感恩生命凋零的花瓣透出的是生命的终结，枯萎的落叶宣告的是生命的停息;雍容的牡丹彰显的是生命的华贵，繁盛的大树凸现的是生命的粗犷。生命不仅给生物以形体，还赋予它无可比拟的华彩，因此，我们要对生命感恩。感恩生命，感谢她给予我们灵巧的双手。男耕女织，搓绳捻线，做饭煮菜，用双手创造了文明的未来;梳头洗脸，打猎捕鱼，搏斗娱乐，真真切切，为所欲为，把我们所想到的都付诸现实。感恩生命，感谢她给予我们敏捷的耳朵。听，波涛汹涌，海浪拍岸，风号雷鸣，山呼海啸;听，林间天籁，蝉鸣鸟语，猛兽咆哮，虎啸猿啼;听，丝竹管弦，钟磬鼓乐，合奏清音，吹拉弹唱……听万籁声音，感节奏华美。感恩生命，感谢她给予我们明亮的双眼。看，大千世界，无奇不有，枝繁叶茂，花开叶落;看，名山大川，峻险陡峭，奇葩异草，缤纷多彩;看，江河湖海，奔腾不息，静谧深邃，浩荡无垠;看风花雪月，春华秋实;看时序更迭，沧海桑田……我们用清澈的双眸还原物体的本质原貌，一个五光十色、缤纷斑斓的世界呈现在我们面前。我们欣赏华美，我们也洞悉丑恶。感恩生命，感谢她给予我们丰富的感情。喜怒哀乐，悲思忧惧，洒洒脱脱，原原本本，痛快淋漓，无拘无束;喜而笑，怒而吼，悲而泣，表露我们最真实的心迹，抒发我们最本真的情意。感恩生命，感谢她给予我们一个聪明的大脑。思考疑难的问题，生命的意义;赞颂真善美，批判假恶丑。记住精彩的瞬间，激动的时刻，温馨的情景，甜蜜的镜头。生命赋予我们特有的灵性。……存一颗感恩的心，去看待我们正在经历的生命、身边的生命，悉心呵护，使其免遭创伤。感恩生命，为了报答生命的给予，我们实在不应该轻视和浪费每人仅有的一次生命历程，浪掷青春，一生庸庸碌碌，而应该让生命达到新的高度，体现出生命的价值，让生命更有意义，显出生命本应拥有的精彩。
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2014年国家公务员考试地市级第五题：
加拿大女作家门罗曾经说过：“幸福始终充满着缺陷。”请结合你对给定资料的思考和对这句话的领悟，自拟题目，写一篇文章。(40分)
要求：(1)自选角度，立意明确;
(2)联系实际，不拘泥于“给定资料”;
(3)思路清晰，语言流畅;
(4)总字数1000-1200字。
艰难困苦，玉汝于成
——在不完美中寻找幸福
关于“幸福”一词的理解，人们向来各执一词。随着时代的进步与物质生活的日益充盈，持有不同幸福观的我们，也在践行着各色各样的人生哲学。不少人认为，真正的幸福即是功利地实现人生理想，尽最大可能创造属于自我的完美人生。殊不知人生总有缺憾，或者说，因追寻完美的人生而获得幸福显得过于遥不可及。我们真正需要的，是在不完美的生活中，寻找真正的幸福。 (第一自然段贴近材料提出论点。)
不少人发出疑问，为什么生活越来越好，可生活却渐渐失去了光彩?物质生活与精神世界容量的严重不匹配成为了当前社会亟待解决的热点问题——当今的社会，上班族面临着关乎未来的种种现实问题而陷入焦虑;青年一代因陷入需求与拥有之间存在严重的倒错规律而迷茫;即便是老年人，也生活在物质生活充盈与子女关怀缺失的矛盾之下。而我们又如何在不完美的人生中，找到属于自己的幸福呢?幸福需要我们拥有战胜挫折的决心，需要一个豁达乐观的心境，还需要社会的认同感。 (承接总论点，提出现在社会中各个主体面临的疑惑，并提出面对疑惑的态度和解决方向。)
挫折是难以避免的，然而，挫折也是一笔重要的财富。如同诗人波德莱尔在《恶之花》中的诗句：“痛苦正是绝无仅有的高尚情感，尘世与地狱都永远磨灭不了这种情操的光芒”。保持战胜挫折的决心，在战胜挫折的过程中获得自我实现，才是幸福的真谛。正如文王拘而演周易，仲尼厄而作春秋，屈原放逐，乃作离骚;左丘失明，厥有国语，当他们在困苦的生活中坚定信念，为实现自我价值而努力时，殊不知幸福已悄然而至。成功往往伴随着挣扎，幸福的背后多是艰辛。在不完美的生活中，坚定信念，战胜挫折。 (提出例子说明幸福所包含的内容，坚定信念是寻求幸福的有效途径。)
面对不完美的生活，还需要豁达的心境。生活节奏的加快，让许多人在嘈杂的丝竹管弦声中迷失了自我，奔走之余难免遭遇瓶颈。这时，保持一个平和的心态，为心灵寻找一个安定的栖所就显得尤为重要，如陶渊明大隐于市，采菊东篱;如苏轼看淡沉浮，旷达安逸。正视人生的不完美，最终会收获幸福。 (保持平和心态是寻求幸福的自身主观方面的提升。)
幸福还需要社会的认同感。如今我们生活在一个物质水平飞速发展的时代，构建一个和谐安定的社会氛围显得尤为重要。须知，一切幸福的来源是无数次战胜挫折的汗水，这点需要在社会环境下形成共识。一味地追求利益最大化往往会产生浮躁、投机的心态，对此，在全社会树立一个正确的价值观，戒骄戒躁，脚踏实地，需要社会各界的共同努力。 (提出除了自身之外的营造幸福的主体，社会。说明社会整体氛围的重要性。)
真正的幸福，是在冰冻三尺之下那一抹扑鼻的梅花红，是疾风隳突中那一树坚韧的松柏青。人生总有不完美，就让我们在不完美的生活中摆正心态、坚定理想，用自己的汗水去追求幸福吧。 (总结论点进行升华。)
这个有点难度，我建议还是自己写，我相信这样的论文，自己写下来肯定会有所收获，要相信自己！
音乐学专业毕业论文开题报告
开题报告的综述部分应首先提出选题，并简明扼要地说明该选题的目的、相关课题研究情况、理论适用、研究方法。以下是一篇关于音乐学专业毕业论文开题报告，仅供参考!
