唐伯兔吃小白兔
自然界中的色彩既是客观存在，也是人们的主观感受。不同的色彩，能给人们带来不同的感受，产生不同的情感联想。例如，红色常常同血与火相联系，象征着力量与光明，能给人以温暖、热烈、喜庆、胜利的感受，能使人激动、兴奋和积极向上； 黄色能给人以丰富、富有、明朗、甜美、高贵和轻松等感觉； 绿色给人以生机、青春、希望、充实、和平等感觉，是自然界中最宁静的色彩； 蓝色是一种消极、冷酷的颜色，能给人以崇高、肃穆、永恒、平静、寒冷、深沉、诚实等感觉； 对于西方人来说，蓝色还意味着信仰；对于中国人来说，蓝色还象征着永恒不朽； 紫色是一种神秘而沉闷的颜色，能给人以威严、虔诚、哀伤、邪恶、神秘和高贵等感觉； 橙色是一种温暖而欢快的颜色，能给人以力量、决心、信心、饱满、胜利、甜蜜、亲切等感觉； 黑色属于极色，象征着庄严与悲哀，能给人肃穆、庄重、神秘、恐怖、死亡、悲伤等感觉； 白色也属于极色，象征庄严、圣洁、不祥，能给人以明净、纯洁朴素、坦率、悲伤等感觉。色彩本身并没什么情感含义。彩色情感这些联想，是人们主观的生理因素和心理因素作用的结果。也就是说，色彩情感的产生来源于摄影家创作意图与欣赏者的感受所构成的共鸣。客观世界的物体总是以一定形和色被人们所感知的，人们在与色彩的反复接触之后，便在大脑中留下了一定的印象，形成了概念。但是色彩的情感不是绝对的，它要受到许多主客观条件的制约。如不同的民族，不同的国家，不同的风俗习惯，不同的宗教信仰，以及个人的社会低位、性别、年龄、文化修养、文化程度、对色彩的偏爱等等的不一样，对色彩的情感联想是各不相同的。所以，上述的色彩联想是相对的。在色彩摄影时对情感色彩的设计只可参考上述的联想，而不能呆板套用，应该用心灵去体验，去感受客观世界中色彩的情感，拍摄出富有情感内涵的优秀的彩色作品。 不同的色彩有着不同的象征意义： 暖色调——红色，象征热烈、活泼、兴奋、富有激情；黄色象征明快、鼓舞、希望、富有朝气；橙色象征开朗、欣喜、活跃。 冷色调——黑色象征沉稳、庄重、冷漠、富有神秘感；蓝色象征深远、沉静、安详、清爽、自信而幽远；蓝色象征高傲、神秘。 中间色——黄绿色象征安详、活泼、幼嫩；红紫色象征明艳、夺目。紫色象征华丽、高贵。 过渡色——粉色象征活泼、年轻、明丽而娇美；白色象征朴素、高雅、明亮、纯洁；淡绿色象征生命、鲜嫩、愉快和青春等等。服装的色彩是着装成功的重要因素。服装配色以“整体协调”为基本准则。全身着装颜色搭配最好不超过三种颜色，而且以一种颜色为主色调，颜色太多则显得乱而无序，不协调。灰、黑、白三种颜色在服装配色中占有重要位置，几乎可以和任何颜色相配并且都很合适。着装配色和谐的几种比较保险的办法，一是上下装同色——即套装，以饰物点缀。 二是同色系配色。利用同色系中深浅、明暗度不同的颜色搭配，整体效果比较协调。利用对比色搭配(明亮度对比或相互排斥的颜色对比)，运用得当，会有相映生辉、令人耳目一新的亮丽效果。年轻人着上深下浅的服装，显得活泼、飘逸、富有青春气息。中老年人采用上浅下深的搭配，给人以稳重、沉着的静感。服装的色彩搭配考虑与季节的沟通，与大自然对话也会收到不同凡响的理想效果。同一件外套服装，利用衬衣的样式与颜色的变化与之相衬托，会表现出不同的独特风格，能以简单的打扮发挥理想的效果，本身就说明着装人内在的充实与修养。很多人却忽略了这一点，不能不说是打扮意识薄弱之处。利用衬衣与外套搭配应注意衬衣颜色不能与外套相同，明暗度、深浅程度应有明显的对比。着装配色要遵守的一条重要原则，就是根据个人的肤色、年龄、体形选择颜色。