中国画的传统,是几千年来无数画家的心血和劳动的结晶.历代画家创造了许多珍贵的作品和绘画理论,技法.我们应该珍惜.继承中华民族灿烂文化的宝贵财富. 要想在国画中有所创作,首先就应当熟练掌握基本技法,继承传统国画的优点,在其基础上积极而又大胆的探索新的技法,以辅助和补充笔墨之不足.且不可失去笔墨.丢掉了国画的特点.其次学习西方绘画之长,只能作为营养,批判的吸收,以丰富国画的表现力. 画家的创作道路是艰难而又漫长的,要想其作品有所创新,情感的投入是门不可缺少的课题.对画家来说;国画是情感的表现,生活的结晶.情感主宰着国画的创作.情感可以并发出创作欲望,如果不把情感投入到创作中去,那么在好的技法也画不出感人的作品.从某种意义上讲,只有把情感贯穿到国画艺术作品中去,才能创作出富有感染力的作品来.也就是说带着情感去创作,让情感入画. 作为画家,熟练了技法,懂得了情感的投入,还应具备良好的修养.首先,世界观的修养很重要,它是画家的灵魂,决定作品的思想倾向,影响着画家的实践活动.著名画家齐白石老人在世界观中包含着明显是进步因素.如果画家的世界观是落后的,那就绝对创作不出人民大众代言的,具有强烈的爱国主义和进步思想的不朽之作.国画虽是用笔墨所做,但它是种精神产品,光有绘画技法不行,画品亦很重要,画品既是人品,它将直接影响作品的品位.正如画论中所讲;笔墨之高下亦如人品,笔墨虽出欲手,实根于心.可见思想道德修养的重要性.对画家来说,加强学习修养可以帮助画家提高整体创作境界.同样文化素质也能直接影响艺术的表现力,文化素养更能使画家从文化视野的高度,去深层次的洞悉现实,领悟人生,创作和理解作品,用心灵去撞击生活作品,使其具有更广,更全面的表现力.其次丰富曲折的生活体验是画家创作中基本的材料和必要的前提条件.其实,技巧是一种才能,但它绝不是没有广博知识也行的.必须去体验生活,去寻找真理.从生活中体验国画艺术的真谛.俗话说;巧妇难为无米之炊.即使一个很有才华的画家,让他长期远离社会生活,或对要表现的对象并不熟悉,不深刻,其对作品的创作亦是失败的.画家应该像一颗饱满而富有生命力的种子那样,把自己的整个身心都埋在生活的土壤中,从中吸取养料,化作成自己的血肉和灵魂,才能对生活具有深刻的认识和感受,这样画家在生活中必然要多看,多听,多想,多记,以丰富画家的艺术思维能力,和生活建立亲切的关系,从生活中得修养. 国画的艺术情感是画家对客观事物所持态度的一种情绪体验,所以画家只有在技法熟练的基础上,具备深厚的艺术修养和对社会生活的深刻认识,才能在国画创作中产生真挚的情感;才会在生活对象面前自觉或不自觉的产生"浮想联翩,夜不能寐"的创作激情;直到在国画创作中表现出感人至深的艺术形象,达到情景交融的美的境界! ---- 发表于中央文史研究馆和山东文史研究馆主办的书画报羲之书画报
2013年《题跋的尴尬：乃是对中国画认识上的尴尬》《美术观察》约。《山水画家的别调：荷花》载《纯美术·清真芙蕖》山东美术出版社。《渠宜书屋札记·十四》《东方早报·艺术评论》2013、7、8。《百花齐放：新中国时期的海派美术》《中国艺术宫馆刊》第一期。《江南园林：中国艺术私人化进程中的极则》《吴江文学》2013年第一期。《薛邃访谈》《书与画》2013年第五期。《渠宜书屋札记·七》《东方早报·艺术评论》2013、5、13。《有意思的何曦》载《艺术当代》2013年第二期。2012年和薛邃进行对话访谈，内容收入《薛邃画集》。发表文章《先做他一阵再说——彭小佳的雕塑》，《当代艺术新闻》2012第9期和《艺术当代》2012第7期。出版著作《晚明以来中国画的语境与语义》，山东美术出版社。发表论文《历史在向我们所要标准》和《无奈的“有趣”——关于绘画中的写生》先后载于《荣宝斋》。发表论文《中国画文脉与语境》，载于《人民艺术家》。《渠宜书屋札记》连载于《东方早报·艺术评论专刊》。“唐人诗意——邵琦山水画展”在北京大学百周年纪念讲堂举行。山水画《暗霜》发表于《书与画》2012年第11期。书法作品《行书斗方》和山水画作《天籁》发表于《书与画》2012年第9期。山水画四小卷参加“林泉高致——风、霜、雨、雪展”，先后在海阔美术美术馆、陆俨少艺术馆和徐汇艺术馆展出。《唐人诗意图》系列作品6幅和朱淳撰写的评论文章，载于《中国水墨》。山水画一幅书法一幅参加上海市文联和上海书画院主办的“书画同源”。在徐州参加“明心见性——王书侠、邵琦山水画作品展”。作品10幅（册页）参加中央电视台新影制作中心《中国当代画家》编委会策划的“笔墨三味——当代中青年实力派画家展”，先后在浙江萧山湘湖美术馆、绍兴青藤艺术馆和成都美术馆展出。《山水》作品刊发于《上海书画》总第九期。参加由上海书画院主办的“寄情丹青·海上名家迎春邀请展”。2011年作品《澄江清晖》、《密树清风》收入《当代中国画名家作品集·第一辑》，江西美术出版社。作品《石壁松云》、《雨余云气湿》、《秋江钓艇》、《烟澹欲无山》、《林影半潭春》、《浩歌向夕霁》，和陈翔文章《诗意地耕耘》、江宏文章《这就是畅神了》同时刊发于《中国水墨》第六辑刊发。发表论文《王维绘画工作室考》、《绕不过去的“四王”》，先后载于《东方早报·艺术评论专刊》。作品《秋江澄色》等六幅参加中央电视台《中国当代画家》编委会主办的《以画为寄——中国当代文人书画名家邀请展》中国国家画院美术馆，并收入《以画为寄——中国当代文人书画名家邀请展作品集》（朱良志撰文评论）。出版画册《邵琦山水画——只在此山中》（石建邦编），上海书店出版社。作品《松云书屋》参加由上海书画院主办的“第三届中国画小品展”。参加由海阔美术馆主办的“林泉高致·摩诘诗意展”。发表论文《僭越与遮蔽》、《精神与神韵》、《海派无派》，先后载于《荣宝斋》。发表论文《王微〈叙画〉解读》，载于《上海中国画院通讯》2011年第2期。2010年《松风如雨动天簧》等9件作品发表于《书与画》2010年12期。参加由海阔美术馆主办的“林泉高致——2010年上海山水画邀请展”。发表文章《中国美术的转型：现代性转向自我性》，载于《中国社会科学报》2010年9月7日“艺术学”版，后收入《“四大主义”与中国美术的现代转型——中国现代美术之路系列研讨会文集之二：上海研讨会》，人民美术出版社。上海电视台纪实频道《收藏》栏目拍摄人物专题片《都市隐士的思考——邵琦》。山水手卷《松风凉如洗》、《元人诗意图》参加上海书画院于上海图书馆举办的“第二届山水画小品展”。参加在北京大学举办的“第18届世界美学大会”，担任“中国艺术分场（五）”主持人。提交论文《视觉阻隔的画面：心像》并做大会演讲。2009年山水画作品《隔树人家有灯影》、《清响得松湍》参加上海书画院于上海图书馆举办的“山水画小品邀请展”。山水画作品《无限风烟属倚栏》、《清江晚烟》参加上海师范大学美术学院研究生导师作品展。山水画作品《高树晚烟》、《茂松清流》参加上海美术馆举办的“上海出版界美术大展”。参加由黑龙江美术协会主办的“海上清风——上海山水小品展”，并收入《海上清风——上海山水小品》展览图录。参与2010年上海世博会大型长卷《浦江两岸尽朝晖》的创作，和余欣合作山水画《浦江之源》。发表论文《山水之外别有竹》，载《荣宝斋》总59期。发表文章《出不去，回不来——读彭小佳的“书”》，先后载于《雕塑》2009年第2期总70期、《四川美术》2009年第四期总115期、《当代艺术新闻》2009年第五期总52期。发表论文《王维绘画工作室考》，载于《上海中国画院通讯》总第二十八期。主编《中国古代设计思想史略》，上海书店出版社。出版著作《造物设计史略》（与朱淳合着），上海书店出版社。担任上海书画出版社二十卷本《中国花鸟画通鉴》丛书编委。著作《花鸟画通鉴·浣却铅华》、《花鸟画通鉴·徐黄体异》（与江宏合着），上海书画出版社。2008年主编《二十世纪中国画讨论集》，上海书画出版社。