“古典”（Classic）一词源自拉丁文，原是典范、即奉古希腊（或罗马）为典范而加以模仿的意思。人们有时把严肃音乐或艺术性音乐统统称为古典音乐，以同所谓“流行”音乐或娱乐性音乐相区别。“古典”的这一广义解释，把历史时期和风格全然撇开，因此，本来是属于不同时期和不同风格的音乐作品，例如，巴赫、贝多芬、柴科夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。音乐史上的古典时期基本上是属于器乐的，绝大多数作曲家的注意力都集中在器乐的体裁与形式，声乐的地位反而退居其次。敢于同大主教决裂的莫扎特，虽然在歌剧方面卓有贡献，他的器乐作品也是大量的。至于贝多芬，他纯粹是一位器乐作曲家，他以革命中的英雄作为作品的主人公，为此他有时也被称为革命的古典作曲家。古典主义的规范化确立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响曲等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式。古典风格作品中节奏与配器色彩灵活善变，而不是整乐章划一不变；古典作品中所有声部、甚至于演奏的力度，都由作曲家亲自写出和标明，而不是留给演奏者演奏时即兴处理。至于感情的表达，古典作品由于理性精神的影响，往往比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉——从这方面着眼，巴罗克风格全然不同于古典主义，它反而更接近于后来的浪漫主义的精神。西方古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，而在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。”在欧洲艺术史上有两个重要的时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年；另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。在浪漫主义时期，随着工业革命的进行，钢琴也进行了改进，其自身采用了铸铁结构，琴弦也加粗了，这种钢琴能获得更浓厚和更辉煌的音乐，跟现在的钢琴开始接近。接下来，我用一个事实来证明这一点：如果李斯特的时代要求他有不同的表达方式，而且还因为这个时代为他提供了能产生不同效果的钢琴，这种钢琴在较早的时期是找不到。但这种比较我们只能在音乐文献中找到，在现实社会中已很难找到。十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。歌曲的结构可分为两大类。在分节歌形式（strophic form）中，诗的每一段或每一节都重复同样的旋律。这是民歌和通俗歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是讲述一个情人的期待，第二段是他见到爱人时的欢乐，第三段姑娘的父亲粗暴地将他们分离，第四段姑娘悲伤地死去，所有这些都用相同的曲调演唱。另一种形式德国人称作“durchkompoiert”，字面意思是“全面创作的”，就是说作曲过程贯穿全曲，没有整段的反复。还有一种中间的形式，它将分节歌中的反复和全创作歌曲的自由结合在一起，有两、三段重复同样的旋律，然后在需要时就引入新的旋律，一般来说都是在高潮部分引入。舒柏特脍炙人口的《小夜曲》就是这种结构的精彩范例。尽管在各个时期（代）歌曲都处于显着的地位，但现在通过很多欧洲音乐文献记载知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在十九世纪初由诗歌与音乐相结合而创造出来的。舒柏特和他的后继者，著名的有舒曼和勃拉姻斯，使这种结合获得了如此完美的艺术效果，以致这种新风格以德文中的歌曲一词：Lied，闻名胜古迹欧洲。艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义出现的标志，艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐和诗歌结合的愿望得以实现，它包括温柔的情感或戏剧性的民谣风格。艺术歌曲中最常采用的主题是爱情、期待、大自然的美和人生中短暂易逝的幸福。钢琴在十九世纪作为普通乐器出现在欧洲，使浪漫主义艺术歌曲能够获得成功。钢琴的伴奏把诗中的形象变为音乐的形象。人声和钢琴共同创造出了富于情感的短小的抒情形式，这种形式对于业余爱好者和艺术家同样结合，也同样适合于在家庭里和音乐厅里演唱。在短时间内，艺术歌曲就获得了极大的普及，并对世界艺术做出了永久性的贡献。标题音乐是带有文字或图画联想的器乐作品，这些联想的内容由乐曲的标题或说明性的注释来提示的。“标题”只是由作曲家自由加上去的。在当时那个年代里，音乐家敏锐地意识到了他们的艺术与周围世界的联系。这种意识促使用使他们的音乐更加接近于诗歌和绘画，并且使他们的作品涉及到当时的道德和政治问题。还促使他们以一种新的方法来探讨绝对音乐（纯音乐）的形式。关标题音乐在歌剧院中获得了最初的推动力。序曲作为歌剧（或戏剧）的引子，是单乐章令人兴奋的管弦乐曲。有许多歌剧序曲后来获得了像音乐会乐曲一样的普及，因而独立出来。这样便为一种歌剧没有关系的新式序曲开辟了道路。标题音乐中有一种是为戏剧写的，也很有吸引力，通常由序曲和一组在幕间及重要场景演奏的乐曲组成，这就是配乐。十九世纪的作曲家创作出了许多这类的作品，这些作品的音画法（tone painting），性格化和剧场效果都是值得注意的。最成功的配乐作品，通常被改编成组曲。其中一些流传得非常广泛。例如，德国著名作曲家大师门德尔松为《仲夏夜之梦》所写的音乐就是这类音乐作品中的典范。随着十九世纪时间的推移，一种大型的管弦乐形式就越来越需要了，这种形式在浪漫主义时代将起的作用就像交响乐在古典时期起的作用一样。到十九世纪中叶，交响诗的创造迈出了这期待已久的一步。交响诗是十九世纪在大型器乐形式上做出一个有独创性的贡献。它是李斯特的成就，他在1848年首次使用了这个词。他的《前奏曲》是此音乐中最出名的范例。交响诗是为管弦乐队而作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比而发展诗意，使人联想起某种情景，或造成一种情绪。交响诗还有一个非常美丽的别称：音诗。交响诗与音乐会序曲有一点重要的不同，音乐会序曲一般保留传统的古典主义的构思，而交响诗在形式上则自由得多。交响诗的形式是为作曲家所需要的大型单乐章乐曲准备的“画布”。总之，交响诗在整个十九世纪后半叶中，成为标题管弦音乐的最精致的形式。最后介绍标题音乐进入到绝对音乐的神圣领土——交响乐中。作曲家一方面尽力保留贝多芬的宏大的形式，同时又赋予它以文学内容。这样就出现了标题交响乐。著名的作品有法国作曲家柏辽兹的三部标题交响乐——《幻想交响曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查德·施特劳斯《阿尔卑斯山》、《家庭》和匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》都是最著名的交响乐作品。民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以一种更自觉的方式肯定他的民族传统。在十九世纪的欧洲，那时的政治条件促进了民族主义的发展，使之达到了在浪漫主义运动成为决定性力量的程度。征服民族的傲慢和被征服民族为自由的斗争造成民族关系的紧张，使民族情绪上涨，这种情感在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫主义作曲家用许多方式表现他们的民族主义。一些作曲家以他们民族的歌曲和舞曲作为音乐的基础，如肖邦以他的玛祖卡舞曲、李斯特以他的匈牙利狂想曲、德沃夏克以他的斯拉夫舞曲、格里格的挪威舞曲。一些作曲家以民间传说或以农民生活为基础写作戏剧性的作品，例如韦柏写的德国民间歌剧《自由射手》、斯美搭纳写的捷克民族歌剧《被出卖的新嫁娘》，同样，还有柴可夫斯基和里姻斯基·科萨科夫写的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。还有一些作曲家写作交响诗和歌剧，歌颂民族英雄的功绩，历史事件或祖国的美景。