论文题目： 关于鲁道夫·甘茨《钢琴手指练习—为现代和特殊而作》的探究
一、选题背景
随着西学东渐的深入，生活水平的提升，我国目前学习钢琴的人数越来越多。各类培训机构日益增多，年轻的钢琴老师也在逐年增加，钢琴变得越来越普及。绝大多数学生以及年轻的钢琴老师的手指练习却只停留在钢琴启蒙阶段，没有得到应有的重视。目前我国钢琴手指练习利用率虽高但是效果不甚明显，借鉴国外教材数量上有一定局限性。其次，我国钢琴指法练习的理论成果还没有形成体系，使得钢琴的学习者在使用手指练习册方面没有自觉性，或是在手指练习中找不到适合自身的、适合不同时期各个曲目的应对方式。同时，因为钢琴手指练习法种类和方式五花八门，使得国内外钢琴学习者在指法练习上难以找到适合自身的手指练习法，而本文通过对鲁道夫·甘茨的《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》的研究分析，来告诉钢琴练习者如何找到适合不同特点的去进行有针对性的科学且系统的手指练习的方法。
二、研究目的和意义
钢琴的演奏是一项复杂的思维和实践活动，有其本身严密的逻辑系统顺序和认识发展规律。一个合格的钢琴演奏人才不是短短几年就能培养出来的，必须根据钢琴教学的特点，通过系统、正规、循序渐进的教学过程，扎扎实实地由浅入深，由易及难地反复训练积累，逐步提高。俗话说“基础越厚实，上面盖的楼就可以越高”，就是这个道理，本文结合自己多年的学习体会以及教学经验，根据不同钢琴学习者的自身条件，可以说不同的人的身材比例、四肢的灵活程度都不一样，所以所具备的演奏条件也并不一样。身体条件的差异，都会或多或少的存在手指上力量不匀、不够灵活、配合困难、相互牵制又不独立的情况。所以钢琴学习者在手指练习方面要保持经常的锻炼才能有效克服演奏中出现的各种技术上的困难。无论是作为听众或者是演奏家都知道，精彩的音乐诠释需要演奏者全身心投入的演奏，细致、细腻地刻画出作曲家对于音乐形象、音乐情感，而这一切都需要无与伦比的技巧，可以说，如果没有非凡的技巧，音乐的表现就几乎为零。而基本技术包括了钢琴演奏中所遇到的所有技术问题，渗透于所有伟大音乐作品的每一个句子中，每一句句子都需要钢琴演奏者的精雕细琢，以此呈现出完美的感觉。手指是演奏钢琴直接触及琴键的部位。用著名钢琴家涅高兹的话来说，在钢琴演奏中，手指是“前线的战士”，是“声音的制造者”，是“钢琴弹奏的直接创造者”和“钢琴家意志的执行者”。法国著名钢琴家玛格丽特·朗则这样来强调手指的意义，她说：“要能够清晰明了，意义清楚，表情丰富地说出音乐要说的话，钢琴家应有会说话的手指。” 而要拥有这样的手指必须要有良好的手指基础训练，手指的力量、灵敏、速度以及基本的指触方式和控制能力是钢琴技巧最重要的环节，是钢琴演奏基础的基础钢琴学习者必须用大量的时间进行基本技术的训练，对于手指、臂、腕等生理机能的潜力，都能得到非常好的发掘，为日后的进一步学习奠定极其坚实的基础。
技术训练是任何一位从事钢琴演奏者在学习生涯中必不可少的部分，而基本的技术训练每一份努力，都将得到相应的回报。我的导师曾经对我说过：“在正式练琴之前，手指练习是极为重要的!!!”这好比参加奥运会的运动员，在大赛之前都要有相应的热身运动一样。在我们日常的练琴中，合理分配练琴中作品与“热身训练”是非常重要的，如果每天有四个小时的练琴时间，那么前一个小时的基本手指练习的“热身”是极为重要的。有了热身手指彻底活动开了，余下的练琴效率会得到大大的提升，甚至花两个小时就可以达到三个乃至四个小时的练琴效果。从业余的考级中我们看到音阶、和弦、琶音技术是必不可少的考试项目，作为专业院校学生技术考核中也同样会考这样的项目。无论是专业还是业余演奏得人技术训练对于任何层次的人都是非常重要的，技术训练是不同层次人群必不可少的武器。但是在很多业余学生从不或很少进行技术训练练习，有些人只是为了应付钢琴考级才应考级要求弹奏相应的几个调的技术练习，更有甚者对调性感全无，只了解从什么音到什么音的位置。更别提这种技术练习中对自己会有什么作用?只为了应付考试，而在平常的学习及练琴中就放弃这个部分了。这部分对基本功的忽视的人群所造成的不良后果就是技术生硬、进步缓慢、练琴效率极低。而不少令人感到“进步神速”的学生却在技术练习上下苦功夫，他们的苦练所带来的甜头就是在更进一步在这里下功夫，这种良性循环使他们取得了飞跃，并且一直不断的进步着，也同时获得相应的成就。许许多多的钢琴家更是从小起直至整个演奏生涯当中从没停止过一天的基本技术的练习。在这一切证明之后，难道你还能怀疑钢琴基本技巧训练的重要性吗?那么，到底需要多少时间进行这一训练呢?答案是在你能够承受的范围中越多越好。针对技术训练的教材很多，从不同时期、不同地域都有。在我国使用最广泛的针对技术练习的主要是法国的'教材《哈农》、上海音乐学院陈庆丰教授的《钢琴音阶琶音和弦》、法国科尔托的《钢琴技术的合理原则》、施那贝尔的老师、奥地利的施密特《钢琴手指练习》，这些在通常的钢琴教学中这些教材被人们广泛所使用。笔者论文中介绍的鲁道夫·甘茨的《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》不仅仅涵盖以上教材中的侧重点，而且还立足二十世纪音乐语汇创造出新的训练方法。二十世纪存在着许多新的语言，因此我们再训练中有不同于其他音乐风格的特征，因此选用一本合适于技术练习的教材对演奏有着非常好的帮助。
三、本文研究涉及的主要理论
鲁道夫·甘茨从小就接受到良好的音乐教育，他早年求学于苏黎世音乐学院与 Friedrich Hegar(弗兰德里奇·黑格尔)学习大提琴，然后又与 Robert Freund(罗伯特·弗里德)学习钢琴，他又同时在洛桑音乐学院与 Charles Blanchet(卡雷斯·布兰切特)学习作曲。在 12 岁时就被公众成称为大提琴家，在 16 岁时也被称为钢琴家。1896 年 3 月 20 号，在洛桑首演拉赫玛尼诺夫升 C 小调前奏曲，6 月 24 号，演奏贝多芬第三钢琴协奏曲，同时获得艺术家文凭。在 1897-1898 年期间，他在法国东南部的一个城市斯特拉斯堡拜在 F. Blumer(F·布拉莫)学习钢琴，在 1899 年鲁道夫·甘茨参加在柏林的专业钢琴课程并跟随 Ferruccio Busoni(费鲁奇奥·布索尼)学习钢琴。1901 年至 1905 年鲁道夫·甘茨去了美国并以教授身份加入芝加哥音乐学校任芝加哥音乐学院钢琴系主任。1905-1908 年，鲁道夫甘茨在美国与加拿大讲座多次。1921 年至 1927 年出任圣路易斯音乐总监并且担任圣路易斯管弦乐团指挥之后他便往返于美国、欧洲相继巡回演出。1929 年任芝加哥音乐学院负责人，1933 年成为芝加哥音乐学院校长，他邀请了阿诺尔德·勋伯格来任教，但是勋伯格的健康原因不适合他在芝加哥生活。他在 1938 至 1949 年期间，他与纽约爱乐乐团和旧金山交响乐团一同成功举办了年轻艺术家系列音乐会，同时他还是芝加哥音乐学校的钢琴系主任。1954年虽然他从芝加哥大学退休，但是直到 90 多岁，他仍兢兢业业的为学生授课。
四、本文研究的主要内容及研究框架
(一)本文研究的主要内容
在钢琴的历史发展长河中，大体分为三个时期：巴洛克时期，古典时期、浪漫时期、现代音乐。每个时期的乐曲风格虽然都有很大差异，但是乐曲的发展总是在总结前人的经验加以创新得来的，所以对于技术上的要求确实是承前启后的，而且难度系数也是越来越高。本文以鲁道夫·甘茨的《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》为切入点，以此本钢琴手指练习教材的“现代”和“特殊”两个关键词作为文章为两大亮点，整合每个章节的练习侧重点和各种不同技术所对应的钢琴作品的适用性进行综合分析，用来阐述其编排的科学合理性以、利用价值以及使用方法。
(二)本文研究框架
本文研究框架可简单表示为：
五、写作提纲
摘要 3-4
ABSTRACT 4-5
第1章 绪论 7-11
研究目的背景、方法及思路 7-10
研究目的 7-9
研究背景 9
研究方法 9-10
研究思路 10
国内外研究现状 10-11
第2章 鲁道夫·甘茨生平 11-15
求学和工作经历： 11
演出经历 11-12
音乐创作与著作 12-13
录音 13
教学成果 13-15
第3章 鲁道夫·甘茨《钢琴手指练习》成书背景及简介 15-21
成书背景 15-17
教学考虑 15
现代音乐发展的需要 15-17
《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》简介 17-21
慢练的重要性 17-18
指法的选择 18-21
第4章 《钢琴手指练习——为现代和特殊而作》的技术要点分析 21-57