出版画集《上海书画名家精选·邵琦》，上海锦绣文章出版社。2007年出席中国设计史年会，发表论文《中国古典设计思想的现代启示》并做大会演讲论文收入《设计史研究》，由上海书画出版社出版发行，后发表于《装饰》。发表论文《与人的距离》，收入中国美术学院80周年校庆纪念论文《民俗美术研究文集》，中国美术学院出版社。发表论文《艺念：当代艺术的命名》，载于《艺术当代》。2006年担任十六卷本《中国高等院校环境艺术设计专业系列教材》副主编，上海人民美术出版社。出版画集《当代中国青年画家·邵琦》，河北美术出版社。参加上海书画出版社暨《朵云》编辑部主办“二十世纪山水画国际研讨会”，提交论文《二十世纪山水画语境》并做大会演讲，文章收入大会文集《二十世纪山水画研究文集》，上海书画出版社。作品《高山流水》、《古溪清音》、《野色初凝》、《烟水空阔》、《松溪烟雨》发表于《书与画》，郑巨欣撰文《文韵酣畅》评论。参加中央美术学院和上海美术馆举办的“中国美术的现代转型”国际学术研讨会，提交论文《转型：现代性向自我性》并做大会演讲。出版著作《山水画通鉴·胸中逸气》、《山水画通鉴·入缵大统》、《山水画通鉴·松江画派》（与谢兴涛合作）、《山水画通鉴·托古改制》，上海书画出版社。2005年作品《流光凝碧》、《古溪幽树》参加“朵云轩105周年同仁展”上海美术馆。发表论文《三个展览，一堆问题》，载于《艺术家茶座》。2005年之前2004年出版著作《中国画文脉——艺术院校研修丛书之一》，上海书画出版社。参加汕头大学长江设计学院和清华大学美术学院联合举办的“岁寒三友——两岸三地·中国古典图形和现代设计研讨会”，发表题为《以线取象 以形写神——中国古典图形的认知与表现略说》大会主题演讲，并收入大会论文集，山东画报出版社。2003年应复旦大学《博雅讲座》邀请做《艺术与治学》讲座。发表论文《“出路”与“主流”》，载于《艺术当代》。2002年出版著作《吴湖帆词典》（与江宏合着），上海古籍出版社。出版著作《中国历代名画点读·百竹图说》，上海画报社。2001年参加上海书画出版社暨《朵云》编辑部主办的“海派绘画国际研讨会”，撰写论文《现代认同与自我性》，载《海派绘画国际绘画研讨会论文集》，上海书画出版社。出版著作《酒酣心自开》（与郑巨欣合作），浙江美术出版社。2000年担任责任编辑的《现代设计大系》五卷本出版，获首届国家艺术类图书三等奖、上海市优秀图书一等奖、浙江省科研成果一等奖。发表论文《传统与出路》，载于《朵云》。1998年出版著作《簪花仕女——先秦汉唐的绘画艺术》，上海人民美术出版社。1997年出版著作《创造与永恒》（与江宏、陈翔合着），上海百家出版社。1996年主编出版《清六家画丛·王翚画集》，上海人民美术出版社。1995年参加上海书画出版社暨《朵云》编辑部主办的“赵孟俯学术研讨会”，做题为《巨眼之识——从董其昌看赵孟俯》大会演讲，论文收入《赵孟俯研究论文集》，上海书画出版社。发表论文《中国第二代油画家的历史地位》，载于《典藏》。1994年出版著作《民族艺术精华》（与江宏合着），福建教育出版社。发表论文《中国绘画的私人化演化取向》，载于《朵云》。1993年出版著作《中国画心性论》（与江宏合着），上海书画出版社。发表论文《线·私人化·动作整合》，载于《书法研究》。1992年参加上海书画出版社暨《中国绘画研究季刊——朵云》“清初‘四王’国际学术研讨会”，发表专题演讲《“四王”——一个关乎当下的课题》，论文收入会议论文集，上海书画出版社。参加无锡市举办的“倪瓒国际学术研讨会”。发表论文《西方观念下的被选择》，载于《青年报》。1991年参加《朵云》举办的“潘天寿艺术研讨会”。参加上海交通大学艺术系举办的“中国画艺术研讨会”。发表论文《中国画的文脉》，载于《朵云》。1990年发表论文《重新发现时间——对〈论中国画的整合〉一文的时间观考察》，载于《朵云》。发表论文《“南北宗”论语境展示》，载于《朵云》。1989年参加上海书画出版社暨《中国绘画研究季刊——朵云》举办的“董其昌国际学术研讨会”，发表论文《“南北宗”论的语境展示》，论文收入会议论文集，上海书画出版社。1987年发表论文《范式与式微》，载于《朵云》。1986年应邀参加北京大学“首届文学艺术节”，做“新具像的批评”专题演讲。1985年参与“西南艺术群体”的艺术活动，策划、组织《首届“新具像”画展》和《第二届“新具像”画展》。
《少数民族题材中国画创作与研究》 收录于CNKI。《关于当代少数民族题材中国画创作的反思》 收录于中央民族大学大学美术学院成立50周年学术论文集
首先，投稿的话，你必须找个靠谱的编辑或者书社来投稿，否则，你会遇到许多麻烦，要看准眼光，不要被利益所迷惑
《国画家》《美术界》《美术大观》等等
首先是初审。将论文进行分类并交给各栏目的学术编辑，由编辑进行初审（1-3个工作日） ； 然后要求修改润色。根据初审的具体情况，编辑往往会根据杂志社的要求给作者提出一些关于文章的修改要求，作者需要针对此进行不要的调整和修改，以便论文顺利发表。 文章检测抄袭率（一般在中国知网进行）。因检测论文抄袭率将产生费用（论文检测的费用或由社内承担，或由作者交纳），所以论文检测是在费用办理后进行的。组稿文章可先检测。提稿、复审。编辑初审过了，接下来就由编辑将稿件转给审稿专家（有的刊物在网上有在线审稿、编稿系统，他们直接就在网络上完成了），审稿专家审稿主要就看文章的学术含量了，但他们也会考虑到该刊物的接受水平。 定稿。审稿意见返回编辑，编辑再转给主编终审（有的刊物会定期召开编委会议，专题讨论论文录用与否），确定通过了就由编辑向作者发出通知。不过这些步骤如果是新手的话就太占用论文创作的时间，现在一般都是找学术优选帮忙处理。
艺术类，《大众文艺》杂志国内统一刊号: CN 13-1129/I 国际刊号： ISSN 1007-5828《大众文艺》是河北省文化厅主管、河北省群众艺术馆主办面向国内外公开发行的省级优秀学术期刊。 本刊为中国学术期刊网全文数据库(CNKI 中国知网)全文收录期刊 中国核心期刊(遴选)数据库收录期刊 中国学术期刊(光盘版)全文收录期刊 投稿邮箱：
浅谈汉隶书法艺术审美特征汉代是我国书法艺术发展史上极为灿烂辉煌的时期。从书体上说，是诸体兼备，交互并存，由其前的繁难诡谲，经秦的改造，趋于简易。篆书间或使用；隶书通行于世；新兴的草书刚刚出现，便呈风靡之势；行书与楷书也于书写实践中孕育萌芽。从书写的主体来说，有达官贵族，文人骚客，更多的则是社会不同阶层的士人和庶民，地位悬殊，个性有别，“无意于书”，迥然异趣。从书法的载体来说，有金石碑版的刻划范铸，有简牍纸帛的濡墨染翰，不 同的材料造成了不同的艺术趣味与风格。一言以蔽之，可谓是琳琅满目，气象万千。在这纷繁、丰富、多变、杂错的书法景观里总结、抽绎其审美特征，委实不易。与隋唐以后的书法史学相比，汉代书法研究存在的主要困难是史料的缺乏。在汉代书法艺术尚未完全“自觉”这一背景下，我们难以苛求古人给我们留下更多的创作心得、经验总结与审美体验，因此，“和研究艺术家的意图与理论相比，更有价值的是，在共同的社会文化背景上对各种艺术加以比较” ，或许使我们能够摆脱单纯的技法、风格分析研究所带来的狭隘的思想观念和对汉人书法不尽完整的破碎支离的理解。因为“只有在同一个文化系统中才能找到那些有意无意间共同支持着的一些共同的元素……他们甚至可以超越时空，形在一种令人惊讶的统一性。” 在寻求这一“统一性”的基础上，我们努力探寻的正是汉代书法中所蕴藏着的那一时代共有的艺术精神。一、以丽为美“丽”在汉代是一个重要的审美范畴。它同中国古典美学中常说的“美”在概念内涵上不尽相同。前者“突出了美诉之于人们感官的鲜明性、愉悦性，用之于形容辞赋之美刚好合适”，后者“却无这种突出的含意，而且在儒家的观念中，经常带有严肃的伦理道德的善的意味，并经常被用作善的同义词。”