柴可夫科斯基的《一八一二序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》就是这股潮流的代表作；瓦格纳的音乐戏剧对德国神话和民间传说中的神和英雄加以颂扬，特别提到的是《尼伯龙的指环》（歌特式摇滚的先驱），这个剧本是以齐格菲的生死为中心题材的庞大史诗，它也是一个代表作。民族主义作曲家常把自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗句结合起来，舒柏特为歌德的诗歌谱曲即属此类，还有格里格为易卜生的《皮尔·金特》所作的配乐，及柴可夫斯基的为普希金的戏剧为基础的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金还激发了里姻斯基·科萨科夫和穆索尔斯基的创作灵感。在这种时期，民族主义作曲家能把人民的抱负以激动人心的方式表达出来，像威尔第在意大利为统一而奋斗时所作的那样，或是西贝柳斯在芬兰于十九世纪末为反抗俄国统治者而斗争时所做的那样。民族主义音乐的政治含义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适合奥地利检查官的心意。芬兰在十九世纪末、二十世纪初要求独立时，西贝柳斯那带有令人振奋的号角声的音诗《芬兰颂》被沙皇禁演。民族主义为欧洲音乐的语汇中增加了极富魅力和活力的民族风格。由于把对祖国的热爱注入到音乐中去，民族主义使作曲家能够表达出千百万人民的心愿。总之，民族意识渗透到十九世纪欧洲精神的各个方面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想橡的。在音乐、绘画和文学中的异国情调显现出遥远国度里别致的气氛和色彩。不同说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。在十九世纪，异国情调首先表现在北方民族思慕那南方的温暖和色彩，其次表现在西方追求东方那神话般的景象。前者推动德国、法国和俄国的作曲家在自己的作品中转而表现由意大利和西班牙引起的灵感。在这类众多作品中，有俄罗斯作曲家的几个著名作品：格林卡的两首《西班牙序曲》、柴可夫斯基的《意大利随想曲》和里姻斯基--科萨科夫的《西班牙主题随想曲》、德国贡献出门德尔松的《意大利交响曲》、沃尔夫的《意大利小夜曲》和理查德·施特劳斯的《致意大利》、法国作品有夏布里埃的《西班牙狂想曲》和拉罗的《西班牙交响曲》。值得一提的是比才的《卡门》也是这一领域中的杰作。俄罗斯民族乐派使东方的魅力产生了国际性的影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是民族主义的一种形式。亚洲神话般的背景渗透进俄罗斯的音乐。里姻斯基一科萨科夫绚丽的管弦乐作品《舍赫拉查达》及其歌剧《萨特阔》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》和交响诗《在中亚细亚草原上》，伊波利托夫一伊万诺夫的《高加索素描》，这些都属于东方色彩的作品，这些作品至今还风行于全球。一些法国和意大利的作曲家也采用异国情调：如圣一桑的《参孙与达丽拉》，德利布的《拉克美》，马斯奈的《泰伊思》，威尔第的《阿伊达》，以及普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰多特》。懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞（快三）表活泼，进行曲表现有力量等；旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静；和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势；音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作；欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师；意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解；欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。学习欧洲古典音乐，理解古典音乐，欣赏欧洲古典音乐，将给我们的生活增添无限的乐趣。
说到欧洲古典音乐，我们不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐！当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用！ 到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成！ 欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。 当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父”之称的海顿！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！ 在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家～ 时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐！音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处！ 在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了象马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用！ 时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表！在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化！在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式！ 注：按广义的古典音乐定义：从17世纪到19世纪的专业音乐创作来看，印象派音乐和现代音乐皆不属古典音乐之类；若按严格的古典音乐定义，则古典是指海顿、莫扎特、贝多芬等人的音乐作品。 中世纪时期（Medieval Period）（1450年前） 这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教 堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。 推荐：GREGORIAN CHANT 巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750） 这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性: 华丽、复杂、藻饰、扭曲, 著重于超现实和雄伟宏奇, 这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表著井然的秩序和澄澈的表现, 那么巴洛克时代 (及后来的浪漫时代)就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声, 以及加上文字指示和弦的「数字低音」 (figured bass) 都产生于巴洛克时代；旧有的教会调式消逝, 大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起, 是巴洛克时代大事。另外, 节奏思想也在这个时代萌芽, 也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲) 。 古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820） 因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。 浪漫主义时期（Romanticism）（约为公元1820—1900） 这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二号；华格纳歌剧序曲集；布拉姆斯交响曲第一、三号；柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号；拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》；拉罗《西班牙交响曲》；拉威尔钢琴协奏曲G大调。 20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》，斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲第一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》、《画家马席斯》交响曲，以及美国作曲家科普兰的《马术竞技会》、《一个平凡人的号角》。
