外国设计史论文题目

这个题目可以分成简答版和论文综述版，不知道你需要哪一种。论文简答版：学习了西方设计史，得到的最多的就是设计师身上的思想，以及他们身上带着那种跟别人不同的东西，一步步引领着我们。 通过一段时间的学习，使我了解了世界上各个国家的设计，对我的感触也很大，但是我想的最多的还是，我们了解的只是书本上的东西，关键的还是要理论联系实际，就是平时在学习的同时，自己的脑海中要不断的联想，为什么别人要那样设计，如果是自己那？要不断的反省自己，看到一样东西，要对它有极强的敏感度。并把你看到东西，想想能不能用到设计上，灵感也要靠平时的积累，如果自己平时都不去想设计，能做出来好的设计吗？但是要想设计好的作品，还必须具备大量的知识体系。即：科学家的态度，艺术家的眼光，企业家的头脑。我认为设计应以：人—机器—环境为设计对象。设计应以人为本。……（后面就自己写几句观点就好了，如：如今社会灌输给我们的理念是:商业是根本。用我们平常的话引申来说，那就是，符合实际所需，有使用价值的才是好产品。没错，如今市场上形形色色的商品，不正是我们的上一代设计师们的作品吗。这些商品不仅外观漂亮，好看，新颖，而且实用，可以方便人们的生产生活。这是社会需要的，这也是社会必不可少的产品。）论文综述版一：（这个比较多，如果是考试只有这一道题，要求2000字以上可以用它）设计是什么?设计是来源于生活又高于生活的艺术,最终,设计还是服务于生活,为生活做贡献,这才是设计的本质。从德国包豪斯设计学院成立之初,便预示着设计时代的来临。我们知道,这是设计的起源。我们也看到当年的设计师们的前卫思想和前卫的理念以及各种各样大胆的构想。包豪斯绝对是现代建筑史、工业设计史和艺术史、艺术设计教育史上最重要的里程碑。在魏玛时期的校长格罗皮乌斯便提出“艺术与技术新统一”的思想。技术是什么?技术是当代科技,是我们现在所说的人体工程学,量子学原理,物理物质原理和高科技的导向。格罗皮乌斯在当时便给设计强加了一个重要的前提,科学技术是设计的本质,符合人类生活发展,实用才是最基本的。包豪斯灌输我们最重要的理论也就是与社会生产、市场经济紧密结合起来，把自己的产品与设计直接出售给大众和工业界。这是实用的典范,包豪斯最初的设计理念也就是这样,可以直接让人们使用,实用最重要,让人们感觉到设计让生活更加方便和舒适。然而,现在的设计高校的学生们并不了解和挖掘这一点,而是麻木地追求绚丽,奇特,华丽的东西,这是不可取的。因为,所设计的东西只是满足简单的视觉感受和震撼力,并不可用,也不实用,更加让厂家难以生产,也难以投入到生活中使用。如果说,工业设计就只是为了满足美的感受,那么,我们单纯只是创造美的奴隶吗?我们和概念人类又有什么区别?这是一个值得我们选择和深思的问题。随着设计事业的蒸蒸日上,越来越多的设计理念大胆地提出,越来越多的新的产品也相继面世。没错,我们看到的是超酷超绚丽的造型,特别错落有致的架构,于是,我们学习了他们,我们也发扬了先辈们的衣钵,让视觉感受来得更强烈些吧,让绚丽多姿的造型来得更多样吧。这就是我们当今高校学生所学习到的东西。然而,我们忽略了最重要的那点,也是最基本的一点。符合实际,实用至上。我们设计出来的产品不能用,设计出来又有什么用？只是为了单纯的养眼,只是为了欣赏高雅艺术?不。绝对不可能。以中国当今的国情和社会现实,我们还不可能做到这样。要知道,中国是一个拥有13亿多的人口大国,超过8亿的农民。每年有几千万人因为温饱问题而受罪,每年有超过2亿人民不能解决温饱问题,每年有超过3亿人只能勉强果腹。缺水,缺粮,缺电,住房问题,医疗问题,交通问题,保险问题,生存问题……人们几乎生活在水深火热之中。我们暂时还没有能力欣赏高雅艺术,我们需要的是解决生活问题,怎么样才可以让我们的生活更加方便,更加真实,更加舒适。这是我们这些未来设计师们的责任。如果说我们现在还一味地追求虚幻的东西,一味地追求那些不切实际的外表,我们是不是让人们太失望了,我们是不是让国家太失望了?国家培养我们就是为了让我们创造多几件高雅的艺术品?