效载荷2500㎏,舞台最大升降高度为1m,要求能够单独控制舞台的升降和镟转运动。
舞台由台面4、转轴3、齿圈2、滚柱组件1、液压马达5、键6、底板7、底座8及均布于底座下方的驱动液压缸组成。四只伸缩式液压缸的活塞同步上升时,推动底座及舞台沿导轨竖直上升。舞台的镟转运动由可独立控制的液压马达驱动齿圈2来实现。为有效降低摩擦阻力矩,在底座和台面间布置了滚柱组件,保证液压马达能够比较轻便地驱动舞台回转。
(2)液压系统设计
1液压系统组成及工作原理
液压系统组成如图二所示。其工作过程如下:
舞台升降:油泵电机启动后,双联油泵1开始工作,但大流量泵和小流量泵均处于卸荷状态。舞台上升时,电磁铁YA6得电,升降回路升压,大流量泵输出的液压油分别通过换向阀4~8再经四个液控单向阀12~15进入四个液压缸无杆腔,产生推力,克服舞台重量和导轨副摩擦推动舞台上升。因液压缸尺寸较大,舞台上升速度较慢(设计上升速度为),为减少液压元件的数量,保障系统的可靠性,不设定调速元件而采取由油泵和液压缸尺寸予以直接保证的设计方案;当舞台停止上升或到达最大行程时,电磁铁YA6失电,换向阀25处于左位,主回路卸压。由于液控单向阀12~15锁死,舞台停止在锁死位置;舞台下降时,电磁铁YA5、YA6得电,系统控制回路升压,高压油进入液控单向阀12~15的先导控制阀,将液控单向阀打开,同时YA1~YA4得电,换向阀4~7接油箱,舞台依靠自重下降。下降速度可由调速阀12~15调定。同步控制:本系统四条同步支路所选用的元件型号相同、各支路输入流量相同,可以较好的保证四个伸缩式油缸的同步上升、同步下降。
平衡控制:为使四个液压缸产生相同的推力,系统中采用四个单向阀16~19将四条支路隔离开,然后用一个溢流阀20进行压力控制,保证各支路设定压力相同。
考虑到施工现场场地有限,为节约空间,提高效率,本设计中采用了双联式油泵。大流量泵用于驱动舞台升降,小流量泵用于驱动液压马达带动舞台镟转。两种运动可以独立控制,互不干涉。油泵启动时,通过换向阀27卸压;需要控制舞台正向镟转时,电磁铁YA9、YA7得电,换向阀24处于左位。高压油经阀24进入液压马达驱动其回转,通过马达输出轴齿轮与齿圈传递舞台以驱动力矩。若YA9、YA7得电,则马达驱动舞台反转。单向阀22、23和溢流阀26组成液压马达过载保护回路。电气控制回路设计
分析舞台工作过程,为实现液压系统的运行控制,各电气元件的动作循环。根据电气元件动作循环表设计电气控制线路图。按下上升按扭SB3,中间继电器K1得电并自锁,电磁铁YA6得电,换向阀25置左位,舞台上升。舞台上升至行程终点压下行程开关ST,中间继电器K1失电,换向阀25边为常位,液压系统升压。此时液控单向阀12~15截止,液压缸G1~G4无杆腔中的液压油不能排回油箱,处于保压状态,维持舞台在该处静止。按下下降按扭SB4,中间继电器K2得电并自锁,同时K1得电,电磁铁YA5、YA6、YA1~YA4均通电,高压油经换向阀3进入液控单向阀12~15的先导阀,液控单向阀打开,液压缸在调速阀8~11的控制下缓缓下降。舞台升降和回转可以灵活机动控制,运行中可随时停留。按下按扭SB7,液压缸控制回路失电,舞台在该处停留;按下按扭SB8,液压马达控制回路失电,舞台停止镟转。控制线路中设定了动合触头KM1来保证油泵启动后再控制各液压阀,达到了电机启动和液压控制的互锁目的。
(3)液压系统维护与故障处理
该舞台机械传动装置比较简单,只要定期对齿轮副和导轨副进行润滑,防止异物进入,可以保证很高的可靠性。而液压系统相对比较复杂,影响其正常运转的因素也多,因此对液压系统进行主动保养和预防性维护,可以使液压镟转升降舞台保持良好的技术状态。镟转升降舞台液压控制元件与电气元件工作环境比较恶劣,主动保养和预防性维护的重点是这些元器件的可靠性。应经常性地检查换向阀电磁铁的工作状态及阀芯滑动是否灵活,及时消除阻滞现象。定期清理周围环境中铁屑等杂物,防止控制阀芯被卡死。要检查电气元件是否存在短路等隐患,清扫灰尘,去除油污,保障电气元件正常工作。滤油器滤芯在工作250h后,应进行检查,进行清洗或更换。液压油箱应每隔3个月从底部放油口清除水分和杂质一次,并每隔一年(或工作满2000h)更换全部液压油。
液压镟转升降舞台经过近两年的运行,性能稳定。期间出现过一次小故障,故障形式表现为泵启动后明显听到异常声响,舞台升降不灵活。操作上升按扭后,有时出现舞台无反应,有时经过较长时间后可以上升,但速度极慢。下降时出现同样故障,且伴有舞台抖动现象。我们分析,造成异响这种现象的原因可能是油泵吸真空或柱塞泵内部件损坏所致。但柱塞泵工作时间并不长,问题最有可能发生在油泵吸油不足方面。而油泵吸油不足可能是吸油管过滤器堵塞或者吸油管漏气导致供油不充分。考虑液压系统安装空间狭小,拆开油箱检查比较困难,我们将液压阀27的进油软管拆开,启动电机后发现油液间断性喷出,随后停止排油。油箱油量指示正常,拆开油箱后仔细观察吸油管无异常现象。果断更换过滤器,试运行排油正常,操作舞台上升按钮,舞台能正常上升,但舞台下降时依旧不能正常完成动作。凭经验判断产生这种故障的原因最有可能发生在换向阀4~7和调速阀8~11中。在舞台下降时依此推动换向阀4~7的推杆,发现推动换向阀6的推杆时,舞台能正常下降。检查换向阀6电磁铁线圈,发现接线头出现松动造成接触不良。紧固接线螺钉,故障排除。液压镟转升降舞台是活跃人们文化娱乐生活、提高和丰富演出效果的重要设施,笔者在确立总体方案和进行液压系统、电气控制系统设计时,周密论证,科学设计。该设计整体结构简单,液压系统稳定性高,能确保舞台运行的平稳性、安全性和可靠性要求。同时介绍该液压系统的一例典型故障的诊断与维修过程,提出了对该液压系统进行有效保养和维护的措施,为用户日常使用镟转升降舞台提供了指导。
判断音响系统的优劣,应首先观察所处的声学环境其摆放在有利于发挥性能的位置上,将声箱拉开一定的距离,听者与两只音箱呈等边三角形。将左右声道平衡钮放在中间位置,关掉一般器材都有的频率均衡装置。由小到大开启音量镟钮,直至开到最大,在静态下听其噪音如何。然后,放上自己已在多种器材上听熟的CD唱片,慢慢开启音量,听一听声音是否固定;通过左右移动,判断系统的相应特性,增大音量至耳朵刚好未感到不适为止,选择软体中鼓声和大提琴等感觉低音的表现力,看其是否厚实有力、不浑浊、不轻飘,放得开又收得住;利用人声判断中音的性能,层次要分明,既不压抑也不渲染,圆润丰富;采用泛音丰富的小提琴和金属打击乐器的声音判断器材的高音,以细腻流畅、明亮通透、定位准确者为佳;用打击音乐(如打碎玻璃等)听其瞬态、动态、阻尼特性;用交响乐判断音场、气势和整体的频响平衡以及纵深感和现场感;用大音量听基功率裕量和动态范围;用极小的音量判断低输出时的表现能力。
大幕是观众厅与舞台之间起分割作用的幕,是舞台的门户,也是舞台的主要幕布,主要用于会议或演出开始和结束时的开闭,有时也可用作场幕。
位于镜框舞台台口的内侧,镜框舞台与假台口之间。大幕有多种闭形式,例如:对开式、升降式、串叠式提式、单侧开闭式以及斜拉式等。
音响器材的音质:在音质评价中,平衡与自然是我们应当追求的目标,有的人把音质好的误以为是对低音和高音的渲染。难怪有些经营者在展示其商品时常常的把低音和高音钮镟到极至,让似懂非懂的顾客有一种新鲜感,失去了平衡和自然,也掩盖了一些缺点。其实在发烧友中流传着这样的一个观点;低音易找,高音难求,中音更是不可多得.