1、《西班牙舞曲》是《天鹅湖》第三幕中的一段音乐。在王后为王子安排的挑选新娘的舞会上，妖魔及其女儿和随从闯了进来，他们扮作外国客人，在妖魔斗篷的挥舞下，表演了各种民族风格的舞蹈，包括匈牙利、西班牙、那不勒斯和波兰的舞蹈，每一段舞蹈的音乐各有其民族特点。 《西班牙舞曲》是上述舞蹈中的一段，它运用了典型的西班牙舞曲的节奏，节拍为三拍子，节奏强烈，气氛热烈，常用与男女对舞和独舞，还采用西班牙舞曲中常见的响板，具有鲜明的西班牙民族音乐特点。该舞曲具有典型的波莱罗舞曲的特征。2、《西班牙舞曲》共分为五段。3、具体欣赏：第一段：轻快活泼、节奏鲜明的西班牙风格的舞曲。第二段：节奏比第一段更加强烈，情绪更加炽热。第三段：是第一段的重复。第四段：转调，旋律富于歌唱性，与前后形成对比。第五段：情绪更加活泼，其热烈气氛达到全曲的高潮。
按照自己所感受的感觉写..一千字打不住..
(英国)毛姆(WSomerset Maugham) 译者：李晓愚毛姆（WSomerset Maugham），英国著名小说家，被誉为“最会讲故事的作家”。他的小说机智、幽默，不时流露出对某些社会现象的讥讽。
不要分，要RMB呵呵，给就来找我！
Paul Agricole GENIN (1832-1903)
表达什么内容
陈培勋先生1921年出生于香港，是国内外知名作曲家。他的作品《双飞蝴蝶主题变奏曲》选取了两首比较短小的广东音乐《双飞蝴蝶》和《水仙花》糅合在一起，是一首具有鲜明特色与戏剧性高潮的双主题变奏曲。《双飞蝴蝶》原是广东音乐一首活泼的快板小曲，由于大部分的乐句每句都重奏一次，即是成双，故而得名。 《水仙花》 （又称《仙花调》）原是粤剧中一首抒情的中慢板小调。它与江南民歌《茉莉花》极其相似，可能是《茉莉花》传到广东的变体。通过对这两个主题在不同段落的变奏发展，使之结构上和音乐表现上都比原曲有了发展、扩大和提高，成为一首有特色的改编作品。其曲式结构既非西洋音乐中严格的变奏曲式，也不是中国的多段体或变奏体，而是中西结构原则基础上的一种创新手法。该曲由“引子+A+A1+A2+A3+B+B1+A4+尾声”构成。每个变奏都有自己音乐的特点，都有不同的技术课题，且篇幅都不太长，在速度上快慢相间，是一首难得的好教材。引子（1至5小节，A商调式）。引子直接选用A中第一乐句的素材，右手的单音和左手的八度和弦都标以重音记号，整个引子部分气势宏大，在演奏时需用上大臂的力量，奏出雄浑厚重的乐队音响效果。第一主题A （6至24小节，A商调式）。Allegro ma non legato （快板，但非连奏）、leggiero （轻巧的），以及mp的力度控制，决定了主题不同于引子的风格。连奏与跳奏的对比，细致的强弱对比，都铸就了主题轻巧又不失甜美，活泼又不失典雅的特色。主题要注意呼吸并与引子衔接好。此段速度快，要演奏得精细，休止符准确，连奏与跳奏的对比、同一乐句在不同音区出现的音色对比都控制好。14至16小节是A中唯一的抒情乐句，柔美、有表情，与前后的轻巧活泼形成对比。最后一句中的重音要突出。主题的第一次变奏A1 （25至43小节，F宫调式）。Moderato （中板）的速度、dolce （柔和的，甜美的）的表情，将活泼的主题一下子带入了另一个恬静抒情的主题，并采用对位卡农的变奏手法来表现一种缠绵悱恻的情绪。复调音乐中横向旋律的层次，节奏的处理上可有一定的伸缩度。主题的第二次变奏A2 （43至59小节，降B徵调式）。 più mosso （更快）的速度，旋律转化为舞曲性质。高声部一串连续的十六分音符进行，配合着低音声部时而轻巧的跳动，时而有力的柱式和弦，有时又伴随着高音声部同时跑动的十六分音符，好似两只无忧无虑的蝴蝶你追我赶，嬉戏于花丛中，让人好生羡慕。从54小节到最后要激动起来， ff的力度，两只手像两只翻飞的蝴蝶，应整齐干净，一气呵成，把音乐推进到一个激情的高潮。主题的第三次变奏A3 （60至93小节和94至107小节，降E徵调式）。又回到了AndantinoModerato （有节制的小行板）、tempo rebuto （伸缩处理），并且要espressivo （有表情的，有表现力的）。这一变奏采用特殊的节奏和色彩性变和弦，使得音乐像一种哀怨的倾诉。演奏时要处理好Rebuto，尤其是63至73小节，要带有一定幻想性。第二主题B （108至123小节，降E徵调式）。以Andante più Allegretto （稍快一些的行板）的速度，semplice （单独的，纯朴的）的表情出现，其欢快的旋律加上活泼的单音跳跃式八分音符节奏织体，使之与前一乐段形成鲜明的情绪对比。前八小节低声部用轻巧的手指跳音，在p的范围突出高声部清新、静雅的《水仙花》的曲调。后六小节，要有表情地突出左手旋律，右手大量两音一组的小连线要弹准确，在渐强和节奏的渐紧中把情绪推向高潮。第二主题的变奏B1 （123至137小节，A商调式）。Allegro moderato con fuoco （有节制的快板，并火热的、热情的）。此变奏完全将节奏拉宽，其旋律隐藏于柱式和弦内层，这样的处理使旋律与伴奏层次分明，同时又增加了乐曲的气势，整个变奏充满了热烈气氛的辉煌音响。这个变奏音量都在f与ff之间，速度比第二主题快，这使得此变奏如同一首火热、激越的高歌。第一主题的第四次变奏A4 （138至146小节，A商调式）。这个变奏速度、情绪同引子，并将引子的材料进行了力度织体上的强化，以最强音fff出现，是对第一主题的回顾与再现。最后的尾声，以presto （急板）的速度轮奏和弦，渐强渐慢至最后的柱式和弦，以辉煌饱满的音响结束全曲。这首变奏曲主要的技术课题有：手指、手腕跳奏的练习；复调、歌唱性的练习；左右手快速十六分音符的练习；左手远距离跳奏练习；右手三连音练习，左右手六连音及交替的练习；左手手指跳音的练习；左右手隐伏旋律与八度的练习，左手远距离的移动练习；左右手和弦八度练习。《双飞蝴蝶主题变奏曲》音乐上的多变性包含了多样化的技术要求，同一个曲调或旋律经过了不同音型、节奏、调性等等的变化，可以加强演奏者对主题音乐的理解，有利于从宏观上把握作品的结构布局及其风格，做到成竹在胸，在演奏中更好地对作品进行二度创作。为了将简单的素材创造出丰富无比的音乐情趣、生动形象和情感内涵，变奏曲从出现开始就是以摆脱单一和枯燥为特点的，这就给学习者提出了在技巧手法、声音层次和音乐表现上追求丰富变化的要求。但昭义先生在俄罗斯中等音乐学校的统编教材中发现，俄罗斯的音乐教育十分注重变奏曲这一形式在教学中的应用，而且从基础程度的学生刚刚获得各种技术类型时，就让其在变奏曲中去学会运用。因此教师在日常的教学中应当把变奏曲作为一项不可或缺的重要教学形式，让其在钢琴教学的教材应用中取得应有的位置。参考文献：1.张霞著《试析陈培勋〈双飞蝴蝶主题变奏曲〉》，刊于《云梦学刊》2006年第五期。2.彭鹏著《钢琴奏鸣曲、协奏曲、变奏曲概述》，刊于《音乐学刊》1999年第四期。3.但昭义编《钢琴变奏曲选》，上海音乐出版社2003年出版。