司马相如论作赋时说：“合綦组以成文，列锦绣而为质，一经一纬，一宫一商，此作赋之迹也。赋家之心，苞括宇宙，总览人物，斯乃得之于内，不可得而传也。” 这里，儒家常说的“质”与“文”分别被解释成为锦绣和锦绣上用彩色丝线织成的花纹，锦绣与花纹要象经纬宫商那样交互辉映，和谐统一。同孔子的“绘事后素”观念不同，司马相如更加倾向于那种夺人心目的、使人心摇神荡的穷极绮丽之美。相如之后，扬雄也谈到辞赋文词之美，要如“雾 之组丽”(《法言•吾子》)，轻柔缥缈，绚烂多姿，他甚至认为“女有色，书亦有色”(《法言•吾子》)，文章要象美女一样，秀色动人。尽管他又说：“诗人之赋丽以则，辞人之赋丽以淫”(《法言•吾子》)，但他无非要求美要符合圣人之道，实质上，并不否定美的价值。“汉兴，枚乘、司马相如，下及扬子云，竞为侈丽闳衍之辞” ，在他们的作品里，“丽”是一种臻于极致的美，一切看来美的事物都要用“丽”来形容。如京都长安之美，谓“世增饰以崇丽”(班固《西都赋》)；宫殿建筑，“非令壮丽，亡以重威”(《汉书•高帝纪》)；皇家苑囿，“君未睹夫巨丽也，独不闻天子之上林乎?”(司马相如《上林赋》)；帝王的伟大形容为“丽哉神圣”(扬雄《羽猎赋》)，或曰“帝王之神丽”(张衡《西京赋》)；优美的音乐，“靡丽浩侈”(枚乘《七发》)；动人的舞蹈，是“丽于阳阿”的“妙舞”(边让《章华赋》)；优美的文章，“文丽而务巨，言眇而趋深”(王充《论衡•定贤》)；婚丧嫁娶，“纷华靡丽”(《后汉书•安帝纪》)；伦理风尚，要以“道德为丽”(《汉书•东方朔传》)，连英俊的男子也要形容为“容貌甚丽”(《汉书•公孙弘传》)，颀秀的树木，也被称作“丽木”。可见“丽”的观念在汉人心目中的地位。王钟陵先生认为：“繁富靡丽是汉代文艺美学风貌的主要特征，如果我们试图用一个词来概括汉人的审美情趣的话，那便是‘富丽’，或曰‘靡丽’，更简洁地说就是一个字—‘丽’。……在汉代的著述中，由‘丽’作词素所构成的词语也特别多：‘崇丽’、‘神丽’、‘ 丽’、‘华丽’、‘奢丽’、‘夸丽’……因此我们可以说，‘丽’正是汉人审美情趣最简炼的表述。” “丽”的审美内涵是什么?“丽”既不是冶艳媚俗，更不是古拙霸悍。宗白华先生认为，“楚国的图案、楚辞、汉赋、六朝骈文、颜延之诗、明清的瓷器，一直存在到今天的刺绣和京剧的舞台服装，这是一种美，‘镂金错采、雕缋满眼’的美。汉代的铜器、陶器，王羲之的书法、顾恺之的画、陶潜的诗、宋代的白瓷，这又是一种美，‘初日芙蓉，自然可爱’的美 ”。显然，“丽”是指一种富丽堂皇之美，是一种精雕细琢富有装饰意趣的美。蔡邕在《九势》中也用“丽”来形容书法的美感：“下笔用力，肌肤之丽”。“肌肤”就是书法的血肉，作品的外表。“丽”的美感正体现在汉代书法的外表上，尤以成熟的八分和铜器、陶器上的铭文表现得最为突出。如果说，汉大赋的“夸饰”与“藻饰”是用一种夸大、夸张、夸耀的手法与文采华丽的语辞形式，来增加、强化、张扬客观对象的壮貌和美，使之成为不同于客观对象的文学表象和审美对象的话，那么汉代的书法也基本上采取了这一夸张、修饰的手法和“语辞”形式，二者具有异曲同工之妙。“夸饰”的手法常见于西汉简牍。1974年甘肃额济纳旗破城子汉甲渠侯官遗址出土的西汉木签，左波右磔，笔画丰肥，粗细对比几达数倍，每有“年”、“令”字样，往往一纵而下，毫无拘泥之态。1973年甘肃甘谷渭阳一号汉墓出土的简牍，字形宽扁，中宫紧收，波磔肆意舒展，“挽横引纵，左牵右绕，长波郁拂，微势缥缈”，“翘首举尾，直刺邪掣，缱绻结体， 衫夺节”。 这种“夸饰”的笔法，把隶书横向取势这一特征进行了极度的夸张，给人以强烈的视觉冲击和心灵震撼。而隶书的形象也由此而深入人心，并得以固定强化。隶书在两汉中晚期初步定型以后开始了修饰装扮。1973年河北定县四十号汉墓出土的汉简，波磔已具装饰意趣，其行笔的提按、收放、擒纵，其点画的粗细、曲直、刚柔，都体现出这一时期的书家已不满足于篆书字形解散开放后的夸张放纵，他要把简朴、直观的隶书变得委婉细致，变化多端，血肉丰满，形神俱备。东汉中晚期的碑刻隶书最见其“藻饰”之功。《史晨》、《华山》、《乙瑛》、《熹平石经》诸碑，波磔呈典型的“蚕头雁尾”的形象，点画两端厚重丰满， 纤适度，刻意求变，极具华滋精丽之意；其转折也不是简牍隶书中的一折而过，或断或连，或耸或收，或折笔潜行，或提笔搭折，不一而足，形式多样。这些手法，都使得作品充满了浓厚的装饰意趣。汉代的金文与陶文“藻饰”之趣最为浓厚。范铸的文字，严谨细致，设计周密，字形工稳，排列整齐，配合器物的形制与装饰图案，刻意美化，或增减笔画，或变形夸张，或外加边框，或间杂纹饰，文字与图案融为一体，不加辨别，难以区分。刻凿的文字，虽以刀代笔，但技艺娴熟，大多能够做到行笔流畅，点画准确，其文字造型与章法布局也经缜密的规划，故能紧饬严整，灵便生动，与器皿相协调。玺印上的文字，多为缪篆，依印章形制，精雕细琢，蟠屈缠绕，特别是鸟虫篆印，饱满茂密，袅娜多姿，极尽繁缛之能事。总体上，汉代的书法特别是隶书，自西汉中晚期初具规模之后便走向“藻饰”了。尽管与魏晋隶书的刻板和宋元隶书的纤巧相比，汉隶朴拙敦厚之风鲜明浓重，但那是汉隶继承、保留篆书的质朴古厚所必然呈现出的内在神情。翦伯赞先生曾用一生动的比喻来描述楚辞与汉赋：“若以汉赋比于楚辞，则汉赋正犹一满头珠翠之盛妆繁饰的公主，而楚辞则是一满怀幽怨淡妆轻抹的思妇”。 与汉赋相同，汉隶也是“盛妆繁饰”，光彩焕发。“古质今妍”，我们看待古人的作品，年代愈久远则愈加高古，遥远深邃的时空常常给人造成这种错觉。其实，汉隶并不象后人普遍认为的那样质朴，把它放诸秦汉文化大环境中去看，不用说商周，即使秦国的儒生也要指斥汉人的隶书过于精雕细琢，那翩跹扬举的蚕头与雁尾，实在是冶艳惑俗，这不是儒家极力反对的“淫丽”的“郑声”之美吗?当然，这里只是强调汉隶的“肌肤之丽”，而透过这一外表形象，其骨子里拙朴刚健仍与那一时代的主流文化精神是息息相通的。汉隶的以“丽”为美，固然与儒家所推崇的质文并重以及两汉士人“文质班班，万物粲然”(扬雄《太玄经•文》)的审美理想有一定的关系，而“丽”这一观念的形成，也与汉代楚风北渐这一文化现象密切相关。“汉承秦制”，但“在意识形态的某些方面，又特别是在文学艺术领域，汉却依然保持了南楚故地的乡土本色。” 鲁迅先生也曾经说过：“故在文章，则楚汉之际，诗歌已熄，民间多乐楚声，刘邦以一亭长登帝位，其风遂亦被宫掖。盖秦灭六国，四方怨恨，而楚尤发愤，誓虽三户必亡秦，于是江湖激昂之士，遂以楚声为尚”这些都说明，汉代文艺在内容和形式上，与楚文化有着内在的继承和融合的关系。中国南北文化的差异，由来已久，有着深厚的历史渊源。梁启超在《中国地理大势论》中云：“燕赵多慷慨悲歌之士，吴楚多放诞纤丽之文，自古然矣。自唐以前，于诗于文于赋，皆南北各为家数。长城饮马，河梁携手，北人之气概也；江南草长，洞庭始波，南人之情怀也。散文之长江大河一泻千里者，北人为优；骈文之镂云刻月善移我情者，南人为优。盖文章根于性灵，其受四周社会之影响特甚矣。……由是观之，大而经济、心性、伦理之精，小而金石、刻画、游戏之末，几无不与地理有密切之关系。”汉以前，南北书风迥然有别。郭沫若先生认为：“两周的金文地之比邻者，其文化色彩大抵相同。更综而言之，可得南北二系。江淮流域诸国南系也，黄河流域诸国北系也，南方尚华藻，字多华丽，北文重事实，字多浑厚，此其大势也。”考察一下秦汉之际的隶书，南北书风的差异也大体相同。南方的《阜阳汉简》、《张家山汉简》、《马王堆帛书》均含蓄潇洒，秀逸摇曳，而北方的《青川木椟》、《睡虎地秦简》、《临沂双雀山汉简》则遒健雄浑，峻峭凝重。但此种差异，不到百年的时间便被整合统一了，西汉中晚期的简牍隶书，不论南北，都变得清峭柔远、劲切雄丽了。抛开文字的发展演变与思想观念的影响不说，单就楚风对北地的浸染，也不可忽视。