如肤色黑，不宜着颜色过深或过浅的服装，而应选用与肤色对比不明显的粉红色、蓝绿色，最忌用色泽明亮的黄橙色或色调极暗的褐色、黑紫等。皮肤发黄的人，不宜选用半黄色、土黄色、灰色的服装，否则会显得精神不振和无精打采。脸色苍白不宜着绿色服装，否则会使脸色更显病态。而肤色红润、粉白，穿绿色服装效果会很好。白色衣服任何肤色效果都不错，因为白色的反光会使人显得神采奕奕。体形瘦小的人适合穿色彩明亮度高的浅色服装，这样显得丰满；而体形肥胖的人用明亮度低的深颜色则显得苗条等。大多数人体形、肤色属中间混和型，所以颜色搭配没有绝对性的原则，重要的是在着装实践中找到最适合自己的搭配颜色。 ■冬季型人体貌特征：发色较黑，眼球亮黑且目光锐利，肤色偏白，有一些光泽。 ■冬季型最适合纯色，在各国国旗上使用的颜色，都是冬季型人最适合的色彩。 ■冬季型人选择自己最适合的颜色的要点是：颜色要鲜明，有光泽。 冬季型人是东方女性的代表形象，拥有一头优质的黑发以及锐利有神的眼睛，只有纯正、饱和的色彩才能装扮出与其协调的完美形象，演绎出干练、艳丽的特质。冬季型人属于冷色系的人，适合穿纯正的颜色及有光泽感的面料，同时作出强烈对比的搭配效果，含混不清的混合色不足以与冬季型人天生的肤色特征相配，冬季型人的独到之处是可以尽情地运用多种纯正色彩来装扮自己。 陈佳，花店老板。她认为从事这样美丽优雅的工作，自己的穿着应该体现相同的气质，于是经常买高档名牌服装，用名牌化妆品。来到西蔓工作室的时候，她穿了一件米色的衬衫，却苦恼地对色彩顾问说：“谁都说我的衬衫不好看，我花了三千块钱买的！为什么我总是达不到我自己想要的样子？我来就是想得到你们的帮助。”经过色彩顾问的测试，陈佳属于冷色系的冬季型皮肤，应该穿以蓝、紫为基调的纯正饱和的颜色，在搭配上要强烈对比才能突出她的职业感。色彩顾问给她换了一支玫瑰色的口红，带她到楼下世都百货买了一件正蓝色打折的外套，50元，配一条红绿相间的丝巾，陈佳立刻叫了出来：“这就是我一直想要的感觉，太漂亮了。” 冬季型最适合纯色，在各国国旗上使用的颜色，都是冬季型人最适合的色彩。 选择红色时，可选正红、酒红和纯正的玫瑰红。 冬季型人选择自己最适合的颜色的要点是：颜色要鲜明，光泽。 冬季型人的色彩搭配原则——用原色调扮出冷峻惊艳的形象。 冬季型人有着天生的黑头发，锐利有神的黑眼睛，冷调的几乎看不到红晕的肤色，这几大特点构成冬季型人的主要标志。雪花飘飞的日子，冬季型人更易装扮出冰清玉洁的美感。 冬季型色彩基调体现的是“冰”色，即塑造冷艳的美感。原汁原味的原色，如红、绿宝石蓝、黑、白等为主色，冰蓝、冰粉、冰绿、冰黄等皆可作为配色点缀其间。冬季型人只有对比搭配，才能显得惊艳、脱俗。 错误搭配效果：以咖啡棕色为主调，深驼外套配浅驼衬衣，咖啡色暖米色相间的套装，暗棕、焦棕色、暗番茄红、铁锈红长裙、长裤，完全违背了“冷”调。把自己偏白的肤色衬托得呈病黄色，给人的综合印象是成熟、老到，埋没了应有的亮丽。 冬季型人在选色时要避免浑浊、发旧的中间色，也千万别试图用轻柔色彩冲淡自己的锐利感，否则只会使她们显的灰暗，毫无特点。 在四季各型中，只有冬季型人最适合使用黑、白、灰这三种颜色。也只有在冬季型人身上，“黑白灰”这三个大众常用色才能得到最好的演绎，真正发挥出无彩色的鲜明个性。但一定要注意的是，穿深颜色的时候一定要有对比色出现。 冬季型人适合纯白色。纯白色是国际流行舞台上的惯用色，通过巧妙的搭配，会使冬季型人奕奕有神。 