1、西方音乐史的发展，分为那几个时期，以前个个时期的代表作？2、中国近现代音乐史的著作有哪些3、什么是现代音乐？代表人物有哪些？代表音乐有哪些？4、20世纪西方的现代音乐作品有那些？西方音乐史的发展，分为那几个时期，以前个个时期的代表作？1、西方音乐史的发展时期古罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期、浪漫音乐时期、现代音乐时期、新世纪音乐时期。2、西方音乐史各时期代表作古罗马时期—《颂歌》《悲歌》中世纪时期—《格雷果圣歌》文艺复兴时期—《奥菲欧》《经文歌》巴洛克时期—《神剧》《受难曲》古典主义时期—《奏鸣曲》《协奏曲》浪漫音乐时期—《美丽的磨坊少女》《野玫瑰》现代音乐时期—《夜莺》《大地之歌》新世纪音乐时期—《绿卡》《The Celt》扩展资料：西方音乐以七弦琴(lyre),阿夫洛斯（aulos)作为音乐的标志乐徽。七弦琴(lyre)，又名里拉琴，最初由龟弦制成，由手指拨片拨弦发声，在发展过程中有很多变化样式，其中最重要的是基萨拉琴（Kithara)。基萨拉琴属于里拉族乐器，由里拉发展而来，有5弦到11弦甚至更多不等，常为7弦，也称7弦琴，基萨拉琴形状较大，声音也比一般里拉嘹亮，往往做工讲究、装饰精致，由于演奏技巧比较复杂艰深，常为专业演奏者采用。而普通里拉琴声音比较轻柔，往往用于歌唱伴奏和诗歌吟唱，多为业余专业家喜用。参考资料：百度百科—西方音乐中国近现代音乐史的著作有哪些近代音乐史基督教在中国的传播：基督教在中国的传播最早可以追溯到唐代的景教！、西方音乐文化在中国早起传播的主要内容1） 进贡乐器：管风琴 古钢琴等（带来了西方乐器）2） 记谱法和乐理知识：徐日升撰写的第一步汉文西洋乐理著作《律吕纂要》《律吕正义续篇》3） 乐谱与音乐作品：西方的圣咏赞美诗等基督教歌曲编印各种中英文圣诗集教会学校里得音乐课新式军乐队的成立一、 19世纪80年代上海公共管乐队，现在是上海交响乐团二、 赫德乐队三、 中国自办的新式军乐队：1898年袁世凯在天津小站建立新式军乐队四、 军乐队的影响：军队—学校—社会生活新式学校音乐教育一、 教会学校二、 史料记载最早在1842年香港即已有开设音乐课的教会学校三、 登州文会馆四、 民国成立后的新式学校学堂乐歌一、 学堂乐歌的兴起和编创1、 学堂乐歌：清末民初的新式学堂中开设的乐歌课和所教唱的歌曲2、 学堂乐歌的肇始：‘1） 教会学校中的乐歌编创----“文会馆唱歌选抄”中的10首乐歌2） 1898年康有为上书《请开学校折》3） 留日学生归国后的自发实践4） 1904年制定《奏定学堂章程》5） 1907年作为中小学“随意科”6） 1912年以后列为必修课3.乐歌的主要内容7） 宣扬富国强兵，抵制外侮的爱国精神，歌颂推翻帝制建立共和新政的胜利8） 配合向中小学生进行“军国民教育”的军歌9） 呼吁妇女解放鼓吹男女平等10） 向青少年进行热爱生活热爱自然的教育11） 鼓吹忠君尊孔等封建传统伦理的题材12） 开设学堂乐歌的根本目的：启发民智、塑造新民、祛除民族劣根性、救亡图存4.创作形式与曲调来源13） 创作形式：选曲填词14） 曲调来源：早起大多为日本的学校歌曲和军歌后期多为欧美的流行歌曲和宗教音乐另有少数中国的民间曲调极少数自创曲5.西方音乐在中国经历的三个阶段过程15） 猎奇16） 认同 3）接受学堂乐歌的代表人物（一） 沈心工主要贡献：1）编创乐歌：《重编学校唱歌集》、《心工唱歌集》、《国民唱歌集》2）摆脱旧文学，旧诗词风气3）开“白话文”先河代表作：《男儿第一志气高》、《黄河》（二） 李叔同主要贡献：1）艺术教育注重美育 2）乐歌编创代表作： 《送别》《春游》（三） 曾志忞主要贡献：1）致力于音乐教育 2）编创学堂乐歌音乐理论著述：《乐理大意》《乐典教科书》《和声略意》音乐批评文章其他乐歌欣赏1）《革命军》原曲为日本的歌曲《勇敢的士兵》沈心工配词2）《光复几年》华航琛选曲填词3）《中国男儿》石更配词辛汉配歌（同为一人）4）《祖国歌》原曲为传统古曲《老六板》歌曲作者不详学堂乐歌的历史意义1） 通过学堂乐歌，西方音乐传入中国（包括：作家作品基础乐理。演奏演唱法、音乐会的演出形式等初步传入中国2） 出现了最早的一批中国近代尝试性、探索性的新音乐作品（新音乐初步创作）3） 作为一种声乐形态，乐歌集体唱歌的演绎方式ing影响救亡歌咏4） 作为中国造就了第一代国民音乐教育家，曾志忞李叔同沈心工等，同时也为日后专业音乐家创作及队伍的扩大作了启蒙和贡献5） 鼓吹学习西方音乐，鄙视中国传统音乐，对此后中国新音乐文化的发展产生了一定消极影响萧友梅主要音乐贡献：一、 专业音乐教育：两个时期：（一）北京时期：1）首创被打音乐传习所2 北京女子师范大学音乐系3）北京艺专音乐系1927年离开北京（二）上海时期：创办国立音乐学院1）延聘教员2）课程设置3）人才培养4）社会影响总结：音乐教育是萧友梅音乐事业的核心 ，他在其他方面的音乐实践都是围绕音乐教育而开展为 音乐教育服务二、 专业和音乐创作萧友梅是中国近代音乐史上第一个突破“选曲填词”而自己独立作曲的音乐家，是进嗲中国音乐创作的先驱（一） 声乐作品1）,《今乐初集》（写给初中生）2）《新歌初集》（写给大学生）3）《新学制唱歌教科书》4）合唱《别校辞》、《春江花月夜》5）《从军歌》（二）器乐作品1、德国时期的习作：1）两手管弦乐：《哀悼进行曲》作品4号，《在暴风雪中行进的进行曲》（23号），2）两部弦乐四重奏《夜曲》、《小夜曲》2、归国后作品：1）大提琴《秋思》2）管弦乐《新霓裳羽衣曲》三、音乐理论著述萧友梅是中国近代音乐学研究的先行者，他的博士学论文《至十七世纪中国管弦乐队的历史的研究》--第一部比较系统的研究中国古代乐器史的专著。赵元任、主要创作的声乐作品1、 艺术歌曲--《新诗歌集》19282、 《晓庄集》1933、《儿童节歌曲集》1934—以陶行知部分诗词谱写的儿童歌曲3、 《民众教育歌集》1939—爱国歌曲4、 《西洋镜歌》1935-----电影《都市风光》主题歌5、 影响较大的声乐作品--《教我如何不想他》黎锦辉（儿童歌舞音乐与流行歌曲创作的先驱）一、 音乐创作1） 音乐创作主要在于两个领域：儿童歌舞音乐和流行歌曲（时代曲）2） 儿童歌舞音乐又可分为两类，儿童歌舞表演曲和儿童歌舞剧3） 儿童歌舞剧共12部，代表作《麻雀与小孩》《葡萄仙子》、《小小画家》、《月明之夜》、《三蝴蝶》等二、 儿童歌舞音乐创作的特点1） 创作动机：对少年儿童进行推广过于，新思想的教育，培养孩子对艺术美的热爱，自己动手动脑的锻炼2） 有的是教育小孩热爱动物，有的是要破除迷信，有的鼓励小孩勇敢机智，有的提倡因材施教三、 儿童歌舞音乐创作的艺术特点1） 绝大部分是自己编剧作词编曲2） 语言采取白话文歌词通俗易懂3） 音乐既有学堂乐歌时期的流行歌曲曲调又有大量民间音乐曲调而更多的是自己创作的旋律4） 作品大多抓住了儿童的心里特点表现儿童的生活及其心灵世界刘天华一、音乐贡献1、新国乐创作：、1）二胡曲十首：《病中吟》、《月夜》、《空山鸟语》、《苦闷之讴》《、悲歌、》、《闲居吟》、《良宵》、《光明行》、《独弦操》、《烛影摇红》2）琵琶曲三首：歌舞引、改进操、虚籁3）改编国乐合奏曲《变体新水令》4）二胡练习曲47首5）琵琶练习曲15首其二胡音乐的艺术特点：其作品是五四时期新国乐的代表作，而且借鉴了许多西方因素（二） 改良民族乐器与工尺普：1） 改良二胡的形制，扩展把位，发展了二胡的演奏技巧2） 在兄长刘半农的帮助下在琵琶上实现十二平均律的应用3） 将工尺谱曲竖排改成横排借鉴简谱中的延音线用于明确工尺谱节拍时值（三） 专业音乐教育1）1922年受聘北大音乐传习所国乐导师2）1922秋任教北京女师大音乐系3）1926受聘北京女子艺专音乐系4）1927任教北平大学艺术学院培养了郑振铎，曹安和，等二胡与琵琶演奏人才（四）收集记录整理传统音乐1）他是近代音乐家中较早有意识的收集记录整理中国传统音乐者2）1930年为京剧大师梅兰芳赴美演出听写记谱的《梅兰芳歌曲谱》3）其他记谱作品《安次县吵子会乐谱》等《佛曲谱》4）1932年六月一日，在北京天桥收集锣鼓谱染猩红热一周后病逝（五）发起成立“国乐改进社”1927年与吴伯超柯政和，曹安和，汪颐年，肖淑娴等艺专老师发起国乐改进社（六）音乐思想1、受美育思想与平民文学思想影响主张音乐要普及到一般民众2.不能盲目排外聂耳-.最早的音乐创作在约两年的时间里共创作了1）34首歌曲2）为舞台剧《扬子江暴风雨》配乐3）改编4首民族器乐合奏曲：《金蛇狂舞》、《翠湖春晓》、《昭君出塞》、《山国情侣》_.歌曲作品的分来1） 爱国歌曲：《义勇军进行曲》、《前进歌》、《自卫歌》、《春回来了》、《告别南洋》、《伤兵歌》2） 群众歌曲：《开矿歌》、《大路歌》、《开路先锋》3） 抒情歌曲：反映下层妇女思想《梅娘曲》、《铁蹄下的歌女》4） 儿童歌曲：《卖报歌》、《小野猫》共六首一、 歌曲创作的艺术特色1） 重视民族风格：大路歌，打长江，塞外村女，飞花歌2） 吸取外国歌名音乐因素：如采用西洋大调式音阶，进行曲题材《义勇军进行曲》《毕业歌》3） 从生活体验中创造音乐形象：如码头工人歌，新女性4） 善于以短小动机或乐句为基础并发展黄自一、 音乐创作1） 器乐作品：出《都市风光幻想曲》外其余全部创作于美国留学期间代表作为毕业作品《怀旧序曲》19292） 声乐作品：艺术歌曲--《玫瑰三愿》、《春思曲》、《花 非花》 爱国歌曲—旗正飘飘，抗敌歌、热血 儿童歌曲—踏雪寻梅，西风的话 中国第一部清唱剧---长恨歌青主一、 代表作：《我住长江头》、《大江东去》青主的音乐美学思想：著作《乐话》1930和《音乐通论》1931集中体现了他的音乐美学思想：音乐是世界的语言。