因为在汉代，人们听到的音乐是楚声的慷慨狂放，看到的舞蹈是长袖飘举的楚舞，吟诵的辞赋是从楚辞发展而来的汉大赋，这扑面而来的楚风对中原乃至西陲都形成了弥漫之势。那么书法风格由凝整沉著渐变为雄浑清丽也是顺理成章的。二、以势为尚古人论书，多重“形势”。东汉蔡邕在《九势》一文中最早提出书法艺术中的“形势”：“夫书肇于自然，自然既立，阴阳生焉；阴阳既生，形势出矣。”在这位博学的艺术家眼中，自然始终处在生生不息的和谐的运动之中，任何事物都在运动中蕴含着正反、阴阳、虚实、反背的情态与动势，书法的“形势”则根源于这一自然的阴阳变化。书法中的“形”与“势”不是对自然界中物象的具体模拟，而是要表现出一种抽象的自然之势。“形”与“势”是统一在一起的，“形”是“势”产生的基础，“形”中有“势”，方能符合自然阴阳变化的规律，有“形”而无“势”，则“形”无运动之生命。蔡邕没有具体说明“形”与“势”的含义，但移之书法，“形”，指的就是点画、结字、章法，而“势”则是蕴含于其中的运动方式、自然法则及其动态趋向。具体到汉代书法的“势”，可以从三个部分进行深入的分析研究，即点画之势，结字之势与章法之势。（一）点画之势刘熙载在《艺概•书概》中曾论隶书用笔之势与篆书的区别：“书之有隶，生于篆，如音之有徵，生于宫。故篆取力 气长，隶取势险节短，盖运笔与奋笔之辨也。”所谓“力 ”就是“笔力集中、聚拢，也就是要求中锋用笔，藏头护尾，峻涩间行，墨不旁骛，线条沉着而有力”；所谓“气长”，“就是气韵悠长、冲和，也就是要求平心静气，徐缓运笔，右戾左引，纡余委婉，气脉随着圆转延连的线条宛转而流通，直至收笔，其势仍足，毫不衰馁。”而隶书则与之相反，笔画相对径直，用笔骏发，出锋迅疾，节奏急促，特别是那些草率急就的隶书和尚未成熟的草书，更呈险疾之势。与篆书舒缓悠长的静“势”不同，这是一种运动的动态之“势”，一种具有节奏与速度的势，其势如“彤管电流，雨下雹散” ，“势来不可止，势去不可遏” 。这一奋发迅举的“势”在汉代简牍里表现得最为生动。因为简牍隶书多出于实用之需，奋笔疾书，在保持书写速度的同时，无意间形成了这一峻险之“势”。但在东汉中晚期的碑刻作品里，这种“势”稍加收敛了。蔡邕《九势》对点画用笔如何造“势”提出了具体的规定：“凡落笔结字，上皆覆下，下以承上，使其形势递相映带，无使势背”转笔，宜左右回顾，无使节目孤露。藏锋，点画出入之迹，欲左先右，至回左亦尔。藏头，圆笔属纸，令笔心常在点画中行。护尾，点画势尽，力收之。疾势，出于啄磔之中，又在竖笔紧 之内。捺笔，在于趱锋峻 用之。涩势，在于紧�战行之法。横鳞，竖勒之规。”显然，在东汉的士人书家看来，简牍上的迅疾之“势”稍乏纡余款婉，也不含蓄，其表现过于外露，所以要“左右回顾”，“画点势尽，力收之”，要将“势”贯穿到点画行使过程之中，含忍内蓄，而不使其无节制的险峻峭拔；“令笔心常在点画中行”与“紧��战行”又规定了取“势”的基本方法，用此笔法，点画中含饱满，其“势”必厚，其“势”必缓”，其“势”必内敛沉着。蔡邕对“势”的理解带有浓厚的儒家“中和”的审美倾向，但我们看汉代的书法，点画无论峭激孤露与否，其“势”都是充满了生命的冲动与创造的激情，这是与其时代的审美精神相一致的，汉以后，特别是到了清代，人们虽然还在写隶书，但其“势”与汉代隶书中的“势”已大异其趣了。（二）结字之势宗白华先生在谈到中国园林建筑时说：“在汉代，不但舞蹈、杂技等艺术十分发达，就是绘画、雕刻，也无一不呈现出一种飞舞的状态。图案画常常用云彩、雷纹和翻腾的龙构成，雕刻也常常是雄壮的动物，还要加上两个能飞的翅膀。充分反映了汉民族在当时的前进的活力。” 的确，在汉代的建筑、绘画、舞蹈、雕塑的造型中，普遍地存在着一种飞动之“势”。汉代的建筑虽然早已不复存在，但我们从出土的陶质建筑模型与汉画像石中可约略见其屋盖采取的是“反宇”的式样。所谓“反宇”，“是相对直坡屋面来说的，其早期形式即抬高檐椽前端，使檐部上反，因而其屋面各坡皆呈折面。”“四川牧马山东汉墓出土明器、河南郑州二里岗东汉墓出土明器、四川省郫县东汉墓石棺画像等，都有此类材料。” 班固的《西都赋》描写西汉首都长汉宫殿有“上反宇以盖载，激日景而纳光”的话。张衡的《西京赋》言其形“反宇业业，飞檐 ”，李善注曰：“凡屋宇皆垂下向而好，大屋飞边头瓦更微使反上，其形业业然。”与出土文物相比照，可见西汉时期“反宇”的屋檐已经存在。与西方建筑的高耸入云、直刺穹隆不同，中国建筑是平面横向展开的。特别是“反宇”的屋宇，象鸟翼一样，呈现出一副张举飞扬的姿态，使得建筑在静穆均衡中获得了轻松美妙的节奏和韵律。汉代的绘画善用线条来描绘物象，那卷云的翻滚，衣带的飘逸，龙体的纵曲，猛虎的奔势，通过运笔勾线的轻重、强弱、疾徐、虚实、转折、顿挫，从而表现出节奏的铿锵和旋律的飞扬。至于汉代雕塑中的精品《马踏飞燕》更是“良马腾骧，奔放向路” ，飞动之势，不可遏止。还有那画像石中刻划的舞女，屈伸俯仰，长袖飘扬，也是有一种飘然欲举的飞动的美感。书法也是如此。成熟、典型的隶书均左右背分，横向取势，它不象秦小篆那样巍峨修长，纵向开展，而是在一个平面上向左右横向拓展。其中宫紧收，对称规整，沉稳厚重，似嫌笨重，而一字之中，每每有一长横，或有一撇、捺，一波三折，翩翩欲飞，划破了方正的单调。在隶书里，还不像以后的行草书那样讲究用笔结字的变化，其姿态所富有的动感，正是通过这波画的粗细、曲直、刚柔来取得的。古人曾用极具形象的比喻来描述隶书这一独具的美感：“若虬龙盘游，蜿蜒轩翥，鸾凤翱翔，矫翼欲去”，“远而望之，若飞龙在天，近而察之，心乱目眩，奇姿谲诡，不可胜原。” 这些都说明，古人已发现了隶书不同于其它书体的独特之处。我们很难说，书法与建筑、绘画、舞蹈、雕塑之间在造型上有无相互间的启示与借鉴，这似乎无从比较。但这势如飞动的艺术群体，以其鲜活的形象、强烈的动感、统一的风格，展示了两汉时期中华民族昂扬进取的时代精神和宏伟阔大的文化风貌，使后人对其时的社会心理、审美理想的认识也更为全面和丰富。（三）章法之势结字是点画与点画之间的关系，章法则是字与字之间的组合。汉代的隶书，根据材料形制，章法没有统一的规定。常见的东汉碑刻，多夸大字距，缩小行距，横列的紧凑与纵行的疏阔形成强烈的对比，而横向的排列与字势的横展又相呼应，形成一种排叠式的联翩飞动的空间形式；另有一种，字形方整，中肆旁敛，字距行距紧密，通篇茂密而充盈，如《衡方碑》、《 阁颂》之类；一些摩崖刻石，依石而就，若《开通褒斜道刻石》，结字闳阔，字形大小、长短、宽窄、斜正不一，参差错落，有“乱石铺街”之趣。也有的刻石如《杨淮表记》，不分横列，只有纵行，字体宽窄大小不拘一格，亦有一种散逸之美。简牍上的章法，均无定制，多拉大字距，求其疏朗，便于阅读，也有的为节约空间，紧凑安排，密密麻麻，如江苏连云港市尹湾汉墓出土的《吏员总薄》与《武库集薄》，长书密集达四千字左右。简牍上的草书，受隶书的影响，尚不能像今草书那样连绵起伏，多字字独立，加以简牍窄小，故少有行间疏阔者，拥挤塞迫，密不透气，偶有一二大字，恣意放纵，稍稍使其宽解缓和。汉代的艺术，在布局的安排上，有一相通之处，即皆以铺陈为能事。不仅是汉大赋在重复的堆砌，事无巨细，不分重点，依次排开，一一叙来；连那些画像石也是如此，内容从天上到地下，从历史到现实，狩猎出行、宴乐起居、车马仪仗、祭祀求仙、角 百戏、辟鬼禳灾，各种事物和对象，依据内容的不同，被汉人不厌其烦地一层层地雕刻到石头上，人们在一块画像石上可以依次领略到神话仙人、人间贵族、下层奴仆的不同生活场景。甚至是陵墓里的陶俑，也依现实中军队的布陈方式，根据兵种，依次排布。书法的布白也大抵如此。东汉诸多巨碑，修饬紧密，矩度森然，步伍整齐，凛不可犯，充满了纵横雄沉的气势；简牍上的草书，“抑左扬右，兀若竦崎，兽跂鸟 ，志在飞移，狡兔暴骇，将奔未驰” ，笔软而生“奇怪”，拥挤密实的字形，如同汹涌澎湃的潮流席卷而来，“势”不可挡。如前所述，将风格各异，书体多样的汉代书法的审美特征进行整理概括，并非易事。但人类文化，如四序推迁，万象亦同生代谢，各种现象，往往相将携出。书法审美精神不应仅就书法自身的变迁而单独对待，一时之书，与一时代的思想、文化、风尚以及同时产生的绘画、建筑、雕刻等等，有着不可分立的关系。汉代书法以“丽”为美，以“势”为尚，虽不能完全涵盖两汉时期书法的整体风貌，但放置特定的时代环境之中，正是那一时期主体文化精神所共有的。