冬季型的人非常适合穿黑色，也只有这种类型的人能够把黑色穿出彩来。还可以选择倒挂金钟紫作为衬衫，用宝蓝色作为裙子的颜色，夏天可以用深水粉搭配中银灰。 深浅不同的灰色冬季型人都能穿用，与色彩群中的玫瑰色系搭配，可体现出冬季型人的都市时尚感。 如选择基础色中的深灰色作为主色调，可与冬季型色彩群中的白色、亮蓝色、亮绿色、柠檬黄、紫罗兰色相互搭配。 藏蓝色也是冬季型人的专利色，适合作套装、毛衣、衬衫、大衣的用色。 (西蔓色彩工作室提供) 冬季型人在春天时可选择色彩群中的浅灰色、皇家蓝、冰灰、柠檬黄、热粉、热绿石蓝等作套装或搭配。 冬季型人在夏天可选择色彩群中的纯白，所有的冰色系列，浅正绿、玫瑰粉等来作上班装、裙装、休闲装。 希望可以帮楼主！我也是最近在看这个
清砖淡瓦
先搞清楚色调，冷、暖色调。每种颜色里都有冷、暖两种色调的区分，比如黄里的柠檬黄是冷色调，而土黄和橘黄是暖色调。在画水粉前，先考虑清楚你要画的冷色调还是暖色调。最好的是冷色调为主，暖色调搭配，或者暖色调为主，冷色调搭配。每个人都有自己的调色方法，建议你还是自己多去尝试，多画一段时间你就会有自己的风格，我可以给你讲几种。比如大红加淡黄加拿坡里黄（忘了这叫什么了，是种灰色，我很喜欢这颜色），比如绿色可以用天蓝加柠檬黄加淡黄加拿坡里黄，这个颜色调出来很好看的，建议绿色最好都是自己调出来，不要用买的颜料，因为买的颜料永远都没有你自己调的颜色好看。额，调色的方法的太多，要靠你自己去挖掘，别人的不是你的，只有你自己挖掘的才是属于你的。一定要注意调色的时候颜色调的次数不能过多，随便调两下就好，不要让颜色完全融在一起，那样的话就会死板，调出来的颜色也不好看。搭配的方法，我就说布好了，红布陪黄布，蓝布，陪黄布时红布偏点黄色，陪蓝布时红布偏紫红色，黄布陪绿布，建议最好不要用红布陪蓝布画画的技巧过多，需要你慢慢的积累，一副好水粉不仅要有好看的颜色，还要看构图，近大远小，画面的整体效果，色调，虚实关系，画面的节奏感，环境色等等，你需要把这些都搞清楚以后再去研究怎么调出来好看的颜色，颜色是加分的，而前面那些则是基础分，一步一步慢慢来吧。希望这些对你有用
不想吃成胖嘟嘟
一、 红色的色感温暖，性格刚烈而外向，是一种对人刺激性很强的色。红色容易引起人的注意，也容易使人兴奋、激动、紧张、冲动、还是一种容易造成人视觉疲劳的色。 a) 在红色中加入少量的黄，会使其热力强盛，趋于躁动、不安。 b) 在红色中加入少量的蓝，会使其热性减弱，趋于文雅、柔和。 c) 在红色中加入少量的黑，会使其性格变的沉稳，趋于厚重、朴实。 d) 在红中加入少量的白，会使其性格变的温柔，趋于含蓄、羞涩、娇嫩。 二、 黄色的性格冷漠、高傲、敏感、具有扩张和不安宁的视觉印象。黄色是各种色彩中，最为娇气的一种色。只要在纯黄色中混入少量的其它色，其色相感和色性格均会发生较大程度的变化。 a) 在黄色中加入少量的蓝，会使其转化为一种鲜嫩的绿色。其高傲的性格也随之消失，趋于一种平和、潮润的感觉。 b) 在黄色中加入少量的红，则具有明显的橙色感觉，其性格也会从冷漠、高傲转化为一种有分寸感的热情、温暖。 c) 在黄色中加入少量的黑，其色感和色性变化最大，成为一种具有明显橄榄绿的复色印象。其色性也变的成熟、随和。 d) 在黄色中加入少量的白，其色感变的柔和，其性格中的冷漠、高傲被淡化，趋于含蓄，易于接近。 三、 蓝色的色感冷嘲热讽，性格朴实而内向，是一种有助于人头脑冷嘲热讽静的色。蓝色的朴实、内向性格，常为那些性格活跃、具有较强扩张力的色彩，提供一个深远、广埔、平静的空间，成为衬托活跃色彩的友善而谦虚的朋友。