功率放大器是将音频电压信号转化成音频信号并驱动扬声器发声的一种设备。功率放大器在扩声中起着极其重要作用,如果没有功率放大器,扬声器就不能放声,也就无扩声可言。
数字灯光的集中控制及套用
随着数位化技术在各行各业的迅猛发展,专业舞台灯光领域也逐步跨进全面数位化的时代。
目前国内大型的户外演出活动:如广场晚会、大中型的个人演唱会及室内的大中型舞台剧(包括演播厅)所用的专业灯光器材,如数字调光台、电脑灯控制中、数字矽箱、电脑效果灯、电脑换色灯、追光灯电脑换色器、雷射灯等,绝大多数都采用了数位化控制。而这些设备之间相互连线如何达到准确无误的操控,实现舞台灯光的整体调度,是令广大的灯光操控都头疼的问题。现代的舞台灯光设计者对舞台灯光提出了一个新的管理理念--统一管理,集中控制。就是把多台功能效果各异的数字灯光设备连线起来由一部数字调光台控制。譬如我们把数字调光矽箱、数字换色器、电脑效果灯、电脑换色灯、数字烟机、数字泡泡机等统统连线在一张电脑控制台上,由一位灯光师来控制。实践证明是可行的。这里就涉及到了业内人士都熟知的DMX512信号传输系统。
DMX是DigitalMultipiex的缩写。译名为数字多路复用协定,由美国剧场技术学会(USITT)定义,目前已得到世界各生产舞台设备厂商的承认和遵守,作为广泛采用的数字灯光数据协定;也就是说在这个链路里的每一个受控单元都要符合这个协定的要求,才能实现集中控制。
DMX是以RS422/RS485串列传输为基础的,数据传输速率为250Kbit/s最大回路控制为512路(当然也有1024\2048回路的,但那是在512基础上复加而成)。由于DMX信号传输率高及套用环境的特殊需要,DMX的信号线、信号转接口及各个单元之间的信号传输都有严格的要求,以保证信号传输的准确性。
DMX允许有效传输距离为250m。条件是使用优质的信号线,而且在施工时要将其放在独立的禁止槽内;若是流动演出或外部干扰严重的地方,要相应的减少信号线的长度以缩短传输距离。如果工程要求信号线的传输距离大于250m,应该加装符合512协定的信号放大器。通常一个DMX512接口最多能驱动32台数字设备;假如接收端全部采用DMX487集成块来接收信号,那么一个DMX输出接口则能驱动128台数字设备。
如果一个DMX512系统的设备超过了32台,就要加装信号分配器,它的作用是信号隔离、信号分配、信号放大。一台信号分配器有2~6个输出口(进口的有4~8个输出口)、一个信号输入口、一个环路接口,它能满足中小型舞台或演播厅的灯光系统信号的分配;如果在较大的广场(如体育场),就要加装多台信号分配器以满足系统需要。
在舞台实践中,象这种在多单元集中控制的链路里加装了符合DMX512协定的信号分配器后,除对信号进行放大、延长劾的操控中距离作用外,还有一个好处就是:如果某个灯光设备发生故障(如漏电、短路等),分配器有光电隔离装置,能有效的保护链路里的灯光设备。在一个多台设备单元的DMX链路中,最后一台灯光设备的信号接口应加装"终端塞",以此做为阻抗匹配,消除信号传输中的杂波反射现象,净化信号成份。这时保证DMX512系统信号传输正常的一个重要环节。"终端塞"的具体接法如下:在一个五芯卡侬插头的2~3脚之间焊接一个90~120Ω1/4W的小型金属膜电阻,其阻抗的大小应参照调光台的使用说明书。做好后,把它插到最后一台设备的信号输出端即可。另外还有一些数字灯光设备本身有终端开关,这种设备若置于整个链路的末端,应将开关设定到允许的位置,否则应搬到无效的位置。DMX协定要求链路里使用五芯外挂程式。在施工中只用三芯,即:1、2、3芯,4、5芯置空。目前灯光系统大多数进口设备都是采用五芯接口。
综上所述,做好大型灯光系统的集中控制,需要施工人员明确概念,规范安装才能确保系统可靠运行。从而保证大型综艺晚会、重大会议等现场灯光效果的顺利发挥。
布景吊杆是现代剧场不可缺少的设备,它主要用于悬挂布景、道具、灯光、幕布以及表演杂技时可悬挂安全带道具。
灯光吊杆也是现代剧场不可缺少的设备,它的主要作用是悬挂灯光灯具,以及特殊情况作其它用途。
假台口也可以称为"移动台口",设在镜框舞台台口的后面,两侧立柜的水平移动和横框的上下移动,可以改变其台框的尺寸,使画面宽和高的视觉比例得到改变。
乐池是乐队演奏的场所,升降乐池是现代化舞台常用机械设备,设定在舞台前沿部,可以有不同高度的变化,形成各种使用形式,利用乐池升降,可以扩大观众厅,扩大舞台,延伸表演区。升降乐池的升降传动形式有多种,机械剪刀撑方式升降平稳,噪音低。并通过剪叉结构达到行程放大,使基坑较浅,可节约投资。
亚洲最大的水舞台剧院-----个性化剧院式舞台机械
第一世界大剧院是首届世界休闲博览会的主场馆,主要承担世界休闲大会、歌舞演出、旅游实景演出。这是中国最大的室内水舞台,
观众座椅3000余座,水舞台区域4900㎡。
所面临的挑战
1、水舞台如何运用?大船、潜艇如何开行?