国家每年投资教育事业数千亿就是为了培养一些麻木的外表人才?那么,我们做为祖国未来的花朵,祖国未来的栋梁不是太悲哀了吗?这值得我们反思……如今社会灌输给我们的理念是:商业是根本。用我们平常的话引申来说，那就是，符合实际所需，有使用价值的才是好产品。没错，如今市场上形形色色的商品，不正是我们的上一代设计师们的作品吗。这些商品不仅外观漂亮，好看，新颖，而且实用，可以方便人们的生产生活。这是社会需要的，这也是社会必不可少的产品。我们现在高校的设计师们，一直在天马行空地想象美好的事物，一直在思索不必要的审美领域（也许对他们来说，这是必要的）。那些外表极其华丽的绚丽驱壳就是能够吸引我们的眼球。我们于是在想，如今的社会竞争激烈，没有一点独特的，超凡的设计，是站不住脚跟的。所以，我们尝试了大胆的设计，尝试了那些没有理论基础的成立品，换来的，是人们异样的眼光，是只能用“艺术”两个字来评论的字眼。然而，我们还在那里沾沾自喜，不知所措地继续麻木地苛求另一个引以为自豪和骄傲的艺术品。在我们看来，成为艺术大师是那么的容易，是那么的不费吹灰之力。可悲的是，我们始终埋藏在这样虚幻的泥潭里，无法自拔，最终被社会淘汰。社会需要的是什么，是产品，对，是可以使用和方便人们生活的产品。在这样的经济时代，中国迅速发展，经济不断提高，GDP飙升。人们的需求慢慢更高，我们需要美，没错，但是，我们更需要有使用价值的美，有能够让我们生活更加舒适和方便的美。我们首先要确认它的使用价值，这是最重要的。我们高校的“设计师们”并没有完全地了解这一点，我们还在麻木中度过，还在“艺术中”陶冶，要知道，大师不是这么好当的。大师也是从一点一滴做起的，大师也从画画，素描，基本功开始学起的，大师也需要懂得很多理论，而不是单纯地“玩”艺术。现在工业设计的产品的实用性体现在多个方面，比如说,一双鞋。我们可以单纯的说，就是一双可以让人穿着走的鞋。这是基本的作用。再者，我们可以美观它，美化它，雕琢它，这就是美观的层面。然后呢，我们可以设计它的其他功能，比如说，可以在它的鞋底安上两个轮子，这是方便走路累的时候，可以滑着走，轻松点。再或者，我们可以安一个无线电接收器在鞋的气垫里，这样还可以有通讯的作用。这便是实用性的体现，这是秉承着实用，方便的基础，最终达到为人们服务，让人们方便舒适的目的。一个工业设计师必须使他的产品既具备功能性和实用性，又美观和耐看。我并没有否认实用性，也没有忽略美观。我不是强调设计师们只追求实用，而制造一些不好看，没有审美价值的产品。我只是在实用性前注上一个重点，使实用成为一个前提。然后再谈论美观，功能多样等等。可惜的是，当今中国高校的设计师们跳跃了实用的这个前提，而去一味地麻木追求美观，甚至是超越了美观，达到了人们不能理解的“艺术”的层面，确实是应该转变观念的。那么，我们怎么样才可以转变观念，从而学有所成，学以致用呢。我们必须武装自己，用理论和科学原理武装自己。工业设计产品是为人们的生产生活服务的，所以，必不可少的一点是，人们使用它。因此，我们必须了解人类的使用架构原理，人体工程学，物理学等等。比如设计一个沙发，首先是物理学原理，它是怎么样才可以站立不倒，怎么样才可以支撑人体的重量，怎么样才可以支撑人体的最大重量。这些是我们必须考虑清楚的。接着是，人怎么样坐在上面或者躺在上面最舒适，最享受，这是要符合人体工程学原理的。我们必须了解人体的曲线和受重点，这样才可以设计出让人坐着舒服的沙发产品。然后，就是美观，对。现在可以考虑美观了。怎么样才可以更好看，更吸引人们的眼球，怎么样才更有商业价值，怎么样才可以销售得更好。最后，就是引申作用。比如说，怎么样可以做成多动能的沙发，怎么样可以做成按摩沙发，怎么样节能，怎么样可以节约原材料等等。这是工业产品的实用性体现。这也是工业产品需要我们高校设计师们学习的地方。做为二十一世纪的设计师们，我们即将引领以后的工业潮流。我们不再麻木追求虚幻，绚丽多彩，毫无价值的“艺术品”了。我们要转变我们的理念。