针对书名中“特殊”的诠释 21-49
“人有我特”——关于手指的独立性训练 21-35
“人无我有”——个性化的训练指导 35-49
针对书名中“现代”的诠释 49-57
关于“现代八度”的技术训练 50-52
“音簇”技术 52-53
“现代三和弦”的练习 53-55
双调性音阶 55-57
结语 57-58
参考文献 58-60
六、本文研究进展(略)
七、参考文献
[1] RUDOLPH GANZ 《A MUSICAL PIONEER_JEANNE COLETTE COLLESTER》
[2]Charles Louis Hnon,John W.(COP) Schaum:《Hanon-schaumAlfred MusicPublishing》
[3]MASTERCLASS:《How to make Hanon''s piano exercises workfor youInternational Piano》
[4][美]Ingrid Jacobson , Czerny &Hanon—《PianoStudies Selected for Technique and Musicalitys Alfred Music Publishing》
[5]Jim Samson “Virtuosity and the MusicalWork. The TranscendentalStudies of Liszt”,University of [6]哈农.《哈农钢琴练指法》[M].湖南文艺出版社，1999
[7]卞萌.《中国钢琴文化之形成与发展》[M].华乐出版社，1996
[8][匈]约瑟夫·迦特.《钢琴演奏技巧》[M]人民教育出版社，2000
[9][法]哈农.《哈农钢琴练指法》[M].百花文艺出版社，2004
[10][美]乔治·考切维斯基.《钢琴演奏的艺术》.人民音乐出版社，2010
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星海音乐学院作曲系简介 星海音乐学院作曲系建于1958年。自建系以来，迄今已形成了完备的大学本科教学体系，并成为一个能够代表华南地区乃至全国作曲与作曲技术理论教学水平的专业学科。历任系主任有：梁芷琼、余苇、黄容赞、陈家骅、苏克、蔡松琦、廖胜京、刘春荣、吴粤北；现任系主任：房晓敏。 半个世纪以来，作曲系的师资队伍逐步发展壮大，在教学、科研和创作中，涌现出一批具有突出贡献的作曲家、专家、学者，创作了大量有影响的音乐作品。如：创作方面有施咏康的交响诗《黄鹤的故事》、廖胜京的小提琴曲《火把节之夜》及钢琴曲《红河山歌》、房晓敏的民族室内乐《五行》及二胡协奏曲《幻想曲》、李方的木偶音乐《五羊传奇》、曾宇佳的室内乐《窗外》等；在教材、著作方面有施咏康的《管弦乐队乐器法》、刘春荣的《和声分析》、房晓敏的《五行作曲法》及《流行歌曲写作技巧》、任达敏的《流行音乐与爵士乐和声学》、王小玲的《汉族调式和声技法》、蔡乔中的《探路者的求索——朱践耳交响曲创作研究》、雷光耀的《首调单声部视唱教程》等。作曲系现已为华南地区乃至全国培养了一大批音乐创作和音乐理论人才，其中许多毕业生已成为音乐院校、文艺团体、广播电视、音像出版和其它文化单位的骨干；有的已进入我国和我省著名音乐家的行列，并在国际、国内音乐创作比赛中多次获奖。如：李海鹰、卢庆文、黄虹、王小玲、邓希路、杨晓、李方等。 目前，作曲系下设“作曲、作曲技术理论、基础训练”三个教研室。其中教授8人、副教授5人（具有博士学位4人、硕士学位10人）。开设“作曲、和声学、复调、曲式与作品分析、管弦乐配器”五门专业课程；此外，还开设了“视唱练耳、乐理、五行作曲法、流行歌曲写作技巧、民族旋律写作、序列音乐写作、朱践耳交响曲创作研究、和声分析、流行音乐与爵士乐和声学、汉族调式和声技法、近现代高级视唱练耳、音乐英语文献阅读、钢琴、计算机辅助作曲”等多门专业必修课与选修课。星海音乐学院音乐学系简介 音乐学系筹建于1997年10月，1998年开始招生。其前身为音乐理论教研室（1979年始），负责全院的所有史论公共课，其时所开的课程主要有：外国音乐史、中国古代音乐史、中国近现代音乐史、艺术概论、中国民歌、音乐美学、音乐名作、音乐文学等。教研室成员先后有：崔其焜、关伯基、张文倩、陈荣喜、许树坚、赵婉洁、赵雅瑶、汪波、陈维伦、王润秋、罗小平、黄虹、吴丽玲、邓希路、胥远帆、汪红珺等老师。 1995年，教研室悉数并入音乐研究所，所长为：罗小平；副所长：周广平、何平；党支部书记为：汪波；秘书：汪红珺、陈宏。除了研究所原有的成员（赵宋光、陈天国、罗德栽、陈安华）外，还先后增加了闫笑雨、潘澜（2000年调离）、刘大坚、尚红、周凯模等老师。所内教师依然承担全院的史论类公共课。 1998年，音乐学系从研究所中分离出来，独立建制至今。主要人员几乎都来自原来的音乐理论教研室，后来又增加了年轻一代新教师（均为硕士）。第一届系主任：何平（2004年7月调离）；系秘书：陈宏。2004年7月，由邓希路以副主任职衔继任；2005年9月，幸祝香出任党支部书记。下设四个研究室：1.音乐史学教研室；2.民族音乐教研室；3.技术理论教研室；4.哲学—文学教研室。目前系里从教与管理人员共29名：赵宋光、陈天国、幸祝香、罗小平、吴丽玲、黄虹、邓希路、闫笑雨、刘大坚、周凯模、王少明、彭莉佳、周广平、邹洪明、尚红、王沥沥、章俊、陈宏、艾福华、黄蕾、张卓、吴志武、黎敏、郑敏、高飞胜、藿橡楠、刘彤文、程亚鹏。谢泽慧老师2007年9月调至现代音乐系工作。星海音乐学院现代音乐系 现代音乐系 前身为音乐音响导演系。2006年7月正式更名为现代音乐系，同时对原有专业进行了全方位的优化调整。现代音乐系作为华南唯一高等音乐学府——星海音乐学院的新建系，依托广州经济发展前沿地区特征，与大学城多科环境相衔接，确立了以建立多元化现代音乐特征、全面性现代专业环境为定位的办学思路。经过全面的调研以及全方位的论证，体现当代音乐发展特征，体现当代音乐教育需求，并充分利用多元文化环境，及现代音乐可持续发展因素与当代社会需求度的综合特征，将原音响导演专业优化调整为电子音乐制作专业，同时新增设影视音乐创作、爵士音乐表演两个专业（方向）。从而形成了含盖音乐创作、音乐制作、音乐表演多种专业教学相融合的办学环境。 目前现代音乐系拥有强大的师资团队。专业教师中有多位是在国内外专业领域中享有较高声誉的音乐家。此外，师资呈现国际化多元特征是现代音乐系在教师队伍方面的重要特色。目前有来自法国、德国、美国等地的多名外籍教师，使得在教学上与世界先进教学理念同步，创造出国内领先的教学环境。同时现代音乐系拥有先进的教学设施设备。包括专业电子音乐制作核心主课室，音乐创作核心主课室，独立的爵士乐重奏课室，爵士钢琴课室，爵士打击乐课室等。电子音乐制作授课室均配备PC与APPLE双系统工作站及专业级音乐制作硬件设备与软件系统；音乐制作主干课室配备专业音乐工作站系统，同时全部学生系统亦配备专业Cubase及M-Power制作系统。同时正在建设达到国际顶级水准的现代音乐中心及现代打击乐中心。中心拥有先进的设备与环境，能够胜任电子音乐制作、影视音乐录制与编辑、音乐录音、爵士乐表演与录制等诸多现代音乐教学、策划、创作、录制、表演等工作。 现代音乐系的主导办学理念是致力于对希望以电子音乐创作与制作，电影、电视音乐创作及多元媒体艺术作品音乐创作与制作，爵士器乐表演及创编作为艺术事业发展的学生，通过系统、科学的专业理论教学，对应用能力具有指导作用的必要的实践性教学，对学生进行全面的专业教育与培养。同时，特别强调在传授学生相关专业技术的同时，充分激发学生的艺术潜能与创造力，培养学生的综合艺术审美能力及艺术创作的多方合作技巧，同时进一步增强学生对各自专业领域的兴趣与探索精神，使其在专业素质、创造性、综合审美素养、以及发展性思维与创新精神方面均得到全方位的发展，从而使其不但获取所必需的专业知识，更为其未来艺术生涯奠定坚实的专业基础与综合素养，以及高度的实践应用水平。 星海音乐学院钢琴系简介 广州星海音乐学院钢琴系始建于1957年，发展至今已有50年的历史，通过前后几代领导和教师的努力，及在学院领导的大力支持下，现已发展成全国优秀的钢琴教育及人才培养单位之一。无论从师资力量到硬件设施的配置，星海音乐学院钢琴系都达到了作为一个高度专业化学科建设及人才培养单位所应有的条件。星海音乐学院钢琴系拥有雄厚的师资力量，现有教师19人，其中包括如李淇、波波娃、黎颂文、杜宁武、冼劲松等老、中、青几代许多在全国乃至世界范围为钢琴事业的发展做出过突出贡献的钢琴演奏家和教师。我系师资结构的几大特点包括学历高（博士及硕士学位占百分之七十）、具有海归经历的教师比例高（百分之五十）、教师队伍中外结合（中国（包括香港和台湾）、美国、乌克兰）。