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如何面对中国画创新问题绘画是创造性的艺术，绘画的艺术价值就在于创新。绘画的创新与自然科学中的发明创造没有什么区别，唯一不同的是，绘画属于社会科学的范畴。绘画的创新除了能给人带来全新的感官刺激外，其艺术内涵要与观赏者的心灵沟通，达到震撼人心的效果。绘画艺术的创新如果离开了这个根本，也就不存在什么价值了，绘画艺术正是在不断的创新中向前发展。中国画的发展同样存在着创新的问题，然而，当今的中国画家面对中国画的创新问题，却存在着截然不同的认识。绘画的创新决定于技法的变化与艺术风格的体现，为了达到这个目的，多数画家都倾向于在“术”的环节中煞费心思，其结果，要么是局部的改良，要么是人为的制作，要么是嫁接西方的油画技法。尽管如此，其结果却难以令人满意，面对如此结局，有时连作者本人也为之感到惭愧。更有甚者，为了强夺人意，硬要为其冠以“现代”或“前卫”的名头，实际上恰恰暴露了一些人的浮躁与急于求成的心态。从这个现象中反映出一个重要的问题，那就是，失去理论指导或根本就没有理论作为创新的基础，抑或只刻意在“术”中求“术”的框框中寻求创新，最终只能使中国画的发展走向衰落。中国画的创新问题出现了这么多不尽人意的现状，其主要原因是，一些画家虽然深知只有解决了技法这一最基本的要求，才能够达到创新的目的，但是却不知解决技法创新的问题并不是单凭着画家的主观臆造可以获得，中国画技法的创新与变革来自于“理”，没有“理”作为研究技法创新的基础，很难实现创新的目的。创立新的艺术表现形式与新的技法表现形式是件十分严肃的学术问题，因此面对中国画的技法创新问题必须认识到一个事实：要以中国画发展之“理”认识中国画的技法创新问题。这样可以从理论上看到中国画技法创新之根本，产生有理论根据的中国画新的艺术表现形式与新的表现技法。现在有许多中国画家面对创新问题，很少有人以中国画发展的根源研究中国画的创新，更谈不上以哲学与史学的理念认识中国画的创新问题，这就造成了看不到中国画创新的关键之所在，因此导致一些人忘记了事物发展的客观规律，反而以人的主观臆断、自以为是的心态去面对一个十分严肃的学术问题，这种既没有理论根据，又没有正确的艺术思维主导的所谓创新，又怎么会达到创新成功的目的？尤其那种对本民族传统文化无知的鄙视、无原则的失落，这不仅反映出了一些画家由于自身知识的肤浅而造成的偏见，更多的是对自家文化的不负责任，故此也就不难理解当今中国画界出现的那些所谓的“前卫”艺术，为什么会有变相抄袭西方之嫌的问题了。所谓创新应体现出两个方面的问题：其一是创新方法，其二是以正确的艺术见解表现其艺术内涵的深度。解决创新方法的问题最重要是要建立起新的艺术体系，使其更加完善，这是中国画建立新的艺术表现形式与新的技法表现的最基本条件，离开了这个条件，以其主观臆想而产生的某种技法与风格都难以成立。只有在符合中国画发展的艺术体系与艺术思维的指导下，才能够产生出全新的中国画表现形式与表现技法。然而，这一切直接触及到的就是如何对待“笔墨”的问题，有人认为过分强调“笔墨”，会窒碍中国画的发展；也有人认为强调“笔墨”，中国画就无法“转型”等等，以至近百年来多数人对此一筹莫展，莫衷一是。事实上这种提法非常主观臆断，缺少足够的理论依据，中国画的“笔墨”一直是随着“理”的原则在改变，以中国画之“理”来认识中国画的“笔墨”问题：“意象”之理必然会产生表现“意象”笔墨之方法；“象意”之理必然会产生表现“象意”笔墨之方法；“悟象”之理必然会产生表现“悟象”笔墨之方法。然而万变不离其宗，这个“宗”即中国传统文化，脱离中国传统文化就无法表现出具有中国文化内涵的艺术风格。面对中国画创新问题，只有沿着中国画艺术规律而行才能顺利向前发展。中国画家如果对自己民族传统文化没有深入彻底的认识，那将永远不知道如何去面对当今中国画的创新问题，当然也不可能在中国画界以及中国画发展史中占有一席之地。以此理而论，中国画发展并不存在怎么“转型”的问题，实际这种所谓“转型”的提法，完全是由于一些人对中国传统文化认识的匮乏，对西方文化的一知半解而产生的主观臆断。除此，还有人在中国画发展出现问题的今天，提出了中国画应与西方艺术“接轨”的论调，然而他们并未搞清楚，中西方存在着不同的哲学理念。中西绘画无论是哲学体系，还是艺术体系，它们不仅是独立的，而且均体现出各自不同的民族特性、文化底蕴与思维形式。一些中国画家及理论家面对中国画的前途问题，提出“接轨”的论调是不切合实际的，表现出他们对中国画艺术发展的悲观心态。中西绘画是在两种不同的艺术思维与艺术体系引导下产生的艺术形式，那种不问其“理”，只谈“接轨”的论调，只会将中国画的发展引向歧途。如何以正确的艺术见解表现出新的艺术思想，即表现出艺术作品之灵魂，这是画家们应该认真思索的问题。一个没有成熟艺术见解的画家，不可能创作出具有深厚内涵的艺术作品，更不可能产生震撼人心的艺术效果。当前一些青年画家对中国画创新问题，多倾向于所谓的“实验”，甚至一些评论家对此也大加欣赏、极力鼓吹，然而这种实验的结果又当如何呢？事实并不乐观，反而却给中国画的发展与创新带来了更大的困惑。何谓“实验”？“实验”即是一种尝试，或成功，或失败。积极地看，当前出现的所谓“实验”美术，客观上反映出了一些关心中国画发展前途的画家为之做出的努力。然而由于这种“实验”是在一种缺乏理论依据的前提下出现的产物，不可能形成一种体系，更无法表现出更深刻的艺术内涵，因此，这种“实验”无法成功，不乏带有一定的盲目性。这就成了一种失去理性的盲动，其唯一可以依靠的理论，即画家的所谓“感觉”或主观臆测，这种缺少理论根基的谬误之“理”，又如何能够成其为“实验”美术的理论支柱呢？因此也就很难达到其“实验”的目的，以及具有理论性的说服力。面对这种所谓的“实验”作品，不难看出一些作者无非是受了当代西方抽象思潮的影响，将西方所谓的抽象转嫁到中国画的宣纸上而已。因此可以断定，这些画家对西方绘画的发展与现状，并未从理性上去认识，只是在表面得到某种偏激的启示，岂不知自己已经跟随西方绘画走向无奈。浮浅的认识带来了错误的理解，错误的认识必然导致不伦不类的作品，其表现出来的东西要么奇丑无比，要么糊涂乱抹，甚至连作者本人也说不清自己在表现什么，对此还能有什么艺术内涵而言，更谈不上以创新而论。虽然有人将这个现状看作是与西方艺术的“接轨”，但是以吾之见，这种所谓的“接轨”实则是在“搭车”，是在步西方早已失去理论支柱的所谓“前卫”的后尘。当前在中国画发展中出现的这种毫无理念与理性，盲从“接轨”、盲目实验的结果，最终导致的是对本民族传统文化的变相否定与放弃，得到的则是非中非西的“夹生饭”，很难产生独立的艺术体系与代表中华民族文化的中国画艺术。另有一种以标“新”的文字游戏而出“新”的所谓“新文人画”，更是令人啼笑皆非，细观其作品，无论从“字”到“史”，从“意”到“雅”，都难以与“文”搭上关系，更不可能与以苏东坡为代表的古代文人画相提并论。甚至有些“文人画”作者标榜为绝句的诗，竟连平仄都分不清楚，还如何谈得上“文”，更不要品其艺术内涵了。真不知如今的“新文人画”究竟“新”在哪里，也不知其中的“文”是超越了古人，还是落后于古人，对此其作者是否真的搞清楚了？