达芬奇作品欣赏论文参考文献

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论达芬奇笔下的圣母之美 摘要：16世纪,意大利艺术大师达芬奇比常人更敏锐地捕捉到了一个新时代的气息——文艺复兴的人文主义。而作为艺术家、思想家、数学家、建筑师，达芬奇更以绘画成就称誉。在大师为数不多的作品中，“圣母”是一个重要的题材，在他笔下，一系列富有人性之美的圣母形象折射出文艺复兴的真精神。本文试从题材、结构、技法、以及画家幼年起形成的心理机制等方面，按时间顺序对几幅画作出分析，以探讨达芬奇笔下的圣母之美。并比照大师之前及同时代画家的圣母像画作，揭示文艺复兴之“人”的精神。 关键词：文艺复兴；达芬奇；圣母；人性之美 西方艺术史上的文艺复兴盛期，指15世纪末叶到16世纪中叶，这时以意大利为代表的欧洲美术达到了前所未有的高度，而 “文艺复兴三杰”中的达芬奇则是其突出的代表人物。他是画家、雕塑家、建筑家、作家、数学家、医学家、制图师、工程师和科学家。在他的艺术和科学研究生涯中，始终贯穿着一种对知识探究的深切的爱。他是无愧于“Homo Universalis”（“全能的人”）之称号的。他在绘画上的创新手法影响了他过世后一百多年的意大利及欧洲各国的艺术。他创造的“晕染法”（sfumato）使物体轮廓线、画面调子更加柔和且富于立体效果；而“明暗法”（chiaroscuro）则使得描绘对象仿佛具有真切的错觉效果[1]。这在他笔下的圣母肖像中得到深刻的体现。达芬奇是一个难以企及的艺术高峰。 列奥纳多�6�1达�6�1芬奇（Leonardo da Vinci）于1452年生于佛罗伦萨与比萨之间的芬奇小镇。其父是一位精力充沛、相当有名的律师塞尔�6�1皮埃罗�6�1达�6�1芬奇（Ser Piero da Vinci）,他与一贫穷的酒家侍女卡特琳娜（Catarina）生下了这个孩子，却没有娶可怜的姑娘为妻。根据文件记载，一般认为五岁之前的列奥纳多由其生母抚养，五岁后回到父亲身边，由继母和祖父抚养。虽然衣食无忧且不乏亲友的疼爱，但作为一个五岁的男孩即离开生身母亲，这种影响将是贯穿其一生的，而且后来也反映到达芬奇的作品中，他笔下的女性无一不慈爱、美丽、祥和，神情中既有母性的光辉，又有圣母般的圣洁。在达芬奇一生的创作中，“圣母”似乎是他比较偏爱的题材。 少年时的列奥纳多便已展示出其多才多艺的特点：他不仅相貌出众，且天生有一幅美妙的歌喉，会演奏琵琶，能引吭高歌；他凭借艺术天赋，利用光线效果，画出一条像龙一样的逼真的怪物。于是他父亲将他送到佛罗伦萨的韦罗基奥（Verrocchio）的画坊。佛罗伦萨是艺术家的摇篮，这里学术自由，艺术流派纷呈，各种新思潮十分活跃。韦罗基奥是文艺复兴早期最著名的画家和雕塑家。他提倡认真研究数学、透视学及解剖学方面的知识。还倡导用精细的描绘方法表现对象，并灌输学徒热爱大自然的思想。在这里达芬奇不仅受到了人文主义的熏陶，而且打下了良好的从艺基础。他专心研究各种表现技巧和造型艺术，认为大自然缔造的美，是绘画的对象，而人是大自然最完美的创造。达芬奇在韦罗基奥的《基督受洗》中画了左下角的半跪天使，这甚至比画面主体更为柔和自然，其神态、表情以及柔和的色调显示出其绘画天才，沃尔夫林称之“有如从另一世界传来的声音”[2]，说明这已经不是十五世纪艺术界里的东西，而是一种新因素，预示着一个从未有过的艺术时代即将来临。年轻的达芬奇在作品中显示出了从素描所激发的新思想，使之从画室里那些优秀的同伴中脱颖而出，进而超越了他的老师，一举凌驾于佛罗伦萨的众多才俊之上。 