2、大型瀑布、水帘如何制作?
3、如何为火、水爆等效果留有空间?
4、水舞台和干台怎么巧妙的运用?
佳合充分利用水舞台的空间,最大限度的发挥水对艺术表演的神奇作用,在水舞台中制作了大量的舞台机械,解决空间的不同转换。
与"光速"同步的转台------经典剧目式舞台机械
背景介绍:
转台是为原创音乐剧《电影之歌》量身订做。此剧是为纪念中国电影一百年活动而创作,舞美设计叶锦添先生。双环转台直径9米和14米,要求今后全球巡回演出。
所面临的挑战:
1、活动拆装型,要求安装时间24小时以内。
2、含所有电机、钢架设备厚度为300mm。
3、镟转速度最快时米/秒。
4、运动定位、同步精度10mm。
5、全自动化控制。
佳合技术 佳合解决方案:
1、技术的可行性决定整套系统的成熟度。利用公司成熟先进的双向挤压自滑动摩擦驱动形式,确定动力系统。
2、确定钢结构拆装形式和机械传动形式。
这是工程师们争论最激烈和最复杂的环节,当工程师们争论不定时,佳合最实际、传统的做法就是试样,这次是二个舞台按实样1∶1同时制作。供设计判断、思索。
这是钢制托轮和定位导向装置
正因为不断提高的设计和最合适、最灵巧的技术,才使得现在使用的转台更优秀。
现在搭建转台只要短短的八个小时。最快的速度可以达到,慢速镟转时噪音≤42db,高速时噪音≤55db。
3、自动化控制技术
这是整个转台技术的核心。也是真正意义的舞台自动化控制:
(1)控制台可以放在剧院任何位置,走台时放在导演旁边可迅速配合演出最新要求。因为控台与现场只需一根细线连线。
(2)全部内置场景,按序可任意选择场景运行。
(3)运动状态可实时监控,转台位置既时检测。防止累积误差。
(4)可任意设定运动角度,要求时间。在此时间内准确到达。
(5)新设、改编、添加任何场景只需短短的十秒即可完成。
(6)在演出中,会由于道具的摆放延误运动开始时间,自动运行后操作人员可以手动加速,利用加速保证最后的到达时间准确。
(7)运动回复快捷方便,保证排演时无停顿。
舞台远程聚光灯
灯具采用非球面平凸光学透镜,透光率达到92%,光斑均匀度高,灯具投射发出的光照度分布曲线光滑,是连续的正弦波变化。解决了普通球面聚灯灯布光时中心出现黑斑的问题,使舞台效果更加完美。同类聚光灯投射距离30m时,光斑直径时照度500Lux左右,而且中心会有黑斑,而非球面灯具在同等条件下可以达到900Lux,而且光斑均匀。能较好地解决了远距离投光问题。
中国舞台美术学会简介
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1981年1月初,中国舞台美术学会在京成立,对外称"国际舞台美术组织(OISTAT)中国中心"是经中央民政部核准注册(社证字第4258号),隶属中央文化部主管的全国性学术组织。25年来,已成为团结全国舞台美术工作者的学术中心和被国际广泛关注的学术团体。
学会现有中国会员3500余人(系重新注册人数),另有海外名誉会员和团体理事单位20家。
学会每年举办各类学术活动、专业培训班,以及举办各类展览等。主要有1982年在京举行了首届全国舞美展;2000年赴台湾参加"2000年华人地区剧场视觉艺术展暨学术研讨会";2003年12月在南京举办了"中国第二届舞台美术展览会";2004年9月,在杭州举办"2004华文地区舞台美术研讨会暨优秀舞台美术作品展"。
学会每年一届评选"中国舞台美术学会奖",表彰、介绍优秀作品和出色的舞台美术创造者。
学会编辑出版学刊《舞台美术家》,每年两期,已成了理论研究的学术园地和交流联系的视窗。学会已出版了大型舞台美术画册《中国舞台美术1949--1982》、《中国舞台美术1983--1999》、《中国第二届舞台美术展作集》,及有关舞台美术专业画册、书籍十余种。学会于1984年,经 *** 副总理批准,加入了国际舞台美术组织(OISTAT)并进行了广泛的交流,1994年在京主持召开了由14个国家和地区参加的国际舞美会议和作品邀请展等。已5次组团参加每4年一次的布拉格国际舞美展(PQ展)等。
学会首届会长孙浩然,二、三届会长薛殿杰,四、五届会长刘元声,现任(第六届)会长蔡体良。现设学会办公室、创作研究部、学术出版部、组织联络部、对外交流部,以及戏曲艺术、灯光、音响、布景技术、服装化妆、电视美术、剧场技术7个专业委员会。
紫茎泽蓝2011
音乐与舞蹈是同一个艺术门类中两个不同的艺术品质。在其近千年的历史发展过程中,它们都是人类生命形态的重要表现形式。下面是我为大家整理的音乐与舞蹈的关系论文,供大家参考。
摘要:音乐与舞蹈,从古至今,都有着密不可分的关系,究竟密在何处?本文将从各个方面对音乐与舞蹈之间的关系进行阐述!