在教学硬件配套设施，星海音乐学院钢琴系达到了很高的水准。星海音乐学院从2005年开始搬至广州大学城新校区，在根本上使教学环境得到了一个飞跃。在此基础上，现有数个可供我系使用的演奏厅，都达到了专业演奏厅的标准。并且随着星海音乐学院二期工程的竣工，届时一千三百多个座位的交响乐厅和四百多个座位的室内乐演奏厅将会使我们的演奏设施跃上一个新台阶。在日常教学设施上，所有专业课教室都将在近期内配置两台专用三角钢琴。星海音乐学院钢琴系所涵盖的学科领域有硕士研究生、本科生，其教学工作主要包括钢琴演奏专业和其它专业如作曲、现代音乐、声乐、音乐教育、乐器工艺、音乐学等系的钢琴必修课。在学科建设和教学管理上，无论是对主科或者是对必修课的教学，我系都建立了非常完整的教学计划体系，为保证教学质量奠定了坚实基础。除严抓日常的教学工作外，我系开展了丰富的对外学术交流活动，内容极其丰富，与国内外同行建立了广泛的联系，每学期都有多次来访专家的讲学和演出活动。同时，我系的教师和学生也积极地走出校门，在国内国外各地参加各种讲学、演奏、比赛等活动，其高度的专业水准受到国内外同行的高度评价。由于我系在教学工作中的出色表现，广东省教育厅于2005年授予我系广东省名牌专业称号。 星海音乐学院声乐系简介 声乐系主要培养具有一定政治理论素养,并具备较强音乐表演能力,能在专业文艺团体和艺术院校等相关部门,从事声乐演唱及声乐教学和研究的专门人才,以及适应社会需要的合格人材,学制为本科四年。声乐系下设声乐、钢琴两个教研组,拥有一支充满朝气、教学科研实力雄厚的教师队伍。现有教师11人,其中正、副教授有4人,讲师有4人，助教2人。教师中有获硕士学位，有出国留学归来，有国际、国内重大声乐比赛获奖，都具有较深的学术造诣和丰富的教学经验。声乐系的学生主要学习声乐演唱的基本知识,接受专业技能的严格训练,使其具有较高的演唱能力。专业课除了声乐课外，还开设了重唱、合唱、歌剧排练、表演、形体训练、外国语语音、正音与台词等课程。专业基础课：视唱练耳、乐理、钢琴、和声、曲式。在教学上，有针对性地全面培养学生，不断提高学生的综合素质。声乐系近年来，在师生们的共同努力下，教学、科研成果喜人,多次在国际、国内声乐比赛中获奖；在法国第八届哥斯嘎尼国际歌剧比赛获一等奖、在第十三届尼古拉斯.施奈德.特拉纳夫斯基国际声乐比赛获三等奖、代表学院参加由教育部、文化部举办的“全国大学生艺术歌曲比赛”获专业组一等奖、在由中央电视台举办的第十一届“全国电视歌手大奖赛”专业组（美声）获银奖、在由中国文联、中国音协、广州市人民政府联合举办的“第三届中国音乐金钟奖”声乐比赛荣获二等奖、在科研方面，有承担院级科研项目等。声乐系的毕业生分布国内外，有的多次在国家、省、市的声乐比赛中获奖，有的担任国家、省级文艺团体的主要演员、有的在担任文化单位、文艺团体的领导职务，还有的成为著名的专家学者。星海音乐学院民乐系简介 星海音乐学院民乐系建于1957年，是一个集民族器乐研究、教学、表演为一体的学科，是学院音乐表演艺术学科方向的一个教学部门。民乐系主要以发展中国民族器乐表演艺术与理论研究为基础，重点突出岭南音乐文化特色。历任系主任有易剑泉、黄锦培、潘焜尺、陈天国、陈照华、袁德明、殷惠麟，现任系副主任苏素筝、谭炎健。民乐系下设弹拨乐、弓弦乐、管乐三个教研组，附属有一个近百人的民族乐团。民乐系现有教师28人，其中教授3人，副教授7人，讲师9人，青年教师9人。现有在校本科生172人，学制四年。主修乐器有琵琶、古筝、扬琴、阮、三弦、高胡、二胡、笛子、唢呐、笙、打击乐、大提、贝司等13门小专业。专业课程有独奏、重奏、合奏、岭南音乐概论（包括潮乐、汉乐、粤乐）、小型乐队编配。专业基础课程包括中国古谱，中国音乐通史、西方音乐通史、戏曲与曲艺音乐、民族音乐概论、艺术概论、视唱练耳、乐理、和声、曲式、钢琴等并开出10多门选修课程。民乐系重视民族器乐的教材建设和理论研究工作，重视各种艺术实践活动。据统计，近年来共出版著作、教材10多部，发表学术论文20多篇，音像制品30多张。在国际、国内的各种比赛中获得诸多奖项，其中包括荣获2000年台湾“千禧国际古筝独奏大赛”第一名，获第一届“中国青少年艺术大赛”古筝专业总决赛金奖和阮专业比赛优秀奖，获国家首届“中华民族基金奖”，获全国“广东音乐比赛”一等奖，获2003年“天华杯”全国青年琵琶比赛三等奖，获第一届“吴氏管乐杯”全国唢呐大赛青年组第三名，等等。民乐系教师经常应邀担任国内各种音乐比赛评委，参加国内外的访问、讲学、演出活动，深受国内外业界人士的好评。管弦系概况 发展历史：管弦系是我院办学历史上最早设立的五个教学系之一，培养了一大批优秀的演奏家与教育家。历届系主任有余薇（兼）、刘大汉、梁兆荣。现任系主任席伟泷，副主任李国安、韦玮。专业方向：音乐表演学科管弦乐器演奏方向。培养目标：主要培养具有一定的政治理论素养、文化素养，掌握管弦乐艺术的基本知识、基本理论，具备较高的管弦乐器演奏技巧，能在职业团体从事管弦乐演奏，在专业艺术院校从事管弦乐专业教学，在普通大中小学从事音乐教育工作，在政府机关、企事业单位、社会文化机构从事音乐研究、音乐活动组织与宣传及行政管理的专门性人才与复合型人才。专业设置：小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴、竖琴、古典吉他、单簧管、萨克斯、双簧管、大管、长笛、小号、圆号、长号、次中音号、大号、打击乐。专业主干课程设置：主科、合奏与室内乐（管弦乐合奏、管乐合奏、弦乐合奏、长笛合奏、单簧管合奏、萨克斯合奏、打击乐合奏、重奏）毕业论文、艺术实践。师资状况：管弦系在编任课教师44人，教授5人，副教授9人，讲师24人，助教6人；博士2人，副博士1人，硕士18人；留学归国人员18人，外籍教师3人。管理队伍：设有系主任1人，副主任2人，主管学生工作的党支部副书记1人，教研组组长7人（弦乐第一教研组（小提琴）、弦乐第二教研组（中提琴、大提琴、低音提琴、竖琴、古典吉他）、管乐第一教研组（长笛）、管乐第二教研组（单簧管、萨克斯）、管乐第三教研组（双簧管、大管）、管乐第四教研组（铜管、打击乐）、钢琴艺术指导教研组）；办公室秘书1人，乐务1人。实验团体：设有管弦乐团、交响管乐团两个实验团体。管弦乐团：由管弦系本科生、研究生及部分青年教师组成，曾接受过国内外著名指挥家的指导，包括指挥家张国勇、丁家琳、美籍华裔指挥家徐志廉、乌克兰指挥家德博洛夫斯基·巴威乐、英国皇家音乐学院胡坤等。多年来，乐团成功演奏了大量的古典、浪漫以及近、现代不同风格的中外交响乐作品，多次出访美国、澳大利亚、西班牙、奥地利等国及中国香港、澳门。近年来参加的重大活动有：第九届全运会闭幕式大型文艺演出、第四届金钟奖开幕式音乐会、纪念冼星海诞辰100周年音乐会、高雅艺术进校园、第九届全国大学生运动会开幕式等。乐团现任指挥是留美青年指挥家刘明。交响管乐团：由管弦系本科生、研究生及部分青年教师组成，曾接受过国内外著名指挥家的指导，包括指挥家于海、程义明、林友声、张海峰、美国指挥家John Boyd等。近几年，交响管乐团活跃在华南及港澳地区，积极推行管乐交响化，多次在星海音乐厅及星海音乐学院音乐厅举行交响管乐专场音乐会，受到广泛关注与好评。近几年参加的重大活动有：广东管乐学会成立庆典音乐会、广东音乐家协会成立50周年庆典音乐会、第十四届亚太管乐节开幕式音乐会、2006“华南之春”管乐音乐会等。星海音乐学院音乐教育系简介 星海音乐学院音乐教育系创办于1980年，27年前音乐教育系的前身为“师范班”，成立之时只有两张办公桌，三位教师，15位学生。今天音乐教音系已成为星海规模最大、师资力量雄厚、课程设置科学，办学设施先进，教学科研创作表演丰硕的单位。经过二十多年的努力奋斗，到目前为止，音乐教育系已初步形成了以素质教育为基础、以能力培养为中心、教学科研与艺术实践相结合，富有时代特征、符合我国社会主义现代化建设的人才培养体系，同时也是学院重点专业之一。音乐教育系现设音乐教育兼合唱指挥专业方向。下设有钢琴、声乐、教育理论3个教研室和一个行政办公室。全系共有教职工49人，其中，专任教师45人，行政人员4人。目前在校生人数为823人。到目前为止，已培养了二千六百多名本科毕业生加上自考生千余名，从根本上解决了广东省基础音乐教育师资不足的矛盾，成为广东省基础音乐教育（包括普通高等音乐教育）师资培养的重要基地，也为全国部分省（区）输送了人才。 星海音乐学院流行音乐系 流行音乐系成立于2006年7月，由原社会音乐系流行音乐演唱、电子键盘演奏专业合并组成。流行音乐演唱专业自1993年起设立，是全国高等音乐艺术院校最早设立的一批流行音乐演唱专业之一。电子键盘演奏专业自2000年起设立，现在已成为在华南地区最有影响的专业。