(英国)毛姆(WSomerset Maugham) 译者：李晓愚毛姆（WSomerset Maugham），英国著名小说家，被誉为“最会讲故事的作家”。他的小说机智、幽默，不时流露出对某些社会现象的讥讽。
不要分，要RMB呵呵，给就来找我！
Paul Agricole GENIN (1832-1903)
表达什么内容
“古典”（Classic）一词源自拉丁文，原是典范、即奉古希腊（或罗马）为典范而加以模仿的意思。人们有时把严肃音乐或艺术性音乐统统称为古典音乐，以同所谓“流行”音乐或娱乐性音乐相区别。“古典”的这一广义解释，把历史时期和风格全然撇开，因此，本来是属于不同时期和不同风格的音乐作品，例如，巴赫、贝多芬、柴科夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。音乐史上的古典时期基本上是属于器乐的，绝大多数作曲家的注意力都集中在器乐的体裁与形式，声乐的地位反而退居其次。敢于同大主教决裂的莫扎特，虽然在歌剧方面卓有贡献，他的器乐作品也是大量的。至于贝多芬，他纯粹是一位器乐作曲家，他以革命中的英雄作为作品的主人公，为此他有时也被称为革命的古典作曲家。古典主义的规范化确立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响曲等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式。古典风格作品中节奏与配器色彩灵活善变，而不是整乐章划一不变；古典作品中所有声部、甚至于演奏的力度，都由作曲家亲自写出和标明，而不是留给演奏者演奏时即兴处理。至于感情的表达，古典作品由于理性精神的影响，往往比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉——从这方面着眼，巴罗克风格全然不同于古典主义，它反而更接近于后来的浪漫主义的精神。西方古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，而在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。”在欧洲艺术史上有两个重要的时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年；另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。在浪漫主义时期，随着工业革命的进行，钢琴也进行了改进，其自身采用了铸铁结构，琴弦也加粗了，这种钢琴能获得更浓厚和更辉煌的音乐，跟现在的钢琴开始接近。接下来，我用一个事实来证明这一点：如果李斯特的时代要求他有不同的表达方式，而且还因为这个时代为他提供了能产生不同效果的钢琴，这种钢琴在较早的时期是找不到。但这种比较我们只能在音乐文献中找到，在现实社会中已很难找到。十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。歌曲的结构可分为两大类。在分节歌形式（strophic form）中，诗的每一段或每一节都重复同样的旋律。这是民歌和通俗歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是讲述一个情人的期待，第二段是他见到爱人时的欢乐，第三段姑娘的父亲粗暴地将他们分离，第四段姑娘悲伤地死去，所有这些都用相同的曲调演唱。另一种形式德国人称作“durchkompoiert”，字面意思是“全面创作的”，就是说作曲过程贯穿全曲，没有整段的反复。还有一种中间的形式，它将分节歌中的反复和全创作歌曲的自由结合在一起，有两、三段重复同样的旋律，然后在需要时就引入新的旋律，一般来说都是在高潮部分引入。舒柏特脍炙人口的《小夜曲》就是这种结构的精彩范例。尽管在各个时期（代）歌曲都处于显着的地位，但现在通过很多欧洲音乐文献记载知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在十九世纪初由诗歌与音乐相结合而创造出来的。舒柏特和他的后继者，著名的有舒曼和勃拉姻斯，使这种结合获得了如此完美的艺术效果，以致这种新风格以德文中的歌曲一词：Lied，闻名胜古迹欧洲。艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义出现的标志，艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐和诗歌结合的愿望得以实现，它包括温柔的情感或戏剧性的民谣风格。艺术歌曲中最常采用的主题是爱情、期待、大自然的美和人生中短暂易逝的幸福。钢琴在十九世纪作为普通乐器出现在欧洲，使浪漫主义艺术歌曲能够获得成功。钢琴的伴奏把诗中的形象变为音乐的形象。人声和钢琴共同创造出了富于情感的短小的抒情形式，这种形式对于业余爱好者和艺术家同样结合，也同样适合于在家庭里和音乐厅里演唱。在短时间内，艺术歌曲就获得了极大的普及，并对世界艺术做出了永久性的贡献。标题音乐是带有文字或图画联想的器乐作品，这些联想的内容由乐曲的标题或说明性的注释来提示的。“标题”只是由作曲家自由加上去的。在当时那个年代里，音乐家敏锐地意识到了他们的艺术与周围世界的联系。这种意识促使用使他们的音乐更加接近于诗歌和绘画，并且使他们的作品涉及到当时的道德和政治问题。还促使他们以一种新的方法来探讨绝对音乐（纯音乐）的形式。关标题音乐在歌剧院中获得了最初的推动力。序曲作为歌剧（或戏剧）的引子，是单乐章令人兴奋的管弦乐曲。有许多歌剧序曲后来获得了像音乐会乐曲一样的普及，因而独立出来。这样便为一种歌剧没有关系的新式序曲开辟了道路。标题音乐中有一种是为戏剧写的，也很有吸引力，通常由序曲和一组在幕间及重要场景演奏的乐曲组成，这就是配乐。十九世纪的作曲家创作出了许多这类的作品，这些作品的音画法（tone painting），性格化和剧场效果都是值得注意的。最成功的配乐作品，通常被改编成组曲。其中一些流传得非常广泛。例如，德国著名作曲家大师门德尔松为《仲夏夜之梦》所写的音乐就是这类音乐作品中的典范。随着十九世纪时间的推移，一种大型的管弦乐形式就越来越需要了，这种形式在浪漫主义时代将起的作用就像交响乐在古典时期起的作用一样。到十九世纪中叶，交响诗的创造迈出了这期待已久的一步。交响诗是十九世纪在大型器乐形式上做出一个有独创性的贡献。它是李斯特的成就，他在1848年首次使用了这个词。他的《前奏曲》是此音乐中最出名的范例。交响诗是为管弦乐队而作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比而发展诗意，使人联想起某种情景，或造成一种情绪。交响诗还有一个非常美丽的别称：音诗。交响诗与音乐会序曲有一点重要的不同，音乐会序曲一般保留传统的古典主义的构思，而交响诗在形式上则自由得多。交响诗的形式是为作曲家所需要的大型单乐章乐曲准备的“画布”。总之，交响诗在整个十九世纪后半叶中，成为标题管弦音乐的最精致的形式。最后介绍标题音乐进入到绝对音乐的神圣领土——交响乐中。作曲家一方面尽力保留贝多芬的宏大的形式，同时又赋予它以文学内容。这样就出现了标题交响乐。著名的作品有法国作曲家柏辽兹的三部标题交响乐——《幻想交响曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查德·施特劳斯《阿尔卑斯山》、《家庭》和匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》都是最著名的交响乐作品。民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以一种更自觉的方式肯定他的民族传统。在十九世纪的欧洲，那时的政治条件促进了民族主义的发展，使之达到了在浪漫主义运动成为决定性力量的程度。征服民族的傲慢和被征服民族为自由的斗争造成民族关系的紧张，使民族情绪上涨，这种情感在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫主义作曲家用许多方式表现他们的民族主义。一些作曲家以他们民族的歌曲和舞曲作为音乐的基础，如肖邦以他的玛祖卡舞曲、李斯特以他的匈牙利狂想曲、德沃夏克以他的斯拉夫舞曲、格里格的挪威舞曲。一些作曲家以民间传说或以农民生活为基础写作戏剧性的作品，例如韦柏写的德国民间歌剧《自由射手》、斯美搭纳写的捷克民族歌剧《被出卖的新嫁娘》，同样，还有柴可夫斯基和里姻斯基·科萨科夫写的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。还有一些作曲家写作交响诗和歌剧，歌颂民族英雄的功绩，历史事件或祖国的美景。柴可夫科斯基的《一八一二序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》就是这股潮流的代表作；瓦格纳的音乐戏剧对德国神话和民间传说中的神和英雄加以颂扬，特别提到的是《尼伯龙的指环》（歌特式摇滚的先驱），这个剧本是以齐格菲的生死为中心题材的庞大史诗，它也是一个代表作。民族主义作曲家常把自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗句结合起来，舒柏特为歌德的诗歌谱曲即属此类，还有格里格为易卜生的《皮尔·金特》所作的配乐，及柴可夫斯基的为普希金的戏剧为基础的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金还激发了里姻斯基·科萨科夫和穆索尔斯基的创作灵感。在这种时期，民族主义作曲家能把人民的抱负以激动人心的方式表达出来，像威尔第在意大利为统一而奋斗时所作的那样，或是西贝柳斯在芬兰于十九世纪末为反抗俄国统治者而斗争时所做的那样。民族主义音乐的政治含义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适合奥地利检查官的心意。芬兰在十九世纪末、二十世纪初要求独立时，西贝柳斯那带有令人振奋的号角声的音诗《芬兰颂》被沙皇禁演。民族主义为欧洲音乐的语汇中增加了极富魅力和活力的民族风格。由于把对祖国的热爱注入到音乐中去，民族主义使作曲家能够表达出千百万人民的心愿。总之，民族意识渗透到十九世纪欧洲精神的各个方面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想橡的。在音乐、绘画和文学中的异国情调显现出遥远国度里别致的气氛和色彩。不同说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。在十九世纪，异国情调首先表现在北方民族思慕那南方的温暖和色彩，其次表现在西方追求东方那神话般的景象。前者推动德国、法国和俄国的作曲家在自己的作品中转而表现由意大利和西班牙引起的灵感。在这类众多作品中，有俄罗斯作曲家的几个著名作品：格林卡的两首《西班牙序曲》、柴可夫斯基的《意大利随想曲》和里姻斯基--科萨科夫的《西班牙主题随想曲》、德国贡献出门德尔松的《意大利交响曲》、沃尔夫的《意大利小夜曲》和理查德·施特劳斯的《致意大利》、法国作品有夏布里埃的《西班牙狂想曲》和拉罗的《西班牙交响曲》。值得一提的是比才的《卡门》也是这一领域中的杰作。俄罗斯民族乐派使东方的魅力产生了国际性的影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是民族主义的一种形式。亚洲神话般的背景渗透进俄罗斯的音乐。里姻斯基一科萨科夫绚丽的管弦乐作品《舍赫拉查达》及其歌剧《萨特阔》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》和交响诗《在中亚细亚草原上》，伊波利托夫一伊万诺夫的《高加索素描》，这些都属于东方色彩的作品，这些作品至今还风行于全球。一些法国和意大利的作曲家也采用异国情调：如圣一桑的《参孙与达丽拉》，德利布的《拉克美》，马斯奈的《泰伊思》，威尔第的《阿伊达》，以及普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰多特》。懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞（快三）表活泼，进行曲表现有力量等；旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静；和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势；音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作；欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师；意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解；欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。学习欧洲古典音乐，理解古典音乐，欣赏欧洲古典音乐，将给我们的生活增添无限的乐趣。