我们必须要有扎实的美术功底，必须了解人类的发展趋势，必须知道各种各样的科学，人文学，物理学原理，必须以实用，可用，耐用，方便用为前提来设计产品。这是时代给我们的要求，这也是国家培养我们高校设计师们所给的要求。工业设计产品的实用性，我们必须扎根在心里，在以后的生产生活中，多多观察生活中的细节，做生活的发现者和创造者，做使生活更加舒适的改变者。这是社会和人们给我们的责任和义务。论文综述版二：（这个是可以复制添加到一中间补充字数用的相关材料，要求4000字以上可以用它）艺术是人的审美观在本体意识中的最初的理性反映的总结，是最初的带有主观心理因素的理性反映的总结,是观察后组成的思维材料对感观的描述。而哲学是通过这种思维材料的总结和进一步观察判断而形成的有系统有规律的组合。哲学对艺术的影响在于方方面面，它首先会会影响到艺术家。 艺术家在进行创作活动时，总会自觉或不自觉地受到特定哲学思想的影响，并通过自己的艺术作品表现或流露出来。哲学对艺术的影响，还表现在出现一批哲理性的艺术作品。 哲学对艺术的影响，更表现在它能起到促进艺术潮流形成的作用。 因此，我们在学习设计史的首先，不得不要对西方哲学史进行初步的了解，才能更深刻的理解和读懂西方设计史。 对于设计史，首先我们要追溯到旧石器时代。早期的装饰都是采用写实的一些动物，到了新石器时代采用一些抽象的几何图案。希腊半岛早期彩陶艺术印地安人制陶高手。19世纪之前的西方文化可以分为古希腊、中世纪、文艺复兴和启蒙运动几个阶段。古希腊文化有三个来源，分别是两河流域的苏美尔文化和巴比伦文化，北非尼罗河流域的埃及文化。 古希腊的设计成就主要表现在建筑和陶器两个方面。受到迈锡尼“迈加隆”建筑和古埃及承柱式建筑的影响，希腊形成了“围柱式建筑”，希腊在建造围柱式建筑时形成了具有独特文化风格的希腊柱式，到今天都有很广泛的应用。 古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者，也是古希腊，乃至整个欧洲最伟大、最辉煌、影响最深远的建筑。 这些风格特点，在古希腊神庙的各个方面都有鲜明的表现。首先是柱式。古希腊的“柱式”，不仅仅是一种建筑部件的形式，而且更准确地说，它是一种建筑规范的风格，这种规范和风格的特点是，追求建筑的檐部（包括额枋、檐壁、檐口）及柱子（柱础、柱身、柱头）的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。古希腊最典型、最辉煌，也是意味最深长的柱式主要有三种，即多立克柱式(Doric Order)、爱奥尼柱式(Ionic Order)和科林斯柱式(Corinthian Order)。这些柱式，不仅外在形体直观地显示出和谐、完美、崇高的风格，而且其比例规范也无不显出和谐与完美的风格。 古罗马的建筑艺术是古希腊建筑艺术的继承和发展。古罗马的建筑不仅借助更为先进的技术手段，发展了古希腊艺术的辉煌成就，而且也将古希腊建筑艺术风格的和谐、完美、崇高的特点，在新的社会、文化背景下，从“神殿”转入世俗，赋予这种风格以崭新的美学趣味和相应的形式特点。建筑的基本原则应当是“须讲求规例、配置、匀称、均衡、合宜以及经济”。这可以说是对古罗马建筑特点及其艺术风格的一种理论总结。 古罗马建筑一般以厚实的砖石墙、半圆形拱券、逐层挑出的门框装饰和交叉拱顶结构为主要特点。古罗马建筑的基本原则应当是“须讲求规例、配置、匀称、均衡、合宜以及经济”。古罗马建筑的类型很多。有罗马万神庙、维纳斯和罗马庙，以及巴尔贝克太阳神庙等宗教建筑，也有皇宫、剧场角斗场、浴场以及广场和巴西利卡(长方形会堂)等公共建筑。居住建筑有内庭式住宅、内庭式与围柱式院相结合的住宅，还有四、五层公寓式住宅。古代希腊、罗马是现代设计发源地——欧洲的文化源头，因而在设计史上占有极其重要的地位。古罗马史古希腊历史文明的传承，两者相辅相成。他们的发展给西方文明的发展带来了不可估量的影响，加入没有他们，不敢想象现在的欧洲是什么样子的。 中世纪后开始了文化复兴，又有以下几个阶段， 文艺复兴（15~16世纪）----巴洛克（17世纪）----洛可可（18世纪）。