蓝色还是一种在淡化后仍然似能保持较强个性的色。如果在蓝色中分别加入少量的红、黄、黑、橙、白等色，均不会对蓝色的性格构成较明显的影响力。 a) 如果在橙色中黄的成份较多，其性格趋于甜美、亮丽、芳香。 b) 在橙色中混入小量的白，可使橙色的知觉趋于焦躁、无力。 四、 绿色是具有黄色和蓝色两种成份的色。在绿色中，将黄色的扩张感和蓝色的收缩感相中庸，将黄色的温暖感与蓝色的寒冷感相抵消。这样使得绿色的性格最为平和、安稳。是一种柔顺、恬静、潢足、优美的色。 a) 在绿色中黄的成份较多时，其性格就趋于活泼、友善，具有幼稚性。 b) 在绿色中加入少量的黑，其性格就趋于庄重、老练、成熟。 c) 在绿色中加入少量的白，其性格就趋于洁净、清爽、鲜嫩。 五、 紫色的明度在有彩色的色料中是最低的。紫色的低明度给人一种沉闷、神秘的感觉。 a) 在紫色中红的成份较多时，其知觉具有压抑感、威胁感。 b) 在紫色中加入少量的黑，其感觉就趋于沉闷、伤感、恐怖。 c) 在紫色中加入白，可使紫色沉闷的性格消失，变得优雅、娇气，并充满女性的魅力。 六、 白色的色感光明，性格朴实、纯洁、快乐。白色具有圣洁的不容侵犯性。如果在白色中加入其它任何色，都会影响其纯洁性，使其性格变的含蓄。 a) 在白色中混入少量的红，就成为淡淡的粉色，鲜嫩而充满诱惑。 b) 在白色中混入少量的黄，则成为一种乳黄色，给人一种香腻的印象。 c) 在白色中混入少量的蓝，给人感觉清冷、洁净。 d) 在白色中混入少量的橙，有一种干燥的气氛。 e) 在白色中混入少量的绿，给人一种稚嫩、柔和的感觉。 f) 在白色中混入少量的紫，可诱导人联想到淡淡的芳香
风吹萧萧
当代艺术其实就是要研究特定 文化 背景下的文化现象,而当代艺术本身就是一种需要深究的文化艺术现象。下面是我为大家整理的视觉艺术研究论文，供大家参考。
【摘要】符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。
【关键词】视觉艺术;符号;转换;再生
著名符号学家安伯托?艾柯(Umberto Eco)说:“人是符号(sign)的动物。”1人类籍由符号来表达内心世界,传递信息。将日常所思通过一定的语言形式,包括声音、视觉、肢体行为将一个整合的概念传达给对方。符号学(Semiotics)是一种关于符号和运用符号,包括观看符号的理论。符号学并不是一种历史性的学科,而是一种阐释性的学科,但它能够在历史的探索中被加以有效地整合。符号学集中关注构成和表征的问题,将“文本”看作是产生意义的符号的特定合成。这是一种不带霸权和强制要求的有限度的视角。2
艺术的起源不论从模仿说、巫术说、劳动说的角度出发我们都可以看作是人类符号化的开始。原始人用肢体捕捉动物的动作,用声音模仿动物的鸣叫,用矿物质将动物的形态描绘在崖壁上,手舞足蹈用简单的语言交流,于是就有了最初的舞蹈符号、音乐符号、美术符号、语言符号。随着社会分工的日益复杂化,人类社会不断进步与发展,符号内容也就变得越来越复杂化、微妙化,同时也在自然科学、人文科学和社会科学各个不同的领域得到了广泛深入的运用。
视觉艺术作为一门研究经由肉眼产生联想的人文科学,符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。作为一套工具,符号学提供一系列我发现可以深入细致分析艺术作品的有用思想和观念。当这些思想和观念可能由心理分析、叙述和修饰理论引发产生时,它们就产生与传统艺术史并不发生矛盾的洞察力。事实上,这些思想和观念常常能够使学生在运用主体间的可使用的 方法 上更为精确,并使阐释更具有系统性。3
