文艺复兴美术论文参考文献

这里有几篇你看行不行，如果觉得不怎么样，你可以去美术论文网看看，里面篇数很多－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－“线”在美术作品中的功能与审美特征 线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能．画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采（在表现物象的同时，还传达出入的情绪），传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－对于传统色彩学的新认识 绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。从早期文艺复兴至今，绘画中色彩的表现方法丰富多彩，一代代艺术大师们耕耘不止，给后人们留下了无数的艺术财富。十五世纪上半叶，凡·爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品，在坚实的造型基础上，加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色，这些色彩，通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的大色块来进行创作，其色彩已具有一定的主观因素；达·芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象；西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作，其色调已经超越了物象本身的色彩范畴，达到了一种色彩的抽象概括，其色彩运用，更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求，不受物象色彩的制约，他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调，作品富有现代精神；伦勃朗利用强烈的明暗对照，单纯而强烈的色彩来突出主题，人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光，作品充满了深度。十九世纪，由于科学的发展，一些有关色彩理论的论述在欧洲问世，这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘，使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念，采用鲜明的色彩来描绘天空、田野，画家们致力于风景画中环境与光线的研究，莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。艺术探索是无止境的，康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里，色彩还是依附于形体之上，色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中，已见不到传统绘画中的具象物体，色彩已不再依附于任何具体的物象而存在，他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新，而每一次创新，都需要勇气打破条条框框，用全新的视角去重新认识和感应世界，推动艺术的发展。综上所述，不难看出，色彩艺术在其发展的过程中，没有一成不变的规则，我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识，而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份，全面推进学生的色彩感应力，应成为一个重要课题。当前在色彩教学中采用的理论依据，是在印象派前后时期的色彩理论加之俄罗斯画派的色彩理论综合而成。其核心内容是强调条件色，认为色彩的产生要依靠光源色、环境色及物体自身的颜色综合而成。在色彩的对比上也有一定有规则，亮部冷，暗部就要暖；在色彩的训练上比较强调作画过程的程序性，即通常的画大关系，然后深入，再回到大的关系上来。这样的训练方法及色彩理论固然有其有利的一面，但也存在一定的局限性，即过多地重视科学规则和相应的客观因素，忽略了做画者对于色彩的直接感应。但在做画过程中这种感应又是非常重要的，没有它，艺术作品就会缺乏生气，枯燥无味。所以，在色彩训练中，从一开始就要重视对色彩的直接感应，不要让过多的理论缚住做画者的手脚。