文艺复兴也是欧洲近代科学的起点促进艺术设计活动进步与发展动力资本主义经济发展成为拉动艺术设计发展的重要动力。而这些变化与当时的政治文化经济有着很大的联系。中世纪时期的设计又分为早起基督教社会时期、拜占庭时期、罗马式时期和新哥特式时期。罗马式建筑的特征：墙体巨大而厚实，墙面用连列小券，门宙洞口用同心多层小圆券，以减少沉重感。西面有一、二座钟楼，有时拉丁十字交点和横厅上也有钟楼。中厅大小柱有韵律地交替布置。窗口窄小，在较大的内部空间造成阴暗神秘气氛。朴素的中厅与华丽的圣坛形成对比，中厅与侧廊较大的空间变化打破了古典建筑的均衡感。 罗曼建筑承袭初期基督教建筑，采用古罗马建筑的一些传统做法如半圆拱、十字拱等，有时也用简化的古典柱式和细部装饰。经过长期的演变，逐渐用拱顶取代了初期基督教堂的木结构屋顶，对罗马的拱券技术不断进行试验和发展，采用扶壁以平衡沉重拱顶的横椎力，后来又逐渐用骨架券代替厚拱顶。平面仍为拉丁十字。出于向圣像、圣物膜拜的需要，在东端增设若干小礼拜室，平面形式渐趋复杂。 哥特式建筑随着罗曼建筑的发展，中厅愈来愈高。为减少和平衡高耸的中厅上拱脚的横椎力，并使拱顶适应于不同尺寸和形式的平面，后来创造出了哥特式建筑。罗曼建筑作为一种过渡形式，它的贡献不仅在于把沉重的结构与垂直上升的动势结合起来，而且在于它在建筑史上第一次成功地把高塔组织到建筑的完整构图之中。它多数是感性。幻想的艺术表达。 艺术与手工艺运动标志着现代艺术设计史的开端。莫里斯被称“现代艺术设计之父“。莫里斯学说：主张造型艺术与产品设计紧密结合重视传统手工艺的挖掘重现和发扬光大。他是理论家与实践主义者。而莫里斯新艺术运动时间特点又有：以新的艺术表现形式与19世纪下半叶的两种流行形式决裂（与历史风格决裂和拒绝西方艺术）流行与19和20世纪初建筑美术与艺术设计中的流行风格。 它的特点有，热衷于表现华美精致的装饰寻找自然造物最本质的根源发掘决定植物动物生长发展的内在过程对自然进行概括和提炼表现自然的内在活力，通过简单的曲线线条；其次强调整体的艺术环境，及人类视觉环境中的任何人为因素都应精心设计，以获得和谐一致的整体艺术效果。 之后出现的欧洲早期的现代主义设计分别是，立体主义---用几何形（圆柱形`圆锥形`立方体`球体）来表现客观的对象，他的主要代表人物是毕加索。立体主义开始于1906年，由当时居住在法国巴黎蒙马特区的乔治．布拉克与帕布洛．毕加索所建立。他们于1907年相识，直到1914年第一次世界大战爆发之前，两人一直非常亲近地在一起工作。立体主义这个名称的出现含有偶然性。1908年，乔治·布拉克在卡恩韦勒画廊展出作品《埃斯塔克的房子》，评论家L.活塞列斯在《吉尔.布拉斯》杂志上评论说：“布拉克先生将每件事物都还原了……成为立方体。”这种画风因此得名。立体主义的主将是帕布洛·毕加索和布拉克。毕加索的油画《亚威农少女》(1910年)，被认为是包含了立体主义因素的作品。之后出现了未来主义，他们通过色线，色点，色束来表现光的闪跃与运动感表达对现代城市生活的运动（早期印象派）1909年意大利马利奈蒂倡始。1911年至1915年广泛流行于意大利。第一次世界大战期间传布于欧洲各国。以尼采﹑柏格森哲学为根据认为未来的艺术应具有"现代感觉"并主张表现艺术家进行创作时的所谓"心境的并发性"。意大利诗人、作家兼文艺评论家马里内蒂于1909年2月在《费加罗报》上发表了《未来主义的创立和宣言》一文，标志着未来主义的诞生。他强调近代的科技和工业交通改变了人的物质生活方式，人类的精神生活也必须随之改变。他认为科技的发展改变了人的时空观念，旧的文化已失去价值，美学观念也大大改变了……未来主义艺术家们的创作兴趣涵盖了所有的艺术样式，包括绘画、雕塑、诗歌、戏剧、音乐，甚至延伸到烹饪领域。意大利诗人菲利波·托马索·马里内蒂最早于1909年发表《未来主义者宣言》一文，宣扬他的艺术观点。宣言最先在米兰发表，之后刊载于法国的《费加罗报》上。