在1473——1475年间，还在韦罗基奥画坊时，达芬奇完成了《受胎告知》，这是最初体现达芬奇风格的作品之一。它采用15世纪绘画中常见的横披式构图。这幅画取材自《圣经�6�1新约》，是传统的宗教题材，画面描述的是耶稣之母玛丽亚得知自己未婚先孕后十分惊慌、不安的情景。画家在表现这一传统题材时，一反前人的陈规陋习。他把玛丽亚的闺房置于美丽的自然风景中。前来告诉玛丽亚神谕的天使加百列，跪在繁花似锦的草地上。背景有挺拔的柏树，重叠的山岸和潺潺的流水。天使加百列左手持一朵素净的百合花，面部表情十分柔和，毛茸茸的双翼富有质感。玛丽亚右手持书，左手意外地伸展开，年轻的面庞在端庄、美丽中透出惊讶的神色。玛丽亚的手势和表情表达出她对这一事实的惊讶。而惊讶之余，似乎还显露出一丝丝羞涩的表情。在这幅画中，达芬奇的素描和透视学已经纯熟，开始注重动作、手势、姿态来表现人物内心活动。（但在光与影的处理上，尚未达到日后炉火纯青的程度）。画面的布局条理井然，宁静开朗。柔和的色彩洋溢着清新的自然和青春的气息，而没有宗教的神秘感。人物之间的戏剧性场面凝结在这一瞬间的画面，展示了抒情诗般的意境，栩栩如生地表达了“受胎告知”的复杂的思想感情。整个画面洋溢着一股清新的气息，像一条清澈的小溪流过当时意大利的艺术界。 《蒙娜�6�1丽莎》（Mona Lisa,1503—1506）似乎是世界上最为著名的绘画，曾经在几百年的时间里，激起后人无数的诗歌、绘画、雕塑和小说的创作。虽然，她也是一幅没有完成的作品，但画家确实为这幅画付出了特别的努力。据说，在画的过程中，为了唤起画中人发自内心的情感，画家请了乐师演奏为她演奏，丑角为她表演，但这位贵妇人并没有使达芬奇得到他想要捕捉的东西。直到有一天，她看到画家所画的飞行器设计草图时，感到很大震动，并由衷地发出了微笑，这一难得的发自内心深处的微笑立即被达芬奇捕捉到了，并把它成功地塑造了出来。“她那迥非寻常的目光仿佛追随着观众，表明了她的毅力、魅力与智慧。她温柔、优雅、脉脉含情，使整个画面的意境充满无限深广而又极度丰满的色彩；而她含蓄、神秘的微笑，透出一种美丽的人间女子对于世俗生活的怡情、惬意，是人文主义者追求的世俗精神的生动写照。[3]”其实，达芬奇笔下的这一使人难忘的微笑已不是具体的一位贵妇人的表情了，而带有了一种普遍意义，是“蒙娜丽莎”所有的，是达芬奇所有的，也是我们大家所共同拥有的人性特质的某种精微的东西。也许，这就是《蒙娜�6�1丽莎》的魅力所在。非常明显，这幅画继承了希腊古典主义庄重、典雅、和富有理想化特质，但它又进一步突破了希腊古典艺术在人本特质上的局限，更进一步走向现实和内在。 在画中，她如此平静的看着我们，温柔的眼神占据了我们的视线，她的表情难以名状，使人神往而又难以捉摸。一股浓郁的美弥漫着整个画面。难怪瓦萨利在《名艺术家传》一书中如此忘情地写到： “任何想要看一看艺术究竟可以在多大的程度上模仿自然的人，只需看一看这一头像就可以了，她的所有微妙细节都得到了忠实的再现。她的双眸明亮而又温润……睫毛和眉毛再现得一丝不苟，而梳向两边的头发仿佛是从皮肤里长出来的……红润可爱的嘴唇与活生生的脸颊连成一体，好像不是画出来的，而是有血有肉。急切地看着她的喉咙下的凹陷处的人一定会想象自己看到了脉搏的跳动。这是艺术的奇迹。[4]” 画中的背景好像神话中的场景。就像在《岩间圣母》一画中的一样，画家对岩石和流水流露出了无限浓厚的兴趣。值得注意的是，在这片风景里，画家引入了大气透视原理的描绘，并进一步创造出“晕染法”画法，用模糊性处理明暗之间的过渡，仿佛能让人看到画中的空气，加强了画面空间的深度感。相对比早期的作品《岩间圣母》，更能让人明显得感觉到这一点。 