说到欧洲古典音乐，我们不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐！当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用！ 到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成！ 欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。 当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父”之称的海顿！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！ 在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家～ 时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐！音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处！ 在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了象马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用！ 时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表！在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化！在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式！ 注：按广义的古典音乐定义：从17世纪到19世纪的专业音乐创作来看，印象派音乐和现代音乐皆不属古典音乐之类；若按严格的古典音乐定义，则古典是指海顿、莫扎特、贝多芬等人的音乐作品。 中世纪时期（Medieval Period）（1450年前） 这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教 堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。 推荐：GREGORIAN CHANT 巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750） 这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性: 华丽、复杂、藻饰、扭曲, 著重于超现实和雄伟宏奇, 这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表著井然的秩序和澄澈的表现, 那么巴洛克时代 (及后来的浪漫时代)就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声, 以及加上文字指示和弦的「数字低音」 (figured bass) 都产生于巴洛克时代；旧有的教会调式消逝, 大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起, 是巴洛克时代大事。另外, 节奏思想也在这个时代萌芽, 也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲) 。 古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820） 因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。 浪漫主义时期（Romanticism）（约为公元1820—1900） 这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二号；华格纳歌剧序曲集；布拉姆斯交响曲第一、三号；柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号；拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》；拉罗《西班牙交响曲》；拉威尔钢琴协奏曲G大调。 20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》，斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲第一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》、《画家马席斯》交响曲，以及美国作曲家科普兰的《马术竞技会》、《一个平凡人的号角》。
1、《西班牙舞曲》是《天鹅湖》第三幕中的一段音乐。在王后为王子安排的挑选新娘的舞会上，妖魔及其女儿和随从闯了进来，他们扮作外国客人，在妖魔斗篷的挥舞下，表演了各种民族风格的舞蹈，包括匈牙利、西班牙、那不勒斯和波兰的舞蹈，每一段舞蹈的音乐各有其民族特点。 《西班牙舞曲》是上述舞蹈中的一段，它运用了典型的西班牙舞曲的节奏，节拍为三拍子，节奏强烈，气氛热烈，常用与男女对舞和独舞，还采用西班牙舞曲中常见的响板，具有鲜明的西班牙民族音乐特点。该舞曲具有典型的波莱罗舞曲的特征。2、《西班牙舞曲》共分为五段。3、具体欣赏：第一段：轻快活泼、节奏鲜明的西班牙风格的舞曲。第二段：节奏比第一段更加强烈，情绪更加炽热。第三段：是第一段的重复。第四段：转调，旋律富于歌唱性，与前后形成对比。第五段：情绪更加活泼，其热烈气氛达到全曲的高潮。
按照自己所感受的感觉写..一千字打不住..
萨克斯教学中的问题分析论文
摘要： 本文通过对萨克斯的特点进行阐述，以及学习萨克斯的年龄特征进行描述，指出了基本功在萨克斯教学中的重要性，并针对萨克斯教学中的长音、音阶、音准等容易忽视的重要问题进行了分析。
关键词： 萨克斯；教学；问题
萨克斯这种乐器融合了木管和铜管乐器的特点，它的发音源采用的是笛头和哨片，经过多年的制作工艺不断发展，萨克斯也逐渐变得外观精致且音色优美，其表现力也极为丰富，现在学习的人数也越来越多。同时，萨克斯管又是一件比较复杂但科学的乐器，只有通过科学与正规的学习才能将它演绎得好，因此对于学习萨克斯的人特别是初学者来说，了解萨克斯学习的基本规律是很重要的。
一、学习萨克斯的适合年龄
许多人认为，萨克斯的学习要求需要强壮的体魄，然后才是取决于乐器的状态和演奏者的方法。其实，萨克斯的正常演奏对于一般人来讲是没有很大的负担的，由于制造工艺的逐渐发达，配之以科学的演奏方法，萨克斯的演奏是一件比较轻松的事情。
一般来说，年龄小的孩子在学习乐器上要占有一定的优势，这是因为他们的手指与舌头部位还发展得不够完全，独立性与灵活性更好，也有利于整个肌体动作的协调配合，可塑性也比较强一些。无论是在生理上还是在心理上，年纪较小的学习者往往更加利于教学。但是，萨克斯是一门吹奏乐器，加上自身拥有一定的重量和体积，因此，在气息与力量上的要求也较其他乐器高。根据孩子的发育特点，刚进小学的孩子，即七八岁的孩子学习萨克斯比较适宜。
二、学习萨克斯的时间与周期
无论是学习何种乐器，都是一种由浅入深的过程，学习萨克斯也同样不例外，对于有没有学会，有没有学好也并没有一个量化与硬性的标准和规定。因此，若是单从技术的角度来看，一般人能够吹奏出比较纯正的音质与音色，以及能够完整地演奏一些简单的乐曲，就能够在乐队中与乐手进行一些比较简单的合作，而这个程度的造就，大概也就需要一至两年的时间。
三、注意基本功的培养
任何乐器的学习都是一个循序渐进的过程，要遵循该学科的规律和方法。萨克斯是依靠口型与气息来发声的，因此，口型与气息就成了很重要的方面。若是口型不对，发音就会错误，气息不正确，声音也会因此而沉闷堵塞。这样一来，一支原本优美的曲子也会变得面目全非。因此，掌握一定的技巧，才能真正用萨克斯演绎好一首曲子。这就要求掌握科学系统的学习方法，并进行踏踏实实的基本功练习。
四、在教学中应该重视的问题
（一）注重长音
长音是萨克斯练习中的一个重要形式，这是因为通过长音练习，可以使没有经过专业训练的人能够做到唇部肌肉张弛有度，控制自如。其次，初学者的口型还处于一种不稳定的状态，长音练习可以巩固其口型并加强其耐力。
重视对学生进行长音的练习还要注意培养其每天坚持的习惯，并在练习中注意以站姿为主，练习的时候，演奏顺序可以从低音到高音，再从高音到低音，如此反复。
（二）重视音阶
萨克斯教学中还要尤其注重作为基本功之一的音阶练习。这是由于通过音阶练习，可以训练学习者手指的独立性和灵活性，同时，还能培养手指间的协作配合能力。
（三）注意速度与节奏
在萨克斯的`教学中，还有一个不能忽视的方面，那就是乐曲的速度与节奏，在演奏过程中，如果只教育学生吹奏音符，而忽视了音符的时值以及换气的位置等等方面，那么，之前的长音练习以及音阶练习等就白白浪费了。
（四）对作品进行分析
要想演绎好一首完整的乐曲，就免不了对作品进行分析和理解。在教学中，不仅仅是教会学生技术，更重要的还是要教会学生理解作品的能力，只有这样，才能够将曲子演绎完美，正确表达出曲子应有的灵魂和精髓。
五、合理科学的进行练习
刻苦的练习对于萨克斯学习是非常重要的，不仅要大量学习经典作品，还要投入充足的时间和精力，不然，也难以取得成绩。在教学中，要为学生创造舒适安静的环境，同时，光线应当充足且通风良好，座椅以及谱架也要适合学生的练习姿势。同时，要培养学生良好、固定的练习习惯，例如，声音与技巧的训练可以占整个练习时间的三分之一，练习曲占三分之一，剩下的三分之一则是乐曲与视奏的练习。
总之，在萨克斯教学中，常常有许多问题容易被忽视，而教师在教学以及练习当中就应该格外注意，教会学生多练、多想、多问的学习能力，才能从根本上解决这些问题，提高教学质量。
参考文献：
[1]拉里.蒂尔著,董克、崔如峰译.萨克管演奏艺术[M].新世界出版社，1994.