马里内蒂总结了未来主义的一些基本原则，包括对陈旧思想的憎恶，尤其是对陈旧的政治与艺术传统的憎恶。马里内蒂和他的追随者们表达了对速度、科技和暴力等元素的狂热喜爱。汽车、飞机、工业化的城镇等等在未来主义者的眼中充满魅力，因为这些象征着人类依靠技术的进步征服了自然。 后来又出现了表现主义流派，他们在造型艺术中强调艺术生活主观精神和强烈情感表现导致在方法上对客观形象做夸张变形怪诞的方法处理。它20世纪初流行于德国、法国、奥地利、北欧和俄罗斯的文学艺术流派。1901年法国画家朱利安·奥古斯特·埃尔韦为表明自己绘画有别于印象派而首次使用此词。后德国画家也在章法、技巧、线条、色彩等诸多方面进行了大胆地“创新”，逐渐形成了派别。后来发展到音乐、电影、建筑、诗歌、小说、戏剧等领域。 表现主义是艺术家通过作品着重表现内心的情感，而忽视对描写对象形式的摹写，因此往往表现为对现实扭曲和抽象化的这个做法尤其用来表达恐惧的情感，因此，主题欢快的表现主义作品很少见。从这个定义上来说马蒂斯·格吕内瓦尔德与格雷考的作品也可以说是表现主义的，但是一般来说表现主义仅限于20世纪的作品。 20世纪之内出现了众多的流派，如至上主义、构成主义、风格派、包豪斯、巴黎画派、达达主义、超现实主义、抽象表现主义等。这些都影响着设计的发展，当然，设计也在改变着流派的风格进而成长。

这两篇，你可以参考下，，，，(1) 浅谈罗可可艺术的女性化特征内容摘要 ：产生于法国18世纪的罗可可艺术反映的是上流阶层的审美趣味和审美价值，是集享乐、奢侈、豪华于一体的艺术样式的代名词。文章通过研究法国路易十五时期的社会和文化特征，探讨表现在建筑、家具、绘画以及服饰方面的女性化风格特征。关 键 词 ：罗可可 宫廷贵族艺术 女性化18世纪的法国是启蒙运动的时代，由于国家对工商业与文化实行奖励政策，促使资本主义经济飞速发展，文学艺术也随之蓬勃与兴盛。经历了男性理性时代的法国人开始渴望柔和暧昧的女性化情感，尤其是没落的封建贵族们，他们从路易十四时期的繁文缛节中解脱出来之后，开始追求奢侈享乐的生活，崇尚轻浮华丽的艺术，罗可可艺术便应运而生，并且迅速成为法国乃至欧洲的主流艺术和社会风尚。“罗可可”一词意为“贝壳工艺”，指用贝壳、石子等做假山，或以旋涡纹、花饰为主的装饰形象，后来引申为一种纤巧、华美、富丽的艺术风格。罗可可艺术强调浪漫情调，它从东方、中世纪和古罗马的装饰风格之中得到启发，还吸收了中国清代丝绸、瓷器、漆器等工艺所特有的精致细腻的纹样，以及镶金嵌银的装饰风格。罗可可艺术崇尚自然，多以贝壳、山石、花草作为装饰题材，用富于女性化象征的S形、C形或旋涡状曲线夸张地伸展和缠绵卷曲，因此优雅、柔媚、华丽与繁缛成为罗可可艺术的典型特性。如果巴洛克艺术是男性化艺术象征，那么罗可可艺术则是典型的女性化艺术。路易十五的情妇蓬巴杜夫人不仅是罗可可艺术的保护人和倡导者，又是罗可可艺术的象征性人物，她引领了整个法国的艺术潮流，在她的推波助澜下，罗可可艺术成为压倒一切的艺术风尚，因此罗可可艺术又称“蓬巴杜风格”。罗可可艺术风格几乎侵袭了宫廷贵族精神生活的一切领域。“在18世纪，罗可可趣味是随处可见的，贝壳、草茎和花朵是罗可可样式最常采用的装饰母题；即便是一件日用器皿，也能感到是罗可可时代的一个缩影。”①可以说，罗可可风格渗透到法国人日常生活的每个角落，它不仅体现在绘画与建筑上，还涉及到音乐、文学等多个艺术领域。罗可可建筑与室内装饰罗可可建筑是在巴洛克建筑的基础上发展起来的，它由巴洛克式的富丽堂皇、气魄宏伟的宫殿转变为优雅别致的别墅与私邸，而且还处处体现了女性化的安逸、亲切和舒适的装饰风格，如室内的柱子与楼梯修长而小巧；天花与墙面间以弧面婉转相连；房间的角落砌成柔和的圆形。罗可可式室内装饰总体倾向自然主义，它将草叶、贝壳、石子、蔷薇和棕榈作为装饰题材，不仅用在墙面和天花板上，还用在栏杆、窗台、壁炉、镜框、门窗等一系列装饰构件上。此外，还在室内张挂绸缎的幔帐和晶体玻璃吊灯，陈设瓷器古玩，以显示主人的豪华与高雅。