一、视觉艺术符号的分类
在符号与其所指涉的对象(即其指向与涉及的事物和领域)的关联上,目前在符号理论研究领域普遍认为可以将符号区分出以下三种不同的类型,同时也是符号的三个层次:4
1、图象符号(ICON):图象符号是通过模拟图形与对象之间的相似而构成的,图象符号是一个直接感知的过程,在图象学中属于写实的范畴。如肖像画、照片等,当我们面对这样的作品的时候通常都能够得到比较直观的感受,比如说“画面上有什么内容。”
2、指示符号(INDEX):指示符号与所指涉的对象之间具有的因果或是时空上的关联。如“指示牌、路标”。从广泛的角度来说,设计艺术中的视觉流程法则也属于指示性符号的范畴,由于生理的特点,眼睛在浏览的时候会表现出一种时间性、方向性与选择性,也就是说视线会沿着画面重心,即最佳视域,向某一个方向有选择性的移动,体现出视觉的流动性特征。
3、象征符号(SYMBOL):象征符号与所指涉对象之间无必然的或是内在的联系,通常是指约定束成的结果,它所指涉的对象以及有关意义的获得,是由长时间多个人的感受所产生的联想集合而来。同时符号的象征性也是是符号学里最深层次的特性,是符号产生与对象思维过程中相关内涵的延伸以及联想。比如线条的曲折、色彩的冷暖、材质的软硬都会给人以相应的情感体验。
二、视觉艺术符号的理解
人类的意识过程,其实是一个将世界符号化的过程,思维无非是对符号的一种挑选、组合、转换、再生的操作过程。因此可以说,人是用符号来思维的,符号是思维的主体。那么我们又如何从符号学的视角和运用符号学的工具去解读图像,符号如何能够使我们从我们已经认知的事物中疏离出来,以便理解某些新的事物?在这里,我想就当代油画家张小刚的作品《男青年》按照符号学的原理进行分析。
张晓刚《男青年》布面油画
1、生成图象意识
要对视觉符号进行阐释有时候是一个非常复杂的过程,需要结合上心理学的以及历史学的概念进行理解。
当我们在欣赏一件视觉艺术作品时,我们首先会在思维中形成一个表象,即作品中有什么内容,是具象符号还是抽象的符号。如,当我们在接触到当代油画家张小刚的作品《男青年》时,首先意识到的是一个男青年,带着眼镜,脸上一块红色的疤,灰蓝色的调子,一块红色的疤痕这些图象性的符号。 2、探询图象的象征性意义
得到以上信息后我们接下来会想知道隐藏在艺术家(即符号创作者)创作意图中的“更深层次的”,或派生出的意义。如果我们说一件作品具有一种更深层的意义,我们通常指的是作品传达了一种我们在最初观察中还无法确定的潜在的观念,以即是符号的象征意义。当然需要找到艺术家的意图我们必须对艺术家本人以及他所处的时代背景有一个基本了解。
我们现在就来试着探询阐释艺术家想要传达的观念信息。我们知道张小刚出生在上个世纪50年代末期,他经历了新中国成立后最动荡的历史时期,特别是“”在他们那个年代的人身上都产生了深远的影响。
那么现在我们回到画面(符号)本身,留着小平头的男青年,干净白皙的肌肤,一幅标准文弱书生的派头。我们知道眼镜是有知识、有文化的人的象征,中山装是那个年代的通用着装。灰兰色的背景衬托阴郁、孤独与冷漠的气氛。面颊上被生生揭开的一块,形状如肩章的伤疤显得尤其冷艳。结合上面的分析,我们也可以将它理解为那个热情火红时代的鲜红烙印。目光被吸引到左下角,略显呆滞,嘴唇微启似在观看一个什么令人震惊的场面,又面无表情,一种孤寂、压抑的情感得到充分的表现。所有的一切符号都在追忆一个时代的伤痕主题,这除了是一种回忆,同时也折射了现实社会人与人之间的冷漠。