无论是“实验”出的作品，还是“新文人画”，为什么很少博得专家的赏识，以及人们的喜爱呢？其原因并不是欣赏者的水平差，重要的是人们需要的是美的艺术，需要的是能与人心灵相沟通的艺术，需要的是有深邃艺术内涵的作品以及货真价实的艺术作品。并不喜欢那种丑陋、脏乱、说文不文、说雅不雅、不伦不类的作品。事实说明，无论丑与美，重要的是与人的心相通皆可谓之美，那些并不知道丑中之美为何物，缺乏理性的以丑为美的所谓作品，只能使人感到一种狂燥与变态的心理在宣纸上的自我发泄，以及江郎才尽的表现。可以说人的意识、学识、心态决定了画家作品中的艺术含义，那种对西方艺术肤浅认识，以及不文充文的半瓶醋作风很难登上艺术的顶峰。中国画的发展越是到高级阶段，所体现出的艺术内涵就应该愈加深刻，这就要求一个画家必须具备真才实学，才可能体现出在当今文明发达的时代中，一个画家所应该具有的艺术深度。自古以来，绘画创新一直是画家通向成功的唯一出路，同时也是一条艰难曲折的道路。这就要求画家必须建立起良好的艺术心态，提高自身的艺术修养，才能够在创新的道路上走向成功。然而历史上有成千上万的画家在这条道路上摔倒，甚至至死不悟，就算是有成就的画家，往往都是耗尽了大半生的精力才获得成功，这足以证明绘画创新的艰难程度。绘画艺术是天才加勤奋的事业，无论谁，只要拿起画笔将其作为事业，就意味着在用自己毕生的精力赌其成败，故切慎之。
刚刚看到，所以现在才来，先给点意见。楼上的讲的是书法哦~~讲的倒是很详细，如果可以用，就可以采纳了。先说说我对论文的建议，中国画发展源远流长，如果仅就中国画来写，必然范围很大，建议范围越小越好，小到一个点，当然这是偶们老师的看法。比如皴法的发展演变，比如人物画背景的发展演变，比如你眼中的青绿山水和水墨山水哪个更具优势，再比如你对现代社会中国画的看法等等。如果是毕业论文，我记得我们要求三万字左右，写起来很费事的。需要的资料更多。 顺便一说，其实我主修不是中国画，了解的不多，不好意思啊......
王俊松，1951年生于安徽省蚌埠市中市区的艺术世家，曾就读于西安美术学院、西安外语学院日语系，中国艺术研究院研究生学历，现为民革中央画院副秘书长兼策划展览部负责人、北京中联国兴书画院副院长兼秘书长、北京《中华名人书画》杂志社副总编辑、安徽第八、九届省政协委员、中国美术家协会会员，醉美中国创作组成员。王俊松早年师从白雪石和刘文西两位大家，观赏王俊松描绘黄山黄河的巨制大作，读者会被那大河奔流、浪卷飞雪、悬涛激壁、万雷震地的画面所震撼，被那奇兀凝重、灵动秀美、清致飘逸的景色所沉醉。《美术》杂志的《大象磅礴，独树新风——王俊松山水画近作解读》一文曾着重解读其山水画作中的“光影山石皴法“，文中这样评价道：”他将‘以书入画’与‘以画入书’有机贯通“，“把现代平面设计因素移植到山水画创作之中”，自成一家。 中国山水画作品《大河奔流》、《黄山晓色》相继镶挂在天安门城楼大厅正面。《迎客松》镶挂在北京人民大会堂东门一楼接待厅。《黄山朝晖》被北京人民大会堂镶挂收藏，《黄河晨风》被中南海国家机关镶挂收藏，《黄山迎客松》被民革中央镶挂收藏，《江峡长风》镶挂在交通部一楼大厅，多件大幅作品由国家机关、解放军和武警部队机关、多位党和国家领导人和国外名士收藏。山水画作品参展于中国美协主办的《中国画三百家展》、《迎香港回归展》（获成就奖）、《迎澳门回归展》、《世纪中国风情中国画展》、《世界华人书画展》、《“黄河壶口情”中国画提名展》、《第四届中国美协会员中国画精品展》，文化部主办的《全国第八届群星奖美展》，获《’86华东青年美展》一等奖、《全国“亚太杯”书画大展》金奖、《’97炎黄同心中国书画大展》金奖、《全国西部风情书画展》一等奖。在国内的北京、广州、南京、合肥、扬州、镇江、蚌埠、仪征、宁波、象山、三河等十多个城市举办个展，两次赴日本、多次赴香港和在台湾、巴西圣保罗市举办个展或联展。 多幅国画作品和多篇美术论文发表或连载于《人民日报》、《人民政协报》、《团结报》、《中国艺术报》、《中国书画报》、《美术报》、《中华工商时报》、《北京晚报》、《南方日报》、《美术向导》、《美术之友》、《团结》、《书画收藏》、《中华书画》、《中华名人书画》、《安徽画报》等杂志，以及多部国家级大型画册。绘画作品的《中国黄山》系列邮票、《中国宣纸》系列邮票及美术邮资连体明信片、多套贺年有奖明信片由国家邮政局、中国集邮总公司发行。已出版发行《王俊松山水画》和《王俊松画集》。 多次受到党和国家领导人贾庆林、何鲁丽等同志的接见。贾庆林主席出访把王俊松的作品作为国礼赠送外国元首。多次在人民大会堂、天安门、民革中央等国家机关参加笔会，被中央《红旗》画刊称为“德艺双馨”的艺术家。
在专业刊物和重要发表各类论文10余篇。《书法导报》正版连载《论国学涵养对高等书法教育的多重影响》（杭州高等书法教育国际研讨会交流论文），20000字，影响较大。《新华文摘》转载一篇《论碑学的反思与再生》。（1）《姜澄清书学思想研究》（1999年，《中国书法》杂志第1期.）（2）《怀素狂草与酒神精神》（2000年，《贵州师范大学学报》社科版）（3）《大学书法教育与素质的关系》（2001，《贵州大学学报》艺术版）（4）《夺角视点：当代书法研究的方法论》入选“二十一世纪书法·天津论坛”，被评为“优秀论文”并入集。（5）《清代隶书勃兴的原因及其审美特征》（2003，《贵州师范大学大学学报》）（6）《论新文人书法与文化精神》入选“2003年广东新文人研讨会”。（文载《书画艺术》杂志2004年第6期）。（7）《重新认识徐无闻》（《书画文献》杂志，2004-6）（8）《王振中先生的中国画探微》（《当代贵州》杂志，2003-7）（9）《林散之书法的文化意义》（《中国书画》杂志，2004-3）（10）《萧散清逸嗣元风---蓝瑛绘画, 评赏》（《书与画》杂志，2004-6）（11）《二十世纪书法美学的回顾—-从美育到审美文化的研究》入选“第三届书法学暨发展战略”研讨会，文载《书法导报》2004-7-21）（12）《从秦汉简牍帛书谈对待文化的态度》（《书法》杂志，2004-8）（13）《论现代书法的内向开拓》（《现代书法20年研讨会文集》2005-10）（14）《黄庭坚书画理论对蜀学的贡献》（《艺术百家》杂志，2005-1）收入2009年《学术研讨会论文集》（华艺出版社，黄君主编）（15）《朱熹哲学思想对书论的影响》（《艺术百家》杂志，2006-4）（16）《洛蜀会通与理学书论》（《东南文化》杂志，2006-5）（17）《两宋理学书论概念诠释》入选《全国书学研讨会论文集》。（18）《技艺两进，心迹双清—徐无闻先生诗文书画里的人格精神》（《艺术品鉴》杂志，2007-1）（19）《朱熹书论的二重性及其价值》（《美术与设计》杂志，2007-2）（20）《魏了翁书论对理学书论的发展》（《社科研究》杂志（香港）2007-1）（21）《高等书法教育与全面素质的培养》（《中国教育导刊>杂志2007-5）后改为〈高等教育书法篆刻教学规律初探〉载〈<中国书画报>〉6月版。（22）《理学与性灵》（载《艺术百家》杂志2007-5）“第二届性灵派书法原创展研讨会”主题论文，作学术讲座。（23）《试论浙东理学书论的发展及特点》（入选“浙东书学研讨会”及<论文集>，主题发言）（24）《文道并重与新文人书法》（《新文人书法研讨会论文集》，主题发言）（25）《六朝文化研究的拓展综述》（《瘗鹤铭国际书学研讨会文集》，主题发言）（26）《吴门书派的盛衰与明清书法研究》（网络论文）（27）《理学书论与书家人格培养》（《中国画品》杂志2008-1）（28）《书法创作三态论》（《中国书法》杂志2008-4）（29）《苏轼的“技道双进论”与当代书家人格培养》（<<2008中国书法金陵论坛”论文集>>，中国文联出版社），又载〈书法报〉7月版三期整版连载。