罗可可建筑与室内装饰多采用娇嫩明快的色调和富有光泽的色彩，并且尽量避免强烈的对比，如墙面粉刷，多用白色、粉红色、嫩绿色、淡黄色等浅色调，线脚多用金色，使室内闪烁着迷人的光泽。由于在装饰上过于繁缛花巧，罗可可建筑与室内装饰的格调显示出过浓的脂粉气。罗可可家具罗可可家具由其装饰形式的新思想出发，整个家具设计都由富有节奏感的曲线或曲面构成，可以说，女性化的柔美与纤巧的格调在罗可可家具上体现得淋漓尽致。设计师从妩媚修长的女人体得到启发，创造出秀气、高雅、轻巧的家具，以芭蕾舞为原型的椅子腿最为典型。沙发靠背、扶手、画框大都采用细致典雅的雕花，椅背的顶梁有玲珑起伏的“C”形和“S”形的旋涡纹的精巧结合。罗可可家具在制作工艺上采用了青镀金、雕刻描金、线条着色，或镶嵌花线与雕刻相结合的装饰手法，讲究精致繁琐，这种富于想象力的细线纹饰使得家具显得愈加轻盈纤柔。所有这些致力于追求外形特点的家具，构成了罗可可风格时代的贵族们浮华绚丽的生活场景的不可缺少的元素。[next] 罗可可绘画“罗可可”以一种轻松优雅的风格使绘画彻底摆脱了宗教神学的教化思想，此时的艺术理想由雄伟转向了愉悦，享乐的世俗生活和欢愉的爱情是罗可可绘画的主题。特别是青年男女爱情的风流韵事成为广泛的题材，罗可可绘画讲求细腻入微的感官享受，甚至追求形象肉感和性感描写，即使是男人肖像也带有女性化的纤柔。画家华多以轻柔的笔触和淡雅的色彩，在画面中渲染出一种如梦的境界，以此来衬托动作优雅、绮罗遍身的男女们。这些男女们虽在远离尘世的仙境中野餐，谈情说爱，尽情地安逸享乐，然而甜美中却浸有淡淡的忧郁。正是这种“夕阳无限好”的意味，使华多避免了浅薄的思想而超越了其他罗可可画家。罗可可风格在布歇和弗拉戈纳尔的作品中表现得更为突出，他们对感官之美真实大胆，富于情调效果的追求，成为了那个无忧无虑、奢华萎靡时代的诠释者。罗可可服饰罗可可时代是女人的时代，女性浪漫而华贵的服饰把那个时代渲染得无比精彩。突出妇女的体形美是罗可可女装最大的特点，罗可可女装流行内穿束身紧身胸衣，胸衣领口开口很低，并以褶裥、荷叶边和蕾丝花边装饰领口，以衬托女性丰满的胸部。受东方文化影响，女装裙子面料流行飘逸温软、高雅而精致的丝织物，内以鲸骨做撑架，这种裙撑越来越大，犹如盛开的花朵，裙撑外的多层衬裙要将外裙前摆卷起至后臀处打褶垂放，目的是为了使臀部更突出，腰肢更纤细。罗可可女装经常在局部饰有精巧的刺绣工艺、蝴蝶结、玫瑰花，再配上独特而夸张的假发和帽子，显尽了女人的华丽与娇柔。男子服饰没有领子，领口有一排长而密的扣子，将前襟去掉，就形成了日后的燕尾服，而颈前的蝴蝶结，就是今天的领结。结语风靡一时的罗可可风格随着蓬巴杜夫人的亡故逐渐被新古典主义取代。由于罗可可艺术一直被禁锢在高雅文化中，只为上流社会苍白、颓废、娇弱的思想生活服务，不免显得过于娇媚浮华，缺少了精神内涵的深刻性。但是，罗可可艺术夸张的手法和独特的表现形式则使它具有了超时代艺术生命力，甚至至今还为艺术家们提供着创作思路。(2)包豪斯的发展对现代设计的影响在当今社会生活中，现代设计参与并影响着人们的生产、生活。艺术设计、环境艺术、工业造型等各个领域，都直接或间接受到“包豪斯”的影响，或多或少有其设计理念的意识存在，如“艺术与技术相结合”的指导思想，产品的使用价值与审美价值的辩证关系等。德国包豪斯（Bauhaus）学院，成立于1919年，是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院，是由德国著名建筑师现代主义建筑与现代主义设计的奠基人格罗皮乌斯（Walter Adolf Georg Gropius，1883—1969）建立。“包豪斯”一词是从中世纪的“土木行会”转化而来的，其意思是建立像中世纪匠师们那样通力合作的关系，力图打破纯艺术和工艺技术之间的界限，团结艺术家和工艺技师一起创造出精神和物质合一的、完美的美术作品，其实质是推进现代新技术下造型艺术的创造。包豪斯学院是世界上第一所建筑工业设计学校，它的诞生是现代建筑工业设计的一个里程碑。