视觉艺术符号的创作者在产生一个理念之后,综合自己对象征性符号的理解把握,选择合适恰当的视觉手段,将理念传达出来。然后接收对象即观众再通过自己对象征语言的掌握与理解,把接收到的视觉信息在思维中转换再生。(下转第99页)(上接第98页)当然,鉴于个体情感特质、生活 经验 、知识结构的差异,一件作品最终还原到观众思维中的形态是各有不同的,所以有了“一千个读者便有一千个哈姆雷特”之说。当一个人看见一幅绘画,表现的是关于一只果盘的荷兰静物画时,这个图像在其他的事物中)就是关于某种别的事物一个符号,或表征。观看者在她或他的脑海中形成有关该事物的一个意象,她或他就会把这个意象与该事物联系起来。心理的意象,而不是形成这个意象的个人,就是解释符。这个解释符指向一个客体。该客体对每一个观看者来说是不同的:对一个人来说它可以是真实的水果,而对另一个人来说也可以是别的静物画,对第三个人来说可以是一笔巨款,而对第四个人来说也可以是“17世纪的荷兰”,等等。而该绘画所表现的客体因此基本上是主观的和由接受者决定的。
视觉艺术本身就是关于符号的表达方式,创作者借由它向观者传达自身的思维过程与结论,达到叙述的目的;换言之,观者也正是通过创作者的作品,与自身经验加以印证,最终了解创作者所希望表达的思想感情。显而易见,作为中间媒体的视觉艺术作品,这时就充当着创作者思想感情符号,而这个符号所需表达的信息是否可以被观者准确的、快速的、有效的接受与认知,就成了创作作品成功与否的标志。这正是由创作者在创作的思维过程中对符号的挑选、组合、转换、再生把握的准确有效程度所决定的。
参考文献
[1]李幼燕著《理论符号学导论》,社会科学文献出版社,1999年6月版。
[2]米克·巴尔:《观看符号/解读绘画——运用符号学理解视觉艺术》载于《世界美术》2007年第1期。
[3]巴尔·布列逊:《符号学与艺术史》1991年。
[4]常宁生《艺术史的图象学方法及其运用》载于《世界美术》2004年第一期。
内容摘要：一部视觉艺术史的发展史也就是色彩的发展史。从上古的色彩崇拜到古典时期的色彩模仿，从浪漫主义时期对色彩的解放到印象主义对光和色的迷恋，在艺术史上，每一次对色彩的再认识和再阐释，总会引起视觉艺术的巨大变革，从而产生新的视觉艺术现象和理论话语。
关 键 词：色彩随类赋彩固有色民间色彩光印象
所谓色彩，在普遍意义上讲是人对色彩的感觉。对色彩的 爱好 和对色彩的选择，具有极大的主观性，所以不应把某种色彩标准绝对化，应承认多样的和发展着的色彩标准，从不断变动的色彩观中认识它们各自的特点，研究它们各自的异同之处，把握它们的内在联系，从而在色彩世界中达到“万物皆备于我”，而不是被束缚在一个狭隘的范围之内。偏爱是容许的，但偏执和偏见却无益于艺术的发展。
固有色——永恒美丽的理想色彩
太古之民把色彩作为一种手段，其目的在于将描画对象从背景中显现出来，即从空间背景中分离出物象，所以他们只认识红和黑，因为红色最引人注目，黑色与亮底色对比最大，因而在他们看来红是美的，黑也是美的，所以红黑搭配是美的。诉诸于艺术表现，他们将自然的一切色彩通归结为红与黑。河姆渡新石器时代的木器即以红、黑为装饰;世界各地的彩陶以红、黑为装饰;原始的洞窟壁画大都采用红黑二色……对黑红配置的喜好沿袭至今，这在一些民族的服饰中表现尤为典型，中国的藏族服装、彝族服装等都以红色为主色。
