研究保罗高更的论文

凡高:是一位热爱生活和艺术的画家,视绘画如宗教,以全部的生命投入艺术创作中力图用色彩来揭示精神,用笔触来表达情感的冲动,强烈的色彩表现个人感受和内在激情,运用清晰的点,旋转运动的线状笔触,夸张变形的形象创作. 高更:厌倦欧洲文明和工业化的社会,对传统艺术的优美典雅也反感,他向往原始和自然的生活,寻找一种单纯率真的画风,创造出既有原始神秘意味又有象征意义的艺术.追求个人主观愿望和追求.

高更：多悲伤，多绝望，才对生命的反思如此深沉？ ———赏析高更名作《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》 正如《麦田上的乌鸦》并非文森特·梵高的临终之作，《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》也并不是保罗·高更生前最后一幅画。 但是这幅富含哲学意味和神秘主义的《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》，却是高更整个艺术家生涯中最知名的一幅大作。 《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》是高更所创作的最大的一幅油画，创作于1898年上半年，尺寸为139.1cm*374.6cm，现藏于美国波士顿美术馆。 这幅巨大的油画，不仅被高更自己认为是一幅空前绝后、艺术创作登峰造极的作品，而且还是向世人表现艺术家高更个人内心思想、精神世界、艺术理念，以及对世界对生命本身的沉思和哲学认知的一个最佳的窗口。 首先从这幅画的创作背景开始说起。 高更于1895年9月第二次为了追求艺术灵感而自我放逐来到南太平洋的塔希提岛，时年47岁。当时高更的处境非常不乐观，作品没有销路、贫穷、脚踝骨折、心脏病、酗酒成性，而且还患上当时很流行的一种病：梅毒。 一个划时代的艺术家生活到这种境地，不知道高更先生当时后悔选择走上艺术这条道路不？ 生活的打击还在继续。 1896年底，高更被一位相恋的土著女子抛弃后，跟他另一个土著模特兼伴侣（14岁左右的帕胡拉）生育的一个女儿不久便不幸夭折了。 然而此时： 高更的悲催命运结束了吗？ 属于他的时代来了吗？ 他的幸福生活开始了吗？ ———遗憾的是并没有。 没有最惨，只有更惨，其他一切都没有，致命的一击紧接着又来了。 1897年1月19日，高更最宠爱的女儿艾琳因肺炎去世，终年20岁。他5月份从妻子梅特那里得知消息后，一下子整个人生跌入谷底，身体和精神都被打击到崩溃的地步。 挨了半年，依然无法自拔，看不到任何生活的希望，于是高更于同年12月30日服下砒霜，试图终结自己半生命运多舛的艺术家生涯。 然而对于一个潦倒却有才华的艺术家，尤其是还没有创作出标志性伟大作品的艺术家，上帝怎么也不肯带他走，于是高更被救活了。 像是在一次濒死体验中获得了创作的灵感，也像是经受住了上帝的种种悲惨考验后终于得到了上帝的指点，重新站起来的高更决心要画一幅大作，一幅视觉感受最强烈、最有表达效果的，现实世界和灵魂状态相统一的，生活和梦境互为一体的大作。 经过一段时间的康复调理，于1898年2月高更已经完成了《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》草图和方格纸设计图，但是整个作品直到同年夏天才最终完成，而后寄给了巴黎的画商沃拉尔，于秋季在沃拉尔的画廊中展出。 《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》的创作过程是很艰难的，用了半年之久，一方面是因为高更健康状况不断的恶化，多种疾病需要治疗，出于身体原因他不能长时间进行创作。另一方面因为没钱治病，他不得不在帕皮提当地的地籍办公室做文书，做一些绘图和文件抄录工作，以便能够支付治疗费，这样他也没有足够的自由时间进行创作。 虽然当时这幅巨作没得到足够的认可和回报，这也是很多伟大的艺术作品的共同命运，都是需要经过时间的发酵和考验才得以最终的确认，有时候是几年，有时候是几十年，而有时候是几百几千年，往往很多伟大的艺术家等不到世人的鲜花、掌声、荣誉和金钱便已早早谢世了，如梵高，也如今天的主人公高更。 为了进行自我包装，也为了对画作本身进行包装，高更曾宣称《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》是他才能的即兴发挥，他说自己没有草稿，没有模特，不分昼夜地画着这幅画，他在“面对着我们的本质是什么、我们从哪里来这种谜团，在一种飘忽的折磨和痛苦的感受之中”完成了这幅画。 无论高更所言夸张与否，这都是一种不得已，是艺术家的不得已，是艺术创作的不得已，也是艺术家生活和生命的不得已。 无论高更对画作包装夸张与否，都不影响这是一幅精彩绝伦的伟大之作，不管是对画作主题思想，还是对画作风格技巧，亦或者是对画作内容背景来说。 高更有一种叛逆精神，对文明世界叛逆，对欧洲社会叛逆，对传统艺术叛逆，对正统的生活叛逆，对客观反映自然的绘画传统叛逆。 于是高更孤独而自命不凡地编织自己的艺术梦想，简单而纯粹地从文明的反方向去追寻自己的艺术思想。 