①根据其校长的任期，包豪斯可以分为三个阶段：格罗皮乌斯任校长的1919—1928年，迈耶任校长的1928—1930年和米斯·凡德罗任校长的1930—1933年。校长的作用对包豪斯具有重要的意义。②根据校址的三次迁移，包豪斯经历了魏玛时期（1919—1924年），迪拜时期（1925—1930年）和柏林时期（1931—1933年）。在学校构成、教学思想、专业课程设置、师资制度及设计理念等方面，包豪斯学院发生过许多重大变化。即格罗皮乌斯的理想主义与其浪漫的乌托邦精神，迈耶的共产主义政治目标，米斯的实用主义方向与严谨的工作方法。所有这些虽都具有强烈而鲜明的时代烙印，但同时也成就了包豪斯精神内容的丰富性、文化特征的复杂程度，这为现代设计教育奠定了基础，对现代建筑及工业设计革命做出了巨大贡献，同时对世界文化也有着深远的影响。1919年4月1日，第一次世界大战结束以后，包豪斯正式在魏玛成立，格罗皮乌斯亲自拟订并发表了《包豪斯宣言》，在宣言中他提出：“完整的建筑物是视觉艺术的最终目的……建筑家、雕塑家和画家们，我们应该转向应用艺术……艺术不是一门专门职业，艺术家与工艺技术人员之间并没有根本上的区别……让我们建立一个新的艺术家组织，在这个组织里面，绝对不存在使得工艺技师与艺术家之间树起很大障碍的职业阶段观念……”③在《包豪斯宣言》中，格罗皮乌斯的核心思想：一是打破艺术种类的界限。二是将手工艺人的地位提高到艺术家的层次。这就是格罗皮乌斯所说的“艺术和技术——新的统一”的含义。约翰内斯·伊顿（Johannes Itten,1888—1967）是一位瑞士画家，是被公认为世界上第一位系统地创造现代设计基础课程的人，是包豪斯预科基础课程的第一位主持人。在基础课程中，他特别强调两个方面：一是对形态、色彩、材料、肌理的深入理解与体验，包括平面与立体形式的探讨与理解。二是通过对绘画的分析，找出视觉的形式构成规律，特别是韵律和结构两个方面的规律，逐步使学生对自然事物有一种特殊的视觉发展的敏感性。同时，伊顿也是最早开设现代色彩系统教学的教育家之一，但是伊顿醉心于早期基督教哲学和中国哲学，具有敏感力和浓厚的宗教意识。所以，其教学方式与内容往往是将科学视觉形式与神秘主义精神混作一体，有些干扰了正常教学，从而遭到了很多批评和抨击。最终他于1923年离开包豪斯，去苏黎士从事艺术创作，并继续研究中国哲学。1922年10月份，拉兹罗·莫霍里·纳吉（Moholy Nagy,1895—1946）接替了伊顿位置。他年轻活跃，才华横溢，曾被格罗皮乌斯誉为“在建立包豪斯教育中最活跃的同事之一，包豪斯的许多建树都是他的功绩”。④纳吉使包豪斯预科摆脱了哲学倾向，具有明显的技术倾向。在艺术设计中，他使美学适应于结构逻辑，他为预科学生安排了三组课程，即工艺类、艺术类、科学类，使学生了解材料的属性，掌握形式表面、结构、容积、空间和运动等概念的内容，学会使用手动工具和生产设备，熟悉造型表现的原理，让学生的形象知觉和理性思维结合起来。纳吉是一位把包豪斯的艺术概念运用到工业和建筑上去的主要理论家，是继格罗皮乌斯之后，成为包豪斯思想传播和发展最有影响的人物，影响了整整一代艺术家、建筑师、设计师。 [next] 包豪斯预科的第三位主持人阿尔伯斯(Joset Albas,1888—1961)，同样具有理性思维的教学倾向，但比纳吉更具有实践性。他十分强调学生认识材料及工艺特性，使学生在制作工业产品上完全贴近实际任务。阿尔伯斯经常和学生一起讨论、分析作品。他认为，双向交流比教师单向讲授更有助于发展学生的结构思维。表现主义画家克利（Paul Klee,1897—1940）与抽象绘画开拓者康定斯基（Vassily Kandinsky,1897—1944）也是包豪斯最有影响力的成员，他们对完善学院的教育体系起到了积极的促进作用。克利的理论知识丰富，是现代艺术中敏感性极强的人。他所关注的不是抽象与具象的分野，而是如何把所有元素从统一规范中解放出来，分解、组合、重建，构成多声部的整体，通过动态平衡，造就永恒的和谐，使之接近创造的核心。