传统的色彩理论对于画面的色彩构成更多的是依靠色彩的空间关系去表达（物体离观者近则色彩鲜明突出，退远则变淡变冷）。但在现代的许多绘画大师的作品中，这种理论已被打破，艺术家们根椐自己对世界的认识和感应，重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系，应理解为色彩结构上的位置关系，色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。法国艺术大师巴尔蒂斯对于东方绘画非常崇尚；凡高的作品中也充满着东方情趣；米罗的作品更是如此。为什么东方绘画有如此之大的魅力，使这些艺术家顶膜礼拜呢？关键就是在东方作品中所蕴含的精神因素。东方的作品，如中国画不受客观条件的制约，而强调艺术家的主观精神，使艺术中具有更多的抽象因素。如能较好地将东方绘画中的精华运用到色彩实践中的话，将会创造出更广大的艺术天地。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－美术课在美育中的作用 美育一般通过艺术审美的方式达到教育目的。美术课对学生进行美育的得天独厚的条件，就是直观性，包括对自然美的直观，社会美的直观，艺术美的直观。而美术教学大纲所规定的欣赏、绘画、工艺三大类课业非常直接地体现着这种直观性。 美术欣赏课的教学，主要以完美的形象，卓越的艺术技巧来拨动人的心弦，使人精神奋发，与之共鸣，从而产生强烈的教育效果。例如欣赏董希文的油画《开国大典》，可感受到作者通过构思，构图和色彩，表现了中华民族永远起来了的信心和气魄。欣赏白石老人的国画《却教蜂蝶为花忙》，透过蜜蜂在艳丽的凤仙花旁飞舞采蜜的忙碌情景喻意颂扬了勤奋劳动的精神。作者从普通的生活景致中表达出高雅的审美情趣，学生通过对作品的品味、鉴赏激起了对普通劳动者的敬慕。美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外，还要学习临摹，写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课，不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花，还是随意堆在桌上的肥硕水果；不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿，还是刚买回来的新鲜蔬菜，那生意盎然的色彩、情趣横生的形态，都能人学生以情的感染和美的享受。 人物头像绘画课，不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”，还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美，并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念，关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》，极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上，可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生，然而他又是那样善良，淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容，引导学生通过对形象的感受、想象与思考，认识肖像画的艺术美，在思想上受到熏陶，在美的感受中受到教育。 工艺课是一种带有设计意识的艺术实践活动。在美术课上学过色彩知识和造型规律，学生掌握这些形、色的审美常识，有助于培养他们健康的审美观点，对于学生盲目追求流行时装、奇怪发式的现象，有正确引导的作用，同时也有助于他们思想品德的提高。 另外，美术在开发学生智力发展中起着突出作用。根据科学研究，人脑的左半球分管抽象思维，右半球分管形象思维，许多复杂的精神活动是由大脑两半球协同完成的。学生的文化课学习一般多用左脑思维，而美术课则有利于发展学生的形象思维能力。美术课的任务正是培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思维能力，特别是观察能力。在绘画课上，教师总是强调学生观察、观察、再观察，由表及里的观察，由近及远的观察，由整体到局部再到整体的观察。只有正确的观察，才有正确的感知，也才能形成积极的形象思维，使抽象的东西具体化，概念的东西形象化，进而是逻辑思维的发展。这样也就有利于多方面地发展学生的思维能力，充分发挥人脑的潜力。美育被明确地列入教育大纲，标志着我国社会主义教育思想的重大发展和社会主义教育制度的进一步完善。美术课的目的不是把所有学生培养成艺术创作家，但是对于提高学生的审美文化素质、发展创造性思维，陶治其情操，起着积极的作用。