大卫。里布曼 探究富有个性的萨克斯管声音 北京教育出版社2007
近年来学习萨克斯管的学员越来越多，在学习过程中需要有一个科学的态度并掌握科学的方法。下面是我整理的关于萨克斯的科学演奏方法，欢迎大家阅读。
一、音质音色
无论学习哪种乐器，最终的目的都是尽可能地用它演奏出最美好的音乐。因此掌握住良好的音质是达到这个目标的首要前提。萨克斯圆润柔和的音色集合了铜管与木管乐器的两种音质特点，也可以说萨克斯的音色是极具个性化的，特别是在演奏富有激情的乐句时，会带给人异常兴奋的感觉，富有很强的感染力。大家可以试想一下，如果吹奏出音质很难听，那么即使你用萨克斯把每个音吹的很准，把乐曲处理得再好，也难以打动人的心灵。因为动听的音色才是打动人心灵的首要物质条件，它能给人以联想，吸引人的精神意识，会让人不由自主地去理解你演奏的乐曲，继而产生情感共鸣。
我国萨克斯管演奏历史与国外相比，起步很晚。目前能用英语阅读并学习国外萨克斯教材的乐手更是甚少，造成了在学习过程中对萨克斯管的演奏技术的理解上产生很多模糊的概念，这就给萨克斯管的学习增添了很多障碍。甚至很多以前学习过其他管乐的人们认为萨克斯是“容易演奏”的乐器，从内心对萨克斯的学习抱着一种轻视的态度，认为萨克斯拿起来就能吹，不需要进行正规的练习，也不考虑吹出的声音是否动听，而且还用以前学习其他管乐的演奏方法与经验来判定萨克斯怎样演奏。而事实上不同的管乐虽有相同的共性，但每种管乐都有它本身的演奏方式。如果不抓住这一点努力钻研，没有掌握科学的演奏方法，萨克斯应该是最容易吹奏出难听音色的乐器。在没有掌握正确的演奏方法的前提下，即使很小心、很认真地吹，发出声音也是不悦耳的。很多人平日都喜欢欣赏许多名家的萨克斯演奏，但应该知道这些演奏家毕生都在孜孜不倦地钻研萨克斯管的演奏，因此我感觉上述的那些错误理念与心态是很阻碍萨克斯的发展与进步的。
通过多年对国外教材的研究，并曾多次亲临现场倾听国外萨克斯专家演奏，与他们多次面对面共同探讨交流，使我总结出：若想把萨克斯最佳音色吹奏出来并能展现出它具有人声特点的性质，就必须掌握萨克斯本身的、科学的发音方法。应该明白萨克斯在发音上绝对不能等同于任何其他管乐的发音方式，例如大家熟知的并感觉与萨克斯较为接近的单簧管，吹奏方式绝不能照搬过来。特别是以前学习过单簧管的学生在吹奏口型上容易出现嘴角后拉的状态，这在单簧管的吹奏口型上是正确的，但照搬用在萨克斯的吹奏口型上却是极为错误的。
目前国内乐手演奏萨克斯总结为两种演奏方式：一种方法会使演奏者吹出的声音比较单薄、明亮而且集中，很直白，只是把萨克斯雄壮明亮的音质特点表现出来，但萨克斯本质的声音却没有;而另一种方法演奏出的声音深沉含蓄，气声丰满，像桃子一样，有核有肉，宏观效果强，听起来感觉声音有内涵、有深度，是一种能够充分展现音乐艺术灵魂的音乐，而不同于前一种直、呆的声音，后者可以充分展示近似人声的优势，在宏观、微观效果上能达到情感的极至，表达如疯狂、嚎叫、宣泄，表达青春愉快，也可以表达暮年苍老，萨克斯都能以这种方法把这些感觉形象地表达出来，所以这后者介绍的演奏方法是比较科学的，我比较倾向于国内乐手学习这种演奏方式，我们把这种方法简称它为“气音演奏法”。这也是国外的很多萨克斯名家大师的所推荐的方法。，他们以这种气声演奏法作为发音基础方式来展现萨克斯本质的声音，使演奏者的心灵在宏观与微观上，如入无人之境，任意驰骋。
学习“气音演奏法”是需要在不断的的练习中多加体会的，其要领就是在吹奏发音之前，注意全身保持松弛状态，先呼出少量的气，与此同时喉部也要充分打开，在体会练习时可以想象着口腔后部含着一块热豆腐，软胯微微上提，为了使它凉下来而发出“哈”的出气状态，这样子体会比较容易找到气声演奏法的要领。但如果喉部没有充分打开，吹出的声音就会非常僵硬，没有共鸣;喉部打开的越多，声音越有立体感，越柔美。因此一定要谨记，要求的这几点都很重要。
另外注意的就是口型，嘴角要向中间动作，嘴角环绕笛头，口型状态有点像发中文字“佛”的时候，嘴唇呈现出的状态。吹奏萨克斯的口型也要保持坚实而松弛的感觉，口唇既要包住笛头，又不能用牙齿向下唇抵压，因为牙齿给下唇的压力越大，发出的声音就越死板、干瘪、毫无生气，因此找到坚实而又松弛的口唇感觉并不是一件容易的事，需要长时期反复多加体会和练习。总之，掌握好正确的口型状态是达到气声演奏法其中必要步骤之一，在学习中必须把上述提到的口型、喉、唇等各关键难点按要求做到位，互相协调均衡、放松。当然，要想获得好的演奏音色并不仅仅取决于这些，还在于保持均匀的气息支撑，选择优良的笛头与优质的哨片也是很重要的方面。平日也要尽可能地多欣赏一些名家的演奏，听的时候在心目中确立良好的音质概念，这对获得好的演奏音色也是尤为重要的。
二、颤音
在掌握好“气声”的发音基础上加入自然的颤音技巧，也就是使吹奏出的声音伴随着均匀的起伏颤音来发音，能使乐音听起来柔和流畅，不会感到平淡无味。自然颤音也是音色中的重要组成部分，它使萨克斯管音色更富有特征、富有韵味与灵魂，因此必须谨慎的运用，不要做的过分。颤音也分多种类型，如颤音的大小、节律的疏密、先弱后强、先直后颤或先颤后直等不胜枚举。但如果用牙齿咬住哨片并靠嘴唇抖动的颤音方法会破坏“气声”的发音基础，要想保证“气声”效果应该运用横膈膜式颤音方法，它无论是在速率、还是在振幅方面都最为合适。这重颤音听起来感觉有深度，与美妙的“气声”溶为不可分割的一体，但要想达到准确灵敏的控制是比较困难的，他主要依靠腹部肌肉的运动与支撑，再以气息的的变化传送给哨片，从而吹出自然且平缓流畅的颤音。刚开始练习时可能会感到吃力，效果又不好，但在正确方法的指导下长期练习，会慢慢改善这种状况，最终能使身体内部因素的控制能力达到十分熟练的程度。当然，不管你会选择哪一种颤音方式，都必须与良好的基本音色相结合，否则结果会令人遗憾。
三、吐音
兄弟 你弄得很尖端···
bn b c
萨克斯基本知识介绍
萨克斯是以发明者的名字命名的木管乐器，音色介于木管乐器和铜管乐器之间。常出现在酒吧或者是需要好的气氛的场合。以下是我整理的萨克斯的基本介绍和萨克斯乐器特点及演奏特色。
萨克斯的基本介绍:
萨克斯有倍低音萨克斯，低音萨克斯，上低音萨克斯，次中音萨克斯，C调萨克斯，中音萨克斯，F调高音萨克斯，高音萨克斯，C调高音萨克斯，超高音萨克斯。
萨克斯有多种音域和调性，其中以中高音、中音、次中音、上低音四种最多见。古典萨克斯以中音萨克斯为主，而在爵士乐、流行乐里是以中音、次中音为主。所有的萨克斯指法基本都是一样的，吹奏者可以不用指法练习就更换乐器。
高音萨克斯(Soprano Saxophone)通常为降B调，是萨克斯家族中音调第二高的乐器，仅此于超高音萨克斯(Sopranino)，管的体积也是第二小。常见的为直管，略微曲颈或类似中音萨克斯的形状。相对于黑管，高音萨克斯音量更大，更有穿透力。但由于小管身，使得高音部分更难以控制音准，较难上手。高音萨克斯主要用于独奏，在木管重奏中常用来替代双簧管。著名的高音萨克斯演奏家有Sidney Bechet，约翰·柯川，Wayne Shorter，肯尼·基等。
中音萨克斯(Alto Saxophone)是最常见的萨克斯，降E调，也是应用在古典乐合奏中最多的萨克斯。由于按键距离适中，气息要求和嘴部控制难度介于高音萨克斯和次中音萨克斯之间，以及相对便宜的价格和搬运容易，成为初学者入门最常使用的萨克斯。中音萨克斯音色较次中音清亮，较高音温和。中音萨克斯构成了管乐队萨克斯声部的最主要部分，在爵士大乐队编制中和次中音占同等重要位置。作为独奏乐器出现相对少一些。中音萨克斯是萨克斯家族最有代表性的'种类。著名的中音萨克斯演奏家有爵士乐：Charlie Parker，Cannonball Adderley，Kenny Garrett，古典乐：Marcel Mule，Sigurd Raschèr等。
次中音萨克斯(Tenor Saxophone)通常为降B调，外形比中音萨克斯稍大，弯管前端多了一个弯曲，音色温和稳重。在管乐队中次中音萨克斯数量少于中音，一般作为辅助角色和小低音号和长号用同样的乐谱。而在爵士乐中次中音起核心作用。1920年代Coleman Hawkins沙哑厚重的声音重新定义了人们对次中音音色的概念。后来的约翰·柯川，Stan Getz，Sonny Rollins，Michael Brecker一步一步地奠定了次中音声音的个性。
上低音萨克斯(Baritone Saxophone)通常为降E调，是4种中相对少见的类型。体积重量较大，近中音两倍左右。很少有人用它作为独奏乐器，而在萨克斯四重奏或爵士大乐队中上低音萨克斯以它低沉浑厚的音色把其它声音承托起来，以较简单的吹奏维持着音乐进行的稳定步伐。在管乐队中常和低音号起类似的作用，有时让人联想起大提琴的声音。著名演奏家有Gerry Mulligan。
萨克斯乐器特点及演奏特色：
乐器本调：B(次中音高音)，E(超高音中音上低音)
应用谱号：高音谱号，根据乐器本调移调记谱
实用音域：约三个半八度(变调时会有差异)
结构组成：金属制抛物线性圆锥管体，与单簧管类似的哨头，波姆体系音键系统.除bB高音萨克管外，均弯成烟斗型。
乐器类别：超高音萨克斯(E Sopranino Saxophone)、高音萨克斯(B Soprano Saxophone)、中音萨克斯(E Alto Saxophone)、次中音萨克斯(B Tenor Saxophone)、上低音萨克斯(E Baritone Saxophone)、低音萨克斯(B Bass Saxophone)和倍低音萨克斯(这个几乎见不到)
还有一种特别的萨克斯是C调的，其音域在E Alto Saxophone和B Tenor Saxophone之间，这个也用的比较少。
使用材质：铜制.铝制(但是是属于木管乐器)
乐器特色：音色丰富，高音区介于单簧管和圆号间，中音区犹如人声和大提琴音色，低音区象大号和低音提琴.