流行音乐系注重学生的基本功训练，强调艺术实践，培养能在文艺团体、艺术院校、演艺制作公司等单位从事表演、教学工作的复合型人才。两个专业自设立以来已为社会输送了大批文艺人才，有知名歌手周亮、赵鹏、周笔畅、东山少爷等，活跃在省、市电视台的文艺节目主持人宋嘉其、许燕玲、赵荣、姚远、章艳，还有流行音乐市场各个领域的人才。近几年来，社会文艺活动蓬勃开展，流行音乐市场不断活跃，我系抓住有利时机开拓创新，近三年来学生素质进一步提高，涌现了一批优秀学生，学生在各类流行音乐比赛中获得奖励达100多项。如流行音乐演唱专业的周笔畅获“超级女声”全国总决赛亚军，廖寰、张宁分别获第二、三届羊城新秀歌手大赛冠军，电子键盘演奏专业的蔡慧获英国电子管风琴公开赛高级组第三名，多人获得广东省YAMAHA键盘比赛一等奖。在省、市电视台举办的各类流行音乐演唱比赛中，我系学生已成为一支生力军，在舞台上独领风骚，如谢恩民获得南方电视台主办的“敢拼才会赢”年度总决赛季军，肖红、万乘齐分别获得广州电视台主办的“飙歌王”大赛冠军，还有各种优秀奖项多不胜数。 星海音乐学院艺术管理系简介 星海音乐学院艺术管理系成立于2006年7月，前身为社会音乐系。为了更加适应和满足社会对多能一专、既懂艺术，又会管理的音乐人才的需要，学院撤销社会音乐系，建立艺术管理系。 本系培养具有一定的马克思主义基本理论素养，掌握艺术管理专业相关的基本理论、基本知识与基本技能，具备在各级文化管理机构、演出团体、演出场所、演出公司、音像出版社、艺术院校、电台、电视台及各种传媒机构从事艺术管理、艺术策划、艺术传播、艺术经纪、艺术营销等方面工作的既懂艺术又会管理的复合型专业人才。 艺术管理专业是一门理论和应用性结合很强的交叉学科，该专业以艺术学为基础，以管理学为依托，与艺术鉴赏学、经济学、市场营销学、心理学、统计学等诸门学科相结合，将艺术策划、艺术传播、艺术营销等新型运用门类作为主要教学研究内容；以案例调研、专业实习和媒体技术运用作为特色教学手段，强调“厚基础、宽口径、重实践、活教学”，培养学生创新、创造、创业能力，适应社区文化、企业文化、传媒文化、校园文化的建设需要。星海音乐学院舞蹈系简介星海音乐学院舞蹈系成立于2003年，现有在校本科生四百余人，其本科专业设置是广东省高校独建舞蹈专业中时间最早、规模最大、专业性最强的学科系。舞蹈系教学设施优良，现设中国舞表教专业，以培养具有表演、编导、教学等技能，适应文艺团体、学校、企事业单位等机构需求的综合性舞蹈人才，开设的专业课程主要有：中国舞基本功训练、中国民间舞、剧目排练、舞蹈编导、中国古典舞身韵、舞蹈解剖学、中外舞蹈史、舞蹈作品赏析、教育学、教育心理学、中外音乐概论、视唱练耳与乐理，舞剧音乐以及数十门选修课，已初步建立起一套科学严谨的课程体系。本系凭借星海音乐学院办学50多年所积淀的音乐底蕴，注重学生音乐修养，使舞蹈教育与音乐教育紧密结合，学生以舞为主，舞乐兼修。舞蹈系有一个团结奋进、坚强有力的领导班子，有一支力量强、业务精、素质高、充满朝气的师资队伍，教师绝大多数毕业于国内外名校。舞蹈系注重学生艺术实践能力的培养，把课堂教学与艺术实践紧密结合，积极组织师生参加省、市的重大演出活动，本系教师创编的舞蹈剧目在国内外各类赛事中屡获殊荣、深受赞誉。为广东的文化建设做出了重要贡献；同时，本系重视对外交流，时常邀请国内外艺术界知名人士、学者来系讲学、交流，本系师生也应邀到日本、韩国等国家和港澳特别行政区访问、交流、演出。本系毕业生才艺出众、德艺双馨，适应社会需要，广受用人单位的欢迎和好评。为了完善专业结构和学科设置，本系正准备进一步拓展相关专业，并积极筹划招收舞蹈硕士研究生，向更好更强迈进。星海音乐学院乐器工艺教研室简介 乐器工艺专业教学最早始于1986年，当年在本院附属中等学校招收了中专层次的钢琴调律专业学生，学制三年； 2002年9月经学院党委批准，正式招收第一届钢琴调律维修专业方向的本科生，同时还在本院的高等成人教育层次中招收了多届本专业方向的学生，2006年11月学院正式成立了独立建制的“乐器工艺教研室”。现任教研室主任梁锐祥。乐器工艺专业是以乐器工艺专业的理论研究与专业技能并重为主要教学模式，涉及文、理、工等各门类知识的综合学科。该室现设有钢琴调修工艺专业方向，目前有在职教师6人，其中5名常任教师中讲师及以上职称3名，高级职称1名，外聘客座教授2名（含硕士一名，本科学历四名（在读硕士一名）；聘任了国际著名的钢琴制造家童志成与中国提琴制作大师中央音乐学院郑荃教授为我们的客座教授。本专业方向培养具有一定的马克思主义基本理论素养和系统的乐器工艺方面的理论水平，具备较好的乐器修造工艺技术、操作技能与音乐实践能力，能在乐器生产企业营销或专业维修技术岗位（专业钢琴调律师）从事相关工作的高等专门人才和复合型人才。乐器工艺教研室自建立以来，其专业主干课程分为专业理论与专业技能两大类课程。该专业方向的教学改革与亮点特色包括：科学设置骨干课程，强调理论与实践的紧密结合；将专业实践与学院维修任务相结合；长期坚持教学研究活动制度；积极发挥校外实习基地的作用；强化学生课外科技文化活动等。在教学科研成果方面，本专业开办六年以来，任课教师完成省教育厅科研项目二项；院内科研课题项目一项；获省级科技成果奖一项；在国内刊物上发表学术论文及文章十余篇，并承担了多次全国与省内乐器行业会议与学术交流。近年来，已有八名毕业生与在校生通过了中国音乐家协会钢琴调律学会的入会考核，获得了国家学会的正式会员资格。目前已有的二届毕业生就业率达100%。乐器工艺专业是学院的组成部分，在今后发展中，教研室本着“务实求新”的办学理念，以“为人师表、育子之心”，加强科学发展观等理论学习，抓住机遇，树立创新，兢兢业业工作，将星海音乐学院乐器工艺专业办成“高水平、有特色，国际化，集乐器工艺、乐器科研、乐器理论研究的综合性前沿学科”。
有关吉他的起源及发展简史，我个人认为大体可以分为以下八个阶段：1、有根据的吉他的远祖应该是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的“赫梯吉他”。这是考古学家找到的最古老的类似现代吉他（一样具有内弯的琴体）的乐器，是。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点，这也成为吉他与其它弹拨乐器所不同（如琴体是半梨形的鲁特属乐器）的最显著特点。2、吉他一词最早出现为西班牙文吉他（Guitarra）一词,最早出现在十三世纪的西班牙。当时，已经出现“摩尔吉他”和“拉丁吉他”。西班牙语吉他（Guitarra）是由波斯语逐渐演化成的， 其中摩尔吉他琴体为椭圆形背部鼓起，使用金属弦，演奏风格比较粗犷；拉丁吉他琴体为与现代吉他类似的8字型平底结构，使用羊肠弦，风格典雅。如图：摩尔吉他 拉丁吉他3、吉他发展史上的第一个鼎盛时期是文艺复兴时期。四对复弦的吉他演奏高峰的出现是吉他进入第一个鼎盛时期的标志。（1）文艺复兴是14世纪至16世纪在欧洲兴起的一个思想文化运动，进而带来一段科学与艺术革命时期，揭开了现代欧洲历史的序幕，被认为是中古时代和近代的分界。马克思主义史学家认为是封建主义时代和资本主义时代的分界。 （2）文艺复兴发端于14世纪的意大利（文艺复兴一词就源于意大利语Rinascimento，意为再生或复兴），以后扩展到西欧各国，16世纪达到鼎盛。1550年，瓦萨里在其《艺苑名人传》中，正式使用它作为新文化的名称。此词经法语转写为Renaissance，17世纪后为欧洲各国通用。19世纪，西方史学界进一步把它作为14至16世纪西欧文化的总称。西方史学界曾认为它是古希腊、罗马帝国文化艺术的复兴。 3、十六世纪（1500年-1600年）四对复弦的吉他和它的近亲──用手指弹奏的比维拉琴，在演奏与创作方面都达到了很高的水准。吉他和比维拉琴不仅深受广大欧洲民众喜爱，而且还常常成为宫廷乐器。当时的吉他、比维拉大师有米兰（Luis milan）、纳乐瓦埃斯（Luys de Narvaez）、穆达拉（Alonso mudarra），以及十七世纪时五组复弦的巴洛克吉他时代大师桑斯（Gaspar Sanz）、科尔贝塔（Cor betta）、维赛（Vi see）等。他们的许多作品现在仍是现代古典吉他作品宝库中的不朽财富。当时吉他、比维拉琴等乐器所使用的记谱方法还不是现在的五线谱，而是用横线来代表各弦，用数字或字母表示音位和指法，与现在民谣吉他中使用的六线谱类似的图示记谱法。如图：四弦复弦吉他 （比维拉）当时十分兴盛的乐器还有被认为是吉他同宗的鲁特琴（Lute）。鲁特琴前身是阿拉伯的乌德琴（UD的原意是木头）。当时著名的鲁特琴大师道兰（Dowland）和魏斯（Weiss）等人的作品经后人改编，在今天的古典吉他曲目中也占有重要的位置。