在15和16世纪，学者、艺术家、建筑师、音乐家和作家等塑造人文主义文化的人都逐渐感到，社会在进入一个新时代，它是在先前那个黑暗时代之后的新生，它是“复兴”。如果就这个时代的思想究竟“新”到什么程度和当时的物质文明水平来看，认为它是全新的未免有夸张的成分，但是不可否认的是，这一时期的确形成了一种对人（包括妇女）的新看法。这种“新人”被认为是世界的主人，他有理性和创造性，有能力参透任何奥秘，创造出新的东西。……具体来说，中世纪雕刻的人像都是头小身体长，不符合人的正常身体比例。而考古发掘出的古代希腊罗马雕刻的人体比例都非常匀称，例如“投枪的人”和“受伤的武士”。此后，画家、雕刻家都制作出体态完美的人形，代表一种新“理想”的新人类。这是自此以后西方人梦寐以求的“新人类”。它不仅仅是纳粹德国生育计划的目标，也支持了好莱坞的明星崇拜和时装行业。……新的理想往往成为一种时尚，那些希望画家表现自己的人，也希望把自己表现成“理想的人”。当时佛罗伦萨的统治者、美第奇家族的劳伦佐，是一切艺术的保护人，……自己还是一个诗人，或者也能算作一个思想家；他要求米开朗基罗表现他的脸，而米开朗基罗把他的身体也按照希腊神祗的理想形体比例去表现了。但是我们也不要像20世纪初期的一些艺术史家那样，把15世纪的佛罗伦萨过分理想化。在文艺复兴运动中的意大利城邦，的确比过去的世代有更多的现实主义色彩，但无论雕刻或者绘画，还有它的一套规则。这套规则和过去教会制订的规则不同，却仍然是强制性的。它强调集合比例与和谐。……因此艺术并不是现实的再现，而要比现实更和谐。我们也不能忘记，当时绝大多数绘画和雕刻还是出自宗教的感情，也是为了引起观众崇敬的感情；无论是挂在私人房间里的拉斐尔的《圣母和圣婴》，还是教堂里的大幅壁画、碎石砌画和雕像、教堂天花板或小圆顶的布满天使的天堂景象，都是如此。

蒙娜丽莎，这幅艺术史上最著名最珍贵的油画，现在存放在巴黎的卢浮宫中，编号为779号。在卢浮宫迄今拥有的6000幅名画中，唯有此画被放置在特制的固定的水泥盒容器里，上面再覆盖上彼此相隔了25厘米的3层防弹玻璃。每天，无数慕名而来的人们在她的面前驻足，只为一睹传说中蒙娜丽莎神秘的微笑。 蒙娜丽莎的微笑为什么会成为世界上最有名的一幅画？难道真如王尔德所说，画中女子的微笑，是在向人们揭示着一个不为人知的秘密么？达·芬奇，这位暗号大师，又在这幅画作之中暗示着什么？为什么达·芬奇在几乎休笔之后，还要承接这一幅画作？为什么这幅画作完成之后，没有交给买画人？为什么这幅画在达·芬奇最后的十几年里，和他寸步不离？ 1503年，在文艺复兴时期的佛罗伦萨，列奥纳多·达·芬奇开始着手创作这幅传世之作。他用了10年的时间，直到1513年才完成了这幅油画。在他的一生留下了相当多的笔记，可是关于这幅画，却没有找到任何记载，这位暗号大师也没有在画作间留下蛛丝马迹的线索。 蒙娜丽莎究竟是谁？神秘微笑的背后，究竟隐藏了什么样的秘密？ 简妮·卡洛葛蒂丝在她的小说《蒙娜丽莎的微笑》中，给出了有史以来最大胆、最不可思议，然而也是最合乎情理的答案。这本在2006年大热的历史悬疑小说仅凭着故事大纲便卖出全球十余国版权，已售出英国、德国、法国、西班牙、荷兰、俄国、希腊、韩国、中国等近二十国版权，声势远远超过了当年的《达芬奇密码》。 这是一本挑战智力的小说。简妮·卡洛葛蒂丝从2005年1月11日意大利考古学家最新发现的达·芬奇在佛罗伦萨市中心桑蒂西马·安侬兹亚塔修道院里的工作室出发，为我们构建了一座真实存在于历史中的螺旋迷宫。与普通的悬疑小说不同，在《蒙娜丽莎的微笑》中，简妮·卡洛葛蒂丝采取了第一人称的叙述法，让秘密的主角，蒙娜丽莎本人，来引领我们在这座由阴谋与情欲交织成的迷宫中探险。 蒙娜丽莎———在这本小说中自称丽莎小姐，将我们带回了列奥纳多·达·芬奇所生活的，文艺复兴时代的佛罗伦萨。这不是我们所熟悉的，作为文艺复兴的发祥地而在艺术史上占据一席之地的佛罗伦萨，而是在历史的真实中，被十字架与鲜血的阴影所笼罩的佛罗伦萨。神秘的占星术、大教堂撑起的信仰、贵族的爱恨情仇和家族势力之间的争夺，与艺术的伟大光芒同时盘踞在这座城市的上空。佛罗伦萨的两个最大的家族———梅第奇家族和帕奇家族———展开了长达二十年的争斗。而故事是从1478年，在圣母百花大教堂由帕奇家族策划的对梅第奇家族的一场蓄谋已久的谋杀开始的。作为佛罗伦萨的统治者、梅第奇家族的亲密朋友，列奥纳多·达·芬奇也卷入了这场阴谋之中。他目睹了谋杀的过程，并且凭借画家惊人的记忆力画下了凶手的肖像。