关键词:音乐 舞蹈 互相依存 差异
一、舞蹈与音乐
舞蹈是人类最古老的艺术形式,是一门以人体为媒介的表演艺术。通过人自身来展现,以无声的表达即动作为表现手段来表现内心的情感。舞蹈是伴随着人类最早的动作行为出现的艺术形式,它是律动变化多端的活动的塑像艺术。
影响舞蹈表演的因素有很多,大致可以分为两大类:一类是舞蹈本体的范畴,包括舞蹈演员的肢体、必要的舞蹈技术和艺术表现力。演员的肢体指舞蹈演员的自然条件,诸如形象、身材、比例、气质等;舞蹈技术是指扎实的基本功、单人、双人的技术技巧等;而艺术表现力是指对角色的理解、情感的展现等等,这些都涉及到舞蹈演员的生理因素和心理因素两个方面。
影响舞蹈表演的另一类因素是非舞蹈本体的范畴,作为外界的刺激同样会影响到舞蹈本体。舞蹈演员的肢体表现,包含了音乐、文学背景、服饰道具、舞台美术(灯光、布景等)、剧场环境等诸多因素,在这其中,对舞蹈演员产生最大影响的莫过于音乐因素。
音乐是用有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术。在人类还没有产生语言时,就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展,逐渐产生了统一劳动节奏和相互间传递信息的呼喊,这便是最原始的音乐雏形;当人们庆贺收获和分享劳动成果时,往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情,这便是原始乐器的雏形。
音乐是有目的的,是有内涵的,其中隐含了作者的生活体验,思想情怀。音乐的最基本要素是节奏和旋律。音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。旋律也称为曲调,高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来,就形成曲调。曲调是完整的音乐形式中最重要的表现手段之一。
二、音乐与舞蹈的相同点
(一)节奏性
音乐的时间单位是音调和节奏,而舞蹈则是姿势和动作,舞蹈动作律动性的实质就是节奏,而对节奏的感受力称之为节奏感。
人的有节奏的动作自然要求音乐来配合,同舞蹈相结合的不是任何音乐,而是节奏比较鲜明的音乐。最容易与音乐结合在一起的是舞蹈,原因在于它们之间有着共同的节奏,戏剧、电影、诗歌等艺术形式相比舞蹈而言和音乐的紧凑性还是较弱的。
在多人舞蹈中,想要创作出或表演出一个协调而具有观赏性的舞蹈作品,只有有了一个共同的节奏源,才能创作出一个协调有美感的动作。如果没有音乐节奏的规范,舞蹈创作者将无法按照自我心中的节奏来进行编排每个人的动作,而每个人的心理节奏却又是不尽相同的,那么这个舞蹈创作将是失败的,只有舞蹈与音乐具有相同的节奏时,呈现出的节目才是吸引人、成功的。
(二)内容表达性
音乐和舞蹈是人类实践的产物,是人们审美的一种方式,它反映了一个民族的思想感情和生活志趣,并表现着他们的传统习俗,道德观念以及理想和愿望。它们都来自于生活,并都用自身的表现规律去揭示生活并表达作者内心的情感。
每一首音乐,都是作者根据现实或自己的内心世界情感用节奏和符号来创作的,并不是空洞无内容的,舞蹈也是一样的,都是有实质内容的,是舞蹈创作者用动作来表达一定的情感和思想的。从这点可见,音乐和舞蹈都是有内涵的,都是在表达一定的思想感情和 故事 。
三、音乐与舞蹈的差异
音乐是听觉艺术,是可以不依附其他的艺术形式而存在的,而舞蹈是视觉艺术,是有动作而无声的艺术形式。人类感情最直接的表示就是语言,音乐善于表达人的内心情感,具有较大的可塑性和抽象性,并且可以靠听着来联想,能发挥出它的优势,而舞蹈是通过具体的动作来表达要表达的对象的,是要依赖音乐而存在的,当语言已经不能满足于表达情感的时候,就要加上身体的动作来共同表达内心的感受。只有当舞蹈和音乐这两者的结合,有声又有动作时就可以产生更鲜明、更准确的形象和更深刻、更细致的感情。 四、音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈是音乐的回声
舞蹈和音乐相互依存、又相辅相成,音乐就像是舞蹈创作环境的氧气一样,无时无刻不体现着它的存在。
舞蹈对音乐有本能的需要,因为音乐能在舞蹈整个过程中表达情绪、体现个性、烘托气氛、塑造形象等。舞蹈需要音乐的激发与强化。离开音乐,舞蹈是难以充分表达感情的。音乐本来就有直接渗入人心的特点,欣赏中常常把音乐中表现的感情当做自己内心的感情来体验。
舞蹈属于视觉范畴,有形而无声,在舞蹈表演艺术中,优美的音乐配合,不仅为编导提供了节奏的基础,而且提供了情感、思想、性格、形象和结构,为创作者提供取之不尽的灵感,根据音乐的旋律创造出“舞蹈的旋律”;音乐的色彩变化是对舞蹈多样化的启发,音乐的曲式结构应体现在舞蹈结构中,独特的音乐节奏会产生独特性格化的舞蹈动作,舞蹈伴随音乐的对比、展开而达到了跌宕起伏的效果。舞蹈中的音乐是完成舞蹈作品中的艺术形象和揭示其主题思想的组成部分。舞蹈表现的情绪变化,是通过音乐的旋律、节奏、速度、力度来体现的。舞蹈正是在形体动作与音乐旋律、节奏、速度、力度的有机结合中塑造鲜明的艺术形象的。如果舞者不能很好地理解音乐、感受音乐,那么自己的表演将成为无源之水,无本之木。
例如有些舞蹈表演,进入意境后,在旋律中体味,去寻觅动作的源头。一旦捕捉住情感的最佳宣泄点时,舞蹈剧情就不用靠死记硬背动作,只要对音乐有准确感觉,待音乐唤起灵感冲动后,便可在“凝固”的音乐气氛中如痴如狂的舞动起来。舞蹈家对于自己表演的作品的组成部分的音乐要有更深的感觉和理解,这种感觉和理解进一步激发起内心的感情,通过外在的形体动作表现出来。
音乐在舞蹈和舞剧中也具有交代和展现剧情的作用。例如舞剧《好大的风》,在第一段“回忆”中,创作者利用以电声模拟乱风的效果,由小变大,由远至近,把观众带入了故事氛围中。到了舞蹈的第三段“象征”时,把舞蹈推向高潮的是唢呐的呼喊、强烈的鼓声、钹声与弦乐的演奏。最后,伴随着一阵狂风呼啸声,故事进入了结尾,音乐的寓意仿佛是要把这动人的故事吹向更远的地方,让更多的人为之感动。