典型应用：爵士乐、现代流行轻音乐中大量使用。拉威尔为穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》“古堡”配器;比才的《阿莱城姑娘》组曲;沃思·威廉斯在假面剧的舞蹈音乐《乔布》(Job)中和他创作的第6、第9交响曲;理查施特劳斯的《家庭交响曲》;乔治·格什温《蓝色狂想曲》、《一个美国人在巴黎》;德彪西的《狂想曲》、维拉一洛博斯的《幻想曲》、格拉祖诺夫的《萨克斯管协奏曲。
演奏特点：萨克斯管是金属制作的，强弱幅度大，在声音的力度上可与其它铜管乐媲美，也是其它木管乐器所不可及的，在音质上又有木管乐器的特点，并带有金属的明亮度。
在演奏上，由于它的结构是采用波姆式长笛按键科学原理设计的，因此，它的机械系统比较合理，机件运用灵活。所以，它能和长笛、单簧管一样地演奏高难度的乐曲。同时，它与其它木管乐器相比，在演奏滑音、颤音、吐音、超吹方面，又有它独到之处。
拓展：萨克斯管的起源
萨克斯管是由比利时人阿道夫·萨克斯发明的，故以他的名字命名。阿道夫·萨克斯喜爱音乐，15岁的时候就在音乐上表现出了特别的能力。大约是在1840年，阿道夫·萨克斯发明了萨克斯管，开始的时候，萨克斯管也只是应用于室外的一种乐器，主要有两个特性：拥有弦乐器的表现力及铜管乐器的音量等。后来慢慢经过改良，萨克斯管开始应用于爵士乐中，也使越来越多的人开始关注这种崭新的乐器。
萨克斯管的构造原理
萨克斯管，集合多种乐器特征功能于一体，不仅发声原理接近于木管，同时兼具铜管乐器的功能，在演奏的过程中实现木管乐器与铜管乐器之间的音色过渡。铜质的材料主要构成其管体，具备铜管乐器的金属特征以及张力。管身模仿了双簧管锥形的管体，在指键系统、运指以及泛音超吹部分则借鉴了木管乐器。因此，在音色方面，萨克斯与木管又有所相似。
萨克斯的演奏技巧
萨克斯管的演奏技巧发展到现在有着十分多的分类，包括流行萨克斯，摇滚萨克斯，爵士萨克斯、古典萨克斯等等。其中通过对不同萨克斯技巧的组合便形成了现有的多样的萨克斯演奏风格。其中运用的萨克斯技巧有：超高音、舌拍音、单双吐音、微分音、循环音等等技巧。不同的曲子会将其中不同的技巧进行穿插融合联合运用，以达到更富表现的音乐效果。
轻音乐简介 “轻音乐”是音乐范畴里的一个品种。形象地说，它是音乐中的轻武器，和文学里的小品文、笑话、抒情诗等大致相同。它具有轻便、通俗、小巧玲珑、易懂和易被人接受的特点。它和交响乐、协奏曲、大合唱、管弦乐等大型艺术形式形成鲜明的对照。在人民群众中间，轻音乐十分普及，具有广泛的社会意义和精神作用。轻音乐的种类较多，它包括一般的生活歌曲、抒情歌曲、诙谐歌曲、讽刺歌曲，还包括一些轻歌剧、圆舞曲、小型管弦乐序曲、小夜曲，以及部分管弦乐曲小品、电影歌曲、舞蹈音乐等。 轻音乐风格特色 轻音乐的风格和特色，较之其他音乐形式更为轻快活泼，富有风趣，特别是它的曲调格外动听。一些交响乐、管弦乐、大合唱等作品，在手法上往往要借用和声、配器、复调等技术手段的帮助，而轻音乐除此以外，更重要的还要靠旋律的优美来完成。因此，轻音乐对于曲调优美轻快的要求，比其他音乐形式更为严格。一首抒情歌曲应该是优美委婉的；一个圆舞曲必须节奏鲜明，音调悠扬，一个诙谐的歌曲要给人们以欢乐愉快的感染，一首讽刺歌曲，应该是辛辣犀利的。这些轻音乐独具的表现特色，也就形成了它自身的风格。 漫谈轻音乐（一） 音乐中的“第三种势力” 所谓轻音乐（LIGHT MUSIC）是相对古典音乐而言的，即用通俗流行手法进行改编诠释，用小型乐队进行演奏，以营造温馨浪漫情调、轻松优美氛围为宗旨，带有休闲性质的一种通俗音乐。众所周知，古典音乐具有厚重的织体，庞大的结构和规模，凝重的乐思，深刻的思想内涵，最主要的特征是严肃端庄。轻音乐则相反，织体轻盈，结构小巧简单，节奏明快舒展，旋律优美动听。它没有什么深刻的思想内涵，也不想拥有这种内涵，只想带给人们轻松优美的享受，其主要的特征是轻松活泼。因此，把这种音乐命名为轻音乐是非常贴切的。 但轻音乐也不等同于以流行歌曲为核心的流行音乐。它不像流行音乐那般具有鲜明的时代特征和对社会的批判意识而显得温文尔雅，也不像流行音乐那般媚俗、煽情而具有较高的审美品味，商业气息也相对较少。热门流行歌曲很快就会过时，优美的轻音乐乐曲却会经久不衰。总的来说，轻音乐介于古典音乐和流行音乐之间，是对二者鲜明对立的一个折中，可谓是音乐中的“第三种势力”。它古典气息和现代风味兼而有之，华丽而不艳俗，浪漫而不轻浮，抒情而不缠绵，既通俗易懂、平易近人，又格调高雅、风度不凡。古典乐迷不觉得粗俗，流行音乐爱好者也能够接受，可谓雅俗共赏。 轻音乐的这种特征使得它一出现就受到广泛的欢迎。30年代后期成立的曼托瓦尼乐队是轻音乐诞生的一个标志。该乐队以极为柔和动听、优美醉人的演奏，使轻音乐迅速树立了自己独特的形象和气质，在通俗音乐乐坛上奠定了自己的地位。60～70年代是轻音乐的全盛时期，一大批各具特色的轻音乐乐队纷纷建立，如詹姆士·拉斯特乐队、保罗·莫里埃乐队、享利·曼西尼乐队、珀西·费斯乐队、斯坦利·布莱克乐队、贝尔特·肯普弗尔特乐队、维尔纳·缪勒乐队、阿尔费雷德·豪泽乐队、弗兰克·普赛尔乐队等。这些乐队在欧美各地不断举办轻音乐演奏会，录制了大量精美唱片，畅销世界各地。这种小巧精致的音乐让古典乐迷们感到两耳一新，风味别具，就好比穿久了正儿八经的西服后，换上了随意自然的休闲服一般。而流行音乐爱好者在领略了声嘶力竭的呐喊冲击之后，轻音乐就像是一杯清凉爽口的饮料。 漫谈轻音乐（二） 新瓶装旧酒 轻音乐的曲目大多是通过改编而来。其中，欧美流行歌曲占了很大的比重，很多都是上了英美排行榜的热门歌曲，如《昨天》、《雨的节奏》、《我爱巴黎》、《爱情是兰色的》、《莉莉·玛琳》等。这些歌曲被改编成轻音乐后，淡化了原歌中的流行因素，突出了优美的旋律，使音乐情调一变，更加优美悦耳。至今，很多热门歌曲已经被人们忘记，但轻音乐改编曲却留在了人们脑海中。 欧美电影尤其是好莱坞电影、音乐剧、舞台剧的主题音乐或插曲，是轻音乐的另一个重要改编来源。像《月亮河》、《时光流逝》、《雨点不断地掉在我头上》、《泉水里的三枚硬币》、《说你，说我》、《爱情故事》、《教父》、《日瓦哥医生》，《阿根廷，别为我哭泣》、《回忆》等乐曲，都已成为轻音乐的经典曲目。 用通俗音乐语言诠释古典名曲，这是很多轻音乐乐队都十分热衷的。好的改编和演奏，既保留了原曲的古典精神，又融入了鲜明的现代气息，古典音乐迷不嫌浅薄而感到别有韵味；那些对古典音乐敬而远之的人则发现与古典音乐的距离缩短了，提高了欣赏兴趣。改编成轻音乐的巴赫《圣母颂》、舒伯特《小夜曲》、莫扎特《第二十一号钢琴协奏曲》、贝多芬《月光》、《悲怆》奏鸣曲中的柔板、李斯特《爱之梦》、斯美塔那《伏尔塔瓦河》、马思涅《冥想曲》、肖邦《即兴幻想曲》等，听来别具一格，满耳生辉。 世界各地的民族民间音乐也是轻音乐的改编对象。