但是为了保护他所爱的两个人，一个男人和一个女人，他从未公开过这幅画像。直到他遇到蒙娜丽莎，他在这少女出生之前就承诺过要帮她画一幅肖像。而在绘制这幅肖像的过程中，他发现佛罗伦萨的阴谋从未停止过，为了保护他所爱的人，他决定通过蒙娜丽莎的画像，来透露这个从未公开的秘密。随着蒙娜丽莎本人的叙述，我们发现坐在她面前的这个画家，与蒙娜丽莎和她的母亲有一种神秘的联系。在蒙娜丽莎神秘的身世之中同样隐藏着不为人知的秘密———天才画家达·芬奇、蒙娜丽莎的母亲安娜、梅第奇家族的朱利亚诺，一个男人和一个女人共同爱上了另外一个男人。蒙娜丽莎，就是这段情欲纠葛之间的产物，而在她的画像后面，则隐藏着一个联系着过去与未来的秘密…… ＂ 妥协╮

《受难像大师》圣方济各接受圣痕（供奉神龛画）佛罗伦萨，1245-1250年木板蛋彩画 81×51厘米这幅画表现的是阿西西的圣方济各(1182-1226年)，他是所谓“行乞者”修会中最重要的修会之一方济各修会的创始人。方济各虽是富商的儿子，但他放弃了父辈的财富，全身心地同穷困的人在一起，过着绝对穷困的生活。这位身穿棕色僧袍的修士以行乞为生，其身上的粗绳束身带有三个结，这是贫穷、贞洁和服从的标记。方济各跪在岩石上接受被钉在十字架上的耶稣手上、脚上和肋骨上的圣痕。画面的右上方是被钉上十字架的耶稣，两旁有蓝色和红色的六翼天使。为了象征性地表现这一圣迹，耶稣身上发出一些光束照射到这位圣人身上。这幅画描绘了方济各传的一个片段。1224年这位圣人在托斯卡纳大区韦尔纳山上过着简朴的修身隐居生活。画中陡峭的山壁、稀少的树木和高入云霄的隐居地几乎是一个仿古风格的三角楣饰的古老壁龛。不仅在宗教上、而且在生活上模仿基督使方济各成为一个名副其实的“另一位基督”。提到受难大师，如卡夫卡辈，则是一些人世的异类，在一个时代缤纷张扬的热闹场之外，他们往往是一些脾气怪僻者、悲观主义者、消极避世者、穷愁潦倒者。但这样的人能见常人所不能见，会有些他人意想不到的怪想。他们敏感、冷峻、孤独、痛苦，不善安排自己的生活，也不善与他人交往，因此常遭人白眼，受人冷落，被视为疯子、不识时务甚至道德沦丧。但因此他们对于人类的痛苦和荒诞感受异常深刻，他们揭示了发掘了生活的另一面，是人类自省能力反思能力的象征，代表了人类所能达到的深刻和清醒。由于他们的工作，人类才得以深入了解自己。但是这些东西对于大多数人而言太沉重太枯燥，既换不来一丝实惠，也带不来半点轻松愉悦。所以，受难大师的声誉是以牺牲世俗的幸福为巨大代价的。石遗老人评《沈园》诗语曰：“就百年论，谁愿有此事；就千秋论，不可无此诗。”也可移论这些受难大师们：从人生命运看，谁愿自己的一生被上帝如此安排作弄？从人类文化史看，则他们注定了无可逃避。他们生前发出的不谐之音、不祥之音，仅赖少数知音的揭示和发掘，才得以放出大师的光彩。即使身后已被公认为大师了，实际上仍只有很少数人在精神上真的了解、认可、亲近他们。无论当年的漠视还是后来的崇拜，其实多出于势利、无知、随波逐流而已。对许多人而言，他们永远是遥远的、怪异的，不讨欢喜的存在。他们的精神世界最终也逃避不了被浅化被歪曲被指责的命运。这些苦难的大师用他们的逆耳之言触动了人类心灵的伤口，它可能有益于长时段，近距离的感觉，只是疼痛。受难大师们，他们的世俗身份往往卑微：一个小小办事员，一位手艺匠人，一名流浪者……但在精神世界里，用荣格的话说，他们是一个民族一个文化的自我表达。表面上的异类，其实倒是其中的精华和代言人。由于他们的使命过于庄严沉重，作为肉身凡胎，他们常常只能过早崩溃、疯狂或者反常。他们与享乐大师的命运，恐怕都无法选择，其间的高低也难以评定。我们这些天赋平平的芸芸众生，当然都愿意选择做后者了——其实也只能是痴心妄想。但在二者的张力场中，我们看到了生命的全部图像，也许可以尝试去寻找自己的实际定位、生命意义，以及诸如此类的人生谜底。这幅精致的绘画保存得十分完好，它框在一个裂片边饰内，蔚蓝的底色用细腻的白色点缀，其它部分也是变化无穷，表现了这位佚名大师“富有创造性和手艺人的技巧”(塔尔图费里，2004年)。这是一位佚名画家的作品，只能以他的另一幅画《耶稣受难像》称他为“受难像大师”，此画现藏于乌斐济美术馆，画的收藏史不明。作者是一位在卢卡地区成长的画家，更确切地说，他是在博纳文图拉·贝林吉耶里的画店工作，在卢卡郊区泰雷利奥，他们合作绘制了圣玛丽亚教堂的绘画《十字架》。他的许多作品后来在佛罗伦萨地区得到了证实。“受难像大师”的活动对十三世纪中叶佛罗伦萨的绘画发展做出了重要贡献，成为年轻的科波·迪马尔科瓦尔多(佛罗伦萨，约1225-1280年)仿效的榜样，他在佛罗伦萨圣十字教堂内巴尔迪小堂的绘画《圣方济各和他一生中的二十个故事》就是例证。此画后来由乔托绘制成壁画。