伟大的巴洛克音乐集大成者巴赫所创作的不朽作品中如大提琴、小提琴组曲、奏鸣曲的吉他改编曲，在古典吉他曲目中的地位举足轻重，尽管有学者对巴赫有没有创作过鲁特作品提出疑问，但他所传世的四首鲁特琴组曲和少量鲁特作品，首首都具有不朽的价值。巴洛克时期的其他一些作曲家如维瓦尔弟的鲁特琴、曼陀林协奏曲，和D.斯卡拉第的古钢琴奏鸣曲的吉他改编曲都在古典吉他曲中占有重要位置。4、吉他发展史上的的黄金时代出现在十八世纪后期。六弦吉他的出现，标志着吉他的发展的第一个黄金时代的到来。当时鲁特琴和比维拉琴逐渐退出了历史舞台，五对复弦和其后出现的六对复弦的吉他也渐渐完成了它们的历史使命。1800年前后，全新的六根单弦的吉他以其清晰的和声及调弦方便等优点很快得到了几乎全欧洲的青睐五对复弦吉他 六对复弦吉他六根单弦吉他5、有“吉他音乐的贝多芬”之称的索尔的出现，标志着六弦吉他发展到了颠峰。十九世纪初，活跃在当时古典吉他音乐中心巴黎、维也纳、伦敦的最著名的古典吉他大师有索尔（Sor），阿瓜多（Aguado），朱利亚尼（Giuliani），卡鲁里（Carulli），和卡尔卡西（Carcassi）。其中索尔和朱利亚尼除了是古典吉他大师外还是出色的音乐家，他们以杰出的才华为六弦古典吉他创作了包括协奏曲在内的第一批大型曲目，为六弦古典吉他日后的发展奠定了基础。尤其值得一提的是索尔，他在创作上承袭海顿、莫扎特的古典音乐传统，除写作歌剧、舞剧音乐外，还为古典吉他创作了包括系统的练习曲、教程在内的大量优秀作品，被音乐评论家称为“吉他音乐的贝多芬”。阿瓜多、卡鲁里、卡尔卡西的重要作品和他们所作的大量练习曲与吉他教程至今仍是古典吉他中的经典。在十九世纪还有不少音乐家喜爱并演奏古典吉他，如舒伯特、韦伯和柏辽兹，小提琴魔王帕格尼尼不但擅长演奏吉他，而且还曾放弃提琴演奏，献身于吉他达三年之久，为吉他写下了大量作品。十九世纪后期著名的吉他音有乐家科斯特（Coste）、默茨（mertz）、卡诺（Cano）、雷冈第（Regondi）等，他们为吉他创作的很多优秀作品都成为了十九世纪古典吉他音乐的经典。6、十九世纪中叶，由于钢琴和提琴乐器出现了一批名震青史的演奏大师，吉他逐渐受到冷落，进入历史上第一个低潮。在钢琴、管弦乐、歌剧音乐发展的巨大冲击下，吉他在十九世纪中期以后渐渐失去了往日的辉煌，演奏与创作一度处于低潮，这种情况一直持续到十九世纪末吉他才再度复兴。7、泰雷加的《大霍塔舞曲》的创作成功，标志着古典吉他发展的再度复兴。古典吉他在十九世纪末再度复兴的生命力是在西班牙获得的。吉他能在二十世纪蓬勃发展并达到前所未有的辉煌，在很大程度上应归功于“近代吉他之父”泰雷加对吉他从制做、乐器性能、演奏技术直至曲目等各方面的深入研究和革新。泰雷加和他的老师阿尔卡斯一直致力于与吉他制作家托雷斯（Torres）合作，并最终生产出了琴体扩大、音量增大、乐器性能明显改善的现代古典吉他。毕业于马德里音乐学院和声与作曲专业，并且是位出色钢琴家的泰雷加尽管公开演出不多，但一生潜心研究吉他，创立了全新的演奏方法，创作了大量糸统和科学的练习曲与出色发挥吉他乐器性能的不朽名曲，其中，《大霍塔舞曲》被广泛流传，为复兴古典吉他作出重要贡献。除此之外，他还选择改编了许多适合吉他演奏的古典音乐名曲，以扩大古典吉他的目曲范围。由于泰雷加的杰出贡献以及他的学生、后继者柳贝特（Llobet）、普霍尔（Pujol）等人的不懈努力，终于使古典吉他在十九、二十世纪之交重新获得了新的生命，为二十世纪古典吉他的辉煌打下了坚实的基础。托雷斯（Torres）古典吉他 二十世纪古典吉他8、塞戈维亚时代的到来，标志着古典吉他的辉煌二十世纪古典吉他强大的生命力是由伟大的吉他大师－－塞戈维亚（&127;Andre Seqovia 1893-1987），以其近七十年的演奏和探索一步步推向高潮的。塞戈维亚以他超凡的天才、坚定的信念和坚持不懈的努力，使吉他最终摆脱了沦为酒店、咖啡馆民间乐器的命运，使古典吉他作为音乐会独奏乐器的魅力被音乐界与世人所公认，最终使吉他克服了种种偏见，成为了和钢琴、小提琴一样被人们广泛喜爱的高雅乐器。塞戈维亚遍及世界各地的频繁演出不但使全世界了解了古典吉他，使吉他在全世界流行开来，还吸引了许多专业作曲家为吉他写下了大量高水平的音乐作品。这些作曲家中最著名的如：为吉他写下《五首前奏曲》与《十二首高级练习曲》的巴西作曲家维拉-罗伯斯（Villa-Lobos），《阿兰胡埃斯》吉他协奏曲的作者罗德里戈（Rodrigo）等。塞戈维亚还为吉他改编了大量著名音乐作品，如巴赫的无伴奏小提琴作品《恰空》等，大大丰富了古典吉他的曲目，最终使古典吉他的曲目在二十世纪无论在数量和质量上都达到和其他重要乐器一样的水平。在上世纪初几乎没有一个音乐学院开设吉他专业，塞戈维亚不但积极从事教学工作，培养了大批年青的吉他演奏家，他还积极呼吁世界各大音乐学院开设吉他专业，并鼓励他的学生们从事教学工作，至此，目前世界著名的音乐院校不仅开设了古典吉他专业，而且把其列为重要的学科加以建设。这是塞戈维亚对古典吉他的又一巨大贡献。现在活跃在世界各地音乐舞台上的无数优秀的吉他演奏家，都曾直接或间接地受过塞戈维亚的教诲或影响的。虽然大师已经离开了人世，但是每当我们演奏起古典吉他、或是学习古典吉他、或是观赏古典吉他演奏、聆听古典吉他音乐，甚至仅仅是谈论起古典吉他时，我们实际上都是走在大师以毕生的功绩铺就的宽阔大道上和不朽的光辉中，尽管我们末必能时刻意识到这一点。 对二十世纪吉他音乐产生重大影响的其他音乐家中，特别值得一提的是巴拉圭吉他奇才巴利奥斯（Agustin Barrios Mangore 1885-1944）。这位具有印第安血统的巴利奥斯自称为“吉他中的帕格尼尼”而且毫不为过，他除了是位出色的吉他演奏家和作曲家外，还是位哲学家、画家、宗教学者和诗人，除了在世界各地成功地巡回演出外，他还是第一个为古典吉他录音的演奏家。巴利奥斯出色的艺术才华在二十世纪的大部分时间里并末得到世人的公认，在上世纪后期，巴利奥斯以多种风格创作的大量丰富多彩的吉他曲逐渐被发掘出来，并成为了古典吉他音乐作品中最重要和最受人喜爱的曲目之一
西方古典音乐鉴赏 “古典”（Classic）一词源自拉丁文，原是典范、即奉古希腊（或罗马）为典范而加以模仿的意思。 人们有时把严肃音乐或艺术性音乐统统称为古典音乐，以同所谓“流行”音乐或娱乐性音乐相区别。“古典”的这一广义解释，把历史时期和风格全然撇开，因此，本来是属于不同时期和不同风格的音乐作品，例如，巴赫、贝多芬、柴科夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。 音乐史上的古典时期基本上是属于器乐的，绝大多数作曲家的注意力都集中在器乐的体裁与形式，声乐的地位反而退居其次。敢于同大主教决裂的莫扎特，虽然在歌剧方面卓有贡献，他的器乐作品也是大量的。至于贝多芬，他纯粹是一位器乐作曲家，他以革命中的英雄作为作品的主人公，为此他有时也被称为革命的古典作曲家。古典主义的规范化确立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响曲等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式。古典风格作品中节奏与配器色彩灵活善变，而不是整乐章划一不变;古典作品中所有声部、甚至于演奏的力度，都由作曲家亲自写出和标明，而不是留给演奏者演奏时即兴处理。至于感情的表达，古典作品由于理性精神的影响，往往比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉——从这方面着眼，巴罗克风格全然不同于古典主义，它反而更接近于后来的浪漫主义的精神。 西方古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，而在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见。霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。” 在欧洲艺术史上有两个重要的时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年;另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。 在浪漫主义时期，随着工业革命的进行，钢琴也进行了改进，其自身采用了铸铁结构，琴弦也加粗了，这种钢琴能获得更浓厚和更辉煌的音乐，跟现在的钢琴开始接近。接下来，我用一个事实来证明这一点：如果李斯特的时代要求他有不同的表达方式，而且还因为这个时代为他提供了能产生不同效果的钢琴，这种钢琴在较早的时期是找不到。