（30）《近现代印人的书法研究》（《中国书法》杂志2009-5，10000余字,附图30余幅）（31）《李鸿章书法的矛盾性研究》（《江淮书风研讨会论文集》，安徽美术出版社）（32）《徐无闻先生对泰山刻石的研究与创作》（2009，“泰山论坛”及“江苏青年论坛”，收入《江苏省青年论坛研讨会论文集》，中国文联出版社）（33）《尽笔墨之奇写山川之神---王振中先生的中国画探微》被选编载入《王振中画选》(2010年荣宝斋出版社)(34)<<魏晋书法的艺术精神>>长文被选入<<历届书法硕士生论文集>>(第一辑)(荣宝斋出版社2008)(35)论文<论国学对高等书法教育的多重影响>入选”高等书法教育国际研讨会”.(中国杭州.15000字.赴会重点发言.载入集.并组织十所艺术学院本科作品展。(36)《手札大家谈》（四人之人丘若）刊登《书法报》6-22第11版。文字4000字，附作品一幅手札。（张波主编）(37)2011年《中国书画》第8期刊登《名家谈当代伪二王书法》批评文章，图片。1500字。(38)论文《李鸿章的书法与书论》发表于《中国书法》第7期。（与王永良合作，第二作者）(39)评论文章《再论伪二王书风》在《中国书法》2012第1期“名家专栏”刊登。（40）《康有为书论的矛盾性研究》（（2013，入选“康有为奖中国书法岭南论坛，并入选《论文集》及《书镜》杂志等多种，重点发言。赴广东南海会议）（41）《碑学的反思与再生》（2013刊登于《中国书画报》4-20，《新华文摘》转载）。（42）《苏轼的技道双进论语当代书家人格培养》（2013，入选“笔墨东方--2013中国书法国际论坛研讨会”并入《论文集》。赴成都会议。 （43）《对当代书法创作现状的忧思》（2013-1，《中国书法》杂志刊登，核心刊物）（44）《新文人书法论纲四题》（2013，入选“第二届全国新文人书法研讨会”，并入《论文集》，《书镜》《中国美术研究》等刊物转载）（45）《书道：生命之魂》刊登于《美术视线》杂志第8期。（46）《启功的文化精神》刊登于《创作与评论》杂志。（湖南文联主办核心刊物）
国画毕业论文题目汇编
优秀的国画毕业论文题目有哪些呢?下面是我为大家收集的关于国画毕业论文题目汇编，欢迎大家阅读!
1.中国画山水中“云”的表现教学思考
2.“入”与“出”收获“形”与“象”--滋芜中国画艺术语言初探
3.20世纪中国画学之理论建构与价值取向
4.潍坊之所以成为中国画都的内在气质
5.略论任伯年在近现代中国画演进中的作用
6.中国画“藏”境及其审美意蕴初探
7.中国画的“缺笔”现象
8.中国哲学对中国画风格形成的深远影响之探讨
9.中国画意象色彩浅窥
10.浅谈敦煌壁画对当代中国画发展的启示
11.中国画与水彩画技法的互补教学法探析
12.探究中国画现代变革之路札记
13.中国画小品中的笔墨语言与气韵体现
14.略论中国画人物白描与素描
15.以色彩关系来表现中国画的意境美
16.中国画的特殊面目和精神
17.论中国画研究生教学与地方文化、画派建设的共进
18.浅谈传统中国画与陶瓷装饰“国画”技法的渗透
19.传统中国画艺术的色彩美学观对现代景观设计的启示
20.中国画写意精神的思维形态
21.写意中国画鉴赏与评价分析
22.中国画中的留白艺术探析
23.中国画中的线描艺术
24.探究敦煌壁画对当代中国画创作与教学的影响
25.戏曲题材中国画人物造型“写意性”研究
26.对中国画技法的研究
27.中国画创作要素浅谈
28.中国画与中国文化
29.浅谈中国画的创新与发展
30.从写意雕塑看中国画之写意精神
31.中国画笔墨形态研究
32.中国画论中的角色替换
33.中国画元素在陶瓷装饰中的'运用
34.浅谈书法练习对学好中国画的重要意义
35.中国画的艺术表现对留青竹刻的影响
36.篆刻与中国画关系的当代思辨与启示
37.浅谈中国画学习感受之创作
38.中国画“墨戏”论的文化心理学诠释
39.书法在中国画中的运用
40.中国画中的气韵美与女装设计
41.茶历史文化与中国画的融合实践思路分析
42.中国画蕴涵的易道精神
43.论创作意识统筹下的大学中国画专业课程群科学化建构
44.浅析中国画笔墨心象表现与审美
45.古典文学中的诗词美对中国画的影响
46.中国画的意象造型观研究
47.浅谈中国画在中国艺术品市场中的角色位置
48.浅谈当代中国画设色的特点
49.民国时期中国画与西画的博弈
50.浅谈中国画的当代继承与传统创新
51.浅析中国画墨竹艺术的技法特点及形式风格
52.中国画线条艺术之美
53.中西融合--徐悲鸿中国画的时代精神
54.动漫艺术设计中中国画语言的作用分析
55.浅谈陶瓷绘画与中国画的共性
56.基于全球化语境下的中国画艺术延展与创新
57.论中国画创作中的民俗寓意
58.传统中国画中宋代院体花鸟画的价值
59.全球化背景下中国画教学改革意义的分析
60.浅析诗画融合下中国画意象化的空间表现
61.分析传统以及现代工笔画的不同表现方式
62.传统工笔人物画的意象造型与色彩分析
63.浅谈粉彩雪景的艺术特色与创作
64.新媒体对中国画教学的影响及建议
65.中国画写意梅花创作初探
66.论民国时期中国画改革对中国画发展之利弊
67.中国画的写意性
68.中国画的意象思维和意象造型的研究
69.中国画名家作品适时行情
70.中国画意境的构成
71.浅议文化历史情景下的中国画
72.浅析速写训练对中国画学习的重要性
73.现代服装设计对中国画艺术的传承与借鉴
74.探析艺术市场化对中国画自律性的影响
75.浅谈中国画中的程式化
76.论中国画构图在陶瓷绘画中的运用
77.中国画的笔法与运笔技巧
78.从气韵生动的角度浅析中国画构图
79.基于都市风下的中国画图式研究
80.中国画教学中问题意识的培养
81.浅谈中国画的构图与情感
82.论中国画创作中人物与背景关系的处理
83.当代中国画的传承与创新探讨
84.中国画立意浅论
85.中国画的气韵与审美引力波
86.中国画专业素描教学问题的再思考
87.传统民间青花山水对现代陶瓷山水画的影响
88.景德镇现代陶瓷绘画艺术风格的演变
89.浅析陶瓷界画山水的继承与发展
90.当代视觉体验与艺术形式的发展
91.基于中国书画特征颜色的专用色标设计与制作
92.论金代磁州窑瓷枕绘画装饰艺术及其艺术特征
93.浅析中国传统色彩
94.国画“留白”在包装设计中的运用分析
95.浅析中国传统水墨动画与三维水墨动画艺术的发展
96.“中国学派”动画电影叙事空间塑造的特点
97.中国画元素在当代油画中的融合与借用
98.浅绛彩瓷的绘制技法革新
99.多元文化背景下水彩画艺术的形式语言表现研究
100.中国传统壁画的装饰性色彩表现
101.空间观念的变革--论现当代中国画的创新趋势
102.试论中国高校现代油画教学的多样化
103.浅论传统书法并非抽象艺术
104.五谷画的艺术表现形式
105.简析清末海派绘画的世俗性特征
106.浅析石涛山水写生观与印象派风景写生观
107.中国画从气韵到实体的思想变革--论中国画“改良之争”
108.对景写生在中国山水画中的造境研究
109.浅谈中国当代绘画艺术的延展
110.如何把握工笔人物画创作中画面的色彩关系
刚刚看到，所以现在才来，先给点意见。楼上的讲的是书法哦~~讲的倒是很详细，如果可以用，就可以采纳了。先说说我对论文的建议，中国画发展源远流长，如果仅就中国画来写，必然范围很大，建议范围越小越好，小到一个点，当然这是偶们老师的看法。比如皴法的发展演变，比如人物画背景的发展演变，比如你眼中的青绿山水和水墨山水哪个更具优势，再比如你对现代社会中国画的看法等等。如果是毕业论文，我记得我们要求三万字左右，写起来很费事的。需要的资料更多。 顺便一说，其实我主修不是中国画，了解的不多，不好意思啊......