如英国的《夏天最后一朵玫瑰》，意大利的《重归苏莲托》、《桑塔·露琪亚》，罗马尼亚的《霍拉舞曲》、加拿大的《红河谷》、美国的《牧场上的家》、古巴的《鸽子》、吉普赛的《流浪者之歌》和拉丁音乐等。此外，一些广为流传的浪漫小曲如《少女的祈祷》、《爱的浪漫曲》、《绿袖》等也是轻音乐乐队经常演奏的曲目。 漫谈轻音乐（三） 独特的韵味和美感 轻音乐所具有的韵味和美感既不同于古典音乐，也不同于流行音乐。动人的旋律、优美的和声、新颖的配器、丰富的音色、浓郁的浪漫情调都给人以全新的感受，产生了轻音乐特有的美感。曼陀瓦尼乐队演奏的《魅力》这首乐曲，集中体现了这种美感。那极其悦耳动听的音响，像醉人的芳液一般流进人们的心中，令人情不自禁地在心中喊到：“太美了！”该乐队演奏的《时光流逝》、《秋叶》、《昨天》等乐曲带给人的美感也是难以用言语来表达的。 听保罗·莫里亚乐队的演奏，令人感到每个音符都渗透着法兰西民族特有的浪漫情调，让你联想到葡萄酒、玫瑰、郁金香的芬香；地中海的阳光，情人的欢笑和眼泪。他把各种浪漫的情思和生活中的诗意展现出来，令人产生了强烈的共鸣。他的成名作《爱情是蓝色的》，自60年代轰动欧美后，经久不衰，成为轻音乐乐队争相演奏的曲目。 而詹姆士·拉斯特乐队演奏的《莫斯科郊外的晚上》所具有的美感也是原歌曲无法替代的：随着吉他轻轻弹拨出几个分解和弦，在打击乐器奏出的明快节奏的映衬下，三角琴轻柔委婉地弹出了歌曲的主旋律。接着优美的混声合唱伴随着弦乐的延伸轻轻响起，时强时弱，时远时近，把人们带入遥远的、充满温馨浪漫情调的俄罗斯夜晚之中。整个乐曲如梦如幻，美不胜收。如果说听交响乐像是在观赏戏剧，那么听轻音乐就像是在读一首首优美的小诗、观一幅幅色泽淡雅的风景画，令人赏心悦耳，心旷神怡。 漫谈轻音乐（四） 新颖、别具一格的改编手法 轻音乐乐队的指挥大都精通古典音乐，会演奏多种乐器。他们既是乐队的指挥者，也是乐曲的编配者。轻音乐所具有的独特魅力，在很大程度上归功于他们对原曲进行的这种带有创作性质的编配。其中最经常使用的手法是对原曲的节奏、速度、力度、节拍等音乐要素进行重新处理，比较常见的是赋予古典音乐以拉丁舞曲和爵士、摇滚、迪斯科音乐的节奏，通过打击乐器加强原曲的节奏特征和节拍重音等，使乐曲的形式与内容产生了强烈对比。如用迪斯科节奏来演奏莫扎特的小夜曲，用探戈节奏来演奏勃拉姆斯的匈亚利舞曲，用桑巴、恰恰、伦巴的节奏来演奏德沃夏克的斯拉夫舞曲、奥芬巴赫的船歌等，听来热情奔放，极富有感染力。对一些原本节奏激烈的流行歌曲则采取慢节奏进行“柔化”处理，进而产生一种新的听感。 丰富多彩、别具一格的配器，是轻音乐改编的另一种主要手法。一是喜爱使用一些不登大雅之堂的民间乐器，如曼陀玲、西班牙吉他、口琴、手风琴等，并经常让其演奏主旋律，以此来营造特殊的音乐情调和氛围，并与传统的管弦乐器形成音色上的对比，使音响富于变化而丰富多彩。二是喜爱使用各种打击乐器，如木琴、小军鼓、爵士鼓、铃鼓、三角铁、碰铃、沙锤等，还使用一些富有特色的民族民间打击乐器，使音响生动活泼，极有感官上的冲击力。三是通过加入电声乐器来丰富乐队的音色和增加音响的现代气息。电子乐器与打击乐器、传统的弦乐器完美地融合在一起，营造出一种晶亮轻盈、生动明快的音响效果。四是通过加入无词的人声哼唱来烘托优美的音乐氛围。这方面詹姆土·拉斯特是开先河者，他的乐队专门设有一个混声合唱队，演奏中，伴随着具有现代气息的节奏，动人的无词混声哼唱与乐队演奏的优美旋律交替出现，时起时落，极为优美动听。如该乐队演奏的贝多芬《致爱丽丝》、奥芬巴赫《船歌》等曲，都加入了男女混声无词哼唱，听来韵味独特，美不胜收。 漫谈轻音乐（五） 轻音乐的录音制品 80年代以来，轻音乐的演奏逐渐向个人化方向发展，乐队的核心已经不是指挥，而是某一种乐器的演奏明星；乐队也由原先的演奏主体转变为演奏的配角。有的轻音乐乐队则兼收并蓄，将交响乐、流行音乐、爵士乐、摇滚乐、新世纪音乐融为一体，与传统的轻音乐乐队已有很大的差别。这类可称为“新轻音乐”的唱片很多，但除了理查德·克莱德曼（钢琴）、肯尼基（萨克斯）、比尔克（单簧管）、莫地亚与奥汀（陶笛与大提琴）、赞菲尔（排箫）、雅尼等人及乐队录制的唱片外，大多数唱片“沙龙味”较浓，不能给人以高层次的审美享受。 要听正宗的轻音乐，首选的仍然是3大轻音乐乐队。事实上，这3个乐队的唱片在国内已占据了主流地位。其中曼托瓦尼乐队的唱片大多由DECCA公司出品，主要是50、60年代的录音。去年DECCA公司发行了一套两张的曼托瓦尼金曲集，汇集了曼托瓦尼乐队演奏的最精彩的29首金曲，是收藏的珍品。一些欧美小唱片公司和日本唱片公司也出品了不少该乐队的唱片。詹姆士·拉斯特乐队是环球公司（原宝丽金）旗下的专属乐队，几十年来录制了大量精美唱片，仅在国内能见到的就有30多款，是录音制品最多的一个轻音乐乐队。保罗·莫里亚乐队的唱片由PHILIPS公司录制，数量也较多，而且有不少近几年新录制的唱片，录音水准也较高，音响效果极佳。其他著名轻音乐乐队，如亨利·曼西尼乐队、阿尔弗雷德·豪泽乐队、斯坦利·布莱克乐队、科特·埃德勒哈根乐队、黑塞乐队的唱片也有不少进入了中国，但目前已不容易见到。 漫谈轻音乐（六） 轻音乐乐队 说到这里，相信有不少喜欢轻音乐的人对以下这个名字一定不陌生，他们，就是班德瑞。有人说班德瑞是来自瑞士一尘不染的音符；也有人说，BANDARI的音乐具有为心灵洗涤灰尘，为暗夜点亮灯光的效用，那能量化身为钻石颗粒状的瑞士阳光，夹带着一段段精致堆叠的乐句，不断撞击沉寂已久的灵性。“班得瑞”来自瑞士，它是由一群年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师所组成的一个乐团，于1990年红遍欧洲。“班得瑞”从不愿在媒体曝光，一旦开始执行音乐制作，便深居在阿尔卑斯山林中，直到母带成品完成。置身在自然山野中，让班得瑞乐团拥有源源不绝的创作灵感，也拥有最自然脱俗的音乐风格。每一声虫鸣、流水，都是深入瑞士山林、湖泊，走访瑞士的阿尔卑斯山、罗春湖畔、玫瑰峰山麓等地记录下来的。为了采集自然界音效，上山下海、甚至露宿山林，对“班得瑞”来说算是家常便饭。喜欢班德瑞的音乐不仅仅只局限在那所谓的天籁之音，他们每张专辑的封面都拥有让人向往的自然风光。或水或山，或蓝或绿；很放松，很亲切，又很快乐的感觉。 另一位轻音乐大师——保罗•莫里哀，2006年11月3日在法国Perpignan市逝世，终年八十一岁。他的基调是蓝色的，象地中海海水那样的蓝色，沁人心脾，充满诗意。这蓝色中带着一点忧郁，这忧郁也许是情人的忧郁，也许是法国雨季的忧郁，也许是人类共有的忧郁，是保罗•莫里哀式的，只能用心去感受。他的音乐或许难以达到不朽境地，但却与普通人一样站在地上，生活在尘世中，听他的音乐你不必正襟危坐，他抒发的是普通人的喜怒哀乐，是存在于每个人心中的那些难以察觉和捕捉的各种情思。他了不起的地方，那就是他通过自己的音乐展现生活中的诗意，让你对那些美的意境产生心灵共鸣。 被称为世界上最伟大的轻音乐家——曼托瓦尼，1905年出生于意大利威尼斯的音乐世家。