青主的思想主要受留学德国盛行的表现主义艺术的美学思想以及19世纪末以来浪漫主义者音乐美学思想影响三、 青主的音乐批评：共写有70余篇文章，表达了他对中西音乐美学的认识音乐是上界得预言是由灵魂说向灵魂的预言，音乐不能成为礼的附庸贺绿汀一、 音乐创作主要优秀作品集中在1949年之前，大致分为三个时期1） 国立音专时期 ：钢琴曲《牧童短笛》和《摇篮曲》2） 抗战时期：代表作为一些电影音乐和抗战内容的群众歌曲《秋水伊人》、《春天里》、《天涯歌女》、《四季歌》、《游击队歌》、《嘉陵江上》3） 解放战争时期：歌曲《前进，人民的解放军》管弦乐《森吉德玛》二、 艺术特点作品具有浓郁生活气息和鲜明时代精神，能把欧洲近代作曲技法和中国传统音乐因素有机融合马思聪一、 音乐创作：1） 小提琴作品：如《内蒙作曲》、《西藏音诗》、《牧歌》、《新疆狂想曲》《内蒙组曲》（又名《绥远组曲》）影响最大，全曲分为三个乐章：1、史诗《跑马溜溜的山上》片段2、《思乡曲》绥远民歌《城墙上跑马》3、《塞外舞曲》绥远民歌《叫大娘》2） 声乐作品（包括大量抗战歌曲）---五部大合唱：《民主大合唱》、《祖国大合唱》等3） 管弦乐与交响乐作品，如《第一交响乐》1941《第二交响乐》《山林之歌》和《第二交响乐》三、 小提琴创作的特色1） 音乐大多采用民间主题，富于歌唱性，有鲜明民族特色2） 音乐发展手法也受民间音乐启发华北沦陷区江文也一、 音乐创作（三个时期）1） 早期1934-1938成名作，管弦乐《台湾舞曲》钢琴曲《五首素描》《断章小品16首》2） 中期1938-1949a、 器乐作品：代表作钢琴曲《北京万华集》管弦乐《北京点点》（《故都素描》）管弦乐套曲《孔庙大晟乐章》b、 声乐作品：《渔翁乐》3） 后期1949年后：《乡土令诗》大型钢琴套曲，交响诗《汩罗沉流》交响乐《阿里山的歌声》 后期音乐创作受齐尔品“欧亚合璧“音乐思想影响，回归中国民族音乐风格创作冼星海一、音乐创作：1）四部大合唱：《生产大合唱》《九一八大合唱》《牺盟大合唱》《黄河大合唱》：包括《序曲》、《黄河船夫曲》、《黄河颂》、《黄河之水天上来》、《黄水谣》、《河边对口曲》、《黄河怨》、《保卫黄河》、《怒吼吧黄河》（九个乐章）2）歌剧《白毛女》1945年大型歌剧主题思想：旧社会把人变成鬼，新社会将鬼被誉为民族歌剧创作中一步具有里程碑意义的作品什么是现代音乐？代表人物有哪些？代表音乐有哪些？现代乐派指19世纪末、20世纪初印象主义乐派之后，直至今天的全部西方音乐创作。现 代音乐的特点是追求探 索性、开拓性以及新意尤其讲究自由的结构、奇特的节奏、不和谐的和声语言、繁杂的 多调性及无调性、奇异．的音响效果，因而往往带有很大的刺激性；以上的标新 立异，也并不是所有作曲家都追求的，更有一些作曲家主张将古典主义音乐和本民族风格、现代作曲技巧完美 结合，创造出更优秀的音乐作品。由于社会的复杂性，现代乐派自然也有很分支，例如表现主义音乐、十二音音乐、新古典主义音乐、序列音乐、 偶然音乐、电子音乐、镶贴音乐、事件音乐等。不细说了。 霍尔斯特(1874-1934)，英国作曲家，代表作：《行星》 组曲。艾夫斯(1874-1954)是他那个时代最进步、最富冒险精神的美国业余作曲家。他常常预示别的作曲家在多年以后 才会想到的主意。他不仅被公认为美国第一位大作曲家， 而且被认为是最进步的现代音乐的先驱。有五部交响曲等。德彪西是音乐史上解放和声和节奏的第一人，他的作品置古典的形式于不顾，使音乐得以挣脱了水平的、垂直的组织羁绊。勋伯格(1874-1951)，美籍奥地利作曲家，20世纪音乐巨 人之一。他首创了“十二体系”的无调性音乐，他和他 的学生贝尔格、威伯恩被合称为“新维也纳乐派”、即 “表现主义”乐派。听勋柏格的作品需要洞察力及耐心 。代表作：《一个华沙幸存者》、《五首管弦乐曲》、《乐队变奏曲》、《净化之夜》。 麦克道威尔(1861-1908)，美国作曲家、钢琴家。代表 作：《第二（印弟安）组曲》、《二钢协》。Zoltan Szekely和巴托克合影巴托克(1881-1945)，匈牙利作曲家、钢琴家、民族音 乐家。代表作：《供弦乐器、打击乐器和钢片琴用的乐 曲》、《两幅肖像》、《乐队协奏曲》、《小提琴协奏 曲》、《三钢协》。柯达伊(1882-1967)，匈牙利作曲家、民族音乐家。他 的成名作是大合唱《匈牙利诗篇》。格里埃尔(1875-1956)，俄罗斯作曲家、音乐教育家。 代表作：《声乐协奏曲》、《第四弦乐四重奏》、舞剧 《青铜战士》、《大提琴协奏曲》。米亚斯科夫斯基(1811-1950)，俄罗斯作曲家、教育家 。前苏联功勋艺术家，五次获斯大林奖金代表作：《二 十一交》、《二十七交》、《大提琴协奏曲》、《D小 调小提琴协奏曲》。斯特拉文斯基(1882-1971),美籍俄罗斯作曲家。代表作 ：舞剧组曲《火鸟》；舞剧《春之祭》、《彼得鲁什卡》。韦伯恩(1883-1945)，奥地利作曲家。作品有《眼光》等。贝尔格(1885-1935)，奥地利作曲家。作品有歌剧《沃采 克》等。普罗科菲耶夫(1891-1953)，俄罗斯作曲家、钢琴家和指 挥家。代表作：交响童话（彼得与狼）、《第一交响曲》。格罗菲(1892-1972)，美国作曲家、乐曲改编家。代表作 ：《大峡谷》组曲。米德米特(1895-1963)，美籍德国作曲家、钢琴家。代表 作：交响曲《画家马蒂斯》。格什文(1898-1937)，美国作曲家、钢琴家。代表作：音 诗《一个美国人在巴黎》、《蓝色狂想曲》（又译《布鲁 斯哈里斯(1898-1979)，美国作曲家。代表作：《三交》。科普兰(1900-1990)，美国作曲家、指挥家、钢琴家、演讲 家、作家。代表作；舞剧《小伙子比利》组曲、《阿帕拉 契亚之春》组曲；管弦乐曲《墨西哥沙龙》、《林肯肖像》。罗德里戈(1902- )，西班牙盲人音乐家。3岁双目失明 ，像命运是作为补偿似的赐与极其灵敏的听觉，使他得以 有可能重要作曲家。代表作：吉他协奏曲《阿兰胡埃斯协 奏曲》（一译《阿朗费斯协奏曲》）。肖斯塔科维奇(1906-1975)，俄国作曲家。20世纪苏联音乐 界三大巨星之一，著名的钢琴家、音乐教育家、“人民音 乐家”。代表作：第一、五、七、十、十一交响曲；管弦乐《森林之歌》。梅西昂(1908- )，法国作曲家，管风琴家。主要作品 有《哈拉维爱情与死亡之歌》、十乐章大型交响曲《罗兰 利亚交响曲》等。巴伯(1910-1981)，美国作曲家。代表作：《第一乐队散 文》、《弦乐柔板》，序曲《造谣学校》。凯奇(1912- )，美国作曲家、钢琴家，他是最直接向 传统挑战，在破坏建设两方面都有相当成就。他领导了美 国先锋派音乐数十年，帮助美国年轻一代卸除了欧洲音乐 所加在他们身上的沉重包袱。这方面，他有资格赢得最高 的评价。布里顿(1913-1976)，英国作曲家，他的出现使世界感到 震惊，更使英国乐坛大放异彩。他的《战争安魂曲》被 誉为布里顿继《彼得·格莱姆斯》之后的又一部巅峰之 作。1965年，布里顿应邀为联合国写了一首联合国国歌 《今天的声音》，歌曲在伦敦、巴黎、纽约同时举行了 首唱仪式。几千年的音乐史，单是近四百年就涌现了众多的音乐家 ，仅以以上81位音乐家（还有未列条目的人）作为代表， 可大致反映出几百年的音乐概貌20世纪西方的现代音乐作品有那些？微分音乐、噪音音乐、（哈巴，瓦雷兹）新古典主义（斯特拉文斯基、欣德米特、萨蒂）、民族主义（巴托克、艾尔家、布里顿、）、表现主义（勋伯格、贝尔格，韦伯恩）。这些是20世纪的音乐流派和代表作曲家。作品可以参见百度百科。（输音乐家名字进去）ps:相对于古典主义浪漫主义，20世纪的音乐没法听，我是会有生理反应，太多不和谐音程了。关于现代音乐时期的代表作品和现代音乐时期的代表作品有的介绍到此就结束了，不知道你从中找到你需要的信息了吗 ？如果你还想了解更多这方面的信息，记得收藏关注本站。现代著名音乐代表作品是（列举3位近现代时期著名音乐家及其代表作品）本篇文章给大家谈谈现代著名音乐代表作品是，2、现代世界上有哪些著名的音乐家作曲家?作词家有哪些人什么是现代音乐？