字数限制只能复制一部分，详情请去baidu.com/=搜索国画、花鸟或者山水画，会有更多。【摘 要】本文由中国画的基本表现形式入手，突出了中国画不同于西方绘画的“以线代面”的艺术特色，最后上升到中国画的精神方面，主要阐述了中国画受到中国的传统文化主流：儒家、道家和佛家的深刻影响，由此论证中国画的独特魅力。 【关键词】中国画 独特魅力 意境 中国画作为东方绘画的代表和典范，它的博大精深是无需赘言的。但当成为经典的同时也成为历史，时间不会受任何因素的影响变慢或停滞自身永恒的运动，经过时间的考验，人类一代代文明所结晶出来的辉煌业绩也随之层层叠叠积淀起来了。当我们从现有的文献资料和艺术品中来研究经典的时候，就会逐渐明白中国画在经历了数千年的历史和发展之后仍生生不息，自有其不同于其他绘画艺术的独特魅力。 一、我们对一个画种最初步、最直观的认知就是作画时画笔所经过的轨迹，也就是我们平常所说的“线条” 我们从初次接触西方绘画，进行素描、速写的时候，就常常用到了线条的概念。但是西画中的线只是比较单纯的线而已，只是一种构成提及的重要元素，用诸多的线条经过叠加或紧密联系来形成面从而构成空间。而中国画就有所不同了，中国传统绘画中的“线条”不仅是表现客观对象的外轮廓、结构等形象要素，而更为注重这些要素的组成过程、生长过程，同时中国画又将事物的状态概括到最精炼，只用简练的线条来表达事物的状态，致使中国画的线条已不是单纯意义上的线条了。 中国画中的线条还有更深刻的意义。我们仔细观察一下中国古画，或虚或实、或浓或淡、或粗或细……让我们恍然大悟，中国画中简练的线茶已将明暗转折巧妙地表现出来了，同时又比西画多了一些意境和趣味。 中国画中又有“书法用笔”和“书画同源”的说法，书法意在一个“写”字，要“力透纸背”，我觉得中国画也很在意一个“写”字，写比画似乎更深刻而且有韵律、节奏。且通过笔墨的节奏、韵律；运笔的强、弱、虚、实，“一波三折”，起伏转折，沉着有力，生动有势；用墨的浓、淡、干、湿、焦来表现，达到浓淡相生，韵味深长的画面；行线的长、短、曲、直，直中有曲，曲中见方，长短适中，动则有势，静则有威。这样使画面达到和谐的节奏、巧妙的组合、无穷的魅力。 二、从色彩方面来说，中国画更具有其独特的魅力 在西画中，我们首先看到的是丰富的色彩，而且画中的色彩地位平等，没有主次之分，缺一不可，同时西画中的色彩多是经过复杂混合的，因而可以说西画是一个色彩体系。但是在中国画中黑白两色是极为重要的色彩元素，也是首推的颜色，然后才谈得上其他的颜色。说到中国画，首先让人想到的就是笔墨，而笔墨落于纸上的直观表现实际上就是黑白，由此也可看到纸上的空白在画面中的重要地位，而且在中国画的作品中我们也可以看到那些虚无之处的奥妙，由于通常在概念上把色彩当成是一种画底子上的覆盖物，所以并不把画面所留出的空白当作是色彩，而这正是中国画的独特之处。我们有意识地把纸的白作为一种色彩来关照，就会发现这白色所用之多及其地位之重要，在中国画中的地位是举足轻重的，这正如黑白木刻的主版——黑。版画与中国画的巨大区别是不言而喻的，在此就不做过多的赘述。除此，在世界上任何别的画种都不像中国画那样把黑与白这两个颜色放在所以其他颜色之上，并且在意境和情趣上把黑白两色发挥到极致的程度，也只有中国画在色彩体系中形成了自己独特的一个黑白体系。
1997年 7月，作品入选庆香港回归、创百年辉煌“‘凤凰杯’祖国内地、香港、澳门、台湾大学生书画大展”，并获国家级铜奖； 1998年 获西安美术学院美术教育系国画专业文学学士学位； 2006年 6月，作品入选陕西省庆祝建党85周年展，并获优秀奖；12月，作品入选山东省美术家协会第12届新人新作展； 2007年 获西安美术学院中国画系山水画文学硕士学位；留校任教，就职于西安美术学院国画系陈国勇山水画工作室；5月，作品获西安美术学院2007届硕士研究生毕业创作一等奖；6月，作品《烟村》系列四幅入选“山东省第十二届美术新人新作展”，并发表于《山东省第十二届美术新人新作展作品集》；9月，作品《南湖游》系列之二参展“第二届中国美术。长安论坛暨《全国写意中国画名家邀请展》”；10月，作品《南湖游》系列之三参加香港长风拍卖，并发表于《希望长安西安美术学院作品集》；12月，作品《南湖游》系列之一入选“第四届中国西部大地情”画展，荣获铜奖，并发表于《“第四届中国西部大地情”中国画油画作品展作品集》； 2008年 参展“西安美术学院2008年度第三届专业教师美术作品新作展”；参展“西安美术学院2008年度第四届专业教师美术作品新作展”；4月，作品《南湖游》系列之一、三发表于《当代中国画》；12月，作品《南湖游》系列之二入选“2008青年美术家提名展”，并获入围奖，并发表于《2008青年美术家提名展优秀作品集》； 2009年 作品参展陕西省“建国60周年美术作品展”；1月，论文《中国山水画淡墨表现的魅力》于《当代艺术》上发表；3月，作品《南湖游》系列之五入选“西安美术学院2008年度第四届专业教师美术作品新作展”；6月，作品《烟树》入选“倡导绿色生活共建生态文明--全国美术作品展”，并发表于《倡导绿色生活共建生态文明全国美术作品展作品集》；西安美术学院09届本科毕业生作品展中获优秀指导老师二等奖；论文《试论中国山水画“淡和”之美》于《唐都学刊》上发表；7月，论文《中国山水画写生的必要性和现实意义》于《大众文艺》上发表；9月，论文《创新意识对现代山水画笔墨形式多样化的影响》于《大众文艺》上发表； 2010年 任职西安美术学院中国画专业讲师；3月，论文《<技法研究课程>教学探索》于《中国书画报》上发表；作品《向云山居图》《溪山绝佳处》发表于《当代艺术》；8月，参加“水墨风华”15人国画作品展；9月，论文《碰撞与融合---<中西方文化差异与现代山水画形式探索>》于《美术大观》上发表；11月，作品《南湖游》系列之二发表于《美术报》；12月，作品《南湖游》入选首届陕西省美术奖（创作奖），并获优秀奖； 2011年 4月，作品《烟树》发表于《港澳台美术报》；5月，参加长安画坛20人小品展；7月，作品《笔尖寒树瘦墨淡野云轻》、《性起妙不染心行寂无踪》、《烟林清旷图》等多幅作品发表于《美术世界》；10月，作品《长松瑞兽图》入选“高原-高原---中国西部美术展中国画年度展”；