他的父亲曾是托斯卡尼尼乐团的首席小提琴手。曼托瓦尼自小在父亲指导下学习小提琴。青年时代，他考入伦敦音乐学院。他16岁即公开演出布鲁赫和圣•桑的小提琴协奏曲。18岁时，他在伯明翰组织了一个六人乐队，在旅馆和剧场中作职业性演出。1933年，曼托瓦尼加入了英国籍。1935年，他建立了一个以弦乐为主的庞大的管弦乐团，这就是后来的曼托瓦尼乐团。曼托瓦尼本人也由此拥有了小提琴家、作曲家、编曲家、指挥家的多种身份。他于1980年去世。曼托瓦尼的成功，主要在于他充分了解小提琴的表现方式，并能恰如其分地操纵管弦乐队，使整个乐队非常精确地表达出这位小提琴家所特有的演奏风格，流畅舒展，旋律优美、动听，音响华丽丰满，使听众为之着迷。 神秘园是一支著名的新世纪音乐风格的乐队，它由挪威作曲家兼键盘手（罗尔夫. 劳弗兰）和爱尔兰女小提琴手（菲奥诺拉.莎莉）组成。1994年， 他们在欧洲歌唱大赛中初次相遇，那时劳弗兰已是知名的词曲作家，由于对音乐有着难以想象的相同的理解，他们走到了一起。1995年，他们的探路之作《夜曲》一举夺得欧洲歌唱大赛冠军 1996年4月推出首张专辑《来自神秘园的歌》大获成功，影响遍及世界各地。乐队溶合了爱尔兰空灵飘渺的乐风以及挪威民族音乐及古典音乐，乐曲恬静深远，自然流畅，使人不知不觉便已溶入其中。
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2000字！鬼才写上面那篇我估计你也没看完
教学设计思路
本文语言雅致而又明白晓畅，内容并不深奥，也比较贴近与学生的审美层次，写作很讲究章法，是恰当处理“主题与变奏”关系的范例。因此这篇文章学习更有助于培养学生的语文素养，不能因为文章属于略读课文，而随意处理了之，反之，应该精心设计。
“学以致用”是这篇文章教学设计的原则，一是能用“重复与变化相统一”的眼光来审视周围的事物，一是能注意写作中的“重复与变化相统一”。
教学目标
(一)知识目标
1.了解艺术创造中重复与变化的艺术规律。
2.理解本文对事物严谨、辩证的分析方法。
(二)能力目标
1.训练学生掌握提要钩玄的阅读方法。
2.训练学生对文章内容的概括、分析能力。
(三)情感目标
1.体味作者对人类文明的热爱，对传统文化和建筑文明的钟情，引导学生品评自己周围的城市风貌，关心家乡，关注社会。
2.品味中国传统文化中音乐、绘画、建筑的含蓄之美，理解作者揭示的艺术规律。
教学重点
培养学生的审美情趣。
教学难点
培养学生的审美情趣。
课时安排
一课时
教学方法
利用多媒体音乐、美术等酝酿课堂教学气氛，在老师指点下学生自学，在课堂气氛中陶冶学生的情操，突破难点，达成教学目标。
教学用具
幻灯片;《硕鼠》文印资料;舒伯特《鳟鱼》音频资料;《清明上河图》、明清故宫、颐和园长廊等图片资料。
教学过程
一、导入语
(师生齐诵《硕鼠》)《诗经》产生于2600年前的春秋时期，其中有很多作品就是用这种重章复沓的形式来反复感叹抒发感情。这是一种很有意思的审美情趣，从《诗经》以来就滋养着中国人。对称和谐，然而又平中出奇，千姿百态。这一审美情趣延伸到中国人的各个生活层面：音乐、舞蹈、建筑、服饰、书法等等。其实不独中国人，世界各个民族都不约而同生成了这种审美眼光。我们就来看看梁思成对这一现象的探究。
梁思成，饮冰室主人梁启超的儿子，林徽因的丈夫，中华人民共和国国徽的设计者，人民英雄纪念碑设计人之一，中国建筑学家，建筑史家，建筑教育家。同学们猜一下，他会主要从什么角度来谈这一审美现象呢?
二、整体初读，整合内容
速读课文，理清课文结构层次，概括各部分内容。
明确：可以分成四个部分。
(一)(1)本段的意思是说，凡是有持续性的艺术创作，就既要重复，又需要变化。只有重复而无变化，作品就必然单调枯燥;只有变化而无重复，就容易陷于散漫零乱。“音乐、绘画、建筑之间的通感”指的就是这些艺术创作中的重复和变化。这一段是全文的纲。
(二)(2～7)明确：这几段是说作为有持续性的艺术创作，音乐、舞蹈和绘画都是重复和变化的统一。2～3两段说音乐，第4段说舞蹈，5～7段说绘画。音乐是一种时间持续的艺术，音乐的重复是指它的主题，变化是指它的变奏，作者举了舒伯特的“鳟鱼”五重奏为例加以说明。舞蹈多是时间与空间综合持续的艺术，几乎所有的舞蹈都在变化中有重复，这重复就是指动作的重复。绘画中的“手卷”多也是时空综合持续的艺术，都有重复和变化的统一，作者以张择端的“清明上河图”和李公麟的“放牧图”为例来说明。
(三)(8～15)这一部分的意思是说作为一种空间持续的艺术，绝大多数建筑都是千篇一律和千变万化的有机统一。作者列举了人民大会堂、故宫、颐和园的谐趣园和长廊等建筑，有力地证明了这一点。作者详细解说了故宫和颐和园的长廊。故宫从中华门到天安门是一口气排列下来的千步廊，从天安门到午门是一间间重复的朝房，进入午门后又是一座座大同小异的大殿。整个故宫的每一组群建筑，全都是统一规格、统一形式建造的，连彩画、雕饰也是一样的。千篇一律的重复表现出皇家气象的大气。但统一中又有变化，朝房到大殿就是变化，大殿的主体与两侧的廊、庑、楼、门的不同也是变化，变化又不使人感到单一。颐和园的长廊是千篇一律，全都是无尽的重复，但长廊前的临湖回廊上的花窗就是一个变化，花窗的变化是长廊的前奏，重复和变化和谐统一。
(四)(16)批评了我们有些住宅设计的弊端，要么变化得眼花缭乱，要么重复得让孩子找不到家，即单一的千篇一律或千变万化，没有把二者结合起来，提醒建筑设计师们注意。
(这种分层的方法并不是惟一的，还可以分成三个部分。第一部分第l自然段，第二部分2～7自然段，第三部分第8～16自然段。具体分析见上)
三、归纳提要
学生说一段话，为这篇文章做一个提要。(凡是有持续性的艺术创作，无论它是时间上持续，或是空间上持续，或者是时空的持续就都既需要重复，又需要变化。做到千篇一律和千变万化的有机统一。现在的建筑设计也要注意这个问题)
四、重点解读(幻灯片显示)
体会材料、分析与观点之间的关系，同时训练对主要内容进行筛选和组织的能力。教师提出问题学生读课文思考。
1.人民大会堂的几十根柱子有什么特点?(这一列和另一列柱在高低大小上略有不同，但每一根柱子都是另一根柱子的完全相同的简单重复)
2.北京故宫的前三殿、后三殿，廊、庑、楼、门等有什么特点?(在时间持续的同时，空间也连续着“流动”，空间与时间，重复与变化的辩证统一在北京故宫中达到了最高的境界)
3.颐和园中的谐趣园有什么特点?(与北京故宫相同)
4.颐和园的长廊有什么特点?(无尽的重复，千篇一律之尤者)
5.回廊墙上的花窗有什么特点?(各具一格，千变万化)
6.这几个建筑有着怎样的共同之处?(一切优秀的个体建筑或者组群建筑，都以建筑物形象重复与变化的统一取胜，既是千篇一律，却又千变万化)
五、探究质疑(幻灯片显示)
1.有人认为，虽然本文的副标题写的是“音乐、绘画、建筑”，但文章重点是谈建筑，谈音乐和绘画也是为了谈建筑，你同意这样的看法吗?