更有一些作曲家主张将古典主义音乐和本民族风格、现代作曲技巧完美结合，英国作曲家，艾夫斯(1874-1954)是他那个时代最进步、最富冒险精神的美国业余作曲家。匈牙利作曲家、钢琴家、民族音乐家。匈牙利作曲家、民族音乐家。俄罗斯作曲家、音乐教育家。作品有歌剧《沃采克》等。俄罗斯作曲家、钢琴家达达主义绘画代表作品 哪种风格属于现代时期的流派现代艺术主要包括了野兽主义、立体主义、未来主义、表现主义、俄国的至上主义与构成主义、荷兰的风格派、达达主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等。1、野兽主义自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。2、立体主义西方现代艺术史上的一个运动和流派，创始人为卡济米尔·谢韦里诺维奇·马列维奇20世纪初先后在苏黎世、纽约、科伦、原西德的汉诺威和巴黎等城市兴起的一种虚无主义艺术运动。其中杜桑是达达现代舞先驱时期代表作品 三大现代舞是哪三中国现代舞的三大流派是新中国舞、汉唐舞和敦煌舞。神韵是中国现代舞的灵魂。1、新现代舞蹈是戏曲与舞蹈的混合体，2、汉唐舞蹈如昆曲是昆曲艺术本体研究的产物。由古代舞蹈与当代舞蹈相结合而形成的一种新的舞蹈形式。把中国现代舞打造成舞蹈史上的一朵奇葩。鲁道夫·拉班(1879—1958匈牙利)——现代舞理论家、教育家、人体动律学和拉班舞谱的发明者、德国表现派舞蹈创始人之一。形成了德国现代舞理论先行的倾向,《饥
丰富多彩的拉丁美洲音乐 拉丁美洲指的是美国以南直到南美洲最南端的广大地区。面积相当于两个欧洲，包括墨西哥，中美洲，加勒比，南美洲四个部分，古代印第安人曾在这里创造了灿烂辉煌的玛雅、阿兹台克、印加三大文化。音乐在当时也得到了较高的发展。玛雅人的器乐与歌唱、舞蹈紧密地结合在一起，他们用敲击乐器较多，如用半个葫芦制成放在水盆中敲击的水鼓和用坚硬的长豆荚相互敲击的乐器，还有能吹出鸟鸣声的管乐器等。阿兹台克人则经常使用木鼓、竹笛、海螺和葫芦制成的摇铃。在印加人的音乐中，以排箫和竖笛著称，据说当时曾有多达百人的竖笛乐队为舞蹈伴奏。在印加贵族子弟的教育中，音乐是很重要的一部分。无半音的五声音阶是印第安人普遍采用的音阶。 经过300多年的殖民统治后，拉丁美洲的音乐文化发生了巨大的变化。由于大量欧洲（尤其是地处伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙）的音乐文化传播到了整个拉丁美洲。同时，来自非洲的黑人奴隶也带来了非洲的音乐艺术。长时期种族间的混血，也形成了各种新的混合民族。拉丁美洲的文化正是欧洲文化、印第安文化和非洲文化经过长期的碰撞、冲突、渗透、吸收后融合而成的一种统一而又多元的文化。它源于这三种文化而又不同于原有的文化，以崭新的面貌出现在世界上。从宏观的角度看，拉丁美洲音乐也是欧洲音乐、印第安音乐、非洲音乐的混合体。但由于混合的类型、层次、成份、程度各不相同，就形成了十分丰富、多种多样的音乐风格。如今，拉丁美洲音乐正以其色彩的丰富。节奏的独特，旋律的美妙，和声的浓郁，吸引着广大的音乐爱好者。它那无比的热情，充沛的活力，神奇的风貌，使世人为之瞩目。正如拉丁美洲伟大的革命家古巴诗人何塞·马蒂所说的：“这是一片用音乐和大自然秀丽景色装点的和谐和富有艺术的国土”。 拉丁美洲的音乐文化大致可分为三种类型：即印第安人音乐；以黑人音乐为中心的非洲--美洲音乐；以土生白人、混血人音乐为代表的拉美民间乐。 印第安人音乐大致可分为两类：一类是处于孤立偏僻地区印第安人的音乐，如亚马逊热带丛林区的印第安人。由于处于较原始的状态，其音乐比较简单；又如厄瓜多尔希法罗人的音乐只采用了三个音。巴西卡马尤拉人的音乐也比较简单，但却拥有世界上最长的管乐器--由两根植物茎（一长米、一长米）捆绑在一起的乐器，他们的音乐与舞蹈是紧密相连的，而且往往是在各种仪式、庆典上才表演。这些，对于研究音乐的起源和发展是很有用的。另一类是发展得较高的印第安人的音乐，如秘鲁、玻利维亚、厄瓜多尔等国的安第斯高原音乐，它是印加传统音乐的继承和发展。他们演奏的排箫、竖笛音乐很有特点，在表现高原印第安人的风情方面十分出色。庄严的太阳神颂歌，忧郁抒情的亚拉维情歌，欢快活泼的瓦衣诺舞曲，都是他们的创造。美妙动人的民间花腔女高音唱法一安第斯高原唱法是世界民间音乐中的瑰宝。印加古都库斯科被称为“美洲考古之乡”，每年6月24日是著名的太阳祭节日，在隆重的庆典上可以见到传统的印地安人音乐歌舞表演。玻利维亚高原的普诺也被誉为"美洲大陆民间歌舞之乡"。 黑人音乐亦称美洲--非洲音乐。这种音乐主要分布于加勒比海和巴西以及秘鲁、哥伦比亚、委内瑞拉的沿海地区。苏里南的原始森林中，逃亡的黑人奴隶和加勒比海的海地保存了较纯的非洲音乐。在巴西的巴伊亚地区和古巴、特立尼达多巴哥等国的黑人音乐，则受葡萄牙、西班牙文化的影响较多。美洲--非洲音乐的特点是节奏在音乐中起主导作用，切分很强烈，常采用多线条节奏，呼应式的歌曲，乐段结构不方整，使用欧洲乐器多，且偏爱敲击乐器。加勒比海流行的钢鼓乐就是黑人的创造。这是一种用汽油桶制作的旋律性敲击乐器。这种来自汽油桶的美妙音乐震惊了世界。巴西的桑巴、伦都和古巴的伦巴，加勒比海的卡立普索、曼波、恰恰恰以及秘鲁的马里涅拉、冬德达等舞曲，都是较典型的美洲--非洲音乐歌舞体裁。 拉美民间音乐指的是：主要受到欧洲音乐强烈影响的土生白人、印欧混血人的音乐。这类音乐直接来源于伊比利亚半岛，但在几百年的漫长岁月中己适应了拉丁美洲的风土人情，产生了变异。它基本保留欧洲音乐体系的基础（包括调式、和声、节拍、乐段结构等），但它那热情洋溢的风格，激荡人心的气氛，已根本不同于伊比利亚半岛的民族音乐了。这种音乐的特点是带有淡淡的怀乡、忧愁的色彩，重唱形式多，唱法放松，音色柔和抒情，采用3/4及6/8节拍多，乐段结构较方整，采用吉他很多。来自西班牙的竖琴在拉美也流行很广，但乐器音色变得嘹亮明快、"竖琴之国"巴拉圭还发展了用竖琴伴奏的独唱、重唱等形式。具有小吉他形状和曼陀林音域的恰朗戈（五弦琴）、蒂波里（三弦琴）、瓜德罗（四弦琴）等弹拔乐器都是欧洲音乐文化与印第安音乐文化巧妙结合的硕果，现已成为拉美音乐中不可缺少的乐器。在墨西哥还发展了一种溶吉他、小号、小提琴、低音吉他为一体的马里阿奇乐队音乐，特色鲜明，很受欢迎。 墨西哥的松，智利的库艾卡，阿根廷的探戈，秘鲁的秘鲁园舞曲等都是典型的拉美民间音乐歌舞体裁。
[卡门序曲] 管弦乐曲。法国作曲家比才于1874年创作的歌剧《卡门》中的前奏曲，是该歌剧中最著名的器乐段落，常单独演奏。一般的歌剧序曲都是用交响方式缩写或提示歌剧内容，这首序曲结构简单，仅仅描写了欢乐气氛和剧中次要人物斗牛士的英勇形象。 开始呈示的快板主题选自歌剧第四幕斗牛士上场时的音乐，生气勃勃、充满活力，表现了斗牛士英武潇洒的形象和斗牛场内兴奋活跃的气氛。由于它带有进行曲特点，故又称《斗牛士进行曲》。接下来乐曲从A大调转为F大调，出现第二幕中《斗牛士之歌》的副歌音调，具有凯旋进行曲特点，坚定有力的节奏和威武雄壮的曲调表现了斗牛士的飒爽英姿。反复时提高八度，使情绪显得更为高昂。 之后再现第一部分主题。结束部分出现卡门的音乐动机，带有不祥的气氛，在弦乐有力的震音背景下，以大提琴为主的乐器奏曲悲剧性主题，暗示悲剧性的结局，最后在强烈的不和协音响中结束。 比才（1838－1875）法国作曲家。他出生于巴黎，四岁开始随母学钢琴，九岁人巴黎音乐学院，1857年十九岁的比才以钢琴家兼作曲家的身份，毕业于巴黎音乐学院，并获得罗马基金去意大利进修三年。1863年比才写成第一部歌剧《采珍珠者》，以后主要从事歌剧写作，作品有《卡门序曲》、《阿菜城姑娘》等。在他的作品中现实主义得到深化，社会底层的平民小人物成为作品的主角。在音乐中他把鲜明的民族色彩，富有表现力的描绘生活冲突的交响发展，以及法国的喜歌剧传统的表现手法熔于一炉，创造了十九世纪法国歌剧的最高成就。 歌剧《卡门》取材于梅里美同名小说。故事发生在1800年左右，出身于农家的下级军官唐·霍赛，在吉普赛烟草女工卡门的诱惑下，堕人情网，成了走私贩。过了些时候，卡门对唐·霍赛冷淡起来，她爱上了斗牛土埃斯卡米罗·霍赛的妒忌，使卡门烦恼。他干涉她爱情上的自由，她被这种干涉所激怒，于是与他绝交了。后来，在一次群众对埃斯卡米罗斗牛获胜的欢呼声中，霍赛刺杀了卡门。剧中刻画了卡门热情泼辣、酷爱自由的性格。音乐多用舞蹈歌曲及分节歌，具有强烈的戏剧性和西班牙风格。歌剧《卡门》是在创作艺术上登峰造极的作品，是世界上上演率最高的剧目之一。 《卡门》全剧共分四幕。歌剧的音乐始终紧密配合着舞台动作，全剧没有静止的音乐场景。剧中进行曲、咏叹调、舞曲等交替出现，所有这些音乐又都通过严谨的戏剧逻辑给合为一体，紧凑而简练。 全剧以其独特的力量造成了强烈的戏剧性，表现了扣人心弦的真实生活，成为雅俗共赏、生命力持久的一部歌剧。 《卡门》的序曲，常被人们称为“斗牛士进行曲”。它一开始就由乐队用强音奏出一个辉煌的生气勃勃的进行曲式的主题，音乐立刻把我们带到壮观的斗牛场面之中，我们仿佛看到了英武的斗牛士，听到了群众的喝彩声。这个主题重复了几次之后，音乐从A大调转到F大调，乐队轻轻地奏出了歌剧第二场中将要出现的《斗牛士之歌》的副歌。序曲最后结束在一个强烈的不协和和弦——（减七和弦）上，更加强了这一段音乐带给我们的悲剧悬念，预示了卡门悲剧性的结局。 序曲的基本部分是歌剧第四幕斗牛场面的音乐的翻版（省去了声乐部分），其结构是一首回旋曲，通过多主题的对比并且展示出西班牙的典型环境，烘托了喜庆热烈欢腾的气氛。