五、结语
综上所述,音乐能为舞蹈增辉,无论是追溯到人类社会最初时期,还是研究现代社会,音乐和舞蹈都相互依存、互为因果又融为一体,当两者完美的结合在一起时,能为欣赏者带来美妙的享受。舞蹈者要提高自身的音乐修养和舞蹈技巧,抓住两者的最佳结合点,创作出优秀的作品,为我国舞蹈事业做出贡献。
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论文关键词:舞蹈音乐教育修养
论文摘 要:舞蹈教育是一门综合性的学科,一个完整的舞蹈应具备音乐、灯光、舞美、服装等等元素的参与其中,好的音乐即是舞蹈成功的一半,所以音乐是舞蹈教育中非常关键的一个组成部分,倘若舞蹈动作元素如同人的骨骼,那音乐就是或肥或瘦,或圆润或富有弹性的肌肤,她使得舞蹈更加立体,饱满,她调动了人的听觉和动觉,创造了和谐的共通空间。
舞蹈与音乐都是古老的艺术形式,两者间的关系十分密切,舞蹈教育是素质教育的重要组成部分,音乐的修养在舞蹈教育中起着极为重要的作用,如果只重视基本功和技巧的练习,忽略了对音乐修养的加强,那么出来的作品就会是很空洞、生硬,没有内涵的。音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈与音乐应该是相互依存的。
可是在当下社会一些舞蹈教学中,由于音乐修养的欠缺,严重的影响了舞蹈的发展和表现。本论文通过探寻在舞蹈教育中音乐修养的加强,使人们可以更深层次的了解舞蹈与音乐的密切关系,从而在今后的舞蹈教育和学习中重视音乐的修养,把舞蹈与音乐很好的结合在一起。
舞蹈与音乐是水乳交融的姊妹艺术,任何一种舞蹈都必须根据音乐的节奏来进行创作,没有音乐的伴随就不存在舞蹈。舞蹈与音乐在历史上、结构上、旋律上及各民族舞蹈的结合上都有着密切的联系:在中国的古籍中,多把“乐”与“舞”并提,也就是说,舞蹈是音乐的表现形态,音乐是舞蹈的声音和内容,音乐配合舞蹈,使舞蹈的表现能力大大加强,舞蹈配合音乐,使虚的音乐形象变成较为具体可感的舞蹈形象。
舞蹈与音乐都具有抒情性。古人认为,舞蹈和音乐都是人类感情最集中的体现。直到现在,当人们兴奋的时候也会情不自禁的手舞足蹈起来。可见舞蹈和音乐都是抒发人物情感的艺术,舞蹈与音乐都属于时间艺术,舞蹈与音乐都要表达一个进程,都在时间推移中展示主题,刻画形象。
在表达内容和情绪时,音乐需要音符的连续,舞蹈需要动作的连续;其次舞蹈与音乐都是以节奏为基础的,节奏是产生动感的基本要素,是舞蹈动作构成的基本因素,也是构成音乐旋律的基本因素。如果没有节奏的支撑,音乐和舞蹈都会瘫痪,在舞蹈中,节奏是联系动作的纽带,一般表现为舞蹈动作力度的强弱、速度的快慢和能量的大小。相同的动作,由于节奏的变化,可以表现出不同的情感,体现不同的内容。
比如旋转的动作:如果旋转速度很快,就可以表现出人物激动的情感,或暴怒,或狂喜,或哀痛;如果速度减慢,则激动的情感也随之慢慢平静下来;如果旋转的速度减到最慢,那么激越的情绪也就逐渐消失了。可见有鲜明的节奏,和音乐紧密结合是舞蹈区别于其他艺术的最明显的特点之一。
我们常说,音乐是舞蹈的灵魂,这说明了音乐对于舞蹈的重要性。离开音乐,舞蹈是难以充分表达感情的。一个舞蹈作品的成功或失败,舞蹈音乐起着极为关键的作用,音乐不仅仅是舞蹈的伴奏,而且还表现人物丰富的思想感情和性格特征。音乐对舞蹈的作用具体体现在以下几个方面: 舞蹈需要音乐的激发与强化,音乐可以配合舞蹈在听觉和视觉上同时刺激观众,两者结合能互为补充从而形成视觉形象和听觉形象相统一的整体。比如如果出现低沉缓慢的音乐时,一般是要表现人物比较失落、哀伤的情绪,观众通过凄迷婉转的音乐和舞蹈演员的表演,可以充分体会到人物的情绪变化。
由于音乐对舞蹈的特殊性,舞蹈编导们可以从音乐中寻找到灵感。舞者在学习或表演时,把对音乐的理解融入到现实的舞姿中,可以增强作品的表现力和感染力。舞者通过反复听音乐,体会音乐的情绪,然后将脑海中的肢体语言表现出来。只有懂音乐的人才会被音乐情绪所打动,所以搞舞蹈的人,一定要学会听音乐即兴舞蹈。在舞蹈中,音乐是连接舞蹈动作的纽带,通过音乐把舞蹈动作串联起来,形成有规律的组合。音乐的风格可以体现出舞蹈的风格,比如藏族弦子舞,音乐速度较慢,旋律优美,婉转而深情,舞蹈动作舒展、柔美,其音乐与舞蹈风格都是一致的。
通过上述对舞蹈与音乐的关系和音乐对舞蹈的作用两方面的介绍,说明了舞蹈中音乐的重要性,那么在舞蹈教育中,加强舞蹈专业人员的音乐修养是提高舞蹈人才素质的关键因素之一,音乐包含的内容是极其丰富的,单是音乐基础理论知识就包括乐理基础、和声、中外音乐史、曲式分析等。音乐技巧又包括对视唱练耳、声乐基础、钢琴基础等课程。
本人认为,以上这些课程对舞蹈的学习帮助很大,如果舞蹈学习者没有真正理解音乐的内涵,就不能够从音乐的思维中获得更多舞蹈之外的营养,更无法在创作时很好的把握音乐,所以这些课程的学习都是必要的,当然还有许多没有提到的课程也很有用,在这里就不一一列举了。
舞蹈是一种无声的表达,是通过肢体来表现内心情感的,需要音乐的配合来完成,每一种舞蹈、每一个舞者都必须根据音乐的节奏来进行动作的创作,加强肢体音乐语言的训练,就是让舞蹈学习者通过对音乐的理解,把脑海里想到的形象用舞蹈动作表现出来,这样可以提高舞蹈艺术的表现能力。一个具有良好音乐修养的人,一旦音乐响起,随着音调的高低、节奏的长短、速度的快慢,舞者就进入了用肢体语言阐释心中对音乐感受的世界。
但是在一些中等专业的舞蹈(艺术)学校并没有开设完整的音乐教育课程,没有把音乐修养提到相应的高度,这就限制了他们对音乐中舞蹈形象的想象和表现,限制了他们向更高的层次发展。在训练中,应该多注重学生对乐感的培养,在理解感受音乐的同时,发自内心的用舞蹈动作把体会到的音乐形象表现出来。