(谈音乐和绘画确是为了谈建筑，文章倒数第二段里写到“每一条街都是一轴‘手卷’、一首乐曲”，如果没有了前文的音乐和绘画，那么“手卷”和“乐曲”的说法就失去了依托，同时我们从本文的写作目的来看，作者是就当时的城市建筑存在的问题来写这篇文章的)
2.其实语言艺术也要讲究“千篇一律与千变万化的统一”，诗词歌赋就不要说了，即如散文，议论文也要做到这样才能算是好文章，试结合本文加以分析。
(文章在谈颐和园的长廊时来了个大胆的设想：“那八百米长廊的几百根柱子，几百根梁枋……”用了20个“一根”。从句式上看是重复，从内容上看又在不断的转化，把重复与变化融为一体，20个“一根”在语言上就给人以厌烦感，让人无法接受。也就是说，长廊的柱子，根本不需要那么多不同的形状，千篇一律的圆柱才能给人以特殊的感受，长廊需要的是重复，不是变化。再从全篇的结构上看，作者古今中外，涉猎了很多的艺术门类，可以说是“变奏”，可是这些“变奏”又紧扣一个主题)
六、拓展延伸(幻灯片显示)
教师引导学生快速阅读课文之后，准确把握文章观点，然后结合课文内容，让学生从各自熟悉的歌曲(音乐)或建筑中找出一些实例来，具体谈谈对重复和变化的理解。教师也可以准备一些材料，加入学生的讨论中。
示例l：《中国石拱桥》：拱桥的石柱是千篇一律的，而“每个柱头都雕刻着不同姿态的狮子。这些石刻狮子，有的母子相抱，有的交头接耳，有的像倾听水声，千态万状，惟妙惟肖”。
示例2：小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》的主题与变奏随时间持续表现出的重复与变化。
示例3：故宫从大清门至太和殿，先后通过五座门、六个闭合空间(庭、院、广场)，总长约1700米。其中有三处高潮：天安门——午门——太和殿。进入大清门首先是千步廊。经过这个狭长的空间后，出现一处横向展开的广场，迎面是高大的天安门城楼，对比效果强烈，形成第一处高潮;进入天安门，与端门之间形成一个较小空间，顿为收敛。过端门，呈现一个纵深而封闭的空间，尽端是雄伟的午门，有萧杀威猛的气氛，构成第二个高潮;午门和太和门之间又变为横向广庭，舒展开旷。经太和门进入太和广场，是巍峨崇高的太和殿，形成第三个高潮。由此可见，空间的对比变换，在故宫是一个典范。
教学目标：
1、领略课文表现出的中国文化艺术之美，理解作者揭示的艺术规律。
2、学习本文对事物严谨、辩证的分析，感知举一反三、触类旁通中体现出的广阔视野与深厚积淀。
3、进一步强化对文章内容提要钩玄、概括分析的能力。
教学重点：
1、准确理解“既千篇一律又千变万化”是音乐、绘画、建筑之间的共同点。
2、理解“在建筑中千篇一律与千变万化的恰到好处的结合才能创造出成功的建筑”。
教学难点：
准确理解“既千篇一律又千变万化”是音乐、绘画、建筑之间的共同点。
教学方法：
1、指导学生通读课文，整体感知课文内容。
2、指导学生反复阅读课文，领会、理解文章主旨。
课时安排：
2课时
教学内容及步骤：
第一课时
教学内容：
1、导入新课(课件显示国徽及人民英雄纪念碑的图片)
这熠熠闪光的是中华人民共和国的国徽，它的设计者是梁思成夫妇等八位设计师;这庄严巍峨的是人民英雄纪念碑，它的设计组组长是梁思成。梁思成──中国建筑史上一个响亮的名字!今天，我们就来欣赏他的文章《千篇一律与千变万化》。
2、作者介绍
梁思成，梁启超的长子，祖籍广东新会，1901年出生于日本东京，1972年1月病逝于北京。他是中国当代建筑学家，建筑史学家，建筑理论家和教育家，是中华人民共和国国徽和人民英雄纪念碑的主要设计者，创立了清华大学、东北大学的建筑系。梁思成在建筑理论上也有突出的建树。他于50年代对北京城区改造、文物保护等方面的提议和疾呼颇受关注，令人感叹，引人深思。
3、背景简介
作为建筑艺术大师的梁思成，对建筑的设计和审美要求很高。他在长期的实践基础上写出了大量的经验论文。本文写于上世纪六十年代初，对我过建筑艺术的发展起到了推动作用。
4、通读全文，理清课文的层次结构
全文可分三部分。
第一部分(1)指出在持续性的作品中，创作上的重复与变化尤为重要。
第二部分(2---7)举例介绍音乐艺术、舞台艺术、绘画艺术创作的重复与变化的特点。
第三部分(8---16)举例介绍建筑创作的重复与变化的特点，还指出当前城市建筑中存在的一些问题。
5、细细品味文中描述的中国传统文化中音乐、绘画、建筑的.美感，抓住以下关键词，咀嚼其内涵，在课本上画出表达中心观点的关键句。
关键词：
(1)时间与空间持续性
(2)千篇一律与千变万化
(3)重复与变化，主题与变奏
关键句：
在艺术创作中，往往有一个重复和变化的问题。只有重复而无变化，作品就必然单调枯燥;只有变化而无重复，就容易陷于散漫零乱。
6、课文副标题为“音乐、绘画、建筑之间的通感”。“通感”作为修辞，它的特征是什么，能否列举所学诗文中的例子?在本文中“通感”的含义应是什么?