对于五岁便离开生母的达芬奇来说，即使幼年得到了继母不差丝毫的疼爱和照顾，但对生母的深深眷恋是一生也挥之不去的。或许正因为如此，他才画出了有如此神态的圣母。画过圣母的画家有很多，大抵都是慈祥、端正的样子，但达芬奇的圣母却能一下打动人心，那是因为画中人物所具有的神态。在他晚年的作品《圣母、圣婴和圣安娜》中，圣母和圣安娜同时出现在画面里，这种神态尤为突出。相信每一个看过达芬奇的圣母画作的人，都会被画中人物的神态所深深打动。 《圣母、圣婴和圣安娜》(The Virgin and Child with Saint Anne,1508——1510)是一幅宗教题材的画。画中圣母坐在母亲圣安娜的腿上，而圣婴则在地 上要去抱一只小羊羔。这种画面在当时是不多见的。所以，精神分析学者弗洛伊德曾经就此大作文章，人文三角形的构图中内涵着画家童年时的创伤经历，即作为私生子渴望同时得到生母和继母的爱的痛苦欲望。但是，艺术史学者却发现，这样的构图其实早在中世纪时就已经出现了，并以此表达生命的代代流传。画中的三个人物具有鲜明的时间含义：圣安娜代表过去，圣母意味着现在，二圣婴则指向了未来。甚至小羊羔和背景中的树还暗示着圣婴以后所要遭遇的受难。 不过，人们眼前的所见又何尝不是一种迷人的现在呢？人与人、人与动物、人与自然之间的和谐相处与三个人物的亲情融融交流本身不就是艺术家所要肯定和赞美的现实生活吗？ 金黄色的画面上，圣婴正在和小羊嬉戏，旁边的玛丽娅微笑着，伸开双臂，对那个孩子做出拥抱的姿势，似乎让他别调皮了——“到我这儿来吧！”，旁边的圣安娜，笑着看这一切，画面和谐，平静，像一个夏日悠闲的午后。母女二人脸上都带着淡淡的笑意，嘴角安详地翘着，表情又像在梦境中一样。事实上，这幅画面的背景也不是现实中的背景，高大的山脉，朦胧的天际，而画面中的人物却是一幅在室内的姿态，但是这种与现实相冲突的背景和人物的结合却没让人感到有什么不妥，相反却让人感到和谐。在现实中找不到的环境也许只有在圣母哪儿可以见到。 《伯灵顿宫草图》（Buriling House Cartoon,1499）是一张早期的未完成的草图，但和《圣母、圣婴和圣安娜》极为相似，画中玛丽亚居左，圣安娜靠后，居右。两人似乎在谈论着什么，玛丽亚低垂着眼帘，侧着头边听边若有所思。而右边的圣安娜，脸孔是在暗影中的，但给人的感觉却是她的五官比较明亮，因为她的眼睛是睁着的，她面朝玛丽亚，抬起左手，在向她说什么。玛丽亚面容妩媚，而圣安娜的眉宇间充满了智慧，显得更为吸引人。她在构图中的位置比较靠后，身体被天使遮住了半个，面前的光线也被玛丽亚挡住了，在她脸上投下一些阴影，但她的脸孔却在暗处熠熠生辉，深深的眼窝像两潭深泉，画家没有在这里留下一点空白，全部打上了阴影。如果把其他部分遮住，只看这里，让人看不出这画的是什么，但放到整体中，这就变成了一双眼睛，而且还让人感觉到她在注视着侧前方，再看一会，又发现她的眼睛还带着笑意。画中“明暗法”的运用得到了完美的体现，疏密不同的线条展现着光与影的微妙变化。这里抛开达芬奇的画技精湛不说，画中圣母、圣安娜的神态的安详，确实是深深打动人心的。 在现实生活中，我从来没见到过这种神态，第一次看到达芬奇的圣母之前，我也从未想象出会有这种神态，但它无疑是吸引人的，画中的圣母静静地注视着你，似乎无论你做错了什么事，她都会原谅你，告诉你永远都有机会。即使她闭着眼睛，脸上仍显露出这样的神情。当我想念这种神情的时候，我只有打开达芬奇的画册，它给人以平静、安慰的力量，我想，这就是一个母亲本来的样子。 现实中我们的母亲却不是这样的，但我毫不否认母亲对我们的爱。她们不一定全都非常漂亮，她们的脸上有了皱纹，她们的头发有几根已开始变白，她们把眉毛皱起来——那是她们在为孩子的衣食而操劳。