但这种比较我们只能在音乐文献中找到，在现实社会中已很难找到。 十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。 一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。 歌曲的结构可分为两大类。在分节歌形式（strophic form）中，诗的每一段或每一节都重复同样的旋律。这是民歌和通俗歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是讲述一个情人的期待，第二段是他见到爱人时的欢乐，第三段姑娘的父亲粗暴地将他们分离，第四段姑娘悲伤地死去，所有这些都用相同的曲调演唱。另一种形式德国人称作“durchkompoiert”，字面意思是“全面创作的”，就是说作曲过程贯穿全曲，没有整段的反复。还有一种中间的形式，它将分节歌中的反复和全创作歌曲的自由结合在一起，有两、三段重复同样的旋律，然后在需要时就引入新的旋律，一般来说都是在高潮部分引入。舒柏特脍炙人口的《小夜曲》就是这种结构的精彩范例。 尽管在各个时期（代）歌曲都处于显着的地位，但现在通过很多欧洲音乐文献记载知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在十九世纪初由诗歌与音乐相结合而创造出来的。舒柏特和他的后继者，著名的有舒曼和勃拉姻斯，使这种结合获得了如此完美的艺术效果，以致这种新风格以德文中的歌曲一词：Lied，闻名胜古迹欧洲。 艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义出现的标志，艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐和诗歌结合的愿望得以实现，它包括温柔的情感或戏剧性的民谣风格。艺术歌曲中最常采用的主题是爱情、期待、大自然的美和人生中短暂易逝的幸福。 钢琴在十九世纪作为普通乐器出现在欧洲，使浪漫主义艺术歌曲能够获得成功。钢琴的伴奏把诗中的形象变为音乐的形象。人声和钢琴共同创造出了富于情感的短小的抒情形式，这种形式对于业余爱好者和艺术家同样结合，也同样适合于在家庭里和音乐厅里演唱。在短时间内，艺术歌曲就获得了极大的普及，并对世界艺术做出了永久性的贡献。 标题音乐是带有文字或图画联想的器乐作品，这些联想的内容由乐曲的标题或说明性的注释来提示的。“标题”只是由作曲家自由加上去的。在当时那个年代里，音乐家敏锐地意识到了他们的艺术与周围世界的联系。这种意识促使用使他们的音乐更加接近于诗歌和绘画，并且使他们的作品涉及到当时的道德和政治问题。还促使他们以一种新的方法来探讨绝对音乐（纯音乐）的形式。 标题音乐在歌剧院中获得了最初的推动力。序曲作为歌剧（或戏剧）的引子，是单乐章令人兴奋的管弦乐曲。有许多歌剧序曲后来获得了像音乐会乐曲一样的普及，因而独立出来。这样便为一种歌剧没有关系的新式序曲开辟了道路。 标题音乐中有一种是为戏剧写的，也很有吸引力，通常由序曲和一组在幕间及重要场景演奏的乐曲组成，这就是配乐。十九世纪的作曲家创作出了许多这类的作品，这些作品的音画法（tone painting），性格化和剧场效果都是值得注意的。最成功的配乐作品，通常被改编成组曲。其中一些流传得非常广泛。例如，德国著名作曲家大师门德尔松为《仲夏夜之梦》所写的音乐就是这类音乐作品中的典范。随着十九世纪时间的推移，一种大型的管弦乐形式就越来越需要了，这种形式在浪漫主义时代将起的作用就像交响乐在古典时期起的作用一样。到十九世纪中叶，交响诗的创造迈出了这期待已久的一步。交响诗是十九世纪在大型器乐形式上做出一个有独创性的贡献。它是李斯特的成就，他在1848年首次使用了这个词。他的《前奏曲》是此音乐中最出名的范例。 交响诗是为管弦乐队而作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比而发展诗意，使人联想起某种情景，或造成一种情绪。交响诗还有一个非常美丽的别称：音诗。交响诗与音乐会序曲有一点重要的不同，音乐会序曲一般保留传统的古典主义的构思，而交响诗在形式上则自由得多。交响诗的形式是为作曲家所需要的大型单乐章乐曲准备的“画布”。总之，交响诗在整个十九世纪后半叶中，成为标题管弦音乐的最精致的形式。 最后介绍标题音乐进入到绝对音乐的神圣领土——交响乐中。作曲家一方面尽力保留贝多芬的宏大的形式，同时又赋予它以文学内容。这样就出现了标题交响乐。著名的作品有法国作曲家柏辽兹的三部标题交响乐——《幻想交响曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查德·施特劳斯《阿尔卑斯山》、《家庭》和匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》都是最著名的交响乐作品。 民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以一种更自觉的方式肯定他的民族传统。在十九世纪的欧洲，那时的政治条件促进了民族主义的发展，使之达到了在浪漫主义运动成为决定性力量的程度。征服民族的傲慢和被征服民族为自由的斗争造成民族关系的紧张，使民族情绪上涨，这种情感在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫主义作曲家用许多方式表现他们的民族主义。一些作曲家以他们民族的歌曲和舞曲作为音乐的基础，如肖邦以他的玛祖卡舞曲、李斯特以他的匈牙利狂想曲、德沃夏克以他的斯拉夫舞曲、格里格的挪威舞曲。一些作曲家以民间传说或以农民生活为基础写作戏剧性的作品，例如韦柏写的德国民间歌剧《自由射手》、斯美搭纳写的捷克民族歌剧《被出卖的新嫁娘》，同样，还有柴可夫斯基和里姻斯基·科萨科夫写的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。还有一些作曲家写作交响诗和歌剧，歌颂民族英雄的功绩，历史事件或祖国的美景。柴可夫科斯基的《一八一二序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》就是这股潮流的代表作;瓦格纳的音乐戏剧对德国神话和民间传说中的神和英雄加以颂扬，特别提到的是《尼伯龙的指环》（歌特式摇滚的先驱），这个剧本是以齐格菲的生死为中心题材的庞大史诗，它也是一个代表作。 民族主义作曲家常把自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗句结合起来，舒柏特为歌德的诗歌谱曲即属此类，还有格里格为易卜生的《皮尔·金特》所作的配乐，及柴可夫斯基的为普希金的戏剧为基础的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金还激发了里姻斯基·科萨科夫和穆索尔斯基的创作灵感。在这种时期，民族主义作曲家能把人民的抱负以激动人心的方式表达出来，像威尔第在意大利为统一而奋斗时所作的那样，或是西贝柳斯在芬兰于十九世纪末为反抗俄国统治者而斗争时所做的那样。 民族主义音乐的政治含义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适合奥地利检查官的心意。芬兰在十九世纪末、二十世纪初要求独立时，西贝柳斯那带有令人振奋的号角声的音诗《芬兰颂》被沙皇禁演。民族主义为欧洲音乐的语汇中增加了极富魅力和活力的民族风格。由于把对祖国的热爱注入到音乐中去，民族主义使作曲家能够表达出千百万人民的心愿。总之，民族意识渗透到十九世纪欧洲精神的各个方面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想橡的。 在音乐、绘画和文学中的异国情调显现出遥远国度里别致的气氛和色彩。不同说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。在十九世纪，异国情调首先表现在北方民族思慕那南方的温暖和色彩，其次表现在西方追求东方那神话般的景象。前者推动德国、法国和俄国的作曲家在自己的作品中转而表现由意大利和西班牙引起的灵感。在这类众多作品中，有俄罗斯作曲家的几个著名作品：格林卡的两首《西班牙序曲》、柴可夫斯基的《意大利随想曲》和里姻斯基--科萨科夫的《西班牙主题随想曲》、德国贡献出门德尔松的《意大利交响曲》、沃尔夫的《意大利小夜曲》和理查德·施特劳斯的《致意大利》、法国作品有夏布里埃的《西班牙狂想曲》和拉罗的《西班牙交响曲》。