明确：“通感”本为一种由不同感觉的相互作用形成的一种心理现象，借此描述在语言中用一种感官印象来形容另一感官感受的修辞手法，钱钟书先生曾这样谈到“通感”：在日常经验里，视觉、嗅觉、听觉、味觉往往可以彼此打通或交通，眼、耳、舌、鼻、身各个官能的领域可以不分界限。颜色似乎会有温度，声音似乎会有形象，冷暖似乎会有重量，气味似乎会有体质。如《荷塘月色》中用“远处高楼上渺茫的歌声似的”对淡淡的荷香的描述。
但在本文中“通感”一词的内涵与上述情况不同，它是指不同艺术门类之间相通的艺术规律。
7、全文结构其实也体现了千篇一律与千变万化的艺术原则，请加以分析。
明确：音乐、舞台艺术、绘画、建筑，变化着的是不同艺术独特的表现方式，相同的是相通的艺术规律;一项项、一节节按顺序说来，结构稳重、朴实，却通过一次次重复强调了在“千变万化”的艺术创造中“千篇一律”的艺术规律。
8、布置作业
课文中对音乐、舞台艺术和绘画中的重复与变化做了细致的描述，请用表格形式整理作者关于音乐、舞台艺术和绘画艺术特点的说明，并思考课文中音乐、绘画、建筑三者之间的关系。
第二课时
1、检查回顾
(1)给下列加点的字注音
鳟鱼( ) 寥寥几笔( ) 庑廊( ) 梁枋( )
左睇右盼( ) 颐和园( ) 一幢( ) 眼花缭乱( )
(2)文学常识填空
梁思成， 的长子，祖籍广东新会，中国当代 学家， 学家，建筑理论家和 家，是 和 的主要设计者，创立了清华大学、东北大学的 系。
2、“我们有些住宅区的标准设计‘千篇一律’到孩子哭着找不到家”，耐人寻味，请品味作者通过“孩子哭着找不到家”这一细节传达的思想内容。
明确：浅白通俗的语言揭示了建筑师的作用、建筑与人的生存关系。话语浅显，但包含着很深刻的思想。人被现代建筑统一分割，装在规范的空间里，已经被异化了。有人说现代建筑就是新的贫民窟，没有亲切感，人们找不到自己的家园，好像孩子哭着找不到家门……人们已经被生活的紧张和压迫隔离和囚禁。这句话表现了作为建筑大师的梁先生对当代城市建设中错误思潮的焦虑和深切的人文关怀。
3、请运用课文介绍的观点和知识，谈谈你对所居住城市建筑的评价或意见。
明确：梁先生文中所言现代城市建筑的诸多弊端并未从我们身边完全消失，可让学生注意观察思考，品评自己周围的城市风貌，关心家乡，关注社会，进一步借助所学知识增强自己的审美素养。
(解说：自读程序的设计必须尊崇人的认知规律，由整体到局部，由表层到深层，由课内到课外，不脱离课本，不拘泥于课本，使学生的思维有所依托，有所拓展。)
4、解读点拨
本文是一篇内容丰富、牵涉多个学科的科技说明文，在中国建筑学理论中颇有代表性和影响力，但作者并未故作高深地将其写成晦涩难懂的讲章，而是平易朴实、明白晓畅，其人品文风皆可做我们后生晚辈的学习楷模。
本单元的学习重点是“在阅读的基础上，提炼出文章论述的要点”，“在读懂文章的基础上，探索其更精微的内涵”。两个“基础”最为关键，故关键要读，在读中理清文章脉络;文章开宗明义，一开始便将文章要旨明确提出，提纲挈领，要言不烦，随即娓娓道来，如数家珍。其语言之平实、层次之清晰、结构之完整都使“提炼出文章论述的要点”并非难事。
梁思成先生是一位在建筑学领域有很高学术成就的大师，同时也具有深厚的国学底蕴，其父梁启超告诉他：“……一位大文学家、大美术家之成就，常常还要许多环境以及附带学问的帮助。中国先辈说要‘读万卷书，行万里路’……”这广博的学识在文中已充分地得到体现，会给予我们阅读的幸福感，但也许会带来阅读的障碍;更重要的是需要深切体会作者对人类文明的热爱、对传统文化和建筑文明的钟情，只有沉浸在文章洋溢着的浓郁文化氛围之中，感应着文中呈现出的文明光辉，才能“探索其更精微的内涵”。
(解说：点拨的关键，一在文本本身，一在学生实际。文本的重点是“在阅读的基础上，提炼出文章论述的要点”，“在读懂文章的基础上，探索其更精微的内涵”，故需着重理清文章结构，把握文章内容;考虑到高三学生实际，则应把培养学生的思维能力、对传统文化的感悟能力同样作为本课点拨的重点内容，同时将课堂的空间拓展开去，关注社会，思考人生。)
5、自读思考
(1)阅读课文“至于颐和园的长廊……”一节，试分析其语言的重复与变化：
至于颐和园的长廊，可谓千篇一律之尤者也。然而正是那目之所及的无尽的重复，才给游人以那种只有它才能给人的特殊感受。大胆来个荒谬绝伦的设想：那八百米长廊的几百根柱子，几百根梁枋，一根方，一根圆，一根八角，一根六角……;一根肥，一根瘦，一根曲，一根直……;一根木，一根石，一根铜，一根钢筋混凝土……;一根红，一根绿，一根黄，一根蓝……;一根素净无饰，一根高浮盘龙，一根浅雕卷草，一根彩绘团花……;这样“千变万化”地排列过去，那长廊将成何景象!
明确：二十个一连串的“一根”以重复的方式强化了“方”“圆”“八角”“六角”……的所谓“千变万化”的芜杂和“荒谬绝伦”。
(2)中国文化讲究含蓄之美，请以“中国诗歌、戏剧、建筑的通感”为副标题，写一篇短文。
参考思路：中国文化重含蓄之美。诗、画、建筑乃至戏剧等等，莫不如此：绘画重视画外之意，要的是传神，要的是藏在画面之下的意境;不像西方绘画那么直接、注重真实、符合逻辑和准确的细节。中国绘画画面极其简捷，留下大片空白，也少用色彩，所以水墨画大行其道，要的是给观众留下想像和回味的空间。建筑如苏州园林，不是曲径，就是曲廊，还有假山内的曲洞。开阔的水面太开阔太直接，那么就建一个亭子。要想知道亭里的风光，得先要经过九曲十八桥。为的是让人一曲一个景致，一折一个天地，让人想像，让人回味。这同我们诗画里的意境异曲同工。
中国艺术就象陈年的老酒。艺术家要“读万卷书，行万里路”，要融入自己对文化的修养和积淀、人生的沧桑和对自然的观察才能有好作品。品诗品画的人也要象品酒一样地慢饮细品才会咂出味道来，才能领略其中的诗意。这里的“诗意”，实际就是含蓄。
6、布置作业
完成课后练习题
介绍你参考我在大学授课时的一篇备课笔记，希望能够帮你。浅谈交响曲的第一乐章结构和贝多芬的贡献 一、交响曲含义的渊源“symphony”一词源于古希腊，“sym”是“一起、同时”的意思；“phony”是两个以上音和谐的意思。一般指乐队各声部同时奏出和谐的音符。二、交响曲体裁的渊源17世纪末意大利式歌剧序曲的结构是：“快板——慢板——快板”。 在18世纪逐渐脱离歌剧，吸收其他器乐曲的因素，发展成为独立的有3个乐章的器乐体裁，依然属于小型乐队或器乐重奏的作品。三、交响曲体裁的定型海顿、莫扎特的大量创作实践，最终确立了规范的交响曲式，即古典交响曲。它通常包括有4个乐章：第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板（或稍慢），节略的奏鸣曲式、三段式、复三段式、变奏曲式，具有抒情性；第三乐章，快板（或稍快），小步舞曲；第四乐章，快板（或急板），回旋曲式、奏鸣回旋曲式等。与此同时，交响曲整体的调性布局、和声结构、各乐章间的对比与平衡、乐队中乐器的组合与规模等均得到规范化而基本定型。 四、交响曲体裁的发展交响曲在贝多芬手下则被发挥到极至：1、展开部与尾声得到扩大；2、主题对比强烈；3、和声富于动力性；4、第三乐章以谐谑曲取代小步舞曲等；5、注入了前所未有的人文主义思想。贝多芬《第三交响曲——英雄交响曲》标志着交响曲进入19世纪浪漫主义交响曲的新阶段。五、交响曲曲式结构特别强调是第一乐章所必须采用的奏鸣曲式的结构。一般分为引子、呈示部、发展部（展开部）、再现部和尾声。1、引子奏鸣曲式可以有引子，也可以不安排引子。引子是主题的高度概括，是一个特别的提醒。比如，贝多芬《第五交响曲——命运交响曲》的引子，贝多芬自己称为“命运在敲门”。引子出现，马上渲染了音乐的气氛，确立了主题的基调。早期奏鸣曲的引子一般不参与发展，但是贝多芬、舒伯特等人都曾在发展部当中引用引子的材料或者进行再次适当地提示，比如《命运交响曲》。2、呈示部呈示部包括主部、连接段、副部及小结尾。主部：主部主题又称第一主题，调性就是交响曲的调性。反映交响曲主要的、最基本的思想；副部：副部主题也称第二主题，在调性上与主部主题要有明显的对比。古典奏鸣曲式要求主部与副部之间保持严格的调性关系，即副部出现在主部的属调（纯五度）上，而贝多芬后期的作品呈示部中出现三度关系的主部和副部，浪漫主义作品甚至有二度关系的。一般来说，主部和副部的乐思往往是对比并置的或者是对比冲突的，这种并置或者冲突构成了奏鸣曲式的主要结构力量。主部和副部的主题是后面发展部发展的主要素材。3、发展部（展开部）发展部也称展开部或自由幻想部。呈示部中的乐思在发展部中得到展开和发挥。展开的方式一般有：1）主题在发展部里面变形、模进（严格变奏和自由变奏方式）；2）主部主题和副部主题同时出现；3）主部主题和副部主题交替出现；4）主部主题和副部主题在不同调性上出现；5）用复调手法发展乐思；6）把主体中的单独动机进行拆分发展；7）引入新的被称作“插部”的乐思（其实就是采用主部和副部以外的新材料）；以上一切手段的目点，就是为了营造两个主题间的对比、冲突，使矛盾激化，产生戏剧化的冲突效果。4、再现部当音乐经过一系列眼花缭乱的发展后，主部主题在主调上进行再现，通过一个连接部再将副部主题提升到主调上再现，将矛盾冲突进行协调统一，手法是用两个主题的调性统一来使音乐的戏剧冲突得到平衡和解决。5、华彩段华彩段也就是炫技的段落，在早期古典音乐的器乐和声乐中都是存在的，在这个段落到来时，歌唱家和演奏家可以即兴发挥，展示高超的歌唱和演奏技术，藉以烘托音乐氛围，获得听众赞赏。但贝多芬写定了华彩段，从此华彩段不能随意进行发挥。个人认为，贝多芬之所以这么做，也是一个必然：交响乐队的编制和乐器品种的发展，以及作品篇幅的大规模提高，已经很难有即兴发挥的空间和必要性了。6、尾声尾声是交响曲第一乐章奏鸣曲式的终结，采用完全终止式（稳定终止），有时尾声的篇幅也很长，类似第二发展部。这样尾声显得很有内容，避免了不匆匆一笔带过而显得苍白。 你可以适当改写一下，祝你好运！