原始、单纯、象征性、神秘感，直接性地表现个人主观思想的创作理念，都在高更的艺术创作中体现。 观者看《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》第一感觉便是奇怪，色彩奇怪，人物和景观奇怪，线条奇怪，整个画面组合搭配都是奇怪。 大面积的蓝色和绿色，点缀着几处褐色和橙黄色，给人一种神秘莫测、阴森恐怖的感觉，甚至看上去会让人背脊发凉。这是真实的自然的色彩，还是高更眼中、心中的色彩？亦或者兼而有之。 近景的人物、动物、佛像、树、石等，和远景的森林、海、山等错综复杂，互相贯穿交错，富于抽象性，让人眼花缭乱，真假难辨。 简单的轮廓，平涂为主的绘画手法，装饰性的线条和色彩，原始的环境和原始的土著人物组合，怪异的肢体动作，人、动物、神和自然等等都交融出一个如梦似幻的景象。 总之，整个画面跟我们之前看到的传统的西方画作都大不一样，彷佛一点都没有优雅、没有美感，而这些正是高更所追求的叛逆与神秘，画面强烈刺激观者的眼睛和神经，进而更深层次去探究和理解艺术家的创作思路和理念。 《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》从名称上已知要表达三个主题，三个深思，三个艺术家对自身短暂人生的回顾总结与生命意识和意义的探索，三个由艺术家个体的“天问”推及到普世共同体的终极之问。 三组人物从右到左分别代表了孩童、青年和老年，而左下方又有一个小组合强调了孩童、青年和老年，少年、青年和老年的排列象征着人类从出生到死亡的三个过程，分别对应了画作名称中的“我们从哪里来？”、“我们是谁？”和“我们到哪里去？”。 右下方三个女人和一个睡着的小孩子，象征着人类的诞生。 中间一个采果子的年轻人，象征着人类的中间发展阶段。 左下方蹲坐的一个蜷缩着、抱头、满头银发的老人，则象征着生命的尽头。 这是典型的象征主义的三段式表达方法，只是画面中还有其他的人物，结合高更当时创作的背景，我们应该还能从画中看到高更自身的感受和体会，以及他对自己、对家人、对生命的反思。 再看画中的第一个人物：睡着的小孩子，这里应该是作者自己的表达，自己来到了这个世界上，在“三个女人”也就是家人的保护下安全地熟睡着。 接着长大成人，一方面“采摘果子”自力更生，一方面养活着家人，旁边吃果子的小女孩则代表了家人，两只猫和一只羊则代表了组建的家庭。 采摘果子的后面稍远一层背景还有一处三人组合，“两个穿着绛红色衣服的人在交流思想。一个巨大的人物形象不自然地蹲踞在透视范围之外，朝着天空举起一只手，并且惊讶地看着那边在交流的两个人，诧异他们竟敢思考自己的命运。”这里应该是高更后期在塔希提岛上的思想，他跟土著人一样赤身裸体生活着，经常想起欧洲的文明生活（两个穿着绛红色衣服的人所代表），进而质疑他们思考命运，同时也象征着高更在用另一种方式思考属于自己的命运。 左下方的三人又构成一个组合，小女孩、年轻女子和老年人，老年人前方一只奇怪的白鸟落在她的脚边，两爪抓着一只蜥蜴，象征着死亡，老年人和白鸟都象征着死亡，而年轻女子侧坐者紧密地朝向老年和白鸟，也即意味着年轻女人朝向死亡。我想这里应该是代表着高更自己的女儿的身份，他养育的女儿终于长大成人了，但是却过早地不幸逝世，本该成长到银发老人的那一天，结果却没有，于是年轻女子紧密地贴近死亡。 后面还有一个小场景是一尊将两只手神秘又奇特地举向空中的佛像，旁边一个穿着绿衣服的年轻女子背对着佛像在倾听佛诉。这里佛像象征着神秘，象征着未知，象征着生命的茫然；而年轻女子则再次象征了高更的女儿，女儿倾听佛语，背对着佛像，明显是没有听懂年轻的生命过早走向未知，年轻的生命过早消逝。 在高更当时所处的塔希提岛的土著环境中，远离喧嚣，更加接近人类生命的本质；再加上高更糟糕的身体状况和生活打击，种种因素最终导致高更会对生活生命进行一种痛苦的抽象的思考；而他用身边的触手可及的塔希提岛素材，结合头脑里最强烈的对生命的思考，对家庭的思考，对死亡的思考，尤其是对女儿的生命的思考，一种无意识心理作用下，一幅超强视觉感受的画作应运而生。 《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》的画面是高更所有情感和认知的具象呈现，是高更对人类、对世界本质叩问的回响。 《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》更是被高更自己认为是他人生中最重要的一幅作品，原因也在此。 他的艺术理念、创作风格、内心思想、精神世界，以及他对自己和女儿的生命本质与意义所进行的终极探索，以己及人地神秘而痛苦的思考人的一生和人类存在的本质之谜，使得观者也不由自主的引起反思。 正因为《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》蕴含的如此深刻哲学思想，使得其成为超越艺术自身的灵魂升华之作。 也正因为《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》的存在，使高更不朽！

梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛梵高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。记得一句关于梵高的话：“灿烂到极致不是黯淡就是死亡，所以梵高也只能，毁灭了自己

写作思路：可以从该画作的主题以及构图、色彩这几个角度进行鉴赏，中心要明确，语言要通顺等等。

正文：

《星空》是荷兰后印象派画家文森特·梵·高于1889年在法国圣雷米的一家精神病院里创作的一幅油画，是梵高的代表作之一，现藏纽约现代艺术博物馆。

梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士最后他投身于绘画。

他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变。

1888年，来到法国南部小镇阿尔，创作《阿尔的吊桥》；同年与画家保罗·高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。

此后，梵高的疯病（有人记载是“癫痫病”）时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1889年创作《星空》。1890年7月，梵高在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。

在这幅画中，梵高用夸张的手法，生动地描绘了充满运动和变化的星空。整个画面被一股汹涌、动荡的蓝绿色激流所吞噬，旋转、躁动、卷曲的星云使夜空变得异常活跃，脱离现实的景象反映出梵·高躁动不安的情感和疯狂的幻觉世界。

《星空》是后印象派画家梵·高的代表作之一。在这幅画中，夜晚的天空高又远，大星、小星回旋于夜空，金黄的满月形成巨大的漩涡，星云的短线条纠结、盘旋，仿佛让人们看见时光的流逝。暗绿褐色的柏树像巨大的火焰，是星夜狂欢的响应者。天空下，安睡的村庄那么宁静、安详。淡蓝的色调，动感的线条，给人自由的时空感。

梵·高通过这幅画作不是想用浩瀚的宇宙来反衬出人类的渺小，令人类生出畏惧之心，而是传达出一种不向命运低头的精神。天空中飞卷的星云，好像在旋转着跳舞，好像鲜花一样怒放，那柔韧的枝条虽然力量微薄，却无畏地抽向天空。而直上云端的巨大柏树，形如一团黑色的火舌，不屈地奋力伸展着枝叶。传达出作者内心的苦闷和忧郁。也表现出人类的挣扎与奋斗。

从构图上来说，该画面构图极为准确，画中以树木衬托天空，下部的房舍托起了无边的宇宙，以获得构图上微妙的平衡。特别是那些柏树的线条画得流畅而别具一格，正如梵·高自己曾描写的那样：“那些柏树总是占据着我的思绪——从来没有人把它们画得像我看到它们的样子，这使我惊讶。柏树的线条和比例正如埃及金字塔及尖碑那么美丽——在晴朗的风景中的黑色飞溅。”

在绘画技法上，梵·高接受了前期印象派的某些特点，不是用简单的线和面来表达物体。而是用点来表现物体的光影，达到了传统画作无法达到的效果。同时，他又注重采用夸张和对比的方法，给光影添加动感。

前景中以短促清晰的水平线笔触描绘出来的小镇，与画面上部呈主导趋势的曲线笔触，形成了强烈的对比。教堂的细长尖顶与地平线的交叉，柏树的顶端恰好拦腰穿过旋转横飞的星云，这一切都使画面产生出一种流动的感觉

基调，给人以沉重的感觉，加强了夜色的黑暗，前景中的柏树用了深绿和棕色，意味着黑夜的笼罩。明亮的白色和黄色来画星星及周围的光晕，又给人一种温暖光明的感觉。梵·高运用浓厚并且短促的笔触，交织成弯曲的旋转线条，海浪般的图形使画面呈现出炫目的奇幻景象，画中漩涡状的天空与平静的村落形成对比。

在大面积冷色调的流动星云中，一轮橙色的月亮散发出亮光，仿佛明灯般点亮了沉寂的夜宅，奇幻的色彩给人留下深刻印象。整个画面着色搭配协调。浓淡相宜，深浅适中，很好地配合了画中的氛围。

从艺术特色看，这幅画从某种意义上说，是他看到的幻象。这种幻象，超出了中世纪艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做过的任何尝试，它来自画家某种直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。

梵·高以火焰般的笔触，标新立异的无畏，把自己超自然的，或者至少是超感觉的幻想体验大胆地用笔触来加以证明，作品预示了画家用幻想作为手段而对自己的主观世界加以表达的探索。