⑤克利的“自然现象的分析”“造型、空间，运动和透视研究”这几门课程，从造型的作用说起，论述自然与物理、数学的关系，以及与人的认知之间的关系。他尽量把理论简单化、明确化，注重形式的分析，并善于将元素进行组合研究，强调感觉与创造性之间的关系。康定斯基是一位伟大的表现主义大师，现代抽象艺术的先驱。他的教学是从完全抽象的色彩与形体理论开始，然后把这些抽象的内容与具体的设计联系起来。其关于点、线、面的论述在包豪斯的基础课教学中发挥了重要作用。而这些内容已成为现代设计教育体系中平面构成的先声。包豪斯强调造型艺术的结合，提出艺术与技术相结合的思想；强调新的工业产品的使用价值与审美价值的辩证关系；强调使用新的物质材料、新技术和实用功能决定的现代抽象形式；强调艺术设计才能与工艺制作劳动相结合；强调艺术家之间的协作和打破艺术家与匠师之间的壁垒。包豪斯奠定了现代设计教育体系的基础，其课程结构与教学方式成为世界许多学校设计教育的出发点，培养的杰出设计师把现代设计推向了新的高度，其精神、观念与方法在相当长的时间被奉为现代主义的经典。包豪斯在设计中提倡自由创作，反对模仿因袭、墨守成规，提倡在掌握手工艺的同时，了解现代设计的特征，大力开展国际、国内之间的交流合作，培养具有现代设计文化性格的新型人才，具有创造性思维能力，集艺术、工艺、设计于一身的新型人才。包豪斯的设计思想为现代设计思想的拓展和完善提供了可遵循的依据和准则，使现代设计思想更趋于系统化、规范化。包豪斯所提倡的功能化的设计原则，使现代设计对产品功能的物质载体重新加以探索，有效地利用载体，使载体多功能化，对材料、造型、使用环境等诸要素也进行了更深入的研究。包豪斯的发展是坎坷的、短暂的，但其影响在世界范围内却是巨大的，我们在吸收包豪斯的设计理论和教育思想的同时，应该结合现实中具体的问题，将科学探索精神及现代审美意识与本民族传统文化有机地结合起来，更好地促进现代设计的发展。如今，人类已进入21世纪，现代设计如雨后春笋，呈现出突飞猛进的态势，并渗入到与人们息息相关的生产、生活的各个领域，并且跨越众多学科门类和体系。虽然仅开办14年的包豪斯已经过去了86年，但是包豪斯的设计思想对现代设计产生了深远的影响。注释 ：①张彤.整体地域建筑理论框架概述[J].华中建筑，1993（3）：22.②凌继尧，徐恒醇.艺术设计学[M].上海：上海人民出版社，2000.③王受之.世界现代设计史[M].北京：中国青年出版社，2002：142.④张夫也.外国工艺美术史[M].北京：中国翻译出版社，1999：525.⑤汪炳璋.包豪斯的工业设计及其发展研究[J].安徽建筑工业学院学报(自然科学版)，2005(12):36.

东西方设计绘画美学异同：东方以中国为代表的绘画审美基点在于“意味”，西方绘画的基点在于“再现”中国绘画最求形象之外的意，线条与超然的色彩更能充分表达主管情感，成为东方美术造型的主要手法。西方人致力于物象属性的研究，造型艺术便充分利用了自然科学，借助明暗规律光与色的关系，空间，体积，结构，运动的表现成为主要造型的依据。东方审美的本质在于尚意，领悟，对真实的理解是物体对应情思后“升华了的真实”，西方审美本质是尚形的，他们认为认为造型艺术的认识必须是由感性到理性的认识。而理性认识必须有明确的定义，审美必须有客观依据，有准确的概念，推斥了东方的“领悟性”重视自然给人的美感及生活体验的功用。东方：逻辑体系严谨，只可意会不可言传，“意足不求颜色似”如山水画讲究意境，讲究“澄怀味道”，“有无相成，虚实相生，灵气往来，无画处皆成妙境”。画面上用大面积的空白，大块的墨线与墨块，多视域的构图处理，成为东方人理解到有相辅相成的艺术创造中的宇宙和谐实体。西方人认为：“之所以世界千差万别就在于它们有各自都具有不同的数量关系。雕塑绘画等艺术的美在于‘数的和谐与比例'。一切造型艺术要依靠对数据恰如其分的把握”。如此自然最完美的比例节奏构成了重要依据.完美的古希腊雕塑来自理想中比列的和谐与完美,神庙建筑来自几何图形的和谐统一,艺术史成了这种和谐与人感知的理想契合.