西方古典音乐鉴赏 “古典”（Classic）一词源自拉丁文，原是典范、即奉古希腊（或罗马）为典范而加以模仿的意思。 人们有时把严肃音乐或艺术性音乐统统称为古典音乐，以同所谓“流行”音乐或娱乐性音乐相区别。“古典”的这一广义解释，把历史时期和风格全然撇开，因此，本来是属于不同时期和不同风格的音乐作品，例如，巴赫、贝多芬、柴科夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。 音乐史上的古典时期基本上是属于器乐的，绝大多数作曲家的注意力都集中在器乐的体裁与形式，声乐的地位反而退居其次。敢于同大主教决裂的莫扎特，虽然在歌剧方面卓有贡献，他的器乐作品也是大量的。至于贝多芬，他纯粹是一位器乐作曲家，他以革命中的英雄作为作品的主人公，为此他有时也被称为革命的古典作曲家。古典主义的规范化确立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响曲等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式。古典风格作品中节奏与配器色彩灵活善变，而不是整乐章划一不变;古典作品中所有声部、甚至于演奏的力度，都由作曲家亲自写出和标明，而不是留给演奏者演奏时即兴处理。至于感情的表达，古典作品由于理性精神的影响，往往比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉——从这方面着眼，巴罗克风格全然不同于古典主义，它反而更接近于后来的浪漫主义的精神。 西方古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，而在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见。霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。” 在欧洲艺术史上有两个重要的时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年;另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。 在浪漫主义时期，随着工业革命的进行，钢琴也进行了改进，其自身采用了铸铁结构，琴弦也加粗了，这种钢琴能获得更浓厚和更辉煌的音乐，跟现在的钢琴开始接近。接下来，我用一个事实来证明这一点：如果李斯特的时代要求他有不同的表达方式，而且还因为这个时代为他提供了能产生不同效果的钢琴，这种钢琴在较早的时期是找不到。但这种比较我们只能在音乐文献中找到，在现实社会中已很难找到。 十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。 一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。 歌曲的结构可分为两大类。在分节歌形式（strophic form）中，诗的每一段或每一节都重复同样的旋律。这是民歌和通俗歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是讲述一个情人的期待，第二段是他见到爱人时的欢乐，第三段姑娘的父亲粗暴地将他们分离，第四段姑娘悲伤地死去，所有这些都用相同的曲调演唱。另一种形式德国人称作“durchkompoiert”，字面意思是“全面创作的”，就是说作曲过程贯穿全曲，没有整段的反复。还有一种中间的形式，它将分节歌中的反复和全创作歌曲的自由结合在一起，有两、三段重复同样的旋律，然后在需要时就引入新的旋律，一般来说都是在高潮部分引入。舒柏特脍炙人口的《小夜曲》就是这种结构的精彩范例。 尽管在各个时期（代）歌曲都处于显着的地位，但现在通过很多欧洲音乐文献记载知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在十九世纪初由诗歌与音乐相结合而创造出来的。舒柏特和他的后继者，著名的有舒曼和勃拉姻斯，使这种结合获得了如此完美的艺术效果，以致这种新风格以德文中的歌曲一词：Lied，闻名胜古迹欧洲。 艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义出现的标志，艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐和诗歌结合的愿望得以实现，它包括温柔的情感或戏剧性的民谣风格。艺术歌曲中最常采用的主题是爱情、期待、大自然的美和人生中短暂易逝的幸福。 钢琴在十九世纪作为普通乐器出现在欧洲，使浪漫主义艺术歌曲能够获得成功。钢琴的伴奏把诗中的形象变为音乐的形象。人声和钢琴共同创造出了富于情感的短小的抒情形式，这种形式对于业余爱好者和艺术家同样结合，也同样适合于在家庭里和音乐厅里演唱。在短时间内，艺术歌曲就获得了极大的普及，并对世界艺术做出了永久性的贡献。 标题音乐是带有文字或图画联想的器乐作品，这些联想的内容由乐曲的标题或说明性的注释来提示的。“标题”只是由作曲家自由加上去的。在当时那个年代里，音乐家敏锐地意识到了他们的艺术与周围世界的联系。这种意识促使用使他们的音乐更加接近于诗歌和绘画，并且使他们的作品涉及到当时的道德和政治问题。还促使他们以一种新的方法来探讨绝对音乐（纯音乐）的形式。 标题音乐在歌剧院中获得了最初的推动力。序曲作为歌剧（或戏剧）的引子，是单乐章令人兴奋的管弦乐曲。有许多歌剧序曲后来获得了像音乐会乐曲一样的普及，因而独立出来。这样便为一种歌剧没有关系的新式序曲开辟了道路。 标题音乐中有一种是为戏剧写的，也很有吸引力，通常由序曲和一组在幕间及重要场景演奏的乐曲组成，这就是配乐。十九世纪的作曲家创作出了许多这类的作品，这些作品的音画法（tone painting），性格化和剧场效果都是值得注意的。最成功的配乐作品，通常被改编成组曲。其中一些流传得非常广泛。例如，德国著名作曲家大师门德尔松为《仲夏夜之梦》所写的音乐就是这类音乐作品中的典范。随着十九世纪时间的推移，一种大型的管弦乐形式就越来越需要了，这种形式在浪漫主义时代将起的作用就像交响乐在古典时期起的作用一样。到十九世纪中叶，交响诗的创造迈出了这期待已久的一步。交响诗是十九世纪在大型器乐形式上做出一个有独创性的贡献。它是李斯特的成就，他在1848年首次使用了这个词。他的《前奏曲》是此音乐中最出名的范例。 交响诗是为管弦乐队而作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比而发展诗意，使人联想起某种情景，或造成一种情绪。交响诗还有一个非常美丽的别称：音诗。交响诗与音乐会序曲有一点重要的不同，音乐会序曲一般保留传统的古典主义的构思，而交响诗在形式上则自由得多。交响诗的形式是为作曲家所需要的大型单乐章乐曲准备的“画布”。总之，交响诗在整个十九世纪后半叶中，成为标题管弦音乐的最精致的形式。 最后介绍标题音乐进入到绝对音乐的神圣领土——交响乐中。作曲家一方面尽力保留贝多芬的宏大的形式，同时又赋予它以文学内容。这样就出现了标题交响乐。著名的作品有法国作曲家柏辽兹的三部标题交响乐——《幻想交响曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查德·施特劳斯《阿尔卑斯山》、《家庭》和匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》都是最著名的交响乐作品。 