值得一提的是比才的《卡门》也是这一领域中的杰作。 俄罗斯民族乐派使东方的魅力产生了国际性的影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是民族主义的一种形式。亚洲神话般的背景渗透进俄罗斯的音乐。里姻斯基一科萨科夫绚丽的管弦乐作品《舍赫拉查达》及其歌剧《萨特阔》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》和交响诗《在中亚细亚草原上》，伊波利托夫一伊万诺夫的《高加索素描》，这些都属于东方色彩的作品，这些作品至今还风行于全球。一些法国和意大利的作曲家也采用异国情调：如圣一桑的《参孙与达丽拉》，德利布的《拉克美》，马斯奈的《泰伊思》，威尔第的《阿伊达》，以及普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰多特》。 懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞（快三）表活泼，进行曲表现有力量等;旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。 欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作;欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师;意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解;欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。 学习欧洲古典音乐，理解古典音乐，欣赏欧洲古典音乐，将给我们的生活增添无限的乐趣。 本类TOP10音乐欣赏论文(2803)音乐论文--音乐欣赏(2372)浅谈音乐欣赏中感情体验的基本要求 (1210)我的毕业论文－浅谈声乐作品的二度创作(1185)音乐赏析论文(1089)威尔第与《茶花女》 (1074)音乐论文--如何去感受音乐、体验音乐、审美音乐？(826)中 国 音 乐 的 前 途——论现阶段中国音乐发展的两条道路及未来的方向 (699)音乐论文(666)论现代音乐 (625)
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浅谈怎样做好企业工会工作论文
新形势下经济发展速度加快，给企业带来更为严峻的挑战。为适应市场，提高综合竞争能力，企业需要对管理理念与工作方式进行一系列改革。鉴于工会在企业发展中的重要作用，本文将对新形势企业工会工作中存在问题进行分析，并指出相应的解决措施。
一、新形势企业工会工作中存在问题
（一）对工会认识存在误区
当前我国大部分企业为盈利性，并没有认识到工会组织的意义，在进行工会工作安排时一般将其作为党群工作应付，给工会工作进行带来阻碍；忽视职工意见，不仅降低人员工作积极性，还会导致问题越积越多，最后造成严重影响；针对工会组织进行的监督管理工作透明度不足，导致工作效率不能提升；工会工作在很大程度上受到企业行政管理部门的干预，与工会工作原则不符。
（二）工会作用发挥不出来
党委直接任命我国规模较大的企业的工作管理人员，因此存在工会管理人员摆脱不了行政部门的干预，与其有较强的依赖性，缩减了工会权限，导致作用不能得到完全发挥，最终沦为形式。该种现象导致工会组织力量被削弱，不仅会打击工会管理人员与职工的工作积极性，还会加剧企业对工会权益的侵害问题，不利于保护职工权益。
（三）维权意识不足
工会的主要职能即为保护职工合法权益，所以工会组织需要在相关规定与制度的指导下，采取对应的维权方式，才能将工会组织的作用发挥出来。但是，当前企业并不重视工会共组，并且出现不按照规定向工会进行经费的拨付、工会专职工作人员配置不足、职业会议不按时召开等问题。这种做法不仅导致工会成员减少，还在很大程度上削弱工会地位与执行能力。当职工出现对待遇不满等问题时会寻求工会的帮助，但是工会由于资金、人员不足等问题并不能很好地执行工作权利，与行政管理力量不均衡，维权意识与力度上明显不足。
二、新形势下做好企业工会工作的措施
（一）突出职责，解决问题
在进行工会工作时，需要将工会的主要任务与要求作为基础突出基本职能，提高工作岗位安排的合理性。鉴于工会具有较广的工作范围，因此要将其基本职责突出出来，并且加强对工作人员的监督，发挥工会工作的作用；将《工会法》等作为指导，对工会的工作组织与管理体系进行完善与健全，将工会干部模范带头作用最大限度发挥出来；加强不同级别的党组织之间的联系，并适当提高工会进行人才任用的要求；重视工作人员的培训与管理工作，提出针对性解决措施。
（二）提高维权意识
在新形势下，企业职工队伍结构发生较大变化，新鲜事物不断涌现，对职工思想造成一些冲击。在该种形势下，若企业在给予职工福利、工资、政治等方面待遇时存在不公正现象，就会导致职工之间出现利益上的纠纷，影响企业正常经营与生产。所以，工会组织需要对职工间关系进行协调，积极听取职工心声，定期、不定期组织职工代表会议；在公正、政治上一视同仁的前提下对职工之间产生的关于利益上的冲突进行处理，妥善解决其中存在的矛盾；重视一线职工工作、生活、思想多方面情况，及时帮助他们解决一些实际问题；将职工中收入水平不高、实际困难较多的职工当成重点维权对象，全面提高维权力度。
（三）改进工作方式
在新形势下，市场经济情况并不稳定，随时可能发生变化。在该种情况下，企业需要对管理意识进行创新，并且积极拓宽视野，才能促进企业与时代共同发展。对于工会而言，工作人员需要了解工会工作的重要意义；提高创新意识，加强对工作理念与工作方式的改进；工会组织需要突破传统工作格局的制约，根据实际情况制定针对性措施，提高工会对环境的适应能力；妥善处理工会与企业组织之间关系，并且为工作人员提供学习先进工作方式的.机会；领导人员需要进行正确价值观的树立，并积极学习相关法律知识，促进创新意识的提高。
（四）从全局出发
在进行工会工作时，需要从全局出发，将企业工作重点作为中心。在新形势下，有效开展工会工作，才能保证工会与企业整体发展共同促进、协调发展。工会需要组织相关活动，对职工工作技能进行培训，促进企业工作效率的提高。工会管理人员要注意活动开展的多样性，提高职工参与积极性；对职工进行劳动保护，并且加强安全生产的监督，保证职工人身安全。在此过程中，将执法监督作用发挥出来，对劳动保护措施与设备设施进行定期检查，提高生产规范化，使用《劳动法》对职工权益进行保护。
三、结语
针对新形势下企业工会工作中存在的问题，本文提出突出职责、提高维权意识、改进工作方式、从全局出发等措施。企业只有加强对工会工作的重视，创新、改进管理方式，才能在当前组织形式、内部结构、利益关系等发生变化的新形势下顺利、稳定地发展。
参考文献
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[2]郑莉莉.浅谈如何在新形势下做好国网电力企业的工会工作[J].科研,2016(2):00294-00294.
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蒙古军队最高的记录为400步
(⊙o⊙)…可能是习惯吧，也许是因为弓弦乐弓法没有太多技巧吧，所以，音位就难一点；而弹拨乐指法上的技巧更难一些吧。每种乐器的设计都是很人性化的。
品与弦的接触是点接触 弓毛摩擦弦发音是小幅震动 会发出狼音 所以弓弦乐器都不用品 而弹拨乐器包括扬琴等打击乐器的发声是撞击发声 不会出狼音 用品可以保证音准至于左手按弦 是因为右手要持弓 右手的幅度和动作要大些 多数人是右手为主做事 其实在呀乐器演奏当中 弓法技巧要难于指法
品与弦的接触是点接触，弓毛摩擦弦发音是小幅震动，会发出狼音，所以弓弦乐器都不用品而弹拨乐器包括扬琴等打击乐器的发声是撞击发声，不会出狼音，用品可以保证音准。
至于左手按弦，是因为右手要持弓，右手的幅度和动作要大些，多数人是右手为主做事，其实在呀乐器演奏当中，弓法技巧要难于指法。
扩展资料
弦乐器在唐代（公元七世纪）开始出现，至今已有一千多年的历史。但对于具有八、九千年的舞阳贾湖骨笛和两、三千年以上的古琴、古筝，以及各类编钟、编磬、笙、管、笛、箫等乐器来说，弓弦乐器可谓相当年轻。
弓弦乐器虽然比吹奏乐器及弹奏乐器出现的晚，但其发展速度是非常快的。从唐宋至今，由其是明清以来，弓弦乐器随着各地区的地方戏曲和梆子戏的发展。
以及人们不断的创造，逐步繁衍出了各种各样的弓弦乐器，以适应戏曲的伴奏要求。如梆子戏的＂板胡＂，京剧的＂京胡、粤剧的＂粤胡＂及越剧、锡剧的二胡等等。