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摘 要:音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈是音乐的回声。舞剧音乐与舞剧存在密切的关系,它有着与其他音乐不同的美学特征,进而成为舞剧创作的基石。
关键词:舞蹈;音乐;灵魂;关系
舞蹈,是人类最古老的艺术形式。舞蹈是一种无声的表达,通过肢体来表现内心的情感。舞蹈是伴随着人类最早的动作行为出现的艺术形式,而在舞蹈创作的若干重要因素中包含着音乐的音素。任何一种舞蹈,任何一个舞者必须根据音乐的节奏来进行舞蹈动作的创作,音乐就像是舞蹈创作环境的氧气一样,无时无刻不体现着它的存在。
舞蹈和音乐相互依存,没有音乐伴随就不存在舞蹈,即使是最原始的舞蹈也有节拍或歌唱相伴和。音乐与舞蹈的结合,使得音乐艺术的表现形式得到了丰富,而且人们多方面的审美需求又满足于两者相结合以后绚丽多姿的综合艺术中。舞蹈和音乐的这种“共性”为它们的结合提供了坚实的基础。
一、音乐在舞蹈中的存在性
舞蹈需要音乐的情感激发和动作强化。离开音乐,舞蹈是难以充分表达感情的。音乐是一种无声的艺术,它是声音的艺术,是以音响为表现的物化形态。其主要表现手段是旋律,节奏与和声;而舞蹈主要是以肢体动作为其表现的物化形态,主要表现手段是舞情、舞律和造型。音乐是时间、空间、听觉的艺术。
舞蹈是空间、视觉的艺术。它们虽然有着不同却也有相同的地方,一直以来舞蹈与音乐被作为姐妹花艺术来看待。从舞蹈与音乐的结合来看,节奏是舞蹈与音乐之间存在的共同点。节奏是舞蹈动作构成的基本因素,也是构成音乐旋律的基本因素。从产生之初,两者就紧密的结合在一起了,这是他们结合的基础。
从上古时代,舞蹈、音乐就伴随着人类声场劳动而产生。动作和节奏是密切相关的。如《毛诗》序所说,“情动于中,而行与言,是言之不足,故叹之,足之蹈之也”。人们用手拍打,脚踩踏,在某种动作连续重复过程中,就产生了有规律的节奏,既是音乐的也是舞蹈的节奏。舞蹈需要音乐来强化节奏感,音乐也需要舞蹈来诠释节奏。在节奏相同的情形下,产生多种多样的动作变化和队形的更改,从而形成群舞或独舞。
只有有了一个共同的节奏源,才能创作出一个协调而具有观赏性的舞蹈作品。而在群舞的创作当中,由于表演者是由多个人组成,而每个人的心理节奏却又是不尽相同的,如果没有音乐节奏的规范,舞蹈创作者将无法按照自我心中的节奏来进行编排每个人的动作,那将导致群舞作品创作失败。在独舞的舞蹈作品创作中,舞蹈编导也必须按照自己的心理节奏,或者是根据自己对于音乐的理解,自行安排与音乐相对应的舞蹈动作完成作品创作。
抒情也是舞蹈与音乐的共同点。两者都长于抒情而拙于叙事。舞蹈借助形态动作,便于表现情感的外部形态,音乐长于抒发复杂而强烈的内心情感,而且音乐的表达具有抽象性,它不会对舞蹈的具体表达产生重叠,矛盾或干扰,而可以与舞蹈结合得天衣无缝。
二、音乐是舞蹈的灵魂
音乐是舞蹈的灵魂。舞蹈成为音乐之行,音乐成为舞蹈之声,自古以来就难舍难分。从音乐中的音素、动机、主题旋律与环境氛围,其一致性达到了近似“同步”的境地。舞蹈作为一种综合性的艺术,音乐在其中所起的作用是显而易见的,也是十分重要的。舞蹈属于视觉范畴,有形而无声,而音乐则属于听觉艺术的范畴,有声而无形,两者可以有机结合。在舞蹈表演艺术中,优美的音乐配合,可以帮助舞蹈在整个表演过程中表达情绪,体现个性,烘托气氛,从而塑造完美的舞蹈形象。舞蹈中的音乐是完成舞蹈作品中的艺术形象和揭示其主题思想的组成部分。
舞蹈表现的情绪变化,是通过音乐的旋律、节奏、速度、力度来体现的。舞蹈正是在形体动作与音乐旋律、节奏、速度、力度的有机结合中塑造鲜明的艺术形象的。就来 说说 舞剧当中的《乌纱魂》的编导情况为例。在该剧的编导过程中,他没有单纯地去设计舞蹈动作,而是先把大部分时间和主要精力用在倾听音乐上。
所谓听,就是用心灵去感知音乐,就是“入境”,在旋律中体味,去寻觅动作的源头。一旦捕捉住情感的最佳宣泄点时,剧情中设计的动作和音乐融为了一体,自然流淌而出。在排演场上,剧情不靠回忆动作,更不靠场记,而是先和演员一起反复听音乐,交代对音乐的准确感觉,待音乐唤起灵感冲动后,他便在“凝固”的音乐气氛中如痴如狂的教起动作来。这时舞蹈随音乐驰骋,动作从胸中流出。
因此,《乌纱魂》剧的动作不是硬编出来的,而是自然流出来的,如同行云流水,相映成趣。这正是源于舞蹈与音乐这种密不可分的关系,自古以来,我国就有“乐舞”之称。舞蹈需要音乐的激发与强化。离开音乐,舞蹈是难以充分表达感情的。音乐本来就有直接渗入人心的特点,欣赏中常常把音乐中表现的感情当做自己内心的感情来体验。舞蹈家对于自己表演的作品的组成部分的音乐当然有更深的感觉和理解。这种感觉和理解进一步激发起内心的感情,通过外在的形体动作表现出来。
三、舞蹈与音乐的内在联系与异同
(一)舞蹈与音乐的内在联系
舞蹈是以人的肢体语言为主体的,那么音乐究竟给予舞蹈一些什么呢?本人看来,音乐shi少在以下六个方面,给舞蹈增添了魅力。(1)节奏、节拍等,给舞蹈以鲜明的律动;(2)音调、调式、音色等,给舞蹈以主题形象和风格的预示;(3)背景音乐、音量、速度等,给舞蹈以情绪的渲染和烘托增加戏剧性;(4)转调、变和铉、变节奏等,给舞蹈的内容以花容点睛,立增加戏剧性;(5)和声、复调等多声部,给舞蹈形象表现以丰富感,立体感和层次感;(6)不同的曲式结构连接,使舞蹈作品的情节发展更具逻辑性、完整性。
(二)舞蹈与音乐存在的共同点
1.舞蹈和音乐都是时间性流动的艺术,它们都是表现一个连续的、进行的过程,音乐是靠音符的连续,舞蹈是靠动作的连续,二者都是以节拍和节奏组织起来、连贯起来的。如果说旋律是音乐的灵魂,那末节奏就是它的基础,同样地说,动作是舞蹈的灵魂,那么它的基础也是节奏。因之节奏是音乐与舞蹈同步进行的最重要的基础,也是连续两种艺术的桥梁。
2.舞蹈和音乐在表现特点上都是不擅长表现抽象的概念。二者都是长于抒情,拙于叙述,更拙于理论。舞蹈与音乐都是人类实践的产物,是人们审美的一种方式,它反映了一个民族的思想感情和生活志趣,并表现着他们的传统习俗,道德观念以及理想和愿望。它们都来自于生活,并都用自身的表现规律去揭示生活,因此,它们是具体的,形象的,并不是理论性的。