民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以一种更自觉的方式肯定他的民族传统。在十九世纪的欧洲，那时的政治条件促进了民族主义的发展，使之达到了在浪漫主义运动成为决定性力量的程度。征服民族的傲慢和被征服民族为自由的斗争造成民族关系的紧张，使民族情绪上涨，这种情感在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫主义作曲家用许多方式表现他们的民族主义。一些作曲家以他们民族的歌曲和舞曲作为音乐的基础，如肖邦以他的玛祖卡舞曲、李斯特以他的匈牙利狂想曲、德沃夏克以他的斯拉夫舞曲、格里格的挪威舞曲。一些作曲家以民间传说或以农民生活为基础写作戏剧性的作品，例如韦柏写的德国民间歌剧《自由射手》、斯美搭纳写的捷克民族歌剧《被出卖的新嫁娘》，同样，还有柴可夫斯基和里姻斯基·科萨科夫写的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。还有一些作曲家写作交响诗和歌剧，歌颂民族英雄的功绩，历史事件或祖国的美景。柴可夫科斯基的《一八一二序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》就是这股潮流的代表作;瓦格纳的音乐戏剧对德国神话和民间传说中的神和英雄加以颂扬，特别提到的是《尼伯龙的指环》（歌特式摇滚的先驱），这个剧本是以齐格菲的生死为中心题材的庞大史诗，它也是一个代表作。 民族主义作曲家常把自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗句结合起来，舒柏特为歌德的诗歌谱曲即属此类，还有格里格为易卜生的《皮尔·金特》所作的配乐，及柴可夫斯基的为普希金的戏剧为基础的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金还激发了里姻斯基·科萨科夫和穆索尔斯基的创作灵感。在这种时期，民族主义作曲家能把人民的抱负以激动人心的方式表达出来，像威尔第在意大利为统一而奋斗时所作的那样，或是西贝柳斯在芬兰于十九世纪末为反抗俄国统治者而斗争时所做的那样。 民族主义音乐的政治含义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适合奥地利检查官的心意。芬兰在十九世纪末、二十世纪初要求独立时，西贝柳斯那带有令人振奋的号角声的音诗《芬兰颂》被沙皇禁演。民族主义为欧洲音乐的语汇中增加了极富魅力和活力的民族风格。由于把对祖国的热爱注入到音乐中去，民族主义使作曲家能够表达出千百万人民的心愿。总之，民族意识渗透到十九世纪欧洲精神的各个方面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想橡的。 在音乐、绘画和文学中的异国情调显现出遥远国度里别致的气氛和色彩。不同说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。在十九世纪，异国情调首先表现在北方民族思慕那南方的温暖和色彩，其次表现在西方追求东方那神话般的景象。前者推动德国、法国和俄国的作曲家在自己的作品中转而表现由意大利和西班牙引起的灵感。在这类众多作品中，有俄罗斯作曲家的几个著名作品：格林卡的两首《西班牙序曲》、柴可夫斯基的《意大利随想曲》和里姻斯基--科萨科夫的《西班牙主题随想曲》、德国贡献出门德尔松的《意大利交响曲》、沃尔夫的《意大利小夜曲》和理查德·施特劳斯的《致意大利》、法国作品有夏布里埃的《西班牙狂想曲》和拉罗的《西班牙交响曲》。值得一提的是比才的《卡门》也是这一领域中的杰作。 俄罗斯民族乐派使东方的魅力产生了国际性的影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是民族主义的一种形式。亚洲神话般的背景渗透进俄罗斯的音乐。里姻斯基一科萨科夫绚丽的管弦乐作品《舍赫拉查达》及其歌剧《萨特阔》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》和交响诗《在中亚细亚草原上》，伊波利托夫一伊万诺夫的《高加索素描》，这些都属于东方色彩的作品，这些作品至今还风行于全球。一些法国和意大利的作曲家也采用异国情调：如圣一桑的《参孙与达丽拉》，德利布的《拉克美》，马斯奈的《泰伊思》，威尔第的《阿伊达》，以及普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰多特》。 懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞（快三）表活泼，进行曲表现有力量等;旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。 欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作;欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师;意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解;欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。 学习欧洲古典音乐，理解古典音乐，欣赏欧洲古典音乐，将给我们的生活增添无限的乐趣。 本类TOP10音乐欣赏论文(2803)音乐论文--音乐欣赏(2372)浅谈音乐欣赏中感情体验的基本要求 (1210)我的毕业论文－浅谈声乐作品的二度创作(1185)音乐赏析论文(1089)威尔第与《茶花女》 (1074)音乐论文--如何去感受音乐、体验音乐、审美音乐？(826)中 国 音 乐 的 前 途——论现阶段中国音乐发展的两条道路及未来的方向 (699)音乐论文(666)论现代音乐 (625)
恩，可以先拟几个选题给你参考哦，完整的给你发
几个建议，可以写玛雅和阿兹特克几个文明的金字塔的对比研究。也可以写西班牙入侵导致玛雅文化消陨之类的题目，现存玛雅后裔的生存状况，玛雅历法，甚至水晶头骨研究都行。题目别太冷门（比如我同学当年写“古巴革命与摇滚精神”），如果导师导不了的话，就得换题目。参考书目，中国社会科学出版社的《拉丁美洲文明》。论文的格式先得有开题报告。具体格式要问导师。系里会有要求。可以Q我：147001084
看你对哪些方面有兴趣了，之前有这么几大类1：文学 深度剖析某位作者及其一部或几部作品2.旅游针对西班牙旅游现状分析3.历史针对西班牙某一时间的历史 发表个人见解4.建筑可剖析高迪建筑如果语言水平不高，可选择旅游类等比较通俗简易的内容去写
论文题目要求准确、简练、醒目、新颖。目录目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）内容提要是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。关键词定义关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作计算机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题分析，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。（参见《汉语主题词表》和《世界汉语主题词表》）。论文正文（1）引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义,并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、论证过程和结论。主体部分包括以下内容：a.提出问题-论点；b.分析问题-论据和论证；c.解决问题-论证方法与步骤；d.结论。参考文献一篇论文的参考文献是将论文在研究和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。论文装订论文的有关部分全部抄清完了，经过检查，再没有什么问题，把它装成册，再加上封面。论文的封面要朴素大方，要写出论文的题目、学校、科系、指导教师姓名、作者姓名、完成年月日。论文的题目的作者姓名一定要写在表皮上，不要写里面的补页上。