人在实践中丰富了感觉，增加了对外在事物的认识，并且在早期艺术活动中抓住物象永恒的、持久的固有色，寻求它们在空间的恰当联系。这样，人们发现了色彩的静态美，这样便有了对色彩永恒价值的追求，有了固有色的理念。
艺术离不开模仿，德谟克利特和亚里士多德都认为，艺术的力量就是模仿。达·芬奇甚至说：“……假如你在用自己的艺术模仿自然界所产生的形式的全部特质时不是一个万能大师，那么你就不能成为一个好画家。”固有色的色彩观正是产生于对自然的永恒和凝固的色彩美的模仿。
固有色观念曾长期主导美术创作，在西方，文艺复兴的作品最具代表性。在中国可以举出唐代人物、宋代花鸟和许多杰出的民间艺术作品。他们在固有色的表现和色块空间安排上都达到了极高的成就。运用固有色的经验可概括为以下几个方面：
一、色彩配伍。例如文艺复兴大师常采用的玫瑰红、天蓝、银灰，中国民间艺术常采用的朱红、群青、大红、石绿、金黄，这些色彩配伍具有对立统一的美。
二、色彩衔接。中国民间口诀有“工间绿，花簇簇;青问紫，不如死”等等。固有色的不同衔接方式会形成千变万化的色彩观感。
三、纯度对比。这种对比是调整色彩间相对关系的重要手段，其强弱得体，宾主分明，达到色彩在空间中的力度平衡。
四、明度对比。在二维平面上制造三维效果，所用手段就是明暗对比，精到独特的明暗对比不仅使图像具有立体感，还使画面具有了厚重感。
五、面积对比。面积对比更使色彩在体量上有轻重之变，在空间上有互补之美，从而产生鲜明的色彩节奏。
从远古起，艺术的移情说就伴随着模仿说，固有色为模仿自然来服务的同时，也还有浪漫主义的表现一路，他们不以模仿为补色目的，却以“画画无正经好看就中”为旨归。他们抽出固有色的单纯性、凝固性，以固有色的空间平衡为手段，驱便于工作色彩率意为之，以求理想的色彩效果，如苗族 刺绣 、民间剪纸、蔚县剪纸、绵竹门神就是以固有色观念而作浪漫派处理的色彩典范。
光印象——瞬息即逝的自然色彩
光学发现了色的物理本性，揭露了色与光的内在联系及色光的分解与混合现象;生理学发现了人类的色觉的本质，从而得以了解色衰与补色的关系，全色要求的基础。这些发现给艺术色彩学以伟大启发，由此而产生了印象派色彩观。于是画家用色追寻光，追寻光的颤动、光的流逝、光的迷离恍惚，从固有色的永恒和凝固中走出来，走向空间和时间的流动，得到的是瞬息即逝的光印象。
可以说，印象主义的色彩观和色彩技法，既是光学成就的产物，也是西方艺术传统的产物。只是这些传统到了印象派画家那里更系统化、理论化了，并且以此确立了它在艺术史中的地位。印象主义认为色即是光，因此：
一、凡视觉可感受的物象都是光照射的结果，凡有光必有色，物的色决定于光源色、环境色(反射色)和色彩间的对比。即色彩随光源和环境而变，并且在画面上是相对而存在的。
二、以日光光谱色代替古典的调色板。
三、追求光谱的金色效果，并往往引用光谱的色彩组合。
四、补色关系对于印象主义画家是不可或缺的手段。例如在大自然中日光与天穹光便是一对天然补色。
五、以光的混合代替颜料混合，因而采取色彩细碎分割和并置的手法，使色彩更加“响亮”。
六、在色彩并置时常施以明度相近的，非准确的冷暖并置。这就是同时对比的手法。此时相同的色各自将对方推向自己的补色，以增强双方的色价，同时各自失去稳定性，而获得光的颤动性，呈现一种有生气的活力，于是达到色的非物质化，成为颤动的光。歌德曾经说过：“同时对比决定了色彩美学的实用价值。”