假如抛开这一切不论，那我们的母亲也会有这样的神情的，这种神情是隐藏在平日的表情背后，被生活所覆盖，但她确实是存在的。我想，一位产妇，在她第一眼看到自己的孩子的瞬间，一定曾露出过这种神情，这是神圣、纯洁的一瞬间，达芬奇就是把这潜在的神圣挖掘出来，用纸笔表现给我们看，这是理想化和神化了的母亲，她美丽、平静、宽容、慈爱，没有一丝烦恼，不食人间烟火般的圣洁，只剩下对我们的爱，这在现实生活中看不到，但却是在现实生活中得来的。 如果一幅画，给人的感觉仅仅是赏心悦目，那它算不上是美的，如果它能安慰人的精神，直达人心灵深处，那它就是一幅完美的艺术品。艺术的目的不是为了满足人的眼睛，而是为了满足人的心灵。这就是达芬奇笔下的圣母之美。 中世纪以来，西方艺术中大多都是宗教画，“文艺复兴”时期的画也是宗教画，还是画的圣母、耶稣等等，但是中世纪那时的画，画面上的人一个个神情呆滞、凄苦：圣母玛利亚是一脸愁容，耶稣总是在那受苦、受难的样子。中世纪的教堂里往往有很多基督教人物的壁画、镶嵌画，像埃及西奈山圣凯瑟琳修道院中的《有圣提奥多和圣乔治在侧的宝座上的圣母》，在当时已是十分精彩，但它的整个画风与文艺复兴时代有着天壤之别。慢慢地接近14世纪的“文艺复兴”了，以乔托为代表的佛罗伦萨画派，他们的作品宛如清新的空气，重新有了浓厚的现世意味，使人文主义的精神得到了淋漓尽致的体现。而到了达芬奇，那画风突然一变，圣母玛利亚便成了一个非常漂亮的妇人，非常美丽、温柔，抱着耶稣，非常好玩的一个小孩。即使是同时代的米开朗基罗，其作品结实浑厚，但人物神态上，远远不如达芬奇更来得柔和、温婉。达芬奇的圣母像是独一无二的。在达芬奇笔下，文艺复兴中的意大利迎来了它的艺术巅峰。 . 从文字意义上说，“文艺复兴 ”源自法文“Renaissance”，我们把它翻译成“文艺复兴”，但是它所放射出的光芒不仅仅是文艺，它带有一个时代的特征，它反映的是一个时代的精神，这个时代的精神同以往大大不同。如果说彼特拉克是文艺复兴时代文学方面的先驱，那么达芬奇则是艺术领域的开路先锋。人文主义当然可以从古希腊中找到源头，但在基督教文明的统治下，把“理性”逐步经过几个世纪回归给人性，这是意大利文艺复兴的功劳。从文艺复兴开始，欧洲文明开始进入现代，“近代西方文化中越来越明确的个人主义意识逐渐确立。这是一种蕴藏着足以改变世界的巨大力量的思想观念，无疑激发起人极强的进取心和创造性。某种意义上，正是它造就了那个英雄辈出的‘巨人时代’[5]。”恩格斯说这个时代需要巨人，也确实产生了巨人。从时代上分析，基督教文明神本主义已经到了一个阶段，非要由人来取代不可，这就需要巨人，也产生了巨人。过去是把人当作神的附属物来认识，而文艺复兴是需要把人当作人来认识的时代。意大利的文艺复兴，不知产生了多少这样的巨人。如果要在其中找出一位代表文艺复兴真精神的人物，我们一定会指出列奥纳多�6�1达芬奇这位巨人。 达芬奇是伟大的艺术巨匠和人类智慧的象征，他怀有神灵般的无限理想，可是他却只有常人的有限力量。他什么都想去做，而且要做得完美无瑕。他设想过千百个计划，只完成了少数几个。因为他一旦发现他做得与他想象的不符，马上撒手不干。他的生命是一条没有走完的道路，路上撒满了崇高的未完成作品的零章碎片，他在临终前辛酸的说过“我一生从未完成一项工作。[6]”但他关于人的崇高概念，对现实世界的盎然兴致，对大自然美的无限向往，对人类理性精神的真情领悟，一直走在时代的前沿。单看他留下来的为数不多的圣母像，虽然还有许多是未完之作，但其中反射出的光芒足以使他成为文艺复兴时代最卓越的人文主义者。