3.舞蹈和音乐都是表演艺术。它们必须经过二度创作——表演,才能完成整个创作的过程。当一个舞蹈作品在舞台上演出
时,舞蹈和音乐同时经过视觉的途径到听觉的途径——“殊途同归”于欣赏者的感官,融合在一起,产生了新的“质”。
(三)舞蹈与音乐存在的差异
1.音乐是听觉艺术,舞蹈是视觉艺术,进一步说,一个是有声而无动作,一个是有动作而无声,这两者的结合既有声又有动作,就可能产生更鲜明、更准确的形象和更深刻、更细致的感情。
2.音乐善长于表现人的内心情感,本身具有较大的可塑性和抽象性,并且是靠听着来联想,发挥其最好的效益,而舞蹈是通过具体的动作来表达要表达的对象。
3.音乐是可以不依靠其他艺术而独立存在的,而舞蹈必须依赖音乐而存在,人类感情最直接的表示就是语言,当语言不足以表达情感的时候,就用欢唱来表达,当欢唱还不足的时候,才用手舞足蹈来表达它。
从上面的分析可以看出,音乐与舞蹈是密不可分的。音乐是舞蹈的声音,舞蹈则是音乐的形体,舞蹈与音乐如鱼和水,相互依存,相互作用,两者结合给人类带来一种美妙的艺术享受。
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扶阿婆过马路
舞蹈从一产生起便和音乐结成了最亲密的友谊,舞蹈离不开音乐,音乐在舞蹈艺术中占有非常重要的位置。无论是从外国或中国的舞蹈艺术发展的历史来看,舞蹈艺术中舞蹈本身的进展和音乐的进展紧密联系。在舞蹈艺术总的概念中,音乐成为其不可分割的一个重要组成部分在我国古代就有诗、舞、乐一体以及 “舞者,乐之容也”的论断,春秋时期音乐与舞蹈统称“乐舞”,在现代既有“音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈只是音乐的回声”的说法, 也有认为“舞蹈是一切艺术的基础”、“舞蹈是艺术的祖先”等观点。从起源来看,舞蹈应早于音乐,而音乐自从舞蹈中产生之后便和舞蹈结成了最亲密的友谊,成为其不可分割的灵魂。它们像是血肉相连的分不开的伙伴,相互配合,共同编织出美妙的艺术花朵。本文拟从以下几个方面对舞蹈与音乐加以阐述:一、从舞蹈的起源和发展来看,舞蹈是音乐的源头据史载,人类尚未产生语言的时候,就会用动作来表示自己的情感和思想,就会利用动作形象传达和交流某种信息,因此,舞蹈便成了他们传授劳动生产,操练战斗本领,锻炼身体,乃至寻找配偶而不可缺少的重要生活手段。美学家柏拉图认为:“人类在语言表达不十分发达的时候,舞蹈是一种以手势讲话的艺术。”那么,由此推断,舞蹈的产生比音乐的产生应早一些。因为有了人的直立行走,为了便于完成人类最初级的交流,就有了舞蹈产生的基础条件,所以,手舞足蹈可以被看作是人类最早的文化艺术的象征,这也应了“舞蹈的冲动几乎与人类同时产生”这一科学论证原始社会中的原始舞蹈,最初就是借人体动作打拍子的,现在的民间舞中还常见到这种遗迹,比如西班牙踢踏舞踏地有声,俄罗斯舞中有手拍靴子的动作,至于蹬地、鼓掌更是多见。至今福建泉州人闹元宵时还要跳《拍胸舞》男子赤膊光脚,头扎草绳,手拍胸膛、腋窝、膝盖和大腿,蹲下跳起,极其热烈,节奏明快、舞容粗犷,把一种极其古老的舞蹈展现在人们面前原始人舞蹈时,也曾把一些能应节作响的东西系在身上,以作伴奏。这也有遗风可寻,如南美洲的印第安人,跳传统舞时,或脚系一种能摇响的荚果,或手持一种椰果制成的响器(现已制成交响乐队中所使用的沙球) 。南斯拉夫民间的《哑舞》,也是利用戴在手脚上的饰物摇动作响来协调舞步,而印度舞系上脚铃打拍子,可说是这种原始方式的高度发展吧。原始舞蹈后来有了真正的伴奏,即有节奏地敲击石、木伴舞。我国古书上说的“击石拊石,百兽率舞”(《尚书·尧典》) ,就形象地再现了击、拊石器,造成强弱参差的节奏,为拟兽舞伴奏的情景。这种原始音乐,只有节奏而没有旋律。美国的现代美学家苏珊·朗格在《艺术问题》一书中有这样一段话:“杰出的音乐史家和舞蹈家克尔特·萨哈斯所著的《世界舞蹈史》中说道:今人十分不解的一件事实就是:作为一种高级艺术的舞蹈,在史前期就已经发展起来了。还在文明的初期,它就达到了其他艺术和科学所无法比拟的完美水平。在那个时期,人们过着野蛮的群居生活,人们所创造的雕塑和建筑还是极原始的,诗歌在这个时期还没有出现,然而却创造出了使所有人类学家都感到吃惊的,难度较大而又很完美的舞蹈艺术! 他们在这个时期创造的音乐如果脱离了这种舞蹈,那就听上去什么也不是,只有伴随着这种舞蹈这种音乐才显得动听”。由此可见,音乐是从给舞蹈打拍子中产生的,舞蹈乃音乐之源。二、从音乐和历史发展来看,音乐成为了舞蹈的灵魂随着时间的推演和舞蹈事业的发展,音乐在为多彩的舞蹈伴奏中从单调走向丰富,并最终摆脱了附属的地位而独立地发展。有了它可以烘托舞蹈气氛,舞蹈者可以借助音乐的刺激产生对舞蹈的更多感受。所以当音乐高度发展后,它又回过头来提携了舞蹈,使舞蹈更趋于抒情化、抽象化。比如被选为“20 世纪经典舞蹈作品”的舞蹈《萋萋长亭》,它表现的是一对青年男女长亭送别的离愁别绪、缠绵悱恻的爱情双人舞,体现了“两情若是长久时,又岂在朝朝暮暮”的爱情主题思想。而这个舞蹈音乐却选用了民间音乐家华彦钧(阿炳) 的二胡协奏曲《二泉映月》,全曲表现的是在当时社会背景条件下阿炳内心独白“月光虽明,世道却暗;泉水虽甜,人世却苦;水面虽平,人间不平”的控诉。曲中充满了一种忧郁、愤懑的情调和大丈夫宁折不弯的气度[3 ]。我们在欣赏完舞蹈后,感到在阿炳的二胡协奏曲《二泉映月》名曲的伴奏下,你会被舞台上“夫妻”(舞者)塑造的人物形象的真挚爱情与离别交织场景故事情节所感染。《二泉映月》音乐之所以能成为该舞蹈作品中的一个合成部分,它的生命力在于音乐形象渗透到了舞蹈形象之中,使舞蹈形象与音乐形象巧妙的融合。当代舞蹈家吴晓邦认为:“任何舞蹈在艺术形象上都必须通过音乐,才能把它的‘意思’完整的表现出来。”他公开宣称自己曾从《义勇军进行曲》中获得舞蹈形象。