印象主义使色从其所联结的物体中解放出来，排除物的固有色，由此绘画进入一个新的境界。印象派是光的崇拜者，光的虔诚宣教者，他们开启了一个灿烂的世界，但是他们追随光的同时却失去了艺术曾经具有的精神力量和阐明世界的象征内容而停留于事物的物质表层。
表现色——回到主观的现代色彩
实践表明，获得光的华丽外衣，是以牺牲质的内在精神为代价的，这个矛盾在技巧上直接表现为 素描 与色彩的矛盾，当表现特别需要素描的时候，色光的变幻不能不退居次要地位。古典主义，新古典主义，拉斐尔前派便是这样;当表现特别注重色光的时候，素描不得不退居次要地位，印象派便是如此。毕萨罗教导青 年画 家勒贝尔说：“多注意形体的色彩，而不要太看重于素描刻划，太准确的素描索然无味，而且不能给人以整体印象……”这正是印象主义者在素描和色彩之间的取舍。
雷诺阿在他的印象主义实验取得非凡成功的同时感到印象主义的危机，于是游意大利向前辈大师学习，他拜倒于拉斐尔画前，并高度赞赏安格尔油画的单纯宏伟。他研究了拉斐尔之后终于感到自己忽略了素描，从意大利归来后，他致力于牺牲色彩以使形体单纯化，加强素描，回到古典的作画方法，取消画面偶然的光，于是他开始了自己的“古典时期”。他的作品“伞”和他在那不勒斯所画的裸女就是开始回归古典和固有色观的记录。
印象派之后诸家正是看到了印象主义色彩观局限于表面的光色变化而忽略其不变的内部结构，所以他们走上了与印象主义相反的道路。首先是塞尚，这位现代艺术的开山者力排事物的闪动模糊的外表，致力于表达所谓不变的真实和内在的结构。就色彩而论，塞尚不同于印象主义的是使之色彩秩序化，经过组织，使色彩变得更规则，更简练，但更强烈，因此更具有安定感、明晰感，从而达成视觉形象的非同寻常的强度。他的艺术观和他的艺术实践深刻地影响了其后的画家，如马蒂斯由塞尚得到启发，抛弃印象派画家的“魅力、光亮和明快”，追求绘画的“稳固性”，认为在一切构成画面的色彩中必须建立一个平衡，因此表面的感觉必须加以提炼，正是提炼了的感觉构成画面。康定斯基说：“内在因素，即感情必须存在，否则艺术作品便是赝品。内在因素决定画面的形式。”毕加索概括说：“我不是模仿自然，而是面临自然——并且利用自然。”塞尚之后诸家竞相与印象主义的客观主义反其道而行之，强调主观意志的作用，因此着意于形式美、抽象美的追求，走向表现主观。在色彩上自然同时从客观色彩走向主观色彩了。
但是现代主义是接过印象主义的手中武器而走向其对立面的，印象主义发现了自然的色彩，现代主义将这些发现秩序化、凝固化、强力化。或者说印象主义捕捉感性的色彩，现代主义挖掘理性的色彩，现代艺术将色彩的主观性及其精神价值提到了前所未有的地位，并且完善于主观的个人感情与客观的色彩规律之结合。
参考文献：
[1]《意大利艺苑名人传》 ，(意大利)乔尔乔·瓦萨里著，刘耀春译 ， 湖北美术出版社 ，2003年版
[2]《现代美学体系》，叶朗 主编，北京大学出版社，1988年版
[3]《楚艺术史》，皮道坚 著 ， 湖北 教育 出版社，1995年版
[4]《境外谈美》，陈望衡 著， 花山文艺出版社， 2003年版
[5]《楚史》，张正明 著， 湖北教育出版社，1995年版
[6]《诗学》，亚里士多德 著，人民文学出版社，1982年版
[7]《古画品录》，谢赫 著，迪志文化出版有限公司，2001年版
[8]《意大利文艺复兴美术》， 徐庆平 著， 中国人民大学出版社，2004年版
[9]《印象主义》，马凤林 著，湖北美术出版社，2005年版
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