写作思路：主要写出达芬奇绘画风格特征及其影响。

正文：

达芬奇对于任何事物都有细致入微的观察，他的作品线条有些是十分刚硬的，有些是十分柔软的，这种刚柔并济的画法得益于他详细的观察。

善于用明暗的方法创造出更好的立体感，让作品产生连续的明暗过渡，使作品看不出任何的截然不同的变化。

具有科学性，他的作品存在和谐的的比例和良好的平衡感，并且他善于利用一些数学、物理学等科学原理来增强作品表现力。

达·芬奇的艺术作品不仅能像镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。

《蒙娜丽莎》的原型是威尼斯公爵夫人，当时威尼斯公爵请达·芬奇为其夫人画一幅肖像，而当这幅画作完成之后，达·芬奇因为太喜欢这幅画，不舍得交工，就连夜打包，和仆人一起逃跑了。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。

《最后的晚餐》绘制在米兰格雷契修道院饭厅的墙壁上。达·芬奇一改前人绘制“最后晚餐”围桌而座的布局，让所有人物坐成一排面向观众，而耶稣基督坐在最中间。

文艺复兴时期,在人文主义思想和科学方法的双重影响下绘画艺术蓬勃发展,同时也促使了绘画理论的形成。文艺复兴时期,不仅复兴了科学,艺术也得到很大发展,特别是绘画艺术,本文就是对达芬奇的绘画艺术进行美学思想的分析,包括对其著名绘画的描述分析,对《绘画论》中的美学思想进行提炼,以及阐述了达芬奇的美学贡献达·芬奇画论,尤其是他的诗画比较,作为近代第一次真正意义上的 自觉和全面的艺术比较、文学比较,在突显了绘画等造型艺术的各方面的审美艺术的同时,也把诗歌(文学)方方面面的特征显现在我们面前.他的文艺理论的价 值,甚至远大于当时的许多"诗学"著作.达·芬奇的诗画比较开了西方近代诗画比较、文学与其他艺术比较的先河,并成为17、18世纪莱辛更为系统深入的诗画比较的先声.