他还指出:“就一个无伴奏的舞蹈,既然没有声音,但他从无声中也有一种节奏动作,会使人感到无声胜有声[4]。”这就深刻地指出了舞蹈与音乐的唇齿相依的关系。虽然在时间上舞蹈应早于音乐的产生,但实际上两者的相辅相成、互相映衬的事实使得它们成为不可分割的一个整体。例如,有些舞蹈家为了强调舞蹈艺术的独立性,致力于创作不用音乐伴奏的作品,但还是用走踢踏,通过脚铃、手铃来随着身体的动作而发出有节奏的音响,来替代音乐伴奏。从广义上说,这种有节奏的音响,就是音乐的基本因素。我国舞蹈家王曼力等编导表现张志新烈士在狱中斗争生活的舞蹈《无声的歌》[5 ], 就是一个无音乐伴奏的舞蹈作品,但是它采用了风声、水声、镣铐声、鞭打声等音响效果来伴奏,其实这种音响的本身就属于广义上的音乐,因为它有节奏,有律动,有音高,有音色。可见,随着时间的推演发展,舞蹈和音乐已经不能分离,音乐成为舞蹈所不可缺少的灵魂。当然,舞蹈并非只是服从音乐。首先,舞蹈要对音乐进行选择,因为不是任何音乐都适合于舞蹈的。其次,如果专为构思中的具体舞蹈作品创作音乐,就要服从舞蹈编导提出的要求。另外,舞蹈编导在编舞过程中还可以要求音乐进行修改。三、从具体的艺术实践来看,舞蹈与音乐呈相互结合的趋势舞蹈和音乐都有节奏,这是它们结合的自然基础。原始舞蹈之所以一开始就与音乐结合在一起,根本原因在于节奏。节奏是构成舞蹈艺术的基本要素,舞蹈虽然是人体动作的艺术,但不是所有生活中的动作都能成为舞蹈动作,只有那些经过提炼、加工变成有规律的、有节奏的动作,才能构成舞蹈动作,才能具有表达作品思想内容的特殊艺术功能。正因为节奏的形成是以人的意志和感情为依据的,所以,舞蹈中人体动作的起伏跌宕、动作线条的流畅曲折等等,才能以其触动人心弦的律动吸引人们的注意力,将其蕴含的感情传导给观众,引起观众的共鸣,并引导他们参与艺术审美活动。由此可见,节奏是提炼和组织生活作为艺术动作的基础,节奏是结构舞蹈动作的纽带,也是舞蹈作品整体布局的贯穿线。 “音乐也是如此,节奏、节拍也是音乐整体的骨架。”舞蹈作品中,舞蹈形象是在音乐律动配合下,通过力度的强弱,速度的快慢,能量的大小,来深刻细致地体现人物内心的情绪波动的,所以,节奏是构成人体动作与音乐旋律结合的天然基础。从更深层的意义上看,人的有节奏的动作自然地要求音乐来配合,因此历代各种有节奏的集体劳动都有劳动号子。当然,能够同舞蹈相结合的不是任何音乐,而是节奏比较鲜明的音乐。音乐本来便于同其它艺术相结合,例如同戏剧、电影、诗歌等等,但是最容易而且必须结合在一起的还是舞蹈,原因也在于它们之间有着共同的节奏。其次是抒情性。音乐和舞蹈都长于抒情这一共同具有的特性,使得它们能在艺术作品中对人类各种情绪和情感做出深刻而细微的体现。当然他们并不象文学那样便于交代事物的缘由始末和繁杂的生活细节,而她们在抒情方面的特长,又是文学作品所不能代替的,这使他们同文学并立于人的创造性艺术活动中,成为任何一个民族,任何一个历史时代都不能缺少的精神食粮。舞蹈是通过高度提炼了的人体动作这一艺术手段来塑造艺术形象的,舞蹈形象的塑造同样来源于生活,来源于作者对生活的认识和感受。和音乐不同的只是舞蹈是以直观的方式,直接地将艺术形象呈现在观众面前,使观众通过对形象的直观感知,引起自身的情绪激动和思维活动。音乐和舞蹈当它们独立存在的时候,各自用自己的艺术手段去发挥它的社会作用。当它们由于自己的特殊性和局限性,使彼此的结合成为必需而产生新的艺术形式的时候,音乐和舞蹈的紧密配合,互相补充,共同塑造完美的艺术形象,就成为至关重要的了。在舞剧、舞蹈中,音乐和舞蹈有着塑造同一个艺术形象的共同的目的和任务,在通常情形下,舞蹈形象的鲜明性、感人性,在很大程度上要借助于音乐对人物思想感情的描绘。舞蹈与音乐的结合形成完整的舞蹈艺术。舞蹈所表现的动作和姿态是世界万物中最美、最能打动人的动作和姿态,与组织得最美、最动听的声音即音乐艺术相结合,将给人带来一种美妙的艺术享受。例如,现代舞蹈《哈达献给解放军》的创编过程就是典型的例证。编导首先确定了“歌颂军民鱼水情”的主题,再通过修建“希望小学”这一热门题材,选择以藏族的 “锅庄”和“弦子”为主要的动作素材,塑造了一个藏族小姑娘和一群解放军战士的形象。从主要动作形象的设计看。编导在作品中突出“情”方面无疑是典型而有新意的,然而突出“情”这个新意往往只有肢体语言是不够的,这就需要优美而动情的音乐的配合。作曲家根据舞蹈编导提供的作品素材、内容对音乐进行创作。如:“·1 ·3 ·2 ·1 6| 5 - - - | - - -”舞蹈中这段具有藏族弦子风格的主题音乐贯穿舞蹈始终,这个主题音乐一会儿轻柔似水,表现了藏族小姑娘为解放军端茶、倒水、献哈达和热爱亲人解放军的人物性格,一会儿又铿锵有力,展示了解放军不分昼夜为修建“希望小学”的劳动情绪。看似简单的音乐,由于它的不断再现,使观众从音乐中领略了到藏汉军民间鱼水情深的主题,音乐形象因此更为丰满,舞蹈形象更为动人。该作品之所以获得较高的评价,除了编导独具匠心的构思以外,富有民族特色的音乐对舞蹈气氛的烘托也起了重要的作用,从以上舞蹈创作方式可以看出,舞蹈属于“看”的范畴,不“看”就无所谓欣赏舞蹈,除此之外它还需要用“听”来满足人们感官的需求,通过“听”来扩展舞蹈欣赏空间,调节情绪。当然,音乐虽然有其独立的表现空间,我们却不能因为“听”而过分强调音乐的作用,否则会使舞蹈中的舞蹈形象脱离人物形象而使舞蹈失去应有的价值,我们应该明白人们不会为欣赏音乐而到舞蹈演出场所这一简单的道理。因此,从这种意义上可以说,在舞蹈艺术中,音乐正是舞蹈的声音,舞蹈则是音乐的形体。一个有形而无声,一个有声而无形,舞蹈和音乐的统一,是不同表现方式的统一,视觉和听觉的统一、形体和幻象的统一,而且从总的发展过程来看,舞蹈和音乐可相互表现、相互促进,如上述的舞蹈可以解释音乐,音乐则可以为舞蹈展示氛围,加强风格特点,激励情绪,推进情节等。 参考百度文库:
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